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El primer escenario de la legislación urbanística moderna

La ciudad crece y lo hace aceleradamente. Y mientras ese crecimiento se produce, nuevas herramientas comienzan a surgir en busca de un nuevo orden, de una nueva regulación en términos de estética, de salubridad y de seguridad urbanas. En esa lógica, emergen criterios particulares de actuación que definen un primer escenario y que se fundan en modelos instalados como cuna de la legislación moderna.

El nombre de Edward Basset se halla absolutamente ligado al de "the father of the zoning". Y esto ha sido el resultado de su abocada personalidad, capaz de liderar un movimiento que desde 1910 detonó un proceso de sustitución de la fisonomía general a la ciudad de New York, y su modelo fue utilizado como referente para toda América: se trataba del primer reglamento de zonificación, que ofreció soluciones tendientes a resolver problemas de crecimiento derivados de conflictivos de intereses entre particulares.

Con la dotación de validez jurídica, el zoning se ha constituido en uno de los instrumentos estructurales de la planificación urbanística, principalmente mediante la regulación del uso del suelo y del volumen edilicio por sectores. Reconoce es esencia la existencia de diferentes estratos sociales y de una división del trabajo. A partir de allí, logró simplificar y esquematizar la ciudad a unos pocos elementos relacionados con su desarrollo urbano.

Su accionar estuvo destinado a la adecuación de un natural proceso de crecimiento. La ciudad demostró a través del tiempo su tendencia a asumir de manera espontánea una línea de densidadesdecrecientes del centro a la periferia, y sus actividades a agruparse espontáneamente en función de criterios de homogeneidad. De modo que el zoning en su primer escenario actuaba en casos de distorsiones, previniendo, contraponiendo y volviendo a insertar piezas el proceso evolutivo. Cumplió el objetivo, entonces, de superponer un dispositivo normativo que impidiera la ruptura de las leyes de crecimiento intrínsecas a la ciudad. (Tella, 2009).
Las limitaciones al dominio
El propio Edward Basset, quien ya había trabajado junto a George McAneny (presidente del Borough de Manhattan), luego de instalada la necesidad de legislar, estimaba que la experiencia europea sería útil debido a la utilización del instrumento del zoning, " pero si bien era bueno lo hecho allí, no era posible implementarlo en New York, donde las Cortes podrían declarar como irrazonables a las regulaciones sobre la propiedad privada ". (Bassett, 1936).

La legislación local entonces se encontraba sujeta a salvaguarda de los escritos constitucionales y, por lo tanto, era necesario generar una estructura estatutaria para zonificar que coincidiese con los principios del poder político. Muchos coincidían que: " Las limitaciones al dominio que impone el zoning se encuentran ampliamente compensadas por los beneficios que derivan de un ordenamiento de la edificación, que ha de asegurar las condiciones de higiene y bienestar a todos los habitantes, junto con el mantenimiento del valor de la propiedad ". (Migone, 1945).

Pero para lograr ello se debió trabajar mucho. Para que una ciudad tuviese la capacidad jurídica de establecer restricciones al dominio privado fue indispensable la actuación de los gobiernos de orden superior para que mediante leyes o promoviendo reformas constitucionales, pudiesen delegarle la autoridad para reglamentar sobre el uso del suelo y sobre el tipo de ocupación, altura, volumen y forma de sus edificios. Por otro lado, los límites del zoning como instrumento de control del suelo reflejaban exactamente los intereses económicos de las fuerzas que solicitaban su adopción.

Por ende, con la conflictiva convivencia de intereses contrapuestos de individuos y de grupos se pugnaba por un instrumento ordenador de la ciudad capaz de eliminar o, al menos, reducir deficiencias y desequilibrios. De modo que este movimiento en pro del zoning pretendió, sin más, devolverle gobernabilidad a las ciudades. No debe dejar de destacarse, entonces, que con el tiempo los "pioneers of zoning" lograron imponer sus principios en un país donde prevalecen las libertades individuales y los derechos ciudadanos.
Las respuestas del zoning
En general, las razones con las que se justificaba la aparición en escena del instrumento cabe ordenarlos de la siguiente manera: disminuir la congestión en las calles; proteger las situaciones de incendio, pánico y otros peligros; incentivar la salud y el bienestar general; proveer la adecuada cantidad de luz y de aire; prever el apiñamiento de tierra; evitar la desmedida concentración de población; y satisfacer la adecuada provisión de servicios públicos.

Para algunos autores existen "por lo menos tres razones por las que New York puede considerarse como la experiencia clave para comprender el significado de la introducción del zoning en América; y ellas son: que por primera vez la zonificación afecta a todos los límites administrativos de la ciudad; que las prescripciones de zona definen todas las características de los edificios que allí puedan realizarse; y que estas prescripciones fueron formalizadas hasta adquirir valor jurídico, conforme a la constitución y a la legislación vigente". (Mancuso, 1980).

Cada regulación debía ser hecha razonablemente, según el carácter del distrito y con la intensión de conservar el valor de los edificios, asegurar el más apropiado uso de la tierra, proteger el suelo de intromisiones perjudiciales y generar condiciones que induzcan futuras inversiones. Constituyó una sumatoria de pequeñas disposiciones parciales, demandadas por sectores reducidos, representantes de intereses económicos con capacidad de influencia en los procesos de toma de decisión en la gestión de la ciudad.
Las modalidades de regulación
Las demandas de regulación se instalaron tarde en la ciudad, a partir del incremento en la congestión vehicular, el bloqueo del aire y la luz, y la invasión de los denominados "usos impropios". La respuesta ofrecida, materializada en el plano de 1916, no perseguía un modelo global óptimo a alcanzar, sino que respondía a problemas sectoriales que afectan a partes reducidas. George B. Ford, su más directo ejecutor, definió tres tipos fundamentales de prescripciones:

● Use Districts: determinaba los diferentes tipos de usos admitidos, pudiendo ser: residencial, comercial o indefinida.

● Height Districts: establecía limitaciones en la altura de los edificios mediante cinco categorías que iban desde los edificios que no superaban el ancho de la calle hasta aquellos que lo hacían hasta dos veces y media.

● Area Districts: indicaba qué parte de la superficie podía ser ocupada y cual debe dejarse libre, mediante cinco categorías con relaciones numéricas decrecientes.

La necesidad de regular usos derivó en la creación de distritos en los que la exclusión de negocios del área residencial y de las viviendas del área industrial resultó ser el principal problema a flanquear. Asimismo, la localización de instituciones humanitarias (escuelas, iglesias y hospitales) constituyó otro desafío, debido a las potenciales molestias que sus actividades generaban. La solución encontrada fue la de determinar en el mapa diferentes tipos de distritos residenciales, de negocios e industriales.

La tendencia fue eliminar de zonas residenciales las instalaciones agrícolas y las industrias livianas, con algunas excepciones por distrito. Es el caso de los bomberos, por ejemplo, si bien debían estar fuera del área residencial, se les permitía por necesidad de protección general. La industria pesada, en cambio, se ubicaba en proximidades de redes de ferrocarril o cursos de agua.
Los principios sostenidos
Los principios reconocidos en la idea de zoning entonces pueden sintetizarse en:

● Respetar la propiedad privada, debiendo articular los derechos garantizados por el texto constitucional con la aplicación de las regulaciones.

● Fomentar el bienestar general, impulsado por el propio gobierno central. Fue otro de los aspectos claves en la aceptación del american welfare.

● Plantear un marco jurídico constituyó otro de los pilares principales para la fundamentación del nuevo escenario normativo que proponía el zoning.

● Garantizar la razonabilidad en la toma de decisiones -para generar de modo coherente cada mejora- y la igualdad en los derechos individuales.

● Propiciar la cuestión estética y la uniformidad. Las regulaciones debían ser uniformes para cada tipo de edificios en cada distrito.

● Finalmente, subyacía la idea de dumping, mediante el empleo de una normativa para excluir de un lugar un uso que no era deseable para algunos sectores en particular pero que, en rigor, se hallaba permitido por la legislación vigente.

Asimismo, su aplicación detonó tres obstáculos jurídicos a superar: la delimitación del marco constitucional, la violación de la libertad individual y la restricción al dominio privado. De manera que, en términos generales, la implementación del zoning -uno de los instrumentos más poderosos de regulación urbanística- puede explicarse: en función de sus objetivos fundacionales, a partir del concepto de dumping; desde el punto de vista de su metodología de aplicación, a partir del concepto de districting; y en relación al argumento público de legitimación, con la idea de welfare.
Referencias:
- Bassett, Edward. (1936), Zoning. The Laws, Administration and Court Decisions during the first twenty years. New York: Russell Sage Fundation.
- Migone, Luis Viconte. (1945), Las ciudades de Estados Unidos. Su legislación urbanística, sus códigos de edificación. Buenos Aires: El Ateneo.
- Mancuso, Franco. (1980), Las experiencias del zoning. Barcelona: Gustavo Gili.
- Tella, Guillermo. (2009), Buenos Aires: Albores de una ciudad moderna. Buenos Aires: Ediciones Nobuko.

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La ciudad crece y lo hace aceleradamente. Y mientras ese crecimiento se produce, nuevas herramientas comienzan a surgir en busca de un nuevo orden, de una nueva regulación en términos de estética, de salubridad y de seguridad urbanas.

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La Gran Guerra, un conflicto por tierra, aire y mar, fue tan terrible que dejó más de ocho millones de víctimas militares y 6,6 millones de víctimas civiles. Murieron casi el 60 por ciento de las personas que lucharon. Muchas más desaparecieron o resultaron heridas. En solo cuatro años, entre 1914 y 1918, la Primera Guerra Mundial cambió los conflictos bélicos modernos, convirtiéndose en uno de los más letales en la historia mundial.

En aquel momento, la situación social y política en la que se encontraba España llevó al rey Alfonso XIII a tomar la decisión de quedarse al margen de la Gran Guerra. "Es una neutralidad un poco forzosa. España no está dentro de las alianzas ni de los bloques que llevan a desencadenar la Primera Guerra Mundial, pero indirectamente sí forma parte de ella", explica a National Geographic Gutmaro Gómez Bravo, doctor en historia y profesor de la Universidad Complutense.

Durante los 100 años previos al conflicto, España había sufrido una invasión, pronunciamientos militares, el cambio de dinastía, el asesinato de un primer ministro y una corta República. En este contexto, la pérdida de las últimas posesiones de ultramar en 1898, inclinó la balanza hacia la neutralidad ante la Gran Guerra. Sin embargo, nuestra posición fue también protagonista a través de espionajes y exportación de armas.

La Primera Guerra Mundial tuvo diversas causas, pero sus raíces se encuentran en una compleja red de alianzas entre las potencias europeas. En esencia, fue la desconfianza entre -y la militarización de- la informal "Triple Entente" (Gran Bretaña, Francia y Rusia) y la secreta "Triple Alianza" (Alemania, el Imperio austrohúngaro e Italia).

Los actores más poderosos, Gran Bretaña, Rusia y Alemania, gobernaban imperios coloniales mundiales que querían expandir y proteger. A lo largo del siglo XIX, consolidaron su poder y se protegieron forjando alianzas con otras potencias europeas.

28 de julio de 1914: Comienza la Primera Guerra Mundial

Mujeres y niños cuelgan pósteres que instan a los estadounidenses a alistarse en el ejército.

Fotografía de Western Newspaper Union, Nat Geo Image Collection

En julio de 1914, las tensiones entre la Triple Entente (también conocida como los Aliados) y la Triple Alianza (también denominada Potencias Centrales) escalaron tras el asesinato del archiduque Francisco Fernando, heredero al trono de Austria-Hungría, por parte de un nacionalista serbio-bosnio durante su visita a Sarajevo. Austria-Hungría culpó a Serbia por el ataque. Rusia respaldó a su aliado, Serbia. Cuando Austria-Hungría declaró la guerra a Serbia un mes después, sus aliados intervinieron y el continente entró en guerra.

Izquierda: Arriba:

Un soldado y un perro intentan encontrar a los heridos en zonas en guerra.

Fotografía de Underwood and Underwood, Nat Geo Image Collection

Derecha: Abajo:

El archiduque Francisco Fernando (1863-1914) fue asesinado en Sarajevo por un nacionalista serbio. El incidente provocó la Primera Guerra Mundial.

Fotografía de NONE << The NONE Print Collector, Print Collector, Getty

A medida que se desarrollaba la contienda otros países y potencias se fueron sumando a uno y otro bando. El Imperio Otomano, aunque dudó se sumó al bando de las Potencias Centrales, mientras que más decisiva fue la entrada de Estados Unidos en la guerra.

Así, conflicto pronto se expandió al resto del mundo y afectó a las colonias y a los países aliados de África, Asia, Oriente Medio y Australia. En 1917, los Estados Unidos entraron en la guerra tras un largo periodo de no intervención. Entonces, el escenario principal de la guerra -el Frente Occidental en Luxemburgo, Países Bajos, Bélgica y Francia- fue el emplazamiento de un bloqueo letal.

El coronel estadounidense Christopher Miller contempla el paisaje lleno de baches en Fort de Vaux. Estas colinas aparentemente apacibles son testimonios duraderos de los intensos bombardeos durante la batalla de Verdún.

Fotografía de Kris Davidson, Nat Geo Image Collection

Con la ayuda de Estados Unidos, los aliados se abrieron paso con la Ofensiva de los 100 Días, que provocó la derrota militar de Alemania. Oficialmente, la guerra llegó a su fin a las 11:11 de la mañana del 11 de noviembre de 1918.

Para entonces, el mundo estaba en manos de una pandemia de gripe que afectaría a un tercio de la población mundial. Se habían desatado revoluciones en Alemania, Rusia y otros países. Gran parte de Europa estaba en ruinas. La "neurosis de guerra" y las secuelas de la intoxicación por gas se cobrarían miles de vidas más.

La neutralidad de España no eximió nuestro país de sufrir también las consecuencias. "Aparentemente se vendió como un punto positivo porque España queda fuera de un conflicto de estas dimensiones, [pero] en realidad es una debilidad. Desde las crisis marroquíes, o antes de la Guerra de Cuba, España pasó a ser segunda o tercera potencia. La dimensión colonial que tiene España prácticamente queda reducida a la Guerra de Marruecos", explica Gómez Bravo.

Aunque el mundo se comprometió a no permitir que ocurriera otra guerra como esa, se sembraron las semillas del siguiente conflicto con el Tratado de Versalles, que fue humillante y punitivo para los alemanes y contribuyó a preparar el terreno para el auge del fascismo y la Segunda Guerra Mundial. La tecnología que había generado la guerra se emplearía en la siguiente guerra mundial solo dos décadas después.

Aunque entonces se describió como "la guerra para poner fin a todas las guerras", las cicatrices que dejó la Primera Guerra Mundial en el mundo no acabaron de curar.

Septiembre de 1939: comienzo de la Segunda Guerra Mundial

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¿Cuáles fueron las causas y consecuencias de la Primera Guerra Mundial?

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La Primera Guerra Mundial, también denominada la Gran Guerra, fue uno de los conflictos más mortíferos de la historia y preparó el terreno para otra guerra mundial solo 20 años después.

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La devastación y el impacto en las huellas del pasado...

En 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, gran parte de la humanidad se vería impactada en su cotidianidad por las transformaciones sociales que este hecho generó. En un tiempo relativamente corto, la nueva geografía del mundo y la nueva forma en que se le percibía, transformó los valores culturales y con ello se resignificó buena parte de los objetos artísticos, arqueológicos y arquitectónicos que identificaban a los pueblos.

Los cambios no se hicieron esperar, el enfrentamiento llevó a la formación de nuevos nacionalismos que transformaron la forma en la que se había apreciado la cultura. A corto plazo, la guerra significó que cada nación resignificara sus valores culturales a través de la música, la literatura y el arte, dando mayor peso a aquellas piezas que exaltaran la nacionalidad y excluyeran o denigraran al enemigo; en cuanto a la pintura, las obras que anteceden a la guerra, se convirtieron en piezas revitalizadoras del poderío de los imperios, fortaleciendo una imagen heroica y romántica de la guerra. En la arquitectura, las formas tradicionales de construir en cada región exaltaron los valores de la nacionalidad a través del lenguaje arquitectónico y urbano; espacios públicos como las plazas y las estaciones de tren, adquirieron nuevos significados como símbolos de unión y como emblemas de esperanza frente a la confrontación, convirtiéndose en los sitios de comunicación y congregación para la población civil.

La Gran Guerra superó el espacio europeo y llevó a la confrontación de colonias en África, en donde las consecuencias y la nueva geografía geopolítica condujeron a la división de territorios culturales definidos por prácticas de usos alejadas de las fronteras trazadas por los estados implicados en la guerra, estas solo fueron demarcadas desde una visión de producción de materia prima, que no tenía en cuenta a la población.

Con una duración mayor que la estimada, la Primera Guerra produjo daños en los poblados más cercanos a los campos de batalla, a diferencia de la Segunda Guerra Mundial en donde los bombardeos aéreos destruyeron ciudades enteras, el uso de los cañones de largo alcance arruinó gran parte de la arquitectura menor, en este caso, no fue una destrucción sistemática de los grandes monumentos históricos y artísticos, sino objetivos militares representados en las torres de iglesias y espacios de aprovisionamiento de las fuerzas armadas.

Efectos y alteración de la cotidianidad y en el patrimonio cultural

Para este momento, la transformación social fue visible a través de las alteraciones de la cotidianidad, los continuos enfrentamientos y la obstrucción de las comunicaciones aisló comunidades enteras; el alistamiento de la población masculina hizo que la mujer pasara a ser un miembro activo en las líneas de producción, y entró a conformar un papel determinante en la sociedad. Estos hechos llevaron a desequilibrar la cotidianidad y a pensar nuevas formas de responder a las demandas de una sociedad bélica, en primera instancia la necesidad armamentista llevó a fortalecer las fábricas de municiones y a emplear mano de obra femenina, pero por otra parte el desabastecimiento de alimentos (los hombres en los campos fueron llevados al frente de batalla y se aisló a las grandes ciudades) llevó a una racionalización de las comidas y, con el paso del tiempo, esto generó una serie de alteraciones en la vida urbana que hicieron repensar la forma de ver el mundo.

Este espíritu renovador permitió emprender una reflexión en torno al patrimonio histórico y artístico. Los monumentos históricos, lo pintoresco y romántico, característico del siglo xix, dieron paso a la valoración de diversas huellas que representaban a la sociedad y no solo a las élites. Después de la Primera Guerra Mundial se reconoció el valor de la arquitectura menor y con ello se identificó un patrimonio en las ciudades y aldeas.

Para el inicio de la Guerra el ambiente cultural europeo se debatía entre corrientes progresistas asociadas a la producción industrializada y corrientes culturalistas como reacción a la producción en masa. En la arquitectura esta condición se vio reflejada en dos aproximaciones, por un lado los movimientos derivados de los arts and crafs impulsarían el Art Nouveau o Jugendstil, que retoman el diseño tanto del espacio arquitectónico como de los objetos que lo enriquecen y, por otro, el desarrollo de la arquitectura con materiales industrializados que suponían el uso de nuevas tecnologías para la construcción de tipologías edificatorias con las posibilidades que daban materiales como el acero y el hierro.

En el período posterior a la guerra, se desarrolló un lenguaje racionalista a partir de las formas geométricas básicas, alejada del lenguaje formal propio del siglo xix e inicios del xx, caracterizado por el uso de las formas orgánicas y clásicas para su ornamentación. En cuanto a la ciudad, los espacios vacíos empiezan a ser usados como granjas urbanas ante la escasez de alimentos, barrios enteros son transformados y adaptados para las necesidades de la población.

Las reconstrucciones y el patrimonio arquitectónico y urbano...

El período posterior a la Primera Guerra Mundial se vio enmarcado por nuevas ideologías que pusieron en riesgo las democracias y monarquías, por un lado, la aparición del fascismo como un Estado totalitario y de los movimientos obreros que suponían los dos extremos de ideologías y que llevaron a un acrecentado temor de las clases medias, que sin tomar partido se veían amenazadas.

En la década de los veinte, se empezaba a vislumbrar un auge económico impulsado principalmente por la economía norteamericana, acelerada por la industrialización del petróleo, el acero y la electricidad. Esta bonanza, permitió a Europa la puesta en marcha de planes de reconstrucción e impulsó el crecimiento de las ciudades europeas y de sus colonias.

La transformación en el territorio no se hizo esperar. Las nuevas fuentes de energía, las nuevas formas de organización del trabajo (Taylor y Ford) y la concentración de capitales condujeron a nuevos planteamientos en la organización del territorio, y a la función que tendría cada uno de sus componentes para el funcionamiento de un sistema productivo. De esta forma, se re-evaluaría la forma tradicional en que se habían estructurado los valores culturales, la forma en que se habían determinado las categorías y objetos o edificios que hacían parte del patrimonio arquitectónico y artístico de los pueblos; así como las formas en que deberían ser intervenidos para su conservación.

A su vez, las fuertes migraciones que caracterizan este período, trajeron consigo sentimientos de arraigo y una actitud conservadora de los grupos tradicionales que llevaban a segregar a la nueva población de inmigrantes, haciendo más difícil su reconocimiento y la conservación de sus prácticas culturales.

En cuanto a la protección del patrimonio artístico y arquitectónico, la guerra dejó un alto grado de destrucción y de abandono de ciudades y aldeas, fue notoria la destrucción física de torres de iglesias, de la arquitectura menor. Por su parte, la fundición de objetos para la fabricación de armamento también supuso una pérdida de valiosas piezas y de colecciones de arte, que para ese momento no gozaban de protección. Una vez finalizadas las acciones bélicas y haciendo un balance de lo acontecido, se complementaron las acciones de reconstrucción a partir de teorías provenientes del período que antecede a la Guerra.

Por primera vez disciplinas como la arquitectura, la ingeniería y la arqueología permitieron una mayor comprensión de este tipo de patrimonio, figuras como Camillo Sitte, Camillo Boito, Gustavo Giovannoni y/o Alöis Riegl, hablaron de la importancia de las huellas del pasado y el reconocimiento de los centros urbanos como contenedores de la historia de las sociedades urbanas, se habló de restauraciones estéticas, científicas, históricas, reconstrucciones de los grandes monumentos y categorías o niveles de intervención. Se piensa en los tiempos de respuesta y la re-significación de los elementos destruidos a través de ideas que incluyen la recuperación del patrimonio urbano, la restauración, la sustitución y la renovación; dada la urgencia en acometer estas acciones fue el período en el cual se aportaron mayores estrategias para la intervención de la arquitectura y la ciudad.

Esta situación, hizo urgente la elaboración de inventarios que permitieron la catalogación y el nivel de urgencia en la intervención; catalogaciones de lo que representaba la nacionalidad y lo familiar, con un interés inicial de volver a dotar a la población de sentimientos de arraigo.

Las trincheras han sido también objeto de reconstrucción y preservación, como parte de la memoria histórica. Fotografía shutterstock

A diferencia de la Segunda Guerra Mundial, en donde el nivel de destrucción física fue mayor por los continuos bombardeos o ataques aéreos, la Primera Guerra supuso una destrucción más focalizada, en donde los sitios altos o torres que servían para los francotiradores, eran destruidos sistemáticamente junto con las edificaciones que podían servir de aprovisionamiento. Las prácticas de la reconstrucción del período posbélico llevaron a intervenciones puntuales, en las cuales la restauración debía realizarse en idénticas condiciones de la original a través de procedimientos como la anastilosis. Esta condición era muy propicia porque afianzaban de nuevo a la población con la imagen de antes de la guerra. Corrientes de pensadores como Gustavo Giovannoni, empezaron a plantear que los asentamientos urbanos contenían, al igual que la arquitectura, valores de uso y museales lo cual llevó a incluir el concepto de patrimonio urbano para la protección de los centros históricos y su reconstrucción.

Este tipo de intervenciones propició la creación de espacios idealizados que intentaban reconstruir el alma de los lugares, la reconstrucción inventiva, y que apostaba por la puesta en escena de las ciudades. Este proceso trajo consigo corrientes detractoras que buscaban la renovación de las ciudades como en el caso del Plan Voisin (1925) de Le Corbusier, que buscaba una nueva imagen, moderna y funcional, de la ciudad acorde con el papel innovador de las nuevas técnicas del transporte y la comunicación.

Para este momento de reconstrucción, y después de analizadas las principales transformaciones en la cotidianidad y la vulnerabilidad del funcionamiento de las ciudades por su dependencia con el campo (en la guerra fue fácil lograr la ruptura de estas relaciones con el territorio), la visión frente a la protección hizo reconocer como valores culturales y patrimoniales una gran cantidad de objetos y prácticas culturales que fortalecieron la relación entre el campo y la ciudad, incluso se comenzó a dar mayor valor a la arquitectura menor frente a los grandes palacios característicos del siglo xix. En la arquitectura esta nueva visión del mundo impulsó la creación de nuevos lenguajes arquitectónicos mucho más racionalistas, de acceso a todos y con mayores posibilidades para la creación de unidades de vivienda sin antecedentes en la historia urbana.

En este marco de posguerra un grupo de intelectuales y pensadores promueve la elaboración de la Carta de Atenas de 1931, en la que se involucraron todos los estados defensores de la civilización para velar por la protección del patrimonio artístico y arqueológico de la humanidad, adicionalmente recomienda reconocer en las edificaciones toda huella de su historia, respetando los diferentes momentos a los cuales se ha ido adaptando la edificación.

Con estos hechos es notoria la mundialización de los valores culturales que ya no eran un tema aislado sino de competencia de todos los estados. Los descubrimientos hechos desde la arqueología y el perfeccionamiento de la historia, amplió el campo cronológico en el que se inscribe el patrimonio cultural y con ello se promovió la democratización del saber desde el reconocimiento de la diversidad.

A modo de conclusión...

Las implicaciones de la guerra van más allá de la destrucción inmediata del entorno, inciden en el desarrollo y las libertades individuales. Antes de la Primera Guerra Mundial existían unos altos índices de libertades individuales, ahora el mundo conoce nuevas amenazas y limitaciones que impulsaron nuevas formas de control y de habitar el planeta. La Gran Guerra hizo aflorar sentimientos nacionalistas que transformaron la visión decimonónica de lo que se llamaba patrimonio artístico y arquitectónico.

En América este período, posterior a la Primera Guerra Mundial, significó una transformación en la legislación cultural. La Carta de Atenas, como primer documento internacional relacionado con la protección de los vestigios el pasado, validó el interés particular de los países de la zona en la producción de inventarios y catalogación de bienes que enriquecían la historia del continente, y con ello la forma de valorar este conjunto de bienes pasó de una visión eurocéntrica a una local en la que se pretendía fortalecer la historia del arte y la arquitectura en nuestro continente.

Bibliografía

Carta de Atenas. Para la conservación del Patrimonio artístico y arqueológico de la Humanidad, 1931.

Choay, Francoise. La alegoría del patrimonio, Barcelona, Gustavo Gili, 2007 [1ª. ed. 1992].

Giedion, Sigfried. Espacio, tiempo y arquitectura. Origen y desarrollo de una nueva tradición. Barcelona, Editorial Reverte, 2009 [1ª. ed. 1941].

González-Varas, Ignacio. Conservación de bienes culturales. Teoría, historia, principios y normas. Madrid, Manual Arte Cátedra, 1999.

http://www.forumeerstewereldoorlog.nl/viewtopic.php?t=18731 [Blog realizado en memoria de Marcel Dacis (1896-1979), primer sargento de guerra voluntario 2° Regimiento de Carabineros ii batallón 8va. Compañía 1915-1918] (Consultada: julio 2014).

Renouvin, Pierre. La Primera Guerra Mundial. Globus, 1994.

Zweig, Stefan. El mundo de ayer. Memorias de un europeo. Barcelona, Acantilado, 2011 [1ª. ed. 1976].

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LA GRAN GUERRA Y EL NUEVO SENTIDO DE LA VALORACIÓN DEL PATRIMONIO CULTURAL

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En 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, gran parte de la humanidad se vería impactada en su cotidianidad por las transformaciones sociales que este hecho generó. En un tiempo relativamente corto, la nueva geografía del mundo y la nueva forma en que se le percibía, transformó los valores culturales y con ello se resignificó buena parte de los objetos artísticos, arqueológicos y arquitectónicos que identificaban a los pueblos.

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La historia de la Bauhaus | Esto es Diseño

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La escuela Bauhaus de arte, diseño y arquitectura revolucionó los criterios estéticos a principios del siglo XX. Su filosofía del diseño sigue inspirando a creativos en todo el mundo cien años después.

Los profesores y estudiantes de la Bauhaus defendían un estilo sencillo y sin ornamentaciones, en el que la estética era menos importante que la función del objeto o edificio a diseñar.

A primera vista, los edificios pueden parecer muy austeros: colores básicos, líneas rectas ordenadas, fachadas lisas ... pero en el fondo cada rincón tiene su razón de ser.

Por ese motivo, sus edificios se han convertido en iconos de la arquitectura y algunos incluso han sido nombrados Patrimonio de la Humanidad.

La Bauhaus tuvo diferentes sedes a lo largo de sus 14 años de existencia. Eso se debe, en parte, al difícil momento que se vivía en Alemania a principios del siglo XX, después de perder la Primera Guerra Mundial.

La sede original de la escuela se construyó en Weimar. El edificio de Weimar estuvo en funcionamiento desde 1919 hasta 1932, cuando se trasladó a Dessau por presiones políticas.

El propio director de la Bauhaus, Walter Gropius, diseñó el edificio de Dessau y las casas de los profesores de la escuela. Los integrantes de la Bauhaus crearon un nuevo estilo utilizando materiales y técnicas de construcción modernos: cemento armado, fachadas de cristal, estructuras con vigas metálicas a la vista...

Los arquitectos de la Bauhaus querían contribuir a la sociedad con sus diseños, por eso realizaban edificios accesibles, con espacios abiertos y salas comunes donde los vecinos pudieran reunirse y colaborar, balcones para acceder al exterior...

La función social es uno de los aspectos más destacados por la UNESCO, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, que en 1996 catalogó los edificios Bauhaus en Weimar, Dessau y Bernau como Patrimonio Mundial .

La Bauhaus se fundó en 1919, justo después de la Primera Guerra Mundial. Alemania fue uno de los países perdedores de la guerra: tuvo que recuperar su economía y cumplir los acuerdos de paz.

Eso provocó un gran resentimiento entre la población y propició el auge del nazismo. Después de que el partido nazi ganara las elecciones en 1933, muchos judíos decidieron abandonar el país para evitar la persecución.

Entre ellos había algunos integrantes de la Bauhaus. Muchos arquitectos judíos se trasladaron a Israel, donde aplicaron los conocimientos que habían adquirido en la escuela de diseño.

Tan solo en Tel Aviv hay alrededor de 4.000 edificios de estilo Bauhaus. Estas construcciones destacan por sus formas sencillas y el color blanco de la pintura, por eso el conjunto arquitectónico se conoce como " La Ciudad Blanca ".

En 1929 se celebró la Exposición Internacional de Barcelona. El objetivo era promocionar la imagen de la ciudad, pero también mostrar los últimos avances tecnológicos, descubrir nuevos estilos arquitectónicos y movimientos de vanguardia en Europa.

La organización invitó a otros países europeos, cada uno de los cuales tenía un pabellón para promocionarse. El diseño del pabellón alemán corrió a cargo del arquitecto Mies van der Rohe , que fue director de la Bauhaus entre 1930 y 1933, y la diseñadora Lilly Reich .

El diseño era muy simple a la vez que elegante, con paredes de mármol, líneas rectas y espacios diáfanos. También diseñaron el mobiliario expresamente para la ocasión, como la silla Barcelona Una forma de presentar al mundo la nueva modernidad.

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La Bauhaus, icono de la arquitectura moderna

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En toda Europa se inicia a finales del siglo XIX un extenso movimiento de renovación artística que se inspira principalmente en la naturaleza: es el llamado Art Nouveau que utiliza lo natural para crear sus formas mágicas e imposibles.

14/10/2014

De Barcelona a Helsinki, de Glasgow a Nancy, la naturaleza da forma a una nueva estética, da vida a formas que revolucionan el arte de vivir, y permite unir ciencia y arte en un mismo impulso de modernidad.

"Naturalezas del Art Nouveau" que se puede ver en el edificio del Diseño Hub hasta el 6 de enero, propone explorar el templo de la naturaleza. Los creadores del Art Nouveau traducen cada uno en su propio lenguaje su percepción de la belleza. La comisaria de la muestra, Teresa Sala explica que "hemos querido la naturaleza y el carácter de los lugares. Por eso nos hemos hecho 3 preguntas: ¿Qué veían los artistas del Art Nouveau? Como pensaban las formas a partir de la naturaleza? Y por último, ¿qué hacen? ".

La exposición está impulsada por la red Réseau Art Nouveau Network , que trabaja para la conservación del Art Nouveau en toda Europa y se ha concebido como una exposición itinerante que se paseará por hasta 12 ciudades como Nancy, Bau Nauheim o Helsinki.

Cada ciudad incorpora a la exposición obras relacionadas a la ciudad donde se presenta. En Barcelona el Art Nouveau no puede desligarse del modernismo y en este sentido se ha incorporado figuras escultóricas del Palau de la Música y 4 obras Alexandre de Riquer que simbolizan las cuatro estaciones. "Nuestra voluntad -concluye Teresa Salamanca es afrontar la estética del Art Nouveau desde una mirada contemporánea".

25/03/2022 - Glòries Barcelona

Entre els carrers Bilbao i Padilla els vehicles no podran circular per la Gran Via en superfície i només es permetrà el pas al trànsit de veïns, serveis, transport públic i vehicles d'emergència, que hauran de desplaçar-se pels laterals. La nit del 2 al 3 d'abril entrarà en servei la banda del túnel de Glòries... Llegir més "

29/10/2021 - Glòries Barcelona

Todo a punto para la entrada en servicio de la banda del túnel de Glòries en sentido Besòs el 6 de noviembre. A principios de año se prevé abrir también el sentido de entrada a la ciudad.

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El Art Nouveau o el retorno a la naturaleza

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En toda Europa se inicia a finales del siglo XIX un extenso movimiento de renovación artística que se inspira principalmente en la naturaleza: es el llamado Art Nouveau que utiliza lo natural para crear sus formas mágicas e imposibles.

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Arquitectura Art Nouveau de Víctor Horta

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Finales del siglo XIX principios del XX, conocido como "Nieuwe Kunst", "Stile Liberty", "Jugendstil", "Art Nouveau" o "Modernismo", dependiendo de en qué país te encontrases, comenzó un movimiento cultural que afectó a todas las clases de expresión artística.

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Esta casa le fue encargada por un compañero suyo el profesor Emile Tassel muy relacionado también con la empresa Solvay y hoy tiene la función de Museo.

Es considerado como el primer gran edificio de estilo modernista.

El solar del que disponía era bastante pequeño limitado por viviendas contiguas, esto contribuyó a que Victor Horta utilizara como sistema de soportes vigas de hierro que le permitieron eliminar el máximo posible muros y distribuir el espacio de forma más libre.

A los materiales tradicionales se les unen los nuevos: hierro empleado tanto con fines estructurales como decorativo, vidrio muy habitual del modernimo

Va a concebir la casa con la renovación de la planta, suprimiendo pasillos, eliminando las habitaciones en fila sustituida por las curvas.

La casa contaba con tres niveles o plantas

la fachada presenta tres cuerpos : el primero ventanas separadas por pequeñas columnas de piedra ; el segundo altos balcones entre forjados de hierro y protegidas por una barandilla de hierro y el último nivel es una terraza que sigue el plano de la pared y también con barandilla.

Esta disposición resulta estrecha pero sinuosa con entrantes y sobre todo el saliente central. Además cuenta con las bow-window de formas curvas y las novedosa combinación de piedra , vidrio y el hierro visto como elemento sustentante y decorativo.

En el INTERIOR en la primera planta ubica el vestíbulo, una sala de estudio, salón de estar. en la segunda planta: dormitorios y sala y en la tercera planta las habitaciones del servicio. En la parte posterior contaba con un jardín

EL INTERIOR del primer nivel refleja en su vestíbulo los aspectos del modernismo:

- Empleo de diferentes materiales: madera, hierro, cerámica, vidrio.

- Se utiliza el hierro con función tanto sustentante como decorativ a con columnas muy estilizadas de fino fuste que soportan la estructura del edificio y se abren en su parte superior imitando a la naturaleza.

- Se considera todo importante: escaleras, barandillas , tiradores de la puertas, azulejos del suelo con predominio de las formas sinuosas. Fue el propio V. Horta quién diseño el mobiliario.

-Tiene una gran importancia tanto el color como la luz, marrones de la escalera , el color de la pared, el color de los azulejos, que reaccionan de manera diferente ante la iluminación natural o artificial de las tulipas también diseñadas

. El Art NOUVEAU manifiesta una gran libertad creativa utilizando tanto materiales como nuevos recreando formas basadas en la naturaleza, es el llamado también modernismo ondulante.

La estética de este edificio busca la individualización conforme al gusto de su promotor a la vez que se integra en el tejido urbano.

El modernismo se desarrolla en el último del tercio XIX y comienzos del XX . Es el tiempo de la Segunda Revolución Industrial y los avances como tranvía, luz eléctrica , tranvía y metro , los primeros automoviles y la cultura del ocio: deportes, cine. También coincide con la expansión colonial y el contacto con culturas orientales.

El desarrollo económico favorece a la burguesía industrial y financiera y también al crecimiento de las ciudades para cuyas necesidades se construyen edificios como los que vemos en las imágenes inferiores estaciones de tren , metro, palacios de la música, pero también casas y palacios para la burguesía

El estilo modernista afecta a la arquitectura , escultura , pintura , pero también a mobiliario, cristalería, artes menores . . Este movimiento recibió varios nombres según los paises: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en los países anglosajones), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty (en Italia), Sezesion en Austria

Dentro del modernismo en general se distinguen dos tendencias

1. con formas sinuosas basada en la naturaleza , mezcla de materiales, importancia del color. En esta tendencia se encuentran Guimard , Victor Horta y Gaudí

Hector Guimard . Entrada al metro de Paris

2. Modernismo geométrico con preferencia por los nuevos materales y eliminación de lo ornamental, A esta tendencia pertenece la Secesión vienesa: Olbrich o Wagner que realiza la estación de metro de Viena de la imagen inferior

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Esta casa le fue encargada por un compañero suyo el profesor Emile Tassel muy relacionado también con la empresa Solvay y hoy tiene la función de Museo. Es considerado como el primer gran edificio de estilo modernista.

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William Morris y compañía: el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña (1/2)

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Villa Savoye

Una de las obras más representativas del padre del modernismo fue construida en 1929 en los suburbios a las afueras de París. Con una fachada de vidrio curvo, espacio interior y de planta libre, ventana longitudinal y una cubierta en la terraza, la Villa aplica los 5 puntos de la nueva arquitectura que Le Corbusier propuso un par de años atrás.

Al término de la Segunda Guerra Mundial, Le Corbusier fue comisionado para levantar de nueva cuenta una capilla al este de Francia. El plan constaba de paredes con ligeras curvaturas que le dan una apariencia escultórica, pequeños orificios por donde la luz entra directamente y la creación de una diferencia sustancial entre el interior y exterior. El resultado fue uno de los edificios religiosos más destacados del siglo XX.

Pabellón Corbusier

También conocido como la Casa cultural Heidi Webe, se trata del último proyecto diseñado por el arquitecto suizo. Con un techo prefabricado que da cobijo a un edificio lleno de color y después de pasar por distintos proyectos fallidos de construcción, actualmente es un museo dedicado a las obras, vida y legado de Le Corbusier.

Casa Curutchet

La única obra de Le Corbusier en Argentina fue terminada en 1955; sin embargo, el arquitecto jamás viajó al país sudamericano para estar al tanto del proyecto. La escalera de 180 grados al interior y la fachada que prácticamente desaparece ante una planta libre con pilotis de hormigón es hoy Patrimonio de la Humanidad.

Conjunto habitacional de Marsellla

En 1947 y tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Le Corbusier contribuyó a volver a poner de pie Europa y uno de sus proyectos de gran escala fue un conjunto multiresidencial capaz de albergar más de mil 600 personas en Marsella. El edificio adoptó los 5 principios de Le Corbusier para una nueva arquitectura y es un hito en la historia de las unidades habitacionales.

Esta ciudad ubicada al norte de la India es uno de los proyectos más ambiciosos que jamás se han diseñado por un arquitecto o urbanista : en 1951, el primer ministro indio Jawaharlal Nehru quería crear una ciudad cosmopolita cuyo estilo se desmarcara del Imperio británico. El proyecto fue asignado a Le Corbusier, quien planificó la ciudad, proyectó edificios públicos, parques y jardines con trazos cuadriculados divididos en 60 sectores.

Villa Stein

Construida en 1927 bajo los principios para una nueva arquitectura del suizo, la Villa Stein posee una fachada enteramente blanca y un uso continuo de la línea recta, que expande el concepto de paseo al interior de los edficios y jardines, creando una experiencia estética única durante su recorrido.

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Le Corbusier, el hombre que dio forma a la arquitectura moderna

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Conoce quién fue Charles-Édouard Jeanneret-Gris y cómo unió el arte con las matemáticas para revolucionar la arquitectura en el siglo XX

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5 puntos para una nueva Arquitectura por Le Corbusier | By Academia Play | Facebook

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LA MODERNIDAD tuvo muchos abuelos. Aunque parece que la paternidad fue colectiva, cada vez hay más acuerdo en que el tutor fue Walter Gropius (1883-1969). La paradoja es que el fundador de la Bauhaus, uno de los protagonistas clave de la historia de la arquitectura moderna, no fue un proyectista sobresaliente. El lugar en la historia se lo ganó su hazaña educativa mucho más que su talento como diseñador. Su gran hito arquitectónico, el edificio para la escuela que construyó en Dessau en 1925 -cuando el partido nazi cerró la Bauhaus de Weimar y tuvieron que buscar nueva ubicación-, no era técnicamente perfecto. Sufrió goteras, temperaturas sofocantes en verano y frío glacial en invierno, pero retrató la vida comunitaria, las nuevas posibilidades del arte y el poder de lo moderno. "Aquí hay espacio de verdad. Da la impresión de estar en el exterior", le escribió el pintor Lyonel Feininger a su esposa, Julia -también pintora-, cuando desembarcó en Dessau para dar clases.

Gropius firmó las casas de los maestros de esa nueva escuela permitiéndoles que las modificasen. Era una novedad: un autor que no temía que alterasen su obra. Allí vivieron quienes dibujaron la historia de la pintura del siglo XX. El hijo de Paul Klee, Felix, recordó que su padre trabajaba siempre junto a una pared que el propio Paul había pintado de negro. Klee y Kandinsky compartían vivienda y tomaban té juntos a diario. Aunque el edificio de la escuela fue criticado por ser más fotogénico que funcional, hoy es, además de una facultad viva, un símbolo de la imaginación y la rebeldía. Los radiadores decoran la parte alta de las paredes como si fueran esculturas. Cada mueble remite a uno de los profesores de un momento inolvidable. Casi un siglo después de su inauguración, todavía parece un edificio moderno, no del futuro, moderno: fuera del tiempo.

La modernidad como elección vital es lo que define también al Walter Gropius retratado por Fiona MacCarthy en la nueva biografía Gropius, la vida del fundador de la Bauhaus (Turner). Nacido en el seno de una familia burguesa alemana, el arquitecto quiso demostrar que la modernidad era más un credo que una forma, más una actitud que una estética. Él mismo se convirtió en abogado de una forma de vida a la vez simple y creativa que no ocultaba sus mayores ambiciones: construir por todo el mundo y defender una existencia sin prejuicios.

La vida de Gropius fue tan intensa e inspiradora como difícil. Lo sabemos por su prolífica correspondencia: "Solo ven lo que se derrumba, no lo que está creciendo", se lamentó a su madre, Manon Burchard, en diciembre de 1919, cuando llegó a Weimar dispuesto a cambiar las prioridades de la escuela actualizando los oficios artísticos. Aunque por su porte de oficial de los húsares y por su leyenda -por entonces estaba casado con Alma Mahler- lo apodaron El Príncipe de Plata, Gropius estaba en todas partes. Hacía las entrevistas de admisión, reclutaba a los profesores, recaudaba fondos, discutía con el alcalde y comía en la cantina. Él mismo preparó la comida de Navidad de los alumnos. Y le sobró tiempo para enamorarse de una estudiante -Lily Hildebrandt- y de tres artistas más. Tal vez fuera la tempestuosa relación con Alma Mahler, de la que salía, y la I Guerra Mundial, en la que fue condecorado con una cruz de hierro por pasar cuatro días y cuatro noches sin dormir para avanzar por la trinchera francesa de Ban-de-Sapt, lo que lo predispusiera para la vida intensa que llevó. En enero de 1915, un mortero le explotó a 15 centímetros. Gropius, que tenía 32 años, fue uno de los 80 supervivientes entre los 3.000 soldados de su regimiento. El terror no lo abandonaría nunca, pero tal vez el campo de batalla le enseñó un camino de supervivencia, búsqueda y reinvención.

El pintor Vasily Kandinsky describió la Bauhaus como un mundo renacido. Gropius lo encarnaba. Sin embargo, la primera casa bauhausiana, Haus am Horn, no la diseñó él, sino un pintor, Georg Muche. Su propuesta había sido mucho más tradicional. "Cada vez estoy más convencido de que el trabajo es la única deidad verdadera de nuestro tiempo y desde el arte debemos ayudar a encontrar una expresión para el mismo", escribió un Gropius que, tras el traslado a Dessau, había empleado parte de su herencia en comprar un terreno para cultivar hortalizas con las que dar de comer a sus alumnos. Precisamente por su implicación en la escuela, Gropius no se desarrollaría plenamente como arquitecto hasta que la abandonó tras una serie de discusiones con el alcalde de Dessau. Aunque en sus últimas décadas llegó a construir por todo el mundo, fueron los años de la Bauhaus los que lo convirtieron en un arquitecto clave para la historia de la disciplina. Paradójicamente, a Gropius lo echaron de las dos escuelas que impulsó. "Hemos pasado hambre por una idea. Si se va, dejará paso a los reaccionarios", le advirtieron sus alumnos antes de sacarlo a hombros. Marcel Breuer, que había empezado como alumno y se había convertido en profesor, o László Moholy-Nagy lo siguieron en su dimisión.

Dejar la Bauhaus le permitió centrarse en su propia obra. Mies van der Rohe -con quien siempre tuvo una relación de competencia - lo llamó para participar en el diseño de las casas experimentales de Weissenhof, cerca de Stuttgart. También viajó a América. Corría 1928 y en Nueva York apenas había rascacielos. En Detroit visitó la fábrica de Ford y decidió que eso era lo que él quería hacer con la vivienda.

La democratización de la arquitectura que culminó en la Bauhaus cambió la faz de las ciudades del mundo. Cuando Gropius fue finalmente elegido director de la nueva escuela de arquitectura de Harvard (Graduate School of Design) demostró con su propia vivienda en Lincoln, Massachusetts, que no se trataba de construir barato y mal, sino simple y bien. Se podría decir que, sin dejar de crecer y reinventarse, el fundador de la Bauhaus vivió tres vidas: en Alemania, donde creció y fundó la escuela; en el Reino Unido -al que definió como "un país acultural: el progreso, per se, no produce cultura", donde llegó huyendo de los nazis y no consiguió prosperar, y en Estados Unidos, donde disfrutó de su fama y se reinventó como arquitecto. Así, se podría decir que en los tres países vivió de lo que había logrado cuando, siendo un joven oficial recién regresado de la guerra, se inventó la Bauhaus.

Tal vez por eso, esta nueva biografía defiende que Gropius - frente a la genialidad de Le Corbusier, la leyenda de Wright, la elegancia de Mies y habiendo sido incluso sobrepasado por su propio alumno Marcel Breuer- tiene un papel modélico en la historia de la arquitectura como un profesional capaz de transformar su disciplina y capaz, a su vez, de reinventarse. Pero la reinvención de Gropius no fue solo profesional. A la riqueza de parejas, amigas y amantes a la que puso fin su esposa Ilse Frank -convertida por él en Ise Gropius- se unió su ambivalente posicionamiento político en un momento en el que no hablar era tomar partido. Los diarios de Ilse han servido para recrear la vida de su marido durante más de 40 años de matrimonio. Su minuciosa traducción de la correspondencia entre Gropius y sus anteriores amantes da cuenta de un hombre apasionado.

Pero el poder exige guantes. Y fueron muchos los artistas de vanguardia que dieron muestras de confusión moral ante el Gobierno de Hitler. El autor de las extravagantes escenografías y vestuarios de los famosos ballets triádicos, Oskar Schlemmer, que había escrito a Joseph Goebbels protestando por el cierre de exposiciones aludiendo que "los artistas son en esencia apolíticos y su reino no es de este mundo", fue despedido. Sin embargo, en su posterior propuesta para los murales del edificio de congresos del Deutsches Museum de Múnich dibujó figuras militares haciendo lo que parece ser el saludo nazi. Schlemmer, autor de uno de los lienzos más famosos que hoy cuelgan en el MOMA, Escalera de la Bauhaus, de 1932, terminó trabajando en una fábrica de pintura de Stuttgart.

Por su parte, Gropius, que se había esforzado por que la escuela no se metiera en cuestiones políticas, no tuvo más remedio que decidir si estaba a favor o en contra del nazismo. Y aun así no habló claro. Se podría decir que defendía el derecho a ser apolítico. Pero los hechos cuentan otra historia. El mismo Gropius que despidió al administrador de su estudio, Hanns Dustmann, cuando este apareció con uniforme nazi, y el mismo que fue declarado persona non grata en la Alemania nazi, se sentó en el palco romano del Duce para disfrutar la ópera de Franchetti La hija de Iorio. También se fotografió con el conde Ciano, yerno de Mussolini. Y consiguió huir a Londres, vía Roma, gracias a la ayuda del ministro de Cultura italiano, homólogo de Goebbels en la Italia fascista, Dino Alfieri. "Es difícil comprender qué teníamos en la cabeza en aquel momento: creíamos que toda aquella pantomima no podría durar", anotó Ise. Hay muchos ejemplos de tibieza y miedo que humanizan a Gropius. Pero es evidente que también lo retratan. Llegó a Harvard apoyado por el Gobierno alemán. Su misión era servir a la cultura alemana, "y no otra cosa", apunta su biógrafa. Él hizo, sin embargo, otra cosa.

"Tengo la sensación de que los emigrantes pierden muy rápido las raíces que les nutren y de que solo los árboles muy jóvenes sobreviven a un trasplante", le escribió a su hija Manon. Puede que en Harvard no arraigara. Pero sí rebrotó. El hoy admirado edificio de la Pan Am de Park Avenue en Nueva York fue muy criticado por Philip Johnson. Frank Lloyd Wright ya había dicho de Gropius: "Qué pena que no sea arquitecto, solo ingeniero". En Norteamérica, Gropius lanzó la escuela de arquitectura de Harvard (GSD) y fundó TAC, The Architects Collaborative, que lo sobreviviría y se convertiría en el estudio más importante de EE UU hasta su cierre en 1995. Pero volvamos a 1952; 15 años después de su llegada a Boston, el decano Joseph Hudnut consideró que Gropius estaba llevándose demasiado crédito y protagonismo. Pensó que lo eclipsaba. Gropius dejó las cuentas y los planes ordenados y se fue con la elegancia que siempre le caracterizó: "La educación de calidad nunca debe dejar de evolucionar". Antes de partir, propuso a Ernesto Rogers y a Josep Lluís Sert como sustitutos. El español fue elegido director. Gropius tenía 69 años. Lo esperaba el mundo.

En Sídney fue portada en los periódicos. El amor por Japón lo descubrió "en un momento en el que no esperaba ya que el mundo deparase maravillas". Pero fue en Bagdag -donde trabajó y construyó parcialmente la universidad- donde reapareció su ambigüedad. O su diligencia. Tras el asesinato del rey Faisal, que había apoyado la modernización de la ciudad, intentó hacer propuestas al nuevo régimen golpista del general Abdul Karim Qasim. El arquitecto local Rifat Chadriji pagó el progresismo de la arquitectura con prisión en Abu Ghraib. Fueron los impagos por los trabajos en la universidad los que hundieron TAC en los años noventa. Entonces, ¿qué aportó Walter Gropius a la arquitectura?

La modernidad que defendía la Bauhaus desde sus inicios no tardó en cambiar la faz del mundo. Así, el gran renovador de la arquitectura lo fue desde la educación y desde los valores que predicó enseñando y construyendo. Gropius sostenía que el hombre no es una isla, defendía el trabajo en equipo. Tuvo el talento de ver la relación entre las cosas y fue un precursor de la ecología. Paul Rudolph, uno de sus alumnos más destacados, dejó escrito que no fue un gran arquitecto, pero sí un educador insuperable. Para Gropius, la modernidad no fue un dogma, sino la opción de entender la arquitectura como algo flexible. También una filosofía vital capaz de hermanar las artes. Por eso enseñó una actitud: no quiso copiar un estilo, quiso liberarse de lo innecesario y crear formas genuinas, originales y auténticas a partir de las circunstancias particulares y las necesidades de la gente. El 4 de julio de 1969 Gropius murió en Massachusetts. Su testamento databa de 1933. Pedía una fiesta en la que beber, reír y amar al estilo de la Bauhaus. "Dará más frutos que rezar en el cementerio".

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La vida del fundador de la escuela que impulsó la modernidad se convirtió en una novela de aventuras, un retrato del poder y un tratado arquitectónico. En el año del centenario de la emblemática institución, una biografía reformula su legado.

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MIES VAN DER ROHE: Análisis de su VIDA, HISTORIA Y ARQUITECTURA (en menos de 10 minutos)

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Trascendencia de la Bauhaus - Actualidad

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Trascendencia de la Bauhaus - Actualidad

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2019 marcó el centenario de uno de los estilos arquitectónicos más famosos del mundo, que aún se usa en el diseño contemporáneo: Bauhaus

Alemania y el mundo entero conmemoró el centenario de uno de los estilos más populares de todos los tiempos

La historia del movimiento Bauhaus

El término significa literalmente "casa en construcción" y se refiere a la escuela de diseño que salió de la fusión de otras dos escuelas alemanas, la Staatliches Bauhaus comenzó en 1919 y estuvi liderada por el arquitecto Walter Gropius.

Es importante destacar que la Bauhaus, desde su origen, no solo fue una escuela de arquitectura sino que combinaban disciplinas como la artesanía, las Bellas Artes, influencias del modernismo y movimientos como el Constructivismo y el Arts and Crafts inglés.

Algnos de sus más famosos maestros y "ponentes" fueron Hannes Meyer, Ludwig Mies van der Rohe Josef Albers, Anni Albers, Herbert Bayer, Alfred Arndt, Marlene Brandt, Otti Berger, Friedrich Engemann, Marcel Breuer, Carl Fieger, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, y Adolf Meyer, entre otros.

Los principios de la Bauhaus

Hemos recopilado los temas principales del movimiento, algunos de ellos están recogidos en su manifiesto de 1919

1. No hay diferencias entre un artesano y un artista. En un panfleto publicado en abril de 1919, Gropius afirmó que su objetivo era "crear un nuevo tipo de artesano sin la distinción de clase que divide al artista del artesano ". El manifiesto continúa: "arquitectos, escultores, pintores, ¡todos somos artesanos!

2. El artista es un artesano "exaltado". "En momentos únicos de inspiración, momentos más allá del control de su voluntad, la gracia divina convierte en arte su técnica. Pero la experiencia en su técnica es esencial para cualquier artista. Hay yace la fuente de su imaginación creativa

3. "La forma sigue a la funcionalidad". De acuerdo con esta idea, las formas simples pero elegantes de sus formas geométricas son diseñadas en base a una función o propósito, no obstante la funcionalidad no tiene que ser aburrida como podemos comprobar en muchos de sus edificios.

4. Gesamtkunstwerk o la obra de arte "total". Gesamtkunstwerk es un término que significa una síntesis de muchas formas de arte, como las Bellas Artes o las Artes Decorativa. Un edificio y su arquitectura es solo una parte del concepto. La otra parte es el diseño

5. Materiales. Los materiales deben reflejar la verdadera naturaleza de los objetos y edificios. Los arquitectos de la Bauhaus no escondían ningún material por rudimentario que fuera.

6. Minimalismo. Los artistas Bauhaus favorecían las formas geométricas, contra formas curvilíneas o llamativas.

7. Énfasis en la tecnología. Los talleres Bauhaus eran usados para el desarrollo de prototipos y objetos de producción masiva. El artista aprovecha las posibilidades que le da la tecnología.

8. Uso inteligente de los recursos. La ideología Bauhaus se caracteriza por su economía de recursos: querían productividad, materiales precisos y gastos controlados.

9. Simplicidad y efectividad. No hay necesidad de añadir ornamentos y añadir preciosismos. Los objetos son bellos tal y como son

10. Desarrollo constante. Bauhaus significa nuevas técnicas, nuevos materiales, nuevas maneras de construir, nuevas actitudes-todo el tiempo. El movimiento Bauhaus influenció nuevas formas de expresar el arte como el diseño gráfico (creado hace 100 años), también lideró el despegue del interiorismo.

Aunque la escuela Bauhaus estuvo operativa desde 1919 a 1933, sus ideales son aún relevantes por todo el mundo. Por ejemplo, el concepto de los muebles IKEA, archiconocidos en todo el mundo, no se gestó en Suecia. Su origen estuvo inspirado por los diseñadores de esta famosa escuela: Bauhaus.

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10 principios de la Bauhaus que aún aplican - .ART (es)

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1851 - Inicio de las Exposiciones Universales

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1851 - Inicio de las Exposiciones Universales

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El fenómeno de las exposiciones universales sintetiza a la perfección lo que fue el siglo XIX para el mundo occidental. Todo lo que marcó la época tuvo su reflejo en aquellas particulares muestras: desde la industrialización y la consolidación del primer capitalismo global o la fe en el progreso científico y técnico, al desarrollo de la metrópoli moderna o el auge de los nacionalismos y del imperialismo colonial.

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No solo sirvieron para proyectar la nueva modernidad, sino que también funcionaron como motor de la misma. Los grandes avances tecnológicos se presentaron en las exposiciones; buena parte de las grandes revoluciones urbanísticas de entonces tuvieron como motivación estos macroeventos, y sería imposible entender el ocio moderno sin su contribución. Sin olvidar que fueron el primer gran fenómeno de masas universal, lo que implicó un intercambio de ideas (y productos) entre personas de todo el mundo sin precedentes.

La cara mala de la moneda es que también sirvieron para consolidar los imperios coloniales y la hegemonía occidental que sometió a tantos pueblos del globo, incluyendo nefastas ideas de corte supremacista. Sea como sea, su influencia fue tal que incluso algunos historiadores se atreven a bautizar el periodo como 'era de las exposiciones'.

Y es que, aunque se siguen celebrando, la considera época dorada de las exposiciones universales fue esa segunda mitad del siglo XIX, desde que se celebrara la primera en Londres, en 1851, hasta la de París de 1900, que se entiende como la edición culminante por sus dimensiones y cifras récord de asistentes. Más de una treintena de certámenes de distintas magnitudes tuvieron lugar entre ambos años.

El origen del fenómeno cabe buscarlo a finales del siglo anterior, cuando, la Francia postrevolucionaria comenzó a organizar ferias industriales y comerciales de carácter nacional. Ya en el XIX se planteó la posibilidad de abrir estas muestras a otros países, pero las autoridades francesas desecharon la idea al no querer compartir sus avances con las otras potencias. Así fue como los británicos tomaron la delantera y, con el impulso del príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria, organizaron la primera exposición universal, la llamada Gran exposición de las artes y la industria de todas las naciones.

La muestra de Londres de 1851, de cuya edición se cumplen 170 años, gozó de un gran impacto popular. Sus cifras ya resultan notables tratándose de una primera edición: participaron una trentena de países y más de 14.000 expositores y contó con un total de 6 millones de visitantes. Se desarrolló en los meses de primavera y verano en el Crystal Palace, un imponente edificio de cristal y hierro que reafirmaba el esplendor de la nueva arquitectura industrial.

Asimismo, la exposición londinense anticipa las características básicas que tendrán a partir de ahora estos acontecimientos. Para empezar, una vocación de totalidad: bajo el palacio de cristal se cobijaron todas las innovaciones del mundo, pero también todas las culturas habidas y por haber, incluyendo sus mejores productos. Se inaugura así la doble vertiente de las exposiciones: por un lado, competición entre las economías más avanzadas para presentar sus mayores novedades en materia tecnológica, y, por el otro, exhibición folklórica de la cultura universal, con especial atención a las civilizaciones más exóticas.

Londres 1851 también significa el primer gran espectáculo de masas de la historia de carácter interclasista. Pese a las reticencias de las élites, la organización buscó desde el principio la mayor participación posible y, para ello, no dudó en abaratar las entradas. Aunque se segregaron muchas de las actividades, lo cierto es que la muestra -y las que vendrían después- se abrieron a clases más populares y la prensa de la época satirizó a menudo esa mezcla tan infrecuente.

Ligado a eso, la exposición de Londres abre la era del turismo moderno. El empresario inglés Thomas Cook ya había organizado una década antes los primeros tours de la historia, pero esta vez sería el primero en ofrecer completos paquetes que incluían viaje en tren, alojamiento y actividades en la capital británica. Gracias a la recién construida red de ferrocarril, se calcula que unas 750.000 personas, la mayoría de ellos obreros y campesinos, se desplazaron a Londres desde el interior del país.

Fue el tren precisamente uno de los atractivos estrella del certamen de 1851. Los últimos modelos de locomotora fueron presentados entonces y otras innovaciones como la máquina fotográfica de Daguerre también tuvieron su espacio. Eran los primeros de una larga lista de inventos que desfilarían por las exposiciones y que revolucionarían las comunicaciones y la vida cotidiana en las siguientes décadas.

Por citar solo algunos de los más conocidos, Alexander Graham Bell presentó el teléfono en la edición de Filadelfia, en 1876, causando un gran impacto en la prensa de la época. Inventado unos años antes, uno de los primeros automóviles fabricado industrialmente tuvo su puesta de largo en París 1889, feria en la que también se dio a conocer el fonógrafo de Tomas Alva Edison. También en la capital francesa, pero ya en 1900, las proyecciones con el cinematógrafo de los hermanos Lumière fueron uno de sus mayores atractivos.

Pero el mayor ingenio de la época fue el desarrollo de la electricidad. Cada edición lograba aplicar un avance mayor: iluminar más calles, iluminar más horas, gastar más kilovatios... París electrificó la ciudad entera con motivo de la edición de 1889 y el culmen de la fascinación por esta nueva energía fue el Palacio de la Electricidad de París 1900, un enorme edificio que contó con 5.000 bombillas incandescentes multicolores que parpadeaban intermitentemente y que hizo las delicias de los asistentes.

Aquellas primeras exposiciones quedaron marcadas por la competición entre los países más poderosos del planeta. Londres y París se turnaron las primeras cuatro ediciones, como se estaban repartiendo el mundo con sus vastos imperios coloniales. Quizás aún herida por no haber organizado la primera, la capital francesa fue la reina de las exposiciones: llegó a acoger cinco en la segunda mitad del siglo XIX (8 en total hasta 1937), a cada cual más espectacular y concurrida que la anterior.

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Para no ser menos que británicos y franceses, Viena -capital del imperio austro-húngaro- rompió la hegemonía en 1873, y Filadelfia, representando a la emergente potencia estadounidense, fue la primera sede fuera del Viejo Continente, en 1876. Ciudades como Barcelona, Praga, Amsterdam, Bruselas o Chicago también tuvieron su cuota de protagonismo.

Fueron eventos contradictorios: si bien su propósito oficial siempre solía ser el fomento de la paz entre los pueblos del mundo, en la práctica, resultaba ser una carrera de poder e influencia. Para el país anfitrión se trataba de mostrar su mejor cara y, por lo tanto, un ejercicio de puro nacionalismo que los países invitados replicaban a una menor escala. Esta tendencia se incrementó cuando en la exposición de 1867, en París, se pasó del recinto único a los pabellones nacionales.

La política estuvo siempre muy presente. El caso de París 1878 es paradigmático: la joven Tercera República buscaba con la exposición un resarcimiento tras caer derrotada en la guerra franco-prusiana y el traumático episodio revolucionario de la Comuna. Se trataba de recuperar el estatus de superpotencia en entredicho y los organizadores no repararon gastos en ello. De hecho, las exposiciones siempre fueron eventos caros y deficitarios, casi siempre sufragados con opacas fórmulas mixtas público-privadas. Pese a ello, el dispendio siempre se daba por bien empleado.

Si las potencias competían entre sí a través de sus exposiciones, éstas también les sirvieron para afirmar su supremacía ante el resto del mundo. Desde el principio, Gran Bretaña y Francia exhibieron sin pudor la diversidad de sus imperios coloniales, diferenciando siempre entre culturas desarrolladas y en vías de desarrollo.

De hecho, Las exhibiciones siempre aspiraron a convertirse en una especie de mundo en miniatura -precedente claro de los parques temáticos- y progresivamente se llenaron de edificios exóticos y pintorescos que hacían las delicias de los visitantes. Tuvieron una virtud: abrieron la mente de muchos europeos. Por ejemplo, es muy conocido el caso del 'japonismo', un movimiento artístico que surgió por la fascinación con la cultura nipona que despertó la participación del país oriental en la exposición de Londres de 1862.

Sin embargo, también presentó una imagen estereotipada de muchas culturas a las que se consideraba inferiores. Francia dio un paso más cuando en 1889 reprodujo a escala natural una calle de la ciudad de El Cairo. Para ello, se llegaron a arrancar puertas y ventanas originales, e individuos de origen árabe, contratados para la ocasión, actuaban de extras para hacer la reproducción lo más realista posible.

Pero los casos más aberrantes fueron los llamados zoos humanos, para los cuales se secuestraron a personas de tribus remotas en los confines de los imperios para trasladar sus formas de vida a las exposiciones. Fueron atracciones muy populares y que no quedaron erradicadas del todo hasta mediados del siglo XX, pero que hoy en día representan la cara más fea del colonialismo europeo.

Por paradójico que pueda resultar, las exposiciones no solo resultaron ser la exaltación de la nación y el imperio; sobre todo lo fueron de la ciudad. La transformación a las metrópolis modernas que conocemos hoy en día se la debemos en parte a aquellas exposiciones. El caso más evidente es París, cuyos iconos más representativos nacen al calor de aquellos macroeventos, como es el caso de la insigne Torre Eiffel proyectada para la de 1889. De hecho, en la capital francesa, todo el diseño de la ciudad moderna tuvo que ver con las cinco muestras que celebró en cinco décadas: desde la construcción de los primeros hoteles de lujo o centros comerciales a la mejora de los transportes y la proyección de enormes espacios y recintos para la futura expansión de la ciudad.

Se podría decir lo mismo de la exposición de Barcelona, en 1888, que apenas unas décadas antes estaba encerrada en las antiguas murallas medievales, o de las grandes urbes estadounidenses como Filadelfia (1876) o Chicago (1893).

La historia ha situado la edición de París de 1900 como el momento culminante de este tipo de acontecimientos. Con 80.000 expositores y más de 50 millones de visitantes, la capital francesa volvió a pulverizar récords. Sin embargo, aquel certamen acabó con la era dorada de las exposiciones y lo que vendría después sería una progresiva decadencia. Si en los primeros años del siglo XX se explotó aún más su vertiente lúdica, a partir de los años 20 y 30, los emergentes totalitarismos las convirtieron en ejercicios descarados de propaganda del país anfitrión.

En 1928, se creó el Bureau International des Expositions (BIE), que a partir de entonces regularía aspectos como la periodicidad, la duración, la temática o el rango de las distintas ferias y muestras. Pese a esta ordenación, las exposiciones universales nunca volverían a ser lo mismo: caerían en desgracia sustituidas por las nuevas formas de comunicación y ocio.

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Exposiciones universales, los escaparates del Occidente moderno (y colonial)

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El fenómeno de las exposiciones universales sintetiza a la perfección lo que fue el siglo XIX para el mundo occidental. Todo lo que marcó la época tuvo su reflejo en aquellas particulares muestras: desde la industrialización y la consolidación del primer capitalismo global o la fe en el progreso científico y técnico, al desarrollo de la metrópoli moderna o el auge de los nacionalismos y del imperialismo colonial.

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¿Qué fueron las primeras Exposiciones Universales?

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Casi nada escapó a su curiosidad: fue diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista, ilustrador, tipógrafo, tejedor, agitador social y un largo etcétera. William Morris buscó una vía de expresión creativa alternativa al embate despersonalizador de una sociedad cada vez más industrializada, pero también al gusto recargado de la época victoriana.

La Red House (1859), paradigma de proyecto integral del movimiento Arts & Crafts

Surgida en torno a 1880, Arts & Crafts fue la corriente dominante en la artesanía y el diseño británicos hasta vísperas de la primera guerra mundial. Su influencia atrajo a una nueva generación de arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos -entre los que podríamos destacar a Charles Robert Ashbee, Mackay Hugh Baillie Scott, Ernest William Gimson, William Richard Lethaby y Charles F.A. Voysey- que defendieron un estilo de vida sencillo e inspirado en la Naturaleza a través de objetos domésticos caracterizados por su calidad, funcionalidad y el respeto a la autenticidad de las técnicas y los materiales.

Papel pintado Forest.

El afán holístico e integrador de Morris quedó plasmado en La Red House construida por Philip Webb en 1859 en el condado de Kent, Inglaterra. Llamada así por el ladrillo rojo de sus muros, fue la primera obra arquitectónica del grupo Arts & Crafts. Morris la concibió como un "Palacio de las Artes" en el que él y sus amigos pudieran disfrutar produciendo obras de arte y artesanía.

Diseño de la tarjeta de afiliado a la Federación Democrática.

El crítico y teórico de la arquitectura Nikolaus Pevsner ya calificó a William Morris en 1936 como uno de los pioneros del diseño moderno. Una muestra de la absoluta pertinencia -filosófica, estética, política y social- que tienen actualmente su obra y sus ideas.

Tejido Liberty.

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William Morris, el padre del movimiento Arts & Crafts

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Un día como hoy, el 6 de octubre de 1887, nacía Le Corbusier, considerado uno de los padres del Movimiento Moderno en arquitectura, siendo, a su vez, uno de los arquitectos más importantes e influyentes del siglo XX. Su trayectoria nos ha dejado un legado alrededor del mundo, desde Suiza-Francia, Estados Unidos, o Argentina, pasando por la India o Japón.

Por ello, traemos una recopilación de diferentes proyectos realizados por este arquitecto. Encontramos algunos muy diferentes como la Villa Roche Jeanneret o la Villa Savoye, iconos de la arquitectura moderna y que siguen los principios de planta libre. Pero también la "Ciudad Radiante" uno de los ejemplos que reflejan la pasión de Le Corbusier por el urbanismo.

Muchos de estos edificios han sido rehabilitados y abiertos de nuevo al gran público, como es el caso de Asile Flottant. Esto nos permite disfrutar en primera persona de algunos de los ejemplos arquitectónicos modernos más atractivos.

En este artículo vamos a ver los siguientes proyectos de Le Corbusier.- Asile Flottant, Cité Frugès, Maison d'Homme, Villa Savoye, Casa Curutchet, Maison La Roche-Jeanneret, Cité Radieuse de Marsella, Unité d'Habitation, el Monasterio de Sainte-Maire de la Tourette y el Teatro Neelam.

1. El Asile Flottant de Le Corbusier . Comenzará las obras de rehabilitación en mayo de 2020

Asile Flottant es una de las obras más llamativas de Le Corbusier puesto que se trata de una arquitectura flotante, un proyecto que realizó a petición del Ejército de Salvación. Se terminó en 1929 y su finalidad consistía en alojar a las mujeres refugiadas en París debido a la Primera Guerra Mundial. En la actualidad, se encuentra anclado en la orilla izquierda del río Sena.

Refleja la experimentación del arquitecto dentro del marco de la arquitectura moderna a través de la adición de piloti, ventanas de cinta horizontales y una terraza que cuenta con vegetación. Se trata, así, de un espacio interior y de un nivel elevado.

Este barrio de viviendas estaba destinado a obreros industriales que no tenían muchos recursos. El proyecto fue encargado a Le Corbusier y Pierre Jeanneret, y se desarrolló entre 1923 y 1924, al suroeste de Burdeos. Está considerada como una de las obras arquitectónicas Patrimonio de la Humanidad de Le Corbusier. El emplazamiento se encuentra rodeado de un gran bosque donde no se había edificado con anterioridad.

Le Corbusier defendía una vivienda social y económica, a la vez que se refería a estas como máquinas de vivir y exponía una idea de producción masiva y estándar de viviendas.

En este caso, aplica por primera vez uno de sus "cinco puntos de la arquitectura", "La ciudad jardín horizontal", que se trataba de una idea de ciudad utópica del arquitecto. Además, llevó a cabo en este proyecto el concepto de policromía, experimentando con el color.

Este proyecto, situado en Suiza, fue un encargo de Heidi Weber. Se trata de un museo destinado a recoger las obras plásticas, tapices, muebles y libros de esta artista, creando así una sala de exposiciones.

Al principio, Le Corbusier concibió la obra en hormigón, aunque mediante la intervención de Weber, finalmente la estructura se realizó en acero, un elemento que representaba lo moderno para ella.

La cubierta se convierte en el punto inicial de la construcción, llegando a poder ser considerada como una escultura en sí misma.

El bloque de viviendas Cité Radieuse de Le Corbusier pertenece al proyecto Unité d'habitation, ubicado en la ciudad de Marsella. de esta misma ciudad. Una de sus azoteas ha sido transformada por el diseñador Ora-Ïto, abriéndola al público como un espacio para el arte contemporáneo.

El diseñador continúa la tradición y visión vanguardista que Le Corbusier reflejaba en su arquitectura.

El convento es un proyecto único de Le Corbusier estaba destinado a una comunidad de frailes dominicos. Se trata de un edificio de hormigón que alberga un centenar de celdas individuales y una iglesia.

Este proyecto se encuentra entre los catalogados por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad. Fue, además, el último proyecto del arquitecto construido en Europa.

En él, se puede apreciar el uso de los "Cinco Puntos de la arquitectura moderna", por ejemplo, con la elevación de la estructura sobre pilotes de hormigón armado.

El Teatro Neelam fue proyectado por Le Corbusier en colaboración con el arquitecto Aditya Prakash a principios de la década de 1950 en la ciudad de Chandigarh.

Le Corbusier ha ayudado a que esta ciudad adquiera un carácter y una identidad propios, convirtiéndose sus estructuras en iconos de la misma.

Llama la atención la espectacular sala de cine que muestra una gran explosión del color azul, una expresión decorativa que pretende unificar los patrones del movimiento con técnicas e influencias propias de la cultura india.

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Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido por el sobrenombre de Le Corbusier, nació en La Chaux-de-Fonds, Suiza, el 6 de octubre de 1887. Es considerado uno de los padres del Movimiento Moderno en arquitectura y uno de los arquitectos más importante del siglo XX, conjuntamente con Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rore y Frank Lloyd Wright. En su amplia trayectoria dejo un gran legado de arquitectura por todo el mundo, en países como Francia, Alemania, Suiza, Estados Unidos, Argentina, India y Japón.

Charles Édouard Jeanneret es admitido en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds en 1902. Allí conoce a Charles l'Éplattenier, su primer maestro, con quien se ira rápidamente introduciendo en el mundo de la arquitectura. Su primer proyecto construido es la Villa Fallet, en 1906 y un año después emprende lo que sería su primer gran viaje a Italia. Entre los años 1908-1909 trabaja en el estudio de los hermanos Perret donde aprende el uso del hormigón y entre los años 1910-1911 coincide de forma fugaz con Mies van der Rohe en el estudio de Peter Behrens en Berlín.

En 1917, Charles Édouard Jeanneret se establece definitivamente en París. Al año siguiente conoce al pintor Amedée Ozenfant, expone sus primeros cuadros y también escribe su primer libro, "Après le Cubisme". En 1919 funda la revista l´Esprit Nouveau, editada por Jean Badovici, donde publica entre 1920 y 1925, en 28 números, un sin número de artículos, firmando por primera vez con el seudónimo de Le Corbusier.

Abré su propio estudio en 1922, en el número 35 de la rue de Sèvres, en París. En esta década desarrolla una gran actividad propositiva y realizará multitud de actividades como pintor, ensayista y escritor. En paralelo como arquitecto proyecta algunos de los iconos más reconocibles de la arquitectura moderna y desarrolla los principios de la planta libre. Algunas de estas obras son: la Villa Roche-Jeanneret, la Villa Savoye en Poissy y las casas de la Siedlungweissenhof construidas en Stuttgart en 1927. Durante este tiempo, enuncia los "cinco puntos" de la arquitectura.

Le Corbusier proyecta "La ciudad contemporánea de los tres millones de habitantes" en 1922 y en 1925 expone el "Plan Voisin de París", que rapidamente se convierten en unas de sus propuestas urbanas más importantes. Tres años después, en 1928, gracias a su iniciativa se crearían los CIAM y en 1929 publicaría la primera edición de su "Oeuvre Complète".

En los años 30, colabora con las revistas Plans y Prélude, donde se apasiona por el urbanismo y comienza a elaborar en 1930 los dibujos de la "Ciudad Radiante" una consecuencia de la "Ciudad Verde" que había proyectado anteriormente para Moscú, estos proyectos se resumirían después en 1935 en "La Villa Radiante", que estará acompañada de proyectos como los de Amberes, Estocolmo y París. Para 1931 presenta en Argel la propuesta del "Plan Obús". En 1933 tiene lugar el cuarto CIAM donde se redacta la Carta de Atenas.

Le Corbusier, en 1943, elabora la "Doctrina de los Tres Establecimientos Humanos" y funda la Asamblea de Constructores por la Renovación Arquitectónica (ASCORAL). Realiza el proyecto de la Unite d´habitation de Marsella en 1952, que sería el primero de una serie de proyectos similares. En paralelo comenzaban los trabajos del proyecto de Chandigarh en la India, donde proyecta los principales edificios gubernamentales. En esta misma década, también trabaja en Francia en la capilla Notre-Dame-du-Haut en Ronchamp, el convento de La Tourette en Éveux, las Casas Jaoul en Neuilly y las Unites d´habitation de Rézé-lès-Nantes, Briey-en-Forêt, Firminy y Berlín.

Escribe y publica su ampliamente conocido estudio sobre el Modulor en 1948 seguido por una segunda parte en 1953. El resto de los libros de Le Corbusier tienen un carácter más autobiográfico, entre los que se destacan, Le poème de l'angle droit (1955), l'Atelier de la recherche patiente (1960) y Mise aupoint (1966).

Le Corbusier, al final de su vida, elabora muchos proyectos que no serán realizados, entre los que se encuentran un centro de cálculo para Olivetti en Rho, Milán; un palacio de congresos en Estrasburgo, la embajada de Francia en Brasilia y un nuevo hospital en Venecia.

Muere ahogado nadando cerca de la playa de Roquebrune-Cap-Martin, Francia, el 27 de agosto de 1965.

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El legado de Le Corbusier a través de 10 proyectos

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Un día como hoy, el 6 de octubre de 1887, nacía Le Corbusier, considerado uno de los padres del Movimiento Moderno en arquitectura, siendo, a su vez, uno de los arquitectos más importantes e influyentes del siglo XX. Su trayectoria nos ha dejado un legado alrededor del mundo, desde Suiza-Francia, Estados Unidos, o Argentina, pasando por la India o Japón.

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El arte siempre se inspira y reinventa con estilos del pasado y hoy en día, se aprecia una gran tendencia a mirar con nostalgia hacia el siglo anterior.

Investigar la evolución del diseño nos permite obtener nuevas perspectivas y mayor comprensión de nuestro pasado, porque éste, está directamente relacionado con su contexto histórico que identifica cada período, especialmente visible a través de la estética. Es por ello, que queremos destacar las características de cada período y la evolución del diseño a través el siglo XX.

Cuando la historia marca el nacimiento del movimiento arte Nouveau o Art Nouveau, la sociedad se encontraba con la Segunda Revolución Industrial, es decir, en un momento de cambio como el que nos encontramos viviendo justamente ahora. Entender la corriente artística fundada por Morris es tan emocionante como asistir de protagonistas a nuestra propia historia actual.

¿Qué es el Art Nouveau?

Debemos empezar hablando del Art Nouveau ("arte nuevo" en francés). Surgió en la última década del siglo XIX, y su influencia se extendió hasta final de la primera década del siglo XX. Fue conocido con diferentes nombres. Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países Bajos), Liberty (Italia) y Modernismo (España). Todo se refiere a lo mismo: la intención de adaptarse al futuro... ¿Te suena? Aprovechando el cambio de siglo, pretende romper con lo anterior, en una época de grandes cambios sociopolíticos, como la revolución industrial.

Nace con la intención de crear un arte nuevo, libre, joven y moderno. Basándose en la exaltación de la naturaleza, en las formas vegetales, y en el movimiento sensual de las líneas orgánicas, combinado función y ornamentación. Se valora lo artesanal y pretende democratizar la belleza, dándole valor estético hasta a los objetos más cotidianos, consiguiendo de ésta manera, poner el arte, al alcance de toda la población.

Los diseñadores solían ser artistas multidisciplinarios que pasaban de las artes gráficas y pintura, a la arquitectura y el diseño de interiores, y al diseño de mobiliario y la decoración.

El Art Nouveau en las artes gráficas y pintura

Como el Art Nouveau pretendía llegar a la mayoría de la población, podemos ver su influencia en muchos carteles, anuncios, textiles o ilustraciones de libros de ésta época.
En la paleta de colores de este estilo destacan los naturales y poco saturados, con tonos suaves como grises, amarillos mostazas, aceitunas y lilas. En este campo, entre otros, destacaron Gustav Klimt (Austria), Alphonse Mucha (Chequia) y Toulouse-Lautrec (Francia).

El Art Nouveau en la arquitectura y diseño de interiores

Ante todo se buscaba una unidad de estilo con tal de que cada elemento se adaptara perfectamente al conjunto. Destacan los ventanales y las puertas con marcos de madera tallada, el hierro forjado en columnas y b arandillas con formas excéntricas, las vidrieras de colores con formas florales, los techos con siluetas curvas, jugando con el lleno y el vacío, y los pavimentos de marquetería o baldosas hidráulicas.

En Cataluña más de 100 arquitectos realizaron edificios de éste estilo. Destacan entre ellos, sobre todo tres: Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch. Otros arquitectos destacados, fueron Otto Wagner (Austria), y Wiliam Morris (Reino Unido), entre otros.

El Art Nouveau en mobiliario y decoración

La mayoría de artesanos que se dedicaba a realizar piezas de mobiliario, eran también arquitectos, en busca del control total del diseño interior de sus edificios. La forma de los muebles y los elementos decorativos, se formaban por curvas elegantes adornadas con latón, dorados, tallados o marfil. Se trataba de piezas complejas, elaboradas artesanalmente.

¿Por qué es tan importante el arte Nouveau?

Estudiar un poco la historia del arte Nouveau cobra mucho más sentido en el contexto actual: su intención fue romper con la desfasada estética renacentista para adaptarla a la nueva era industrial que estaba viviendo la sociedad en el momento de su creación.

La importancia del arte Nouveau es mucho más profunda de lo que se pueda extraer de información básica como la fecha en la que comenzó el movimiento artístico. Muchos expertos en historia del arte consideran que el Arte Modernista fue clave para la posterior creación del movimiento Art Decó e incluso la escuela Bauhaus.

Lo que más destaca del Art Nouveau es la intención con la que nació: romper una realidad social para crear una nueva adaptada al conocimiento adquirido; y la forma en la que unió a muchos países.

Aunque la palabra sea francesa, la corriente artística no procede precisamente del paraíso de los croissants con vistas a la Torre Eiffel.

¿Cuáles son las influencias históricas del Art Nouveau?

Las raíces del movimiento Art Nouveau se encuentran en otro llamado Arts & Crafts o 'artes y oficios' creado por el diseñador William Morris en el año 1861. Esta corriente artística y decorativa otorgaba mayor importancia a la naturaleza y a los objetos artesanales como forma de contrarrestar la imparable industrialización.

El Art Nouveau recogió el guante dándole importancia a estos aspectos del Art & Crafts, pero añadiendo las posibilidades que los nuevos materiales y técnicas que la novedosa industrialización facilitaban.

El objetivo era crear un estilo moderno, más afín a la cultura y mentalidad de la época, derivada del conocimiento acumulado durante toda la historia de la humanidad.

Como dato curioso, el hecho de que sea más reconocido por su denominación en francés tiene un sentido: París fue un gran exponente del arte Nouveau desde donde se extendió rápidamente.

¿Qué diferencia hay entre el arte Nouveau y el Art Déco?

El Art déco o Art deco significa 'artes decorativas' pues el nombre deriva de la abreviación de Arts Décoratifs . Este movimiento artístico nació justo cuando el Art Nouveau estaba perdiendo fuerza hasta que se extinguió, por lo que se podría decir que fue su sucesor.

Como ejemplo de una de las muchas diferencias entre el Art Nouveau y el Art Déco, el último adora las formas geométricas mientras el arte modernista apuesta por la asimetría.

Otra diferencia es que el arte Nouveau se inspira en artistas como Toulouse-Lautrec o Klim y la propia naturaleza, mientras el Arte Deco intenta introducir la vanguardia en el hogar.

¿Cuáles son las características más destacadas del Art Nouveau o Modernismo?

Hay ciertas características que nos pueden ayudar a identificar claramente el estilo Art Nouveau e incluso implementarlo en nuestro interiorismo si quieres disfrutar de su ambiente en casa:

1. Es un estilo que apuesta por lo moderno, en contraposición a lo que se consideraba en la época que se trataba de imposiciones estatales (lo clásico).

2. El arte Nouveau es partidario de que el arte intervenga en las urbanizaciones y ciudades para transformarlas en espacios donde la naturaleza esté muy presente.

3. Las formas libres, naturales, fluidas, asimétricas y dinámicas son preferidas en este estilo decorativo o de diseño.

4. Los materiales propios del Art Nouveau son los coloridos, entre ellos los acabados, madera, metal y vidrio.

5. Es un estilo que persigue activamente la decoración y pone el foco tanto en textiles como en todo tipo de utensilios como la propia vajilla.

Si quieres implementar el estilo Art Nouveau en la decoración de tu hogar, negocio, etc., somos tu mejor aliado. Dominamos todos ellos con mucha precisión y tenemos las ideas más frescas e innovadoras del mercado. ¡Ponnos a prueba!

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Historia del arte: Art Nouveau y su influencia actual | OAK 2000

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El arte siempre se inspira y reinventa con estilos del pasado y hoy en día, se aprecia una gran tendencia a mirar con nostalgia hacia el siglo anterior. Investigar la evolución del diseño nos permite obtener nuevas perspectivas y mayor comprensión de nuestro pasado, porque éste, está directamente relacionado con su contexto histórico que identifica cada período, especialmente visible a través de la estética.

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La Revolución Industrial y los primeros materiales arquitectónicos

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A partir del siglo XVIII, la Revolución industrial hizo fundamental ... La arquitectura cambió en respuesta al nuevo paisaje industrial.

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La Red House, ubicada en Bexleyheath, al sureste de Londres (Inglaterra), es el lugar donde nació el movimiento Arts & Crafts. Esta casa fue la primera obra arquitectónica de este movimiento.

La Red House es proyectada por el arquitecto Philip Webb en 1859, por pedido del artista William Morris, quien fue el principal exponente e inspirador de este movimiento. El interior de esta vivienda fue decorado con pinturas murales y vitrales de otro diseñador notable, Edward Burne-Jones.

El concepto de Morris para la Red House era que esta tenía que ser un "Palacio de las Artes". Este tendría que ser el taller en el que él y sus amigos disfrutasen produciendo obras de arte.

Es en esta casa donde surge, casi como una broma, la idea de crear "Morris, Marshall, Faulkner & Co.", empresa de diseño de adornos y de muebles muy importante durante su época.

El movimiento Arts & Crafts

Exterior / nationaltrustimages.org.uk

El Arts & Crafts es el movimiento que surge como rechazo a la estética producida por la revolución industrial. El arte y la arquitectura de la revolución industrial era fría y despersonalizada, y se expandía por Europa a principios del siglo XX. La revolución industrial, la revolución rusa y la 1ª Guerra Mundial sirvieron para deshumanizar el arte.

William Morris y un grupo de artistas ingleses se anticiparon a esta frialdad y deshumanización del arte creando este movimiento. Estos empezaron a popularizar y defender el trabajo artesanal, tejiendo tapices, alfombras con flores y muebles con maravillosos estampados.

Años después, todo este movimiento serviría como inspiración para el art nouveau. Las telas liberty, auténticas joyas, también tomarían inspiración del Arts & Crafts.

En 1887 se utiliza por primera vez el término Arts & Crafts. Fue gracias a la fundación de la Arts & Crafts Exhibition Society, la cual organizó importantes exposiciones entre 1888 y 1916. Los artistas, diseñadores y arquitectos de este movimiento buscaban y defendían el trabajo artesanal.

Estos también eran férreos opositores de la industrialización y de la producción masificada. Como parte de su pensamiento, defendían las tradiciones locales y la vida rural.

Este movimiento evoluciona hasta convertirse en el art nouveau. Es en este momento que da el salto transoceánico y llega a Estados Unidos, donde destaca la arquitectura de Frank Lloyd Wright.

No tengas nada en tu hogar que no tenga un uso o que no creas que es bello.

-William Morris-

Red House, la primera casa moderna

Interior / nationaltrustimages.org.uk

Esta casa encarnaba el pensamiento del movimiento Arts & Crafts. Construida totalmente en ladrillo, de ahí el nombre de Casa Roja, era un homenaje a la artesanía y un refugio rural. Este fue el hogar de William, Janey Morris y su familia. La rodeaban jardines y huertos, y era una muestra de lo que Morris anhelaba: transformar el mundo en belleza.

Destaca de la casa la distribución de espacios interiores. Además, todas las habitaciones gozan de la búsqueda constante de luz natural. La Red House es un claro ejemplo de la obra arquitectónica que responde a las necesidades del usuario.

Muchos arquitectos e historiadores la consideran como la primera casa moderna de la historia. El entorno no es alterado por la vivienda; por el contrario, se busca la integración con este.

La fachada de la casa es producto de la distribución interior de los espacios; con lo cual, se consigue una volumetría exterior singular. Uno de los puntos que se tuvo en cuenta en el proceso de diseño fue que la vivienda pueda cambiar de acuerdo a las necesidades de la familia. Como ejemplo de esto, en la segunda planta de la casa podemos observar un proyecto de ampliación que nunca llegó a realizarse.

Materiales de la Red House

Techo / nationaltrustimages.org.uk

La vivienda está construida en ladrillo rojo cálido sin revestimientos y con tejas en la cobertura, materiales rurales y respetuosos con el paisaje del lugar. El diseño de la Red House, como todo el movimiento Arts & Crafts, no sigue ningún estilo. El diseño de la vivienda de Morris se encuentra pensado en la utilidad de esta.

Interiormente, los materiales que predominan son la madera, los azulejos y el vidrio, materiales cálidos y naturales que consiguen una vivienda acogedora. El diseño interior tiene una inspiración orgánica, vegetal y medieval.

Por estos motivos, la Red House ocupa un lugar importante en la historia de la arquitectura y del diseño. Además, es el reflejo de un movimiento artístico y cultural que admiraba la autenticidad y la humanidad de la arquitectura medieval.

Pero esta vivienda no es una oda al pasado; al contrario, significó una ruptura radical con la arquitectura de inicios del siglo anterior. Se le considera precursora de la arquitectura del siglo XX.
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La Red House, el lugar donde nació el Arts & Crafts

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La Red House, ubicada en Bexleyheath, al sureste de Londres (Inglaterra), es el lugar donde nació el movimiento Arts & Crafts. Esta casa fue la primera obra arquitectónica de este movimiento. La Red House es proyectada por el arquitecto Philip Webb en 1859, por pedido del artista William Morris, quien fue el principal exponente e inspirador de este movimiento.

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Edward Murray Bassett and the Origins of Zoning | Smart Cities Dive

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Más de un siglo después, tal y como podemos ver en los diseños actuales, la influencia del movimiento Arts and Crafts no se ha perdido en absoluto.

La aportación de William Morris (diseñador, pintor y artesano) fue indispensable en el enorme desarrollo que vivió este movimiento.

Arts and Crafts presentó características algo diferentes en función de los países en los que se desarrolló. Aún así, podemos encontrar algunas características comunes a todos ellos. Las ideas perviven sobre todo en el mundo del diseño de interiores, como veremos a continuación.

¿Por qué es tan importante la influencia del movimiento Arts and Crafts?

Para poder reconocer la importancia de esa influencia, en primer lugar debemos comprender en qué consistió exactamente este movimiento artístico.

Ya hemos hablado de la importancia de la figura de William Morris. Fue quién en el año 1861, fundó la firma Morris and Co, una empresa dedicada totalmente a las artes decorativas. Esta empresa, formada por arquitectos, artesanos, artistas y diseñadores, creó poco después Arts and Crafts.
Una de sus premisas era promover la fabricación artesanal de las piezas, renegando de una producción cada vez más masiva.
Creían que todo el mundo debía tener acceso a este tipo de objetos (muebles, alfombras, tapices...). Tristemente, esto fue algo difícil debido a los altos precios que alcanzaban este tipo de piezas.

Además de utilidad y bajo coste, destacaba la búsqueda de la belleza y una excelente calidad.

Características principales del movimiento Arts and Crafts

La producción de la empresa fue realmente muy variada, por lo que puedes encontrar muchísimos diseños diferentes. En esa producción encontramos muebles, vidrieras, alfombras, papel pintado e incluso tapices.

A continuación, vamos a centrarnos en las principales categorías que se trabajaron en esta empresa.

estacaban por sus Muebles: dformas sencillas y el uso de técnicas de la ebanistería tradicional. Predominó el uso de la madera de roble.

Si observamos el mobiliario que fue diseñado ya hace más de un siglo por esta empresa, no encontramos demasiadas diferencias con muebles actuales.

Catálogo de muebles / josemgghistoriadeldiseno.wordpress.com
Papeles pintados: muy popularizados desde 1875, se utilizaban para decorar todo tipo de interiores domésticos.

Si nos fijamos en sus diseños encontramos una presencia constante de pájaros, insectos, flores o pequeñas frutas. Es decir, En esos papeles pintados encontramos también había un gran peso de la naturaleza, al igual que la pintura de esa época. reminiscencias de lo oriental, con motivos ya vistos en el arte islámico.

Si te parece que todas las paredes pueden quedar recargadas con papeles decorados, puedes empapelar solo una y pintar las restantes con un color clarito y homogéneo.

Tapices: en ellos es importante la presencia de orlas vegetales muy decoradas.

En algunos casos vemos figuras femeninas con actitudes melancólicas y normalmente situadas en medio de una naturaleza envolvente, casi salvaje. Suelen ser delgadas, muy altas, cabelleras largas y con ropajes anchos y largos, que nos pueden recordar a las esculturas de la Grecia Antigua.

Vidrieras: en ellas predominan las representaciones de ángeles, abogando por esa espiritualidad que se perdía cada vez más en esa época de industrialización.

Algo característico de estas vidrieras, sería el uso de intensos colores y de formas naturalistas (de nuevo esa preocupación por lo natural). Podían encontrarse en distintos ámbitos de edificios tanto civiles como religiosos, ya sea en interiores, ventanas, puertas, detalles de muebles...

Apostar por las vidrieras es apostar por la luminosidad, por la claridad en el interior de nuestra casa.

¿Dónde se ve más la influencia del movimiento Arts and Crafts en la decoración actual?

Sin perder ni su esencia ni su nombre, durante la Segunda Guerra Mundial, la compañía cambió de manos a la firma Sanderson, conocida de forma internacional. En el caso de España la distribución se lleva a cabo por Gancedo.

No son pocas las personas que optan por escoger papeles pintados para decorar las paredes de sus casas. Podrás encontrar gran variedad de motivos y estampados. Además no es necesario limitarte al dormitorio, puedes utilizar estos papeles en otras zonas de tu casa, incluso en la cocina, algo menos visto.

Papel de pared estampado / stylelibrary.com
También puedes recurrir a tapices, cortinas y alfombras de esta marca.

Es muy recomendable no mezclar estampados en una misma habitación, ya que podría quedar recargada y llamativa. En algunos casos, se utiliza un mismo estampado en distintas partes de la habitación en cuestión. Así, se conseguirá una mayor sensación de continuidad.

Estampado en pared y cortina / stylelibrary.com
Estos son solo algunos ejemplos. Como ves, es indudable la huella e influencia del movimiento Arts and Crafts en la actualidad, que se ha llegado a ver incluso en el diseño de jardines.

Como ves, basándote en las ideas de este movimiento conseguirás interiores originales, cálidos y acogedores. Todo ello sin olvidar el verdadero objetivo con que fue creado la empresa: valorar lo artesanal mediante la creación de objetos variados bonitos a la vez que útiles.

No tengas nada en tu hogar que no tenga un uso o que no creas que es bello -William Morris-

En general, te recomendamos este estilo si te gusta que predomine un toque romántico, delicado. Por otro lado, no olvides que nos encontramos con un estilo algo recargado (hay un poco de horror al vacío). Por eso suele haber patrones bastante intrincados. De todas maneras, no olvides que tú siempre puedes regular a tu gusto el resultado final tras decorar.
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La influencia del movimiento Arts and Crafts en la decoración actual

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Más de un siglo después, tal y como podemos ver en los diseños actuales, la influencia del movimiento Arts and Crafts no se ha perdido en absoluto. La aportación de William Morris (diseñador, pintor y artesano) fue indispensable en el enorme desarrollo que vivió este movimiento.