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Sofía Urrutia, Plaza de mercado, s.f, Óleo sobre tela.

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En esta obra hay una gran variedad. Variedad de colores, de personas, de trajes típicos colombianos. El tamaño que tiene esta obra sobre tela es mediano y aun así Urrutia logró mantenerse detallista con cada persona en la plaza. Esta variedad que crea le da sentido a la obra ya que es muy fiel a  lo que sería un mercado de esa época. La autora utiliza como punto focal las dos iglesias a las que entra la gente en conjunto. Lo logra con el uso de líneas que vienen desde los lados hacia el centro de la obra.

También utiliza la superposición de personas y de puestos de mercaderes para darnos a entender que estos están más cerca a nosotros y en el fondo coloca las casas con aspecto colonial.

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Personalmente, este museo llamó más mi atención por su arquitectura. Hubo varias obras que fueron de mi agrado, sin embargo siento que no puedo compararlo con los museos anteriores, ya que estos poseen una mayor cantidad de obras. Sin embargo, fue entretenido para mi ver obras de artistas que ya conozco como Negret, Villamizar y Botero.

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La entrada al museo fue por medio de escaleras eléctricas y cuentan con diferentes tecnologías que les permiten mantener la seguridad de las obras.

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El museo nos recibe con una obra gigantestca y bastante abstracta.

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La arquitectura del edifico atrio es cautivadora:

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Sala de Arte Bancolombia / 7 de septiembre 2022

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Sala de Arte Bancolombia / 7 de septiembre 2022

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Edificio Atrio
Bogotá, Colombia

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La artista además crea un espacio ilusorio al colocarse a sí misma en la cama y a los doctores en una esquina. Sabemos que no es la perspectiva real que tuvo Frida en ese momento.

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Me marcó mucho el significado que se le puede dar a esta obra sobre la variedad de la vida y como la pintura fue hecha poco antes de que ella muriera. Frida tenía una creatividad única para grabar sus sentimientos en lienzos.

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No se ven unas pinceladas marcadas sino mas bien una mezcla de los colores.

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Hay varias lineas negras que nos dan la idea de que empezo con una idea, pero se decidio por otra. Por ejemplo, estas líneas nos dicen que la figura que iba a dibujar era una cama. Sin embargo, la figura que vemos coloreada no parece ser la misma cama de la idea inicial.

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El trabajo que hizo con las líneas definitivamente está incompleto ya que hay algunas zonas donde pintó pero no delimitó el color con una línea negra, sino más bien con precisión.

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Es posible observar como la artista se esforzo para que se difuminaran los colores en la tela de forma que hubiera un degradado entre los colores negros y el color rojo que parece representar sangre.

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Hay ciertas figuras humanas que la artista parece no haber completado

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La vida de Kahlo se caracterizó por ser bastante dura, desde su accidente con el tranvía, hasta su relación con Diego Rivera. Una de las mayores frustraciones de la artista fue el no haber podido tener hijos debido a su condición de salud. Frida tuvo multiples abortos, tanto espontaneos como inducidos. Esto debió ser una gran carga emocional para una mujer casada y enamorada perdidamente de su esposo.

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Frida Kahlo, Frida y la cesárea (inconcluso), 1931, Óleo sobre lienzo.

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La mejor obra de Frida según mi humilde opinión :p

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La mejor obra de Frida según mi humilde opinión :p

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Frida Kahlo, Viva la vida, 1954, Óleo sobre masonite

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Las obras, objetos personales o esculturas prehispánicas que poseían Frida y Diego se encuentran distribuidas a modo decorativo alrededor de la casa azul.

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La casa azul fue la casa de Frida durante toda su vida. Es una casa con mucha vegetación y su arquitectura no fue cambiada ni renovada a lo moderno. Se decidió dejar la casa azul igual para que no se perdiera el sentido ni la estética del museo.

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El museo se siente muy diferente a los otros que he visitado. Se siente mucho más cercano a mí, quizás porque es una casa de familia y no un edificio monumental con una arquitectura perfecta. Aunque no es parecido al Rijksmuseum o al Musée d'Orsay, si pudiera visitarlo en persona algún día, estoy segura de que me emocionaría estar en el mismo lugar en el que alguna vez vivió el icono artístico de México.

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Este museo está dedicado solamente a Frida Kahlo. Frida fue una artista que rompió con los estereotipos que se tenían sobre la mujer. Fue una artista poliamorosa, bisexual y feminista, ya que ademas de hacer arte tambien opinaba en temas de politica. Es un museo diferente ya que es la casa que alguna vez fue de Frida y su esposo, Diego Rivera.

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Museo Frida Kahlo: La casa azul (vista desde afuera)

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Museo Frida Kahlo: La casa azul (vista desde afuera)

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Museo Frida Kahlo / 9 de septiembre 2022

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Museo Frida Kahlo / 9 de septiembre 2022

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Ciudad de Mexico, Mexico

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La historia que nos contó la profesora de estas esculturas de Negret en New York la recordaré mucho.

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Es increíble pensar que quizás si Van Gogh no hubiera sufrido tanto a lo largo de su vida, hoy no tendríamos estas obras de arte. Aunque aprecio mucho su arte y es indiscutible su influencia artística a nivel mundial, desearía que hubiera tenido una vida más feliz.

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Me gusto mucho que así como lo ordene en mi padlet, así mismo se ve la obra en la pared del museo. La única diferencia es que en el museo el cuadro sobrepasaba mi tamaño. Me causó mucha gracia la temática de estas dos obras, ya que a pesar de que estoy segura de que en su momento debió tener un significado más profundo y religioso (lo cual respeto por completo), me causa mucha gracia como interpreta la muerte para ambos hombres. Según ambas escenas simplemente se debe asumir que uno es el malo y el otro es el bueno. Sin embargo me causa curiosidad saber cuál era el concepto de bueno y malo según el autor de la obra.

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Emiliano Villa, La muerte del justo, 1893, Óleo sobre tela.

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Emiliano Villa, La muerte del réprobo, 1893, Óleo sobre tela.

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Me pareció super apropiado que la escalera esté adaptada para discapacitados y que aun así mantiene una bonita arquitectura en forma de caracol.

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El museo se me hizo bastante acogedor, sencillo y práctico. Es fácil seguir una ruta por las obras de forma que se entiende todo el concepto que se quiso dar a conocer con la exposición. Me gustó mucho la estética minimalista que manejan tanto para el museo como para su logo. Un plus es que hay una cafetería dentro del museo y también una tienda de recuerdos.

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Rectángulos

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Cuadrados

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Círculos

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La obra esta compuesta mayormente por figuras que tienden a la geometria.

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Manzana o pera que parece tener un tamaño regular.

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La obra es asimétrica, desde los colores hasta la disposición de los objetos. Lo más cercano a la simetría sería la silla.

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Entre otras cosas, los colores rojo y azul son colores bastante complementarios, lo que hace que resalte aún más la pintura.

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Fernando Botero, Mandolina sobre una silla, 1957, Óleo sobre tela.

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Fernando Botero es uno de los artistas más representativos de Colombia. Su arte se caracteriza por dibujar o esculpir figuras mucho más robustas de lo que son en la realidad. Esta mandolina es un gran ejemplo de esto. En esta pintura podemos ver cómo el artista juega con la escala de los objetos. En primer lugar, al ver la mandolina, esta es mucho más ancha y redonda que una normal. Del mismo modo el hueco de la mandolina es aún más pequeño. La silla sobre la cual se encuentra la mandolina parece no sostenerla por completo. Es más, da el efecto de que la base del instrumento se encuentra flotando en el aire o a punto de caer del puesto. Sin embargo, al ver el brazo derecho de la silla, el mástil parece estar reposando sobre este.

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Museo de Arte Miguel Urrutia (vista desde afuera)

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Museo de Arte Miguel Urrutia (vista desde afuera)

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Este museo es una recopilación de obras del Banco de la República que representa la línea de tiempo de los artistas colombianos y su arte desde el siglo XVI hasta finales de los 1900. El museo también expone obras internacionales. El museo se encuentra frente a la biblioteca Luis Ángel Arango.

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Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) / 2 de semptiembre 2022

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Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) / 2 de semptiembre 2022

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Bogotá, Colombia

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El museo me parece sumamente grande, el pasillo de las esculturas da la sensación de que el techo se encuentra demasiado alto a pesar de que estas son de gran tamaño. Me gusta mucho más la sala del postimpresionismo, su fondo azul me reconforta.

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Otro aspecto muy importante en esta pintura es la línea. Hay una variedad de líneas explícitas que delimitan el espacio de cada objeto. Además las líneas diagonales del suelo guían nuestros ojos hacia el fondo de la habitación, para que así podamos ver los diferentes objetos.

Se repiten varios objetos en la pintura, como el cuadro, la silla, la puerta. Es posible suponer que hay una razón psicológica por la cual Van Gogh hace estas repeticiones a pesar de que vive en un cuarto él solo.

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Gustave Caillebotte, Rooftops in the Snow (snow effect), 1878, Óleo sobre lienzo.

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Me recuerda mucho a la película "Los fantasmas de Scrooge" que veía de niña cada 24 de Diciembre en Disney.

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Las esculturas de mayor tamaño tienen un espacio especial para ser admiradas más ampliamente.

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Algunas esculturas de menor escala que se encuentran rodeadas por vidrios protectores.

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Diferentes montajes para las esculturas...

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Diferentes montajes para las esculturas...

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Vincent van Gogh, The siesta (after Millet), 1890, Óleo sobre lienzo.

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Vincent van Gogh, Starry night, 1888, Óleo sobre lienzo.

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Me causa fascinación y un gran sentimiento de nostalgia...

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Me causa fascinación y un gran sentimiento de nostalgia...

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En esta pintura, al igual que en otras de sus obras, Van Gogh utiliza un contraste con los colores. Podemos ver principalmente los colores azul, rojo, amarillo y verde. Sin embargo, se puede ver que el tono del color amarillo no es un amarillo puro. Mas bien este color se asemeja a un amarillo mostaza y resalta bastante. Esto me recuerda que la razón por la cual el pintor usaba tanto el amarillo en sus pinturas era porque le transmitía mucha paz.

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Esta es para mí la mejor obra del Musée d'Orsay. Según la información proporcionada por google arts and culture, esta pintura es la tercera versión de 3 que hizo el artista. Esta fue pintada para su madre la cual estaba pasando por una depresión.

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Esta fue mi parte favorita de la exposición. Me gustan mucho los cuadros de Van Gogh. Me parece fascinante como tiene un estilo tan único. Al pasar por un cuadro de este artista no puedo evitar detenerme y detallar los colores de sus pinturas. Siempre el uso que hace de los azules, los verdes y los amarillos me atrapa por completo.

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Vincent van Gogh, Van Gogh's Bedroom in Arles, 1889, Pintura al óleo, Musée d'Orsay, Paris, Francia.

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La Habitación de Vincent en Arles (análisis formal)

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La Habitación de Vincent en Arles (análisis formal)

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Inicialmente la infraestructura del Musée d'Orsay fue diseñada como una estación de trenes. Sin embargo, con los avances industriales, los trenes se hicieron cada vez más grandes y se tuvo que considerar demoler el edificio o darle otro uso. Gracias a un importante funcionario se decidió convertir el lugar en el Musée d'Orsay que vemos hoy en día.

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París, Francia

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No todos los Ramirez Villamizar que dibuja son exactamente iguales, algunos son más alargados, otros están más cerca, algunos están más lejos. Villamizar logra esto utilizando la repetición. Además, resulta lógica la variedad, ya que el artista no es un robot ni una IA y podemos evidenciar cómo a pesar de que ya es un artista experimentado, no le es posible crear sólo con su mano un patrón completamente perfecto y simétrico. El título de la obra "Diseño para papel tapiz con figura" nos da a entender que el autor buscaba una forma de crear un logo de sí mismo y definitivamente lo logró ya que causa mucha gracia al representar de una forma muy simple su persona.

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Esta obra me fascinó por completo ya que a pesar de que su diseño es bastante simple, resulta muy interesante de ver. El artista dibuja en papel con tinta lo que es un boceto de su rostro muy simplificado. Hace uso de líneas curvas (en su calva) y líneas horizontales y verticales para sus cejas y barba respectivamente. También es posible ver que para representar su barba delimita esas líneas verticales con triángulos o conos no tan geométricos. A pesar de que en este dibujo Villamizar solo utiliza tinta negra para hacer líneas, crea una sensación de variedad en la hoja bastante cómoda visualmente, ya que al repetir la misma figura de él mismo tantas veces, crea un patrón desigual.

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Ramirez Villamizar, Diseño para papel tapiz con figura, 1990, Colección privada.

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Esta foto me dio mucha nostalgia sin saber describir porque...

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El lugar me resultó algo espacioso, sin embargo siento que los encargados de la curaduría pusieron mucho empeño en darle un significado a cada rincón según la historia de vida de Ramirez.

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Cartas, fotografías, folletos, invitaciones, revistas, entre otros; estos se encuentran exhibidos en una vitrina a la vista de los que se acerquen lo suficiente.

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Esta escultura, por ejemplo, se encontraba en el suelo. Fue una escultura que el artista pinto de negro con la intencion de que no se oxidara tan pronto. Sin embargo, esto luego lo hizo darse cuenta de la belleza que hay en lo que envejece.

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Una de las demostraciones de que Villamizar primero hacía un prototipo de cómo quería que fuera su obra y posteriormente la hacía a lo grande. Le gustaba jugar con la escala y la perspectiva.

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Algunas esculturas estaban encima de un soporte que sobresalía del suelo y que permitía ver la escultura desde diferentes perspectivas.

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El montaje para algunas pinturas y esculturas fue diferente al normal en un museo.

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Las diferentes épocas de cada obra se encuentran divididas por estas pancartas en las que se puede ver de fondo una imagen de Ramirez Villamizar. Además, se puede ver el logo de la exposición y de que año a que año fueron realizadas las obras de esa sección.