# data[].attributes.body
BIOGRAFIA: Nació el 30 de marzo de 1853 Zundert (Países Bajos) y falleció el 29 de julio de julio de 1990 en Auvers- Sur-Oise (Francia)  a la edad de 37 años. Fue uno de los pintores más relevantes del Postimpresionismo, pintó unos 800 cuadros entre ellos 43 autorretratos (como el que podemos ver en esta página) además pintó 148 acuarelas y realizó más de 1600 dibujos. Su hermano Theo fue quien lo financió ya que era marchante de arte en Paris.

Desde muy joven le gustó el dibujo. En 1885 pintó su primera gran obra (Los comedores de patatas) en este cuadro ya se percibía la gran obra artística que sería un gran legado artístico. En esta obra se puedan observar los tonos sombríos y terrosos, la luz y la preferencia por los colores vivos surgirían después  cuando se traslado a Francia, su plenitud como pintor se inicia en Arlés, con su obra cumbre la habitación de Arlés, de la que hablaremos más adelante y de otras de sus obras más relevantes. La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una exposición en 1890. Actualmente se considera uno de los artistas pictóricos más grandes de la historia.

Influyoó en el arte del siglo XX, principalmente en los expresionistas alemanes y los fauvistas como, Matisse, Derain, Vlamick y Kees van Dongen. Estos movimientos artísticos, el Fauvismo y el expresionismo, son los siguientes al Impresionismo y el postimpresionismo.

Falleció por una herida de bala pero al día de hoy aun no se sabe si fue un suicido o un homicidio. A pesar que Van Gogh era un poco esquizofrénico esto no influyó en su obra. El mismo artista diría sobre su infancia “Mi juventud fue triste, fría y estéril” ya que estuvo en muchos internados, dejando los estudios a los 15 años. En 1883 viviendo en Nuenen, su hermano Theo le recrimina que usa colores tenebrosos y no contribuyen a su difusión, ya que no estaban en la línea del estilo del momento, el impresionismo a lo que Van Gogh contesta literalmente.

“He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He encontrado «tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (...) tratar de dar un valor claro por medio de tonos relativamente oscuros. En una palabra, expresar la luz por oposición a la oscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido”.

También se inspiró en el arte japonés, realizando replicas de grabados japoneses y algunas reproducciones suyas se escenifican en este país. A las reproducciones procedentes de Japón  se les llamo Japanaiserie, dos de estas reproducciones fueron Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, de estas obras  dejó escrito el siguiente comentario:

“Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco”.

Empezó a partir de aquí a utilizar la luz en sus pinturas e innovó con la mezcla de colores para hacerlos más vivos.

# data[].attributes.body
en esta obra al oleo, considerada una de sus grandes obas, centrando la atención en coordinar cinco personajes y conseguir coordinarlos, hasta entonces sus esfuerzos se centraban en una sola figura.

Para realizar esta figura contrató modelos, dibujo esbozos de las figuras estudió todos los detalles, las manos como tenían que sujetar el tenedor, como debían de ser la taza y la tetera.

Los colores empleados de tonos oscuros terrosos y tenebrosos no ayudaron a su difusión, pero su hermano Theo le ayudó y se imprimieron 20 litografías, el autor quiere expresar  que esta gente que come bajo la lámpara es el alimento que ellos mismos han trabajado en el campo, decía  que los campesinos debían pintarse con la tierra que siembran.

Este cuadro para el artista sugiere la forma de vida de los personajes comen lo que se ganan con su trabajo manual, “no he pretendido que sea bonito ni bueno”.

# data[].attributes.body
CUADRO REALIZADO EN 1888.

Pintura pintada al óleo, el edificio era el número 2 en la Place Lamartine de Arlés. Esta casa la alquilo en el mes de septiembre de 1888, la ventana con los postigos cerrados es su habitación que luego plasmaría en su obra, El dormitorio de Arlés.

Van Gogh  colocó al fondo del cuadro toda la parte de arquitectura, el primer plano lo reserva para los campos y el paisaje de alrededor de la casa y reservando una gran parte para el horizonte, todo esto lo consigue con los colares azul y purpura y lo increíble es que parece que te puedas meter a pasear en los alrededores de la casa junto a los vecinos que se muestran.

# data[].attributes.body
El pintor realizó tres versiones de esta habitación que como ya hemos dicho era la suya, el pintor con esta obra  quiere transmitir la tranquilidad y la simplicidad de su dormitorio, a través de los colores, (los muros lila pálido, el suelo de rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sabana verde limón muy pálido, la manta rojo sangre la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde.

El autor quería expresar un reposo absoluto mediante esta mezcla de tonos a pesar de ser un dormitorio vacio pero austeramente amueblado, constituida casi en su totalidad con líneas rectas.

# data[].attributes.body
Representa la vista desde la ventana orientada al este de su habitación, en el manicomio del monasterio de Saint-paul- de-Mausole, donde tenía un habitación de asilo en Saint-Rémy-de-Provence, antes del amanecer, este pintor tiene tanta imaginación que le añade un pueblo imaginario, para darle más perspectiva y profundidad al cuadro, está considerada como su obra maestra el elemento pictórico principal es la línea diagonal procedente de la derecha que representa las colinas bajas y onduladas de las montañas Arpilles, los cipreses son visibles. Más allá de la pared del fondo que encierra un campo de trigo

En esta obra usa los tonos azules en su totalidad como el malva el marino y el morado y mezcla amarillos para los contrastes y las líneas rectas del pueblo para con la perspectiva darle vida a todo el paisaje

# data[].attributes.body
Realizado en 1890, representa la iglesia del pueblo donde a la salida del pintor de manicomio, pasaría las que serian sus últimas 10 semanas de vida, en este corto espacio de tiempo el pintor realizaría un centenar de cuadros, hasta que descubrió esta iglesia de estilo gótico que plasmaría en este cuadro.

La construcción de la iglesia la pinta en un color violeta, el cielo como el mismo diría es de un azul simple oscuro y cobalto puro, ventanas de azul ultramar, el tejado violeta mezclado con anaranjado, en el fondo se puede observar florecer plantas verdes la arena la plasma con la idea de usar un reflejo rosa del sol.

Alrededor de la iglesia se observa hierba verde y caminos bañados con luz llevándolos en direcciones diferentes. En los laterales podemos observar casas y arboles.

En uno de los caminos vemos a una campesina acercándose a la iglesia dotando al cuadro de una realidad inimaginable.

EN ESTE CUADRO DA LA IMPRESIÓN DE PODER ENTRAR DENTRO ANDANDO.

# data[].attributes.body
Este cuadro está pintado al óleo es de 1890, alcanzó un precio record en 1990 100 años después de ser realizado hay dos versiones de este cuadro las dos son de junio de 1890, este doctor fue un psiquiatra amante del arte, formó una importante colección de cuadros, en 1952 su hijo, donó al estado Francés.

Enseguida forjaron una gran amistad y este aceptó posar para hacerle un retrato, en esta obra abandona la pose estática de los precedentes, el mismo Van Gogh diría este triste rostro es la expresión desencadenada de nuestro tiempo, al ser una obra totalmente innovadora.

El Doctor aparece pensativo preocupado con un aire escéptico.

La forma en que lo representa: la cabeza con una gorra blanca, muy rubia, muy clara las carnaciones de las manos muy blancas, un traje azul y un fondo cobalto, todo esto se lo explica tal cual a su hermano Théo.

En la segunda versión de este cuadro eliminó el vaso y el libro resaltando la planta sobre un fondo rojocon un fondo mas azulado

# data[].attributes.body
Retrato realizado por von Gogh en 1887, se encuentra en el Museo Rodin (Paris). Pintó tres retratos del señor Tanguy. Pintados en el invierno de 1886 a 1887. Estos cuadros muestran la progresión que tuvo después de su llegada a Paris. Las dos últimas que son en la que Tanguy está sentado lo muestran con un fondo de pared coloreado con impresiones japonesas

https://www.domestika.org/es/blog/4430-el-amor-de-vincent-van-gogh-por-lo-japones