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Il kinetoscopio è stato un dispositivo sviluppato da Thomas Edison e il suo team di ricerca nel 1891. Si trattava di una macchina per la visualizzazione individuale di brevi filmati in motion picture. Gli spettatori inserivano una moneta, giravano una manovella e guardavano attraverso un occhiello per vedere una breve sequenza di immagini in movimento su un rotolo di pellicola. Il kinetoscopio era principalmente utilizzato nelle sale d'attesa e nei luna park, e rappresentava una delle prime forme di intrattenimento cinematografico.

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Il Neorealismo italiano è un movimento cinematografico emerso in Italia nel dopoguerra, negli anni ’40 e ’50. Si distingue per la sua attenzione alla rappresentazione realistica della vita quotidiana delle persone comuni e inoltre rappresenta l'Italia dell'epoca molto spesso utilizzando attori non professionisti e girando in location reali anziché in set cinematografici.

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Il cinema d’avanguardia e sperimentale è un movimento cinematografico che si è

concentrato sulla sperimentazione visiva e conceHuale, è spesso provocatorio e simbolico

e porta lo speHatore in scenari lontani dalla realtà. Fa largo uso di sperimentazione

riguardo al montaggio.

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I fratelli Lumière, Louis Lumière e Auguste Lumière, sono due delle figure più importanti nella storia del cinema.

Sono famosi per aver inventato il cinematografo e per aver presentato la prima proiezione pubblica di film nel dicembre 1895 a Parigi, Francia. La proiezione, tenutasi presso il Salon Indien del Grand Café, segnò l'inizio ufficiale dell'era del cinema.

Il cinematografo dei fratelli Lumière era un dispositivo innovativo che combinava fotocamera e proiettore in uno strumento unico. Consentiva la ripresa, lo sviluppo e la proiezione di brevi film su pellicola, aprendo la strada per l'industria cinematografica moderna.

Le prime forme di cinema erano spettacoli brevi e non narrativi, chiamati "cinematografi" o "film primitivi".

Questi film erano principalmente registrazioni di scene quotidiane, eventi, performance teatrali o semplici scherzi, proiettati senza una trama o una narrazione strutturata.

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Fratelli Lumière - Larrivo di un treno alla stazione di La Ciotat  [1896]

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Cinematografo e pellicola fotografica: iniziale sistema di ripresa e proiezione delle

immagini in movimento. Utilizza una pellicola fotografica fotosensibile.

Editing analogico: il montaggio e la modifica delle sequenze venivano effettuati fisicamente tagliando ed incollando la pellicola in modo da creare la sequenza desiderata.

Effetti speciali analogici: gli effetti speciali erano realizzati manualmente durante le riprese o in fase di postproduzione, tramite trucchi di scena, sovrapposizioni di

pellicole o miniature.

Illuminazione: l’illuminazione era fondamentale per la qualità delle riprese. Si utilizzavano fonti di illuminazione come luci a gas, lampade e riflettori per ricreare l’atmosfera desiderata.

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Georges Méliès è stato un pioniere del cinema francese e una figura chiave nella storia del cinema mondiale. Méliès è noto soprattutto per le sue innovative tecniche cinematografiche e la sua straordinaria creatività nel campo degli effetti speciali e della narrazione visiva.

Méliès iniziò la sua carriera come illusionista, gestendo il Théâtre Robert-Houdin a Parigi, dove sviluppò interesse per l'uso di trucchi e illusioni ottiche. Nel 1896, dopo aver assistito a una proiezione del cinematografo dei fratelli Lumière, Méliès decise di dedicarsi al cinema.

Alcuni dei suoi film più famosi includono "Sparizione di una donna al teatro", "Viaggio sulla Luna" e "Il viaggio attraverso l'impossibile"

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Sparizione di una donna al teatro Robert-Houdin  Georges Méliès, 1896

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“Il gabinetto del dottor Caligari” di Robert Wiene, è uno dei film più significativi di questo movimento. La trama racconta la storia di un ipnotizzatore che utilizza un sonnambulo per commettere omicidi. Il film è celebre per le sue scenografie surreali, con ambientazioni oniriche e distorte che riflettono lo stato psicologico dei personaggi. L’uso innovativo delle scenografie e delle luci ha contribuito a rendere questo film un’icona dell’Espressionismo tedesco, influenzando notevolmente il linguaggio visivo del cinema.

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Il Gabinetto del dottor Caligari - Trailer

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L’Espressionismo tedesco è un movimento cinematografico che emerse nella Germania degli anni ’20.

È caratterizzato da un linguaggio visivo che trasmette un senso di ansia, paura ed inquietudine. Il periodo in cui l’Espressionismo tedesco fiorì era segnato dall’instabilità politica, sociale ed economica della Prima Guerra Mondiale. Il cinema espressionista rifletteva spesso il senso di disorientamento, alienazione e caos dell’epoca.

Attraverso l’uso di scenografie e luci distorte cerca di penetrare nella psiche umana, rappresentando spesso mondi interiori e sogni piuttosto che la realtà.

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“Un cane andaluso” (1929) di Luis Bunuel e Salvador Dalì, è un cortometraggio sperimentale iconico del cinema surrealista. Il film presenta una serie di immagini strane,

oniriche e spesso disturbano. La trama del film non segue un filo logico, Brunuel e Dalì hanno esplorato l’inconscio, l’irrazionale, utilizzando immagini surreali e simboliche per

creare uno stato di incertezza emotiva nel pubblico.

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“Via col vento” (1939) di Victor Fleming, è basato sul romanzo di Margaret Mitchell, il film è ambientato durante la Guerra Civile Americana e segue la storia di una Rossella O’Hara, una donna determinata che cerca di sopravvivere agli stravolgimento della guerra e dei cambiamenti sociali. Il film rappresenta un esempio classico del cinema narrativo classico, ha una trama ben strutturata, una progressione lineare ed un focus sui personaggi e le loro sfide emotive. È celebre per la sua grandezza visiva, per le performance degli attori e per l’epica durata del film. Via col vento è diventato un’icona del cinema hollywoodiano classico, rappresentando la magnificenza e la maestria narrativa tipica del periodo.

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Proposta di Matrimonio Rhett a Rossella Via col Vento ITALIANO

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L'introduzione del sonoro ha portato a miglioramenti nelle cineprese per registrare l'audio sincronizzato con l'immagine.

Sviluppo di attrezzature per effetti speciali, come fondali mobili, miniature e trucchi di ripresa.

Microfoni a tubo a vuoto: Verso la fine degli anni '30, sono stati introdotti i microfoni a tubo a vuoto, che utilizzavano tubi a vuoto per amplificare i segnali audio. Questi microfoni offrivano una qualità audio eccezionale e venivano spesso utilizzati per registrazioni vocali e musicali in studio.

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“Ladri di biciclette” di Vittorio De Sica è uno dei film più significativi del Neorealismo italiano. La trama segue la storia di un padre di famiglia disoccupato che

trova lavoro come attacchino pubblicitario. Un giorno gli viene rubata la sua bicicletta che era fondamentale per il suo lavoro. Dopo assieme al figlio intraprende una ricerca

disperata per ritrovarla, una volta trovata non gliela ridanno e lui prova a rubare un'altra bicicletta ma lo fermano. Il film è noto perla sua rappresentazione accurata e cruda della

povertà e delle difficoltà della classe lavoratrice italiana del dopoguerra. Girando nelle strade di Roma, de Sica ha catturato la vita reale della città e delle persone comuni,

sottolineando le sfide sociali ed economiche dell’epoca.

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Scena finale di Ladri di biciclette, 1948

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Macchine da presa e obiettivi ottici: le macchine da presa erano dispositivi meccanici che catturavano le immagini sulla pellicola attraverso l’obiettivo ottico, consentendo la registrazione delle sequenze.

Illuminazione: l’illuminazione era fondamentale per la qualità delle riprese. Si utilizzavano fonti di illuminazione come luci a gas, lampade e riflettori per ricreare l’atmosfera desiderata.

Microfoni a nastro magnetico: Questi microfoni sono diventati più comuni negli anni '20. Funzionavano utilizzando una membrana metallica sottile collegata a un magnete, che generava un segnale elettrico proporzionale alle onde sonore. Erano più sensibili e offrivano una migliore qualità audio rispetto ai microfoni a carbonio.

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La Nuova Onda Francese è un movimento cinematografico emerso in Francia durante gli anni '50 e '60. Questa corrente, condotta da giovani registi, ha rivoluzionato il linguaggio del cinema, sfidando le norme tradizionali e adottando nuovi approcci alla direzione, alla scrittura e alla produzione cinematografica.

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"I 400 colpi" è un film del 1959 diretto da François Truffaut, considerato uno dei capolavori della Nuova Onda Francese. Il film racconta la storia di Antoine Doinel, un giovane ragazzo parigino che affronta le sfide della sua adolescenza. Con una narrazione intimista e uno stile realistico, il film esplora temi come l'alienazione giovanile, la ribellione e la ricerca di identità. La performance del giovane attore Jean-Pierre Léaud nel ruolo di Antoine è particolarmente acclamata, contribuendo a rendere il film un'icona del cinema francese e internazionale.

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Il DAP VM-60 Ã¨ un tipico microfono anni 50 e 60 ed Ã¨ dotato di una bobina mobile con un pattern cardioide. Il riconoscibile design vintage cromato Ã¨ dotato di un pulsante ON/OFF e può essere posizionato su un supporto per microfono standard. Sono inclusi una custodia per il trasporto e un adattatore filettato.

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Il Cinema d’Autore e il New Hollywood sono due movimenti distinti ma interconnessi nel panorama cinematografico. Il Cinema d’Autore si riferisce a un approccio alla regia in cui il regista è considerato il principale autore del film, esercitando un forte controllo creativo sulle opere cinematografiche. Nel contesto del New Hollywood, che si è sviluppato tra gli anni '60 e '80, i registi hanno goduto di una maggiore libertà creativa, producendo opere più audaci e sperimentali.

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"Taxi Driver" è un film del 1976 diretto da Martin Scorsese e scritto da Paul Schrader. Il film segue la storia di Travis Bickle, un ex combattente del Vietnam che diventa tassista a New York. Attraverso il suo punto di vista distorto e alienato, il film esplora temi di solitudine, alienazione e violenza urbana. La performance di Robert De Niro nel ruolo di Travis è stata acclamata dalla critica, così come la regia di Scorsese e la sceneggiatura di Schrader. "Taxi Driver" è diventato un'icona del cinema americano e ha avuto un'influenza duratura sulla cultura popolare.

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Gli anni '70 hanno visto anche miglioramenti significativi nei sistemi audio utilizzati nei cinema. L'introduzione del suono Dolby Stereo ha migliorato la qualità dell'audio e ha permesso una maggiore chiarezza e immersività nell'esperienza di visione.

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Il cinema Moderno e Contemporaneo rappresenta la fase più recente nella storia del cinema, caratterizzata da una vasta varietà di stili, generi e metodologie nella produzione cinematografica. Questo periodo è stato segnato dall'introduzione delle nuove tecnologie, che hanno ampliato le possibilità narrative visive, e dall'espansione della diversità culturale e tematica nei film prodotti.

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"Avatar" è un film del 2009 scritto e diretto da James Cameron. Ambientato in un futuro distante su un pianeta alieno chiamato Pandora, il film segue la storia di Jake Sully, un ex marine paraplegico che viene reclutato per partecipare a un programma che coinvolge l'utilizzo di avatar, corpi umani geneticamente ibridati con i nativi di Pandora, i Na'vi. Attraverso il suo avatar, Jake si immerge nella cultura dei Na'vi e si trova coinvolto in una lotta per proteggere il loro modo di vita dalle ambizioni di sfruttamento della risorsa mineraria del pianeta da parte delle corporation terrestri. "Avatar" è stato acclamato per i suoi effetti visivi rivoluzionari e per la sua trama coinvolgente, diventando uno dei film di maggior incasso della storia del cinema.

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1. Sistemi Audio Avanzati: I sistemi audio come Dolby Atmos offrono un'esperienza audio tridimensionale, con audio che sembra provenire da ogni direzione, contribuendo a rendere l'esperienza cinematografica più coinvolgente.

2. Editing e post-produzione digitale: L'editing digitale consente ai registi di modificare e perfezionare le loro opere con maggiore flessibilità rispetto all'editing tradizionale su pellicola. La post-produzione digitale consente anche l'aggiunta di effetti speciali, correzioni colore e altre manipolazioni visive.

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Miglioramenti nella qualità delle lenti e dei dispositivi di registrazione audio.

L'era della televisione ha spinto l'industria cinematografica a competere con contenuti più coinvolgenti e di alta qualità.

Microfoni a condensatore: Gli anni '50 hanno visto l'introduzione e l'adozione dei microfoni a condensatore. Questi microfoni utilizzavano una capsula condensatrice per convertire le onde sonore in segnali elettrici. Erano noti per la loro sensibilità e risposta in frequenza estesa e venivano spesso utilizzati per registrazioni vocali e sonore di alta qualità.

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Editing analogico: il montaggio e la modifica delle sequenze venivano effettuate fisicamente tagliando ed incollando la pellicola in modo da creare la sequenza desiderata.

Effetti speciali analogici: gli effetti speciali erano realizzati manualmente durante le riprese o in fase di postproduzione, tramite trucchi di scena, sovrapposizioni di pellicole o miniature.

Microfoni a dinamo magnetica: Questi microfoni sono diventati più comuni negli anni '20 e '30. Funzionavano utilizzando un magnete che oscillava all'interno di un campo magnetico, generando un segnale elettrico proporzionale alle onde sonore. Erano più robusti rispetto ai microfoni a nastro magnetico e offrivano una qualità audio migliore.

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Il cinema narrativo classico si riferisce ad un periodo cinematografico che si estende dagli anni ’20 fino agli anni ’60. È caratterizzato da una struttura narrativa ben definita, in cui la storia è raccontata in modo lineare, con un inizio, uno sviluppo e una conclusione. Questa struttura ha messo in risalto la narrazione della storia e la personalità dei personaggi.