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Los simbolismos en el Arte me han generado siempre mucha curiosidad. Siento que son de los aspectos más misteriosos, desconocidos e interesantes que una obra puede tener.
Adicionalmente, considero que son a través de estos simbolismos que uno puede llegar a conocer a mayor profundidad a los autores y a la época en la que se produjo la obra y siento que cuando uno aprende a reconocerlos y conoce su significado, cambia por completo la forma en la que uno se relaciona con el Arte. Quiero adquirir esa sensibilidad para poder aproximarme al Arte desde otro lugar, quizás un poco menos evidente.

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Artista: desconocido

Título: Ain Sakhri lovers figurine

Fecha de creación: 10000 a.C

Ubicación: The British Museum, Gallery 69a

Dimensiones físicas: 10,2x6,3x3,9cm

Técnica: tallado

Material: calcita

Lugar de origen: Ain Sakhri

Periodo: Mesolitico

Esta figurilla de 10x 6cm aproximadamente, tallada en calcita durante el Mesolítico. Fue encontrada por un beduino en una cueva cerca de Belén. La calcita es una piedra clara y porosa, lo que dificulta aún más la preservación de la pieza: se han perdido los detalles y la forma original del cuerpo, sin embargo, se logra observar la representación  dos cuerpos desnudos haciendo el amor. Aunque no tienen cara, se percibe que sus cabezas están juntas y los brazos de uno abrazan al otro, mientras que las piernas recogidas y abiertas permiten que los dos cuerpos se fusionen. A su vez, estos dos cuerpos, convertidos en uno, forman la figura de un corazón, una forma que dentro de todo, se acerca a una figura fálica, sin esquinas marcadas, curvas delicadas y cabezas sobresalientes.
Se puede pensar que esta figurina, fácil de trasladar, tan grande como la palma de una mano, era un amuleto para la fertilidad y la reproducción. La composición de la obra y la representación del cuerpo demuestran cierto nivel de comprensión frente al rol de los géneros en la reproducción.

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Título: Relieve con la representación de un rey y de una reina

Artista: desconocido

Fecha de creación: Dinastia Amenofis  IV  (1353a.C.-1336a.C)

Ubicación: Neues Museum, Berlin

Dimensiones físicas: 10,2x6,3x3,9cm

Técnica: pintura

Material: piedra caliza

Lugar de origen: Amarna, Egipto

Periodo: Dinastia XXVIII de Egipto

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Título: Estatuilla en oro de un dios

Artista: desconocido

Fecha de creación: -1400/-1200

Ubicación: British Museum, Londres

Dimensiones físicas:3,94 x 1,25cm

Técnica: Escultura

Material: Oro

Lugar de origen: Anatolia

Periodo/ Cultura: Hititas

Esta figurilla es una pequeña escultura e oro, no supera los 4 cm ni los 2cm de ancho, tan grande como un dedo. Es la representación de una figura antropomorfa, donde se reconocen de arriba hacia abajo, una cabeza provista de dos ojos, una nariz, una boca y dos orejas, sobre la cabeza el figura lleva un objeto de forma cónica, parecido a un cuerno. Enseguida sobre el pecho se observan dos brazos, con las manos juntas y los codos angulares hacia afuera, entre las manos sostiene un objeto alargado y delgado, parecido a una espada. El cuerpo esta cubierto por lo que parece un traje, cubierto por lineas que forman formas geométricas y dibujos. En la parte inferior se encuentran dos piernas, cubiertas también por algo y provistas de zapatos. Esta figura antropomorfa adopta la postura de un cuerpo caminando, con las piernas entre-abiertas, una delante de la otra y los pies elevados del suelo.
En Mesopotamia, los dioses solían ser representados con un cuerno sobre la cabeza, particularmente Thub, el dios de la tormenta tenía como animal representativo el toro. Esta figurilla transmite una postura fuerte y decidida, el pecho está elevado, la mirada fija hacia adelante y los brazos fuertes sobre el pecho reflejan una postura valiente, poderosa y casi invencible.
El oro, material valioso, nos permite reafirmar que se trataba de la representación de un dios o de alguna figura importante merecedora de ser representada en ese metal. Adicionalmente, su pequeño tamaño permite que la figura tenga un peso relativamente pequeño, haciéndola fácil de cargar entre las manos. Estos datos nos permiten pensar que este objeto podría haber sido utilizado para rituales, acompañando rezos, ceremonias, ofrendas, etc.

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Título: Trishekel hispano-cartaginés

Artista: desconocido

Fecha de creación: - 237 a -227

Ubicación: Museo Arqueológico Nacional, Madrid

Dimensiones físicas: 2diametro: 20mm aprox

Técnica: Cuño

Material: Plata

Lugar de origen: Cartago

Periodo/ Cultura: Colonización cartaginesa

Se puede ver una figura redonda, plateada, con varios relieves. Estas partes sobresalientes reflejan la luz, mientras que los bordes oscuros, ayudan a definir la figura.
En la primera cara de este objeto, se reconoce un perfil con rasgos típicos griegos masculinos,  este hombre de nariz gruesa, mira fijamente hacia la izquierda. Su cuello ancho, sostiene una cabeza decorada con hojas, probablemente de laurel, acomodada sobre las oreja que recorre en diagonal todo el cráneo. Alrededor de la corona, se observan pequeñas líneas curvas, referentes al pelo. En la segunda cara de la moneda, se alcanza a observar un borde circular punteado y en el centro un elefante. El animal es tan grande que alcanza los bordes de la moneda, además tiene las patas acomodadas de tal forma que pareciera caminando. Su cabeza, grande y orgullosa mira determinadamente hacia la derecha, como quien conoce su rumbo.
En la época Romana el laurel representaba la victoria, se le otorgaba una corona de laurel a aquellos hombres, guerreros , semidioses, etc que destacaban por su destreza física. Así mismo el elefante era el animal más temido en la guerra, este gigante ser era símbolo de poder y fortaleza militar. Esta moneda, la cual probablemente circulaba entre todas las personas, era un recordatorio constante de la fuerza y el poder de Cartago. Así simbólicamente representaba la victoria, la fuerza, el poder y la destreza militar, convirtiendo este objeto, no sólo en una moneda, sino en una propaganda ideológica y política.

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Obra original perdida (copia de la original de Praxiteles)

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Título: Afrodita de Cnido

Artista: Praxiteles

Fecha de creación: - 350

Ubicación: Museo Vaticanos, El Vaticano

Dimensiones físicas: 205cm altura

Técnica: Escultura

Material: Mármol

Periodo/ Cultura: Grecia clássica

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Arte Griego Helenístico (análisis comparativo)

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Arte Griego Helenístico (análisis comparativo)

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Título: Venus Calipigia

Artista: desconocido

Fecha de creación: -100 a 0

Ubicación: Museo Arqueológico Nacional
de Nápoles, Nápoles, Italia.

Dimensiones físicas: 152cm altura

Técnica: Escultura

Material: Mármol

Periodo/ Cultura: Grecia clássica

En la primera obra Afrodita Cnido, perteneciente al periodo clásico, se reconoce el cuerpo de una mujer, se trata de una escultura en mármol blanco. En la parte superior, se observa una cabeza con rasgos delicados y femeninos, tiene el pelo recogido en la parte de abajo del cráneo y la mirada está dirigida ligeramente más abajo del horizonte. Igualmente, la segunda obra Calipigia, perteneciente al periodo Helenístico, es una escultura de una figura femenina, también de mármol blanco, sin embargo la mirada a tiene una inclinación mucho más pronunciada hacia abajo y hacia atrás; adoptando una postura menos erguida y más dinámica. El pelo de la segunda escultura está provisto de más detalles: la textura está más definida y las curvas son más delicadas. En seguida, mientras que el primer torso está completamente descubierto y definido con líneas curvas sencillas, el segundo torso está cubierto por un velo con múltiples pliegues. Este velo sigue cayendo de forma delicada hasta el piso, sin embargo no cubre las nalgas de la mujer, las cuales sobresalen reflejando la luz blanca. Los brazos de la primera mujer están en una posición ligeramente más estática como si los hubieran acomodado para posar; mientras que los brazos de la segunda mujer adoptan una postura más natural. Sin embargo, ambas figuras están en contraposto.

Aunque las dos esculturas están provistas de detalles, posturas y expresiones distintas, ambas son un claro símbolo de la belleza femenina. Afrodita, o Venus, es por excelencia el símbolo de la feminidad y de la sensualidad, siendo esta sensualidad casi erótica en la escultura Helenística. Es relevante entender que el título Calipigia, hace referencia a unas nalgas bellas, que están expuestas al ojo del espectador, lo que reafirma esta característica más explícita de la sexualidad y el deseo.

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Título: Loba Capitolina

Artista: desconocido

Fecha de creación: -V

Ubicación: Musi Capitolini

Dimensiones físicas: 75cm altura

Técnica: Escultura

Material: bronce

Periodo/ Cultura: Romana

Esta obra en bronce de menos de un metro de altura, es la representación de una loba. Su lomo plano precede una cabeza con un hocico característico del animal, y este, aunque esta ligeramente abierto, no demuestra agresividad. Su mirada esta fija hacia el espectador,  como quien lo observa con recelo y con cautela, sin realmente estar a la defensiva.  Sobre el bronce se observan curvas líneas que contribuyen al detalle del pelo, las patas, las costillas, los dientes, etc. Entre sus cuatro patas, puesta firmes sobre la piedra,  protegen a dos pequeñas personas, probablemente infantes. Los infantes alzan la cabeza buscando alcanzar las mamas de la loba y abren la boca para chupar. La posición de las manos evidencia demuestra la intención que ambos tienen por alcanzar las mamas.

La loba capitolina es el símbolo de la fundación de Roma y es la representación visual de la leyenda que explica el origen del reino.  Sin embargo la obra seleccionada solo es una de las muchas réplicas que representan esta leyenda y fue creada cuando Roma ya era una república.

En esta historia, Rómulo y Remo son dos hermanos abandonados por su madre, que por su status no podía tener hijos. Esta mujer los abandonaron al borde del rio Tíber y una loba los encuentra y los cría como sus propios hijos. Cuando Rómulo y Remo crecen, compiten por la fundación de la ciudad y Rómulo mata a Remo, quedándose con el reino. Rómulo, aunque no se conozca su identidad, representa la unificación de todos los pueblos habitantes de las siete colinas romanas, entre las cuales reinaban los etruscos. De esta forma Roma ,en el -753, pudo empezar a considerarse como la monarquía romana (la primera de las tres etapas del imperio romano).

Es importante tener en cuenta que Luperca es el nombre de esta loba. Lupa significa loba pero también significa prostituta en latín y de esta forma los lupanares eran los prostíbulos romanos. Así mismo, es importante ver la otra cara de la moneda, donde quizás estos huérfanos fueron realmente rescatados y criados por una prostituta. Independientemente de la historia real, la loba se convirtió en el símbolo de la fundación de roma, reflejando su origen místico, poderoso y fértil, reafirmando la valentía y fortaleza de Rómulo para ser rey.

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Título: Fish and loaves (pescado y panes)

Artista: desconocido

Fecha de creación: III

Ubicación: Catatumbas de San Callisto, Roma

Dimensiones físicas:

Técnica: Fresco

Periodo/ Cultura: Paleocristiano

En el centro de este fresco se ubica el único objeto representado. Se reconoce un pez ubicado de forma horizontal, la figura es completamente plana, sin movimiento y su posición indica que no tiene vida. Así mismo, sobre el pez se ubica un recipiente, probablemente una canasta con objetos redondos dentro de ella.

Las creación de las catatumbas romanas comenzó en el siglo ll,  en respuesta al surgimiento del cristianismo, cuando éste todavía era perseguido. Los cristianos no compartían la costumbre de incinerar los cuerpos ya que creían en la resurrección de los difuntos, sin embargo tampoco tenían las capacidades económicas para adquirir tierras dónde enterrar a los muertos católicos; por eso decidieron crear estos enormes cementerios bajo tierra. Estos espacios eran regularmente decorados con símbolos e iconos cristianos, junto con personajes del antiguo y nuevo testamento, pero muchas veces estos iconos eran ambiguos: eran símbolos que se podían entender tanto desde el cristianismo como desde el paganismo para mantenerse en secreto. Estas representaciones eran muy sencillas y sin grandes ornamentos. Como ya se dijo, el cristianismo estaba siendo perseguido y arrinconado en esta época, por lo que se puede pensar que se encontraba en una condición de austeridad, donde los lujos no tenían cabida.

Entrando en detalle, el pez  y el pan son objetos recurrentes en la iconografía cristiana y hacen referencia a un milagro de Jesús: el milagro de los panes y los peces. En este evento, 5000 personas llegaron donde Jesús para que las curara, con el paso del tiempo, mientras Jesús curaba a cada persona, a los 5000 asistentes les dio hambre. Jesús, sin nada más que 5 panes y dos pescados que un joven estaba vendiendo, los multiplicó hasta poder alimentar a toda la multitud.

De esta forma, podemos ver como el objeto, la forma y el medio, son una respuesta de la época y las necesidades del catolicismo en sus orígenes.

Fuente: pressbooks.bccampus.ca

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Título: Desconocido

Artista: desconocido

Fecha de creación: V

Ubicación: La Iglesia de la Multiplicación de los Panes y los Peces, Tabgha, Israel.

Dimensiones físicas:

Técnica: Mosaico

Periodo/ Cultura: Byzantino

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Título: Iglesia de Saint-Étienne
Fecha de creación: 1063
Ubicación: Nevers, Francia
Estilo arquitectónico. Románico

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Estilo arquitectónico: Gótico

Ubicación: Île de la Cité, IVe arrondissement de París, Francia

Fecha de construcción: La construcción comenzó en 1163 y se completó en 1345.

Arquitecto: Desconocido, aunque se cree que fue Maurice de Sully.

Dimensiones: La longitud de la catedral es de 128 metros, la anchura es de 48 metros y la altura de la nave es de 33 metros. La altura de las torres es de 69 metros, mientras que la altura de la aguja es de 93 metros.

Las catedrales que escogí para la entrada de este Padelt fueron dos edificaciones francesas que están distanciadas temporalmente solo por 100 años. La primera, conocida como Iglesia de Saint-Étienne fue construida en piedra 1063 en la entonces pequeña ciudad de Nevers, en la región de Borgoña. La segunda, con un estilo ya no románico sino gótico, fue realizada en el centro de París en 1163 y es, en la actualidad, una de las catedrales más reconocidas a nivel internacional: Notre Dame. La razón por la que escogí estos dos ejemplos es porque me pareció interesante notar la forma en la que el estilo arquitectónico, así como el escultórico y pictórico –como reflejo de lo cultural, lo social, lo político, lo religioso, lo económico, etc.— puede transformarse de manera significativa en un periodo de un siglo (a veces menos). Es pertinente observar, de este modo, que la fachada en la arquitectura románica pretendía la armonía a través de la sencillez de sus muros, y por medio de una combinación estilística entre lo romano y lo bizantino (a saber, la cualidad masiva, los arcos de medio punto, los pilares robustos, el interés por la cúpula, la fijación de la cruz y por las edificaciones cilíndricas). Es posible afirmar, de este modo, que durante la primera mitad del siglo XI se pretende conservar aquella arquitectura religiosa en piedra que es normalmente asociada con la simplicidad. A diferencia del estil románico, el gótico fue la exploración de lo “excéntrico”, de lo “barroco” (sin querer recaer en anacronismos, claro), y de lo “decorativo”. En la Catedral de Notre Dame puede observarse, sin lugar a duda, dichas características. Los arcos, que entonces eran a medio punto, se alargaron y se construyeron con la punta más pronunciada, y fue precisamente sobre estos que empezaron a incluirse pequeñas esculturas que eventualmente se conocerían como las “górgolas”. Además de las estatuas, columnas, capiteles y pináculos que cumplían una función ornamental en la catedral, se incluyeron amplios espacios recubiertos de vidrio (ventanales, si se quiere) que contendrían diversas escenas religiosas. Los vitrales, en juego con la luz natural, dinamizaría la experiencia de la iglesia, volviéndola así algo más grandioso, universal, celestial o magnífico. El saber común también ha dicho que, simbólicamente, las columnas del gótico, así como sus arcos y sus edificaciones tan altas, pretendían alcanzar el cielo y la divinidad. Esta es, quizás, una de las diferencias más evidentes entre el estilo románico y gótico que, entre muchas otras comparaciones, puede notarse en la Iglesia de Saint-Étienne y la Catedral de Notre Dame.

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Masaccio, Retrato de un joven de perfil, c. 1425. Óleo sobre lienzo, 42 x 32cm. National Gallery of Art, Washington.

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Van Eyck, Retrato de hombre con turbante, 1433. Óleo sobre tabla, 25,5 x 19cm. National Gallery of Art, Londres.

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Escogí estas dos obras porque considero que son muy similares, tanto en estilo, técnica, representación y fecha pero también muy distintas con respecto al contexto sociocultural de su producción. La primera es una de las pinturas más reconocidas del artista flamenco Jan van Eyck datada de 1433 y titulada Retrato de hombre con turbante. La segunda, producto de uno de los artistas italianos más importantes de su época y más influyentes en la historia del arte, Masaccio, fechada alrededor de 1425 y titulada Retrato de un joven de perfil. Aunque son evidentes sus semejanzas, pues se trata de un retrato de un personaje masculino que cubre su cabeza con un turbante rojo carmesí, sus diferencias también son notorias. El Renacimiento flamenco, bien representado en la pintura de van Eyck, había explorado ya el uso del óleo, un material que permitía plasmar diversos detalles y, del mismo modo, el mimetismo del sujeto con la realidad. El claroscuro, siempre intensificado por el juego de sombras, permite, en el primer caso, la representación de una gestualidad más natural así como de un movimiento y dinamismo en el turbante que refiere tanto a la tela y su textura como a su ligereza. Aunque el Renacimiento italiano alcanzará la maestría de los pintores flamencos con el paso del tiempo, es importante notar cómo Masaccio, contemporáneo a van Eyck, no logra el chiaroscuro, el juego de sombras, el detalle gestual ni el movimiento de la obra. Este es, contrario al primero, un personaje rígido que aún carga con las influencias de los iconos bizantinos y del arte religioso más tradicional. Será la introducción del óleo a Italia, así como un mayor interés en la perspectiva y en las temáticas representadas, lo que le permitirán al arte latino su desarrollo.

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Título: Amor Sacro y Amor profano
Año : hacia 1515-1516
Autor :Tiziano
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo :Renacimiento
Tamaño :118 cm × 279 cm
Localización : Galería Borghese, Roma,  Italia

En esta obra titulada "Amor Sacro y Amor Profano", hecha por Tiziano en 1515, se pueden ver 3 personajes en el centro. La primera figura a la izquierda es una mujer de tez muy clara, pelo rubio y vestido generoso blanco, está sentada en el borde de una fuente. A la derecha de la imagen hay otra mujer de características físicas similares a la anterior, sin embargo se encuentra desnuda ( un velo blanco cubre su sexo). Ésta última también está sentada en el borde de la fuente y dirige su mirada hacia la mujer de la izquierda. Entre las dos mujeres, con una mano dentro del agua, se encuentra un infante recostado sobre su pecho en el borde de la fuente. En la espalda de este pequeño ser se reconocen dos elementos, probablemente alas, lo que nos podría dar indicios de que se trata, particularmente, de un ángel.  Se reconoce entonces una escena que se ubica en un limbo entre lo terrenal y lo divino. Adicionalmente de los 3 personajes, en el borde de la fuente también se reconocen algunos objetos circulares como vasijas o platos y la base de la fuente, está decorada con figuras grecorromanas talladas. Los tres personajes nombrados, resaltan a la vista gracias a la luz que el autor otorga: la tez clara brilla y sobre sale de el fondo oscuro compuesto por árboles, arbustos y colinas. Se ubican en algún lugar elevado, probablemente una colina, lo que permite tener una perspectiva sobre el paisaje del fondo. En este último plano, vuelve a percibir cierta luminosidad que permite distinguir un castillo en la esquina superior izquierda y un cuerpo de agua, junto con un pueblo y una torre en la esquina superior derecha. Este paisaje del fondo esta compuesto mayoritariamente por tonos azules y grisáceos, lo que refuerza esta lejanía en la escena. Es crucial reconocer el juego de luces (chiaroscuro) entre el ultimo plano, el plano intermedio y el primer plano (en el cual se encuentran los 3 personajes). Igualmente es relevante resaltar los detalles del primer plano: los dobleces de la tela, perfectamente definidos, el movimiento del agua, los brillos y la textura del pelo, etc.
Gracias al título y los colores que acompañan a estas dos mujeres, blanco y rojo se podría entender que estas dos mujeres son la representación de los dos amores existentes en la época: el amor sagrado y el amor profano. Esto nos permitiría entender a estas dos mujeres como Venus (diosa del amor). Siguiendo esta linea argumentativa, se podría también nombrar con nombre propio a este ángel: se podría pensar que se trata de Cupido. Adicionalmente, la mujer de la derecha, aquella que está desnuda, tiene su mano izquierda cerca del cielo con la palma voltada hacia arriba, lo que le otorga cierta cercanía con lo celestial. De esta misma forma, la mujer de la derecha mira desde arriba a la mujer de la izquierda, la cual esta rodeada por árboles o no tiene ningún contacto con el cielo. De esta forma se podría pensar que la mujer de la derecha, es la representación del Amor Sagrado y la mujer de la izquierda sería la representación del Amor Prófano.

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Título: La Lechera

Creador: Johannes Vermeer

Fecha: 1660

Style: Escuela de los Países Bajos del Norte

Dimensiones físicas: w410 x h455 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta obra se sitúa en la esquina de una habitación, se alcanza a ver la unión entre la pared de al fondo y la pared lateral la cual tiene una ventana de marco de madera donde entra la luz de la escena. La luz ilumina la cara de una mujer, probablemente una criad que lleva el pelo recogido y un vestido colorido pero sencillo. Esta joven está vertiendo leche desde una jarra de barro a otro recipiente. Esa misma luz, ilumina el mantel de una pequeña mesa ubicada en la esquina inferior izquierda de la obra, en la cual todo acontece. Sobre esta mesa, una jarra azul y pedazos de pan reflejan la luz que entra por la venta. La disposición de los objetos, al igual que los brillos y detalles poco definidos constituyen una vez más, la característica naturaleza muerta de Vermeer. Así mismo los pliegues de la tela del mantel, así como los del delantal y las mangas de la criada, son testigos del delicado juego de luz y sombra característico del artista. El chiaroscuro, los pliegues, el detalle de las telas, la delicadeza de los detalles, etc. le dan un aire de grandeza que choca con la cotidianidad y banalidad de la escena representada. Esta cotidianidad se ve reforzada por el fino movimiento del chorro de leche: la escena fue capturada en un instante cualquiera, de forma tan discreta e insonora que la joven no se ha dado cuenta de (los) espectador(es) que la observan.

Es interesante resaltar como Vermeer decide retratar, con un nivel de detalles y de grandeza monumentales, una escena completamente normal, banal, sin importancia alguna. Aunque el espacio representado es sencillo – no está provisto de adornos, ni tapices, ni cuadros , ni telas, etc.- el autor captura, con la misma vehemencia y responsabilidad con la que representaría la sala de un castillo, los detalles de las grietas en la pared, las puntillas, hasta el roto de la ventana y los sencillos azulejos cercanos al suelo. Esta paradoja está además reforzada por el uso del azul, probablemente proveniente del lapislázuli en aquella época, el autor decide enaltecer aún más la escena, tal vez con la intención de reconocer lo divino en el cotidiano.

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Autor: Antonio Canova
Creación: 1793
Ubicación: Museo del Louvre
Estilo: Neoclásico
Material : Mármol blanco
Técnica: Esculpido
Dimensiones: 1,55 m  × 1,68 m × 1,01 m

Este mármol es sin lugar a dudas una de las mejores representaciones del periodo en el que Canova vivió. De esta única pieza en mármol se desprenden dos cuerpos esculpidos delicadamente. Una mujer, apoyada en la cadera sobre el suelo, con la cabeza levantada hacia arriba, clava su mirada en un segundo personaje. Sobre la mujer se ubica un hombre alado, probablemente un ángel, quien a su vez retorna el abrazo y devuelve la mirada fija y amorosa en dirección de la mujer. Ambos personajes se encuentran semi desnudos, con el torso al aire. Una escena intima, cercana y amorosa, se ve reforzada por las manos del hombre, las cuales sostienen cariñosamente la cabeza y el seno izquierdo de la mujer, quien se derrite entre sus brazos. Se oponen estos dos personajes, no solo en su genero, sino también en su expresividad: la mujer se entrega, desgonzada entre los brazos de este ángel y por el contrario, este ser masculino sostiene con fuerza y firmeza el cuerpo de la mujer inclinándose hacia ella. SIn ambargo, los cuerpos delicados y suaves parecen flotar en el aire, sin esfuerzo ni dureza.
Podemos reconocer entonces que este hombre se trata particularmente de cupido: sus alas y sus facciones jóvenes y delicadas, casi infantiles, son símbolos característicos que nos permiten pensar que tiene nombre propio. A su vez, el conocido mito griego que narra la historia amorosa entre Cupido y Psyche, nos lleva a pensar que aquella mujer, dramáticamente entregada al amor -o al desamor- se trata de Psyche.
Psyque, una mortal dotada de una belleza increíble, enamora a todos los hombres lo que genera una gran envidia en Venus. En venganza, esta diosa manda a su hijo cupido a flecharla para que se enamora del hombre mas feo y en ese momento, Cupido y Psyque se enamoran profundamente. Venus acepta el amor ente estos personajes, con la condición de que nunca podrán verse a los ojos. en un momento de amor desenfrenado, Psyque mira a los aojos a su amado y Cupido se va con rabia y decepción. La hermosa mujer lo busca hasta el inframundo y Venus, apiadándose de ella, le da ciertas tareas a cumplir para recuperar al ángel. En una de aquellas misiones, la mujer cae en un sueño eterno profundo y es Cupido, quien regresa a despertarla con un beso.
Canova, siglos después del origen de este mito, decide retomarlo impulsado por las influencias del neoclacisismo: un resurgimiento de intereses enfocados en rescatar la antigüedad clásica, los personajes, las historias, los valores, la mitología, etc. Sin embargo, es interesante notar como en el neoclacisismo, aunque hayan transcurrido cientos e incluso miles de años, no propone una lectura nueva de estos mitos.

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Año: 1819
Autor: Théodore Géricault
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Romanticismo
Tamaño: 491 cm × 716 cm
Localización: Museo del Louvre, París, Francia

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Autor: Jean-François Millet
Creación: 1857-1859
Técnica: Óleo sobre lienzo
Tamaño: 66 cm × 55,5 cm
Ubicación: Museo de Orsay, París, Francia.

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Título: Devant la Psychée
Autor: Berthe Morisot
Creación: 1890
Técnica: oleo sobre lienzo
Ubicación: Martigny, Fondation Gianadda

El impresionismo es un movimiento artístico que surgió en la segunda mitad del siglo XlX. Con el surgimiento de la fotografía y la necesidad satisfecha de representar la realidad de forma fiel,  los artistas empezaron a explorar nuevas maneras de aproximarse a su entorno. Aunque no se trataba ya de una representación literal o expresamente mimética de la realidad, las pinturas de este periodo podrían ser consideradas como una nueva representación. De esta forma, los colores , las luces, la perspectiva y la temática comienzan a ser explorados dando como resultado el impresionismo. Esta exploración desemboca en una forma revolucionaria de pintar, alejándose de la academia de los formalismos del arte: se introducen la pincelada rápida y despreocupada, los brochazos bruscos y cargados de color para captar EL instante efímero (de ahí su nombre).
En este caso, por ejemplo, pueden observarse todas las características nombradas anteriormente: los brochazos son tan burdos que  se desfigura la cara de la joven, apenas se reconoce su silueta que hasta en ciertos momentos se confunde con el fondo. Así mismo la joven es retrata en un momento particular, pues se trata de un instante intimo en el que ni ella se percata que está siendo observada, esta intensión de ver desde otro lugar es tan evidente que la perspectiva es errónea puesto que el reflejo del espejo no corresponde a lo que debería mostrar (por ejemplo, el resto de la cama o la silla).  Considero importante resaltar la paleta de color que utiliza Morisot en este cuadro pues, hace uso de tonos pasteles alejándose de la necesidad de representar miméticamente los colores de la escena. Se vuelve entonces evidente que los artistas comienzas a jugar con la "mínima forma viable" de las cosas.

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Título: Le rêve
Año: 1910
Autor: Henri Rousseau
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Arte naíf
Tamaño: 204,5 cm × 298,5 cm
Localización: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York

Mayoritariamente verde, esta obra, esconde una variedad de figuras y detalles que despiertan de inmediato la curiosidad en quien la observa.
Desde la esquina inferior izquierda, una mujer desnuda recostada -en lo que parece ser un sofá- atrae la mirada del espectador.  Entre distintas hojas y plantas sobresale su cuerpo curvilineo que continua la diagonal dictada por sus piernas (cruzadas a la altura de los tobillos). La mujer apunta con su brazo izquierdo la esquina derecha de la obra, donde aparecen nuevos personajes que a primera vista no son evidentes. En el centro del cuadro, escondidos entre la flora, se reconocen los ojos grandes abiertos de dos leonas y justo detrás de ellas, aún más camuflado, se encuentra un hombre negro de pie. En sus manos tiene un instrumento de viento y sus genitales están cubiertos con una tela a rallas colorida. Rodeado por una multitud de  pequeños animales como pájaros y simios, los cuales se camuflan entre la frondosa fauna, el señor nos observa de frente.  Entre la mujer y el señor también  sobresale un cuerno de marfil y permite reconocer el perfil de  un elefante el cual está escondido detrás de un árbol frutal que parece ser un naranjo.
Pedazos de cielo azul claro escapan de la frondosa fauna, dándole espacio en la esquina superior derecha a una luna llena. Pareciera casi como la luz de esta luna iluminara la escena, como si su luz lunática inundara esta jungla mágica, misteriosa, casi carente de cordura. La provee igualmente de un tinte majestuoso: estamos frente al poder da la naturaleza, en el corazón de la jungla tropical. La luna simboliza lo salvaje, aquello que es libre, divino, mágico, emocional, carente de razón. Esta escena es precisamente eso, la representación de la construcción imaginaria de "La Selva Tropical" para Rousseau, compuesta de los mayores iconos de la naturaleza salvaje: leones, elefantes, arboles frondosos, flores gigantescas, hombres con taparrabos tocando instrumentos, pájaros coloridos, etc. Esta representación muy cercana al cliché del trópico, este imaginario reducido y representado a través de íconos y generalidades incluso erróneas, es reforzado por una representación ingenua, naive, donde las formas son altamente simplificadas, los colores son vivos y vibrantes, la perspectiva y proporción es casi que inexistente. Estas características enmarcan perfectamente a esta obra dentro del Art Naif acercándola incluso al primitivismo.