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Eles integram a longa lista de santos católicos que ganharam o culto popular após o martírio, naqueles primeiros séculos em que o governo romano perseguia e executava cristãos. E, justamente porque não há documentação histórica, o que se sabe sobre eles é baseado na tradição, apenas.

Contudo, esta tradição é, sim, documentada. E começou há muito tempo, no coração de Roma. "A única coisa que sabemos historicamente sobre os dois é que o culto a eles, santos e mártires, começou entre o século 4º e o 5º. Há muita evidência sobre o culto", explica à BBC News Brasil o vaticanista Filipe Domingues, vice-diretor do Lay Centre, em Roma, e professor na Pontifícia Universidade Gregoriana, também em Roma.

O escritor e teólogo J. Alves, autor do livro 'Os Santos de Cada Dia', ressalta à reportagem que a dupla faz "parte da vasta lista de mártires cristãos da Igreja primitiva" e que "viveram provavelmente entre o primeiro e o terceiro séculos da era cristã".

Ele acrescenta que a memória deles só chegou ao tempo presente porque sempre houve o costume, dentro da Igreja, de "assinalar os nomes dos mártires" e "celebrar seus testemunhos de fé em Jesus" nas celebrações litúrgicas e no ofício divino. "No decorrer dos séculos e de acordo com a visão de cada época, a religiosidade popular recolheu, na mesma narrativa, ficção e fatos considerados genuinamente históricos, sobre suas vidas."

"O 'Martirológio Romano' [catálogo de santos e mártires organizado pela Igreja Católica] é a melhor fonte para a prova da existência deles", defende à BBC News Brasil o pesquisador José Luís Lira, fundador da Academia Brasileira de Hagiologia e professor na Universidade Estadual Vale do Aracaú, no Ceará. No livro, eles são apresentado como "mártires que, segundo a tradição, exerceram a medicina [...] sem pedir nunca remuneração e curando a muitos com os seus cuidados gratuitos".

Eles também estão registrados na obra 'Legenda Aurea', conjunto de narrativas sobre a vida de santos reunidas, por volta do ano de 1260, pelo então arcebispo de Gênova, Jacopo de Varazze (1229-1298). O livro apresenta Cosme como um modelo para os outros, "ornado de virtudes", "puro de todo vício". E Damião como alguém que "teve comportamento manso e doutrina elevada", além de ter sido "a mão do Senhor que cura como remédio".

A mais antiga basílica dedicada aos santos, na região do Foro Romano, foi erguida no século 4º - há quem acredite que sua construção tenha começado no ano de 309, mas o outros a situam na primeira metade do século 6º. "É com base nisso que a gente pode voltar para trás para chegar à história deles, aí com base na tradição", argumenta Domingues.

A maior parte dos relatos sobre eles diz que eram irmãos, e geralmente afirma-se que eram gêmeos. Acredita-se que eles tenham nascido onde hoje é a atual Turquia - ou, segundo algumas fontes, na região da Síria - e tenham atuado como médicos da época, perambulando e curando doentes. Com uma particularidade importante: não aceitavam pagamento por seus préstimos.

"É consenso, nas várias narrativas, que Cosme e Damião eram irmãos gêmeos e praticavam a arte da cura, ou seja, a medicina", pontua Alves.

"Pela tradição, eram médicos cristãos marcados pela habilidade da profissão da medicina. E não recebiam nada em troca pelo trabalho", corrobora à BBC News Brasil o pesquisador Thiago Maerki, associado da Hagiography Society, nos Estados Unidos.

Maerki explica que isso faz com que Cosme e Damião sejam integrados ao rol dos chamados "santos anárgiros". "Anárgiro significa inimigo do dinheiro", contextualiza. "Há uma tradição de santos que negavam o dinheiro, não aceitavam e combatiam a riqueza."

Evangelização e perseguição

Essa atuação, em forma de caridade, era acompanhada de evangelização. "Ao cuidarem dos outros de forma gratuita, eles difundiam a fé cristã", afirma Domingues. "Por causa disso, acabaram ficando conhecidos."

Não necessariamente isso era uma coisa boa, naqueles tempos. A crescente popularização deles teria despertado o interesse do imperador Diocleciano (243-311), justamente o responsável pela mais sangrenta perseguição aos cristãos. Assim, Cosme e Damião teriam sido executados, como mártires, provavelmente no ano 300. Segundo o livro 'Il Santo Del Giorno', de Mario Sgarbossa e Luigi Giovannini, a morte deles teria ocorrido na antiga cidade de Cirro, na Síria - hoje, em ruínas.

Alves diz que essa "grande fama" decorrente das curas "sem nada cobrar" contribuiu para atrair muitos "à fé cristã". De acordo com sua versão, isso incomodou o governador de sua região e este haveria determinado a morte da dupla, depois de torturas.

A maneira como os dois foram mortos também conta com detalhes diferentes conforme o relato. Mas todos parecem concordar que, depois de eles sobreviverem a uma série de suplícios, acabaram sendo mortos com golpes de espada.

Descreve o 'Il Santo Del Giorno' que "condenados à lapidação, as pedras voltavam contra os perseguidores; foram colocados no paredão para que quatro soldados os atravessassem com setas, mas os dardos voltavam para trás e feriam a muitos, porém os santos nada sofriam".

"Foram obrigados a recorrer à espada para decapitação, honra reservada só aos cidadãos romanos", prossegue o livro.

Doces para crianças

Muitos conhecem São Cosme e Damião pelo hábito popular que relaciona a dupla a ideia de presentear crianças com doces, principalmente no dia a eles dedicado - anteriormente e, em alguns lugares ainda por tradição, o 27 de setembro; desde 1969, segundo a Igreja Católica, em 26 de setembro.

Domingues aponta que esse costume é tipicamente brasileiro - e uma das explicações seria pelo sincretismo deles com religiões de matriz africana. O teólogo Alves explica que os antigos escravizados no Brasil, como forma de camuflar suas crenças, passaram a asscoiar seus orixás crianças, os Ibeijis, que também são gêmeos, aos santos católicos Cosme e Damião.

"Na matriz religiosa africana, eles são filhos de Xangô e Iansã", detalha. "Estão associados não apenas à força da natureza que faz brotar e sustenta a vida, mas também à festa, à alegria coletiva, ao divertimento e às brincadeiras infantis."

Lira interpreta a tradição dos doces "quase como um ex-voto, ou seja, um agradecimento aos santos por um milagre". "Como eles são venerados nas religiões, afro, nelas há um sentido de oferenda. Mas o importante é que, independentemente de religião, se oferece doces às crianças, e isso faz com que a tradição se perpetue", acrescenta ele.

Interessante notar que se houve, no Brasil, um sincretismo dos santos católicos com os orixás do candomblé, há quem acredite que a origem mítica de Cosme e Damião tenha a ver com outro sincretismo: o dos deuses pagãos do mundo antigo com o cristianismo ainda em fase inicial.

"No século 6º havia uma forte tendência de adaptar certos cultos pagãos para o cristianismo. Segundo alguns estudos, foi nessa época que houve a transposição da veneração de algumas figuras ligadas à tradição da medicina e da cura, para os santos cristãs", diz Maerki. "A ideia dos médicos santos e mártires teria sido uma espécie de adaptação dessa tradição pagã de veneração de divindades de cura."

Entre as figuras que teriam inspirado tais narrativas, está o deus helenístico-egípcio Serápis e Esculápio ou Asclépio, o deus da medicina tanto na mitologia grega quanto na romana.

Cura milagrosa

Se eles realmente atuavam como médicos ancestrais, em um tempo de parcos conhecimentos, é de se imaginar como isso acabava garantindo um terreno fértil para narrativas milagrosas. E, ao longo dos séculos, esses relatos cresceram em proporção e em detalhes.

Maerki destaca um dos mais famosos, o do transplante de uma perna. Uma das versões afirma que teria ocorrido já após a morte da dupla, depois que um sacristão acometido de hanseníase havia sonhado que era curado pelos santos. Outra narrativa conta que o suposto milagre teria sido praticado pessoalmente pelos dois, em vida.

"O sacristão padecia da enfermidade e sua perna estava toda corroída", relata Maerki. "Os irmão então teriam amputado sua perna apodrecida e transplantado no lugar o membro de um africano que havia morrido há pouco."

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Quem seriam Cosme e Damião, os médicos gêmeos da Antiguidade que se tornaram santos - BBC News Brasil

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Eles integram a longa lista de santos católicos que ganharam o culto popular após o martírio, naqueles primeiros séculos em que o governo romano perseguia e executava cristãos.

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A origem medieval das ordens mendicantes 

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A origem medieval das ordens mendicantes 

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https://www.bbc.com/portuguese/geral-63385222

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Edison Veiga

De Bled (Eslovênia) para a BBC News Brasil

Legenda da foto,

Obra de Domenico Ghirlandaio, feita no século 15, retrata o que seria a confirmação da ordem franciscana junto ao Vaticano

A Europa atravessava um momento de transição naquele período, o fim da chamada Baixa Idade Média. Depois do feudalismo rural ter experimentado seu auge, burgos começavam a ganhar espaço em um movimento de urbanização em que a velha divisão entre servos que trabalham, nobres que guerreiam e religiosos que rezam era insuficiente.

Uma classe de comerciantes, ainda incipiente, começava a ser visível. Ao mesmo tempo, pela própria natureza da organização da vida em cidades, a pobreza deixava de ser uma chaga escondida e passava a ser perceptível nos espaços públicos.

Para historiadores, este contexto foi o causador do surgimento das chamadas ordens mendicantes, organizações dentro da Igreja Católica que existem até hoje - entre as mais famosas estão os franciscanos e os dominicanos. Isto porque, para muitos religiosos de então, não fazia mais sentido a ideia de um religioso enclausurado, em um mosteiro distante no alto de uma montanha. Para eles, a Igreja não deveria se esconder dos problemas do mundo, mas sim ir de encontro a eles.

"Essas ordens surgem num momento de mudança do mundo rural, em que o mosteiro é uma unidade autônoma, longe das tentações do mundo, para a vida urbana", explica o historiador Alex Catharino, professor na Fundação da Liberdade Econômica. "É um momento de mudanças não apenas sociais, mas também artísticas, culturais e intelectuais."

Ele lembra que a partir do ano 1000, a Idade Média viu um momento em que havia Cruzadas e o renascimento do comércio. E isto "acarretou no ressurgimento da vida urbana, mudando o centro da vida espiritual para as catedrais e também da vida intelectual para as universidades", comenta o historiador.

"Nesse contexto que emergem as ordens mendicantes e elas começam uma expansão para toda a Europa, especialmente as cidades", acrescenta. "Os religiosos deixam a paz de estarem enclausurados para se lançar num esforço de maior evangelização do mundo fora do mosteiro."

Resposta ao tempo

"Esses frades responderam às novas necessidades de vida cívica que surgiam. Passaram a frequentar, principalmente, as cidades e atuar de forte modo nas universidades. Não é por acaso que a maioria dos teólogos deste período eram frades de ordens mendicantes, como é o caso de São Tomás de Aquino, dominicano, e São Boaventura, franciscano", enumera Catharino.

"E apesar dos votos de pobreza, não havia incompatibilidade entre a pobreza material e a riqueza espiritual e intelectual. Eles ajudavam pobres e doentes e também serviam a Igreja com a cultura literária e o estudo", diz o historiador.

Frei Marcelo Toyansk Guimarães, da Comissão Justiça, Paz e Integridade da Criação dos Frades Capuchinhos e assessor da Comissão Justiça e Paz da Conferência Nacional dos Bispos do Brasil, situa o nascimento das ordens mendicantes em um momento em que o chamado movimento pauperista era muito forte na Europa.

"A experiência religiosa dos mosteiros, mesmo os reformados como os cistercienses [da Ordem de Cister], não conseguia responder ao desenvolvimento cultural, social e econômico que se dava no período, com as cidades cada vez maiores e mais presentes", afirma ele.

"Se a realidade dos mosteiros era compatível com a vida rural, feudal, com as cidades crescendo, a resposta da Igreja veio nesse campo", comenta ele. "Havia uma Igreja poderosa e influente que, em contrapartida, não atendia ao surgimento da classe de comerciantes. Dessa realidade surgem os movimentos pauperistas."

Alguns desses grupos, como os cátaros e os valdenses, foram tachados de hereges pelos líderes do catolicismo. No caso deles, como explica Guimarães, havia uma negação do material. Mas com os dominicanos e os franciscanos, a postura de não enriquecimento tinha a justificativa de uma volta aos pobres, de um serviço apostólico e social.

Consideradas as ordens mendicantes mais antigas, elas surgiram mais ou menos ao mesmo tempo. Os franciscanos foram oficialmente fundados em 1209, sob o nome de Ordem dos Frades Menores, por Francisco de Assis. Os dominicanos, ou Ordem dos Pregadores, foram oficializados pela Igreja em 1216 - a instituição foi fundada por Domingos de Gusmão (1170-1221). Em 1218 foi criada a Ordem de Nossa Senhora das Mercês, ou os mercedários. A Ordem do Carmo, ou os carmelitas descalços, data de 1226.

"Elas têm em comum a adoção de uma vida mista, que une a vida contemplativa e vida ativa. Além da contemplação que era adotada pelos monges, esses frades também abraçavam a vida antes adotada por outros religiosos seculares, militares e hospitalares", contextualiza o historiador Catharino. "Esses frades adotavam ainda, além dos votos de obediência e castidade, o voto de pobreza, rejeitando para si a aquisição e acumulação de propriedades, abraçando a vida comunitária e vivendo de doações."

"Cada uma dessas ordens tem uma constituição, tem uma origem, tem uma natureza, uma finalidade e suas características. Cada uma tem um carisma a ser trabalhado. Mas todas nasceram em um contexto medieval", afirma frei Reginaldo Roberto Luiz, da Ordem dos Padres Mercedários em Roma.

"Os fundadores por excelência do fenômeno são os dominicanos e os franciscanos", pontua a vaticanista Mirticeli Medeiros, pesquisadora de história do cristianismo na Pontifícia Universidade Gregoriana, em Roma.

"Mas podemos enquadrar dentro desse novo estilo de vida os carmelitanos, agostinianos, trinitários, mercedários e tantos outros, que surgiram depois. Lembrando que o nome, 'mendicantes', é uma descrição feita pelos historiadores. Os franciscanos e dominicanos, em si, jamais atribuíram esse nome às suas ordens religiosas."

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Dominicanos e a Virgem Maria, em pintura de Miguel Cabrera, do século 18

Pobreza no centro da missão

"Essas novas ordens têm muito claro que é preciso ter a pobreza de modo central. Em vista de não enriquecer. São conhecidas como mendicantes por conta disso, dessa centralidade na vida apostólica", pontua Guimarães. "Não são mais monges, estão no centro da cidade. Vivem e se deparam muito mais com a pobreza, diferentemente da realidade do campo em que os pobres vivem muito mais afastados. Na cidade, as pessoas estão aglomeradas, e a pobreza é mais visível e provocativa."

Para sobreviver, eles recorrem à chamada "providência divina", traduzida por esmolas de benfeitores. Por isso o termo "mendicante". Guimarães explica, filosoficamente, que a ideia é "mendigar como justamente o ato de não ter propriedade, evitar a propriedade". Esses novos religiosos assumem um modo de vida despojado, muitas vezes itinerante. E, principalmente, um compromisso de que não cairiam novamente na "espiral de enriquecimento" que, àquela altura, contaminava o clero.

"Em Francisco de Assis essa percepção é central", afirma o frade. "Ao abraçar a vida religiosa, ele vê que não quer ser monge porque nota o enriquecimento dos mosteiros e o distanciamento dos mesmos. Propõe uma vida mais radical com a mensagem de Jesus, priorizando a doação, a ajuda ao próximo."

Mas se o surgimento das ordens mendicantes era para dar respostas a alguns problemas daquele momento histórico, é preciso ressaltar também que havia a necessidade de se posicionar perante uma questão que incomodava no cerne da própria Igreja: a corrupção da alta cúpula, que enriquecia às custas da fé e dos jogos de poderes.

"Foi uma resposta direta à corrupção da Igreja e ao desejo de recobrar o cristianismo das origens e a radicalidade da vivência do Evangelho", ressalta Medeiros. "Por isso que, nós, historiadores, identificamos esse movimento como uma manifestação."

Ela frisa que esses religiosos, em sua origem, "sustentavam um ideal de pobreza e de uma vida religiosa sem privilégios, vivendo somente da doação de fiéis". "Se tornaram um diferencial porque a referência da vida religiosa na época era a vida monástica, [cujos membros] acumulavam propriedades e tinham meios para garantir a própria subsistência."

Fora das paredes do claustro

Para o estudioso de cristianismo antigo Thiago Maerki, pesquisador na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp) e associado da Hagiography Society, nos Estados Unidos, o ponto importante é essa visão ao encontro do mundo que esses novos religiosos da época adotaram, ao contrário da "espiritualidade de reclusão" dos monges.

"As ordens mendicantes vieram com pregação, apostolado, assistência aos pobres. De certa forma retiraram a espiritualidade de dentro dos muros e a inseriram no meio do povo", compara ele. "Nesse sentido, foram pautadas pelo movimento urbano."

"Se antes a ideia era fugir do mundo, porque o mundo 'era pecaminoso', a novidade era ir em direção ao povo, em uma volta ao que fazia o cristianismo primitivo", ressalta Maerki.

Começo da reforma

Essa atitude de serviço e de vivência dos valores do evangelho fez com que essas ordens mexessem com o centro da Igreja. Era como um questionamento vindo de dentro para fora. Ao adotarem uma postura mais social e pobre, junto aos desfavorecidos, esses religiosos escancaravam a maneira com que muitos religiosos viviam, ostentando riqueza.

Para pesquisadores, isso acabaria sendo um dos fatores que, três séculos mais tarde, descambaria no movimento da reforma, em que o cristianismo acabou rachando e surgiram as igrejas protestantes.

"Elas [as ordens mendicantes] representavam, por excelência, o espírito da época", diz a vaticanista Medeiros. "É resultado de uma sucessão de fatos desde a reforma gregoriana [realizada entre 1073 e 1085], através da qual a própria hierarquia da Igreja sentiu a necessidade de mudanças. A Igreja, grosso modo, estava cansada de seu próprio mundanismo, digamos assim. Há quem diga, por exemplo, que Lutero [que fez a reforma protestante, em 1517] é fruto de todo esse espírito reformador que começava a se manifestar na Europa."

"As ordens mendicantes quebravam o círculo em que os religiosos não respondiam àquela época em que a pobreza crescia. Foi um movimento que pedia novas formas eclesiais", comenta Guimarães.

Nos tempos atuais, essas ordens ainda existem e desempenham seus trabalhos na sociedade. "Apesar de mudanças conforme o tempo foi passando, muito se mantém desse espírito medieval de unir a vida contemplativa e ativa, os votos de obediência e castidade e também de pobreza", avalia Catharino. "A Igreja não é estática. Tradição quer dizer, para muitos religiosos, a continuidade entre passado, presente e futuro."

Ele ressalta que, no entendimento desses religiosos, "defender a tradição não é cultuar as cinzas, mas passar adiante a chama". "Muitas dessas ordens se mantêm com o mesmo nome, mas atingem agora outras finalidades, principalmente trabalhos educacionais e obras sociais. Muitas paróquias e igrejas dessas ordens hoje tomam conta de escolas, preocupadas em evangelizar, principalmente em comunidades carentes e populações ribeirinhas", comenta Catharino.

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O que são as ordens mendicantes da Igreja, que cuidam dos pobres desde a Idade Média - BBC News Brasil

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Organizações dentro da Igreja Católica existem até hoje - entre as mais famosas estão os franciscanos e os dominicanos.

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Atividades econômicas dos judeus em Recife 

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Atividades econômicas dos judeus em Recife 

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Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco, mais leve e intimista que aquele e foi usado inicialmente em decoração de interiores. Primeiramente, desenvolveu-se na França, no século XVIII, e difundiu-se por toda a Europa. No Brasil, foi introduzido pelo colonizador português e sua manifestação se deu principalmente no mobiliário, conhecido por estilo "Dom João V". Na França, o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI.

Para alguns historiadores é um estilo que durou entre 1720 a 1780, ficou vigoroso até o advento da reação neoclássica, por volta de 1770, irradiou-se da França para o resto da Europa, principalmente na parte católica na Alemanha, na Prússia e em Portugal.

O termo rococó deriva do francês rocaille, que em português, por aproximação significa "concha", isso é significativo na media em que muitas vezes podemos perceber as linhas de uma concha associadas aos elementos decorativos desse estilo. Também pode ser associado à palavra "embrechado" que é uma técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizados originariamente na decoração de grutas artificiais.

A expressão "época das Luzes" é, talvez, a que mais frequentemente se associa ao século XVIII. Século de paz relativa na Europa, marcado pela Revolução Americana, em 1776, e pela Revolução Francesa, em 1789. No âmbito da história das formas e expressões artísticas, o Século das Luzes começou ainda sob o signo do Barroco. Quando terminou, a gramática estilística do Neoclassicismo dominava a criação dos artistas. Entre ambos, existiu o Rococó.

Para entender melhor os valores que essa tendência artística passa a refletir, é preciso voltar ao século XVII e verificar que durante o reinado de Luís XIV, ou seja, entre 1643 e 1715, a França viveu sob um governo centralizador e autoritário, que deu às artes uma feição clássica. Quando Luís XIV morreu, em 1715, a corte mudou-se de Versalhes para Paris e aí entrou em contato com os ricos e bem-sucedidos homens de negócios, financistas e banqueiros que, por nascimento, não pertenciam à aristocracia. Mas graças à riqueza que possuíam, tinham condições de proteger os aristas, atitude que lhes dava prestígio pessoal para serem aceitos na sociedade aristocrata. Tronaram-se, por isso, os clientes preferidos dos artistas que passaram a produzir quadros pequenos e as estatuetas de porcelana para uso doméstico, muito ao gosto da sociedade na época.

A arte rococó refletia, portanto, os valores de uma sociedade fútil que buscava nas obras de arte algo que lhe desse prazer e a levasse a esquecer de seus problemas reais. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã e da mitologia, pastorais, alusões ao teatro da época, motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos nas molduras.

Na ourivesaria, no mobiliário, na pintura ou na decoração dos interiores dos hotéis parisienses da aristocracia, encontram-se os elementos que caracterizam o rococó: as linhas curvas, delicadas e fluídas, as cores suaves, o caráter lúdico e mundano dos retratos e das festas galantes, em que os pintores representaram os costumes e as atitudes de uma sociedade em busca da felicidade, da alegria de viver e dos prazeres sensuais. Além disso, possui leveza, caráter intimista, elegância, alegria, frivolidade e exuberância.
ARQUITETURA
Durante o Iluminismo, entre 1700 e 1780, o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. Nos primeiros anos do século XVIII, o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma e para Paris. Na França surgiu com a obra do decorador Pierre Lepautre.

As principais características da arquitetura rococó no exterior são:

Menores proporções e normalmente edifícios com apenas dois andares baixos;

Fachadas mais alinhadas e alisadas, pois são abolidos os elementos clássicos decorativos (colunas, frontões e esculturas), mantiveram-se as balaustradas, as cornijas e os entablamentos, os ângulos retos foram suavizados por curvas;

Telhados de duas águas;

Portas e janelas maiores e com arcos de volta-perfeita;

Decoração exterior concentra-se nas portas e janelas, nas consolas (peça arquitetônica saliente que serva para colocar estatuetas e vasos, também chamadas de mísulas); e

Utilização de ferro forjado, em grades para jardins, lagos, portas e varandas.

Os jardins continuam a ser parte da arquitetura civil, tal como no barroco, e compõe-se de grandes relvados com arvoredos, esculturas, rampas e lagos, pavilhões de caça, pequenos apartamentos, pagodes chineses e quiosques turcos. Estes espaços servem de locais de reuniões íntimas com fogos de artificio, festas de máscaras e celebrações públicas.

Destacamos as características mais presentes no interior da arquitetura:

O salão principal é o centro das dependências à volta do qual há algumas salas secundárias e escadaria para o andar superior, onde ficam as divisões privadas dos donos da casa;

As divisões são baixas, pequenas, independentes, arredondadas e com pavimento parquet (tacos de madeira), iluminadas pelas portas-janelas, pelos vários espelhos e pelos candeeiros e lustres;

A decoração das divisões é feita com diferentes tipos de móveis: cômodas, escrivaninhas, grandes relógios, poltronas, etc. Em cima deles eram colocados bibelôs de prata e porcelana;

Uso de materiais que pintados imitam mármores;

As paredes são cobertas de decoração com cores claras, misturando-se com dourado e prateado das molduras das telas, tapeçarias, afrescos e relevos; e

Os cantos e os limites das paredes desaparecem totalmente sob esta decoração imensa e pela utilização dos sofitos - superfícies curvas que ligam o teto às paredes.

São exemplos dessa arquitetura, o Hôtel de Soubise, construído por Germain Boffrand e decorado por Nicolas Pineau, em Paris, entre 1736 e 1739 e o Petit Trianon, construído por Jacques-Ange Gabriel, em Versalhes, entre 1762 e 1768.

O Hôtel de Soubise, sobretudo o Salão da Princesa, é um exemplo típico do estilo rococó Nicolas Pineau criou um estuque, frisos, que emolduram quadros e espelhos, guirlandas que se entrelaçam em sucessivas linhas curvas, enfim, um ambiente tão decorado que o olhar do observador é atraído sucessivamente para os mais diversos detalhes.

Em terras alemãs, o estilo barroco vindo da Itália penetrou lentamente e só conseguiu plena afirmação no século XVIII, quando a Itália á se encontrava, por sua vez, assimilando as influências do rococó. Por esse motivo, é difícil estabelecer a distinção entre os estilos barroco e rococó na Alemanha.

A maioria dos edifícios barrocos da Alemanha foi construída no sul católico, por volta de 1710-50, após a devastadora Guerra dos Trinta Anos. Os construtores de igrejas na Bavária foram especialmente influenciados pelo estilo rococó, exibindo uma mistura entre as diversas artes.

Os irmãos Asam - Cosmas Damian (1686-1739), pintor de afrescos e o escultor Egid Quirin Asam (1692-1750) - combinaram seus talentos em igrejas com iluminação melodramática, espaços ilusórios e apelo emocional. O altar da Igreja do Mosteiro de Assunção, em Rohr, inclui uma imagem da Virgem Maria, que realmente paira no ar. Iluminada lateralmente e sustentada por barras ocultas, ela levita como se por milagre.

Os irmãos Zimmermann - Dominikus e Johann - projetaram abadias e igrejas de peregrinação em estilo rococó, como o famoso Die Wies (1745-54), na Bavária. A mistura das cores branca e rosa, delicada como porcelana predominou na igreja que se assemelha a uma caixa de joias.

O mais rococó de todos foi o Pavilhão de Amalienburg de François Cuvilliés (1734-39), em Nymphenburg. O antigo anão da corte e brilhante projetista criou uma sala circular, com aproximadamente 15m de diâmetro, revestida por vidros. Madeiras esculpidas e filigranas em prata descem pelas paredes com displicência. Os ornamentos em estuque (esculpido por Johann Zimmermann), como harpas, violinos, borboletas e pássaros emprestam uma aparência suave. Com fundo em azul pálido, a sala possui uma delicadeza etérea que desmente o seu propósito. O exterior da agradável cúpula do pavilhão era um posto de caça ao faisão.

O maior mestre barroco da Alemanha foi Balthasar Neumann (1687-1753). Engenheiro por treinamento, ele projetou o Palácio Episcopal em Würzburg, entre 1737 e 1742. Outra obra-prima de Neumann é a igreja de Vierzehnheiligen (Igreja dos Catorze Santos Auxiliares), erguida na Baviera entre 1732 e 1772. Ela é formada por planos ovais contínuos do piso à abóboda, com iluminação entrando pelas janelas transparentes. A decoração rococó invade o espaço, criando uma sensação de movimento.

Entre aproximadamente 1690 e 1730, a Áustria produziu a sua cota de fantásticos edifícios nos estilos barroco e rococó. Johann Fischer Von Erlach (1656-1723) foi um classicista que combinou a contida decoração interior com elementos fantásticos da Antiguidade. No lado externo do pórtico em forma de Panteon do seu Karlskirche (iniciado em 1716), em Viena, encontram-se duas torres gêmeas, como algo nunca visto desde as Colunas de Trajano.

Em Potsdam, nos arredores de Berlim, fica o fabuloso Parque Sanssouci, um dos mais belos complexos palacianos da Europa. O Palácio Sanssouci é a construção mais antiga do enorme parque, que possui 287 hectares. Construído em estilo rococó entre 1745 e 1747 para ser a residência de verão de Frederico, o Grande, rei da Prússia. O palácio possui um belo jardim, a leve colina foi cortada em terraços e cada degrau recebeu videiras protegidas por 168 portas envidraçadas.

Profusão, sensualidade e divertimento davam o tom fundamental do barroco alemão e austríaco, complexo e dinâmico como a música de Bach ou Haydn. O rococó era alegre como uma ópera cômica de Mozart.
PINTURA
A pintura do Rococó divide-se em dois campos nitidamente diferenciados. Um deles forma um documento visual intimista e despreocupado do modo de vida e da concepção de mundo das elites europeias do século XVIII, e o outro, adaptando elementos constituintes do estilo à decoração monumental de igrejas e palácios, serviu como meio de glorificação da fé e do poder civil.

Apesar de seu valor como obra de arte autônoma, a pintura rococó era concebida muitas vezes como parte integrante de uma concepção global de decoração de interiores. Começou a ser criticada a partir de meados do século XVIII, com a ascensão dos ideais iluministas, neoclássicos e burgueses, sobrevivendo até a Revolução Francesa, quando então caiu em descrédito completo, acusada de superficial, frívola, imoral e puramente decorativa.

A partir da década de 1830, voltou a ser reconhecida como testemunho importante de uma determinada fase da cultura europeia e do estilo de vida de um estrato social específico, e como um bem valioso por seu mérito artístico único e próprio, onde se levantam questões sobre estética que floresceriam mais tarde e se tornariam centrais para a arte moderna.

O Rococó denota uma nova maneira de viver e sentir a arte. Os temas trazem cenas pastoris, festas galantes, traduzindo amor, sedução, erotismo e hedonismo (doutrina filosófica que faz do prazer o objeto da vida). Temas tratados de forma ligeira e superficial, com referência à deuses e a pequenos cupidos. Teatralidade próprias do estilo rococó, opostas à ansiedade e tristeza do barroco.

A tradição do retrato continuou, mas tornou-se mais histórico, sereno, burguês, sensível, psicológico, delicado de tons suaves e gradações cromáticas que fazem lembrar o sfumato renascentista.

As composições são próprias para decorar interiores e, por isso, são exuberantes e rítmicas. Fazem parte da composição elementos marinhos, como conchas e ondas, as cores são baseadas nos brancos, azuis, rosas, nacarados do mar e das conchas. Trazem leveza e graciosidade dos gestos, movimento, ritmo e sentido cênico.

Dentre os pintores deste período, destacamos:

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) era oriundo de Valenciennes, mas instalou-se em Paris, onde faleceu aos 37 anos de idade, de tuberculose. É considerado um verdadeiro mestre da pintura rococó francesa. Seus personagens são joviais e parecem dedicados ao gozo das coisas boas da vida, à busca de uma cultura perfeita e da alegria de um viver tranquilo. Ele começou a pintar suas próprias visões de uma vida divorciada de todas as privações e trivialidades, uma vida fictícia de alegres piqueniques em parques de sonho onde nunca chove, de saraus musicais onde todas as damas são belas e todos os enamorados graciosos, uma sociedade em que todos se vestem de sedas sem ostentação, e onde a vida dos pastores e pastoras parece ser uma sucessão de minuetos. Mas há um toque de tristeza e melancolia, certo ar de tédio em meio ao prazer. Tal como Rubens, a quem ele admirava. Watteau era capaz de transmitir a impressão de carne palpitante através de uma pitada de giz ou cor.

Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) foi mais racional e pintou cenas de gênero e naturezas-mortas reveladoras da vida cotidiana. Tinha uma situação econômica melhor do que a de Watteau. Esse fato permitiu-lhe uma criação mais livre independente dos favores da corte e das expectativas artísticas da aristocracia. Por isso, seus quadros, em vez de apresentarem o mundo fantasioso e frívolo dos cortesãos, retratam cenas da vida cotidiana e burguesa da França. A principal característica de Chardin é a sua composição nítida e unificadora de todos os elementos retratados. A pintura dele conserva o mesmo toque luminoso de Watteau, mas os temas de interesse desse dois artistas, apesar de pertencerem ao mesmo movimento artístico, são muito diferentes.

François Boucher (1703-1770) pintou expressões ingênuas e maliciosas em suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica, mas a alegre descontração do estilo rococó. Além dos quadros de caráter mitológico, pintou, sempre com grande perfeição no desenho, alguns retratos, paisagens ("O Casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio").

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), francês, desenhista e retratista de talento, Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza, de cenas galantes em paisagens idílicas. Foi um dos últimos expoentes do período rococó, caracterizado por uma arte alegre e sensual, e um dos mais antigos precursores do impressionismo.

Canaletto (1697-1768) seu nome era Giovanni Antonio Canal, era filho do pintor Bernardo Canal, daí o apelido Canaletto. Pintor veneziano requintado, sutil, minucioso e sóbrio. Destaca-se da sua pintura o tratamento da luminosidade e suas paisagens urbanas de Veneza sob o ângulo barroco, captando a visão de suas ruas e canais, envoltos em luzes e sombras. Em 1730, passou a usar a câmara escura, um instrumento óptico que permitia a passagem dos raios solares por uma lente e refletia a imagem que se queria pintar, como base de suas obras. Conseguiu assim mais precisão no desenho, mais luminosidade e um contraste mais brilhante entre as cores. Morou na Inglaterra (1746-1755), onde o cônsul inglês em Veneza, Joseph Smith, apresentou o artista a importantes clientes que desejavam paisagens de Veneza como recordação de viagem.

Giambattista Tiepolo (1696-1770) italiano, de Veneza, foi o mais importante dos decoradores rococó. Uma das suas obras primas é o teto da escadaria do Palácio Episcopal de Würzburg, que ilustra o rococó como uma manifestação de puro deleite, há extraordinária diversidade dos seres, pois a pintura representa os quatro continentes: Europa, Ásia, América e África. As alegorias imaginadas por Tiepolo parecem unir-se num cortejo para expressar as belezas próprias de cada região da terra: na África, estão imponentes avestruzes e camelos; na América, lindas jovens com coares de penas coloridas cavalgam exóticos crocodilos; e na Ásia, tigres e elefantes majestosos fazem parte de um rico desfile.

Francesco Guardi (1712-1793) pintou cenas imaginárias onde mistura o real e o surreal. A arquitetura é fantasiada e já pinta com uma cor e luminosidade quase impressionista. As primeiras obras dele guardam nítida influência com as obras de Canaletto e Lucas Carlevarijs. Com o passar do tempo, no entanto, o pintor se dirigiu rumo à criação de um estilo próprio.

Fazendo largo uso do sfumato e da chamada pittura di tocco, estilo baseado em pequenas e enérgicas pinceladas pontuais, o artista criou um estilo de pintura mais solto, em contraposição às pinturas sólidas e organizadas de Canaletto e Tiepolo.
ESCULTURA
Na escultura e na pintura da Europa oriental e central, ao contrário do que ocorreu na arquitetura, não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó, quer cronológica, quer estilisticamente.

Mais do que nas peças esculpidas, é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas, cada uma com existência própria e individual, que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas.

Aparecem novos cânones estéticos:

As linhas curvas e contracurvas do barroco continuam, tornam-se mais delicadas e fluídas, organizadas em S ou em C, ou contracurvas duplas;

Em relação à figura humana, utiliza-se o cânone anatômico maneirista (corpo alargado e silhueta caprichosa), mas dão leveza e graciosidade aos gestos, atitudes e posições, tornando-os sempre de certa forma galantes, cortesãos e muito elegantes;

Grupos escultóricos em que as composições têm movimento e ritmo, um sentido cênico faz o enquadramento da escultura como cenário a ela destinado.

Os escultores têm preferência pelas esculturas decorativas e ornamentais que complementam a arquitetura, de forma a cobrir todas as estruturas e superfícies. A estatuária de pequeno porte, destinadas às decorações dos interiores, com pequenos objetos, sem função utilitária (bibelôs, bustos, estatuetas religiosas, composições mitológicas e alegóricas).

Recuperam-se materiais que até então tinham sido ignorados - madeira, argila, gesso, ouro e prata, porcelana (biscuit), este último foi o verdadeiro material do rococó, foi extremamente popular e o mais usado para a produção de pequenas esculturas.

Nas grandes obras escultóricas são utilizados pedra e bronze e nas esculturas de pequena dimensão e objetos ornamentais são usados o bronze, o ouro, a prata, porcelana, na decoração mural, a argila, a madeira, estuque e gesso.

Abandonam-se os temas sérios e nobres e dá-se preferência aos temas menores, irônicos, alegres, jocosos, sensuais e galantes, na estuaria de pequenas dimensões, já na estatuária monumental, os temas são comemorativos e honoríficos. Nos temas mitológicos preferem-se os deuses menores e nos temas profanos dá-se mais valor aos aspectos mais íntimos do cotidiano, em gestos galantes, graciosos e requintados. O tema religioso (usado sobretudo na Alemanha) mantém-se, mas é tornado menos sério, utilizando-se roupagens mais luxuosas e poses galantes.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828) foi escultor francês que destacou varias esculturas retratando personagens importantes da história francesa e universal, como Voltaire e Diderot.

Johann Michael Feichtmayr (1709-1772), escultor alemão, membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque, distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho, obras-primas dos interiores rococós.

Ignaz Günther (1725-1775), escultor alemão, um dos maiores representantes do estilo rococó em seu país. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. "Anunciação", "Anjo da guarda", "Pietà".

No rococó também se destacou a criação das estatuetas decorativas, a partir da invenção da porcelana por dois cientistas alemães, Tischirnhaus e Boettger, em 1708. Já em 1709 apareceram as primeiras pelas decorativas em porcelana. Durante o século XVIII, os escultores rococós alemães, franceses, italianos e espanhóis criaram modelos para a manufatura de estatuetas, reproduzindo temas mitológicos, campestres e da sociedade cortesã.

Desses escultores decorativos, destacamos:

François Boucher (1703-1770) francês, nascido em Paris, foi pintor, gravador e desenhista das porcelanas reais. É conhecido por suas pinturas idílicas, pelans de volume e carisma, que recorriam aos temas mitológicos e evocavam a Antiguidade Clássica. Teve vários patronos, entre eles Madame de Pompadour.

Étienne Maurice Falconet (1716-1791), francês, nasceu em uma família pobre Primeiro foi aprendiz de carpinteiro, mas algumas de suas figuras de barro, com que ocupava suas horas de lazer, atraíram a atenção do escultor Jean-Baptite Lemoyne, que fez dele seu aprendiz. A influência do pintor François Boucher e do teatro e ballet são igualmente nítidas em suas formas doces, elegantes e eróticas. Além de trabalhar em Sévresm foi convidado por Catarina, a Grande, em 1766, para trabalhar em São Petersburgo, onde executou uma estátua colossal de Pedro, o Grande, em bronze, conhecida como o Cavaleiro de Bronze.

No mobiliário, o estilo Luís XV se desenvolve na França durante o seu reinado, entre aproximadamente 1730 e 1750-60 (não englobando todo o período do reinado até 1774). Este estilo é influenciado pelas linhas fluidas e graciosas do rococó e pelo seu repertório de motivos ornamentais, situando-se entre o estilo regência, onde já dá os primeiros passos, e o estilo Luís XVI, que se caracteriza por uma maior rigidez e austeridade. Estilo próprio de uma elite aristocrática e intelectual, amante da alegria, do natural e do convívio.

Biscuit é um tipo especial de porcelana que é cozida por duas vezes e não é vidrada. Material preferido na produção de pequenas e esculturas. Tornou-se o verdadeiro e inato material do rococó.

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Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco, mais leve e intimista que aquele e foi usado inicialmente em decoração de interiores. Primeiramente, desenvolveu-se n...

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A arte barroca estendeu-se por todo o século XVII e pelas primeiras décadas do XVIII. A sua difusão abrangeu quase toda a Europa e a América Latina. Estes são, porém, seus limites máximos. O aparec...

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Nas duas últimas décadas do século XVIII e nas três primeiras do século XIX, uma nova tendência estética predominou nas criações dos artistas europeus. Trata-se do Neoclassicismo (neo = novo), que expressou os valores próprios de uma nova e fortalecida burguesia, que assumiu a direção da Sociedade europeia após a Revolução Francesa e principalmente com o Império de Napoleão.

Nas palavras de Edgar Allan Poe "a glória que foi a Grécia, e a grandeza que foi Roma".

Esse reviver do austero Classicismo na pintura, na escultura, na arquitetura e no mobiliário constituiu uma clara reação contra o enfeitado do estilo rococó.

O século XVIII tinha sido a Idade das Luzes, quando os filósofos pregavam o evangelho da razão e da lógica. Essa fé na lógica levou à ordem e às virtudes "enobrecedoras" da arte neoclássica.

O iniciador da tendência foi Jacques-Louis David pintor e democrata francês que imitava a arte grega e romana para inspirar a nova republica francesa. A Arte "politicamente correta" era séria, ilustrando temas da história antiga ou da mitologia, em vez da frivolidade rococó.

Em 1783, a mania da arqueologia varreu a Europa, à medida que as escavações em Pompéia e Herculano ofereciam a primeira visão da arte antiga bem preservada levaram ao exagero da imitação da vida grega da antiguidade chegando ao ridículo em atitudes.

A linha mestra do estilo neoclássico eram as figuras severas, desenhadas com exatidão, que apareciam em primeiro plano, sem a ilusão de profundidade dos relevos romanos. A pincelada era suave, de modo que a superfície da pintura parecia polida e as composições eram simples, para evitar o melodrama rococó. Os fundos, em geral, incluíam toques romanos, como arcos ou colunas, e a simetria e as linhas retas substituíam as curvas irregulares.

As antigas ruinas também inspiraram arquitetura. Imitações dos templos gregos e romanos se multiplicaram da Rússia à América. O pórtico do Panteon de Paris, com colunas e cúpulas coríntias, copiava exatamente o estilo romano. Em Berlim, o portão de Brandenburgo era a réplica da entrada da Acrópole de Atenas, com uma carruagem romana em cima.

Resumem-se as principais características:

Retorno ao passado, pela imitação dos modelos antigos greco-latinos;

Academicismo nos temas e nas técnicas, isto é, sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes;

Arte entendida como imitação da natureza, num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles;

Estilo sóbrio, antidecorativo, linear, antissensual, volta-se ao desenho, simplicidade da natureza, nobre, sereno, histórico.

ARQUITETURA
Os fundadores da jovem ciência da arqueologia proporcionaram as bases documentais dessa nova arquitetura de formas clássicas.

Surgiram assim os edifícios grandiosos, de estética totalmente racionalista: pórticos de colunas colossais com frontispícios triangulares, pilastras despojadas de capitéis e uma decoração apenas insinuada em guirlandas ou rosetas e frisos de meandros.

Utilização de materiais nobres tradicionais como mármores, granito e madeira, e modernos como ladrilho cerâmico e ferro fundido, de baixo custo e maior funcionalidade.

Sistemas de construção simples (trilítico) ou complexos, estruturados a partir do arco de 180 graus de inspiração romana e adaptados aos modernos processos técnicos.

Tetos planos, abóbodas e berço ou de aresta emoldurada e cúpulas nas zonas centrais das construções e assentes em tambores rodeados de colunas com entablamentos circulares.

As cidades tiveram de se adaptar a essas construções gigantescas. Desenharam-se largas avenidas para abrigar os novos edifícios públicos, academias e universidades, muitos dos quais conservam ainda hoje a mesma função.
ESCULTURA
Os escultores neoclássicos foram marcados pelo rigor e pela passividade e sua produção academicista é considerada fria. Estátuas de heróis uniformizados, mulheres envoltas em túnicas de Afrodite, ou crianças conversando com filósofos, foram os protagonistas da fase inicial da escultura neoclássica. Mais tarde, na época de Napoleão, essa disciplina artística se restringiria às estátuas equestres e bustos focalizados na pessoa do imperador. A referência estética foi encontrada na estatuária da antiguidade clássica, por isso as obras possuíam um naturalismo equilibrado.

Respeitavam-se movimentos e posições reais do corpo, embora a obra nunca estivesse isenta de certo realismo psicológico, plasmado na expressão pensativa e melancólica dos rostos. A busca do equilíbrio exato entre naturalismo e beleza ideal ficava evidente nos esboços de terracota, nos quais os volumes e as variações das posições do corpo eram estudados com cuidado. O escultor neoclássico encontrou o dinamismo na sutileza dos gestos e suavidade das formas.

Quanto aos materiais utilizados, os mais comuns eram o bronze, o mármore e a terracota, embora, a partir de 1800, o mármore branco, que permitia o polimento da superfície até a obtenção do brilho natural da pele, tenha adquirido preponderância sobre os demais. Entre os escultores mais importantes desse período destacam-se o italiano Antonio Canova, escultor exclusivo da família Bonaparte, e o dinamarquês Bertel Thorvaldsen, que chegou a presidir a Accademia di San Lucca, em Roma.
PINTURA
A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana, sobretudo em Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição.

Características da pintura:

Formalismo na composição, refletindo racionalismo dominante;

Exatidão nos contornos; sobriedade nos ornamentos e no colorido, pinceladas que não marcavam a superfície, dando à obra um aspecto impessoal onde predominava o desenho sobre a cor;

Harmonia e equilíbrio do colorido.

Os maiores representantes da pintura neoclássica são:

Jacques-Louis David (1748-1825) pintor francês, foi considerado o pintor da Revolução Francesa, mais tarde, tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. Durante o governo de Napoleão, registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo, mas algumas delas exprimem fortes emoções. David demonstrou a diferença entre o velho e o novo através do contraste dos contornos retos e rígidos dos homens com as formas curvas, suaves das mulheres. Situou cada figura como uma estátua, iluminada por um feixe de luz, contra um fundo simples de arcos romanos. Com o fim de assegurar a precisão histórica, vestiu manequins com roupas romanas e fez capacetes romanos para então copiar. Por três décadas a arte de David foi o modelo oficial do que considerava ser a arte francesa e, por extensão, a arte europeia.

Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) francês, pintor que foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. Ingres acreditava que a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. Ardoroso defensor da pureza das formas, ele afirmava, por exemplo, que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir.

"A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola", repetia a seus alunos. Sua obra abrange, além de composições mitológicas e literárias, nus, retratos e paisagens, mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo, principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Amante declarado da tradição. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix, contudo foi Ingres, e não o retórico e inflamado Delacroix, o mais revolucionário dos dois. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de seus retratados, na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles, numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados, rendas, flores e joias.

O termo Neoclássico foi criado no século XIX com rótulo pejorativo para denunciar o vazio e a carência, consequentemente para encontrar a beleza racional é necessário estudar em academias, isso acabava sufocando a liberdade artística.

O aparecimento do Neoclassicismo também se deu pela ação de Winckelmann, Mengs e Piranesi que estudaram in loco as ruínas de Roma entre outras cidades, assim como as coleções do Vaticano. A partir dos estudos destas coleções, Winckelmann, arqueólogo alemão, publicou o livro História da Arte na Antiguidade (1764). Mengs e Piranesi contribuíram para o estudo das civilizações ao realizarem gravuras e pinturas dos mais importantes monumentos de Roma. Todos esses documentos foram importantes centros de informação e elementos de estudos e ensino nas Academias.

Winckelmann (1717-1768) sob a influência das descobertas de Pompeia, escreve o livro "Pensamentos sobre a Imitação das Artes Gregas" onde teoriza os princípio do Neoclassicismo. Para ele, a beleza não pode ser encontrada na natureza, porque esta é imperfeita. Por isso, o artista deve procurar "o belo ideal", seja, a síntese abstrata de todas as belezas. Entretanto essa busca é vã, uma vez que esse ideal já foi atingido e elevado ao máximo pelos antigos gregos; a tarefa do artista é, portanto, imitar a Antiguidade. Prega ainda pela volta aos temas gregos, o abandono da ilusão de movimento nas obras de arte, assim elas se aproximariam da imobilidade majestosa das antigas estátuas. Com isso, o artista deixa de ser um criador para tornar-se um mero copista da Antiguidade.

De fato, o que Pompeia pusera à luz do dia não era a verdadeira ate clássica da Grécia, mas um classicismo romano que copiava obras gregas. As ideias de Winckelmann se impõem de tal maneira que a arte se converte numa "grecomania", desprezando o gótico como sendo um estilo bárbaro, assim como o barroco e o rococó como estilos ligados ao poder do Ancien Régime.

Com o início das escavações de Pompeia, no início do século XVIII, começou a arqueologia moderna.

Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que, no ano de 79 d.C., foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. A cidade de Pompeia, coberta não de lava fluída, mas de lapilli (pedaços de lava, ficando soterrada e conservada). As escavações começaram em 1748, emocionando toda a Europa, a maior parte dos objetos encontrados foi confiada ao Museu de Nápoles, hoje Museu Arqueológico Nacional de Nápoles. Depois de 1860, as escavações foram dirigidas com sucesso cada maior, pelo arqueólogo italiano Giuseppe Fiorelli (1823-1896).

Diante daquelas construções, num erro de interpretação, os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco, ocasionando a construção de tantos edifícios brancos, como por exemplo, a Casa Branca nos Estados Unidos.

Outro ponto é que o classicismo de Winckelmann era evidentemente falso. Negando que as estátuas gregas tinham sido pintadas, criou uma antiguidade pálida, como de gesso, da qual todos os elementos dionisíacos e órficos de espírito grego ficavam excluídos: uma antiguidade grega bastante racional, capaz de agradar eruditos de gabinete e burgueses.

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Nas duas últimas décadas do século XVIII e nas três primeiras do século XIX, uma nova tendência estética predominou nas criações dos artistas europeus. Trata-se do Neoclassicismo (neo = novo), que ...

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A Batalha pelo Cais José Estelita (vídeo)

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A Batalha pelo Cais José Estelita (vídeo)

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Recife: A Batalha pelo Cais José Estelita

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Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional

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Dois Distritos brasileiros são tratados como Municípios, por razões metodológicas: O Distrito Federal, onde tem sede o governo federal, sendo Brasília a capital federal; e o Distrito Estadual de Fernando de Noronha, arquipélago incorporado ao Estado de Pernambuco, segundo Art. 15 da Constituição Federal de 1988.

População exposta ao risco: População em Áreas de Risco no Brasil - 2010. IBGE, 2018. Disponível em https://www.ibge.gov.br/geociencias/informacoes-ambientais/estudos-ambientais/21538-populacao-em-areas-de-risco-no-brasil.html?=&t=acesso-ao-produto

Trabalho e Rendimento

Em 2021, o salário médio mensal era de 1.7 salários mínimos. A proporção de pessoas ocupadas em relação à população total era de 19.3%. Na comparação com os outros municípios do estado, ocupava as posições 53 de 185 e 14 de 185, respectivamente. Já na comparação com cidades do país todo, ficava na posição 3792 de 5570 e 1479 de 5570, respectivamente. Considerando domicílios com rendimentos mensais de até meio salário mínimo por pessoa, tinha 39.7% da população nessas condições, o que o colocava na posição 179 de 185 dentre as cidades do estado e na posição 2776 de 5570 dentre as cidades do Brasil.

A taxa de mortalidade infantil média na cidade é de 11.14 para 1.000 nascidos vivos. As internações devido a diarreias são de 0.6 para cada 1.000 habitantes. Comparado com todos os municípios do estado, fica nas posições 98 de 185 e 78 de 185, respectivamente. Quando comparado a cidades do Brasil todo, essas posições são de 2518 de 5570 e 3103 de 5570, respectivamente.

Meio Ambiente

Apresenta 56.6% de domicílios com esgotamento sanitário adequado, 41.8% de domicílios urbanos em vias públicas com arborização e 17.9% de domicílios urbanos em vias públicas com urbanização adequada (presença de bueiro, calçada, pavimentação e meio-fio). Quando comparado com os outros municípios do estado, fica na posição 43 de 185, 138 de 185 e 29 de 185, respectivamente. Já quando comparado a outras cidades do Brasil, sua posição é 1957 de 5570, 4449 de 5570 e 2015 de 5570, respectivamente.

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Dois Distritos brasileiros são tratados como Municípios, por razões metodológicas: O Distrito Federal, onde tem sede o governo federal, sendo Brasília a capital federal; e o Distrito Estadual de Fernando de Noronha, arquipélago incorporado ao Estado de Pernambuco, segundo Art. 15 da Constituição Federal de 1988.

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O Bairro do Recife fica atualmente numa ilha, mas esta ilha não existia até o início do século XX.

O Istmo de Olinda e Recife era uma faixa de terra estreita, com largura média de 80m, que ligava o porto do Recife à vila de Olinda. Durante todo o século XVI o Istmo manteve suas características naturais de faixa de terra arenosa de forma longitudinal e estreita, pontuado por pouquíssimos elementos construídos, banhados pelas águas do mar ao leste e pelas águas do rio Beberibe a oeste, com vegetação em sua margem ribeirinha e conexão ao sul com a vila do Recife e ao norte com a vila de Olinda.

Uma análise iconográfica do Istmo durante o século XVII permite-nos observar que enquanto os holandeses construíam um sistema de defesa, edificando novas fortificações, as estruturas do entorno mantinham-se inalteradas: os arrecifes, as barras, os ancoradouros, o rio Beberibe.

No século XVIII o " Plano da villa do Recife de Pernãbuco e parte da costa athe a ponta da cid. d'Olinda", de 1776, de autor não identificado, é possível ver no primeiro plano a linha de arrecifes, sendo o trecho submerso o não colorido. O desenho traz indícios de que a vila do Recife permaneceu se expandindo em direção ao Istmo ou para o "Fora de Portas". O Forte do Brum, normalmente representado distante da vila, nesse mapa já está sendo alcançado por algumas construções. As construções no Istmo que ainda se encontram bem isoladas são a Cruz do Patrão e o Forte do Buraco, mais próximas de Olinda.

Pulando para o século XIX, o "Plan of the Port of Pernambuco", feito pelo viajante inglês Henry Koster em 1816, mostra bem os diversos componentes do Porto do Recife, que permanecem como nos séculos passados. Bancos de areia, como o "Banco Inglês", são indicados com áreas pontilhadas. Os arrecifes são desenhados com legendas indicando aqueles que são aparentes (above water) e aqueles que são submersos (under water). No Istmo, as letras E, F e G aparecem representando respectivamente o Forte do Brum, a Cruz do Patrão e o Forte do Buraco.

Ao observar esta Planta da Cidade do Recife de 1906, de Douglas Fox e H. Michell Whitley, é possível notar que a península do Recife recebera sucessivos aterros (ver infográfico neste post) e já apresentava uma densa ocupação no trecho entre o antigo Arco do Bom Jesus e o Forte do Brum. Ao norte do Forte do Brum, entretanto, o Istmo ainda apresenta um forte caráter natural.

Em 1909, portanto três anos após o registro da planta acima, inicia-se as obras de reforma do Porto e do Bairro do Recife (ver os detalhes desta reforma neste post), que prosseguiram durante todo o ano. Em 1910 foi iniciada a construção do molhe de Olinda, na altura da Fortaleza do Buraco. As obras continuaram em ritmo intenso e no ano de 1911 começou a construção do cais, em paralelo com os serviços de dragagem.

Na fotografia abaixo de autoria de Bocage, 1910, vê-se o molhe sendo construído nas proximidades do Forte do Buraco, com os trens da via férrea.

Em função da construção deste molhe houveram alterações nas vagas marítimas em seu entorno. Como consequência, em meados de 1912 o mar causou uma ruptura no Istmo abrindo uma enorme fenda, rompendo inclusive a via férrea construída para execução da obra. Assim, parte do Istmo foi transformado na atual Ilha do Recife, separando-a de Olinda

Na planta a seguir, provavelmente de autoria do engenheiro Alfredo Lisboa, naquele momento responsável pelas obras do Porto do Recife, aparece o projeto de construção do "enrocamento de proteção do Istmo de Olinda", para cobrir as funções do trecho rompido, dado que tal rompimento prejudicou a comunicação com a obra do molhe de Olinda, feita por via férrea, atrasando a obra em dois anos.

Segundo Alfredo Lisboa (1915, p. 23), o rompimento do Istmo acima descrito "veio originar a idéia de converter a bacia do Beberibe [...] em uma vasta doca de comércio, em comunicação direta com o anteporto". Nesse caso haveria, ainda segundo Lisboa, a necessidade de "remover, em parte ou no todo, o enrocamento de proteção exterior ao Istmo de Olinda.". Em outras palavras, depois de retirado, o enrocamento daria lugar a um canal de comunicação do anteporto (entre os arrecifes e o Istmo) com a bacia do rio Beberibe.

Na planta abaixo, datada de 1932, podemos ver que ainda não havia sido realizada a ruptura definitiva, conservando-se o "enrocamento" construído após o acidente.

Por fim é importante observar que embora o rompimento do istmo tenha sido um acidente, um "efeito colateral" das obras de reforma do porto e, portanto, não previsto no projeto original, a idéia de abrir um canal definitivo ligando o mar com a bacia do Beberibe já aparecia em projetos do século XIX, como o Projeto de melhoramento do Porto do Recife, de 1874.

Fontes:

Cabral, Renata Campello e Pontual, Virgínia Pontual, Transformações do território e representações cartográficas: o Istmo de Olinda e Recife, Brasil, 2011

Lubambo, Cátia, Bairro do Recife: Entre o Corpo Santo e o Marco Zero, 1991

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Vista aérea do canal que separa o Istmo de Olinda e Recife O Bairro do Recife fica atualmente numa ilha, mas esta ilha não existia ...

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O funcionamento de um engenho canavieiro

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O funcionamento de um engenho canavieiro

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Brasil dos Holandeses - Expedições (27/03/2012)

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Igrejas - PE (patrimônio histórico e artístico)

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Igrejas - PE (patrimônio histórico e artístico)