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Amsterdam, Países Bajos.

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Edificio del museo.

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El Rijksmuseum, también conocido como Museo Nacional de Ámsterdam, es un museo de arte, artesanía e historia ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. Fue fundado en 1800 en La Haya y se trasladó a Ámsterdam en 1808. El edificio actual, diseñado por el arquitecto Pierre Cuypers, se inauguró en 1885. El museo alberga una colección de más de 8.000 obras de arte, que incluyen pinturas, esculturas, dibujos, grabados y objetos decorativos. La colección abarca un período de tiempo de más de 800 años, desde la Edad Media hasta el siglo XX. Distribuyendo sus obras en 4 pisos los cuales contienen:

-El Siglo de Oro neerlandés

-Arte europeo

-Arte asiático

-Arte de África

-Arte moderno y contemporáneo

Visitado virtualmente el 25 de octubre.

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Bogotá, Colombia.

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Al realizar la visita al museo a través de "Google Arts and Culture" en un inicio ésta resulto ser bastante confusa, ya que Google nos presenta 13 distintas opciones de inmersión en el museo, de las cuáles algunas se repetían. Pero ya al utilizar la herramienta pude recorrer el museo a través de las distintas plantas que Google nos ofrece. En este recorrido comencé desde la planta B1, donde en esta planta se caracteriza por tener objetos de la edad antigua pertenecientes a civilizaciones de Asia.

En la planta 0, el museo presenta una "colección especial" la cual contiene distintas obras de arte, esculturas, vestimentas, cerámicas, utilerías, joyas, armas y pequeñas esculturas arquitectónicas pertenecientes a la Edad Media. Adicionalmente en esta planta también se puede encontrar esculturas y manuscritos pertenecientes a la civilización egipcia.

En la planta 1, podemos encontrar el Arte Europeo en general desde el 1800 hasta el 1900, incluyendo obras de artistas famosos como Van Gogh, Goya, Rembrandt , Vermeer, Hals, etc. Además de encontrar objetos propios de la época, incluyendo muebles, ambientaciones de espacios, etc. Adicionalmente en esta planta se puede encontrar una sala exclusiva para la cerámica de la civilización Grecorromana.

En la planta 2 encontramos que esta se dedica principalmente en mostrar las obras del siglo de Oro neerlandés (1600 - 1700), enfocando el montaje de sala en las obras de Rembrandt y Vermeer. Adicionalmente esta planta posee colecciones arqueológicas de objetos y fósiles.

Por último, en la planta 3 encontramos colecciones de arte moderno y contemporáneo, incluyendo desde obras pintadas en lienzo hasta esculturas y objetos hechos de metal.

Como comentario general acerca de los montajes y la experiencia del museo, he de decir que éste fue bastante difícil de recorrer, ya que es un museo bastante grande y muchas veces Google me confundió en el recorrido al realizar los desplazamientos. En cuanto a los montajes, siento que el museo se enfoca mucho en destacar a sus artistas neerlandeses, realizando un recorrido cronológico por las distintas épocas a las que perteneció cada artista. Adicionalmente guía al espectador por un recorrido general en el arte desde épocas antiguas, lo cual me parece muy interesante, ya que deja un poco el enfoqué anterior mencionado para mostrarle al público un recorrido a través del tiempo que es bastante agradable de realizar.

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El diseño del Rijksmuseum incorpora elementos arquitectónicos neogóticos. La fachada del edificio presenta detalles ornamentales, torres y ventanas con un estilo gótico.

Dentro del edificio se encuentra un atrio central, que sirve como punto de transición entre las diferentes secciones del museo. Este espacio central cuenta con una impresionante vidriera que proporciona una iluminación natural.

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Título: La Callejuela

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Aprox 1658

Titulo original: Gezicht op huizen in Delft, bekend als 'Het straatje'

Dimensiones físicas: 440 x 543 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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Edificio en el cual se encuentra la sala de arte (4 piso).

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La Sala de arte Bancolombia es un espacio que cuenta con 1.400 metros cuadrados el cual fue abierto al público en el 2022, alberga una colección de 350 obras de artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar, Omar Rayo, Enrique Grau, Édgar Negret, Luis Caballero, Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Francisco Antonio Cano, entre otros, que se articulan a través de una innovadora puesta en escena que construye relaciones con el arte y la sociedad contemporáneas. La exposición se divide en:

-Sombra larga y música de alas

-Narrar el alma

-Narrar el ser

-Narrar el aire

-Narrar la tierra

-Narrar el agua

-Narrar el fuego

-Narrar la gloria

Visitado presencialmente el 27 de octubre.

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Al iniciar el recorrido en la Sala de Arte Bancolombia, nos dirigimos a la primera exposición que da la apertura a la Sala principal. Esta se llama "Narrar el Alma", donde a través de un arte abstracto a la entrada de la exposición se determina el significado de lo que es tener un alma, identificando el color que nos guía dentro de este espacio espiritual y abstracto que nos hace humanos. En esta sala también vimos las distintas maneras de representar el alma desde lo particular, lo católico y desde el punto de vista colombiano de la mano de Obregón, el momento en el que una madre comparte un pedazo de alma con su hijo.

La siguiente exposición a la que nos dirigimos fue a la de Narrar el Ser, donde se entiende que es una exposición referente a aquello de lo que queremos ser cuando seamos grandes. Por medio de las obras de artistas que retrataban sus deseos y sus estilos que los hicieron ser ellos mismos.

Después seguimos a la exposición de narrar el agua. Una exposición que se enfoca en mostrar la importancia de los recursos hídricos que nuestro país posee, donde se destacó éste a través de las obras de distintos artistas que retrataban ríos, paisajes y ciudades. Principalmente la ciudad de Cartagena, la heroica, una ciudad que persevero ante el ataque de los Ingleses. Adicionalmente en esta exposición se encuentra la primera gran obra de Botero que lo caracterizó como Botero, y donde encontró su estilo, el volumen.

En Narrar la Tierra nos enfocamos en el paisajismo de tierra que caracteriza a nuestro país, analizando obras desde lo mitológico hasta lo trágico. En esta exposición se analizaron paisajes como el de Monserrate, naturaleza como el Guayacán y su mito relacionado con la ciudad del Dorado, y por último la planta del plátano, que ha traído alegrías gastronómicas pero también tragedias como la Masacre de las Bananeras. Por último, para finalizar con esa parte de la exposición, realizamos un análisis a la obra de Luis Caballero, donde pinta su realidad como hombre homosexual en el S.XX, pintando la belleza masculina mezclada con placer y dolor.

Seguimos con la exposición de Narrar el Aire, en esta parte de la exposición nos enfocamos en la Dama Azul de Armando Villegas una pintura que nos muestra lo que es sentir y no ver, sentimientos que nos hablan pero que muy en el fondo sentimos y percibimos dentro de nuestro ser como el aire.

Para terminar en la Sala de Exposición principal nos dirigimos a la exposición de Narrar el Fuego. La cual nos habla acerca de los sentimientos intensos, la pasión, vista desde el amor y la ira. Estos conceptos se relacionan con la compasión y la incomprensión, cosas que hacemos con amor a pesar de sentir ira y cosas que se nos salen de las manos; cuando comprendemos la guerra la razón se suicida y si perdemos la razón nos volvemos locos.

Por último nos dirigimos a una parte de la sala que trata el arte pop y conceptual, tratando una fuerte crítica realizada por Antonio Caro, donde el artista utiliza el logo de Coca-Cola y en lugar de esta palabra coloca "Colombia", dándonos a entender que todo lo que tenemos en nuestro país sirve para una capitalización masiva de un producto que ni siquiera es nuestro. Todo esto nos lleva a una escultura de arte conceptual llamada las "Flores del mal", entendiendo así que el día que descuidemos todos los elementos de nuestro país solo nos quedarán simples flores del mal (varillas oxidadas).

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El museo recibe al público con una obra de Obregón, la cual fue mandada hacer por la ley de Rojas Pinilla, la cual decía que los edificios de varias plantas debían tener una obra de arte en su primera planta. Esta obra cumple el propósito de dar una gran impresión en un espacio de recepción de clientes y que fue inspirada en el poeta José Asunción Silva.

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Título: Sin título

Creador: Luis Caballero

Fecha de creación: 1958

Dimensiones físicas: Desconocido

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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París, Francia.

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El Museo d'Orsay es un museo de artes ubicado en París, Francia, dedicado a las artes plásticas del siglo XIX y, más en concreto, del periodo 1848-1914.

El museo está ubicado en el edificio de la antigua estación de tren de Orsay, construida para la Exposición Universal de 1900. Tras ser empleado con diversos usos hasta la década de los años 1970, el edificio sería destinado a museo gracias a una resolución del Estado francés.

Las colecciones del museo incluyen obras de arte de algunos de los artistas más importantes del siglo XIX, como Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Vincent van Gogh, Paul Cézanne y Edgar Degas.

Visitado virtualmente el 1 de noviembre.

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Al iniciar el recorrido por el museo pude observar que las exposiciones están organizadas de manera temática y cronológica, lo que facilita la guía del espectador a través de los distintos estilos artísticos y mejora la comprensión de la evolución del arte desde mediados del siglo XIX hasta principios del siglo XX. Al seguir el recorrido como lo sugiere Google notamos que este nos lleva a través de diferentes movimientos artísticos que incluyen el Neoclasicismo, Realismo, el impresionismo y el postimpresionismo, observando cómo cambian las técnicas y los temas a lo largo del tiempo, y como ese concepto de arte académico fue cambiando y aceptando los nuevos estilos artísticos que surgieron en la época. Adicionalmente el museo se distribuye en distintas salas donde cada una de estas contiene obras referentes a un movimiento artístico en especifico. Entre las obras más destacadas se encuentran piezas icónicas de artistas como Claude Monet, Édouard Manet, Vincent van Gogh y Paul Cézanne. La disposición de estas obras permite a los visitantes apreciar la diversidad y la innovación artística de la época.

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El diseño interior del museo es particularmente notable. Grandes ventanales y techos altos permiten la entrada de luz natural, creando un ambiente luminoso y aireado. Estos elementos arquitectónicos no solo realzan la experiencia de los visitantes, sino que también resaltan la belleza de las obras expuestas. Adicionalmente el museo se encuentra en la antigua estación de tren Gare d'Orsay, construida entre 1898 y 1900. En la década de los años 1970 transformaron una estructura diseñada para un propósito completamente diferente en un espacio cultural único. Donde la fachada presenta una mezcla de mármoles y piedra, con detalles esculpidos que añaden una sensación de grandiosidad y elegancia.

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Título: Dante and Virgile

Fecha de creación: 1850

Pintor: William Bouguereau

Título Original: Dante et Virgile

Dimensiones físicas: 2250 x 2810 cm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo.

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Bogotá, Colombia.

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El Museo Santa Clara ocupa el espacio del antiguo templo del Real Convento de Santa Clara, construido en 1647. Se encuentra ubicado en el Centro Histórico de Bogotá. Cuenta con una amplia colección de pinturas y esculturas de los siglos XVII, XVIII, XIX y XX. Posee una amplia colección colonial que cuenta con obras de Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Gaspar y Baltasar de Figueroa y Agustín García Zorro de Useche entre otros, sino que también posee muestras de pintura mural esparcidas en los coros, el presbiterio, el arco toral, etc, y algunas representaciones de santos y ángeles.

Visitado presencialmente el 3 de noviembre.

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Al iniciar el recorrido por el museo la primera impresión que me dio fue de asombro por la arquitectura del sitio, ya que es una iglesia antigua, dónde al entrar el ambiente oscuro de rojo colonial genera una sensación de escalofríos. Anteriormente el museo era una Iglesia de Clausura dónde las monjas tenían el trabajo de orar y la única decoración artística que había eran obras murales.

La exposición de las obras se distribuyen a lo largo de todos los muros del museo, donde en el Muro del evangelio, muro izquierdo de la iglesia, hay una mayoría en presencia de mujeres en las obras; mientras que en el Muro de la epístola, muro derecho, la mayoría de las obras tenían presencia de hombres. Adicionalmente en el recorrido del museo realizamos el análisis de obras que se caracterizan por retratar un santo, como por ejemplo:

San Antonio de Padua, el santo para buscar lo perdido.

San Vicente Ferrer, anuncio el apocalipsis, por eso tiene trompeta y alas.

San Francisco, se da la creencia que dar partes ósea se presta para humanizar las obras y se ve como orgullo máximo el darle estos restos a un santo.

San José, santo de los carpinteros.

San Guillermo de Aquitania, santo de los herreros.

Santa Teresa, modelo a seguir de las monjas.

Santa Catalina, la santa de los filósofos, en su mano está la palma dónde se señala triunfo

Santa Rosa de Lima.

Algunas obras también nos hablaban de acontecimientos místicos relacionados con episodios bíblicos o relatos de algunos santos y santas, como por ejemplo:

La anunciación, gesto de la mano apuntando hacia arriba, Gabriel anuncia a María la llegada de Jesús

El éxtasis de Santa Teresa, la flecha de amor que le manda Dios, visión mística.

Santa Gertrudis, Cristo le da un corazón e intercambian.

Normalmente las mujeres con esas visiones místicas pasaban por herejes, y luego de un proceso largo de confesiones se volvían santas.

Como comentario general de la visita al museo he de decir que me gustó demasiado, ya que cada obra presente ahí cuenta una historia que hace parte de la historia bíblica y católica de la época. Los montajes de las obras son acordes con el ambiente histórico del sitio, lo que hace más inmersiva la visita y recorrido dentro del museo.

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La arquitectura del sitio es de una iglesia antigua, presentando una fachada externa hecha totalmente de ladrillo, y en su interior recibe a sus visitantes con obras por todos los muros pintados de un rojo oscuro colonial. Anteriormente el sitio era una Iglesia de Clausura dónde las monjas tenían el trabajo de orar.

Aún mantiene aspectos típicos de una iglesia como la Audiencia, que es la parte más alta de la iglesia porque es en la parte donde se ubica Dios. En la custodia está la hostia, el cuerpo de Dios. Respecto a las monjas, ellas se encontraban en el coro, ya que las monjas no salen al espacio principal si esté no está vacío.

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Título: Anunciación.

Fecha de creación: S.XVII

Pintor: Anónimo

Dimensiones físicas: Desconocido.

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre tela

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Madrid, España.

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Edificio museal.

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El museo fue inaugurado en 1992 y se encuentra ubicado en el antiguo Hospital General de Madrid, un edificio emblemático de la arquitectura industrial del siglo XVIII. Su nombre honra a la Reina Sofía, actual reina consorte de España. El museo alberga una impresionante colección de arte español contemporáneo, con obras que datan desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Entre las piezas más destacadas se encuentra "Guernica" de Pablo Picasso, una obra maestra que representa la brutalidad de la guerra civil española. Además de Picasso, el museo cuenta con obras de otros artistas notables como Salvador Dalí, Joan Miró, Juan Gris, Antoni Tàpies y muchos más. La colección abarca diversas corrientes artísticas, incluyendo el surrealismo, el cubismo y el arte abstracto.

Visitado virtualmente el 8 de noviembre.

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La experiencia del recorrido a través de Google es bastante pobre, ya que no da un recorrido total a través del museo, enfocándose únicamente en la entrada que recibe a los visitantes y dos únicas salas de exposición. Así que realicé una visualización de algunas obras y salas en la página de la colección del Museo, el cual se divide en 8 episodios que llevan una línea cronológica en la evolución del arte español y de esa época de finales del S.XIX hasta la actualidad. Las salas del museo están diseñadas de manera estratégica para albergar diferentes corrientes artísticas y movimientos. La disposición de las obras dentro de cada sala se planifica para guiar a los visitantes de manera lógica a través de las diversas etapas del arte contemporáneo, narrando acontecimientos políticos y violentos vividos a lo largo del tiempo. Adicionalmente el museo presenta piezas icónicas, como "Guernica" de Picasso, a menudo se destacan en espacios designados. Estas obras maestras reciben una atención especial en términos de iluminación y colocación para un mayor impacto visual por parte del público.

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El edificio que alberga el Museo Reina Sofía originalmente, fue construido como un hospital en el siglo XVIII, conocido como el Hospital General de Madrid. La transformación del edificio en un museo comenzó en la década de 1980, y el museo fue inaugurado en 1992. Al remodelar el edificio como un museo, Jean Nouvel, añadió una estructura que integra un aire moderno con el edificio. "La Nouvelle" es conocida por su fachada de vidrio y acero, y su presencia contemporánea. El edificio cuenta con patios interiores y jardines que aportan luz natural y crean espacios de transición entre las salas de exposiciones.

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Título: Los cuatro dictadores.

Fecha de creación: 1963.

Pintor: Eduardo Arroyo.

Dimensiones físicas: 235 x 560 cm.

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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Bogotá, Colombia.

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Edificio museal.

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El edificio tiene una forma rectangular y está construido en concreto, vidrio y acero. La fachada está revestida de vidrio y acero, lo que le da un aspecto moderno y transparente.

El interior del edificio presenta una arquitectura un poco más clásica, éste está dividido en dos secciones. En la primera se encuentra la entrada principal, la taquilla, y una pequeña cafeteria. En segunda, este se divide en dos plantas, una baja y alta en donde se encuentran las salas de exposiciones, que es la principal sala del museo.

La sala de exposiciones está dividida en varias secciones. Cada sección está dedicada a una temática específica temporal y cronológico del arte.

El edificio del MAMU está ubicado en el centro de Bogotá, rodeado de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

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Título: La muerte de Sucre.

Fecha de creación: 1835.

Pintor: Pedro José Figueroa.

Dimensiones físicas: 139.5 x 200 cm.

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre tela

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El Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU fue construido y diseñado por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe en el 2004 para designar un espacio dedicado a la exhibición de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la Colección de Arte del Banco de la República. La colección de arte colombiano del MAMU es una de las más importantes del país. Incluye obras de artistas como Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Francisco Antonio Cano, Fernando Botero, Alejandro Obregón, y Beatriz González, entre otros.

Visitado presencialmente el 11 de noviembre.

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Mi experiencia y visita al museo la realicé de manera individual el 11 de noviembre. Donde recorrí algunas de las distintas salas que el museo ofrece en sus 5 curadurías cronológicas:

Los primeros tiempos modernos: siglos XVI-XVIII.

Rupturas y continuidades: siglo XIX.

La renovación vanguardista: 1910-1950.

Clásicos, experimentales y radicales: 1950-1980.

Tres décadas de arte en expansión: 1980 al presente.

Donde mi principal atención estuvo enfocada en la sala de rupturas y continuidades, esto se debe a que, en la materia de "Arte en Colombia" la cual vi el semestre pasado, quedé impresionado con el arte colonial de esa época que retrataba sucesos históricos y cotidianos. Estos sucesos iban desde una pintura acerca de la muerte de Sucre hasta el momento en el que retrataban la muerte de una monja, el momento en el que ellas se encontraban con Dios. Por este motivo de noción histórica que tuve gracias a esa clase mi atención se centro más en esa sala. Adicionalmente también recorrí la exposición temporal de "Sembrar la duda" la cual tiene como objetivo mostrar la representación indígena acá en nuestro territorio donde a través de las distintas obras expuestas proponen ideas que ayuden al público a realizar distintas interpretaciones de obras de diversos tiempos de estas y para estas comunidades.

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Composición:

La composición de "La callejuela" es equilibrada y armoniosa. La calle se extiende diagonalmente desde el primer plano hasta el fondo, creando una sensación de profundidad. El punto focal de la escena, a mí parecer, es la figura de una mujer joven en medio de un callejón. Su figura está iluminada por una luz que entra al callejón, lo que la convierte en el punto más destacado de la pintura.

La composición de la pintura también se caracteriza por su simetría. Las dos casas del primer plano, a pesar de no ser idénticas, no generan que haya más peso hacía un lado de la pintura, y los elementos de la escena están dispuestos de forma equilibrada. Esto crea una sensación de orden y armonía.

Elementos visuales:

La obra está compuesta principalmente por líneas inorgánicas que está presente en toda la pintura en la arquitectura de los edificios y los detalles que adornan a éstos.

El uso del color es sutil y delicado. Esto se debe a la paleta de colores fríos y un poco apagados, con tonos de azul y gris. Los colores están cuidadosamente equilibrados para crear una sensación de calma y tranquilidad.

Los colores más dominantes en la pintura son el naranja rojizo y el blanco grisáceo. El blanco grisáceo está presente en el cielo y el pavimento, mientras que el gris está presente en los ladrillos de las casas. Estos colores crean un ambiente de tranquilidad y serenidad.

La luz genera una sensación de profundidad en la pintura a pesar de que ésta desde mi perspectiva es un poco plana, esto Vermeer nos hace denotarlo a través de una técnica donde la iluminación de una tarde nublada solo se da en el primer plano de la pintura, subordinando a las casas que se encuentran al fondo.

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Composición:

La composición de la obra de Luis Caballero presenta un balance asimétrico, ya que la proporción de pesos en la obra guía la vista del espectador hacía la parte inferior por las dos figuras masculinas presentes en la pintura. En la pintura el contraste de luces y la planicie del paisaje genera un punto focal en el hombre que se encuentra un poco abajo de la línea horizontal central de la pintura. Estas figuras tienen una escala bastante grande por el plano pictórico tan cercano en el que fueron pintadas, subordinando el paisaje montañoso que se encuentra detrás de éstos.

Elementos visuales:

La obra está compuesta principalmente por líneas inorgánicas que componen los cuerpos desnudos de los dos hombres y el pequeña paisaje montañoso de fondo, aunque también hay algunas líneas orgánicas presentes en detalles como la camisa que usan las dos figuras masculinas.

La paleta de colores usada genera una sensación de tragedia y tristeza. Esto se debe a que la paleta en su mayoría está compuesta por colores fríos en los paisajes y figuras presentes, generando así un ambiente de tensión hacía el espectador. Adicionalmente en la obra se pueden notar colores cálidos rojizos que tiñen el paisaje y el cuerpo de estas dos figuras, dando así el aire de tragedia anterior mencionado, ya que este color rojizo nos hace entender que es un rojo violento y sangriento.

La luz juega un papel importante en la obra, principalmente en estas dos figuras, ya que a través de una técnica de Claroscuro, Caballero le da volumen a estas dos figuras, haciéndolas sentir más humanas y reales.

El punto focal de la luz guía la mirada del espectador al hombre ubicado en la parte central baja de la pintura, ya que la única entrada de luz de la pintura, que viene desde la izquierda, denota más dicha figura desnuda, para después guiar nuestra mirada hacía el segundo hombre en la parte inferior izquierda y subordinando el paisaje de fondo.

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Composición:

La composición de la pintura es principalmente triangular, formada por los cuerpos de los personajes, con Dante y Virgilio situados en la parte izquierda, mirando hacia la lucha que tiene lugar en el primer plano de la pintura. Esto crea una sensación de tensión y drama.

El punto focal de la pintura, a mí parecer, es la figura de Dante. Su rostro está lleno de horror y asombro, lo que refleja la visión que está presenciando. Virgilio, a su lado, está más tranquilo, pero su expresión también es de preocupación.

Las dos almas condenadas están situadas en el centro de la pintura. Se enfrentan entre sí, luchando con rabia y desesperación. Sus cuerpos están retorcidos y sus expresiones son de dolor y sufrimiento.

El paisaje del fondo es oscuro y amenazante, creando una atmósfera de terror y angustia.

Elementos visuales:

La obra está compuesta en su mayoría por líneas inorgánicas que componen los cuerpos de todas las figuras presentes en la escena y del paisaje caótico de fondo. Adicionalmente se ven algunas líneas imaginarias presentes en los ojos y la direcciones de las manos de las figuras que guían finalmente la mirada del espectador hacía Dante y Virgilio.

Bouguereau utiliza una paleta de colores cálidos y oscuros para crear una atmósfera de terror y angustia. Los colores rojos y naranjas representan el fuego y el infierno, mientras que los colores negros y marrones representan el pecado y encierro eterno en el infierno.

Los colores cálidos se utilizan para resaltar los elementos más dramáticos de la pintura. El rojo del fuego y el naranja de los cuerpos de las almas condenadas crean una sensación de violencia y terror.

Los colores oscuros se utilizan para crear una atmósfera de misterio y angustia. Los negros y los marrones del paisaje y las rocas crean una sensación de amenaza y peligro.

La luz es un elemento fundamental de la pintura. La luz proviene de una fuente desconocida, que ilumina a Dante y Virgilio y a los dos condenados luchando, presentes en el primer plano, y deja a las almas condenadas en la oscuridad. Esto crea una sensación de contraste entre la salvación y la condenación.

La luz también crea un efecto de profundidad en la pintura a través de la técnica de Claroscuro. Las almas condenadas, que están en la oscuridad, parecen estar más cerca de la audiencia que Dante y Virgilio, que están iluminados.

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Composición:

La composición de la "Anunciación" es equilibrada y con un balance simétrico, ya que la proporción de pesos en la obra se mantiene al dividir verticalmente la obra, teniendo en el costado izquierdo a la Virgen María y en el derecho al Arcángel Gabriel. Estas dos figuras se encuentran en un primer plano pictórico que no desvía la mirada del espectador si no que mantiene la atención en éstos dos gracias al contraste de luces y el fondo de la pintura que no destaca mucho dentro del escenario. Adicionalmente, la escala de estas dos figuras es proporcional la una de la otra, lo que ayuda en este balance dentro de la composición.

Elementos visuales:

La obra está compuesta en su mayoría de líneas inorgánicas que forman los cuerpos de la Virgen María y el Arcángel Gabriel, manteniendo una naturalidad realista en éstas. También se pueden identificar líneas imaginarias que guían la mirada del espectador a una tercera figura en la parte superior derecha de la pintura, el Espiritu Santo, la línea imaginaria más notable dentro de la obra es la mano del Arcángel Gabriel apuntando a la dirección en la que éste se encuentra.

La obra se compone principalmente de una paleta de colores fríos, pero estos no destacan mucho ya que solo ayudan en la ambientación del escenario, y en la vestimenta de la Virgen María, pero en el caso de la vestimenta son colores suaves que ayudan en el contraste vivido que se le da a la pintura.

Respecto a la paleta de colores cálidos, la podemos identificar en la vestimenta del Arcángel Gabriel y el fuego que acompaña al Espiritu Santo, dando un aire de divinidad y de alegría por la noticia que traen a María sobre el nacimiento del divino niño.

La luz es fundamental dentro de la obra. Principalmente por la técnica de claroscuro que humaniza estas figuras y les da un volumen realista. Esta luz proviene del Espiritu Santo e ilumina a María y Gabriel en el cuadro pictórico subordinando los demás elementos presentes en el escenario.

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Composición:

La obra tiene un equilibrio y proporción simétrica en los cuatro cuadros que la componen, ya que las figuras presentes tienen todas la misma escala y están dispuestos en una fila, uno al lado del otro. Esto crea una sensación de igualdad y de complicidad entre ellos. Los personajes están colocados en el centro de la pintura, lo que les da una importancia central.

El punto focal de la obra está principalmente en las caras de cada uno de los dictadores, tratando de identificar las expresiones de Franco, Salazar, Hitler y Mussolini, que se ven como si fueran expresiones grotescas y arrogantes.

Elementos visuales:

La obra se compone de líneas orgánicas en su primer cuadro pictórico o plano, que compone las figuras de los dictadores con líneas que dan la impresión de que están conformados de elementos pútridos y muertos, logrando identificar estructuras óseas y órganos. En el segundo cuadro pictórico o plano están presentes líneas inorgánicas que ayudan a identificar las banderas características de cada uno de estos regímenes dictatoriales.

Arroyo utiliza una paleta de colores vivos y llamativos. Los colores representan las ideologías de los dictadores. El rojo representa el fascismo, el negro representa el nazismo, el verde representa el salazarismo y el marrón representa el franquismo.

El rojo es el color más dominante en la pintura. Representa el fuego y la violencia del fascismo. El negro es el segundo color más dominante. Representa la oscuridad y la muerte del nazismo.

La luz es un elemento fundamental de la pintura. Los personajes están iluminados por una luz artificial, lo que crea una sensación de irrealidad y de pesadilla. La luz también crea un efecto de contraste entre los personajes y el fondo.

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Composición:

La composición de la pintura es diagonal y asimétrica, pero esto no influye en la relación de pesos en la obra, ya que la vista del espectador se centra en Sucre caído en el suelo, con un disparo en la sien. Se presenta un equilibrio en la obra gracias al caballo, el sirviente a caballo retrocede y los cuatro asesinos a sueldo que disparan sus armas desde la cima de una colina. Esto crea una sensación de tensión y drama.

El punto focal de la pintura es la figura de Sucre. Su rostro está lleno de dolor y sufrimiento, lo que refleja la tragedia del momento. Los asesinos a sueldo están situados en la parte superior de la pintura, lo que los convierte en los villanos de la historia.

Elementos visuales:

La obra se compone de líneas inorgánicas que componen gran parte de la obra, desde las figuras humanas y animales presentes en la obra hasta del escenario selvático en el que ocurrieron los hechos.

Figueroa utiliza una paleta de colores cálidos y oscuros para crear una atmósfera de tragedia y violencia. Los colores rojos representan la sangre y la violencia, mientras que los colores negros y marrones representan la muerte y la oscuridad.

Los colores oscuros se utilizan para crear una atmósfera de misterio y angustia. Los negros y los marrones de la ropa de Sucre y de los alrededores crean una sensación de muerte y oscuridad.

La luz es un elemento fundamental de la pintura, a pesar de ser una pintura totalmente plana. La luz proviene del sol, que ilumina a Sucre y a los asesinos. La luz también crea un efecto de profundidad en la pintura. Sucre está iluminado por la luz del sol, mientras que los asesinos están en la sombra.