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El futurismo fue un movimiento de vanguardia italiano que se dio a conocer el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el futuro'.

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Nace como un movimiento literario, pero un año después de la publicación del manifiesto, el futurismo se cuela entre los artistas italianos, que, imitando a su fundador, se expresan en la publicación de varios manifiestos. A saber: Manifiesto de los pintores futuristas (1910); Manifiesto de la escultura futurista (1912); Manifiesto El arte entre los ruidos, dedicado a la música (1912), y Manifiesto de la arquitectura futurista (1914).

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Aunque el futurismo fue un movimiento italiano, ejerció un importante impacto internacional gracias a su capacidad de autopromoción y su radicalidad. Influyó en artistas como Marcel Duchamp y Joseph Stella, este último radicado en Nueva York. Del mismo modo, influyó en tendencias como el cubofuturismo y el rayonismo ruso.

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El rechazo a la tradición estética del siglo XIX fue un elemento común de todos los movimientos de vanguardia, incluido el futurismo. Aquella generación estaba cansada de la estandarización del arte, y captaba que el mundo había cambiado. El arte debía cambiar también.

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El futurismo se gestó en las postrimerías de una generación signada por la Segunda Revolución Industrial (1870-1914), en la que la dupla conocimiento científico y tecnología era responsable de una profunda transformación. Había quienes veían esto con desconfianza; pero los futuristas veían el augurio de un tiempo glorioso dominado por la máquina.

La utopía futurista alcanzaba, incluso, la idea del ser humano, que aspiraban se convirtiera en un superhombre. Automóviles, telégrafos y aviones lucían ante los futuristas como un verdadero salto cualitativo de la civilización, como una promesa universal inagotable de evolución.

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Inquietud por la cuarta dimensión (el tiempo)

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Inquietud por la cuarta dimensión (el tiempo)

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El tiempo ocupa un papel protagónico en el arte futurista. No puede ser de otro modo si el movimiento funda su nombre en la dialéctica del tiempo. Asumir como nombre el término "futurismo" implica una reflexión respecto del pasado y del presente.

Sin embargo, no queda claro si la mirada del futurismo estaba en el porvenir o en una toma de posición respecto del pasado. Al menos en cuanto a la pintura, el historiador Eric Hosbbamw señala que esta y otras vanguardias, adolecieron de una gran paradoja: interpretar la era del maquinismo con medios pictóricos del siglo XIX, como la pintura de caballete.

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Glorificación del patriotismo, la violencia y el machismo

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Glorificación del patriotismo, la violencia y el machismo

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El futurismo se identificó con el nacionalismo extremo. De ahí que lo consideraran, años más tarde, como un antecedente del fascismo. Sus escritores y artistas se convirtieron en promotores abiertos del militarismo y de la guerra, al punto de que muchos se enlistaron en la Primera Guerra Mundial. La mayoría murió en el frente de batalla, otros fueron gravemente heridos. Esto precipitó el fin del movimiento, aunque no de la estética. Richard Humphreys sostiene:

Para ellos, el futurismo era una filosofía de vida, con gran preocupación política, y enraizada en el rechazo de un conjunto de fuerzas, que ellos creían hostiles al crecimiento y a la modernización de Italia. La insistencia en la destrucción de la herencia de Italia es parte de ese rechazo. La acción violenta, ya fuera en la vida o en el arte, fue considerada el antídoto contra el letargo político, cultural y psicológico.

La pulsión entre sexualidad y máquina también se hizo sentir en el futurismo, abiertamente opuesto a cualquier iniciativa o perspectiva feminista.

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¿Cómo expresar la era de la máquina en el arte? La máquina significaba para los futuristas movimiento, revolución en su sentido técnico y social a la vez. Por esto, pretendieron interpretar el movimiento y la velocidad en la obra artística, ya en el lienzo, en la materia o en la palabra. Lo mismo ocurría con la energía y la expresión de la fuerza. El objetivo era captar la forma de la velocidad descrita en el espacio, el ritmo y la vitalidad.

Sin embargo, de acuerdo al investigador Richard Humphreys en su libro Futurismo: movimientos en el arte moderno, el futurismo quiere expresar la velocidad y el movimiento, pero pocas veces las máquinas se encuentran representadas en sus obras.

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Diálogo con otras estéticas y vanguardias

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Diálogo con otras estéticas y vanguardias

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El futurismo no permaneció ajeno a las influencias del arte y la estética contemporáneos. En el Diccionario del arte del siglo XX, Ian Chilvers sostiene que, en cuanto a las artes plásticas, el futurismo recibió la influencia del divisionismo, basado en la descomposición de la imagen en puntos de color, y del cubismo, que incorporaba múltiples planos en uno solo.

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Desde el punto de vista formal, las características de la literatura futurista fueron las siguientes:

Libertad de la palabra como eje rector.

Valoración de la escritura como fenómeno gráfico, es decir, visual.

Revolución tipográfica: uso de diversas fuentes, colores y criterios de diagramación.

Destrucción de la sintaxis como principio fundador.

Ruptura con la métrica.

Uso de barbarismos e infinitivos.

Recurrencia de exclamaciones e interjecciones para realzar la vitalidad.

Uso arbitrario de los signos de puntuación.

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En cuanto a las artes plásticas, el futurismo fue mucho más activo y prolífico en la pintura que en la escultura. Ambas comparten, sin embargo, principios semejantes. Entre las características de la pintura futurista, al nivel formal, contamos las siguientes:

Principio de “líneas de fuerza”, que favorecía la interrelación y fusión entre los objetos y su entorno.

Principio de continuidad del espacio plástico.

Ritmo y dinamismo.

Color vibrante y enérgico en la pintura.

Angulosidad frecuente.

Descomposición geométrica.

Cruzamiento de diferentes planos en un plano único.

Uso de la técnica de exposición fotográfica múltiple (secuencia de imágenes sucesivas en un segundo que, al superponerse, generan la percepción del desplazamiento), creada por Giacomo Balla.

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Se llama arte abstracto o arte concreto a aquellas expresiones artísticas basadas en elementos como la línea, el punto, el color y el material como lenguaje autosuficiente e independiente de la reproducción de objetos reconocibles, es decir, del figurativismo.

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Si bien a lo largo de la historia podemos reconocer elementos abstractos en las expresiones plásticas, el arte abstracto como corriente solo aparece en el siglo XX, cuando surgen una serie de movimientos que se agrupan bajo el nombre de abstraccionismo. Ahora bien, ¿qué expresa el arte abstracto? ¿Cómo nació el arte abstracto? ¿Cuántos tipos de abstraccionismo existen?

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El arte abstracto o abstraccionismo reúne un conjunto de movimientos diferentes entre sí. Aun así, podemos resumir algunas características fundamentales compartidas.

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El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al prescindir de representar objetos reconocibles. De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.

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En el arte abstracto, el protagonismo lo tienen los elementos plásticos en sí, sobre los cuales se carga todo el peso significante. La línea, el punto, el color, el plano, la geometría (plana o espacial), el material y la composición son el foco de interés del artista, y no meros recursos para referir elementos externos a la obra.

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Espíritu contemplativo centrado en lo estético

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Espíritu contemplativo centrado en lo estético

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El arte abstracto promueve un espíritu contemplativo ante las formas artísticas en sí mismas, una contemplación capaz de apreciar y acoger la dimensión estética de una obra como un valor autosuficiente.

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El enfoque del arte abstracto favorece la originalidad y la libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica. Por ello, el abstraccionismo agrupa tendencias totalmente diferenciables entre sí que, además, han logrado impactar en la cultura visual contemporánea.

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Al eliminar el referente, esto es, al renunciar a la representación de objetos, el abstraccionismo libera al arte de la subordinación al tema. Con ello, afirma la posibilidad de que sea valorado con absoluta autonomía. De este modo, deja atrás la idea de trascendencia artística asociada a los grandes relatos (religión, mitología, historia e, incluso, narrativas psicológicas en algunos casos).

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En tanto corriente, el origen del arte abstracto suele fijarse en el año 1910 con la aparición de la obra Primera acuarela abstracta del pintor ruso Vasili Kandinsky o Kandinski. Hasta el siglo XIX, el arte occidental se caracterizaba por el figurativismo o la reproducción de figuras reconocibles . El impulso final lo habrían dado movimientos como el expresionismo y el fauvismo por un lado, y la vanguardia cubista por el otro, lo que dio origen a dos tipos de abstraccionismo: la abstracción lírica y la abstracción geométrica respectivamente.

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La abstracción lírica abarca todos los estilos abstractos que utilizan elementos libres, sin procesos estrictos de racionalización geométrica o matemática, es decir, sin reglas predefinidas. En estos estilos prevalece la expresividad, la intuición y, con frecuencia, la espontaneidad.

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Abstracción geométrica, estructural o racional

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Abstracción geométrica, estructural o racional

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La abstracción geométrica es aquella que se basa en la racionalización geométrica y matemática de las formas. De acuerdo a Víctor Guédez en su llibro Aproximación y comprensión del arte contemporáneo, "responde a precisas estructuras lógicas y calculadas". Este tipo de planteamientos aleja a la a abstracción geométrica de los principios de intuición y expresividad propios de su antecesor, el abstraccionismo lírico.

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