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Les images individuelles sont sur mon Padlet personnel

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*Nouveau titre | L'or des étoiles, mains brisées : fortunes bâties sur l'avarice et la main-d'œuvre exploitée

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*Nouveau titre | L'or des étoiles, mains brisées : fortunes bâties sur l'avarice et la main-d'œuvre exploitée

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La pollution plastique est un problème environnemental qui touche la terre depuis plusieurs années. Malgré tous les efforts humains pour stopper cette crise, le taux de déchets plastiques continue d'augmenter chaque année. Cette série d'images cherche à illustrer cet énorme problème de façon simple. Dans la vie de tous les jours, nous utilisons des produits en plastique «utiles» qui deviennent des déchets «énervants» après une courte période. Ces objets à usage unique, conçus pour être rapidement éliminés, s'incrustent de façon durable dans l'environnement, tout comme des plantes. Ceci est une réflexion visuelle sur la façon dont la pollution plastique envahit notre terre.

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"Grandis un peu!" est basé sur la pression de plus en plus étouffante des standards de beauté dans une ère où les jeunes ont accès à des milliers d’images en quelques secondes (souvent sans grand contrôle de la part de leurs parents ou de leurs gardiens). J’ai cherché à explorer ce concept grâce à un contraste visuel entre les éléments de l’enfance (une suce, un soulier de bébé, et un jouet à l’image d’un bébé) et des objets qui représente un monde plus adulte/le monde de la beauté commerciale. J’ai essayé d’obtenir un rendu similaire aux photos de produits de beauté.

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J'ai oublié de prendre une photo de mon set up cette fois-ci, mais c'est le même qu'aux derniers essais. J'ai utilisé une sorte de lanterne LED au lieu d'un cellulaire pour la lumière

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Le dégoût est un sentiment paradoxal qui oppose étonnement, attraction et répugnance. Comme si cette contradiction interne provoquait chez nous une fascination bizarre pour le dédain.

J'ai voulu créer des images aux compositions à la fois répugnantes et intrigantes en opposant des éléments de consommation et des objets liés au corps humain. Aussi, j'ai travaillé les images de sorte à avoir un effet presque collage pour évoquer un sentiment d'étrangeté dans le rapport entre les objets et le fond.

L'ambiguïté de l'attraction fait référence à cette contradiction de l'esprit qui nous pousse à être obnubilés par les choses qui nous dégoûtent profondément. Une sorte de curiosité morbide qui provoque une ambivalence et une satisfaction étrange.

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La polysémie se contextualise comme faisant référence à la pluralité des significations d’un mot. Autrement dit, le mot dont il est question ne change pas d’orthographe; cependant, il a la capacité d’évoquer divers sens.

Dé à coudre et dé à jouer

Dans le triptyque Polysémie, le propos est de représenter deux objets qui portent le même nom, qui possèdent des proportions similaires, mais qui sont diamétralement opposés dans leurs fonctions.

Les trois images de la série contiennent les mêmes objets et des compositions similaires afin d’accentuer l’idée d’un tout, mais qui varie dans la disposition des sujets photographiés. Dans cette suite d’images, il est aussi question de l’interprétation de l’équilibre. Les objets portant le même nom se posent l’un sur l’autre à l’image du mot sur lequel ceux-ci reposent.

Afin d’accentuer l’idée d’un tout à la fois similaire et différent, l’arrière-plan incolore et la lumière claire n’ont pour objectif que d’appuyer les objets présents figés en image.

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Polysémie se positionne comme une manifestation d’un ensemble homologue, mais distinct.

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Sweetie est un triptyque qui évoque la charge mentale que portent les femmes dans le cadre de la vie domestique. La charge mentale réfère à la préoccupation constante envers les tâches à accomplir. Dans une société où les femmes assument de nombreux rôles, tant au travail qu'à la maison, il est important de reconnaître le poids que ça représente. Bien que les tâches domestiques soient de plus en plus réparties ou externalisées, le poids du foyer repose encore majoritairement sur les épaules des femmes.

Ce n'est pas un hasard, mais bien le résultat d'un conditionnement sociétal. Dès le plus jeune âge, les filles sont habituées à prendre soin de leur environnement. En effet on l’apprend, entre autres, grâce poupées dont on devient "mères" dès cinq ans. Ce conditionnement se prolonge à l'âge adulte, où les on assume souvent le rôle de soutien domestique dans nos relations, prenant le relais des mères de nos partenaires. Cet investissement quotidien dans des tâches considérées banales est, en réalité, extrêmement énergivore.

L'entretien d'un foyer est un véritable travail à temps plein. Pourtant, les femmes ne sont plus limitées à cet emploi. Nous participont activement au monde du travail, côte-à-côte avec les hommes. Mais que devient la responsabilité domestique invisible encore en demande? Cette série est un commentaire social sur l'exigence impossible faite aux femmes de se consacrer pleinement à la vie domestique tout en faisant de même dans leur carrière professionnelle.

Dans ce triptyque, je mets de l’avant la banalité du quotidien en représentant des moments d’une journée comme l’épicerie, la préparation de repas et la vaisselle, en m'inspirant des thèmes récurrents de la nature morte contemporaine. Les inspirations principales ont été, Restaurant (2014) de Daniel Spoerri et les œuvres de Marcus Nilsson, par rapport à leur cadre, la lumière et leurs ombres.

J'explore l'accumulation des objets domestiques tout en maintenant un cadrage rapproché, symbolisant ainsi le sentiment d'obligation ressenti par les femmes face aux tâches domestiques. L'accumulation des tâches est constante, car nous vivons dans un monde d'imprévus qui affectent le déroulement de nos journées. C'est pourquoi, dans la deuxième image, j'ai inclus un verre cassé, représentant la rupture de l'équilibre dans le couple.

Enfin, dans la troisième image, j'ai voulu symboliser un équilibre entre la vie domestique et la vie professionnelle à travers une organisation particulière des objets. Hors, cet équilibre est rompu par l'absence du verre manquant, soulignant la difficulté, voire l'impossibilité, de maintenir un équilibre parfait entre ces deux mondes.

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Cette série de 3 images est une critique du capitalisme et des acteurs qui contribuent à l'exploitation des personnes désavantagé sur le plan économique. Beaucoup de milliardaires, à la tête de grandes entreprises, réalisent leur succès grâce à leur avarice et à la main-d'œuvre à bas prix qui se trouvent au bas de leur pyramide (Ex: Shein, H&M, Apple, etc.) Ces photographies visent à susciter une réflexion sur les sacrifices et le travail des personnes qui soutiennent cette richesse.

La première image, en particulier, dénonce le travail des enfants dans les mines du Congo. Ces enfants travaillent pour extraire les matériaux nécessaires à la fabrication des smartphones, permettant ainsi à ces grandes entreprises de s'enrichir sur leur dos. Beaucoup d'entre eux y laissent leur vie.

Les deuxième et troisième images se concentrent sur l'oppression des travailleurs sous-payés, mettant en lumière les injustices et les sacrifices qu'ils endurent pour permettre à d'autres de prospérer.

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La série a pour objectif d'illustrer le pouvoir de la richesse générationnelle pour engendrer du changement, en mettant l'accent sur la manière dont cela peut influencer les choix et actions des générations futures.

le thème de la famille et des générations est bien représenté à travers la poupée russe. Initialement, la poupée russe représentait une seule fille empilée sur elle-même, mais dans cette version, les poupées russes symbolisent une famille d'origine arabe, ce qui a particulièrement attiré mon attention en tant que personne de couleur. Cela enrichit le thème de la transmission des enseignements culturels à travers les générations.

La bougie représente l'accumulation des biens et des connaissances qu'une personne amasse tout au long de sa vie. Dans ce cas, elle symbolise la richesse et le savoir, mais aussi le passage du temps.

L'enfant est représenté avec les bougies de ses deux parents : un mélange de son père (bougie bleue) et de sa mère (bougie rose). Cela incarne la richesse que ses parents lui ont transmise. On aperçoit également une bougie jaune unique, une allusion à son identité propre, distincte de celle de ses parents. Cette bougie symbolise son propre savoir, sa richesse et sa représentation. Elle est allumée à l'inverse des autres, pour représenter le début de sa vie et l'excitation de découvrir sa passion.

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"Aliéné de soi" évoque le détachement patriarcal du propre corps de la femme. Le combat qu'une femme mène avec son corps est une lutte qui dure toute une vie. Dès un jeune âge, elle ressent un malaise face aux changements de son corps, que ce soit à cause des commentaires des autres ou des menstruations, souvent décrites comme

« Dégueu ». Toute cette pression sociale, nous la portons tout au long de notre vie, et il est difficile de s'en défaire.

Le triptyque a été créé sous forme de trois passages, avec trois fruits abîmés de différentes manières, pour illustrer le combat constant avec soi-même. La pomme, symbole de jeunesse, d’abondance et de beauté, est endommagée, mordue et croquée. Elle est posée dans une coupe, symbolisant les barrières patriarcales et l'emprisonnement.

La pomme grenade symbolise la fertilité et le sacrifice du corps pour un autre être. Cette fois-ci, le fruit est placé à côté de la coupe pour montrer un détachement des limites imposées au corps, mais sans pour autant atteindre un contrôle total

Pour finir, la poire, la plus abîmée des trois, représente la sagesse, la maturité et le pouvoir, car « le vieillissement est associé à une perte du pouvoir de séduction des femmes ». Ainsi, la photo représente une femme qui n'est plus perçue comme « désirable », mais qui possède tout le pouvoir. Elle est donc placée au sommet de la coupe.

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La mémoire du défunt à travers les souvenir des vivants

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La mémoire du défunt à travers les souvenir des vivants

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La mémoire du défunt à travers les souvenir des vivants se raconte en trois temps. Les bougeoirs représente une personne et la chandelle représente sa vie. La première photo représente la personne de son vivant. L’éclairage est chaud afin de représenter la vie. La seconde image représente la personne qui vient de mourir. La chandelle vient de s’éteindre, remplaçant le feu par de la fumée. Puisque le décès s’est produit récemment, l’éclairage est encore chaud, bien que légèrement plus froid que la première photo. La dernière photo représente la personne lorsque cela fait un moment qu’elle est décédée. L’éclairage est froid afin de signifier que le temps vient de passer et la composition change afin de montrer que la personne décédée continue de vivre à travers les souvenirs des personnes encore en vie. Cependant, les souvenirs ne sont pas nécessairement le reflet de la personne entière. En effet, le temps passe et les souvenirs deviennent flous. L’image du défunt oscille entre positive et négative selon les souvenirs marquants des personnes encore en vie.

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Il y a peu de recherche sur les causes des effets du cannabis sur les différentes personnes. Il est évident que des facteurs comme l’âge, le sexe ou la psychologie influencent la manière dont on se sent après avoir fumé. Pour moi, malheureusement, c’est toujours comme jouer à la roulette russe. La probabilité d'avoir une mini crise de panique après une simple bouffée est assez élevée, et pourtant, de temps en temps, on décide de retenter l’expérience. Dans cette série de photos, j'explore les différents états dans lesquels les gens se retrouvent après avoir consommé la même substance. La nature n'est jamais prévisible, et c'est cela qui en fait toute la beauté.

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Heure du thé décalée chez les "Old money"

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Heure du thé décalée chez les "Old money"

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Heure du thé décalée chez les "Old money"

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Heure du thé décalée chez les "Old money"

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L'expression "Old money" se réfère aux "vieilles fortunes" aristocratiques transmises de génération en génération au sein de mêmes familles.  Elles étaient des familles établies avec un certain rang social et certaines traditions ancestrales. Entre autres, celle suivie par plusieurs familles britanniques, la célèbre heure du thé.

L'idée du titre est ressortie du sujet (l'argent),  du décor (sobre) et des objets choisis (théière, petits ramequins en verre travaillé, fourchettes -qui ont l'air- en argent).  L'emploi d'un miroir dans chacune des compositions donne le petit côté "décalé" qui est renforcé par la position des pièces de monnaie qui peut laisser supposer qu'elles pourraient être consommées, servies avec un certain décorum.

Les photos ont été obtenues à partir de la manipulation d'une banque de "sous" mise en contact avec différents objets de la maison qui se sont bien vite concentrés autour d'objets de cuisine en verre ou en métal.  Le fond noir a permis le revirement de certaines images, comme ce fut le cas pour l'image des fourchettes qui "supportent" les deux piles de dollars.

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L'exigence de la minceur reflète les standards de beauté imposés aujourd'hui en utilisant des objets malléables, pour symboliser notre corps. Les trois objets choisis sont mous et possèdent une forme définie, qui peut être sculptée avec la force de nos doigts pour correspondre à l'apparence désirée. Cependant, dès que la pression est relâchée, l'objet reprend sa forme initiale. Ces formes représentent les différentes morphologies que peuvent avoir les êtres humains. L'élastique autour des objets symbolise les standards de beauté actuels, contraignant l'objet à adopter une forme qu'il ne pourrait jamais conserver de manière naturelle. L'élastique, plutôt qu'un fil inextensible, a été choisi pour illustrer le caractère fluctuant des normes de beauté, qui évoluent au fil du temps. Ces standards altèrent notre perception du corps naturel. Les couleurs vives choisies évoquent également la palette de la pop culture, car l'image du corps parfait est étroitement liée à la culture contemporaine, en particulier dans notre ère technologique.

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V2, haut agrandit

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Titre : Symbiose Réfléchie

Mon triptyque explore la symbiose et la cohabitation naturelle à travers une esthétique inspirée des jardins japonais. Mon intention était de capturer l'essence des relations invisibles entre les éléments du vivant dans un habitat commun, en mettant en scène des compositions épurées qui invitent à une contemplation silencieuse.

Dans ce projet, j'avais envie de m'amuser avec le terme "nature morte", qui évoque habituellement des objets inanimés. J'ai choisi d'utiliser des éléments vivants et volatils, comme des plantes et des poissons, pour créer des compositions figées mais organiques où le cerveau associe un mouvement malgré l’image statique.

Le titre est un petit jeu de mots qui englobe plusieurs aspects du projet. Symbiose est mon thème et idée orignal et celui-ci indique clairement la direction du projet, mais l’ajout du mot réfléchi, qui lui à plusieurs sens, viens enrichir la lecture secondaire. Premièrement puisqu’une grande partie des compostions est centré sur la réflexion, les ombres et les lumières du bocal « l’habitat ». Il peut aussi être utilisé dans le sens : réfléchir = penser, ce qui fait référence au jardin zen qui crée des habitats symbiotiques pour plusieurs formes de vie, organisé de façon réfléchi et optimal. Cette deuxième lecture m’interpelle beaucoup puisque j’aimerais un jour concentrer mon design sur le développement d’espace Co habitable pour la nature et l’humain.

À travers ce triptyque, j’ai cherché à traduire visuellement cette idée de symbiose et de cohabitation naturelle, en utilisant des compositions simples qui évoquent la sérénité et l’équilibre des jardins japonais. Ces images reflètent ma propre réflexion sur la manière dont les formes de vie interagissent, souvent de manière subtile mais essentielle.

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L’effet caméléon fait référence au phénomène psychologique inconscient de mimétisme social. Nos expressions faciales, notre posture et notre locution se transforment dépendamment de notre environnement, parfois allant à l’encontre de nos habitudes.

À premier abord, le ton sur ton évoque le camouflage. Chaque objet se fond à l’arrière-plan par sa couleur et sa texture, faisant référence à notre aptitude/désir de s’intégrer à notre entourage.

Ensuite, la nature même des objets suggère notre malléabilité et notre capacité de métamorphose. L’oreiller est méconnaissable sous la tension des ficelles. Le bloc d’argile suggère une infinité de possibilités et de formes. Le papier est à mi-chemin entre une boule compacte et une page intacte. Chacun de ces objets est dans une forme temporaire et possède un potentiel d’évolution important.

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La douceur de la douleur est un triptyque qui montre la nature tendre et aimante que la peine peut adopter dans des contextes spécifiques. Cette série explore le B de BDSM, le bondage. Dans la première image, les fruits semblent piégés, comme dans un sac d'épicerie enchevêtré, mais ils sont placés intentionnellement de manière à être aussi proches que possible. Dans la deuxième image, les deux sujets, la poire et la prune, la mandarine et la pêche, se penchent l'un vers l'autre, partageant un moment d'intimité. Dans la dernière image de la poire seule, la corde est enroulée soigneusement et intentionnellement, en référence à l'acte d'auto-bondage. Le fond est en cuir, en référence à l'importance du tissu dans la sous-culture BDSM. J'ai utilisé des fruits parce que c'est quelque chose de familier et d'accessible, et en raison des similitudes qu'ils peuvent partager avec la forme humaine. Bien que le bondage soit largement connu comme une activité sadomasochiste, mon objectif était d'explorer le côté artistique du travail avec la corde et le soin apporté au bondage. Comme pour tous les fétiches, il doit être pratiqué avec le consentement et la considération de toutes les parties, et il y a quelque chose de beau pour moi dans la matérialité de la corde et les techniques qui doivent être apprises pour s'y engager. De nombreux artistes ont utilisé la photographie pour mettre en lumière des tabous, en particulier ceux qui font partie de la communauté BDSM, mais mon espoir avec cette série est plutôt d'évoquer les façons dont nous nous infligeons de la douleur pour ensuite ressentir du plaisir. C'est difficile à accepter, mais il semble que nous devons vivre de la souffrance pour être en mesure d'apprécier les moments de joie. Peut-être qu'en nous créant des douleurs et des défis calculés, nous nous sentons plus résiliants lorsqu'ils surviennent de manière inattendue.

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Le triptyque « 1950-1980-2000 » célèbre les figures féminines marquantes de ma vie à travers trois époques distinctes. Chaque panneau incarne un moment et une femme, représentée non par son portrait, mais par des objets symboliques. J’ai choisi avec soins les couleurs, les formes et les textures pour évoquer l’essence et le contexte de ces personnes importantes.

La première photo, consacrée aux années 1950, présente des objets délicats, tels que des perles ambrées et des touches dorées, qui évoquent une époque révolue. La deuxième photo, centrée sur les années 1980, met en vedette des pièces plus sophistiquées, comme du verre noir et bleu, qui me rappellent la vaisselle de ma propre mère quand j’étais enfant. Enfin, la dernière photo, représentant l’année 2000, est dominée par des articles modernes et épurés, symbolisant la fraîcheur et l’innocence de cette période.

Ces artefacts racontent une histoire intime et universelle, reliant mes ancêtres, moi-même et mes descendantes grâce aux liens profonds qui unissent toutes les générations.