# data[].attributes.body
En la prehistoria aparecieron los primeros humanos y con ellos las primeras manifestaciones artísticas por la necesidad de expresión, estas manifestaciones se representaron en lo que conocemos como el arte prehistórico, desarrollado por el ser humano en una de las etapas más primitivas, en el se identifica el arte desde la Edad de Piedra que se encuentra dividido en Paleolítico superior, Mesolítico y Neolítico hasta la Edad de los Metales, en donde se tienen hallazgos de las  primeras manifestaciones artísticas del Homo sapiens, como se llamó en un principio nuestra especie.

# data[].attributes.attachment_caption
Bisonte representado en la Cueva de Altamira en Cantabria, España, que data del Paleolítico Superior 

# data[].attributes.headline
Arte Rupestre Paleolítico (Manifestaciones graficas halladas en rocas)

# data[].attributes.subject
Arte Rupestre Paleolítico (Manifestaciones graficas halladas en rocas)

# data[].attributes.body
El Paleolítico es un periodo que dura aproximadamente  entre 500 mil años hasta unos 30 mil años y es un periodo más conocido como la edad de piedra, el nombre genérico del periodo surge, porque la mayoría de los objetos y hallazgos realizados se encuentran elaborados con piedra.

Existen evidencias que el arte de alguna manera tenía un sentido religioso, algo que hasta hace poco no se conocía.  El hombre de Neandertal hacía arte en forma de objetos. Cuando hablamos del arte prehistórico es imposible no hablar de las cuevas de Altamira o las de la Dordoña francesa. Se encuentran pinturas de animales  como los mamuts o uros, caballos, gacelas, osos, pero también plasmaban sus manos y figuras humanas.

Si buscamos las características resaltantes de las pinturas del periodo, podemos resaltar la ausencia de paisaje que acompañe las historias de caza o luchas, también debemos señalar que las imágenes se encuentran llenas de movimiento y naturalidad. Utilizaban para realizar sus pinturas pigmentos naturales en donde predominaban el color ocre, el negro del carbón y tonos rojizos, estos tintes eran mezclados con grasa animal y utilizaban ramas, fibras y sus manos para pintar.

# data[].attributes.attachment_caption
la Cueva de las Manos, en el valle del Rio Pintura, en la Patagonia, Argentina, muestra un arte más racional, en donde comienza a aparecer lo abstracto. Tienen peso en la expresión del arte reuniones y actividades desarrolladas como caza, bailes, ritos y escenas bélicas.

# data[].attributes.body
El periodo Mesolítico se encuentra ubicado en la mitad del periodo del Paleolítico, en este periodo se encuentran todas las expresiones artísticas del Paleolítico Superior hasta el Neolítico, específicamente entre los años 10 mil a 5 mil antes de Cristo. Los hallazgos del arte de este periodo han sido identificados en diversos continentes entre ellos Europa, Asia, África, Australia y América. Es importante resaltar que es un periodo de cambios importantes a nivel planetario, porque se encuentra ubicado en  un periodo interglaciar, es decir, se produce el deshielo.

En este periodo todavía el hombre era nómada y solo es el comienzo del sedentarismo, dentro de los objetos encontrados se resaltan los cantos rodados tallados con bandas y puntos elaborados por la cultura aziliense. Las esculturas en relieve, las tallas de figuras, el tallado utilizando la madera se hace muy importante, aparece la decoración de los objetos personales, lo que se conoce como el arte mueble y desarrollaron la cerámica.

# data[].attributes.attachment_caption
pintura rupestre esquematizada. Gua Tambun, Malasia

# data[].attributes.body
El arte prehistórico del Neolítico, se encuentra determinada por el final de la vida nómada, por lo tanto los hallazgos nos muestran, el arte y los oficios de sociedades que practicaban la agricultura y la cría de animales para su sustento. Por lo que se hacen presentes los objetos de cerámica con fin utilitario, pero también la cerámica antigua de esculturas de terracota como una de las principales  expresiones de arte. El neolítico es el comienzo de la civilización, fue una explosión de creatividad expresada de diferentes maneras y que además duraron periodos distintos en cada uno de los continentes.

La creación de objetos más que de uso para adorno fueron desarrollados en este periodo, murales, estatuas y patrones para cerámica y textiles, la talla de piedras semi preciosas, conchas de tortuga talladas . No abandonaron la funcionalidad pero en el neolítico se buscaba belleza.

# data[].attributes.body
El arte de la Edad Antigua está definido como todas las obras de arte u objetos considerados antigüedades, por lo tanto, es tan amplio como todo tipo de arte que no sea catalogado como arte moderno.

# data[].attributes.attachment_caption
Pintura de la cuevas de Ajanta en la India.

# data[].attributes.body
Las pinturas de la cueva de Ajanta son un conjunto de murales y frescos budistas que se encuentran en 30 cuevas excavadas en la roca en las montañas de Ajanta, en el estado de Maharashtra, India. Estas obras de arte, que datan entre el siglo II a.C. y el siglo V d.C., son consideradas una de las obras maestras más importantes del arte budista y una de las atracciones turísticas más populares de la India.

Estas pinturas murales narran la vida de Buda, muestran escenas de la mitología budista y presentan representaciones de otros seres celestiales. No tienen un artista identificado individualmente. Se cree que fueron elaboradas por un colectivo de artistas y artesanos, trabajando bajo el patrocinio de monarcas, comerciantes y filántropos budistas. Las pinturas fueron realizadas con diferentes materiales como estiércol de vaca y arcilla, pintadas en diferentes colores como ocre rojo, ocre amarillo, ocre marrón, negro lámpara, blanco y lapislázuli que se importaba del norte de la India, Asia central y Persia. Todos los personajes son brillantes y multicolores pero nunca se repiten, concepto fundamental en el arte indio. Techos, paredes y pilastras están cubiertos con figuras superpuestas. Las pinturas rupestres de Ajanta se realizaron utilizando una técnica llamada Tempera.

Las técnicas empleadas durante este período fueron: frescos, donde los pigmentos se aplicaban sobre una capa de yeso húmeda, permitiendo que los colores se fijaran permanentemente en la superficie; el temple, consistía en mezclar pigmentos con una base de yema de huevo o goma arábiga, creando una pintura más opaca y duradera. Finalmente el dibujo, delineado previo de las figuras y escenas se realizaba con carbón o pinceles finos, utilizando pigmentos naturales.

# data[].attributes.body
La pintura del Antiguo Egipto se destaca por la yuxtaposición de las figuras representadas. Sin dejar de considerar la jerarquía entre las figuras. Se empleaba la técnica del canon de perfil en el que destacaba el cuerpo entero exceptuando sus rostros y hombros, los cuales se encontraban mirando al frente.

Ésta, empleada particularmente como parte decorativa tanto de tumbas como de templos, e incluso como parte ilustrativa de los papitos. Cuyas temáticas más representadas variaban entre las figuras de dioses, como su uso simbólico para ritos; también se desarrollaron muchas escenas cotidianas. Además las obras realizadas por los egipcios mostraban una ley de la geometría muy característica. Todas sus piezas, especialmente las esculturas, eran desarrolladas a partir de círculos, triángulos, cilindros y cubos. Todos sus detalles, tanto en sus formas como en el ropaje, se adaptaban perfectamente bien a ritmos matemáticos.

Todas estas figuras muestran una composición perfectamente equilibradas. Encontramos, además, ángulos perfectos de 90 grados que nos acercan al bloque de piedra del que se ha sacado cada una de las formas.

El color para los egipcios era de gran importancia, aunque por razones un tanto lógicas la gama de tonalidades era reducida a negro, blanco, amarillo, rojo, verde y azul. Sin dejar de considerar que la gama de tonalidades eran extraídas de la naturaleza.

# data[].attributes.attachment_caption
"Zeuxis eligiendo a sus modelos para la imagen de Helena entre las niñas de Croton"

# data[].attributes.body
El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.

Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Nacieron aquí las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos que comienza aproximadamente en los siglos V y IV y florece y se desarrolla a plenitud entre los siglos VII y II antes de la era Cristiana; no sólo en Grecia, sino también en otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.

Características fundamentales del arte griego:

Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.

Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a destacar su concepto de la perfección estética.

No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.

Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.

Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión idealizada de estos.

No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.

Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte.

# data[].attributes.body
Este es uno de los periodos más extensos de la historia del arte, la Edad Media se extiende desde el siglo X hasta el siglo XV medieval, la misma se extendió  en África del norte, Europa y Oriente medio. En este periodo se pueden reconocer diferentes movimientos artísticos, que pueden clasificarse en distintos períodos.

El arte tiene varias etapas de florecimiento las cuales fueron llamadas renacimiento, este periodo tiene obras de artes realmente destacadas, los artistas se mantenían en el anonimato. Existe y se reconoce una herencia artística que viene  del imperio  romano, del cristianismo primitivo y también de la cultura bárbara, haciendo del arte de esta época algo muy particular.

El arte de la Edad Media se manifiesta en diversas disciplinas y técnicas, en las cuales adicionales a la escultura, pintura y arquitectura como referencias anteriores, se distinguen los frescos, manuscritos y no podemos dejar de incluir los textiles y confecciones de las vestimentas de la época.

# data[].attributes.attachment_caption
Cristo Pantocrátor (Parte del Mosaico de la déesis), el más famoso de los mosaicos bizantinos (siglo xii) de la Iglesia de la Sagrada Sabiduría (Hagia Sophia) conservado pese a la iconoclastia islámica en Estambul (antigua Constantinopla).

# data[].attributes.body
El arte bizantino se desarrollo desde el siglo IV, se extendió a partir  del siglo VI por el Imperio Romano oriental, siendo la ciudad de Constantinopla, el centro artístico más importante de este período, a partir del siglo XV se extiende a los países del Este de Europa.

En un principio se consideró como la continuación del Imperio Romano, por lo que las expresiones artísticas, estaban muy unida al mundo helenístico, las cuales influyeron fuertemente la cultura occidental medieval. Por supuesto que el arte de este periodo se encuentra sujeto a las solicitudes y gustos del emperador, luego cuando se asume la religión cristiana, entonces también se encuentra bajo el poder religioso. Es una mezcla de diferentes influencias, entre las que destacan por supuesto que el cristianismo primitivo, la racionalidad del arte griego y el Islam. El arte bizantino fue una continuación del arte paleocristiano oriental, desarrollado en el imperio romano, cuyo desarrollo se ve interrumpido por diversos sucesos políticos, pero donde resaltan su arquitectura monumental, sus esculturas y extraordinarios mosaicos.

# data[].attributes.attachment_caption
Anunciación de la iglesia de Sant Pere de Sorpe (Alto Aneu, España), mediados del siglo xii.

# data[].attributes.body
El arte románico se encuentra identificado en la historia del arte entre los siglos XI y XIII, se trata de  un movimiento artístico que tiene su inicio en Europa y surge como consecuencia de una prosperidad económica y también acompañada de una renovación espiritual. Siendo así el arte de este periodo tiene un estilo propio europeo, religioso cristiano, influenciado por el arte de la Edad Media. Se trata de un arte religioso, en el que se enaltecen los valores de la nueva sociedad feudal, pero como era también una sociedad  fuertemente cristiana, el arte arquitectónico se refleja en las iglesias y de edificios religiosos en donde se identifican elementos del arte romano con influencias orientales y germánicas. El arte de este tipo de construcciones era promovida por los reyes y por los representantes de la iglesia.

# data[].attributes.attachment_caption
Simone Martini (1285–1344), un niño cae desde un balcón y se salva por la intercesión de San Agustín. Temas oscuros y una intensa emoción se vieron cada vez más acentuadas en el arte gótico tardío.

# data[].attributes.body
El arte gótico se desarrolla desde la mitad del siglo XII hasta el renacimiento en el siglo XV específicamente en Italia y hasta el siglo XVI, en otras zonas de Europa. Se trata de un movimiento artístico que se desarrolló en Europa Occidental. Las primeras evidencias del arte gótico se encuentran en el norte de Francia, este tipo de arte muestra variaciones en las diferentes zonas en donde se desarrollo. En la arquitectura una de las características más resaltantes es el uso del arco apuntado, seguido de una bóveda la cual es el contrafuerte del exterior. La expresión artística como la pintura en el arte gótico hace presencia en el año 1200, la afirmación se fundamenta en el hecho que con anterioridad no se realizaba pintura gótica, si bien no es un marcado corte entre los estilos anteriores y el gótico, se puede resaltar el cambio hacia un estilo más oscuro y frío. Por su parte la pintura al óleo se hace notoria en el siglo XV, sirviendo como punto de inicio del arte renacentista.

# data[].attributes.body
Fundamentado en la historia del arte se establece la Edad Moderna del arte, ubicada desde el final de la Edad Media hasta el inicio de las revoluciones políticas y económicas del siglo XVIII. Los cambios filosóficos y políticos profundos de la época influyeron en el arte del periodo.

La afirmación del individualismo,  la valoración del ser humano hacen que los artistas busquen su reconocimiento, saliendo del anonimato y siendo amparados por los mecenas. En la edad moderna se fortalece el uso de las proporciones, edificaciones para el beneficio social como los hospitales. La arquitectura tiene un propósito, por lo tanto, se elaboran proyectos.

Es el renacimiento del arte, se abandona lo clásico y se instaura el Barroco como movimiento artístico, el cual evoluciona hacia el Rococó en algunos partes de Europa. El romanticismo surge en el siglo XIX, rescatando algo del arte gótico y del arte medieval.

# data[].attributes.attachment_caption
Un detalle de la pintura de La Virgen con Canon van der Paele del artista renacentista holandés Jan van Eyck (c. 1390-1441 d. C.). 1436 d.C. (Groeningemuseum, Brujas, Bélgica)

# data[].attributes.body
Durante el Renacimiento hubo tres técnicas principales de pintura: el fresco, el temple y el óleo. En todas estas técnicas, el color era una parte importante del arsenal del pintor, lo que le permitía crear imágenes que provocaran un reconocimiento y arrancaran un grito de asombro al espectador. Aunque muchos artistas dominaban las tres técnicas, a medida que avanzaba el Renacimiento, el fresco se reservaba para los techos, el temple para los pequeños paneles religiosos y el óleo para los paneles de madera o los lienzos, a veces muy grandes. El óleo permitía una mayor sutileza en la ejecución y se convirtió en el medio preferido de la mayoría de los maestros del Renacimiento tardío, una preferencia que continuaría en los siglos siguientes.

El artista del Renacimiento disponía de una amplia gama de colores, pero la calidad y el brillo dependían del tamaño de su bolsillo, o quizás más exactamente, del de su mecenas. Los colores se elaboraban a partir de tierras y minerales. Las lacas se hacían con material orgánico como plantas, flores y bayas y eran relativamente baratas y fáciles de adquirir. Los pigmentos metálicos y minerales eran más caros. El plomo se utilizaba para el blanco y el rojo, el estaño o el orpimento para el amarillo, la azurita para el azul y la malaquita para el verde. Para adquirir los pigmentos más raros y de mayor calidad, el artista o su proveedor debían dirigirse a un puerto como Amberes, Brujas o Venecia, que tenía vínculos comerciales con el Mediterráneo y Asia. La única fuente de ultramar, por ejemplo, era el lapislázuli de Afganistán. Por esta razón, los contratos de encargo a menudo especificaban los límites de ciertos materiales para que la obra de arte terminada se mantuviera dentro de las posibilidades del mecenas.

# data[].attributes.attachment_caption
Virgen del cuello largo (1534-1540), de Parmigianino.

# data[].attributes.body
La historia del arte denomina al Manierismo  como el estilo artístico que se sitúa en las décadas centrales y finales del siglo XVI, es decir, en la última parte del Renacimiento, es identificado como un estilo de arte intelectualizado y elitista, que se opone al Barroco. Se dice es una prolongación de la creatividad de los grandes artistas del final del Renacimiento, en realidad un estilo de arte subestimado, por considerado extravagante, erótico y decadente. No obstante, el mismo es revalorizado en el siglo XX, es una expresión artística en donde la creatividad de los autores se aleja de lo que se considera verdadero, por lo que se acerca a la abstracción. Era un arte exclusivo de la corte.

# data[].attributes.attachment_caption
Rembrandt van Rijn, La ronda de noche o La compañía del Capitán Frans Banning Cocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363 × 437 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam. La pintura es un ejemplo clásico del arte barroco.

# data[].attributes.body
Como hemos podido observar con la llegada del Renacimiento, la iglesia perdía control y presencia en la sociedad, por lo que la iglesia católica comienza a promover cambios solicitando la construcción de iglesias con gran cantidad de esculturas, como una manera de contrarrestar las ideas racionalistas y reformistas que estaban dominando, los aspectos sociales y culturales de la época.

De esta manera promovido por la iglesia surge el arte barroco en la  Arquitectura. Igualmente, la escultura y la pintura tienen un carácter dramático,  los artistas barrocos  hicieron uso de las formas, espacios, luz natural y colores, para establecer una relación entre el observador y la obra, desde cualquier expresión del arte, con la finalidad de crear una  experiencia emocional.

Es de resaltar que el arte barroco fue capaz de considerar en su propuesta los diversos movimientos religiosos, políticos y sociales, dando una continuación al manierismo, pero abandonando la serenidad, trayendo al arte la expresión desde la exageración y la ostentosidad.

# data[].attributes.attachment_caption
Jean-Honoré Fragonard: El columpio, 1766.

# data[].attributes.body
El Rococó tienen su origen en Francia en los años 30 hasta los años 70 del siglo XVIII, es aceptado y rápidamente se extendió a otras partes de Europa, fue trasferido a diversas expresiones artísticas , entre las que se encuentra la música, muy aceptada por las personas que pertenecían a la aristocracia. En cuanto a la escultura y la arquitectura se caracterizan, por el predominio de colores claros, luminosos, con la intención de mostrar un aspecto suave y refinado.

# data[].attributes.attachment_caption
Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios (1784–85).

# data[].attributes.body
El arte neoclásico surge a raíz del descubrimiento de la arquitectura clásica a través de las expediciones arqueológicas, en donde la ciudad de Pompeya, es una de las que mayor influencia, tiene sobre algunos artistas que buscaban inspiración para salir del recargado arte barroco y rococó. Es por ello que los artistas retoman el concepto de belleza, la simetría y las proporciones que permiten líneas puras, en las propuestas arquitectónicas. Retoma lo refinado, lo sencillo, así como los elementos básicos, las columnas de órdenes dórico y jónico, cúpulas, entre otros.

# data[].attributes.body
Las cuales nos permiten llegar a nuestra época (Edad contemporánea hasta la actualidad) El arte contemporáneo comprende las expresiones artísticas que surgieron a partir del siglo XX hasta la actualidad, por lo que se lo denomina también arte moderno. El término contemporáneo significa lo que ocurre en la época presente y comprende toda la creación artística de la actualidad.

El arte contemporáneo surgió como consecuencia de los movimientos precedentes, como el arte pop de Gran Bretaña y de Estados Unidos de la década de 1960 que se caracterizó por el uso de imágenes y objetos de uso popular, como anuncios publicitarios, cómics, marcas de productos o videos cinematográficos, entre otros.

El arte pop rompió con el expresionismo abstracto de comienzos del siglo XX, que se caracterizó por la espontaneidad del artista, en especial, en la pintura. El expresionismo resultó un arte no figurativo, es decir, abstracto y que buscaba traspasar los límites de lo convencional o lo racionalmente correcto.

El arte pop tomaba elementos de la vida cotidiana y los representaba en contextos o situaciones irracionales, imaginarias o contrarias. Resultó una crítica a la nueva sociedad de consumo y de producción en masa, en la que la imagen y el materialismo resultaron los nuevos valores de la sociedad.

Surgió una nueva concepción del arte, ya no considerado como algo bello o como una mercancía, sino que el arte conceptual era más importante que la mercancía en sí. Este movimiento experimental desencadenó en el arte contemporáneo que incluyó diversos movimientos, como el dadaísmo, el surrealismo y el cubismo, entre otros.

# data[].attributes.attachment_caption
Esta obra se considera, con razón, la primera verdadera obra de arte pop . Realizado en 1956 por el artista inglés Richard Hamilton , este pequeño collage ( solo 26x25cm ), consta de imágenes de revistas americanas . Por otra parte, el título de esta obra, en francés " ¿Qué es exactamente lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?" Está inspirado en un eslogan que se encuentra en una de estas revistas, haciendo que el revestimiento promueva el suelo y el diseño colorido.
La escalera del lado izquierdo es de un anuncio de una aspiradora, el culturista del medio es el ganador del concurso Mister Los Angeles (Mr.LA) de 1955, la mujer en el sofá de la derecha es de una revista erótica ... La obra abunda en símbolos de la sociedad de consumo y la cultura popular , que agrupados así forman un atrevido panfleto crítico contra los fallos de una sociedad estereotipada y egocéntrica .

# data[].attributes.body
El Pop Art o arte pop, que significa Arte Popular, fue un movimiento artístico fuertemente influido por la publicidad, el consumismo y la cultura de masas, y considerado por muchos uno de los hitos iniciales del posmodernismo. En sus obras de arte, los objetos comunes se convierten en protagonistas. Sus principales características se basan en el humor, inspiración de la cultura de las masas, descontextualización, incongruencia, provocación y colores vivos.

# data[].attributes.attachment_caption
Es uno de las primeras obras cubistas de Picasso. En ella se representa un paisaje, arquitectónico en este caso, con una fuerte predominancia del color ocre y los tonos grises. En Cases d’Horta Picasso aporta formas geométricas bien depuradas y contiguas entre ellas, todas diferentes caras de poliedros, en este caso cuadrados, rectángulos y triángulos.

# data[].attributes.body
El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que se caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas como los rectángulos, los triángulos y, especialmente, los cubos, de donde toma su nombre. Su objetivo es romper con la representación naturalista y plasmar varios planos de modo simultáneo sobre la superficie de un cuadro. El cubismo se caracteriza principalmente por los siguientes elementos:

Visión analítica de los elementos de representación;

Poca perspectiva y profundidad espacial;

Uso de figuras geométricas: cubos, cilindros, etc.;

Incorporación de varios ángulos en un mismo plano;

Preferencia por las líneas rectas;

Aplicación de técnicas mixtas: collage, tipografía, etc.

# data[].attributes.attachment_caption
La persistencia de la memoria, también conocido como Los relojes blandos[1]​ o Los relojes derretidos,[2]​ es un famoso cuadro del pintor Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. La obra fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle de París,[3]​ del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero del año siguiente en una exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, Surrealism: Paintings, Drawings and Photographs.[3]​ Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde llegó en 1934.[4]​ En una revisión del cuadro, Dalí creó en 1954 La desintegración de la persistencia de la memoria (en), obra que se encuentra en el Salvador Dalí Museum (San Petersburgo, Florida).

# data[].attributes.body
El arte surrealista es una corriente artística que tiene su base en Francia en la década de 1920; este modelo de arte busca inspirar olvidando la realidad, de tal forma que el artista encuentre una forma de encerrarse en sí mismo, en un impulso imaginario e irracional. Esta vanguardia artística causó en un inicio mucha controversia, pues rompía con las leyes de la pintura tradicional, con el objetivo de captar la atención directa del espectador, con imágenes fuera de la realidad y en ocasiones nada figurativas.

En el arte surrealista el artista no representa vivencias pasadas, por el contrario, representa una realidad que está en el inconsciente o los sueño, de aquí que el arte surrealista sea uno de los estilos de arte más difícil de comprender e interpretar. El surrealismo tuvo sus inicios en la poesía, extendiéndose posteriormente a la pintura y escultura, concluyendo con la ideología comunista con un enfoque político.

Características del arte surrealista

El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad

Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento

Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.

Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejado al espectador un tanto desorientado

La imaginación se utiliza como lógica.

Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages.

El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas

Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura.

La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos

Los artistas inventan universos figurativos propios.

El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales.

Se divide en surrealismo figurativo y abstracto.