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Sous le règne de François Ier (1515-1547), la Renaissance a connu son apogée en France. Le roi a encouragé l’importation d’œuvres d’art italiennes et a attiré des artistes et des penseurs éminents à sa cour. Des châteaux somptueux comme Chambord et Fontainebleau ont été construits ou rénovés dans un style Renaissance.

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La Renaissance en France fait référence à la période historique, culturelle et artistique qui a suivi le Moyen Âge et qui a été marquée par un renouveau des arts, des idées et de la pensée. Elle s’est étendue approximativement du début du 16e siècle jusqu’au début du 17e siècle. En France, la Renaissance a été influencée par les idées humanistes et artistiques qui émergeaient en Italie, berceau de ce mouvement. Cependant, la Renaissance française a également développé ses propres caractéristiques et particularités.

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Comparatifs de la Renaissance et le Maniérisme

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Comparatifs de la Renaissance et le Maniérisme

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Alors que la Renaissance mettait l’accent sur l’harmonie, la clarté et la représentation fidèle de la réalité, le Maniérisme était plus subjectif et souvent empreint d’ambiguïté. Les artistes maniéristes ont délibérément déformé les proportions et ont joué avec les conventions artistiques pour créer des effets visuels inattendus. En somme, la Renaissance visait à atteindre une harmonie et une beauté classique, tandis que le Maniérisme explorait des expressions plus individuelles, complexes et émotionnelles, en rompant avec les conventions établies de la période précédente.

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Comparatifs entre la Renaissance et le Maniérisme

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Comparatifs entre la Renaissance et le Maniérisme

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La Renaissance a été caractérisée par un retour aux modèles classiques de l’Antiquité, un réalisme accru, une perspective linéaire et une harmonie des proportions. Les artistes de la Renaissance ont cherché à représenter la beauté et la perfection de la nature et de l’humanité. D’un autre côté, le Maniérisme (vers la fin du XVIe siècle) a été une réaction à l’idéal classique de la Renaissance. Les artistes maniéristes ont expérimenté avec des formes plus exagérées, des proportions déformées et des compositions complexes. Contrairement à la recherche de la perfection réaliste de la Renaissance, le Maniérisme a mis en avant des éléments émotionnels, des poses dramatiques et une certaine excentricité.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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8. Portrait Réaliste : Les portraits de la Renaissance étaient réalistes et capturaient souvent la personnalité du sujet. Les artistes accordaient une grande attention aux détails des visages, des expressions et des vêtements.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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7. Développement de la Peinture à l’Huile : La peinture à l’huile a gagné en popularité pendant la Renaissance en raison de sa capacité à créer des couleurs riches, des dégradés subtils et une longue durabilité. Cette technique a permis aux artistes de créer des œuvres plus détaillées et complexes.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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5. Composition Équilibrée : Les œuvres de la Renaissance étaient souvent composées de manière équilibrée et harmonieuse. Les artistes utilisaient des lignes directrices, des formes géométriques et des proportions pour créer un agencement esthétique. 6. Thèmes Religieux et Mythologiques : La peinture religieuse était encore dominante pendant la Renaissance, reflétant la spiritualité de l’époque. Les artistes ont également exploré des thèmes mythologiques et humanistes, exprimant une vision plus large de l’humanité et de ses aspirations.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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4. Couleurs Vivantes : Les peintres de la Renaissance utilisaient des couleurs vives et riches, souvent fabriquées à partir de pigments minéraux. Les teintes étaient sélectionnées avec soin pour créer des contrastes et des harmonies visuelles.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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2. Réalisme et Anatomie Précise : Comme pour la sculpture, la peinture de la Renaissance visait un réalisme plus poussé. Les artistes ont étudié l’anatomie humaine et la nature pour représenter avec précision les proportions et les détails réalistes. 3. Chiaroscuro : Cette technique implique l’utilisation contrastée de la lumière et de l’ombre pour créer un effet tridimensionnel et modeler les formes. Elle permet de donner une sensation de volume et de profondeur aux objets et aux figures.

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance 

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1. Perspective Linéaire : Les artistes de la Renaissance ont développé la perspective linéaire, une technique qui permet de représenter la profondeur et la dimension sur une surface plane en utilisant des lignes de fuite et un point de fuite. Cela a donné aux œuvres une apparence plus réaliste et tridimensionnelle.

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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7. Matériaux et Techniques : Les sculpteurs utilisaient une variété de matériaux, notamment la pierre, le bronze et le marbre. Ils maîtrisaient des techniques comme le modelage direct et la fonte pour créer des œuvres de grande envergure.

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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5. Détails Réalistes : Les sculpteurs de la Renaissance ont accordé une grande attention aux détails, que ce soit dans les plis des vêtements, les textures des surfaces ou les petits éléments décoratifs. 6. Utilisation de la Lumière et de l’Ombre : La manière dont la lumière tombait sur la sculpture était soigneusement considérée pour mettre en valeur les formes et les reliefs. Cette technique, appelée “chiaroscuro”, a permis de créer un effet de volume et de profondeur.

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Les caractéristiques de la sculpture de la renaissance 

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Les caractéristiques de la sculpture de la renaissance 

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3. Influence Classique : La Renaissance a été marquée par un intérêt renouvelé pour les modèles classiques de l’Antiquité. Les sculpteurs ont puisé leur inspiration dans les œuvres antiques pour créer des sculptures équilibrées et harmonieuses, en utilisant parfois des thèmes mythologiques. 4. Contrapposto : Cette technique consiste à donner à une sculpture une pose naturelle en décalant le poids du corps sur une jambe, créant ainsi une tension subtile dans la posture et ajoutant un sentiment de mouvement.

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance

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2. Expression des Émotions : Les sculpteurs ont cherché à exprimer les émotions et les caractères individuels dans leurs œuvres, reflétant ainsi la perspective humaniste de l’époque. Les visages et les postures étaient soigneusement travaillés pour transmettre des sentiments et des personnalités uniques.

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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Les caractéristiques de la sculpture de la Renaissance 

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1. Réalisme et Anatomie Précise : Les sculpteurs de la Renaissance ont recherché un réalisme plus poussé dans leurs œuvres en observant attentivement l’anatomie humaine. Les sculptures étaient souvent modelées de manière à refléter avec précision la musculature et les proportions du corps humain.

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Les 3 étapes de l'architecture de la Renaissance

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Les 3 étapes de l'architecture de la Renaissance

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-La haute Renaissance (début du XVIe siècle): Cette étape a été marquée par des développements plus audacieux et innovants.
-La Renaissance tardive (XVIe siècle à début du XVIIe siècle): Cette phase a vu une rupture avec les proportions classiques et l'équilibre de la Haute Renaissance.

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Réaliser des comparatifs avec des mouvements de même époque ou d’époque antérieure ou encore en fonction de pays différents

la renaissance en france et la renaissance en Italie

tu ne parle que de l'Italie j'ai l'impression

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parle un peu plus des influences et des revendications

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il te manque les artistes (avec le liens avec les caractéristique au travails de leur travail exemple les peinture sur les plafond avec une impression de profondeur )

ta carte n'est pas bonne non plus tu devrais la retravailler

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tu dois absolument mettre les caractéristiques pour la peinture et pour la sculpture et celle de l'architecture marque les en points et explique les un peu plus

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Dans les 3 évolutions de l’architecture tu ne marques pas ce qui évolue

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Beige Minimal Business Timeline Diagram Graph (1)

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Les rejets que revendique la Renaissance

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Les rejets que revendique la Renaissance

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Les rejets ont contribué à ouvrir de nouvelles voies de réflexion, de création et de progrès dans la société de la Renaissance. Ils ont permis l’émergence de nouvelles idées, de nouvelles approches artistiques, scientifiques et philosophiques, et ont jeté les bases du mouvement de renouveau culturel et intellectuel qui a caractérisé cette période.

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Les  revendications ont contribué à façonner la Renaissance en tant que mouvement de renouveau culturel, intellectuel et artistique. Elles ont remis en question les idées et les structures établies, ouvrant la voie à de nouvelles façons de penser, de créer et de comprendre le monde.

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Les influences éventuelles de la renaissance

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Les influences éventuelles de la renaissance

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la Renaissance a exercé une influence considérable sur l’art, la science, la pensée, l’éducation, la religion, la politique et bien d’autres domaines de la société et de la culture. Ses idées et ses réalisations ont façonné le monde occidental, influençant les développements ultérieurs et contribuant à la transition entre le Moyen Âge et les temps modernes.

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Les caractéristiques plastiques: Conclusion 

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Les caractéristiques plastiques: Conclusion 

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En combinant ces caractéristiques plastiques, les artistes de la Renaissance ont créé des œuvres d'art qui étaient à la fois belles, réalistes et empreintes d'une profonde compréhension de l'anatomie humaine et de la représentation de l'espace. Ces innovations artistiques ont exercé une influence durable sur l'art occidental et ont ouvert la voie à de nouvelles explorations et expérimentations artistiques.

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5. Représentation naturaliste : Les artistes de la Renaissance ont cherché à représenter le monde naturel avec précision et attention aux détails. Ils ont observé les paysages, les animaux, les plantes et les objets du quotidien, et ont essayé de les reproduire fidèlement dans leurs œuvres. Cela a marqué un changement par rapport à la stylisation et à l'abstraction plus caractéristiques de l'art médiéval.

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4. Utilisation de la lumière et de l'ombre : Les artistes de la Renaissance ont exploré les effets de la lumière et de l'ombre dans leurs œuvres, créant des contrastes dramatiques qui mettaient en valeur les formes et les volumes. Cette technique, connue sous le nom de clair-obscur, a contribué à donner une impression de profondeur et de réalisme aux compositions.

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3. Composition équilibrée : Les artistes de la Renaissance ont accordé une grande attention à l'équilibre et à l'harmonie dans leurs compositions. Ils utilisaient souvent des proportions mathématiques et des arrangements symétriques pour créer un sentiment de stabilité et de beauté. Des techniques telles que le triangle pyramidal et le rapport doré étaient fréquemment utilisées pour organiser les éléments visuels de manière esthétiquement agréable.

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2. Anatomie réaliste : Les artistes de la Renaissance ont étudié l'anatomie humaine de manière approfondie, en cherchant à représenter le corps humain de manière précise et réaliste. Ils ont développé une meilleure compréhension de la structure musculaire, des proportions et de la façon dont la lumière se comporte sur le corps, ce qui a conduit à des représentations plus fidèles et réalistes.

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1. Perspective linéaire : Les artistes de la Renaissance ont redécouvert et perfectionné la perspective linéaire, une technique qui permet de représenter l'espace tridimensionnel sur une surface plane de manière réaliste. Cela a donné l'illusion de la profondeur et de la distance dans leurs compositions, créant un effet plus réaliste et immersif.

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L'évolution de la Renaissance: Conclusion

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L'évolution de la Renaissance: Conclusion

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La Renaissance a donc été un moment de transformation culturelle majeure, marqué par des avancées dans l'art, la science, la pensée philosophique et la religion. Ces développements ont jeté les bases des temps modernes et ont contribué à façonner le monde dans lequel nous vivons aujourd'hui.

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5. Réformes religieuses : La Réforme protestante, menée par des figures telles que Martin Luther, a également eu lieu pendant la Renaissance. Ce mouvement a remis en question l'autorité de l'Église catholique romaine et a conduit à des changements profonds dans les pratiques religieuses et dans la société européenne dans son ensemble.

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4. Progrès scientifiques : La Renaissance a été une époque de progrès scientifiques significatifs. Les esprits curieux et les penseurs ont remis en question les anciennes croyances et ont développé de nouvelles méthodes d'observation et d'expérimentation. Les découvertes dans les domaines de l'anatomie, de l'astronomie, de la médecine et des mathématiques ont jeté les bases des avancées scientifiques futures.

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3. Renouveau artistique : La Renaissance a été marquée par un grand essor artistique. Les artistes ont adopté une approche plus réaliste et ont cherché à représenter le monde naturel avec précision et beauté. Des figures emblématiques telles que Leonardo da Vinci, Michel-Ange et Raphaël ont créé des œuvres d'art qui sont devenues des chefs-d'œuvre intemporels.

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2. Humanisme : Le mouvement humaniste était au cœur de la Renaissance. Les humanistes mettaient l'accent sur la dignité et le potentiel de l'homme, en cherchant à combiner les connaissances classiques avec les valeurs chrétiennes. Ils prônaient l'éducation, la recherche de la vérité et la célébration de la culture humaine.

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1. Origines et influences : La Renaissance a été grandement influencée par la redécouverte des textes et des idées de l'Antiquité grecque et romaine. Les penseurs de l'époque se sont tournés vers les œuvres de philosophes, d'artistes et d'écrivains classiques, ce qui a stimulé une nouvelle façon de penser et de créer.

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La Renaissance a été une période de bouleversements culturels, artistiques et intellectuels majeurs en Europe, qui s'est déroulée environ du XIVe au XVIe siècle. Elle a marqué une transition importante de la période médiévale vers l'époque moderne. Voici un aperçu de l'évolution de la Renaissance :

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Les 3 étapes de l'architecture de la Renaissance

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Les 3 étapes de l'architecture de la Renaissance

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-La première Renaissance (XVe siècle): Cette période a été marquée par une transition progressive de l'architecture médiévale vers des éléments plus classiques. On a vu l'utilisation de voûtes en berceau, de colonnes classiques et d'arcades. Les bâtiments étaient souvent symétriques et géométriques, avec une attention portée aux proportions harmonieuses.

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Les éléments de base de l'architecture de la Renaissance

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Les éléments de base de l'architecture de la Renaissance

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Les principales caractéristiques de l'architecture de la Renaissance sont l'utilisation des ordres classiques, des rapports mathématiquement précis entre la hauteur et la largeur, la symétrie, la proportion et l'harmonie. Les colonnes, frontons, arcs et dômes sont utilisés de manière imaginative dans des bâtiments de tous types.

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Dans le courant du XVe siècle, les sociétés européennes se transforment, l'art aussi. Dès le XIVe siècle, les artistes italiens vont ramener au grand jour l'héritage de l'Antiquité grecque et romaine. C'est pourquoi cette période est appelée « renaissance », mot qui vient du terme italien Rinascita, utilisé pour la première fois au XIVe siècle . La production artistique du Moyen Âge était très riche, mais la Renaissance amorce un grand changement dans la façon de représenter le monde.

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Wikizero - <span class="mw-page-title-main">Tempietto de San Pietro in Montorio</span>

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Le Tempietto de San Pietro in Montorio, également appelé Tempietto de Bramante, est un petit temple commémoratif construit par Bramante à Rome, peut-être dès 1502, au centre d'une des cours du couvent San Pietro in Montorio, sur la colline du Janicule ; il est situé sur la piazza di San Pietro in Montorio, 2.

Considéré comme un chef-d'œuvre architectural de la Haute Renaissance, il illustre certains des thèmes fondamentaux de l' architecture de la Renaissance tels que le plan centré, la renaissance de l'architecture romaine antique et la recherche proportionnelle et géométrique dans la relation entre les parties de l'édifice.

Après avoir passé plusieurs années à Milan, Bramante s'installe à Rome, où il a été employé par le cardinal Giuliano della Rovere, le futur pape Jules II.

Le Tempietto constitue une des premières commandes de Bramante, par laquelle Isabelle de Castille et Ferdinand II d'Aragon veulent commémorer l' annus mirabilis qu'a été l'année 1492, qui s'est ouverte par la prise de Grenade, marquant la fin de la Reconquista, et qui s'est terminée par la découverte de l'Amérique par Christophe Colomb. Le Tempietto symbolisait l'ambition de la couronne espagnole d'établir un empire universel centré à Jérusalem, dont la reconquête est préfigurée de façon cryptique dans plusieurs caractéristiques des chapelles,,.

Plus tard, une congrégation espagnole sera présente dans le complexe du couvent et, encore aujourd'hui, une partie des bâtiments entourant le temple est le siège de l'Académie espagnole. Peut-être a-t-il été conçu en 1502, mais des doutes subsistent sur les années de conception et de construction ; certains, en l'absence de documentation, proposent de reporter la datation vers 1510, la rendant ainsi contemporaine des grands projets de Bramante.

Le Tempietto est destiné à marquer le lieu qui, selon une tradition assez tardive, a vu le martyre de saint Pierre qui a eu lieu sur le Janicule.

Dès sa construction, l'œuvre connait un grand succès critique : Sebastiano Serlio et Andrea Palladio la jugent digne de figurer aux côtés des œuvres des Anciens. Elle influence directement ou indirectement de nombreuses œuvres architecturales ultérieures ; Giorgio Vasari la représente dans une fresque de la Sala Regia.

Au siècle, le bâtiment subit quelques modifications, dont une légère élévation du dôme, la modification de la lanterne et la construction d'escaliers pour accéder à la crypte.

Avec toutes les transformations de la Renaissance et de la Rome baroque, il est difficile d'imaginer l'aspect originel de ce bâtiment au début du siècle. Le bâtiment a intégré en grande partie le style de Filippo Brunelleschi. Lorsque Bramante construit son Tempietto, le plan centré, théorisé par Leon Battista Alberti comme étant le plan de l'église idéale, est déjà largement utilisé par les architectes.

Le temple, monoptère et périptère, a un corps cylindrique qui constitue sa salle, et dont la maçonnerie est creusée par des niches inhabituellement profondes, décorées de coquilles, et marquées par des pilastres, projection géométrique des colonnes du péristyle. Le bâtiment est entouré d'une colonnade toscane élevée sur des marches ; un entablement dorique modelé d'après l'ancien Théâtre de Marcellus et conforme aux indications données par Vitruve pour l' ordre dorique court sur les seize colonnes, avec une frise ornée de triglyphes et de métopes. Les colonnes sont en granite gris, les autres éléments en travertin. Le plafond du déambulatoire est décoré de caissons.

L'intérieur du bâtiment a un diamètre d'environ 4,5 m, plus une " cella " qu'un espace dédié aux fonctions liturgiques, un lieu purement symbolique et commémoratif. La forme cylindrique est quelque peu transformée par des niches hautes et profondes, dont quatre abritent de petites statues des Évangélistes. Sur l'autel, la statue de saint Pierre est l'œuvre d'un Lombard anonyme. Le sol est en dalles de marbre polychrome de style Cosmatesque, objet d'un certain renouveau à la fin du siècle.

L'espace est recouvert d'un dôme, conçu en conglomérat de ciment (à la manière des Anciens) et placé sur un tambour orné de pilastres qui prolongent ceux du registre inférieur, mais manquent des attributs de l'ordre architectural. Le bardage en plomb, probablement présent depuis la construction, a été restauré au siècle ; il avait été remplacé par des tuiles au siècle.

Selon les projets initiaux, le temple aurait dû être inséré au centre d'une cour circulaire non réalisée (celle actuelle est de forme quadrangulaire), de manière à mettre en évidence la symétrie parfaite de l'ensemble et souligner la centralité du temple dont la structure rayonnait dans la cour, projetant les seize colonnes en seize autres pour former un portique circulaire, comme on peut le voir dans une reconstruction de Serlio. Ce projet original n'aurait permis la vue du temple que depuis une position assez proche, donnant au petit bâtiment un aspect beaucoup plus imposant et massif, selon une recherche en perspective précise.

Le bâtiment est construit au-dessus d'une crypte circulaire, probablement les restes d'un bâtiment préexistant, dont le centre indique l'endroit où la croix inversée du martyre du saint aurait été plantée, qui est devenu l'axe idéal de toute la construction. Cette crypte était peut-être considérée à l'époque de Bramante comme les restes du Tropeion Petri, la petite chapelle ou monument édifié, selon les preuves du siècle et la tradition, en souvenir de l'enterrement ou du martyre de saint Pierre. La crypte est accessible par des escaliers extérieurs construits au siècle ; à l'origine, il n'y avait qu'un petit escalier derrière l'autel,.

Le petit bâtiment (la chapelle peut accueillir dix personnes) se réfère aux temples circulaires antiques, un type d'architecture décrit par Vitruve et utilisé par l'architecture romaine antique et dont certains exemples tels que le temple de Vesta à Tivoli, le temple de Vesta dans le forum et le temple d'Hercule Olivarius (à l'époque également considéré comme un temple dédié à Vesta à Rome) étaient visibles et encore intacts au moment de sa conception. Si le temple de Tivoli a également deux cylindres imbriqués, le cylindre intérieur du temple de Bramante surplombe la colonnade et forme un niveau supérieur couronné d'un dôme hémisphérique.

Cependant, ces exemples, que Bramante a certainement eu l'occasion de voir, n'expliquent pas la morphologie du temple, à l'exception du péristyle. La référence au classicisme est plus exhaustive si elle se réfère à la description du temple périphérique circulaire faite par Vitruve qui, dans sa description concise, utilise le terme " monopteros " que Francesco di Giorgio Martini et ensuite Bramante ont compris comme un dôme, créant effectivement une nouveau typologie.

Compte tenu de la destination du temple, cette référence a peut-être servi à reprendre l'exemple paléochrétien des petites constructions circulaires généralement destinées au . En ce sens, le Tempietto rappelle le mausolée Santa Costanza et celui de Santo Stefano Rotondo.

Aucun architecte n'avait reproduit l' ordre dorique d'une manière aussi fidèle avant Bramante. Il deviendra autant un modèle que l'Antique, notamment dans les traités de Serlio et Palladio.

Une autre référence de Bramante est le Panthéon qui a aussi un plan circulaire, mais une masse beaucoup plus importante. La construction du temple est au centre de la recherche qui a impliqué tous les architectes de la Renaissance sur le plan centré comme modèle pour représenter la réalité divine et le cosmos, notamment pour la forme circulaire, expression conceptuelle et visuelle de la " figure du monde ".

Dans le cas du Tempietto, la circularité est exagérée dans la conception du projet global original qui se résout en une série de cercles concentriques partant du sol intérieur jusqu'au portique de la cour non réalisée.

Ces ferments culturels, auxquels le néoplatonisme n'est pas étranger, ont conduit à la conception du plus grand temple du christianisme avec un plan centré, la basilique Saint-Pierre du Vatican, pour le projet duquel Bramante a pu prendre certains éléments du temple et notamment le dôme. Ce passage entre le tout petit du temple et le colossal du Panthéon et de Saint-Pierre révèle le caractère conceptuel de la petite chapelle dont les caractéristiques architecturales semblent motivées par des valeurs symboliques précises liées à la figure du saint.

La réalisation expérimentale de Bramante trouve également un parallèle dans certaines œuvres picturales, dont la peinture contemporaine de Raphaël, Le Mariage de la Vierge, preuve de l'importance du thème du temple circulaire dans la culture du début du siècle.

Outre la genèse et les implications culturelles globales du concept architectural, divers symboles ont été identifiés dans le petit bâtiment :

l'utilisation de l'ordre dorique-toscan, vu par Vitruve qui identifie saint Pierre comme une figure " héroïque " ;

la crypte, la chapelle et le dôme pourraient représenter dans l'ordre : l'Église originelle des catacombes, l'Église militante contemporaine et l'Église triomphante dans la gloire du ciel ;

sur le périmètre du temple, les 16 colonnes dont le nombre est considéré comme parfait par Vitruve car 16 = 10 + 6, deux nombres parfaits selon les pythagoriciens.

La construction est conçue à travers des relations géométriques simples :

la hauteur (y compris l'architrave, la frise et la corniche) est égale à la distance entre celle-ci et le sommet du dôme ;

le dôme du bâtiment a un rayon égal à sa hauteur et à la hauteur du tambour sur lequel il repose ; en cela, il a une relation évidente avec le Panthéon (dans lequel le dôme, également hémisphérique, fait exactement la moitié de la hauteur du bâtiment complet) ;

le diamètre de la circonférence externe des colonnes est égal à 3/2 du diamètre du dôme.

Les proportions de l'édifice correspondent à la racine carrée de deux, employée ici pour déterminer la relation des cylindres intérieur et extérieur en largeur et en hauteur, le rapport de la largeur totale par rapport à la hauteur totale. La relation mathématique de 1 : 1 et 1 : 2 est respectée dans les proportions des deux cylindres considérés ensemble. D'après le seul plan connu du projet, publié en 1540 dans le Troisième Livre d'Architecture de Serlio, ces systèmes semblent régir la relation entre le Tempietto et la cour dont il aurait dû être le centre. Ce projet d'origine est un exemple de l'attitude des Italiens envers l'architecture : l'édifice n'est pas conçu seul, quels que soient les efforts et l'imagination déployés ; il fait partie d'un ensemble et est un élément d'un effet scénique, qu'il domine peut-être, mais sans lequel il perd sa fonction visuelle la plus importante.

Le Tempietto a servi de modèle au dôme du Panthéon à Paris, conçu par Jacques-Germain Soufflot au milieu du siècle.

Le Tempietto de Bramante.

Trou dans lequel aurait été plantée la croix de saint Pierre.

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Le Tempietto de San Pietro in Montorio, également appelé Tempietto de Bramante, est un petit temple commémoratif construit par Bramante à Rome, peut-être dès 1502, au centre d'une des cours du couvent San Pietro in Montorio, sur la colline du Janicule ; il est situé sur la piazza di San Pietro in Montorio, 2.

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Tempietto de San Pietro in Montorio - LAROUSSE

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Cloître de Santa Maria della Pace, Rome (1502-1510).

Après la chute de Ludovic le More, en 1499, Bramante quitta Milan pour Rome. Là, en 1502, il entreprit la construction d'un petit édifice, dit le Tempietto de San Pietro in Montorio, sur le lieu supposé du martyre de Saint-Pierre. Terminé en 1510, un peu à l'étroit dans le cloître, le petit temple fait référence très directement au modèle antique. De plan centré et circulaire, c'est une réplique des martyria romains. La rotonde, couverte d'une coupole posée sur un haut tambour, est rythmée par un péristyle et posée sur un emmarchement. La balustrade qui entoure le tambour allège l'ensemble et constitue une sorte de transition entre les deux parties de l'édifice.

La rotonde elle-même fait alterner sur ses parois extérieures des niches, des pilastres et des ouvertures rectangulaires qui lui confèrent une animation continue.

Les murs intérieurs sont également pourvus de grandes niches et de fenêtres à renforcements très marqués qui s'inspirent des pseudo-nymphées des villas de l'époque de l'empereur Hadrien.

L'ensemble, qui devait s'intégrer dans une cour à colonnades en écho à celle du Tempietto, et quoique d'esprit déjà classique, est empreint d'une sorte d'ivresse archéologique.

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Tempietto de San Pietro in Montorio - LAROUSSE

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Cloître de Santa Maria della Pace Rome 1502-1510 Après la chute de Ludovic le More en 1499 Bramante quitta Milan pour Rome Là en 1502 il entreprit la construction d'un petit édifice dit le Tempietto de San Pietro in Montorio sur le lieu supposé du martyre de Saint-Pierre Terminé en 1510 un peu à l'étroit dans le cloître le petit temple fait référence très directement au modèle...

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Le Tempietto de l’église San Pietro in Montorio | Passerelles (bnf.fr)

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Le Tempietto de l’église San Pietro in Montorio | Passerelles

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Malgré ses dimensions modestes, ce petit temple de Rome est l’un des modèles de l’architecture humaniste de la Renaissance.

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Tempietto de San Pietro in Montorio - Wikiwand

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Le Tempietto de San Pietro in Montorio, également appelé Tempietto de Bramante, est un petit temple commémoratif construit par Bramante à Rome, peut-être dès 1502, au centre d'une des cours du couvent San Pietro in Montorio, sur la colline du Janicule; il est situé sur la piazza di San Pietro in Montorio, 2.

Considéré comme un chef-d'œuvre architectural de la Haute Renaissance, il illustre certains des thèmes fondamentaux de l' architecture de la Renaissance tels que le plan centré, la renaissance de l'architecture romaine antique et la recherche proportionnelle et géométrique dans la relation entre les parties de l'édifice.

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Tempietto de San Pietro in Montorio — Wikipédia (wikipedia.org)

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Tempietto de San Pietro in Montorio — Wikipédia

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Le Tempietto de San Pietro in Montorio, également appelé Tempietto de Bramante, est un petit temple commémoratif construit par Bramante à Rome, peut-être dès 1502, au centre d’une des cours du couvent San Pietro in Montorio, sur la colline du Janicule ; il est situé sur la piazza di San Pietro in Mo…

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Tempietto de Bramante – Rome-Roma

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La peinture de la Renaissance, contrairement à la sculpture et à l'architecture, manque de modèles antiques. Elle se développe de façon autonome, sans négliger pour autant d'utiliser à son profit les recherches effectuées dans les autres disciplines, celles qui ont trait à la perspective notamment.

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C'est la recherche du naturalisme, né de l'intérêt pour l'Homme, dans le rendu des formes du corps et de l'expression de la personnalité, qui constitue le principal objectif de la Renaissance.

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Au XV siècle on acquiert la conviction que l'art possède des lois qui lui sont propres mais qui sont en relation étroite avec celles qui réagissent l'univers. Les grecs et les romains ont appliqué ces lois, et c'est pour cette raison qu'une grande partie de l'effort des artistes de la Renaissance porte sur l'étude des monuments anciens.

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La Renaissance était une période de renouveau culturel, artistique et intellectuel qui s’est déroulée en Europe du XIVe au XVIe siècle. Le terme “Renaissance” signifie littéralement “renaître” en français, ce qui reflète l’idée d’un retour aux valeurs, aux idées et aux réalisations de l’Antiquité classique grecque et romaine.