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APUNTES SOBRE LA SOCIEDAD EUROPEA DEL XVIII

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Apuntes de arte y sociedad en el XVIII

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La Música en el XVIII

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La historia de la música es el estudio de la evolución de la música a lo largo del tiempo y cómo ha sido influenciada por las tendencias culturales, sociales y tecnológicas. Desde la música antigua hasta la música contemporánea, la historia de la música ofrece una gran variedad de estilos y formas musicales que han evolucionado a lo largo del tiempo.

La música ha sido parte de la humanidad desde tiempos prehistóricos y ha evolucionado con la sociedad y la cultura a lo largo de la historia. La música ha sido utilizada en ceremonias religiosas, celebraciones, entretenimiento y como medio de comunicación. Además, cada cultura ha desarrollado su propio estilo musical, lo que ha llevado a una gran variedad de estilos y formas musicales en todo el mundo.

El estudio de la historia de la música implica el análisis de las diferentes épocas musicales, desde la música antigua hasta la actualidad. Cada período se caracteriza por diferentes estilos, técnicas y formas musicales que reflejan las tendencias culturales y sociales de la época. Además, cada período ha sido influenciado por grandes compositores y artistas que han dejado su huella en la historia de la música. El conocimiento de la historia de la música es importante para comprender y apreciar la música en la actualidad.

La historia de la música en la prehistoria

Se cree que la música prehistórica se producía con instrumentos hechos de materiales orgánicos como huesos, cuernos, conchas y madera. Estos instrumentos eran utilizados en ceremonias religiosas, celebraciones y en la vida cotidiana de las personas. También se cree que se utilizaban instrumentos de percusión como tambores y maracas.

Además, se ha descubierto que las pinturas rupestres en cuevas prehistóricas tenían un significado musical. Se cree que estas pinturas representan a personas que cantan, bailan y tocan instrumentos musicales. También se ha encontrado evidencia de flautas hechas de hueso en yacimientos arqueológicos de la prehistoria.

Aunque no se sabe exactamente cómo sonaba la música prehistórica, se cree que la música era una parte importante de la vida social y religiosa de las personas de la época. La música también era utilizada para comunicarse y transmitir historias y mitos. Es interesante notar que la música ha sido una parte integral de la humanidad desde tiempos prehistóricos y ha evolucionado con la sociedad y la cultura a lo largo de la historia.

La historia de la música en la edad antigua

La música en la edad antigua se refiere a la música que se producía durante el período que abarca desde la invención de la escritura hasta la caída del Imperio Romano de Occidente en el año 476 d.C. Durante esta época, la música era considerada una parte importante de la vida cotidiana y tenía un papel fundamental en la cultura y la sociedad.

En la antigua Grecia, la música se consideraba una disciplina importante y era enseñada en las escuelas. La música griega era principalmente vocal y estaba compuesta en su mayoría para ser interpretada en ceremonias religiosas y en el teatro. Los griegos también desarrollaron instrumentos musicales como la lira, el aulos y la cítara.

En la antigua Roma, la música tenía un papel importante en la vida cotidiana y se utilizaba en ceremonias religiosas, militares y sociales. Los romanos también desarrollaron instrumentos musicales como la trompeta, el corno y el órgano hidráulico. La música romana era principalmente instrumental y se utilizaba en los juegos del circo y en las fiestas.

En la antigua China, la música era considerada una herramienta para equilibrar y armonizar el mundo y se creía que tenía un impacto directo en la salud y el bienestar de las personas. La música china se basaba en el pentagrama y se interpretaba en la corte imperial, en ceremonias religiosas y en la vida cotidiana.

En la India antigua, la música estaba estrechamente ligada a la religión y se utilizaba en ceremonias religiosas y en la vida cotidiana. La música india se basaba en escalas de siete notas y utilizaba instrumentos como la vina y el sitar.

La música en la edad antigua era una parte importante de la vida cotidiana y tenía un papel fundamental en la cultura y la sociedad. Cada civilización antigua desarrolló su propio estilo musical y utilizaba la música de diferentes maneras en ceremonias religiosas, militares y sociales. La música en la edad antigua sentó las bases para la música que vendría en las épocas posteriores.

La historia de la música en la edad media

La música en la Edad Media se refiere a la música producida en Europa durante el período que abarca desde la caída del Imperio Romano de Occidente en el siglo V hasta el Renacimiento en el siglo XV. Durante este período, la música era principalmente vocal y estaba íntimamente ligada a la religión y la liturgia.

La música medieval se desarrolló principalmente en las iglesias y monasterios de Europa, y se utilizaba en ceremonias religiosas como la misa y las horas canónicas. La música era cantada en latín y se basaba en la tradición gregoriana, que consistía en un repertorio de melodías que se transmitían oralmente. El canto gregoriano se caracteriza por su simplicidad y monofonía, es decir, una sola línea melódica sin armonía.

Durante la Edad Media también se desarrolló la polifonía, que consiste en dos o más líneas melódicas que se cantan simultáneamente. La polifonía se desarrolló principalmente en Francia y se utilizó en la música secular, como la canción y el motete. Uno de los compositores más importantes de la época fue Guillermo de Machaut, quien escribió música polifónica y también se desempeñó como poeta y escribió sus propios textos.

Además de la música vocal, también se desarrollaron instrumentos musicales en la Edad Media. Los instrumentos medievales incluían la flauta, la vihuela, el laúd y el órgano. Estos instrumentos se utilizaban tanto en la música religiosa como en la música secular.

La música en la Edad Media también estaba estrechamente ligada a la poesía y la literatura. Los poetas y los trovadores escribían poemas y canciones que se cantaban y tocaban con instrumentos. Estas canciones trataban sobre el amor, la guerra y la religión, y se interpretaron en la corte y en festivales.

La historia de la música en la Edad Media se caracterizó por su estrecha relación con la religión y la liturgia, así como por el desarrollo de la polifonía y la escritura musical. La música en la Edad Media sentó las bases para la música que vendría en las épocas posteriores, y muchos de los conceptos y técnicas musicales que se desarrollaron en esta época todavía se utilizan en la música moderna.

La historia de la música en el renacimiento

La música en el Renacimiento se refiere al período que abarca desde mediados del siglo XV hasta principios del siglo XVII en Europa. Durante este tiempo, la música experimentó un cambio significativo en su estilo y técnica en comparación con la música medieval.

El Renacimiento se caracterizó por un renovado interés en las artes y la cultura clásica, lo que llevó a una mayor atención en la música secular y la música instrumental. En este período, la polifonía se desarrolló aún más y se utilizaron nuevas técnicas, como el contrapunto y la imitación, que permitieron la creación de piezas musicales más complejas y elaboradas.

La música en el Renacimiento también se caracterizó por el uso de armonías y acordes, lo que dio lugar a la creación de nuevos géneros musicales como el madrigal y la canción. Estos géneros se escribían para pequeños conjuntos vocales, a menudo con acompañamiento instrumental, y se centraban en el texto y la expresión emocional.

Uno de los compositores más importantes del Renacimiento fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, quien es conocido por sus misas y motetes polifónicos. Palestrina se considera un maestro de la música sacra y sus composiciones se utilizan aún hoy en día en ceremonias religiosas.

Además, la música instrumental también se desarrolló durante el Renacimiento. Se utilizaron instrumentos como la viola da gamba, el clavicémbalo y el laúd, y se escribieron piezas musicales para ser interpretadas exclusivamente por instrumentos. Uno de los compositores más importantes de música instrumental fue William Byrd, quien escribió piezas para el virginal y otros instrumentos.

La historia de la música en el Renacimiento se caracterizó por una mayor atención a la música secular y la música instrumental, así como por la utilización de nuevas técnicas y géneros musicales. La música del Renacimiento sentó las bases para la música clásica que se desarrollaría en los siglos siguientes, y muchas de las técnicas y géneros utilizados en este período todavía se utilizan hoy en día en la música clásica y popular.

La historia de la música en el barroco

El Barroco fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Durante este tiempo, la música experimentó una evolución significativa en su estilo y técnica, con la creación de nuevas formas musicales y una mayor atención a la ornamentación y la complejidad.

Una de las características más importantes de la música barroca fue la creación de formas instrumentales como la suite, la sonata, el concierto y la fuga. Estas formas se escribían para ser interpretadas por instrumentos, y permitieron a los compositores explorar nuevas posibilidades musicales y técnicas.

El barroco también se caracterizó por la creación de la ópera, que combinaba la música, la poesía y la actuación en una única obra de arte. La ópera se convirtió en una forma musical muy popular durante este período, y muchos de los compositores más importantes del barroco, como Claudio Monteverdi y Georg Friedrich Händel, escribieron óperas que siguen siendo interpretadas hoy en día.

La música barroca también se caracterizó por el uso de la ornamentación y la elaboración en las melodías y armonías. Los compositores barrocos a menudo agregaban trinos, mordentes y otros ornamentos para embellecer sus composiciones, y también experimentaron con la armonía y la disonancia para crear nuevas texturas y efectos sonoros.

Uno de los compositores más importantes del barroco fue Johann Sebastian Bach, quien escribió música para una amplia variedad de formas y géneros, incluyendo la música religiosa, la música instrumental y la música vocal. Bach es considerado uno de los más grandes compositores de la historia de la música, y sus obras todavía son ampliamente interpretadas y admiradas en todo el mundo.

En resumen, la música del Barroco se caracterizó por la creación de nuevas formas musicales y la atención a la ornamentación y la complejidad. El barroco también fue el período en el que se desarrolló la ópera, y muchos de los compositores más importantes de la historia de la música, como Bach y Händel, trabajaron en este período. La música barroca sentó las bases para la música clásica que se desarrollaría en los siglos posteriores, y muchas de las técnicas y formas utilizadas en este período todavía se utilizan hoy en día en la música clásica y popular.

La historia de la música en el clasicismo

El Clasicismo fue un período de la historia de la música que se desarrolló aproximadamente entre mediados del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Durante este tiempo, la música experimentó una evolución significativa en su estilo y técnica, caracterizado por la simplicidad, la claridad y el equilibrio.

Una de las características más importantes de la música clásica fue el énfasis en la melodía y la armonía. Los compositores del período clásico buscaron crear obras musicales que fueran accesibles y agradables al oído, utilizando melodías simples y armonías claras y equilibradas. La música clásica también se caracterizó por el uso de formas musicales bien definidas, como la sinfonía, el cuarteto de cuerda y el concierto.

Otra característica importante de la música clásica fue la importancia dada a la estructura y la organización. Los compositores clásicos trabajaron con rigurosidad y precisión para crear obras que estuvieran bien estructuradas y equilibradas, utilizando a menudo la técnica de la motivación temática, que consistía en desarrollar una idea musical inicial a lo largo de toda la obra.

Durante el Clasicismo también se experimentó con el uso de nuevas formas de expresión musical, como el rondó y la sonata-allegro. Estas formas permitieron a los compositores clásicos crear obras más complejas y elaboradas, sin perder la accesibilidad y la claridad que caracterizaban la música del período.

Algunos de los compositores más importantes del Clasicismo incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven. Estos compositores fueron capaces de llevar la música clásica a su apogeo, creando obras maestras que todavía se interpretan y aprecian en todo el mundo.

La historia de la música del Clasicismo se caracterizó por la simplicidad, la claridad y el equilibrio, con énfasis en la melodía y la armonía. La música clásica también se caracterizó por el uso de formas musicales bien definidas y la importancia dada a la estructura y la organización. Los compositores del período clásico experimentaron con nuevas formas de expresión musical, y algunos de los compositores más importantes de la historia de la música trabajaron en este período, creando obras maestras que siguen siendo apreciadas en todo el mundo.

La historia de la música en el romanticismo

El Romanticismo fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX. Durante este tiempo, la música experimentó una revolución en su estilo y técnica, caracterizado por la emotividad, la pasión y la expresión individual.

Una de las características más importantes de la música romántica fue la importancia dada a la emoción y la expresión personal. Los compositores del período romántico buscaron crear obras que reflejaran sus sentimientos y emociones más profundos, a menudo utilizando técnicas expresivas como el cromatismo, el rubato y la dinámica amplia.

Otra característica importante de la música romántica fue la experimentación con nuevas formas y estructuras musicales. Los compositores románticos expandieron las formas musicales existentes, como la sinfonía y la ópera, y crearon nuevas formas, como el poema sinfónico y la canción con piano.

La música romántica también se caracterizó por el uso de textos literarios como fuente de inspiración musical. Muchos compositores del período romántico se basaron en obras literarias como la poesía y la novela para crear sus obras, a menudo utilizando estas obras como guía para la forma y el contenido musical.

Algunos de los compositores más importantes del Romanticismo incluyen a Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Richard Wagner y Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Estos compositores fueron capaces de llevar la música romántica a su apogeo, creando obras maestras que todavía se interpretan y aprecian en todo el mundo.

La historia de la música del Romanticismo se caracterizó por la emotividad, la pasión y la expresión individual, con énfasis en la experimentación con nuevas formas y estructuras musicales. Los compositores del período romántico también se basaron en obras literarias para inspirar su música. Algunos de los compositores más importantes de la historia de la música trabajaron en este período, creando obras maestras que siguen siendo apreciadas en todo el mundo.

La historia de la música en el postromanticismo

El postromanticismo es un período de la música que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, después del período del Romanticismo. Se caracterizó por la continuación de muchas de las características del Romanticismo, como la emotividad, la pasión y la expresión individual, pero con un enfoque más personal y subjetivo.

Uno de los compositores más influyentes del postromanticismo fue Gustav Mahler. Sus obras son conocidas por su complejidad musical y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones en el oyente. Mahler también experimentó con nuevas formas musicales, como la sinfonía de programa, que incluía elementos de la poesía y la literatura en la música.

Otro compositor importante del postromanticismo fue Richard Strauss, quien se especializó en la ópera y creó obras maestras como "Salomé" y "Elektra". Strauss también fue un innovador en el uso de la orquesta, experimentando con nuevos sonidos y texturas musicales.

El postromanticismo también vio el surgimiento del impresionismo musical, liderado por compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel. El impresionismo musical se caracterizó por su uso de la armonía y la orquestación para crear imágenes y sugerir atmósferas.

En resumen, el postromanticismo fue un período de la música que continuó muchas de las características del Romanticismo, como la emotividad y la pasión, pero con un enfoque más personal y subjetivo. Vio el surgimiento de compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Claude Debussy y Maurice Ravel, así como la evolución hacia nuevas formas y sonidos en el modernismo musical.

La historia de la música de la primera mitad del s. XX

La primera mitad del siglo XX fue un período muy influyente en la música, caracterizado por una serie de movimientos musicales nuevos y diversos. A continuación, se destacan algunos de los movimientos más significativos de la época.

Uno de los primeros movimientos importantes del siglo XX fue el impresionismo musical, que había surgido en el postromanticismo y que continuó durante las primeras décadas del siglo. Los compositores impresionistas, como Debussy y Ravel, utilizaron la música para crear atmósferas, en lugar de narrar historias o seguir formas tradicionales de composición.

Otro movimiento importante fue el expresionismo, que surgió en Alemania a principios del siglo XX. Los compositores expresionistas, como Arnold Schoenberg y Alban Berg, rechazaron la tonalidad tradicional y experimentaron con la atonalidad, creando una música emocionalmente intensa y altamente personal.

En contraste con el expresionismo, surgió el neoclasicismo, que buscaba recuperar las formas y los estilos clásicos de la música del pasado, pero con un enfoque moderno. Los compositores neoclásicos, como Stravinsky, adoptaron una estética de limpieza, claridad y simplicidad en su música.

Otro movimiento importante en la primera mitad del siglo XX fue la música electrónica, que se desarrolló a partir del uso de instrumentos electrónicos y grabaciones. Uno de los compositores más destacados de este género fue Karlheinz Stockhausen, quien experimentó con la creación de sonidos sintéticos y el uso de grabaciones de campo.

Finalmente, el jazz y la música popular también experimentaron un gran auge en la primera mitad del siglo XX, especialmente en América. El jazz se convirtió en un género popular y tuvo un gran impacto en la música clásica, inspirando a compositores como Gershwin y Copland.

La historia de la música en la primera mitad del siglo XX fue un período de gran diversidad musical, con muchos movimientos diferentes y nuevos géneros. Desde el impresionismo hasta el jazz, pasando por el expresionismo y el neoclasicismo, este período fue un momento de gran creatividad e innovación en la música.

La historia de la música de la segunda mitad siglo XX

La segunda mitad del siglo XX fue un período de intensa experimentación en la música, con una gran variedad de estilos y géneros que surgieron y evolucionaron durante este tiempo.

Uno de los movimientos más importantes del siglo XX fue el serialismo, que se desarrolló a partir del trabajo del compositor Arnold Schoenberg. El serialismo buscaba establecer una ordenación específica de los sonidos, creando una música que no estuviera basada en la tonalidad tradicional. Este enfoque fue adoptado por compositores como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen.

En contraposición al serialismo, surgió el minimalismo, que buscaba una música basada en la repetición y la simplicidad. Uno de los compositores más destacados de este género fue Steve Reich, quien utilizó patrones rítmicos y melódicos simples y los repitió durante períodos largos de tiempo para crear una experiencia de escucha hipnótica.

Otro género importante que surgió en la segunda mitad del siglo XX fue la música electrónica, que continuó su evolución a través del uso de sintetizadores y computadoras. El techno, el house y el hip hop son algunos de los subgéneros de la música electrónica que surgieron durante este período.

La música popular también experimentó una gran evolución durante la segunda mitad del siglo XX, con el surgimiento del rock and roll, el punk rock, el heavy metal y el rap, entre otros géneros. Los Beatles, los Rolling Stones, Pink Floyd y Nirvana son algunas de las bandas más influyentes de este período.

Finalmente, el mundo de la música clásica también continuó su evolución en la segunda mitad del siglo XX, con compositores como John Cage y Morton Feldman, quienes experimentaron con la música aleatoria y la música indeterminada, respectivamente.

La segunda mitad del siglo XX es un período de gran experimentación y diversidad musical, con muchos movimientos y géneros diferentes que surgieron y evolucionaron a lo largo de los años. Desde el serialismo y el minimalismo hasta la música electrónica y el rock and roll, este período fue un momento de gran creatividad e innovación en la música.

La música en el siglo XXI

El siglo XXI ha sido testigo de una gran cantidad de innovación y evolución en el mundo de la música, en gran parte gracias a los avances tecnológicos y la creciente interconexión global. Algunos de los principales desarrollos en la música del siglo XXI son:

Streaming

la llegada de servicios de streaming como Spotify y Apple Music ha cambiado radicalmente la forma en que la gente consume música. Los artistas pueden llegar a audiencias globales de forma más fácil y eficiente, y la música se ha vuelto más accesible que nunca.

Convergencia de géneros

los géneros musicales se han vuelto cada vez más difusos, con artistas que combinan elementos de diferentes estilos para crear algo nuevo y emocionante. El hip hop y el R&B han sido particularmente influyentes en la creación de nuevos géneros musicales.

Influencias globales

la música del siglo XXI se ha vuelto cada vez más globalizada, con artistas que incorporan influencias de todo el mundo en su música. El K-pop ha sido particularmente influyente en la cultura pop global en los últimos años, y otros géneros como la música latina también han ganado popularidad.

Colaboraciones

los artistas han comenzado a colaborar con otros artistas de manera más frecuente y fluida, creando colaboraciones intergénero y colaboraciones entre diferentes regiones del mundo.

Producción digital

la producción de música ha evolucionado a medida que los programas de producción digital han mejorado y se han vuelto más accesibles. Los artistas pueden crear música de alta calidad desde la comodidad de sus propias casas, lo que ha abierto la puerta a una mayor cantidad de artistas emergentes.

Conciertos en línea

la pandemia de COVID-19 ha llevado a una mayor cantidad de conciertos en línea, lo que ha permitido a los artistas llegar a audiencias globales y llegar a aquellos que no pueden asistir a un concierto en vivo.

En conclusión, la música del siglo XXI ha experimentado una evolución significativa en términos de tecnología, influencias globales y colaboración. La música sigue siendo una forma poderosa de expresión artística y un reflejo de la sociedad en la que vivimos.

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Historia de la música: una guía resumida para estudiantes

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Este artículo es una guía resumida de la historia de la música, desde sus orígenes en la prehistoria hasta la evolución en el siglo XXI.

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Historia de la Música - Ep. 4: El Clasicismo

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ÓPERA

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EL CLASICISMO EN LA OPERA

Hacia mediados del siglo XVIII surge un nuevo estilo en la ópera: el clasicismo. El clasicismo en la ópera aparece como una evolución del estilo barroco. Todas las artes, y la música también, sufren la influencia de las nuevas ideas que trae consigo la Ilustración.

La Enciclopedia es el símbolo de esta nueva época cuyo espíritu aspira a cuestionar todo lo anteriormente establecido. Todo debe estar sujeto a la razón. La música también, y esto se puede ver en las óperas que sobresalen más en el periodo del clasicismo.

Ya vimos en artículos anteriores que el barroco había propiciado muchos excesos en la ópera, excesos a los que Gluck (1714-1787) puso coto con la reforma de la ópera, valorando más la expresión real de los sentimientos, desterrando todo aquello que había de artificial, inutil y supérfluo en el canto.

El clasicismo en la ópera tiene como objetivo primordial hacer disfrutar al público con la música. No tan sólo asombrar como vimos en el barroco. La ópera en el clasicismo es equilibrada, sugiere orden y unidad.

Durante la época del clasicismo, el público sintió un creciente interés por la música en general y por la ópera en particular. Esto hizo que los compositores acercaran las temáticas de sus obras a aquellas que tenían más interés para un máximo número de personas. Veremos como en el clasicismo hay un mayor número de óperas bufas, tratadas igual que las óperas serias, a diferencia de las etapas anteriores en las que las óperas de carácter cómico estaban reservadas para un público menos instruido y vulgar. Cimarosa y Mozart compusieron gran número de óperas bufas que están consideradas como auténticas obras maestras de la ópera. En este sentido aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia.

Los principales compositores de ópera durante el clasicismo fueron: Joseph Haydn, Domenico Cimarosa, Luigi Cherubini, Antonio Salieri, Wolfgang Amadeus Mozart y un poco más tarde Ludwig van Beethoven. Nombres de oro dentro de la historia de la ópera

Ludwig van Beethoven, nació en 1770, esto es en plena época del clasicismo, pero cuando escribe su única ópera, Fidelio, la ópera ya estaba derivando hacia el preromanticismo, pero se le puede considerar un compositor del clasicismo tardío, a pesar de que su contribución a la ópera fue mínima, en cuanto a número de óperas, no en lo que se refiere a calidad, porque Fidelio es una ópera bellísima. Lo podemos comprobar con el canon Mir ist so wunderbar del acto I, un ejemplo de música de ópera del clasicismo: todo equilibrio y armonía.

Este canon lo interpretan: Lucia Popp, Gundula Janowitz, Manfred Jungwirth y Adolf Dallapozza. Dirige: Leonard Bernstein, Orquesta Wiener Staatsoper, 1978.
En el blog se pueden encontrar muchísimas entradas con música de los compositores del clasicismo anteriormente citados, basta poner el nombre del compositor deseado en el buscador del blog y acceder a todos los artículos.
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ÓPERA

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La ópera fue una de las primeras creaciones del Barroco, periodo comprendido entre 1600 y 1750 aproximadamente, que comienza con Montev…

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MOZART

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Seguimos con la Semana de Mozart, como en Salzburgo. Las 50 curiosidades sobre el compositor que escribiré a continuación, tienen relación con una actividad que llamamos "Expediente de .." y de la que hablaré el próximo día. Con un poco de biografía que vimos las semana pasada en el Pasaporte Musical y los datos de hoy, tenemos material para ir conociendo un poquito al genio cuya música destaca por su gran naturalidad y melodías brillantes.

1. Nombre completo

Joannes Chrysostomus: se le bautizó por la costumbre católica de llamar al pequeño con el respectivo santo según el día de nacimiento. No usó estos nombres.

Wolfgangus: fue el primer nombre de su abuelo materno al que nunca conoció. Era el nombre que usaba la familia para referirse a él.

Theophilus: lo obtuvo por su padrino, el equivalente latino de Amadeus. Generalmente firmaba sus obras con Wolfgang Amadé Mozart (versión fancesa) aunque lo iba adaptando según el país al que viajaba.

2. Nacionalidad

Nació en Salzburgo, la capital de un principado similar a la ciudad del Vaticano hoy en día. Estaba gobernada por un príncipe-arzobispo y era parte del Sacro Imperio Romano Germánico. Para no rizar más el rizo, Mozart nació en un país que ya no exíste y que después de su muerte se convirtió en parte de Austria.

3. Casa natal

Getreidegasse es el lugar de nacimiento y donde vivió junto a su familia hasta los 17 años. Getreidegasse se encuentra en el corazón del centro histórico de Salzburgo, es la parte más concurrida de la ciudad y el segundo lugar más visitado por los turistas. La familia alquiló el 3º piso de la casa nº 9, un apartamento de 3 habitaciones. Probablemente sea el edificio más fotografiado y la calle es famosa por sus letreros de hierro forjado frente a las puertas. Actualmente, el edificio es un museo donde se puede descubrir fragmentos de la vida del compositor, el clavicordio original y los retratos que se conservan.

4. Su hermana Nannerl

Su hermana era 5 años mayor que él y compartieron habitación hasta cumplidos los 17 años en que la familia se mudó a un lugar más espacioso. Se vio obligada a abandonar una carrera musical igual de exitosa que la de su hermano, ya que su padre no juzgaba una carrera adecuada para una mujer. A los 18 años su padre la apartó de los escenarios y aunque seguía dedicada a la música y a componer en privado dejó de acompañar a su hermano en los conciertos.

5. Educación

Aunque Mozart nunca fue a la escuela, su padre como gran pedagogo se encargó no sólo de su formación musical. Mozart hablaba varios idiomas y era un estudiante aplicado. Mientras unos aprendemos a leer, contar y escribir, Mozart era capaz de leer una partitura y tocarla a la perfección.

6. Primeras composiciones

A los 6 años escribió 5 minuetos, 1 sonata y 1 allegro. Entre los 7-8 años, unas 50 obras. A los 11 escribió su primera ópera.

7. Primera Sinfonía

Su Sinfonía nº1 en Mib se compuso en 1764 (con 8 años de edad). Tardó 2 meses en completarla. Mientras se encontraban en Londres y el padre se recuperaba de una infección de garganta a los hermanos no se les permitió tocar el teclado. Para entretenerse Mozart compuso la obra mentalmente mientras su hermana la transcribía. Según su hermana, Wolfgang le dijo: " Asegúrate de recordarme que le dé al cuerno algo que valga la pena hacer"

8. Número de sinfonías que compuso

Un total de 41. Durante los primeros 18 años compuso 33 de ellas.

9. Su última Sinfonía

Se la conoce popularmente como la Sinfonía "Júpiter", la compuso en 1788 y es la nº 41 en Do M (K.551) El nombre de Júpiter se adjuntó a la pieza después de la muerte del compositor y en realidad Mozart nada tuvo que ver.

10. Fobia a un instrumento

Se dice que no podía soportar el sonido de las flautas. Teniendo en cuenta que llamó "La Flauta Mágica" a su querida ópera, resulta extraño que detestara este instrumento en particular. Sin embargo, en una carta escrita a su padre confesaba que escribía piezas para ellas solo por obligación o encargo. Y según solía decir Mozart:" Lo único peor que una flauta son dos flautas"

11. Instrumento que temía en su infancia

De pequeño tenía pavor a la trompeta por su sonido "demasiado fuerte"

12. Instrumento favorito.

Aunque Mozart dominaba el teclado y el violín, su instrumento favorito era el clarinete.

13. Su físico

Mozart medía alrededor de 1,50 m de estatura, era bastante bajito. Tenía los ojos marrones aunque en aquella época era habitual pintar los retratos con ojos azules. Su cara tenía marcas dejadas por la enfermedad de la viruela. No era como quien dice, un hombre guapo

14. Cosas de niños

Cuenta la leyenda que a la edad de 2 años identificó el sonido de un cerdo con el sol agudo.

15. Duelo Musical

En la Nochebuena de 1771 Mozart y Muzio Clementi se enfrentaron en una competición de piano. El emperador Jose II invitó al duque Pablo de Rusia y a su mujer a su casa organizando un concurso para entretenerles. Había que demostrar quién tocaba mejor al piano. Mozart acababa de llegar a Viena y Clementi ya disponía de mucha fama. Clementi tocó su Sonata en Si b Mayor Op.24 nº2 que diez años más tarde Mozart usaría el tema principal para la obertura de su ópera "La Flauta Mágica". Mozart sorprendió con el villancico "Campanitas del lugar" y sus variaciones con la que salió victorioso.

16. Madre de Mozart

Anna María Pertl era la tercera hija de un magistrado que murió cuando ella contaba con 3 años de edad. Anna María conoció a Leopold y se casaron en 1747 después de que consiguiera un puesto como violinista en la orquesta de la corte. Tuvieron 7 hijos de los cuales sobrevivieron dos: María Anna y Mozart, ambos prodigios. Acompañando a un adulto Wolfgang en una gira de búsqueda de trabajo en París, enferma repentinamente y tras varios día agonizando muere en París el 3 de Julio de 1778.

17. Qué instrumento tocaba el padre de Mozart

Leopold tocaba el violín y escribió un libro sobre su técnica.

18. Años de giras

La familia Mozart viajó durante 3 años por toda Europa exhibiendo tanto el talento de Mozart como el de su hermana. Mozart contaba con 7 años y su hermana 11. En 1769 se embarca en otra gira, esta vez viaja solamente con su padre.

19. Futura reina de Francia

Al comienzo de su gira, actuando en la residencia de verano de los Habsburgo, se dice que Mozart resbaló con el pulido suelo. Maria Antonieta 2 meses mayor que él lo ayudó a levantanse. A cambio, inocentemente el pequeño de 6 años le propuso matrimonio.

20. Johann Christian Bach

En Londres con 8 años conoce a Johann Christian Bach, el "Bach de Londres" , el hijo menor de J.S.Bach. Su influencia se refleja en las composiciones de esa etapa.

21. F. Josef Haydn

Haydn era ya un compositor célebre cuando conoció a Mozart en 1780. Entablaron una fuerte amistad y le dedicó el conjunto de 6 cuartetos (K.387-K.421-K.428-K.458-K.464 y K.465) conocidos como los cuartetos de Haydn. Los completó entre 1782 y 1785 mientras estaba en Viena. En su dedicatoria escribió:

"Para mi querido amigo Haydn. Un padre que había decidido enviar a sus hijos al gran mundo asumió el deber de confiarles la protección y guía de un hombre muy célebre, especialmente cuando este último, por buena fortuna, era al mismo tiempo su mejor amigo. Aquí están, oh gran hombre y querido amigo, estos seis hijos míos. Son, es cierto, el fruto de un largo y laborioso esfuerzo, pero la esperanza de que muchos amigos me inspiraron de que pueda ser compensada, al menos en parte, me alienta, y me complazco en que esta descendencia me proporcionará solaz día. Usted, usted mismo querido amigo, me contó su satisfacción con ellos durante su última visita a esta Capital. Es esta indulgencia, sobre todo, lo que me impulsa a recomendarlos y me anima a desear que no te parezcantotalmente indignos a tu favor. ¡Por lo tanto, te agradezco que los recibas amablemente y seas su Padre, Guía y Amigo! Desde este momento renuncio a todos mis derechos sobre ellos, rogándote, sin embargo, que mires con indulgencia los defectos que los defectos que la parcialidad del ojo de un Padre pudo haberme ocultado, y a pesar de ellos continuar en tu generosa Amistad para él, que lo valora mucho, a la esperanza de lo que soy, con todo mi Corazón, tu más sincero amigo, W.A.Mozart"

22. "Ante Dios y como hombre honesto, te digo que tu hijo es el compositor más grande que conozco"

Frase de Haydn que le dijo al padre de Mozart sintiéndose profundamente cautivado cuando escuchó por primera vez los cuartetos de Mozart en 1785.

23. El primer Copyright no autorizado

Cuando contaba con 14 años su padre lo llevó a Italia para asistir a la representación del "Miserere" de Gregorio Allegri quien musicalizó el salmo 51 donde el rey David pide perdón a Dios. Obra que según se cuenta, el Vaticano había prohibido bajo pena de excomunión copiar la partitura para que sólo pudiera ser interpretada en la Capilla Sixtina y en ocasiones solemnes. Pues el joven Mozart la escuchó y redactó la obra esa misma noche íntegra de memoria. No se sabe si la amenaza de excomunión era cierta pero lo que sí se sabe es que la difusión de la partitura estaba severamente restringida.

24. Caballero de la Orden de la Espuela de Oro

El Papa Clemente XIV fascinado por el músico le recompensó con la alta distinción pontificia de la Espuela de Oro.

25. Su primer trabajo

Su primer trabajo lo ocupó en un puesto bajo el mando del arzobispo Colloredo que lo trató como un mero sirviente y le pagaba mal.

26. Su primer amor

Durante el viaje a París con su madre, se enamoró de la soprano Aloysa Weber. La pidió que lo esperara mientras buscaba trabajo. Desgraciadamente la madre fallece y Mozart regresa a casa para estar con su padre y hermana.

27. Su primera novia

Mozart se sintió rechazado por Aloysa cuando se enteró de que se había casado con un actor y no lo esperó, entonces, cortejó a su hermana menor Constanze Weber que también era cantante y prima del compositor Weber.

28. Constanze Weber

Tenía 3 hermanas: Josepha, Aloysa (su primer amor) y Sophie, todas formadas como cantantes. Actuaron en varias obras de Mozart. La pareja se casó a pesar de la desaprobación del padre.

29. Relación padre-hijo

Mozart se casó si el consentimiento de su padre que se enteró del enlace por carta y no aceptó el matrimonio. Su relación se distanció, hasta tal punto que sólo se vieron un par de veces antes de la muerte de Leopold en 1787.

30. Hijos de Mozart

Tuvo 6 hijos de los cuales sobrevivieron dos: Karl Thomas y Franz Xaver (compositor) llamado así por el amigo y alumno de su padre Franz Xaver Süssmayr. Ninguno se casó ni tuvo descendencia.

31. Chistes de heces

Se conservan muchas cartas a parientes donde escribe con una extraña "afición" a mencionar bromas o chistes sobre las heces. ¿?

32.Hobbies

Su pasatiempo favorito era el billar.

33. Beethoven

Ludwig van Beethoven llegó a Viena en 1787. Contaba con 16 años y quería recibir clases de Haydn y Mozart. Después de una estancia de dos semanas se vió obligado a regresar urgentemente a Bonn cuando se entera por carta de que su madre se encuentra muy enferma. Beethoven volvió a Viena años más tarde pero Mozart ya había fallecido. Si se conocieron ninguno de los dos compositores dejó constancia del hecho.

34. Mascotas

Tuvo un estornino (ave) que trajo a casa de una tienda de mascotas. Y fue un compañero constante hasta que murió una semana más tarde que el fallecimiento de su padre el 28 de Mayo 1787. Lo enterró de forma grandiosa y hasta le dedicó un poema. También tuvo un perro, un canario y un caballo.

35. Su última ópera

"La Flauta Mágica" (K. 620) en dos actos, se estrenó en Viena el 30 de Septiembre 1791 y él mismo dirigió la orquesta. El papel de la "Reina de la noche" era interpretado por su cuñada Josepha. Tres meses después murió.

36. Logia masónica

Fue admitido como miembro de la logia "Beneficencia" en diciembre de 1784. Su ópera "La Flauta Mágica" aparentemente está basada en rituales masónicos. Encontró en la masonería una fuente de inspiración.

37. Causa de su muerte

Se mencionan muchas posibles causas, los expertos creen que probablemente fuera por fiebre reumática. Lo que se sabe es que sufría fuertes dolores de cabeza, fiebres y su cuerpo se había hinchado.

38. Salieri más amigo que rival

Es bien sabido que ambos compositores compartieron escenario y coloboraron juntos ocasionalmente, una prueba de ello es la Cantata conjunta "Per la ricuperata saluta di Ofelia" en 1785.

Entre 1781 y 1791 ambos compositores coinciden en la misma ciudad. Los primeros meses en Viena a Mozart le resultaron complicados y tuvo que dar clases de música para sobrevivir, cosa que detestaba. Salieri era más reconocido y respetado, difícilmente se podía competir con sus dotes de pedagogo que formó a alumnos como Beethoven, Schubert, Liszt y también al propio hijo de Mozart (Franz Xaver) tiempo después. Es cierto que Mozart deja constancia por carta a su padre del malestar que sentía por la preferencia de los alumnos a tomar lecciones de Salieri a las suyas. Además, nos llega un dato muy interesante sobre el carácter de Salieri: jamás cobró a un alumno en apuros. Enseñó gratis a casi todos.

39. Compositor hiperproductivo

Se le atribuyen unas 600 obras completas. 68 sinfonías (41 de ellas numeradas, el resto en trámites de investigación), 36 sonatas, 27 conciertos para piano, 26 sonatas para piano, 23 cuartetos de cuerda etc... Se estima que en un periodo de 30 años componía alrededor de 8 composiciones completas por año. Y eso que algunos años completó muchas más, por ejemplo, en 1772 realizó 15 composiciones, en 1780 un total de 16 y el año de su muerte 11 y un Réquiem que dejó sin terminar.

40. Quién concluyó su Réquiem

Süssmeyr, uno de los estudiantes y amigos de Mozart a quien había dado una serie de instrucciones. Lo completó después del fallecimiento del compositor.

41. La historia detrás del Réquiem

La historia del Réquiem en re m K.626 es digna de un libro cuyo protagonista es el conde Franz von Walsegg. Apasionado de la música y del teatro, en su castillo no faltaba la música así que conseguía muchas partituras de compositores a quienes pagaba bastante bien con una condición, que las obras quedaran a su nombre.

Como no le gustaban las partituras impresas mandaba copiarlas a mano y el nombre del compositor nunca se incluía, por lo que al ejecutarlas los músicos se le atribuían a él. El 14 de febreo de 1791 muere la condesa von Walsegg sin apenas cumplir los 21 años y en su honor mandó construir un mauseolo y un Réquiem para honrar su memoria que haría pasar por obra suya.

El misterioso mensajero de tal encargo a Mozart fue Johann Nepomuk, el abogado al servicio del conde que pagó por adelantado y negándose a revelar el nombre de quien hacía el encargo. Mozart se vio obligado a aceptar por dinero, su situación económica era precaria por las deudas y tenía varios encargos más, así que no tenía mucho tiempo que dedicarle al Réquiem. Es probable que le llevara componerlo un mes, cayó enfermo el 20 de Noviembre y sorprendió a Mozart con su propia muerte el 5 de Diciembre sin poder concluir la tarea.

Constanze, nada más morir Mozart solicitó al Gobierno una pensión y entre otras cosas se dedicó a comercializar cada partitura del compositor. Hizo que Franz Xaver Süssmayr la completara y realizó dos copias, una para el conde, y otra, para el editor musical de Leipzig con el fin de publicarla, sin saber que el conde, según el acuerdo, tenía los derechos exclusivos.

42. Relación con su hermana

En 1783 María Anna se casa, con la intromisión de su padre, con un rico magistrado y se instala en un pueblo cercano a Salzburgo. Permaneció muy unida a su padre, al que le puso su nombre a su primer hijo y lo dejó a su cuidado hasta que Leopold falleció. La relación con su hermano a quien había estado siempre unida se fue enfriando a pesar de que Mozart continuó enviándole cartas y obras para que siguiera tocando. A sus 50 años se queda viuda y vuelve a Salzburgo donde trabajó como profesora de música. En 1825 se queda ciega y cuatro años más tarde muere. De sus últimas alegrias suponemos que sería la visita de su sobrino Franz Xaver al que nunca había conocido y del que supo la trágica situación que pasó su hermano durante los últimos años de vida.

43. Catálogo Köchel

Es un listado cronológico de todas las obras de Mozart creado por Ludwig von Köchel en el siglo XIX. Cada obra lleva la abreviatura KV (Köchel Verzeichnist) catálogo Köchel en alemán, seguida del número de partitura. En inglés, lleva la abreviatura K.

Hay una nueva versión online completa en inglés actualizada de forma permanente en la web de la Edición digital de Mozart: https://dme-webdev.mozarteum.at/en/

44. Estatua de Mozart

Es un monumento en bronce de 3 metros de altura realizado por Ludwig Schwanthaler en 1842 y se inaguró en presencia de los hijos de Mozart. Se encuentra en la Mozartplatz en el corazón del casco antiguo de Salzburgo.

45. Frase de Mozart

"La música no está es las notas, sino en el silencio entre ellas."

46. Ópera Mozart y Salieri

Es una ópera en un acto de Nikolái Rimski-Korsakov inspirados en los versos de Aleksander Pushkin estrenada en Moscú en 1898. Narra la historia falsa de un Antonio Salieri que envenena a Mozart por celos.

47. Mozart en el cine

La popularidad de la figura del compositor inspiró al dramaturgo inglés Peter Schaffer en 1979 a escribir su obra de teatro "Amadeus" que contó con una adaptación al cine que alimentó más la ficción que la realidad. La película dirigida por Mulos Forman en 1984 ganó 8 Óscar y narraba supuesta rivalidad entre los compositores Mozart y Salieri enfrentados por la fama.

48. Proyecto de grabación

Phillip Classic produjo 180 discos dedicados a Mozart que contienen el conjunto completo de obras autenticadas del compositor, un total de más de 200 horas de música.

49. Cómo celebran en Salzburgo el cumpleaños de Mozart

Desde 1956, la fundación "Mozarteum Salzburgo" que gestiona los museos del lugar de nacimiento y residencia del músico, organiza anualmente una semana de conciertos todos los años llamada "Semana de Mozart", un festival internacional donde se dan cita los mejores artistas del mundo.

50. 250º Cumpleaños

El 27 de Enero de 2006 todas las campanas de Salzburgo se tocaron simultáneamente en honor a su 250 cumpleaños.

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Seguimos con la Semana de Mozart, como en Salzburgo. Las 50 curiosidades sobre el compositor que escribiré a continuación, tienen relación con una actividad que llamamos "Expediente de .." y de la que hablaré el próximo día.

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LA VIDA Y EL GENIO DE MOZART - En solo 10 minutos conocerás la historia de W.A. Mozart.

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MOZART vs SALIERI: la VERDAD detrás de la película AMADEUS

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Nacimiento del piano

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Publicado 5th Aug 2021 18:44:33 en Datos de la música

Tagged as: Piano

El piano es uno de los instrumentos más populares, expresivos y fascinantes. Ha cautivado a músicos y oyentes desde la época Renacentista y continúa ayudándonos a comunicar nuestras emociones como pocos instrumentos lo hacen. Son su versatilidad y continua evolución elementos que lo mantienen tan vigente; conoce una breve historia del piano.

El piano, también conocido como pianoforte, es uno de los instrumentos principales de la música occidental desde el último cuarto del siglo XVIII (Powers, 2003). Su diseño y la profundidad y dinamismo que éste provee al sonido emitido distinguió al instrumento desde su concepción. Con martillos alargados que golpean las cuerdas cuando se pulsa una tecla, el piano ajusta la intensidad de las notas dependiendo de la fuerza con la que el instrumento es tocado (Cox, 2015).

El dinamismo en el sonido que el piano produce ha contribuido a su popularidad: "El piano moderno es un instrumento extremadamente versátil y capaz de producir casi cualquier cosa que una orquesta puede tocar. Puede sostener timbres de forma lírica, creando todos los estilos musicales y temperamentos, con suficiente volumen para ser escuchado a través de casi cualquier ensamble musical" (Powers, 2003).

Los orígenes del piano

El primer instrumento con un teclado fue el órgano hidráulico o hydraulis, el precursor del órgano moderno, y se desarrolló en Grecia aproximadamente en el año 22 AC. Durante el siglo II DC., el órgano era utilizado en festividades importantes en Grecia y en el imperio romano; estos primeros teclados eran tocados con las manos, muñecas, rodillas, puños e incluso con los pies. Durante el siglo XIV y XV, se desarrollaron distintos tipos de instrumentos con teclados y cuerdas ("La historia del piano").

El piano es parte de la familia de instrumentos de teclas y su parecido -al menos en términos visuales- con el órgano es innegable. El órgano envía ráfagas de aire a través de pipas para producir sonido. Los músicos artesanos, sobre el concepto de teclas, desarrollaron un instrumento que se parecía aun más al piano, el clavecín (" La historia de la invención del piano ").

El clavecín y su resemblanza con el piano

El clavecín fue inventado en Italia en el siglo XV y se popularizó durante la era Renacentista en Francia, Alemania y Gran Bretaña. El funcionamiento de este instrumento es similar al del piano. Cuando una tecla se presiona, una válvula adjunta a una handa larga de madera jala la cuerda para producir el sonido en un rango de cuatro a cinco octavas. Elementos del clavecín, como el sistema de cuerdas, la caja de resonancia y la estructura del instrumento, tienen similitud con el piano ("La historia de la invención del piano").

El nacimiento del piano como lo conocemos

El piano moderno fue inventado por el músico y artesano italiano Bartolomeo Cristofori (1655-1731) que se dedicó al diseño y construcción de instrumentos musicales. El primer piano de Cristofori fue construido entre el año 1700 o 1698 con un teclado que lucia diferente; las teclas naturales eran negras y las alteraciones eran blancas. Un amigo de Cristofori, Sebastian Leblanc, sugirió cambiar las teclas con los colores como se utilizan hoy. En 1711, el poeta y periodista Scipione Maffei dio una primera y efusiva descripción de este nuevo instrumento, llamándolo "gravicembalo col piano, e forte" o "clavecín suave y fuerte". Ésta es la primera vez que a este instrumento se le llama por su nombre: pianoforte ("La historia del piano").

La innovación de Cristofori

Cristofori estaba insatisfecho por la falta de control de la que los músicos disponían sobre el nivel de volumen del clavecín. Entre su innovación, Cristofori cambió el mecanismo de punteo por uno de martillos ("La historia de la invención del piano"). En esta era, el piano tenía un tono más suave y etéreo que los pianos modernos ("Historia del piano").

Entre las innovaciones de Cristofori se encuentra un mecanismo de escape que permitía que la cuerda fuera golpeada más duro que en una clavecín, permitiendo que el martillo cayera lejos de la cuerda instantáneamente después de golpearla. También, logró evitar que este martillo de rápido movimiento rebotara y volviera a pegarle a la cuerda e integró un mecanismo que silenciaba la cuerda cuando ésta no estaba en uso, aislando la caja de resonancia de las partes de tensión para generar una vibración más libre. Finalmente, empleó cuerdas más gruesas y con niveles de tensión más altos que las de un clavecín (Powers, 2003).

Evolución del piano

Cristofori se distinguía por la meticulosidad y sofisticación en el proceso de diseñar y construir sus instrumentos. El inventor continuó resolviendo muchos problemas técnicos que mantuvieron a otros diseñadores de pianos rompiéndose la cabeza durante los siguientes setenta y cinco años. Sin embargo, su proceso era complejo y caro, lo que causó que muchos aspectos de sus pianos fueran simplificados por constructores en el siglo XVIII, muchos para ser reintegrados en décadas posteriores (Powers, 2003).

Los pianos Cristofori que sobreviven hoy se remontan a la decada de 1720 ("La historia del piano"). Dos de los instrumentos construidos por Cristofori en 1722 sobreviven. El primero se encuentra en el Museo degli Strumenti Musicali en Roma y un clavecín en Leipzig -ambos tienen un compás de cuatro octavas con las cuerdas afinadas unísono ("Historia de pianos"). Desde la perspectiva de diseño, el piano de Cristofori "logró hace tiempo algo sorprendentemente cercano a la perfección", afirma el pianista y músico de jazz Aaron Goldbert (Cox, 2015).

Después de la publicación del artículo de Scipione Maffei, muchos constructores de instrumentos se dieron a la tarea de crear sus propias adaptaciones. Gottfried Silvermann, conocido como constructor de órganos, comenzó a construir copias de los pianos Crostofori pero con una adición: Silvermann inventó el precursor del pedal amortiguador que se usa hoy. Éste levanta todos los amortiguadores de las cuerdas a la vez. Sin embargo, años después de que el piano fue creado, se le conocía como clavecín, lo que complica rastrear la fecha exacta de su aparición o saber si grandes compositores de la época como Scarlatti y Vivaldi sabían de su existencia ("Historia del piano").

Impacto del piano

Para finales del siglo XIV, tener un piano en casa se había convertido en una práctica común en familias de clase media y alta en Europa y Norte America. Los compositores más prominentes de la música occidental lo utilizaron y popularizaron: Franz Shubert, Ludwig van Beethoven, Robert Schuman y Franz Liszt, entre otros muchos. Cada uno descubriendo distintas texturas y matices del instrumento y, en cierto modo, reinventando su sonido.

Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas para dicho instrumento ("La historia del piano"). Al comenzar a escribir para el piano, músicos como Mozart y Muzio Clementi desarrollaron un estilo "pianístico" muy distintivo. De ese punto, el piano se convirtió en el medio preferido para música de salón, música de cámara, concierto y acompañamiento de canciones ("Piano").

Para mediados del siglo XVII, el piano vertical había reemplazado al piano cuadrado para uso doméstico. Esos primeros pianos verticales fueron hechos a medida del diseño de los clavecines verticales con las teclas alzándose a nivel del teclado. Estos eran altos y con formas elaboradas y elegantes. Al bajar las teclas a nivel del suelo, el renombrado inventor John Issac Hawkings hizo el modelo vertical más bajo e ideal para salas pequeñas ("Piano").

Durante el siglo XIX y XX, el piano continuó su evolución; la tensión de las cuerdas a 16 toneladas en 1862 aumentó hasta 30 toneladas en los instrumentos modernos. Esto resulto en un rango dinámico -sostenuto (habilidad de sostener un tono), y un tono spectrum, ambos eran desconocidos para grandes pianistas como Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven e incluso Franz Liszt ("Piano").

Más tarde en el siglo XX, comenzando en la década de los 30s, apareció el piano eléctrico que utilizaba métodos digitales y un amplificador o bocina; este concepto hizo el piano aun más accesible. De hecho, gracias a las tecnologías móviles y sintetizadores, el piano sigue tan presente como en el siglo XVIII (Cox, 2015).

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Referencias

Cox, E. "Después de 3 siglos, esto es por lo que el piano sigue mandando". Inc. 4 de mayo, 2015.
https://www.inc.com/edward-cox/why-the-piano-won-big.html

"Historia de pianos". Piano Technicians Guild. 1 de agosto, 2021. https://www.ptg.org/piano/history-pianos

"La historia de la invención del piano". Yamaha. 1 de agosto, 2021. https://www.yamaha.com/en/musical_instrument_guide/piano/structure/

"La historia del piano". Piano Keyboard Guide. 1 de agosto, 2021. https://www.piano-keyboard-guide.com/history-of-the-piano.html

"Piano". Britannica. 11 de junio, 2021.
https://www.britannica.com/art/piano

Powers, W. "El piano: el pianofortes de Bartolomeo Cristofori (1655-1731)". The Met. Octubre, 2003. https://www.metmuseum.org/toah/hd/cris/hd_cris.htm

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Una breve historia del piano | La Escala

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Historia de la Música del Piano, El CLASICISMO | HAYDN Y MOZART

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