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El Eternauta, Mafalda, El cabo Savino o Clemente son buenos ejemplos que prueban que la historieta es una parte constitutiva de la historia artística y cultural argentina. Juan Sasturain nos cuenta la historia de la historieta, de sus géneros y sus personajes, de sus autores y dibujantes. Un relato que comienza en los inicios de esta rama del arte y se continúa hasta nuestros días.

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El Eternauta, Mafalda, El cabo Savino o Clemente son buenos ejemplos que prueban que la historieta es una parte constitutiva de la historia artística y cultural argentina. Juan Sasturain nos cuenta la historia de la historieta, de sus géneros y sus personajes, de sus autores y dibujantes.

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Cuadernillo de ADA - Cómo ser profesionales

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Cuadernillo de ADA - Cómo ser profesionales

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En No dejes de visitar nuestro , te recomendamos especialmente que te detengas en nuestros tips: ADA estamos convencidos que la "Cómo ponerle un valor a nuestro trabajo" y "Ayuda para transitar la etapa de negociación con el cliente" docencia y la concientización son más efectivas que dar respuestas aparentemente resueltas en forma de Tarifario (por eso lo consideramos orientativo), por lo que recomendamos siempre que los colegas traten de comprender todo el proceso para llegar al número que represente el valor de nuestro trabajo. Ser conscientes de nuestra propia situación y límites es uno de los factores a tener en cuenta, y es por eso que facilitamos esta útil herramienta para obtener el valor de la Hora de Trabajo que nos permitirá tomar desiciones al momento de pasar o aceptar un presupuesto.

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En No dejes de visitar nuestro , te recomendamos especialmente que te detengas en nuestros tips: ADA estamos convencidos que la "Cómo ponerle un valor a nuestro trabajo" y "Ayuda para transitar la etapa de negociación con el cliente" docencia y la concientización son más efectivas que dar respuestas aparentemente resueltas en forma de Tarifario (por eso lo consideramos orientativo), por lo que recomendamos siempre que los colegas traten de comprender todo el proceso para llegar al número que represente el valor de nuestro trabajo.

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Ilustrando Dudas - Plataforma online dedicada a dar información, formación y asesoramiento a ilustradores que empiezan en la profesión de la ilustración

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Textures for 3D, graphic design and Photoshop!

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Poses de modelos para Dibujo Vivo. Videos y fotos gratuitas.

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The Croquis Cafe is a FREE artist model resource. We produce weekly video recorded modeling sessions and still photos of models from which to draw and painting....

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Early 19th century hand-coloured

engravings of heath flowers

The vast majority of the 860+ species in the genus Erica (heaths/heather) are endemic to southern Africa. Plants from this genus don't respond well to being dug up and relocated and very few specimens were seen in Europe before the late 1700s. Discovery voyages eventually included botanists and specialist plant collectors and handlers. They could successfully preserve, dry or nurture Erica species and their parts, enabling samples to survive the rigours of a three month sea voyage to Europe.

An indication of the proliferation over time of African species of heather in Europe can be seen in this graph of ~publications on Erica species. The first large peak corresponds to the array of heath plants described in the book series from which the illustration plates below were selected.

By way of clarification: the Ericaceae family consists of two very similar genera: Erica (aka winter heather; and more likely called heath) and Calluna (aka summer heather, consisting of one species, Calluna vulgaris, from which the many popular heather varietals - domestic shrubs - have been bred). The species depicted below are from the Erica genus.

'Coloured Engravings of Heaths' by HC Andrews is a 4-volume series from the early 19th century (seen below), and is particularly noteworthy because the author is believed to have also taken on the roles of artist, engraver, publisher and hand-colourist. That level of multi-tasking is fairly rare in the world of scientific publishing, at least in my experience.

"This work exemplifies the 'Erica-mania' that dominated English horticulture at the beginning of the nineteenth century. Numerous newly discovered South African species were being introduced through the enterprise of nurserymen like Lee and Kennedy^, and several hundred species and varieties were available and in cultivation."

Erica hirta, var viridiflora

Erica aurea, flore pallida

The full title of Henry Charles Andrews' publication is: 'Coloured Engravings of Heaths. The drawings taken from living plants only. With the appropriate specific character, full description, native place of growth, and time of flowering of each; in Latin and English. Each figure accompanied by accurate dissections of the several parts (magnified where necesary) upon which the specific distinction has been founded, according to the Linnæan system'. It appears Andrews was author-publisher of some six or eight botanical works in total (including a few multi-volume series); most on Erica/heath species, together with monographs on some rare plants and flowers. His name(s) make(s) tracking down his publishing record difficult to say the least.

"'Coloured Engravings of Heaths' published between 1794 and 1830 is regarded as the most significant work of the botanical artist Henry Charles Andrews {fl. 1784-1830) (Cleevely & Oliver 2002). He has always been something of an enigma. His dates of birth and death have not been discovered. His family background is obscure, apart from a link to the nurseryman John Kennedy (1759-1842) through his marriage to ^Kennedy's daughter, Anne (b. 1784). For much of his life Andrews lived in London, and judging by his numerous business addresses between 1813 and 1825, was rather unsettled. He described himself as ''Botanical printer and engraver" but from the evidence of a paper slip^ preserved in one copy of Coloured engravings he had another occupation, for this announced that 'H. Andrews respectfully informs the nobility. Gentry &c. that he continues to Teach DRAWING and COLOURING correctly from Nature, ETCHING, &c on the most reasonable terms.' "

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Books ~~ Illustrations ~~ Science ~~ History ~~ Visual Materia Obscura ~~ Eclectic Bookart.

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La revista Sacapuntas es una publicación virtual original de ADA que se editó entre los años 2006 y 2010. Sus contenidos (notas, reseñas, entrevistas, informes, humor) siguen siendo vigentes y de mucha utilidad para todos aquellos que aman la profesión y los que saben sacarle punta al lápiz.

El Sacapuntas no es, como algunos creen, un vulgar utensilio del dibujante. Años de servicio en diversas mesas y tableros han constituido su identidad sólida e indestructible. Desde la primitiva hoja de acero hasta el más moderno dispositivo eléctrico, el sacapuntas ha demostrado una incomparable capacidad de adaptación al medio. Este instinto de supervivencia no es casual y, sin lugar a dudas, justifica su razón de ser: el sacapuntas no es un lujo ni un capricho, sino una necesidad.

Ante el avance de la técnica y los cambios en el modo de producción, muchos han relativizado su vigencia, argumentando que sólo perdura -cual pintoresca atracción- en el romántico museo de los puristas. Vale decir que esta línea de pensamiento peca de trivial y, por cierto, es errónea, puesto que la esencia del sacapuntas excede su mero carácter material. El sacapuntas está, conceptualmente, presente en un portaminas, y aun en la paleta de herramientas de cualquier programa de dibujo o edición de imágenes. Y, profundizando todavía más en nuestra tesis, podemos decir que su entidad es indisociable del acto de dibujar; existe en el devenir del trazo. En otras palabras, el dibujante es un sacapuntas.

Sin embargo, su labor -fundamental en la historia del dibujo- nunca ha sido bien ponderada. Tal vez a causa de un prejuicio banal, el lápiz, el papel, e incluso la goma, se han hecho acreedores del protagonismo, relegándolo a un escalafán subalterno; al humillante rincón de lo accesorio. Pero La Historia siempre da una revancha y tantos años a la sombra lo han dotado de una fuerza vital y creadora. El sacapuntas, damas y caballeros, se ha subjetivizado.

Por tales motivos, quienes integramos el Comité del Sacapuntas, nos hemos embarcado en la noble empresa de devolverle a este lo que La Historia le ha quitado, honrando su ilustre pasado y proyectándolo hacia el futuro.

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La revista Sacapuntas es una publicación virtual original de ADA que se editó entre los años 2006 y 2010. Sus contenidos (notas, reseñas, entrevistas, informes, humor) siguen siendo vigentes y de mucha utilidad para todos aquellos que aman la profesión y los que saben sacarle punta al lápiz.

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Martin Lewis tuvo cierto éxito al principio de su carrera, pero la Gran Depresión le relegó a un segundo plano y pasó las últimas tres décadas de su vida enseñando a otras personas la técnica del grabado.

Entre estas "otras personas" se encontraba el gran Hopper, el maestro de la pintura que nos enamoró con sus personajes y paisajes solitarios. A pesar de eso, Lewis murió olvidado como artista en la sombra en 1962, siendo maestro de arte retirado. Los extraños caprichos del destino quisieron que la historia eligiera a Hopper para triungar, pero Martin había sido su mentor y probablemente Hopper nunca hubiera sido Hopper sin Lewis.

Consciente de ello el pintor decía en su propia biografía, "después de retomar mi grabado, mi pintura pareció cristalizarse" y fue, de la mano del ilustrador australiano cuando Hopper aprendió los conceptos básicos del grabado.

Martin se había mudado a Nueva York desde su Australia natal en 1909 y los dos se hicieron buenos amigos en el círculo de artistas que frecuentaban.

Lewis empezó en el arte del grabado en el año 1915 y utilizaba una prensa para realizar las impresiones que en aquel momento eran admiradas y demandadas por la élite de la costa este. Mientras se hacía un nombre en Nueva York, Hopper le preguntó si podía estudiar con él para aprender su técnica y así fue como se convirtió en su mentor. De él aprendió el delicado trabajo del grabado y utilizaban la noche de la ciudad que nunca duerme como inspiración para sus obras.

Sin embargo, años más tarde, mientras Hopper preparaba una exposición individual en Pittsburgh, en pleno apogeo de su carrera, rechazaba de esta manera la influencia del trabajo y el aprendizaje del maestro del grabado, "Lewis es un viejo amigo mío", argumentaba quitándole de todo valor profesional en su obra, "cuando decidí grabar, él, que ya había hecho algunos, se alegró de darme algunos consejos sobre los procesos puramente mecánicos, la conexión a tierra del lugar, la impresión, etc.".

Evidentemente, en ese momento ya no eran amigos, aunque el matrimonio Hopper lo achacaba a que era comprensible que a Lewis se le hiciera duro ser testigo cercano del éxito de su amigo.

Una vez más tarde, casi 50 años después de su muerte, una impresión de Lewis, "Shadow Dance", se vendía por el precio récord del artista, 50.400 dólares en una subasta en Nueva York, recibiendo un merecido reconocimiento que por desgracia no pudo ver.

Por su parte, Hopper siempre consideró el grabado como el medio que le permitió explorar otras vías como artista y muchos de sus grabados se convirtieron después en algunas de las pinturas que más famoso le hicieron.

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Quincenal, con artículos exclusivos de arte, erótica, estimulante y lifesyle.

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Grabados noctunos de Martin Lewis, el maestro olvidado de Edward Hopper - Cultura Inquieta

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Martin Lewis tuvo cierto éxito al principio de su carrera, pero la Gran Depresión le relegó a un segundo plano y pasó las últimas tres décadas de su vida enseñando a otras personas la técnica del grabado. Entre estas "otras personas" se encontraba el gran Hopper, el maestro de la pintura que nos enamoró con sus personajes y paisajes solitarios.

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ilustrador Danés

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Galleri Ib Spang Olsen ligger i Badstuestræde 8, midt i indre by i København. Her i galleriet finder du skønne gaver til både voksne og børn. Halfdans ABC, tegninger, tryk, litografier, originaltegninger, bøger og

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http://www.madinspain.com – http://domestika.org

Conferencia de Puño en MADinSPAIN 2011, en el Palacio de Congresos de Madrid el 4 de junio de 2011. MADinSPAIN es un evento internacional de diseño organizado por Domestika.

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El 10 de Marzo de 2016 en el Museo del Libro y de la Lengua se llevó adelante la presentación del libro de Marcos Krämer "Un reflejo en la penumbra" (Milena Caserola, 2015-16), ensayo sobre la vida y la obra del artista plástico argentino Fernando García Curten.

Participan: Luis Felipe Noé, Rocambole, Fernando García Curten, Marcos Kramer

Después de años de trabajo y exposiciones internacionales Fernando García Curten (1939), uno de los artistas más secretamente reconocidos de su generación, supo que su arte había alcanzado un nivel definitivamente consagrado cuando, en el año 1990, se realiza una muestra retrospectiva exclusivamente dedicada a su obra en el Centro Cultural Recoleta.

Fue entonces cuando, en forma abrupta y sin lógica aparente, decidió renunciar a la exhibición pública y regresar a San Pedro, su pueblo natal, abandonando todo contacto con el mundo del arte.

El autor de Un reflejo en la penumbra desanduvo el camino del artista hasta San Pedro para instalarse durante cuatro días en su extraña casamuseo e indagar frente a frente el motivo de aquel alejamiento aprovechando para dejar evidencia por primera vez de la vida y la obra de Fernando García Curten.

Un reflejo en la penumbra busca cruzar el ensayo, la crónica y la entrevista para dar cuenta de la vida y la obra de García Curten, uno de los artistas plásticos más secretamente reconocidos de su generación. Su contacto con Luis Felipe Noé, Abelardo Castillo, Ernesto Sábato y Rocambole, entre otros, da cuenta de ello.

Luego de su retrospectiva en el Centro Cultural Recoleta (1990) García Curten decidió misteriosamente renunciar a la exhibición pública y regresar a San Pedro, su pueblo natal, abandonando todo contacto con el mundo del arte y fundando su propia Casa-Museo, donde hoy vive y trabaja. Allí se dirigió el autor para resolver el enigma.

Fernando García Curten (San Pedro, 1939) es uno de los artistas plásticos más secretamente reconocidos por sus contemporáneos, como Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, Abelardo Castillo, Rocambole y Luis Felipe Noé, entre otros. Empujado por su formación autodidacta, y después de decenas de muestras en Argentina, Estados Unidos y Europa, en 1990 realiza una muestra retrospectiva en el Centro Cultural Recoleta, "Con basura y piedad", aclamada por la crítica y el público, donde se consolida su fama de "escultor de los deshechos". Inmediatamente después de esa muestra García Curten decide desaparecer del ambiente artístico y refugiarse en San Pedro en la casa donde nació y creó toda su obra. Allí vive hoy, en su propia Casa Museo visitada por miles de personas de todo el mundo, todavía creando y resistiendo.
Marcos Krämer (Buenos Aires, 1987) es escritor, ensayista y licenciado en artes visuales por la Universidad de Buenos Aires. Actualmente se desempeña como crítico en diversos medios gráficos argentinos e internacionales. Además realiza tareas de docencia e investigación en el Museo Nacional de Bellas Artes. En 2014 publicó "Cortar el horizonte" junto al artista visual José Luis Landet (Document Art, 2014). Acaba de publicar "Fernando García Curten. Un reflejo en la penumbra" (Milena Caserola, 2015).

Fernando García Curten expuso en el Centro Cultural Borges de la ciudad de Buenos Aires el jueves 03 de junio de 2010.
Hacía más de dos décadas que Curten no exponía, en esta oportunidad se pudieron apreciar gran parte de sus dibujos en el marco del proyecto "La línea piensa". El mismo nace del convencimiento de que el dibujo en y de nuestro país no está lo suficientemente valorado a pesar de tener extraordinarios cultores. Y su propósito principal es contribuir a llenar ese vacío.

Fernando García Curten -tan excelente escultor y dibujante como desconocido por la mayor parte de nuestra tribu artística- vive en su casa natal de San Pedro (Provincia de Buenos Aires) convertida en 1992 en un museo que lleva su nombre, al cual él dirige, por decisión de la Legislatura de esa ciudad. Ya han transcurrido una veinte años desde la última y sorprendente exposición de esculturas que realizó en el Centro Cultura Recoleta. Ahora La línea piensa tiene el orgullo de presentar por primera vez en Buenos Aires una antología de dibujos de este notable maestro.

Su aislamiento contrasta con el hecho de que casa-museo es visitada constantemente por argentinos y extranjeros que en su mayor parte viajan especialmente a San Pedro con ese fin. Se encuentran allí -luego de atravesar un pequeño bosque de exuberantes plantas- con sus imponentes esculturas. Estas, hechas de maderas -que se ensamblan como luchando entre ellas, se superponen, se entrecruzan, se muerden- configuran, cada una, batallas por la sobrevivencia humana. Del conglomerado de estas surgen como gritos figuras que se enuncian y se abstraen simultáneamente. Algo así como cuando hablando de una persona concreta la rodeamos de conceptos abstractos y de calificativos que se contradicen entre sí, de tal modo, que ella ya no es ella, sino una bola de nieve (en este caso de madera) que se hecha a rodar. Y, por cierto, que una de sus esculturas es una descomunal rueda. En otras las figuras deshacen su identidad en el amasijo de las maderas. Por algo, García Curten trabaja con ese material. En China oí decir la sorprendente y paradójica afirmación de que el árbol ha sido la primera presencia humana en la tierra.

El visitante del museo también se encontrará con algunas pinturas pero, sobre todo, con una gran cantidad de dibujos. Estos tienen en común con las esculturas la crispación astillada, pero, esta vez, hechas a puras líneas. Nos ayudan a volver a contemplar sus esculturas y hallar en la coalición de trozos de madera la presencia de líneas como si fueran dibujos. Y vueltos a estos encontrar en el entrecruzamiento de líneas una concepción matérica del dibujo. En un arte como en el otro, García Curten nos presenta estallidos. Pero, si en sus esculturas -por propia naturaleza de este lenguaje artístico- existe un eje totémico, en los dibujos es el mundo que estalla. Ello hace que a pesar de sus tamaños de papeles normales tengan presencia de murales. Si las esculturas existen en el espacio, este está adentro de los dibujos. Por ende, por este hecho, adquieren total autonomía. En todos ellos hay un eje temático-literario que nos está queriendo decir un mensaje, pero el espectador al recibirlo casi se olvida de la concreta referencia y recibe una cosmovisión, como pocos artistas la tienen del mundo en que vivimos. Entrar en ellos es fascinante y es descubrir el secreto de su aparente aislamiento: tomar distancia para ver el conjunto. Y así, brinda un todo donde la línea va sopesando la participación concreta de los elementos que la integran y que van configurando un Imago mundi, como si fuesen vistas aéreas de la tragedia humana. Pero, para transmitirla a esta, el bien sabe que hay que hacerlo sin perder el salvador sentido del humor: ese ver el reverso de las cosas.

Quiero finalizar este prólogo con una salvedad y una advertencia. La primera es que no es recomendable tratar de entender estás obras bajo el calificativo de expresionistas. Como un auténtico artista él cumple el axioma de Rimbau yo es otro García Curten en su quehacer artístico viaja a la otredad de su yo. Ahora la advertencia: García Curten es un ejemplo de que al arte argentino hay que descubrirlo en todos los rincones del país.

Luis Felipe Noé, Mayo 2010.

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El 10 de Marzo de 2016 en el Museo del Libro y de la Lengua se llevó adelante la presentación del libro de Marcos Krämer "Un reflejo en la penumbra" (Milena Caserola, 2015-16), ensayo sobre la vida y la obra del artista plástico argentino Fernando García Curten.

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An unconventional drama about violence, language and illegal immigration.

2018 Eisner Award Nominee for Best Digital Comic.
2018 Harvey Award for Digital Book of the Year.

"Brian K. Vaughan is a pretty great comic book writer. Marcos Martin is a jaw-droppingly amazing comic book artist. Barrier is a comic that deserves a whole lot of fanfare."

"A fascinating mix of topical immigration issues, drug cartels and something wholly unexpected. 10 out of 10."

"Two of Comics' Best Creators Take on Illegal Immigration."

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Panel Syndicate is the official home of The Private Eye, a digital comic book by Brian K. Vaughan (script), Marcos Martin (art), & Muntsa Vicente (color)

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Zona de animación. Toda las novedades del cine de animación argentino e internacional. Notas, entrevistas, trailers y más

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Los artistas que colaboraron en el proyecto son: Allan Pilon, Allan Sanches, Ananda Radhika, Anaximandro Santos Martins, Anderson Lister, Animaçau, Antônio Lilhares, Barbara Oliveira, Beto Gomez, Bia Leme, Breno Rohr, Bruno Sandes, Catalina Torres, Cesar Custódio, Dalton DaSou, Daniel Caetano, Daniel Veras Burigo, Eduardo Bruekers, Eliana Miyuki, Felipe L.

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Animación - Películas y series - Noticias

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Noticias y actualidad sobre las mejores películas de animación, estrenos y series animadas con tráilers, vídeos, fotos, críticas y recomendaciones.

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Que estamos en cuarentena ya no es noticia. Que todas las noches a las 21 horas salimos a aplaudir al personal de salud, tampoco. Que algunos días estar encerrados en nuestras casas nos produce angustia, menos que menos. Lo que sí es noticia, y muy buena, es que como muchas otras instituciones y empresas, Fundación...

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Que estamos en cuarentena ya no es noticia. Que todas las noches a las 21 horas salimos a aplaudir al personal de salud, tampoco. Que algunos días estar encerrados en nuestras casas nos produce angustia, menos que menos. Lo que sí es noticia, y muy buena, es que como muchas otras instituciones y empresas, Fundación...

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Juan Sasturain y Eduardo Maicas profundizan en la historia del humor dibujado en la Argentina

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Aunque es mundialmente conocido por su personaje Mafalda, Quino le dedicó la mayor parte de su carrera a retratar el mundo en que vivimos. Alejado de las coyunturas políticas, tematizó sus viñetas con los valores universales y la vida cotidiana. Mostró la tiranía de la modernidad, el consumismo y la soledad del hombre en un mundo masivo. Desde el Museo del Humor, él mismo nos cuenta sobre su trabajo. Participan, además, Niño Rodríguez, Daniel Divinsky y Crist.

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Aunque es mundialmente conocido por su personaje Mafalda, Quino le dedicó la mayor parte de su carrera a retratar el mundo en que vivimos. Alejado de las coyunturas políticas, tematizó sus viñetas con los valores universales y la vida cotidiana. Mostró la tiranía de la modernidad, el consumismo y la soledad del hombre en un mundo masivo.

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El ilustrador freelance

Por (*) Nota publicada en la revista Silencio en la Costa. Rodolfo Fucile La imagen del dibujante bohemio y desordenado, que duerme cuando tiene ganas, entrega cuando quiere y cobra por dar rienda suelta a su imaginación es, en realidad, un clisé distorsionado, con altas dosis de fantasía, que poco tiene que ver con la vida laboral del ilustrador independiente. Es verdad que, al no tener horarios de trabajo estrictos ni relación de dependencia, existe cierto grado de autonomía, que desde la óptica del empleado asalariado se interpreta como pautas de vida relajada y tiempo libre. Pero también es cierto que esa supuesta libertad está signada por la inestabilidad laboral (que deriva en incertidumbre económica) y por condiciones de contratación muchas veces precarias. En primer lugar, el ilustrador "freelance" debe ser monotributista. Hoy en día es una excepción que una empresa contrate al ilustrador como empleado. Por lo tanto, como cualquier monotributista, el ilustrador debe pagar sus impuestos, aportes previsionales y de obra social, tenga o no trabajo. Si por falta de ingresos se ve obligado a suspender el pago, se convierte en deudor y además pierde la cobertura médica. Debido a su condición de monotributista, tampoco accede a los habituales derechos de cualquier trabajador (asignaciones familiares, aguinaldo, vacaciones) ni a convenios colectivos de trabajo o paritarias, que protejan su situación contractual y le permitan actualizar los precios de sus colaboraciones. En otras palabras, la relación laboral entre ilustrador y empresa (editoriales, agencias, medios gráficos, etc.) es legalmente un acuerdo entre particulares, regido por la "libertad individual". Pero como esta relación es marcadamente asimétrica, muchas veces el ilustrador se encuentra en una situación de desamparo, sin otra posibilidad que aceptar malas condiciones o quedarse sin trabajo. A pesar de ser una situación generalizada que afecta a todos los trabajadores freelance, estos problemas han sido ignorados e invisibilizados. Entre los dibujantes existen solidarias redes de información, que facilitan el intercambio de experiencias laborales, el asesoramiento legal y las gestiones ante organismos públicos (hoy en día la Asociación de Dibujantes de Argentina está cumpliendo un papel importante en ese sentido). La reciente creación del Instituto Nacional de Artes Gráficas fue un gran paso para el reconocimiento de la profesión. Sin embargo, falta aún avanzar sobre leyes y acuerdos con el sector empresario, para obtener mejoras colectivas en el campo laboral. Una tarea que sólo se logrará con la unidad y el esfuerzo de todos los dibujantes. www.silencioenlacosta.blogspot.com.ar

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Por (*) Nota publicada en la revista Silencio en la Costa. Rodolfo Fucile La imagen del dibujante bohemio y desordenado, que duerme cuando tiene ganas, entrega cuando quiere y cobra por dar rienda suelta a su imaginación es, en realidad, un clisé distorsionado, con altas dosis de fantasía, que poco tiene que ver con la vida laboral del ilustrador independiente.

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Remedios Zafra: “La precariedad en los trabajos creativos funciona como forma de domesticación”

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Hay una frase en el nuevo libro de Remedios Zafra (Zuheros, Córdoba, 1973) que describe con precisión un silencio histórico, atribuido al decoro, que ella pretende dinamitar. Dice así: "En algún momento de nuestra historia hablar de dinero cuando uno escribe, pinta, compone una canción o crea se hizo de mal gusto".

En El entusiasmo, Premio Anagrama de Ensayo en 2017, Zafra, escritora y profesora de Arte, Estudios Visuales, Estudios de Género y Cultura Digital en la Universidad de Sevilla, se asoma a las condiciones en las que actualmente se produce y gestiona la cultura, puesto que -y es imprescindible el recordatorio- "nunca una creación se hace aislada del mundo material".

Añade así una nueva capa al corpus que ha formulado en ensayos previos -también en Los que miran (Fórcola Ediciones, 2016), una muy recomendable primera incursión en el terreno de la novela-, siempre inclinado a la observación de cómo el arraigo de internet está afectando a nuestra vida.

No por previsible menos demoledora, una de las conclusiones a las que arriba su trabajo debería hacer saltar todas las alarmas ya que pone negro sobre blanco un estado de cosas insostenible: el mundo cultural, resume Zafra, "es mantenido por colaboradores a tiempo parcial, entusiastas becarios y figuras diversas para la gestión de redes".

¿Por qué es importante analizar la precariedad en el trabajo creativo en la era digital y hablar sobre ella?
La precariedad es una de las formas más habituales que adquiere la desigualdad en el capitalismo y es importante porque hoy caracteriza los modos predominantes de trabajo en un mundo conectado. Es tan habitual que tiende a pasar desapercibida. Y me parece que esto ocurre por varias razones, entre otras: la precariedad en el trabajo creativo se camufla con altas dosis de motivación y voluntarismo; en ocasiones recibe pagos inmateriales o simbólicos que hacen sentir a los trabajadores que ya han tenido una ganancia -aunque sea un mero certificado o un mayor número de seguidores-; refuerzan la tradición de que la creación conlleva un pago 'distinto' -"qué afortunado soy por dedicarme a lo que me gusta"-.

Esta naturalización de las formas de precariedad en la era digital se apoya, además, en vidas online donde cada vez dedicamos más tiempo a gestionar nuestras redes y a 'nosotros' en ellas. Nosotros como el gran producto creativo de ahora.

¿Por qué hay que hablar sobre ella? Porque esta precariedad habla de la época que vivimos y, por tanto, trata de algo que nos está pasando, que podemos y en lo que, si en algo nos importa lo social, tenemos que intervenir. Me parece que escribir sobre ella, ayudar a pensarla, contribuye a romper el lazo de su 'normalización', pero también nos facilita reflexionar sobre las nuevas formas de conformación de valor en un mundo en red, la política implícita en esta economía.

¿Qué la hace diferente a las precariedades de otros sectores productivos?
Pienso que, ante todo, la motivación implícita en todo trabajo creativo. La vida cultural y creativa suele venir de prácticas en muchos casos vocacionales que en algún momento nos orientaron a una formación dirigida y, en otros, a transitar por determinadas aficiones con pasión y entusiasmo. Hay, por tanto, una clara expectativa.

Un joven repartidor de comida a domicilio puede compartir precariedad con un escritor cuando ambos compiten por los mismos trabajos temporales y mal pagados, pero habitualmente el trabajador creativo viene de desinflar su currículum, quitarse años y ver frustrada su expectativa profesional mientras sigue haciendo másters. Creo que es aquí, en la expectativa que los trabajadores creativos tienen sobre sí mismos después de una vida -joven y adulta- dedicada a la formación, donde se dibuja algo singular de la frustración laboral contemporánea. Expectativa que hoy se canaliza, expresa y transforma en una cultura en red.

¿Cómo afecta esa precariedad a la propia creación y a los mensajes que se transmiten desde las industrias culturales?, ¿se nota de alguna manera o pasa completamente desapercibida a los ojos de quien recibe esos mensajes?
Las formas de crear están cambiando con internet y esto tiene múltiples lecturas tanto descriptivas, y más antropológicas, como lecturas políticas y críticas. Bajo este último enfoque podríamos decir que la creación también es ahora más precaria. Varios pensadores hablan de la imagen y la obra precaria en las redes surgidas de la celeridad, la vulnerabilidad, el remix y la caducidad. Obras condenadas a ser sustituidas rápidamente por lo más nuevo, lo más visto, que se hacen y almacenan sin apenas ser vistas. Como efecto, la creación se vuelve rápida y excedentaria, apoyada en titulares que buscan resumirlo todo, emocionar y no pensar, primando la acumulación y la cantidad a la profundidad.

Los mensajes de las industrias culturales siguen la misma inercia, como si la maquinaria no pudiera parar, se apoyan más que nunca en aspectos emocionales e intuitivos. Y me parece que la percepción de este tipo de creación tiende a ser interiorizada como parte de los tiempos que vivimos. Es fácil habituarse a estrenar constantemente información y obra. Es lo que también hacen los niños cuando, frente a diez regalos, piden más sin haberse parado a ver qué había en los anteriores. Tengo la sensación de que hemos dejado de mirar con atención las cosas. Vamos demasiado rápido y la concentración se posiciona como una de las grandes pérdidas, o de las grandes crisis.

Afirmas que "el sistema cultural se vale hoy de una multitud de personas creativas desarticuladas políticamente". ¿No se supone que las personas creativas, los sujetos que trabajan en/con la cultura, tienen una especial capacidad política, tanto en el análisis como en la práctica?, ¿no les ha valido para enfrentar esa desmovilización política?
Cuando el sistema cultural se sostiene en la precariedad y la competitividad, los vínculos entre iguales corren el riesgo de fracturarse. Después de la universidad es fácil encontrar a viejos compañeros compitiendo por los mismos empleos temporales, premios o becas que agranden su currículum entretanto esperan algo mejor. El concurso constante es una forma de mantener desactivadas a las personas, pues llegan a pensar que ganar a 50 personas y obtener un trabajo temporal o no remunerado es "un premio".

De un lado, la inmersión en esa búsqueda constante de trabajo (mejor), de otro la competitividad, y como contexto un hábitat online que favorece nuevas formas de individualismo, esbozan un escenario que dificulta el vínculo político, más allá de las espontáneas conformaciones de multitudes online.

Cierto que las aristas son muchas y que el contexto cultural pareciera idóneo para una toma de conciencia política, pues la materia con la que trabajamos son ideas, expresiones, pensamiento. Sin embargo, este contexto se desactiva si no hay libertad y se sostiene en la desigualdad que provoca la precariedad, entonces priman la impostura y la inercia.

¿Para qué sirve entonces la creación cultural si no es para intervenir políticamente?
Coincido en que la creación cultural debe servir para ayudar a las personas a ser más libres, más iguales -socialmente-, más diversas -en nuestras formas culturales-, y claramente esto tiene una lectura política, puesto que toda creación que favorezca nuestra libertad se apoya en una toma de conciencia, en un posicionamiento disruptivo que de pronto nos permite visibilizar desigualdad o visibilizarnos en esa desigualdad.

Sin embargo, en la creación cultural contemporánea tanto las formas de trabajo como las formas de experimentar la cultura están influenciadas por viejos patrones que no terminan de ceder y nuevos que no terminan de nacer. Tengo la sensación de que el capitalismo cultural anima a vivir la cultura como entretenimiento y consumo, o como intervalo que interesa pero después resbala; es decir, como algo que no siempre llevamos a nuestra vida cotidiana.

Y pienso que tiene que ver con cómo el exceso de mundo visualizado en las pantallas genera tal saturación de noticias casi siempre negativas, que la cultura parece sucumbir a lo que ofrece el mercado dando la respuesta: "No piense, relájese, disfrute, aquí lo más vendido, lo que debe comprar/leer, lo que mermará su angustia un rato". Las pantallas son las nuevas gestoras de grados de perturbación que toleramos, incluso de grados de autoengaño que estamos dispuestos a resistir.

¿Qué papel han jugado los sindicatos en este destrozo de los derechos laborales en la esfera digital que analizas en El entusiasmo?
La tradición de los artistas y creadores no ha sido la de un colectivo sindicado. Los mitos que han reforzado su individualismo y primar ante todo su obra frente al sueldo o retribución que esta merece han alimentado idealizadas figuras para las que hablar de dinero era de mal gusto. No obstante, el contexto no es uniforme y de muchas maneras comienzan a vencerse esas inercias, de forma que diversos movimientos asociativos empiezan a articularse de manera colectiva y reivindicativa con base en los trabajadores.

¿No podría ser la afiliación sindical una manera de articular políticamente a esa multitud de personas creativas de las que se vale el sistema cultural?, ¿por qué no sucede esto, por qué no se considera a los sindicatos como herramientas para las personas que trabajan en las culturas?
Podría serlo, pero se precisa confianza en las estructuras sindicales también salpicadas por el fango de la corrupción que tanto ha afectado la política de este país. Parece entonces necesario resignificar lo viejo o idear nuevos formatos que cumplan la función de defensa de derechos de los trabajadores.

De otro lado, me parece que la precariedad en los trabajos creativos funciona como forma de domesticación, porque es engañosa y tiende a hacer pensar que es temporal o que es necesaria como fase para trabajos mejores, más estables. Cierto que esta situación, unida a la tradición de trabajo solitario en lo creativo y la actual crisis de vínculos entre iguales derivada de la competitividad del capitalismo digital, favorece un escenario de mayor individualismo, sin embargo cabe pensar que desde la conciencia la alianza siempre es posible.

¿Qué vías existen para crear una comunidad que pueda revertir las situaciones de precariedad que describes en el libro?, ¿es reversible esa precariedad?
Este libro está escrito como un intento de situar las contradicciones y conflictos del asunto en la realidad contemporánea, pero no está construido para llegar a unas determinadas vías argumentadas o conclusiones delimitadas, sino para animar el pensamiento propio y a interpelar con un relato político. Por ello creo que es más sugerente que propositivo.

No obstante, quienes se animen a leerlo podrán transitar por vías especulativas relacionadas con la alianza, la imaginación y la mutación como "vías" lo suficientemente amplias para imaginar fórmulas más concretas y contextualizadas. Creo que ayudar a pensar, y no sentenciar lo pensado, es más coherente con la defensa de libertad que hace este libro.

Sobre si es reversible, no se trataría tanto de volver al estado anterior, sino de transformarlo y ser capaces de crear otras, mejores, condiciones. Liberar la imaginación de tanto lastre precario es un reto porque los cambios que precisamos son también estructurales.

¿Hasta qué punto la vocación y el ego funcionan como un engaño en estas profesiones creativas de las industrias culturales, como una coartada para aguantar condiciones inaceptables en cualquier otro trabajo? Lo aceptas porque es "tu vocación", tu canción, tu cortometraje, tu libro, tu artículo y porque sale tu nombre.
La vocación es un asunto tan crucial como íntimo cuando lo que está en juego es "nuestro nombre". Como si despojados de lo material nos lo jugáramos todo a ese nombre que se convierte en marca, en portada de artículos vacíos de sentido pero que cumplen las normas, en epígrafe de un currículum repleto de certificados con membrete, en interruptor de registros Google que te definen, en secuencias de números de seguidores que se acumulan. No hay motivación mayor para un humano que uno mismo, la vanidad es el gran motor de las redes y de ello se valen las industrias digitales para las que "el yo" es el producto.

¿Existe un entusiasmo que pueda acabar no haciendo el juego al sistema? De existir, ¿dónde se encuentra?
La vulnerabilidad del entusiasmo radica en convertir a los entusiastas -subordinados- en agentes partícipes de su propia subordinación. Trabajar gratis y dar las gracias es algo que podemos encontrar en quienes tienen miedo o viven situaciones de desigualdad. En el libro desarrollo esta idea en relación a pobres y mujeres que se incorporan al mercado laboral con una mayor expectativa queriendo demostrar que pueden hacerlo y que lo harán con más motivación que nadie, chocándose casi siempre con la claudicación y el abandono como algo alimentado y previsible. La desigualdad es la fuente de esta opresión derivada del abuso de poder apoyado en ese entusiasmo inducido.

Frente a ese entusiasmo que surge como estrategia para lograr un trabajo o un reconocimiento y del que se beneficia un sistema que quiere más por menos, existen formas de entusiasmo sincero relacionadas con la pasión creativa cuando se vive en libertad y con mayores grados de igualdad. Me parece que si este entusiasmo habitara un lugar sería este, el de la libertad.

El trabajo creativo en la era digital aparenta ser incorpóreo, poco físico, pero afecta directamente a los cuerpos de las personas que lo realizan. ¿Cuáles dirías que son los principales accidentes laborales que sufren, en sentido metafórico y también en sentido literal?
Creo que los accidentes y heridas laborales de los trabajadores digitales tienen especialmente que ver con la ansiedad. Esa sensación de no poder abarcar lo que se quiere hacer, acceder a lo que se ha descargado, ver lo que está disponible, responder a las demandas e interpelaciones humanas y de la máquina, vivir-trabajando...

No es de extrañar que el uso de ansiolíticos y medicamentos que permiten un "entusiasmo artificial" haya aumentado tanto en los últimos tiempos. Este es un asunto que me interesa y sobre el que directa y transversalmente transita la protagonista de El entusiasmo a lo largo del libro.

En Clavícula, Marta Sanz escribe sobre el daño físico de una trabajadora cultural y Belén Gopegui ha abordado los aspectos laborales de un gigante tecnológico multinacional de hoy como Google en su última novela. Tu ensayo también trata el asunto de las condiciones de trabajo. ¿Se ha roto una especie de mordaza o tabú sobre la cuestión material de quienes crean?, ¿a qué crees que obedece esa ruptura?
Las condiciones materiales de trabajo cultural han cambiado fuertemente con internet y al compartirlas no solo hablamos de quienes crean como profesionales de la cultura, sino que hablamos de facetas cotidianas en la vida de todas las personas conectadas que hoy vivimos y creamos en las pantallas.

Supongo que esta desjerarquización de la creación como algo que nos interpela a todos, aunque en distinto grado, genera un interés mayor porque hablando de nosotras hablamos de muchas personas. Y hablamos de personas que "tienen cuerpo", que se ensucia, engorda, disfruta, duele y se cansa... Escindir del trabajo intelectual esta realidad ha supuesto un sesgo también político, en tanto los cuerpos y sus cuidados eran "cosa de mujeres".

Sobre esa posible mordaza que sugieres, quizá merecería una reflexión más pausada, pero advierto que los pobres que trabajaban no tenían tiempo para escribir sobre cómo trabajaban. Hoy las personas pobres y precarias también crean y, a poco que tengan conciencia política, hablar sobre sus condiciones de trabajo es algo que fluye.

Por otra parte, por fin empiezan a escucharnos y a leernos a las mujeres. Y esa es una de las grandes mordazas, que hasta hace bien poco las mujeres no podíamos ser creadoras, o nuestra creación venía previamente denostada o encorsetada en publicaciones que nos querían solo enseñando la cocina, soñando con el amor, como amantes o esposas y como cuidadoras de los otros, y no de sí mismas.

No parece casualidad, en efecto, que las tres seáis mujeres. ¿Afecta de modo distinto la precariedad del trabajo creativo a hombres y mujeres?, ¿hay también una respuesta diferente ante ella por parte de unos y otras?
Siento una hermandad intensa con las mujeres escritoras, especialmente con mujeres como Marta y Belén, con quienes sintonizo en muchas formas de ver el mundo.Sobre tus preguntas, pienso que afecta de modo distinto, porque las mujeres todavía seguimos -no por voluntad propia- atadas a las herencias de los cuerpos y los cuidados, precedidas de una imagen y un cuerpo sobre el que todos se reservan el lujo de opinar, y faltas de historias que vengan escritas desde nosotras, libres de patriarcado.

Allí donde los trabajos de contextos culturales y creativos son más precarios, los trabajos siguen estando feminizados y la respuesta también es distinta, pues mientras a los hombres se les anima a buscar algo mejor, la expectativa puesta en muchas mujeres es animar a la renuncia por la familia, a una jornada más flexible o más corta, con menos sueldo, que le permita cuidar a hijos, enfermos o ancianos. Esa expectativa que silenciosamente atraviesa nuestra vida cotidiana alimentando la resignación y negando la capacidad de reacción.

Vencer esa tendencia asimétrica hace que el plus de entusiasmo de las mujeres en los trabajos creativos sea si cabe mayor y la carga a sus espaldas también, porque se espera que "claudiquen". ¿Cómo no va a dolernos el cuerpo?, ¿cómo no vamos a reivindicar que los hombres que leen y piensan también tienen cuerpo -y manos para cuidar- como nosotras que también leemos y pensamos?

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Remedios Zafra: "La precariedad en los trabajos creativos funciona como forma de domesticación"

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Hay una frase en el nuevo libro de Remedios Zafra (Zuheros, Córdoba, 1973) que describe con precisión un silencio histórico, atribuido al decoro, que ella pretende dinamitar. Dice así: "En algún momento de nuestra historia hablar de dinero cuando uno escribe, pinta, compone una canción o crea se hizo de mal gusto".

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Covid-19: El incremento del consumo de los productos culturales online vs la disminución de los ingresos de los creadores.

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Introducción

En más de un tercio del planeta y por al menos un buen tiempo, no se celebrarán conciertos, ni abrirán los centros culturales, ni los cines o teatros.

Pero lejos de alejarnos de la cultura, el aislamiento provocado por el Covid-19 ha propiciado el aumento del consumo de los productos culturales online. Conciertos en Instagram, representaciones de teatro a través de streaming, bibliotecas online, catálogos de películas ampliados, son algunas de las opciones que comienzan a proliferar.

Sin embargo, este aumento en acceso a los productos culturales no se refleja en los ingresos de gran parte de los creadores independientes o pequeñas empresas que los crean. Por el contrario, varios estudios de impacto a nivel local como internacional estiman que las empresas culturales necesitan ayuda urgente para poder mantener su actividad.

¿Cómo es posible este fenómeno? ¿Cómo se explica que a mayor consumo no exista un aumento en los ingresos de los creadores?

Preguntas y más preguntas

Remontémonos a antes de la pandemia ¿Qué porcentaje de escritores vivían de la venta de sus libros? O ¿qué porcentaje de cantantes vivían de la venta de su música y shows en vivo? ¿Cuántos productores audiovisuales vivían de sus documentales y películas?

Gran parte de autores y creadores independientes perciben magros ingresos por la venta de sus obras. Incluso, según la publicación del BID Emprender un Futuro Naranja, un 58% de ellos manifestaba no generar un ingreso suficiente para vivir por lo que la mayoría dependen de otras actividades auxiliares para complementar los ingresos de su actividad artística.

En el caso de los músicos, por ejemplo, lo más habitual es que se ganen la vida combinando actividades como las actuaciones en directo, la venta de merchandising, la docencia, la producción musical y el trabajo por sesiones (DiCola, 2013).

Algunos profesionales del sector creativo se dedican a la docencia de forma independiente, otros como regulares en instituciones académicas y algunos simplemente a colaborar en diversas tareas remuneradas.

Sea cual fuera la actividad auxiliar que desempeñen estos trabajos también han sido discontinuados por el Covid-19, por lo que los profesionales con otros ingresos, más allá de su actividad artística, han visto cerradas todas las vías posibles para su subsistencia económica.

"Los artistas de todo el mundo no pueden llegar a fin de mes" según Unesco.

No todos pierden...

Mientras a muchos trabajadores -en especial a los freelancers- del sector creativo les resulta cada vez más difícil sobrevivir, las plataformas que brindan los servicios de streaming por las que circula su contenido son las grandes ganadoras.

Desde el comienzo del aislamiento preventivo en gran parte del planeta, Nextlix, Apple, Disney +, HBO, Amazon Prime y Spotify (entre otras) sabían que serian de los pocos sectores beneficiados con la crisis sanitaria. Fue solo cuestión de tiempo para que mucha gente se suscriba a Netflix y la compañía alcanzara los 183 millones de clientes en todo el mundo.

Quienes también aprovechan la circulación del contenido y repartirán enormes ganancias pasada la crisis, son las tres grandes tecnológicas que dominan el mercado publicitario digital mundial: Google, Facebook y Amazon. Se espera que una gran parte de la inversión publicitaria en medios tradicionales se reduzca y se mueva a la publicidad digital.

Mientras a muchos trabajadores -en especial a los freelancers- del sector creativo les resulta cada vez más difícil sobrevivir, las plataformas que brindan los servicios de streaming por las que circula su contenido son las grandes ganadoras.

Reflexión

Con las actividades culturales paralizadas, los ingresos de los creativos también se paralizan. Aún cuando las opciones digitales de acceso al contenido no paran de crecer.

La explicación a este fenómeno es muy sencilla: la explotación económica de las obras no está en manos de sus creadores y esta situación debe llamarnos urgentemente a la reflexión.

Desde hace más de 20 años, Internet viene introduciendo cambios a los modos de consumo, producción y distribución de los bienes culturales. No se trata de una nueva tecnología a la cual podemos aplicar las reglas de un mundo analógico, no es un mero cambio de soporte en el que los creadores fijan sus obras, se trata de un verdadero cambio en la forma en la que se crean y se consumen los productos culturales.

Este cambio de paradigma genera una fuerte tensión -como todo cambio- entre una ley con mecanismos regulados de cierta forma por casi 100 años, como es el caso de la ley de propiedad intelectual de Argentina, y los fines para los cuales fue creada, esto es, asegurar la justa retribución al autor por la creación de su obra.

Crisis es oportunidad y hoy más que en ningún otro momento, tenemos la oportunidad histórica de repensar postulados obsoletos y generar alternativas que contribuyan a mejorar los ingresos de nuestros creadores.

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Covid-19: El incremento del consumo de los productos culturales online vs la disminución de los ingresos de los creadores.

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Introducción En más de un tercio del planeta y por al menos un buen tiempo, no se celebrarán conciertos, ni abrirán los centros culturales, ni los cines o teatros.

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Con el confinamiento se ha abierto de nuevo a lo grande el melón nunca cerrado de la gratuidad de la cultura. Cultura gratis para que todas tengamos acceso a la cultura. El argumento, sin embargo, tiene trampa, que se visualiza de manera mucho más clara pensándola desde cualquier otra industria. Cuando una cadena de supermercados revienta el precio de un producto, no lo está haciendo más accesible. En su consumo directo sí, ahí está el gancho.

Pero sabemos que la trampa es que, para hacerlo, revienta la producción, expulsando de ella a las pequeñas productoras locales que no tienen medios para el cultivo extensivo y el monopolio. Y favorece, en la práctica, solo a las grandes productoras que usan métodos para el desastre. Eso mismo sucede con la industria cultural. Otra trampa, sin embargo, en el debate, es la confusión entre cultura e industria cultural.

Cultura y productos culturales

La cultura es un bien de primera necesidad, es un alimento necesario para hacernos comunidad. Creamos cultura cada vez que nos expresamos, de manera individual o estando juntas, incluso en esa forma de estar juntas tan dura como está siendo el confinamiento. Creamos cultura cada vez que posteamos cosas en las redes, cada vez que creamos o recreamos palabras, cada vez que inventamos canciones o le damos vuelta a otras para hacerlas más nuestras, cada vez que bailamos, aunque sea en una fiesta.

Que las personas no cobren por su trabajo no es romper el capitalismo, es reforzarlo. Es, de hecho, el sueño húmedo de cualquier magnate: hacernos trabajar gratis

Es, además, un bien de primera necesidad para hacer resistencia política, para articular pensamiento que nos acompañe en la resistencia al desastre en el que vivimos. Pero eso que denominamos productos culturales, que es una de las formas en que se concreta la cultura, no salen de la nada, como no salen de la nada los alimentos concretos con los que cocinamos. Salen del trabajo y necesitan de tiempo sostenible para realizarse. Es una mierda que el capitalismo lo cruce todo. Pero que las personas no cobren por su trabajo no es romper el capitalismo, es reforzarlo. Es, de hecho, el sueño húmedo de cualquier magnate: hacernos trabajar gratis.

Igual que en el consumo de alimentos, no se nos ocurre pedirles a esas agricultoras locales que nos regalen las patatas, sino que entendemos, incluso, que su producto sea más caro que esos productos con los precios reventados en las grandes superficies.

Sin embargo, cuando hablamos de productos culturales, de libros, de películas, de discos, nos parece incluso ofensivo que las productoras hiperprecarizadas por la industria quieran cobrar por su trabajo. Se supone que ese trabajo es de todo el mundo, pero no lo es. Lo pueden ser las ideas que contienen, pero la forma concreta en que esas ideas han sido articuladas y plasmadas han necesitado de un tiempo y de un esfuerzo que es trabajo como cualquier otro trabajo.

No conozco a ningún grupo de música con mirada política que se niegue a que sus canciones se canten libremente, ni conozco a ninguna escritora con mirada política que se niegue a que sus libros se presten, se comenten, se hagan clubs de lectura con ellos o que sus ideas sean difundidas y explicadas. Y, sin embargo, se pide, se exige incluso, que no quieran cobrar (la miseria que se cobra, todo sea dicho) por la ingente cantidad de horas dedicadas a realizar el producto concreto. El problema no es solo a corto plazo: ese mecanismo impide la sostenibilidad de la creación independiente de productos culturales.

El acceso a la cultura

La gratuidad tiene consecuencias en el acceso a la cultura. No en su consumo, pero sí en su producción. Lejos de liberar los productos culturales, los discursos, deja su creación en manos de quien se la puede permitir. Libera el consumo, pero secuestra la producción, se la entrega de manera descarnada al capital, convirtiéndola en un lujo que solo algunas se pueden permitir.

"De los libros no se vive", es lo que nos dicen. Y, sin embargo, hay imperios económicos organizados alrededor de los libros. ¿Dónde va todo ese capital? Pues al mismo sitio que va todo el capital de las grandes cadenas de supermercados: a cualquier sitio menos a la agricultora. Si quieres escribir, si quieres poder hacerlo materialmente, tienes que buscarte otro trabajo para poder vivir.

Pero volvamos al mundo real: las dobles jornadas sumadas a las múltiples jornadas que se van sumando para sostener la vida son inviables. Se podrá escribir un libro, dos como máximo, y luego el capitalismo se impone. Por si fuera poco, cuanto más disidente es la escritura, el pensamiento, y cuanto peor te sabes relacionar con el poder, hacer contactos, alianzas, ir a saraos y todas estas cosas, más difícil es que alguien apoye ese trabajo, por muy necesario que sea. Mucho peor aún si hablamos de producción cultural en lenguas sin apoyos oficiales, otro abismo.

Es la cultura del fast food: ¿cómo puede ser que tengan tanto éxitos los McDonalds y similares, si sus hamburguesas saben a nada con salsa? Porque producen muy barato, cosa que les da mucho margen de beneficio, que invierten en dos cosas: hacerse omnipresentes y hacerse una publicidad de impacto que nos convence de que aquello que comemos mola mucho. Y por eso lo consumimos, aunque sepa a mierda y arrase con todo a su paso.

Cada vez que veáis un libro más barato en una gran superficie, recordad que la banca siempre gana, y las grandes superficies nunca pierden

La industria del libro funciona así, e imagino que el resto de industrias culturales no deben de ser muy distintas. Y lo hace no solo en referencia a las productoras: las grandes superficies también arrasan con el pequeño comercio de librerías con unos métodos muy serios de lobby y de reducción de precios a las autoras y a las pequeñas editoriales con técnicas cercanas al chantaje denominadas negociación de porcentajes. Cada vez que veáis un libro más barato en una gran superficie, recordad que la banca siempre gana, y las grandes superficies nunca pierden. Esa es la realidad de la cultura si la cruzamos con la mirada de clase.

Hay compañeras que optan por asegurarse un lugar en la academia que debería garantizarles tiempo para escribir. Esa garantía de tiempo ya no funciona así y la precarización en la academia está a niveles que dan miedo (e invoco aquí, y a partir de aquí, a la maravillosa Remedios Zafra).

Y aun así, no olvidemos que el acceso a la academia no está al alcance de todo el mundo. Es necesario un capital económico que sostenga los largos años hasta alcanzar el puesto de trabajo y es necesario un capital cultural que contemple esa posibilidad con el que no todas crecemos. Y aunque esos capitales no existiesen, es dramático para la cultura que su producción tenga que pagar semejante servitud a la institución que ha convertido el conocimiento, precisamente, en una cuestión de clase. Así que la gratuidad de los productos culturales repercute directamente en una exclusión de clase para la creación de esos productos culturales y en el monopolio de las grandes cadenas de producción, cuyos intereses tienen mucho más que ver con el capitalismo que con la cultura.

Así que tenemos un debate de fondo: ¿queremos que todos los productos culturales que nos alimentan provengan de la burguesía? ¿Queremos un arte cuya única experiencia de opresión de clase sea inventada, o un arte que solo responda a los intereses del amo y se vea obligada a silenciar las cuestiones que realmente apuntan al amo? Porque si queremos un ecosistema un poco más variado tendremos que apoyar económicamente a las pequeñas productoras de alimento y asegurarnos de que puedan seguir trabajando con un mínimo de independencia.

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La gratuidad de los productos culturales repercute directamente en una exclusión de clase para la creación de esos productos culturales y en el monopolio de las grandes cadenas de producción, cuyos intereses tienen mucho más que ver con el capitalismo que con la cultura.

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Ediciones La Cúpula somos El Víbora. Es más: Ediciones La Cúpula no sería sin El Víbora.

El Víbora fue una revista que, durante veinticinco años, entre 1979 y 2004, compareció todos los meses en los quioscos de este país extraño para llevar a los lectores un contenido lúdico y hedonista, estrafalario y libertino, crítico y ácrata, subversivo y hasta vanguardista. Un cóctel de historietas donde se alternaba el escapismo, la crónica urbana, el humor, el erotismo hoy tan menospreciado y un sentir profundo de disidencia, de combate contra la realidad y lo establecido. El Víbora fue en su día nuestra salvación, y estamos hablando como lectores.

Como editores, ahora mismo, no nos quedaba otra. Le hemos dado un par de vueltas a las posibilidades y el fantasma de El Víbora asomaba en todos los casos. Recordemos que estamos hablando de la única revista del país que en su día respondió inmediatamente con un número especial al golpe de estado del 23 de febrero de 1981.

Al turrón: el tema es que un buen puñado de autores de la casa están escogiendo sus historietas favoritas y con ellas estamos armando un número especial digital que, que a través de entregas semanales, entretendrá esta cuarentena del demonio. Porque en estos días de contención obligada, qué mejor que reanimar a la serpiente para que nos traiga manzanas encarnadas y nos devuelva el pecado que siempre fue nuestro y la sensación de vivir que se nos está escatimando.

Eso, que en los próximos días vamos a volver a editar y distribuir El Víbora. Un apaño de El Víbora. En esta ocasión será gratis y esperamos que se expanda como un virus, sin compasión, que leáis la revista, la disfrutéis y la compartáis como se hacía con las revistas. Larga vida a la culebra.

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Ediciones La Cúpula somos El Víbora. Es más: Ediciones La Cúpula no sería sin El Víbora. El Víbora fue una revista que, durante veinticinco años, entre 1979 y 2004, compareció todos los meses en los quioscos de este país extraño para llevar a los lectores un contenido lúdico y hedonista, estrafalario y libertino, crítico y ácrata, subversivo y hasta vanguardista.

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Descargas gratuitas y descargas con costo.

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Alex Dukal Store - Digital Tools for Graphic Artists

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Alex Dukal Store - Digital Tools for Graphic Artists and Designers.

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Selección de ilustraciones, historietas, caricaturas, etc. según Diego Parés - no tiene desperdicio

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Chris Sickels hace maquetas, puppets, animación y libros con un estilo muy personal

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Chris Sickels, the creative force behind Red Nose Studio, creates an eccentric and inviting miniature world with puppets, textures and light. Red Nose Studio’s illustrations appear in advertising, magazines, books, newspapers, packaging, character development and animation.

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Mini charlas con ilustradores #Dibujandoencuarentena 

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Mini charlas con ilustradores #Dibujandoencuarentena 

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de Carlos Pinto

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Mini charlas con ilustradores ciclo #dibujandoencuarentena

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Enjoy the videos and music you love, upload original content, and share it all with friends, family, and the world on YouTube.

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Archivo histórico de Revistas Argentinas

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Archivo histórico de Revistas Argentinas

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Ahira pone a disposición libre y gratuita colecciones digitalizadas de revistas y publicaciones periódicas, con sus índices completos, y el acceso a los artículos críticos que las tienen como referencia.

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Correspondencia. México-Argentina
1946 - 1946

Correspondencia. México-Argentina, definida como "revista confraternal de arte y literatura", salió en septiembre de 1946. Su único número fue dirigido por José Cárdenas Peña y León Benarós

Automundo fue un semanario gráfico del automovilismo mundial publicado entre 1965 y 1971.

Umbral Tiempo Futuro
1977 - 1979

Umbral Tiempo Futuro se propuso divulgar la literatura fantástica y de ciencia ficción ligada a los temas de su revista "hermana", Cuarta Dimensión.

La revista Todo Fútbol aparece en Buenos Aires entre febrero y octubre de 1969 y se propone como un "un modesto intento de escribir una historia del fútbol".

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Correspondencia. México-Argentina 1946 - 1946 Correspondencia. México-Argentina, definida como "revista confraternal de arte y literatura", salió en septiembre de 1946. Su único número fue dirigido por José Cárdenas Peña y León Benarós Automundo fue un semanario gráfico del automovilismo mundial publicado entre 1965 y 1971.

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El MIG- Museo de la Ilustración Gráfica de Buenos Aires presenta a partir del 7/10/20 CABALA CRIOLLA compuesta por dibujos de Lorenzo Amengual, letras de tango y videos a realizarse en el Centro Cultural Roberto Fontanarrosa de Rosario organizada por el MIG.

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CABALA CRIOLLA, de LORENZO AMENGUAL

Muestra virtual Dibujos de Lorenzo Amengual, letras de tango y videos a realizarse en el: Centro Cultural Roberto Fontanarrosa de Rosario organizada por el: MIG - Museo de la Ilustración Gráfica de Buenos Aires Inauguración : Miércoles 7 de octubre de 2020 Curaduría : Lorenzo "Lolo" Amengual Selección de Videos : Hugo Maradei y Nicolás de Brun El material que la forma fué expuesto en: Centro Borges. Espacio La línea Piensa. Buenos Aires, 2009. Banco Nación. Casa Central, Buenos Aires, 2015. Centro Cultural Roberto Fontanarrosa. Rosario, 2019. La Universidad Nacional de Quilmes, lo editó como libro en 2014.
Introducción
En 1991 viví un tiempo en Alemania.

Fue cuando la encontré, olvidada en un bolsillo. Era una pequeña tarjeta que me habían regalado en una agencia de lotería en Buenos Aires. En ella pude leer el listado de figuras y nombres que definen cada uno de los cien números que dan forma al universo de la quiniela. Entonces, quizás por nostalgia, me propuse registrar esa expresión de nuestra cultura popular, la cual como toda cultura subalterna, para poder sobrevivir debe esconderse.

En Berlín, me sorprendió encontrar en una librería un antiguo material sobre el cual dibujar: la cartulina enyesada. Muy utilizada para la ilustración publicitaria a principios del siglo pasado, tal soporte permite realizar falsas xilografías, una posibilidad para mí provocativa e irresistible -disculpen mi debilidad-, me atrae lo "trucho".

Escribí entonces:
En Buenos Aires hay cien figuras que, al igual que un cuchillo, pueden perder o salvar a un hombre. Las necesitaba el juego de la quiniela para existir, ya que cada imagen soñada esconde un número ganador.

Entreverada en la mugre del conventillo inmigrante, esta jerga fue adoptada como idioma por el hampa, cuando el juego clandestino reinaba en estos pagos.

Antes de apostar su última moneda para tratar de ganarle a la miseria, estas figuras y números fueron susurrados por el turco y el criollo, soñados por el napolitano e invocados por el gallego y el polaco.

Algunos de estos nombres son metáforas groseras y las imágenes figuración canalla, mas ambas son herramientas insustituibles para interpretar con astucia las señales que emiten lo visto o lo soñado. Allí habita la esperanza de vivir la gran vida tras un golpe de fortuna, sentimiento que se estrella contra la dura verdad, la realidad grita fuerte: "pocos pobres lo consiguen".
La smorfia
Una vez más mi ignorancia me hizo equivocar. Le di identidad porteña a esta creación colectiva, pero a poco de investigar, descubrí que la clave de esas figuras y nombres esta en la "smorfia", sistema ancestral de la adivinatoria napolitana y joya simbólica de su cultura popular, de la cual nos apropiamos sin pedir permiso.

"Smorfia" deriva de Morfeo, el nombre del dios griego que, en tiempos míticos, cuando los sueños eran portadores de mensajes reveladores, protegía al durmiente.

Pero, en idioma italiano smorfia significa "mueca". ¿Y no son acaso muecas los movimientos que hacen las bocas cuando mascan con la desesperación del hambre inmigrante instalada en las brechas de los dientes que faltan?

Cuando llegó a Buenos Aires o desembarcó en Montevideo, la smorfia contrabandeó la tradición napolitana para interpretar los sueños, también nos prestó su nombre a dos palabras lunfardas recién nuevas: "morfi" (comida) y "morfar" (comer). El habla popular rioplatense transforma el "¡vamos a comer!" en "¡vamos a hacer muecas!" "¡vamo a morfar...vamo!.."

Transmitido de boca en boca por sucesivas generaciones de sabios analfabetos, este antiguo legado simbólico, emigró al Rio de la Plata en la memoria de los trasplantados y al igual que ellos tuvo que transformarse para sobrevivir. A esta "smorfia" adulterada, nueva, nuestra, la bauticé: "Cábala criolla".

1930, crisis y derrumbe, Gardel canta:

01 El agua

Era más blanda que el agua,

que el agua blanda.

Naranjo en flor

Tango (1944)

Música: Virgilio Hugo Expósito / Letra: Homero Aldo Expósito

Si se salva el pibe, si el pibe se salva

vas a ver la farra que vamos a dar

si Dios no permite que el pibe se vaya,

será fiesta patria en el arrabal.

Traeremos los pibes de todo el contorno

y así en una tarde repleta de sol

llenaremos toda la casa de adornos

y daremos juntos las gracias a Dios.

[...] Me contó mi madre que todos los chicos

tienen a su lado un ángel guardián.

Si así fuera cierto, el buen muchachito

por lindo y por santo, se debe salvar.

Y si Dios quisiera, llevárselo lejos...

parece que duerme, deja de llorar,

ya sabes que han dicho que no lo despierten,

si se salva el pibe, ¡si llega a sanar!

Si se salva el pibe

Tango (1933)

Música: Francisco Pracánico / Letra:

es el incendio, donde yo,

quemé mi vida y mi ilusión,

¡pues eres llama en mi fragor!

¡si todo está en tu corazón!

Letra: Enrique Soriano / Música: Donato Racciatti

Versión: Orquesta Típica Misteriosa Buenos Aires con Eliana Sosa

Danza: Mariangela Caamaño y Tate de Chiazza

Vos naciste un martes trece,

[...] Si querés cambiar la guiñe

y una llave te colgás.

cada vez que estornudas.

y en un día martes trece,

viejo, el olvido te tomás.

Letra: Benjamín Tagle Lara / Música: César De Pardo

si cualquiera de estas noches me ven llegar al café,

Música: Carlos Di Sarli / Letra: Reinaldo Pignataro

Versión: Carlos Di Sarli con Mario Pomar

Danza: Sayaka Higuchi y Joscha Engel (Alemania)

tambaleando medio loco, babeando y hablando solo,

¡no me pregunten por qué!

Con la melena revuelta, la corbata floja y suelta

Y con rencor al mirar, no me pregunten, muchachos,

Versión : Agustín Magaldi

Tus ojos son oscuros como el olvido,

tus labios apretados como el rencor,

tus manos dos palomas que sienten frío,

tus venas tienen sangre de bandoneón.

que cruzan sobre el barro

Letra Homero Manzi / Música: Lucio Demare

Versión : Libertad Lamarque

Sollozaron los violines,
Los fueyes se estremecieron,
Y en la noche se perdieron
Los acordes de un gotán.
Un botón que toca ronda
Pa' no quedarse dormido
Y un galán que está escondido
Chamuyando en un zaguán.

Es que están de
De pronto se escucha
El rumor de una orquesta,

fiesta Los cosos de al lao.
¡Ha vuelto la piba
Que un día se fuera
Cuando no tenía
Quince primaveras!

¡Hoy tiene un purrete...
Y lo han bautizao!
Por eso es que bailan
Los cosos de al lao.

[...]
Los cosos de al lao
Tango (1940)

Letra: Marcos Larrosa / Música: José Canet

Versión : Luisito Cardei

Patotero, rey del bailongo

Muchas ganas de llorar.

Ya los años se van pasando,

Letra: Manuel Romero / Música: Manuel Jovés

Versión: Carlos Di Sarli con Roberto Rufino

Danza: Faye y Brian López (Canadá) en New York

y en mi pecho no entra un querer,

en mi vida tuve muchas, muchas minas

pero nunca una mujer.

Ya estoy seca de tantos mucamos,

cocineros, botones y guardas;

yo me paso la vida esperando

Yo quisiera tener mucho vento

pa'comprarme un sombrero y zapato,

añaparme algún coso del centro

pa' dejar esta manga de patos...

Letra: Fernando Ochoa / Música: Juan Canaro

castigando tu yunta de ruanos,

claveteada en la suela de cuero

¡Fuerza, vamos, que falta un poquito!

¡Bueno, bueno...! ¡Ya salimos!

en la avenida Centenera y Tabaré.

Letra: Homero Manzi / Música: Antonio Bassi

Desde la playa de Quilmes cualquier dolor de
ha regresado Don Juan
abandonado aquel pic-nic
porque su sesera funcionaba mal.
Ya resignado a su suerte
cuando se iba a acostar
vino una buena vecina
y con estas palabras lo fue a aconsejar:

Venga del aire o del sol,
del vino o de la cerveza,

lo quita con un Geniol.

cabeza, Don Juan,

Venga de donde venga

Milonga publicitaria (1942)

Versión: Juan Carlos Marambio Catán

Hubo en la pampa una vezun que sobre un yuyo paraoentonaba una cancióntan triste que parecía
pajarito cantor

el llorar de un corazón.

A ese pájaro baguallo espantó el ferrocarrily su canción sin igualno se podrá más oír.¡Pobre

pajarito gaucho,
dónde habrá ido a morir!

Como si fuera renegando del Destino

de trenzar leguas y leguas sobre la triste extensión

va la carreta, rechinando en el camino

que parece abrirse, al paso de su blanco cascarón.

Cuando chilla la osamenta

señal que viene tormenta...

Un soplo fresco va rizando los potreros

y hacen bulla los horneros anunciando el chaparrón...

Se ha desatado de repente la tormenta

y es la lluvia una cortina tendida en la inmensidad

mientras los bueyes, en la senda polvorienta,

dan soplidos de contento como con ganas de andar

¡Bien haiga el canto del tero

que saluda al aguacero!

Ya no es tan triste la tristeza del camino

y en el pértigo el boyero siente ganas de cantar.

Canción de la pampa ( 1931)

Música:Cátulo Castillo / Letra:José González Castillo

Versión : La Chicana con Dolores Solá

Una noche muy cruda de invierno

a Langosta lo vieron pasar

con un traje marrón entallado

y una saga tristeza al mirar.

Con el pucho apagado en la boca

recostose el malevo a pensar

en quién sabe qué cosas tan locas

que a veces los chicos lo vieron llorar.

[...] Una noche después de algún tiempo

a Langosta lo vieron venir

con un brillo fugaz en los ojos

y una mueca feroz al reír...

Al llegar a la esquina en que siempre

recostose el malevo a pensar,

besando un retrato se puso a llorar .

Langosta

Tango (1925)

Música: Juan de Dios Filiberto / Letra: Juan Andrés Bruno

"Está listo", sentenciaron las comadres y el varón,

ya difunto en el presagio, en el último momento

de su pobre vida rea, dejó al mundo el testamento

de estas amargas palabras, piantadas de su rencor...

Esta noche para siempre terminaron mis hazañas

un chamuyo misterioso me acorrala el corazón,

alguien chaira en los rincones el rigor de la guadaña

Los recuerdos más fuleros me destrozan la zabeca:

una infancia sin juguetes, un pasado sin honor,

el dolor de unas cadenas que me queman las muñecas

y una mina que arrodilla mis arrestos de varón.

sin confesión y sin Dios,

como abrazao a un rencor.

y el amor, una traición.

Versión : Adriana Varela

Con su permiso vi adentrar

L etra y música: Atahualpa Yupanqui

No es de naides y es de todos.
Coplas del payador perseguido

50 El pan

A pan y agua...

Versión: Angel D´Agostino con Angel Vargas

Yo era un purretito cuando murió mi viejo;

fue tanta la miseria, que mi viejita y yo

comíamos llorando el pan amargo y duro

Mi pobre viejecita lavando ropa ajena

quebraba su espinazo al pie del piletón,

por míseras monedas con que calmaba apenas

las crueles amarguras de nuestra situación.

Por eso, compañero, por tantos desengaños,

no me convence nadie con frases de amistad;

hoy vivo con mi madre, quiero endulzar sus años

Me siento tan alegre junto a mi madrecita

es el mejor cariño que tiene el corazón.

Ese sí, que es un cariño que nadie me lo quita,

cariño que no engaña ni sabe de traición.

Música y letra: Arquímedes Arci

Al paso tardo de un pobre viejo

puebla de notas el arrabal,

con un concierto de vidrios rotos,

Dándole vueltas a la manija

Un hombre rengo marcha detrás

Mientras la dura pata de palo

Marca del tango el compás

Letra: José Gonzalez Castillo / MúsicaCátulo Castillo

Danza: Eleonora Kalganova (Uzbekistan) y Michael Nadtochi (Rusia)

En las notas de esa musiquita

hay no sé qué de vaga sensación

impregnarse todo de emoción.

[...] Ahí va la muchacha del circo,

no encuentra consuelo ni amor,

regala a los otros la dicha

Por fin una noche la mano,

y... ¡pobre muchacha del circo!

Tango (1928)

Versión: Enrique Mora con Elsa Moreno

Con escenas del film Moulin Rouge con Nicole Kidman

62 La inundación

San Juan y Boedo antigua, y todo el cielo,

Pompeya y más allá la inundación.

Tu melena de novia en el recuerdo

y tu nombre florando en el adiós.

La esquina del herrero, barro y pampa,

tu casa, tu vereda y el zanjón,

y un perfume de yuyos y de alfalfa

que me llena de nuevo el corazón.

una luz de almacén...

Ya nunca me verás como me vieras,
Sur
Tango (1948)

Letra: Homero Manzi / Música: Aníbal Troilo

Versión: Roberto Goyeneche y Dyango

me dejaste en la palmera,

Letra y Música : Enrique Santos Discépolo

Ahura, tanto me asusta una mina,

que si en la calle me afila

¡Lo que más bronca me da,

Cuidensé porque anda suelta,

si los cacha los da vuelta,

no les da tiempo a rajar.

Piñas, patadas , bancazos...

Letra: José Alfredo Fernández/ Música: Juan Carlos Caccavello

Versión: Roqués y Las Violas Garuferas

Santillán tiró un balazo,

Yo me llevé un bandoneón,

Y el Loco la jeta hinchada.

86 El humo

[...] Vos el traje te adornas

Tango canción (1930)

Versión: Carlos Liñan

92 El medico
E tique, taque, tuque,

Versión : Ricardo Tanturi con Enrique Campos

97 La mesa

Con el codo en la mesa mugrienta
y la vista clavada en el suelo,
piensa el tano Domingo Polenta
en el drama de su inmigración.

Y en la sucia cantina que canta
la nostalgia del viejo paese
desafina su ronca garganta
ya curtida de vino carlón.

La violeta
E La Violeta la va, la va, la va;
la va sul campo che lei si sognaba
ch'era suo yinyín que guardándola estaba...
[...]

Tango (1929) Letra: Nicolás Olivari / Música: Cátulo Castillo

Ahora vas con los otarios

Música: José Ricardo y Carlos Gardel / Letra: Celedonio Flores

Versión: Joan Manuel Serrat

Del "petit " o del "julien",

Universidad Nacional de Quilmes, edición 2014

Nací hace mucho en Córdoba.

No voy a misa, pero soy de comunión diaria en los museos y puedo dar fe de la verdad que encierra el refrán que sostiene: "quién bien mastica lo que ve, algo termina aprendiendo". Para opinar sobre el dibujo, tras seis años de cavar en lo duro, logré desenterrar la obra del dibujante Alejandro Sirio y después no pude parar; ni de escribir, mi nueva vocación, ni de dibujar, mi antiguo oficio.

Doy la razón a Paúl Valery cuando afirma "Los mejores ejercicios para la inteligencia son tres: hacer versos, cultivar las matemáticas o dibujar" y a Goya cuando, escribe "aún aprendo" sobre su último autorretrato, donde se ha representado como un hombre de larga barba, muy viejo, sostenido bastones.

Tales afirmaciones no prueban que todos los dibujantes seamos inteligentes, ni que todos los viejos podamos aprender, pero marcan opciones que pueden dar sentido a la vida.

www.lorenzoamengual.com.ar

Lorenzo Amengual Wikipedia

Temperas originales, grabados a 16 tintas, afiches, fotos de sus propagandas internacionales, animaciones, juguetes, frases relativ as a la vida y la profesión.
Muestra virtual a inaugurarse el 29 de junio de 2020, al cumplirse un año del fallecimiento de Guillermo Mordillo, en el Centro Fontanarrosa de Rosario.

Curadores Gonzalo Cadenas y Hugo Maradei
Obras de la Colección del MIG - Museo de la Ilustración Gráfica
PRESENTACIONES en VIDEO
PALABRAS de RAFAEL IELPI ( CCRF )
PALABRAS de GONZALO CADENAS ( MIG ) PALABRAS de ANA CARELLA (sobrina de G. MORDILLO) PALABRAS de LUCAS NINE PALABRAS de HORACIO DEL PRADO
PALABRAS PRELIMINARES de HUGO MARADEI y GONZALO CADENAS
Homenaje a un amigoLos que tuvimos el honor de tratar de manera habitual a Guillermo Mordillo escuchamos repetidamente varias de las frases expuestas en esta muestra, que representaban su particular forma de mirar la vida.

Muchos de estos pensamientos fueron vertidos en el catálogo de la muestra antológica realizada en el año 2009 en...

Muestra Virtual de grabados a 16 tintas, an imaciones y algunas de sus frases relativ as a la vida y la profesión.

Exposición virtual a realizarse entre el 25 de Agosto y el 12 de setiembre de 2020 en el marco del XV FESTIVAL del ARTE de la CARICATURAOrganizado por la CASA de la CULTURA de TUNJA, COLOMBIA

Curadores Gonzalo Cadenas y Hugo Maradei
Obras de la Colección del MIG - MUSEO de la ILUSTRACION GRAFICA
PRESENTACIONES en VIDEO PALABRAS de ANA CARELLA MORDILLO PALABRAS del dibujante LUCAS NINE
PALABRAS del dibujante CLAUDIO KAPPEL
PALABRAS de GONZALO CADENAS, Director del MIG

Homenaje a un amigoLos que tuvimos el honor de tratar de manera habitual a Guillermo Mordillo escuchamos repetidamente varias de las frases expuestas en esta muestra, que representaban su particular forma de mirar la vida.

Muchos de estos pensamientos fueron vertidos en el catálogo de la muestra antológica realizada en el año 2009 en Mallorca, lugar querido por Guillermo tanto como Buenos Aires y donde veraneando, ...

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Muestra virtual Dibujos de Lorenzo Amengual, letras de tango y videos a realizarse en el: Centro Cultural Roberto Fontanarrosa de Rosario organizada por el: MIG - Museo de la Ilustración Gráfica de Buenos Aires Inauguración : Miércoles 7 de octubre de 2020 Curaduría : Lorenzo "Lolo" Amengual Selección de Videos : Hugo Maradei y Nicolás de Brun El material que la forma fué expuesto en: Centro Borges.

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Serie de entrevistas a ilustradores por el dibujante Matias Davirón

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Serie de entrevistas a ilustradores y no tanto. Al rato de terminada la charla, publico un dibujo resumido del momento con frases destacadas)

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Ciclo de entrevistas de David Macho.

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