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El teatro romano se desarrolló en el sigo III a.C. La producción teatral en un principio se asociaba con festivales religiosos, pero la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió rápido al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en entretenimiento. El gran periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERE.

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El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales fueron evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Este nuevo arte estuvo tan asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.

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Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil. Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero utilizaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer las características del personaje.

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La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, tiene un desenlace funesto. Es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES. Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).

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La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses.

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El teatro japonés es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen.

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El teatro medieval tiene la forma de drama litúrgico que se escenificaba en la Iglesia católica romana. Igualmente, este teatro se llevaba a cabo con frecuencia a través de festivales de tipo pagano y popular. Los escenarios en los que se realizaba este teatro era en las iglesias y catedrales por lo que solo estaba permitido representar lo religioso.

Así, se escenificaban dramatizaciones de relatos evangélicos y bíblicos de manera solemne y con ropajes eclesiásticos, a los que se le iban añadiendo de acuerdo a los personajes, elementos identificadores, tales como, alas, coronas, capas, entre otros. Tomando los papeles femeninos, los jóvenes clérigos.

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El teatro español, como el europeo, surgen vinculados al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un "drama", una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Los clérigos fueron los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, crearon los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia.

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Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales (siempre de autores anónimos) y, por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos. Aunque extrajeran trama y personajes de la teología cristiana, los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.

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Los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente como neoclasicismo. Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y solían estar basadas en modelos clásicos.

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Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parecieran estar lejos de los dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro.

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Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.

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Era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets. Molière está considerado como el gran dramaturgo francés.

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Teatro Isabelino Inglés y de la Restauración

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Teatro Isabelino Inglés y de la Restauración

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El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o lo usaban de forma selectiva.

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Siglo XVII d.C. Teatro Español del Siglo de Oro

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Siglo XVII d.C. Teatro Español del Siglo de Oro

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Este siglo acota uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien, la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las hermandades, dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.

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El uso del término ópera se inicia a mediados del siglo XVII para definir las piezas de teatro musical, a las cuales se les refería hasta ese momento con formulaciones universales como dramma per musica ('drama musical') o fávola in musica ('fábula musical'). Diálogo hablado o declamado, llamado "recitativo" en la ópera, acompañado por una orquesta o por una escueta línea de bajo, es la característica fundamental del melodrama, en el sentido original.

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El teatro del siglo XVIII era un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. El rey Lear y Romeo y Juliet.

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El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa. El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica.

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Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.

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Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.

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Desde 1790 se consideró un tipo de espectáculo popular en lugares como Inglaterra y Francia. Con su integración a la representación de tragedias familiares, son representaciones que no tendrán diálogos como acción prohibitiva ejercida por el poder para el teatro popular. En el año 1820 alcanza su máximo desarrollo con la publicación y el reconocimiento de obras como “La posada de Adrets”.

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Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos.

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El movimiento expresionista exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.

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Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.

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El teatro oriental en general de la India, China, Japón y el Sureste asiático, tiene ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes (una realización de la idea del teatro total de Wagner) que mezclan literatura, danza, música.

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Los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio, incluso sombrío.

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Debido a la influencia de Antonin Artaud, incrementó la aparición de una serie de grupos de teatro durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook.

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De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo que hizo llevadero un mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el que no hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes carece de sentido.

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El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo.

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Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. Tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre.

Es una especie de vanguardia teatral que tiene como finalidad la renovación del género dramático

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Transforma a los espectadores en actores y promueve la resolución de situaciones conflictivas con técnicas teatrales.

Se basa en escenas de angustia y ausencia relacionada con las experiencias del ser humano. Hablan de que cualquier acción del ser humano es absurda e inútil, y conlleva al sufrimiento y sacrificio.