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Festival de Cannes 2024 - Actualités, vidéos et infos en direct

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Toute l'actualité sur le sujet Festival de Cannes 2024. Consultez l'ensemble des articles, reportages, directs, photos et vidéos de la rubrique Festival de Cannes 2024 publiés par Le Monde.

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Le cinéma français, reconnu pour sa richesse artistique, continue d'influencer le paysage cinématographique mondial. Avec plus de 200 millions d'entrées pour les films français à l'étranger en 2019, son impact international est indéniable. Pourtant, alors que la culture cinématographique évolue, il est crucial de s'interroger sur son rayonnement face à la domination d'autres industries. Ce sujet mérite d'être exploré, car il révèle les multiples facettes d'un art qui transcende les frontières.

Une Histoire Riche en Émotions

Depuis ses débuts à la fin du XIXe siècle, le cinéma français a joué un rôle déterminant dans l'évolution du septième art. Des pionniers comme Louis Lumière et Georges Méliès ont ouvert la voie à une tradition cinématographique qui a su capturer l'imaginaire collectif. Ce legs historique constitue la base sur laquelle de nombreux cinéastes contemporains construisent leur œuvre.

Les Figures Célèbres et leur Héritage

Des réalisateurs emblématiques tels que François Truffaut, Jean-Luc Godard ou Agnès Varda ont marqué le cinéma d'auteur et ont laissé un héritage durable. Leur capacité à raconter des histoires universelles tout en abordant des thèmes spécifiques à la culture française a enrichi non seulement la scène locale, mais également le cinéma international.

Une Influence Diffuse et Mondiale

Si le cinéma français a su captiver les audiences, son influence semble plus diffuse dans le contexte moderne. Comme le souligne Anne Kern, professeure de cinéma, sa portée actuelle ne s'exprime pas toujours avec le même éclat qu'à l'époque de la Nouvelle Vague. Pourtant, le cinéma français continue d'inspirer des productions à travers le monde, influençant les récits, les techniques et les genres.

Défis et Opportunités dans un Monde Mondialisé

Face à une compétition mondiale exacerbée par la culture américaine, le cinéma français doit redoubler d'efforts pour préserver son identité tout en s'adaptant aux nouvelles attentes du public. Selon les récents résultats des festivals internationaux, les films français s'exportent de manière inégale, mais la présence continue au sein des circuits de diffusion témoigne de leur ressource créative.

Une Culture en Évolution

Le cinéma français, avec sa diversité de genres et de styles, résonne fortement dans un monde en pleine mutation. Les acteurs et les cinéastes s'engagent dans des récits qui abordent des problématiques sociétales contemporaines, contribuant ainsi à des débats cruciaux. Chaque film devient un miroir de notre société, suscitant des émotions et une réflexion sur l'état du monde.

Il est donc impératif de redécouvrir et d'affronter les enjeux que pose le cinéma français aujourd'hui. En analysant son histoire et ses impacts, on comprend mieux la richesse de cette culture qui continue de fasciner, d'éduquer et d'émouvoir au-delà des frontières.

Le cinéma français a traversé les âges et les continents, marquant son empreinte dans l'histoire du septième art. Depuis ses débuts, il a su se faire une place de choix sur la scène internationale, mêlant innovation artistique et héritage culturel. Découvrons ensemble ce qui rend le cinéma français si unique, son influence à l'étranger, et ce qu'il réserve pour l'avenir.

Définition et Contexte

Le cinéma français désigne l'ensemble des productions cinématographiques réalisées en France, mais c'est bien plus que ça. Son histoire débute à la fin du 19ème siècle, avec des pionniers comme Louis Lumière qui ont découvert le potentiel spectaculaire du film. Depuis, il a évolué, reflétant les enjeux sociopolitiques de chaque époque. Aujourd'hui, le cinéma français a toujours une pertinence indéniable, faisant écho à la diversité des expériences humaines et à des récits universels.

Avantages et Inconvénients

Le cinéma français présente des points forts qui ont captivé un public mondial :

Diversité des genres : Des comédies romantiques aux drames poignants, le cinéma français explore une large gamme de styles.

Réalisateurs de renom : Des figures emblématiques comme François Truffaut et Agnes Varda ont façonné le paysage cinématographique et influencé des générations de cinéastes.

Impact culturel : Les films français sont souvent à l'avant-garde de la réflexion sociale et culturelle, abordant des thèmes universels qui résonnent à l'échelle mondiale.

Cependant, le cinéma français n'est pas exempt de limites :

Concurrence mondiale : Dans un paysage dominé par le cinéma américain, il peut être difficile pour les films français de s'imposer commercialement.

Rayonnement diffus : L'impact du cinéma français est parfois moins visible qu'à l'époque de la Nouvelle Vague, où il était à la pointe de l'innovation.

Accès limité : Certains films ne parviennent pas à traverser les frontières et ne sont pas toujours accessibles en dehors de la France.

Applications Pratiques et Perspectives d'Avenir

Face à ces défis, le cinéma français continue de s'adapter. Prenons l'exemple des festivals de cinéma qui se multiplient à l'international, offrant une plateforme à des œuvres souvent méconnues. Les nouvelles technologies, comme le streaming, permettent également de toucher un public plus large, offrant une visibilité accrue.

Les tendances actuelles indiquent un tournant vers le cinéma d'auteur, qui attire les cinéastes à la recherche d'une voix authentique. Par ailleurs, le cinéma d'animation français fait aussi parler de lui, redéfinissant les règles de la narration visuelle. Dans cet élan d'évolution, le cinéma français est appelé à jouer un rôle de narrateur global, apportant des récits riches et diversifiés au monde.

Pour mieux comprendre ces tendances et leur impact, découvrez les analyses sur les tendances cinématographiques, ainsi que l'évolution du cinéma à travers l'histoire.

Le cinéma français est bien plus qu'une simple industrie ; il représente une référence culturelle internationale qui a su marquer les esprits à travers le temps. En jetant un œil sur son histoire, il est indéniable que les cinéastes de renom et les œuvres emblématiques ont contribué à sa réputation. La diversité des genres et des thèmes abordés par le cinéma français témoigne de sa capacité à explorer les complexités de l'âme humaine, offrant ainsi un miroir de la société à travers le prisme de l'art.

Pourtant, l'influence du cinéma français s'est souvent montrée plus diffuse qu'au temps glorieux de la Nouvelle Vague. Comme l'indique Anne Kern, professeure de cinéma à New York, les dynamiques du globe ont modifié le regard porté sur cette industrie. Malgré cela, l' impact international du cinéma français demeure palpable, rallumant l'intérêt pour les œuvres qui défient les conventions. Cinéastes et chercheurs ont profondément influencé le panorama cinématographique mondial, et cette relation continue de s'épanouir.

La compétition au niveau mondial est aujourd'hui féroce, souvent dominée par une culture américaine omniprésente. Pourtant, près d'un Français sur deux estime que le cinéma a un rôle crucial dans l'évolution de l' état d'esprit des gens face au monde. En examinant la diversité et la richesse des styles, du cinéma d'auteur aux films indépendants, l'éventail des productions offre une alternative passionnante aux productions conventionnelles.

D'ailleurs, ces films indépendants illustrent parfaitement la créativité et la passion qui caractérisent souvent le cinéma français, révélant des histoires et des perspectives qui méritent d'être explorées. En savoir plus sur le cinéma indépendant ici.

Cette histoire fascinante, riche en innovations et en créativité, mérite d'être appréciée. Pour réellement apprécier son influence, il est essentiel de comprendre son évolution à travers le temps. Explorez cette évolution ici. À travers chaque film, le cinéma français continue de captiver et d'enchanter un public international, enrichissant ainsi le patrimoine cinématographique mondial.

Par conséquent, l'influence du cinéma français est indissociable de son héritage culturel et de sa capacité à inspirer des générations de cinéastes à l'étranger, et ce, malgré une concurrence grandissante. La richesse des thèmes abordés et des genres explorés offre une palette unique d'histoires et des points de vue variés.

Enfin, ne négligeons pas l'importance de discuter de notre propre position face à cette influence mondiale. Que signifie pour vous le cinéma français dans le paysage artistique contemporain ? Peut-être avez-vous des films ou des réalisateurs préférés qui méritent d'être mentionnés ? À vous de jouer !

" Le cinéma est un miroir qui nous renvoie à nous-mêmes. " - Anonyme. Comment cette citation résonne-t-elle pour vous dans le contexte du cinéma français ?

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Cinéma français : Voyage à travers son histoire et son rayonnement mondial

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Découvrez l'histoire riche et captivante du cinéma français et son influence marquante à travers le monde. Explorez les grands réalisateurs, les films emblématiques et l'impact culturel du cinéma hexagonal sur l'industrie cinématographique mondiale. Plongez dans l'univers du septième art avec notre analyse approfondie.

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Cinéma : la fréquentation des salles dopée par les films français en 2024

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La fréquentation des salles de cinéma en France a été « une exception mondiale » en 2024 : elle a atteint plus de 181 millions d’entrées, dont près de la moitié pour des films français. C’est ce qu’a annoncé le Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC) mardi, dans son bilan annuel.

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https://atlangue.com/fr/le-prestige-des-cesar-impact-cinema-francais/

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Le prestige des César et leur impact sur le cinéma français

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Quel est l’impact des César sur le cinéma français ? Plonge dans leur prestige et leur influence sur l’industrie cinématographique.

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Le Festival de Cannes, vitrine prestigieuse du cinéma français, a été établi comme une plateforme incontournable pour les cinéastes du monde entier. En mettant à l'honneur des œuvres variées, de la Palme d'Or aux cinémas d'auteur, cet événement international contribue de manière significative à la promotion et à la reconnaissance globale des films. Par son impact culturel et économique durable, le festival influence chaque année l' industrie cinématographique, tout en façonnant les carrières de nombreux réalisateurs et acteurs.

Les débuts du Festival de Cannes : une quête de prestige culturel

Les origines du Festival de Cannes remontent à l'année 1939, alors que l'Europe était à l'aube de la Seconde Guerre mondiale. Toutefois, c'est en 1946 que le festival voit réellement le jour, porté par l'ambition de créer un événement culturel de masse qui célèbrerait le cinéma à l'égal d'autres grandes manifestations artistiques internationales. Dès ses premières éditions, le festival se positionne comme un lieu de rencontre privilégié pour les cinéastes du monde entier, offrant une plateforme de reconnaissance inédite au cinéma français.

Souvent comparé aux Oscars américains pour son influence, le Festival de Cannes se distingue par son cadre unique. Installé au cœur de la Croisette, il attire chaque année des célébrités et personnalités influentes, transformant la ville en un véritable centre névralgique de la promotion cinématographique. L'idée initiale était simple mais audacieuse : élever le cinéma à un rang d'art incomparablement prestigieux, et offrir une scène où le cinéma d'auteur pouvait entrer en compétition à côté des superproductions.

La première Palme d'Or, remise en 1955, a marqué un tournant symbolique, incarnant la quête de prestige et de distinction qui anime le festival. Ce trophée, devenu légendaire, a su conférer à Cannes une aura unique, attirant le regard du monde entier sur les productions et talents révélés au travers de cet événement annuel, impactant ainsi durablement l'industrie cinématographique. Le prestige acquis par le festival dès ses premières années a contribué non seulement à la valorisation du patrimoine cinématographique français, mais a également consacré Cannes comme une référence incontournable dans le calendrier des événements culturels mondiaux.

La rôle du festival dans la promotion du cinéma français à l'international

Le Festival de Cannes est bien plus qu'un simple événement cinématographique, il est un puissant levier de promotion pour le cinéma français sur la scène internationale. Depuis sa création, ce festival joue un rôle crucial en permettant aux films français d'accéder à une visibilité sans pareil, propulsant ainsi de nombreux réalisateurs et leurs œuvres vers un marché du film global.

Grâce à la notoriété acquise au fil des années, Cannes est devenu un vecteur de choix pour les productions françaises cherchant à se faire connaître au-delà des frontières nationales. La compétition et la présence médiatique intense autour du tapis rouge attirent l'attention des médias du monde entier, amplifiant l'impact d'une projection au sein du festival. Par exemple, les films présentés sous le label " Cannes " jouissent d'une reconnaissance immédiate qui facilite leur distribution internationale.

Mais ce n'est pas seulement la distribution qui est favorisée ; le festival encourage également les acteurs de l'industrie à innover et à maintenir une qualité artistique élevée. En valorisant le cinéma d'auteur et les productions différentes, Cannes soutient une diversité culturelle qui enrichit l'offre cinématographique mondiale. Ainsi, le Festival de Cannes demeure un pilier inestimable pour le rayonnement du cinéma français dans le monde entier, démontrant son rôle indéniable dans l' impact culturel international.

Impact économique et culturel du Festival de Cannes sur l'industrie cinématographique

Le Festival de Cannes n'est pas seulement une célébration du cinéma, mais un moteur économique puissant qui stimule l' industrie cinématographique. Chaque année, le festival génère des retombées financières significatives pour la ville de Cannes et au-delà. L'afflux de célébrités, de professionnels et de touristes dynamise de nombreux secteurs, tels que l'hôtellerie, la restauration et les services.

Sur le plan culturel, l'impact est tout aussi remarquable. Le festival est une vitrine mondiale qui donne une visibilité inégalée aux films et aux cinéastes qu'il sélectionne. Cela favorise la projection mondiale du cinéma contemporain, et encourage l' innovation cinématographique en mettant en avant des œuvres audacieuses et diverses. La rencontre des cultures et des idées à Cannes nourrit un dialogue créatif qui influence le paysage cinématographique global.

En outre, le Festival de Cannes sert de plateforme de distribution pour de nombreux films, facilitant leur accès aux marchés internationaux. Les deals se nouent dans les coulisses, et la reconnaissance obtenue ici peut propulser des films vers des succès commerciaux et critiques. Ainsi, l'impact du festival s'étend bien au-delà de ses quelques jours de compétition, affectant profondément le parcours des œuvres et des acteurs majeurs de cette industrie dynamique.

Récompenses et distinctions : le pouvoir transformateur de la Palme d'Or

La Palme d'Or est bien plus qu'un simple trophée. Depuis sa création, elle incarne le summum de la reconnaissance dans le monde du cinéma. Décernée lors de la compétition officielle du festival, elle symbolise la consécration d'un réalisateur et peut littéralement transformer la carrière d'une œuvre et de ses créateurs. En se voyant attribuer ce prestigieux prix, le film gagnant reçoit une attention médiatique inégalée, ouvrant la voie à une distribution mondiale souvent lucrative.

Le pouvoir de la Palme d'Or réside aussi dans sa capacité à mettre en lumière des histoires uniques et des voix singulières. Chaque année, elle attire sur la Croisette des œuvres qui défient les conventions, enrichissant ainsi la diversité et l'audace du cinéma contemporain. Le film lauréat se trouve projeté au cœur des discussions culturelles, souvent validé par un public international qui peut autrement passer à côté de certaines perles du grand écran.

Au-delà du succès commercial, la Palme d'Or renforce également le prestige d'un film dans les festivals et récompenses suivants. Elle a révélé au monde des chefs-d'œuvre qui, sans elle, resteraient peut-être inconnus. Ainsi, le pouvoir transformateur de la Palme d'Or s'étend bien au-delà d'une reconnaissance éphémère, il forge une empreinte durable dans l'histoire du cinéma mondial, illustrant parfaitement l'impact culturel profond du Festival de Cannes.

Évolution et enjeux contemporains du Festival de Cannes

Depuis sa création il y a plus de sept décennies, le Festival de Cannes n'a cessé de se transformer pour s'adapter aux réalités modernes du cinéma contemporain. En tant qu'événement mondial de premier plan, il a su intégrer l'innovation technologique dans ses projections, passant des formats 35mm à la haute définition et au numérique, pour accueillir des œuvres d'avant-garde. L'évolution du festival est également visible dans sa sélection, qui reflète de plus en plus la diversité et les problématiques sociales actuelles, répondant ainsi à une demande culturelle pour des narrations plus inclusives.

Les enjeux contemporains auxquels le festival fait face sont nombreux. À l'heure de la diffusion en streaming et de la mutation des habitudes de consommation cinématographique, Cannes se doit de maintenir sa pertinence et son prestige. La question de la distribution des films primés au festival est cruciale, car même un triomphe sur la Croisette ne garantit plus nécessairement le succès dans les salles de cinéma traditionnelles. En outre, l'impact environnemental d'un événement de cette envergure est devenu une préoccupation que le festival intègre à sa réflexion stratégique pour l'avenir.

Malgré ces défis, le Festival de Cannes reste une référence incontestée qui continue de générer un impact culturel significatif. Son adaptation aux enjeux du XXIe siècle le positionne non seulement comme un gardien du patrimoine cinématographique, mais aussi comme un catalyseur du changement et de l'innovation. Ainsi, Cannes ne se contente pas de refléter l'état du cinéma mondial, mais contribue activement à façonner son avenir.

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Le Festival de Cannes et son influence sur le cinéma français

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Comment le Festival de Cannes a-t-il façonné l'avenir du cinéma français tout en laissant une empreinte indélébile sur la scène mondiale ?

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Jean-Michel Djian Journaliste et écrivain, spécialiste des politiques culturelles

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Culture : « Le septième art a du souci à se faire »

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TRIBUNE. Prisonnier du non-risque imposé par l’industrie du divertissement, ravagé par la standardisation, le formatage, le goût moyen, le cinéma est devenu étranger à lui-même et à la vraie vie, accuse, dans une tribune au « Monde », le journaliste et écrivain Jean-Michel Djian.

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https://www.cineclubdecaen.com/analyse/cinemafrancais.htm

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Les frères Lumières organisent le 28 décembre 1895 la première projection cinématographique publique et payante de dix de leurs films dans le sous-sol du Grand Café, boulevard des Capucines à Paris. C'est le début du cinématographe. Georges Méliès, professionnel du spectacle fait construire le premier studio où sont tournés entre six cents et huit cents films en utilisant des décors peints, une caméra en plein air et des pellicules coloriées à la main dès 1897.

Avec Charles Pathé, dès 1905, le cinéma perd sa dimension artisanale pour entrer dans l'ère industrielle et capitaliste. Max Linder est engagé par Pathé en 1905 : il est la première grande vedette mondiale du cinéma. Louis Feuillade, engagé à la veille de 1914, est alors considéré comme le plus talentueux des cinéastes français.

Le premier conflit mondial rompt la prospérité artistique et économique et remet en cause la suprématie du cinéma français. Après la Première Guerre mondiale, on assiste à la naissance d'une réflexion sur l'esthétique cinématographique. C'est d'abord Marcel L'Herbier qui élabore, avec Louis Delluc et Germaine Dulac, une école impressionniste française, qui entend s'opposer à l'expressionnisme des Allemands. L'ambition d'Abel Gance le pousse vers les "grands sujets". La gloire lui vient, au lendemain de l'armistice, avec J'accuse, vigoureux pamphlet contre la guerre. Ses deux grands films muets, La roue et Napoléon, porteront à leur paroxysme ces qualités et ces défauts. A côté des créations de ces cinéastes, une production courante très importante se développe, notamment basée sur l'adaptation de romans connus d'Eugène Sue, d'Emile Zola ou Victor Hugo : ainsi débutent des cinéastes tels que Julien Duvivier, Jean Renoir et Jacques Feyder.

L'innovation du parlant implique la promotion de nouveaux créateurs (ingénieurs du son, dialoguistes, scénaristes, musiciens) autant que le renouvellement des acteurs (modification importante du jeu : il faut un visage mais aussi une voix) : Arletty, Michèle Morgan, Louis Jouvet, Michel Simon, Jean Gabin...

En 1936, avec la victoire du Front populaire on assiste à l'apogée du réalisme poétique. C'est un cinéma tourné en studios où les décorateurs tels Alexandre Trauner jouent un rôle important. Les dialoguistes deviennent des personnages-clés du cinéma français : le plus célèbre étant Jacques Prévert.

Pendant la Drôle de guerre, la production n'est pas interrompue même si la censure militaire bannit certains films comme La règle du Jeu de Jean Renoir.

La période s'ouvre au lendemain de la seconde guerre mondiale et se clôt avec la fin de la quatrième république. La Libération ne produit toutefois pas de renouveau dans un cinéma qui reste confiné dans un réalisme poétique exsangue. La fin de la quatrième république, en 1958, coïncide avec la mort de Max Ophuls, cinéaste qui a su le mieux tirer parti du cinéma en studio. Avec sa mort c'est une période qui se clôt.

Période entièrement dominée par la Nouvelle vague qui modifie profondemment les données économiques et techniques du cinéma. L'apport esthétique, considérable, est plus contesté.

Une chronologie politique ferait débuter le cinéma des années 70, par les événements de mai 1968 et le clôturerait par l'élection de François Mitterrand à la présidence en mai 1981. Il s'agit de la période de l'entre-deux-mai selon la formule de l'historien Pascal Ory.

Dans une logique interne au cinéma, la date de mai 68 peut être conservée comme début de la période. Les événements de 68 amènent les cinéastes à réfléchir sur leur pratique et à la modifier. Par contre, mai 1981 ne provoque pas de changement dans le cinéma. La date du dernier film réalisé par François Truffaut en 1983 convient mieux pour clore une période que l'on définira comme celle d'une coexistence pacifique et enrichissante entre un centre du cinéma, populaire, et sa périphérie, plus ouverte sur la nouveauté.

Mai 1981 n'a pas marqué de rupture avec le cinéma des années 70. L'élection de Mitterrand marque la victoire de l'idéologie dominante depuis 1968. Par contre l'entrée dans la rigueur en 1983 avec le gouvernement Fabius et le refus de sortir du SME marquent une fracture profonde avec le passé. Cette faillite de l'idéologie devant l'efficacité du libéralisme sera accentuée après la chute du mur de Berlin et l'éclatement de l'URSS.

En 1992, La sentinelle, premier long-métrage de Arnaud Desplechin, révèle une troupe d'acteurs (Emmanuel Salinger, Emmannuelle Devos.. ) et une scénariste Pascale Ferran qui deviendra réalisatrice. Le personnage principal est sensible aux évènements politiques de l'époque (l'après guerre froide) mais surtout vit avec des qualités intellectuelles et morales qu'il impose à son environnement.

Un groupe de metteurs en scène et d'acteurs fait donc le portrait d'une société en proposant à travers leur héros un exemple de comportements moraux qu'il leur paraît important de défendre. Ils retrouvent ainsi la tradition du grand cinéma américain (Stewart, Grant, Cooper) ou de la nouvelle vague (Truffaut, Godard). Ils sont en rupture par rapport à deux autres groupe de cinéastes, l'un perpétuant la tradition du cinéma d'observation psychologique ou social, l'autre se plaçant sous le signe de l'imaginaire.

L'apparition du numérique et d'Internet et une politique culturelle qui se contente de reproduire les dispositifs en place n'empêchent pas, loin s'en faut, le cinéma français d'exister avec sa panoplie d'auteurs anciens et nouveaux.

Parmi les cinéastes les plus jeunes et les plus prometteurs ayant 35 ans ou moins en 2011, on compte pour la première plus de femmes (9) que d'hommes (8): Daniela de Felice (née en 1976), Sophie Letourneur, Justine Triet (nées en 1978), Lucie Borleteau, Houda Benyamina, Céline Sciamma (nées en 1980), Léa Fehner, Mia Hansen-Love (nées en 1980), Julia Ducournau (née en 1983); et du côté des hommes : Virgil Vernier Guillaume Brac, Benoît Forgeard, Cyprien Vial, Djinn Carrénard, Clément Cogitore, Louis Garrel et Grégoire Leprince-Ringuet.

En 2011, moins d'un tiers des longs métrages français sont tournés sur pellicule 35 mm, contre 60 % encore en 2010, soit à peine 400 sur un total de 1279 films. En septembre 2011, 55 % des 5.250 écrans français sont passés au numérique (contre 1.300 en 2010), notamment grâce au soutien de l'Etat. Pour les multiplexes, on est même à près de 100 %.

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Les frères Lumières organisent le 28 décembre 1895 la première projection cinématographique publique et payante de dix de leurs films dans le sous-sol du Grand Café, boulevard des Capucines à Paris. C'est le début du cinématographe.

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Cinéma français : Influence mondiale et héritage culturel - MeliMarie

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Le cinéma français occupe une place prépondérante sur la scène internationale, tant par son influence artistique que par son riche héritage culturel. Depuis ses débuts au début du 20ᵉ siècle, le cinéma français a su captiver les spectateurs du monde entier grâce à sa diversité, sa créativité et son engagement…

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Domestic International Worldwide Calendar All Time Showdowns Indices

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https://www.programme-tv.net/news/cinema/311929-lun-des-plus-gros-succes-de-lhistoire-du-cinema-francais-arrive-sur-une-plateforme-de-streaming/

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Quelle différence entre le cinéma avant et le cinéma d'aujourd'hui?

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Quelle différence entre le cinéma avant et le cinéma d'aujourd'hui?

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Pour les plus jeunes d'entre vous, vous ne vous en doutez certainement pas mais il est important de savoir que bien des choses ont évolué depuis pas mal d'années maintenant et ce, dans quasiment tous les domaines surtout au niveau du cinéma. Le cinéma était-il meilleur sous son ancienne forme ou est-il meilleur sous sa forme actuelle? Eh bien c'est exactement ce dont nous allons vous parler dans cet article en abordant pas mal de points à savoir l'accessibilité du cinéma, son évolution et aussi ses perspectives d'avenir tout en faisant référence à ce qui se faisait quelques décennies auparavant.

Le cinéma a beaucoup évolué

Nombreuses sont en effet les personnes qui se rappellent des écrans noirs et blancs, des qualités d'images qui laissaient à désirer comme on en a connu à l'époque. De nos jours, on constate clairement qu'il y a eu de très gros changement aussi bien dans le cinéma que dans les domaines complémentaires notamment l'électronique dans le sens où plus l'on s'est amélioré niveau qualité d'images des caméra et plus les films et séries sont devenus de meilleure qualité pour le plaisir des spectateurs. C'est avec unanimité que l'on peut affirmer que le cinéma a évolué. Ainsi donc, quelles ont été les évolutions concrètes du cinéma ou autrement dit, quelle différence y'a-t-il entre le cinéma comme on le connaissait avant et le cinéma comme on le connaît maintenant?

Le cinéma est devenu beaucoup plus accessible

Niveau accessibilité, le cinéma est devenu très accessible dans le sens où l'on a tous facilement accès aux films, aux séries télé ou même aux mangas; Comment cela s'explique-t-il? Eh bien tout simplement en raison des progrès réalisés en matière d'électronique qui nous donnent droit au PC portables de nos jours, aux écrans téléviseurs et surtout aux smartphones et tablettes; ce sont autant d'éléments qui contribuent à ce que le cinéma soit autant accessible de nos jours sans distinction aucune. Bien évidemment, personne ne s'en plaindra et l'on se réjouit d'ailleurs énormément de pouvoir passer un début de week-end devant un bon film ou une bonne série installé confortablement dans son canapé tout en étant en très bonne compagnie. Vous l'aurez donc compris, cette différence entre le cinéma d'avant et celui de maintenant n'est pas à nous déplaire au contraire.

Internet a démocratisé le cinéma

Quand on parle d'Internet, on parle bien évidemment des sites de streaming autrement dit, des sites sur lesquels tout le monde a la possibilité d'aller regarder soit des séries, des films ou même des matchs de football. En gros, c'est le genre de sites qui te fait largement économiser sur l'achat d'un téléviseur. En matière de sites de streaming de films ou encore de séries, le site fcine.tv est en effet de loin le meilleur site de streaming sur lequel vous pourrez vous rendre pour matter vos films, vos séries ou même vos animes car c'est exactement le genre de contenus que le site propose à son audience qui s'avère d'ailleurs être très satisfaite. Si tel est le cas, c'est parce que le site parvient à se différencier en proposant du contenu gratuit et aussi une plateforme très bien sécurisé qui ne risque pas d'endommager les appareils des visiteurs pour cause de virus.

Pour clore le sujet, le cinéma tel qu'il est aujourd'hui est largement différent du cinéma d'il y a quelques décennies auparavant et il y a en effet fort à parier que le cinéma que les futures générations connaîtront sera au delà de nos attentes quand on sait les progrès qui se feront dans les années à venir.

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Quelle différence entre le cinéma avant et le cinéma d'aujourd'hui?

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Pour les plus jeunes d'entre vous, vous ne vous en doutez certainement pas mais il est important de savoir que bien des choses ont évolué depuis pas mal d'années maintenant et ce, dans quasiment tous les domaines surtout au niveau du cinéma. Le cinéma était-il meilleur sous son ancienne forme ou est-il meilleur sous sa forme actuelle?

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En pleine crise, le cinéma français appelle à des Etats généraux

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En pleine crise, le cinéma français appelle à des Etats généraux

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Le réalisateur Jean-Luc Godard, figure de la Nouvelle Vague, est mort

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Le réalisateur franco-suisse Jean-Luc Godard, icône de la Nouvelle Vague et monument du cinéma mondial qui signa notamment ”À bout de souffle”, “Pierrot le fou” ou encore “Alphaville” est mort mardi à…

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Le Film français épinglé pour sa couverture 100 % masculine

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La une de l’hebdomadaire consacré au septième art met en avant sept grands noms du cinéma français… Sept hommes. Une couverture qui a fait polémique.

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Le cinéma constitue, à n'en point douter, un monument des arts majeurs. Dans cet article, nous allons tenter la prouesse de vous résumer l'histoire du cinéma de ses ancêtres, à sa création par les Frères Lumière, jusqu'à aujourd'hui. Nous nous attarderons d'abord sur le cinéma muet, souvent méconnu de nos jours, alors que sa place dans l'histoire du cinéma est essentielle. Puis, nous évoquerons le cinéma parlant, et le boom du 7ème art post-seconde guerre mondiale. Enfin, nous nous interrogerons sur la 3D, révolution avortée du cinématographe ainsi que les changements de diffusion et production de l'industrie.

Les dates clés de l'histoire du cinéma : rafraîchissement

L'histoire du cinéma ne peut être étudiée sans en comprendre l'évolution technologique. Les deux allants de pairs depuis sa création, je vous propose tout d'abord les dates essentielles pour comprendre l'évolution technique du cinéma.

1816 : Invention de la photographie par Nicéphore Niépce.

1888 : Invention du celluloïd

1891 : Thomas Edison et les premiers pas du cinéma

1892 : Le premier dessin animé

1895 : Création du cinématographe des frères Lumière

Le 28 décembre 1895 : Première séance publique de projection du cinématographe

15 mai 1902 : Le Voyage sur la Lune de George Melies, 14 minutes de narration.

1905 : Apparition des nickelodeons à Pittsburgh, premières "salles de cinéma"

Le 6 août 1926 : Les Warner présentent le vitaphone, le son au cinéma n'est pas loin.

Le 6 octobre 1927 : The Jazz Singer: le premier film sonore.

1932 : Le premier film en couleur avec le Technicolor, Des arbres et des fleurs" (1932) Silly Symphonies.

1950 : La TV devient un objet populaire.

1952 : Le cinéma en relief

1972 : Le son Dolby arrive dans les salles

L'histoire du cinéma doit être étudiée suivants trois piliers : son évolution technologique, son évolution artistique mais aussi l'évolution de sa diffusion.

La caméra obscura

Parlons dans un premier temps de la projection de l'image, dispositif clé de ce que sera le cinéma par la suite.

C'est durant l' Antiquité que l'homme découvre la caméra obscura, ancêtre du cinéma.

Grâce à une chambre obscure percée, la lumière du soleil projette sur un mur une image. La projection de ces images devient un spectacle, une attraction divertissante.

Le début de la reproduction du mouvement

Au début du XVIII siècle, la lanterne magique fait son apparition. Par un procédé de projection lumineuse sur plaque de verre peinte, une image animée par successions de plaques est projetée devant un public. Bien que rudimentaire, le mouvement de l'image commence à faire son petit bonhomme de chemin.

En parallèle, le concept de persistance retienne essentielle à la perception du mouvement voit le jour. Le thaumatope, le zootropee font leurs apparitions.

L'invention de la photographie :

En 1816, soit près de 80 ans avant la première projection cinématographique, le chercheur Nicéphore Niepce parvient à capturer et reproduire sur une plaque recouverte de sel d'argent une photographie.

La capture du réel par reproduction devient possible.

Toutefois, son invention paraît difficile à dater puisque les premières photographies ont disparu. Les dates semblent cependant tendre vers 1816 pour sa création et 1827 pour son application réelle.

Payer pour voir un film ? Le kinétoscope

En 1893, le kinetoscope envahit les foires. A travers un petit trou, le spectateur, seul, paye une petite pièce pour faire tourner une sorte de roue projetant une image animée. Souvent comiques ou cochons, cette invention est quelque part l'ancêtre du GIF !

Notez que le fait de payer pour voir représente les balbutiements de l'industrie cinématographique.

Grâce à une invention remarquable proche de la machine à coudre qu'ils nommeront cinématographe, les frères Lumières parviennent à capturer le réel puis projeter des images animées à 16 images/seconde !

Ils organisent les premières projections cinématographiques publiques de films le 28 décembre 1895. En 1896, les Lumières entreprennent une tournée promotionnelle afin de faire connaître leur invention. Pendant cette période, ils autorisent plusieurs personnes et entreprises à utiliser cette même technologie grâce à un système de licences d'utilisation de l'appareil. Cependant, jusqu'en 1903, le cinéma n'était encore qu'une attraction. Il s'agissait seulement des expérimentation des frères Lumière avec des prises de vues telles que Arrivée d'un train en gare de La Ciotat. Il est difficile à ce moment là de parler de narration ou même de procédés cinématographiques.

Un outil de recherches et de sciences

L'outil cinématographique permettra cependant de belles avancées dans l'étude des mouvements que l'oeil seul ne pouvait pas analyser ou percevoir. Pensons notamment au travail du physiologiste Étienne-Jules Marey sur "le mouvement animal" grâce à la chronophotographie.

" Cette connaissance ne pouvait être acquise par l'observation simple, car l'attention la plus soutenue, concentrée sur l'action d'un seul muscle, a grand'peine à en saisir les phases d'activité et de repos, même dans l'allure la plus lente. Comment alors pourrait-on espérer de saisir à la fois l'action de tous les muscles des membres à toutes les phases d'une allure rapide? "
Étienne-Jules Marey

Ou encore au travail de Edward James Muggeridge (Muybridge) sur la décomposition photographique du mouvement qu'il nommera par ailleurs " description de la locomotion animale ".

Pour anecdote, son travail permettra une avancée certaine dans la représentation par les peintres du mouvement complexe de course des chevaux, mal représenté jusqu'alors.

Et le son ?

Les premières tentatives de son l'image apparaissent grâce aux travaux de Demeny sur le Photonoscope. Nous sommes en 1892, la convergence du son et de l'image avance. Anecdote amusante, Demeny enregistrera le premier "Je t'aime" facecam sur disque de verre.

N'oubliez pas que le "son" existe déjà depuis les débuts des images animées. Joué durant la projection par des acteurs et un orchestre, le film était bien joué en musique en live. C'est la capture sur bande et sa rediffusion synchronisée qui fait un pas en avant.

Le premier film à succès, Le Voyage dans la lune, a été créé par Georges Méliès en 1902. Le langage cinématographique se construit comme un art narratif. Le truquage, le montage, l'histoire et les acteurs font leurs apparitions. Puisque le son n'est pas encore d'actualité, Méliès met en place un système de cartons pour narrer son histoire.

Le Voyage dans la lune

Cinéma burlesque et propagande soviétique

Le premier genre cinématographique, le burlesque, a été développé en 1908, lorsque le cinéma a été reconnu comme une forme d'art, grâce à des acteurs tels qu'André Deed et Max Linder.

Le langage du cinéma se construit peu à peu notamment grâce à D.W. Griffith entre 1908 et 1913.

Toutefois, si le cinéma se développe en copiant la narration du théâtre aux USA et en France, il connaîtra une autre utilisation côté soviétiquee.

A partir de 1917, après la révolution d'octobre, en raison de la nouvelle grammaire cinématographique élaborée par les cinéastes soviétiques, dont Dziga Vertov et Sergei Eisenstein, l'objectif des cinéastes soviétiques est d'utiliser cet art encore avant-gardiste au service de la propagande communiste. Il faut diffuser au plus grand nombre la magnificence du régime soviétique.

La langage cinématographique devient expérimental et le montage vecteur d'une énergie nouvelle.

Impressionnisme et expressionnisme sur grand écran

Simultanément, deux autres orientations d'avant-garde prenaient forme : L'impressionnisme en France et l'expressionnisme en Allemagne. La première a débuté en 1916, mais a pris de l'ampleur en 1921 et s'est poursuivie jusqu'à la fin des années 1920.

Le second mouvement prend son envol en 1919 avec Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine. Charlie Chaplin, figure emblématique du burlesque américain, émerge également durant cette décennie en tant qu' acteur comique dans de nombreux films. L'expressionnisme allemand met en avant le mal-être germain par une utilisation originale des décors et un ton fantastique témoin du malaise de l'époque.

Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine.

Le cinéma comique : de Buster Keaton à Chaplin

L'histoire a surtout retenu Charles Chaplin comme réalisateur, et surtout acteur comique de légende. Mais, il a été précédé par un autre monument du cinéma muet, l'acteur américain Buster Keaton. Celui-ci joue des rôles qui l'ont rendu immortel pour le public américain. On pense spontanément à son premier rôle dans Le Mecano de la General, un film où il joue ce héros que l'on attend pas, frêle conducteur de train qui va faire basculer la guerre grâce à ses ruses (et aussi grâce au hasard. Buster Keaton, c'est presque une centaine de films au total. Ce fut une des premières légendes Holywoodiennes, une star du cinéma muet.

Après son immense succès auprès de ses contemporains, il inspire les plus grands, à commencer par Charles Chaplin qui lui offrira la vedette bien plus tard, dans Les Feux de la Rampe en 1952.

Après les précurseurs du cinéma muet, intéressons-nous à l'essor de cette première forme du 7ème art dans le monde entier. Grâce au cinéma muet, l'Amérique tombe amoureuse des films et Hollywood nait. Mais, en France et en Europe, de grands réalisateurs voient aussi le jour.

Le cinéma muet en France

Le succès du cinéma muet en France est également dû à l'émergence d'une nouvelle vague de réalisateurs talentueux originaires de Scandinavie (Danemark, Suède et Norvège), dont Victor Sjöström, Mauritz Stiller et surtout Carl Theodor Dreyer. Ces cinéastes ont contribué à lancer la grandeur du cinéma français en adaptant certains de leurs films pour le marché français, comme Vampyr ou La Passion de Jeanne d'Arc.

Le film de Dreyer, la passion de Jeanne d'Arc, est un petit bijou audacieux. Jamais les visages n'ont été si bien filmé. Le cinéma capture le gros plan et le divin.

La passion de Jeanne d'Arc, de Carl Theodor Dreyer en 1927

Le cas de René Clair : un novateur français

Tout au long de sa carrière qui s'étend sur plus de 40 films entre 1910 et 1958, le réalisateur français René Clair a donné de nouvelles règles à l'esthétique du cinéma en combinant l'art moderne et les techniques de montage pour créer des images surréalistes avec des étonnants liens thématiques.

La carrière de Charlie Chaplin

Chaplin a tourné plusieurs films à succès avec la compagnie américaine d'Adolph Zukor avant de passer au First National Studio en 1918. Après The Kid (1921), où il joue le rôle d'un jeune père, Chaplin réalise The Pilgrim (1923) en extérieurs dans le Massachusetts et le Maine, qui devient son premier film américain sans dialogue... Il a également joué deux personnages simultanément - l'inepte Alonzo Hawk et son rival beauf John Sliver - tous deux essayant de faire la cour à Edna Purviance.La présence à l'écran du célèbre clochard était parfaite pour le rôle d'un gentleman voleur ou d'un politicien opportuniste. Au cours de cette période (1918-1923), il réalise également Une vie de chien (1918), Bras d'épaule (1918), Le Bond (1920), Pay Day (1920).

Hollywood : la naissance des studios mythiques du cinéma américain

Les premiers grands studios d'Hollywood, comme laet (qui deviendra Columbia Pictures) ouvrent leurs portes en 1918. L'année suivante, la Columbia prend en charge la production de films, ce qui donne naissance à la grande industrie cinématographique américaine telle que nous la connaissons aujourd'hui avec ses beaux décors clinquants et ses films extravagants. Un autre studio, Universal Pictures, est lancé en 1912 par Carl Laemmle. Il créa un style proche de celui du burlesque avec des effets spectaculaires et des figures mythiques comme Frankenstein et Dracula, qu'il utilisait dans ses films. Il réussit ainsi à créer un nouveau genre d'horreur dans une tradition américaine qui avait déjà vu les œuvres d'Edgar Poe adaptées sur grand écran.

Le premier film parlant, Le chanteur de jazz, est sorti en 1927. Le passage au cinéma sonore n'est pas sans difficultés ; de nombreux grands noms du septième art voient leur carrière décliner parce qu'ils n'ont pas su s'adapter.

L'apparition du son entraîne la fin du cinéma muet

Mais le cinéma muet disparaît définitivement dans les années 1930. Rares sont les acteurs qui ont réussi cette transition. En effet, le poids des mimiques et de la gestuelle a considérablement diminué pour tendre vers un jeu plus naturel où la voix et les intonations avaient désormais une importance considérable. Charles Chaplin en est le meilleur exemple.

La naissance des films parlés a inauguré un nouveau type de cinéma français connu sous le nom de réalisme poétique. L' âge d'or du cinéma français est marqué par les œuvres de Jean Renoir et Jean Gabin, selon les critiques.

Le cinéma américain prend une ampleur mondiale

Dans le même temps, le réseau de distribution américain continue de se développer, pour finalement devenir et rester une partie de l'industrie cinématographique mondiale. Ainsi, tout ce qui est produit à Hollywood parvient inévitablement en Europe dès les années 1930. Le public français connaît aussi bien les stars américaines que les acteurs français. Les Etats-Unis ont compris le poids économique que pouvait représenter l'industrie du cinéma, en même temps que l'atout culturel (soft power) que cet art pouvait représenter pour diffuser leur art de vivre et leur mode de pensée.

Le développement inédit du cinéma italien

Peu avant la Seconde Guerre mondiale, l'Italie s'est fait une place dans l'univers encore très fermé des pays producteurs de cinéma , grâce au dictateur Mussolini qui a fait construire les studios de Cinecitta sous son régime. Néanmoins, il n'a pas pu totalement maîtriser et contrôler cet art naissant. En effet, la censure de Mussolini a été défiée par plusieurs réalisateurs, et le néo-réalisme italien est né avec Ossessione de Luchino Visconti en 1942. D'autres réalisateurs, tels que Vittorio de Sica et Roberto Rossellini, contribuent à l'essor du cinéma italien durant cette période.

Ossessione de Luchino Visconti en 1942

Après la seconde guerre mondiale, le cinéma connaît un nouvel élan. Le nombre de salles continue de croître, et la télévision n'est pas encore apparue. De nouveaux mouvements émergent, notamment en France. Quant à Hollywood, le symbole de la culture américaine continue de se développer, avec moins de films mais davantage de productions.

Le cinéma français d'après-guerre

La fin de la Seconde Guerre mondiale voit la réouverture des salles de cinéma et des sociétés de production qui avaient été fermées pendant la guerre. Un nouveau type de cinéma émerge après les bouleversements provoqués par les changements sociaux tels que la décolonisation, la déchristianisation... Ce nouveau type de cinéma s'appelle le " cinéma vérité ". Il s'agit de montrer sur pellicule la vie quotidienne des gens.

La Nouvelle Vague

La Nouvelle Vague est un mouvement du cinéma français qui a débuté au début des années 1950 et a duré jusqu'à la fin des années 1960. Les 400 coups (1959) de François Truffaud et À bout de souffle (1960) de Jean-Luc Godard sont deux films qui illustrent parfaitement ce mouvement. Ces deux films sont devenus le point de départ de nombreux réalisateurs français et ont démontré que le cinéma de studio classique n'était pas l'unique voie à suivre. La Nouvelle Vague est souvent accompagnée d'un certain climat : les manifestations étudiantes, les événements de mai 1968 et la guerre du Viêt Nam sont autant d'ingrédients qui ont contribué à ce nouveau mouvement cinématographique.

Nouvel âge d'or pour Hollywood

Dans les années 70, le cinéma américain entre dans une nouvelle phase. Les grands studios commencent à sortir moins de films qu'auparavant et leur production augmente considérablement. Quant à Hollywood, ce n'est plus son âge d'or, mais il fait toujours rêver. Il s'est déplacé vers les banlieues où l'on a construit "les usines à rêves". Puis, progressivement, au cours des années 1980, les productions indépendantes ont pris le relais pour des raisons économiques et politiques, et le cinéma populaire est devenu un cinéma grand public : des films comme Terminator (James Cameron), Retour vers le futur (Robert Zemeckis) ou Indiana Jones (Steven Spielberg) représentaient ce nouveau type de cinéma..

Cette évolution s'accompagne également d'une explosion de la cinématographie américaine en dehors de l'Amérique : en Europe mais aussi en France.Avec l'effondrement de l'URSS, et donc avec un énorme marché à conquérir (et à se réapproprier), Hollywood n'allait pas laisser passer cette opportunité.

"Le cinéma est un art d'émissaires" : Marc Fumaroli a cité cette phrase d'André Malraux, auteur célèbre et ancien ministre de la culture français, dans sa conférence sur le cinéma américain à la Sorbonne avant de la lancer sur le sujet : "Un film est comme un ambassadeur. Mais à la différence, par exemple, de la culture ou de la musique, le film est descendu de son piédestal parce que nous l'avons mis dans les multiples formes qui nous entourent maintenant..."

L'arrivée de la 3D au cinéma s'est accompagnée de nombreuses promesses : émerveillement, magie, authenticité... Mais, de plus en plus, cette technologie semble synonyme de confusion, nausée et ennui. Aujourd'hui, on ne parle plus de ces questions, sauf pour s'en moquer. Car si les films en 3D se font encore ( Gravity par exemple), ils sont souvent poussés dans la marginalité ou déviés de leur but initial. Par exemple, le gros blockbuster de cet été, Jurassic World, a dévié de la trajectoire de ses deux prédécesseurs, tous deux tournés en 2D.

La 3D d'abord vue comme un nouvel âge d'or

Dans un premier temps, les films en 3D avaient d'abord semblé signer un nouvel âge d'or du cinéma. Avatar avait fait sensation quand James Cameron l'avait dévoilé au grand public. Ce film avait même signé des records d'audience au box-office. Néanmoins, déjà à ce moment, les critiques fusaient à propos du manque de scénario. En effet, les images et leur côté époustouflant grâce à la technologie 3D avait tendance à éclipser le fond. C'est d'ailleurs ce que l'on reproche en général au cinéma en trois dimensions.

Promesses déçues de la 3D

Au-delà de la promesse du spectaculaire, les films en 3D n'ont pas attiré un grand public depuis leur apogée fin 2011. Les obstacles technologiques sont nombreux, ce qui explique les limites de cette innovation. D'abord, il faut des lunettes pour visionner ce genre de films au cinéma, et le prix de l'entrée est de plus élevé par rapport aux films traditionnels. Ensuite, il est presque impossible de revoir ce film après sa sortie en salle car les télévisions 3D ont fait un vrai flop auprès du grand public.

L'avenir du cinéma se dessine plutôt loin des salles avec le petit écran, non pas la télévision mais l'ordinateur. En effet, des géants sont en train de conquérir de nouvelles parts de marché dans les plateformes de streaming : Amazon Prime Vidéo, Netflix, Apple, ou encore Disney+.

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Histoire du cinéma : cours complet et chronologie résumée

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Le cinéma constitue, à n'en point douter, un monument des arts majeurs. Dans cet article, nous allons tenter la prouesse de vous résumer l'histoire du cinéma de ses ancêtres, à sa création par les Frères Lumière, jusqu'à aujourd'hui. Nous nous attarderons d'abord sur le cinéma muet, souvent méconnu de nos jours, alors que sa place ...

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C'est aux célèbres frères Lumière, des lyonnais, que la postérité attribue la paternité de l' invention du cinéma. L'invention de la caméra quant à elle revient à Thomas Edison, concepteur du premier appareil capable d'enregistrer et de visionner des images animés : le kinétoscope. S'inspirant des procédés d'enregistrement photographique du mouvement expérimentés à la fin du XIXe, Auguste et Louis Lumière conçurent la caméra moderne et organisèrent la première projection publique le 28 décembre 1895.

L'invention du cinéma

Le cinématographe repose sur l'illusion du mouvement du fait de la persistance rétinienne, avérée dès l'Antiquité par Ptolémée et Pline. C'est ainsi qu'en 1832, en étudiant les lois de la vision, le Belge Joseph Plateau invente le phénakistiscope sur lequel une série de dessins recréent le mouvement. Son principe est perfectionné par d'autres chercheurs, en remplaçant les dessins, d'abord par des photographies, puis par des images projetées. Le premier appareil de chronophotographie apparaît en 1874, quand l'astronome Jules Janssen construit un revolver impressionnant une partie de sa plaque photographique à intervalles réguliers.

Le tournant décisif de ces améliorations est accompli en 1888 par Etienne Jules Marey qui reprend l'idée de Janssen mais qui utilise le premier une pellicule sensible. Thomas Edison ne fait que parfaire le dispositif en appliquant des perforations sur la pellicule et des griffes sur les appareils. L'utilisation de son kinétoscope est néanmoins limitée, un seul spectateur pouvant visionner les images projetées à l'intérieur de la boîte d'Edison.

Les frères Lumière seront les premiers à "faire sortir les images de la boîte", selon une injonction de leur père Antoine Lumière. Ils ont alors l'idée géniale de s'inspirer du mouvement intermittent de la machine à coudre pour concevoir leur appareil projetant sur un écran les images. Étape ultime : les frères Louis et Auguste Lumière passent de quarante-six à seize images par seconde, améliorent le mécanisme d'entraînement par griffes et brevettent le cinématographe lumière en 1895.

La salle de cinéma

En plus du cinématographe, les frères Lumières sont les inventeurs d'un concept : la salle de cinéma. Les images sont projetées sur un écran dans une salle obscure et devant des spectateurs qui ont payé pour assister à la séance. La première a lieu le 28 décembre 1895 au Salon indien du Grand café à Paris avec la projection du court-métrage La Sortie des usines Lumière. Les frères Lumière tournèrent d'autres courts métrages, notamment l'Arrivée du train en gare de La Ciotat ou le célèbre Arroseur arrosé. Peut-être inspiré d'une bande dessinée de l'époque due à Herman Vogel, le premier gag de l'histoire du cinématographe a connu de nombreuses variations et maintes citations.

Le 7eme art a trouvé sa voie pour toucher un public toujours plus nombreux. Parmi celui-ci un certain Georges Méliès, qui fera les grandes heures du cinéma muet (Voyage dans la lune, 1902). On peut aussi citer Léon Gaumont et les frères Pathé, dont les productions resteront attachées à l'histoire du cinéma français.

Du noir et blanc à la couleur

Trois innovations décisives vont garantir le succès mondial du cinéma : la couleur, exploitée dès 1913 avec le Gaumontcolor et développée dans les années trente (Technicolor, Kodachrome, Agfacolor, etc.) ; le son synchrone, inauguré en 1927 dans le Chanteur de jazz; l'anamorphose, mise au point par Henri Chrétien dans les années vingt et popularisée en 1953 avec le CinémaScope. Dès lors, le cinéma devient une industrie à part entière. De puissants studios américains et européens inondent les salles obscures du monde entier de productions parfois très coûteuses : péplums et dessins animés côtoient les comédies et les films d'auteur. L'arrivée du numérique bousculera le mode de consommation du cinéma, sans toutefois remplacer la salle obscure des frères Lumière.

Pour aller plus loin
- Les frères Lumière : L'invention du cinéma, de Jacques Rittaud-Hutinet. Flammarion, 1993.- Le musée des Frères Lumière de Lyon.

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C'est aux célèbres frères Lumière, des lyonnais, que la postérité attribue la paternité de l' invention du cinéma. L'invention de la caméra quant à elle revient à Thomas Edison, concepteur du premier appareil capable d'enregistrer et de visionner des images animés : le kinétoscope.

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Oscar

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Article rédigé par

Pour renouer avec le succès à l'international, le cinéma français doit se faire " plus spectaculaire", prescrit l'un des dirigeants les plus puissants du secteur, le président de Pathé Films, qui prépare notamment le prochain Astérix. En attendant, c'est avec un film bien plus modeste qu'Ardavan Safaee espère créer la surprise aux prochains Oscars : Coda, un film indépendant américain, remake de La Famille Bélier d'Eric Lartigau avec Louanne.

Le film, qui relate l'histoire d'une famille sourde en difficulté, vole de succès en succès depuis sa présentation l'an dernier au festival de Sundance, puis sa sortie sur Apple TV+. Il a remporté fin février le premier prix des SAG Awards, qui pèsent généralement lourd dans la course aux Oscars, remis le 28 mars.

Coda met en scène des acteurs sourds ou malentendants, dont Marlee Marlin, première actrice sourde à avoir reçu un Oscar, et est nommé dans les catégories "meilleur film", "meilleur scénario adapté" et "meilleur rôle secondaire" pour Troy Kotsur.

Monter en gamme

Un signe que le cinéma français et ses créateurs comptent toujours, notamment à l'étranger ? " Les films tels qu'on les a conçus jusqu'à il y a peu de temps en France, cette masse de film de 300 par an, voire plus en 2021, n'est pas viable à long terme", estime Ardavan Safaee.

" Il faut qu'on redéfinisse le type de films qu'on veut faire pour le cinéma, essayer de monter en gamme, et ça demande d'être un peu plus rares, tout en gardant une diversité. Pour donner envie au public, il faut faire des films plus spectaculaires. On sait le faire", assure-t-il, citant Notre-Dame brûle de Jean-Jacques Annaud, en salles depuis mercredi, mais aussi ses projets en cours.

"Astérix et Obélix", "Les trois musquetaires"...

Parmi eux, l'une des plus grosses productions du moment (plus de 60 millions d'euros), Astérix et Obélix : l'Empire du milieu (sortie en février 2023), avec notamment la star du foot Zlatan Ibrahimovic aux côtés de Guillaume Canet, Gilles Lellouche en Obélix ou Marion Cotillard, mais aussi Les Trois Mousquetaires, nouvelle adaptation de l'oeuvre d'Alexandre Dumas avec Vincent Cassel et Eva Green dans les rôles principaux, en cours de tournage.

Malgré les récents accords sur la réforme de la chronologie des médias et le financement du cinéma par les plateformes, le dirigeant estime que l'écosystème français n'est pas forcément tiré d'affaire : " L'équilibre n'est pas encore bon. La manière de consommer les films a changé. Si on ne fait rien, j'ai peur que, dans dix ans, on se dise qu'on est passé en dessous de nos voisins européens. Pour le moment, l'équilibre fonctionne en France mais, si on laisse les plateformes grandir (...), si on n'adapte pas notre façon de produire, et les types de films qu'on fait pour la salle, on risque de prendre du retard".

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Pour renouer avec le succès international, le cinéma français a besoin de "spectaculaire", selon le président de Pathé Films

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"Pour donner envie au public, il faut faire des films plus spectaculaires". Dans un entretien, le patron de Pathé préconise une "montée en gamme" du cinéma français pour renouer avec le succès à l'international et faire face aux plateformes de streaming.

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https://edutheque.philharmoniedeparis.fr/contexte-histoire-du-cinema-muet.aspx

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Nécrologie de Jean-Luc Godard par le président Emmanuel Macron

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Nécrologie de Jean-Luc Godard par le président Emmanuel Macron

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https://www.elysee.fr/emmanuel-macron/2022/09/14/deces-de-jean-luc-godard

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Il avait été l'agitateur en chef du cinéma français avant d'en devenir l'un des maîtres incontestés. Jean-Luc Godard, le plus iconoclaste des cinéastes de la Nouvelle Vague, avait inventé un art résolument nouveau, intensément libre.

C'est des salles obscures bien plus que des les salles de classe que ce jeune franco-suisse reçut son éducation. Dans l'effervescence du Paris de l'après-guerre, il croisa tous ceux qui allaient devenir ses compagnons d'équipage de la Nouvelle Vague : Henri Langlois, André Bazin, puis François Truffaut, Claude Chabrol et Jacques Rivette - ces hussards du grand écran déterminés à réinventer le cinéma. Bien vite, il affute son regard en aiguisant sa plume, dans La Gazette du cinéma dirigée par Éric Rohmer, dans la revue Arts, puis dans Les Cahiers du cinéma, où ses articles au vitriol contre les films de ses aînés ont valeur de manifeste. Il veut un cinéma à son image : indiscipliné, rêveur, goguenard.

Quelques courts-métrages et documentaires plus tard, il livre À bout de souffle, en 1959, son premier long métrage dont la liberté de style et de ton allait faire déferler la Nouvelle Vague sur la France. Jean Seberg et Jean-Paul Belmondo, qui trouvait là son premier grand rôle au cinéma, y crevaient l'écran de naturel. D'une pierre deux coups, il signait l'acte de naissance d'un nouveau cinéma et d'une nouvelle jeunesse, décorsetée, décravatée, assoiffée de liberté. " L'art, aujourd'hui, c'est Jean-Luc Godard " écrit aussitôt Aragon.

Entre passion et création, son compagnonnage avec Anna Karina ouvrit un nouveau chapitre de sa filmographie. Ensemble, ils tournèrent sept films, sept merveilles du cinéma, dont Le Petit Soldat, censuré à l'époque, et qui ne put sortir en salles qu'après la fin de la guerre d'Algérie, Une femme est une femme, Bande à part, Alphaville ou encore Pierrot le fou, où le Ferdinand de Jean-Paul Belmondo rencontre la Marianne d'Anna Karina pour une fuite effrénée loin de Paris. La liberté, toujours.

Jean-Luc Godard a inventé des scènes de légende. Celle qui ouvre Le Mépris, où Brigitte Bardot demande à Michel Piccoli s'il aime chaque partie de son corps que la caméra arpente langoureusement, est restée à jamais dans les mémoires. Cédant aux injonctions de son producteur qui l'enjoignait à dévoiler Bardot, mais retournant l'ordre pour inventer un geste de cinéma d'une impertinence et d'une beauté folles, tout Godard était là. La rébellion et le génie. Le drame d'un couple qui se déchire à Capri devenait, sous son regard, une madeleine pour tous les cinéphiles et une matrice pour tous les cinéastes.

À la fin des années 60, avec Anne Wiazemsky, sa seconde muse qui allait devenir son épouse, il plonge dans un milieu universitaire en pleine ébullition. Il y puise l'inspiration de La Chinoise, où il met en scène Jean-Pierre Léaud en étudiant maoïste prêt à refaire le monde le petit livre rouge à la main. Jean-Luc Godard choisit alors la voie de l'engagement politique, faisant de son cinéma la chambre d'écho des idées radicales de son temps.

Au début des années 80, il revient à un cinéma plus classique qui lui vaut de grands succès comme Sauve qui peut, Détective ou Prénom Carmen, avant de renouer avec une veine plus expérimentale qui déclarait la mort du cinéma tout en continuant à la démentir par des œuvres d'une puissance et d'une inventivité jamais taries.

Il aura eu toutes les audaces formelles : les apostrophes aux spectateurs, les regards-caméras, les décadrages et les faux raccords, dans une esthétique originale du fragment et du collage qui n'appartenait qu'à lui et qui est analysée dans les écoles de cinéma du monde entier. On ne comprenait pas toujours le cinéma de Godard, mais on savait que le cinéma, c'était Godard : avec tous ses mystères et ses sortilèges.

Dans la bande annonce de l'un de ses derniers films, Film : Socialisme, il avait eu la malice de projeter tout le film entier en accéléré. En nous retournant sur son œuvre aujourd'hui, on voit passer à la même vitesse soixante-dix ans d'histoire française : de la guerre d'Algérie à Mai 68, de la société industrielle a la fin des idéologies. Celui qui, avec son phrasé indolent, ses lunettes noires et son éternel cigare aux lèvres, était devenu une icône nationale, nous a légué le " livre d'image " de notre siècle.

Le Président de la République et son épouse saluent un génie du septième art, et adressent leurs condoléances à sa famille, à ses proches ainsi qu'aux cinéphiles du monde entier.

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Il avait été l'agitateur en chef du cinéma français avant d'en devenir l'un des maîtres incontestés. Jean-Luc Godard, le plus iconoclaste des cinéastes de la Nouvelle Vague, avait inventé un art résolument nouveau, intensément libre. C'est des salles obscures bien plus que des les salles de classe que ce jeune franco-suisse reçut son éducation.

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C'est bientôt la fin pour Fast & Furious. La franchise d'Universal Pictures, qui met en scène gros muscles, grosses bagnoles, et grosses cascades depuis presque 20 ans, n'aura droit qu'à deux films de plus avant le clap de fin. C'est en tout cas ce qu'annonce , qui précise que le réalisateur des 3e, 4e, 5e, 6e et 9e films de la franchise, Justin Lin, sera de retour derrière la caméra pour les deux derniers opus.

Fast and Furious 9, dont le titre officiel est F9, devrait déjà être sorti dans le monde entier mais la pandémie de coronavirus a forcé le studio à repousser les nouvelles aventures de Dominic Toretto/ Vin Diesel et de sa bande/famille au 31 mai prochain.

Ce n'est qu'un au revoir

Pour autant, Universal Pictures ne renonce pas à la manne financière que représente une franchise toujours aussi populaire auprès du public (5,8 milliards de recettes au box-office quand même, ce qui en fait la dixième franchise la plus rentable de l'histoire du cinéma, juste derrière Le Seigneur des Anneaux). Variety précise que le studio continuera à exploiter la " marque " F & F avec des spin-offs, basés sur les - nombreux - personnages croisés par la bande au cours de leurs aventures explosives.

La première tentative - réussie, au moins en termes de recettes - avec The Rock et Jason Statham, intitulée Fast and Furious Presents : Hobbs & Shaw, semble avoir donné des idées aux producteurs. Ces derniers n'ont pas hésité à multiplier les apparitions de stars dans les derniers volets de la franchise, pour leur donner un rôle de premier plan suivant le succès rencontré.

Dans F9, les fans de la série devaient rencontrer les personnages de Cardi B, de la star du reggaeton Ozuna, ainsi que le champion camerounais de MMA Francis Ngannou.

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VIDEO. " Fast & Furious 11 " sera le dernier film de la saga

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C'est bientôt la fin pour Fast & Furious . La franchise d'Universal Pictures, qui met en scène gros muscles, grosses bagnoles, et grosses cascades depuis presque 20 ans, n'aura droit qu'à deux films de plus avant le clap de fin.

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A la sortie de la Deuxième Guerre mondiale, le cinéma français est en crise : une bonne partie de ses cadres est soupçonnée de collaboration plus ou moins active et l'autre est organisée par le puissant Parti communiste.

Jules et Jim, le roman de Henri-Pierre Roché Ed. Gallimard, 1953

Dans ce contexte de lutte d'appareils, les jeunes ont du mal à trouver leur place, et c'est par le biais de la critique qu'ils expriment leurs revendications. De l'autre côté de l'écran, pour le grand public des années 50, les films au cinéma sont le divertissement par excellence.

François Truffaut trouve alors, dans les colonnes des Cahiers du Cinéma d'André Bazin, une tribune pour mettre en avant ce qui sera le credo de la Nouvelle Vague : le cinéma est un art à part entière avec ses auteurs, ses créateurs et son avant-garde. Il a 22 ans quand il signe l'acte de naissance de la Nouvelle Vague avec son article critique de la qualité française Une certaine tendance du cinéma français dans le n°31 des Cahiers du Cinéma de janvier 1954.

En quelques années, François Truffaut, avec ses comparses de la Nouvelle Vague Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Jean Douchet, entre autres vont intellectualiser le cinéma en ayant recours aux moyens habituels de l'avant-garde artistique : une critique sévère du passé (parfois injuste en particulier avec les acteurs), l'apologie d'un petit nombre de précurseurs (Hitchcock, Murnau, Rossellini, Fuller, Renoir) et l'expérimentation de méthodes nouvelles de tournage et de production. Tournant le dos à l'académisme qu'ils dénoncent, ces jeunes critiques, devenus scénaristes et réalisateurs, engagent de jeunes acteurs (parfois des amateurs), profitent de la généralisation des caméras légères (inventées pendant la guerre pour les besoins des actualités militaires) et tournent en extérieurs et en décors naturels des films parfois brouillons mais toujours inspirés, où le rejet des conventions s'exprime souvent par un jeu d'acteur décalé, une caméra très mobile et un montage peu conventionnel. Les sujets surtout recoupent les préoccupations de cette jeunesse de la petite bourgeoisie mal à l'aise dans la France post-coloniale qui peine à oublier la collaboration. Un habile compromis entre les codes narratifs de l'avant-garde et la tradition de la comédie de mœurs à la française donne à François Truffaut, réalisateur, une place à part dans la Nouvelle Vague dont il se distancera peu à peu à partir des événements de mai 1968.

photogramme du film Jules et Jim, de François Truffaut. Les acteurs Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre
© 1961 SEDIF / Les Films du Carrosse / Films J. Manzon

Publié le 16/10/12

Modifié le 12/11/19

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François Truffaut et l'invention de la Nouvelle Vague

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Jules et Jim, le roman de Henri-Pierre Roché Ed. Gallimard, 1953 Dans ce contexte de lutte d'appareils, les jeunes ont du mal à trouver leur place, et c'est par le biais de la critique qu'ils expriment leurs revendications. De l'autre côté de l'écran, pour le grand public des années 50, les films au cinéma sont le divertissement par excellence.

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D'Ed

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L'actrice Diane Rouxel dans " La Terre des hommes ", de Naël Marandin, projeté à la Cinémathèque dans le cadre de la semaine de la critique. Collection particulière

C'était la dernière séance de 20 heures, vendredi 16 octobre à la Cinémathèque française, à Paris, avant le couvre-feu : celui-ci va s'appliquer pendant au moins quatre semaines à compter du 17 octobre, de 21 heures à 6 heures, en Ile-de-France ainsi que dans huit autres grandes agglomérations. Pas d'exception pour les cinémas, les théâtres ni les salles de spectacles, a tranché le premier ministre Jean Castex, alors que les professionnels de la culture ont tenté d'obtenir une dérogation. " Gardez bien vos tickets ! Ils sont historiques ", ironisait-on dans l'escalier de la Cinémathèque, vendredi soir, tandis que les spectateurs rejoignaient la salle Henri-Langlois déjà bien remplie, l'expression " pleine à craquer " étant désormais bannie du vocabulaire, en cette période de crise sanitaire.

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Au programme, ce vendredi soir, La Terre des hommes, de Naël Marandin, un film sélectionné par la Semaine de la critique, section parallèle cannoise pilotée par Charles Tesson, et consacrée aux premiers et aux seconds longs-métrages. Jusqu'au dimanche 18 octobre, la " Semaine de la critique hors les murs " présente à la Cinémathèque sa sélection 2020, soit cinq longs-métrages et dix " courts ". Pour tenir compte du couvre-feu, les projections qui étaient prévues à 20 heures ont été avancées à 18 heures ou à 15 heures.

Cinq longs-métrages, contre sept habituellement

Si le festival de Cannes n'a pu avoir lieu physiquement au mois de mai, l'équipe de la " Semaine " a malgré tout labellisé quelques films pour sa 59 e édition, en restreignant le nombre de longs-métrages à cinq, contre sept habituellement. Partenaire de la " Semaine ", la fondation Gan a aussi maintenu le " prix fondation Gan à la diffusion " qu'elle décerne chaque année sur la Croisette : cette année, la récompense sera attribuée sur la scène de la Cinémathèque, samedi 17 octobre, à 15 heures, à After Love, de Aleem Khan, jeune auteur-réalisateur britannique d'origine anglo-pakistanaise. L'action se situe à Douvres, ville côtière dans le sud de l'Angleterre : le lendemain de l'enterrement de son mari, une femme découvre que le défunt cachait un secret de l'autre côté de la Manche, à Calais.

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Comme le soulignait Charles Tesson, vendredi soir, l'important dans la Terre des hommes n'est pas tant l'invention d'un récit, que la manière dont celui-ci est mené. Le film, dont la sortie en salles est annoncée en pour le 3 février 2021, nous emmène en Bourgogne dans le monde paysan : c'est l'histoire d'une jeune femme, Constance (Diane Rouxel), qui veut reprendre l'exploitation de son père (Olivier Gourmet). Constance monte un solide projet avec son compagnon, Bruno (Finnegan Oldfield), et le jeune couple a bon espoir d'aboutir grâce au soutien d'un grand exploitant de la région, Sylvain Rousseau (Jalil Lespert).
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La Cinémathèque française fait son festival de Cannes, malgré le couvre-feu

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C'était la dernière séance de 20 heures, vendredi 16 octobre à la Cinémathèque française, à Paris, avant le couvre-feu : celui-ci va s'appliquer pendant au moins quatre semaines à compter du 17 octobre, de 21 heures à 6 heures, en Ile-de-France ainsi que dans huit autres grandes agglomérations.

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Faut-il s’inquiéter des performances du cinéma français à l’étranger ?

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Faut-il s’inquiéter des performances du cinéma français à l’étranger ?

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Should we be concerned about the performance of French cinema abroad?

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Sont-ils trop élitistes, trop longs ? Trop "clichés" ? Les films français auraient attiré deux fois moins de spectateurs étrangers dans les salles qu'en 2017 ! Pour savoir s'il y a des raisons de paniquer, décryptons ce résultat.

Les films français se vendent-ils moins bien qu'avant à l'étranger ?

Coup dur pour l'ego du cinéma français. En 2018, nos films n'ont attiré que 40 millions de spectateurs hors de nos frontières : c'est deux fois moins qu'en 2017, où les productions hexagonales cumulaient 82,5 millions d'entrées à l'international. Pour UniFrance, l'organisme chargé de la promotion du cinéma tricolore dans le monde, la déception est de taille.

En septembre, dans une interview pour Le Figaro, la directrice d'UniFrance Isabelle Giordano avait tiré la sonnette d'alarme. L'article avait fait grand bruit parce qu'elle semblait y juger les films français trop longs, trop élitistes, trop bavards pour attirer les cinéphiles étrangers. De l'étranger, on reproche au " made in France " son côté " drame de chambre de bonne ", ses marottes parisianistes ou sociales, etc. Cliché ou vérité ? En tout cas, on est à mille lieues des divertissements spectaculaires qui font se bousculer la foule aux guichets. Les films en langue française, surtout, réalisent en 2018 leur pire performance au box-office depuis 2009.

Pourquoi faut-il prendre ces chiffres avec des pincettes ?

On aurait tort de soupçonner trop vite un lien entre ce déclin apparent et un brusque désintérêt pour l'offre hexagonale. Il se trouve qu'en France, à la différence des Etats-Unis, le succès des films se chiffre pudiquement en nombre de spectateurs plutôt qu'en gros sous. Et s'en remettre entièrement à la billetterie des salles pour juger de l'attractivité du cinéma français est loin d'être pertinent à l'ère 2.0.

L'angle mort du repli de la fréquentation ? Le numérique. Daniela Elstner, présidente de l'Association des exportateurs de film, estime que sur 237 millions d'euros engendrés par l'exportation des films français en 2018, 20 à 30 % proviennent des ventes aux plateformes de streaming telles que Netflix.

Abonné Netflix va-t-il tuer le cinéma français ? Enquête Aurélien Ferenczi

Si l'on s'en tient donc aux recettes dans leur globalité, tous types d'exploitation confondus, la compétitivité du cinéma français n'est pas vraiment démentie. Le piteux bilan dressé par UniFrance ne traduirait rien d'autre que l'évolution des usages, plus tournés vers les nouveaux médias que vers les salles obscures. Le nombre de films français exportés en 2018 est d'ailleurs stable : environ six cents, comme les autres années. La France se targue toujours d'être le deuxième exportateur de films dans le monde.

Autre fait notable : l'exportation du cinéma français a toujours tracé une courbe sinusoïdale, en fonction de l'existence ou non d'une grosse production, souvent anglophone, d'une année sur l'autre. Déjà en 2016, la popularité du cinéma français était jugée en berne pour ne pas avoir égalé les fréquentations des années précédentes, dopées par en 2015 et en 2014.

La santé du cinéma français à l'extérieur est-elle suspendue à la sortie d'un Luc Besson ?

Il est vrai que le cru 2018 se distingue par l'absence de blockbuster à visée mondiale façon Valérian et la Cité des mille planètes, qui avait capté à lui seul 30 millions d'entrées à l'étranger en 2017. La concentration des entrées sur quelques gros films les années précédentes explique qu'en l'absence de titres phares le bilan des exportations fasse triste mine. Et alors que la boîte de Besson, EuropaCorp, s'enlise toujours un peu plus dans l'endettement, le plus hollywoodien des entrepreneurs français risque de ne pas revenir squatter les écrans de sitôt. Un mal pour un bien ? Rym Hachimi, responsable des ventes internationales de la société The Bureau, rappelle que l'argent déboursé par les distributeurs étrangers pour acheter un seul blockbuster hexagonal profite à une pluralité de films français les années où aucune de ces locomotives ne vient leur faire de l'ombre.

Quelles perspectives pour 2019 ?

Jusqu'ici, la France s'est forgé cette réputation de village gaulois rétif à embrasser le nouveau siècle - comprendre les plateformes numériques. Or l'époque impose de les inclure davantage, car les productions hexagonales ne peuvent pas en faire l'économie. La France n'exporte encore que trop peu de films par le biais de la SVOD selon Isabelle Giordano (seulement 3,5 % à iTunes et Netflix en Europe). Ça bouge : par exemple, la vente récente du Jeu, de Fred Cavayé, à Netflix - alors que la plateforme aurait pu acquérir le film italien dont est le remake - est plutôt bon signe.

Mais, l'assure Daniela Elstner, même si le chiffre d'affaires appuyé sur les ventes numériques est appelé à augmenter, ce serait toujours en complément des sorties en salles. Lesquelles sont encore capables d'assurer de beaux succès : en témoignent les brillantes carrières mondiales de Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu ? ou de La Famille Bélier, portés aux nues en Amérique latine.

Désormais, l'expertise du vendeur international consiste donc à juger quel type d'exploitation est adapté à tel film : salle ou numérique. Modéliser ce nouveau fonctionnement s'avère d'autant plus périlleux que Netflix protège farouchement la confidentialité de ses recettes et des audiences captées par ses programmes. En attendant, pour assurer les beaux jours de l'exportation française en 2019, la profession mise sur des films tels qu'Astérix : le secret de la potion magique, ou encore Le Grand Bain. Lequel pourrait, qui sait, attiser de nouveau le goût des Américains pour les remakes, à l'instar d'Intouchables ?

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Faut-il s'inquiéter des performances du cinéma français à l'étranger ?

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Sont-ils trop élitistes, trop longs ? Trop "clichés" ? Les films français auraient attiré deux fois moins de spectateurs étrangers dans les salles qu'en 2017 ! Pour savoir s'il y a des raisons de paniquer, décryptons ce résultat. Coup dur pour l'ego du cinéma français.

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Le cinéma en France se porte bien: telle est la conclusion du Centre national du Cinéma et de l'image animée ( CNC) qui a publié mercredi 5, comme chaque année à la même époque, son bilan de l'année écoulée. Avec 209 millions d'entrées enregistrées en 2014, "la fréquentation des salles a atteint le meilleur taux depuis près de cinquante ans", a résumé, mercredi 6, la présidente du CNC, Frédérique Bredin.

Et bonne nouvelle, parmi ces 209 millions d'entrées, les films français en ont totalisé 91 millions, soit 44,4% de part de marché, un record depuis 30 ans. Un succès dû notamment aux films Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu? de Philippe de Chauveron qui a engrangé 12,3 millions d'entrées, Supercondriaque de Dany Boon (5,3 millions d'entrées) ainsi qu'à(5,2 millions d'entrées), la superproduction de Luc Besson. Grâce à ce score, la France s'est hissée au premier rang européen en termes de fréquentation devant l'Allemagne (122 millions), l'Italie (100 millions), l'Espagne (87 millions) ou l'Angleterre (57 millions). La France est également au top en termes du nombre de films sortis en salles. Au total, 343 films français ont été projetés en 2014, soit le chiffre le plus élevé "depuis au moins 1975", selon le CNC.

Dans le détail, 39 millions de Français sont allés au cinéma au moins une fois l'année dernière, soit une augmentation de 4% en un an. D'après les conclusions du bilan du CNC, publiées à quelques jours de l'ouverture du Festival de Cannes le 13 mai, les plus cinéphiles sont les 25-49 ans avec 35,6% des entrées et les plus de 50 ans (33,1%).

Si les signaux sont au vert, un seul fait office de point noir dans le tableau. La production de films a ainsi régressé en 2014 en France. Au total, 246 ont été tournés dans l'Hexagone contre 258 en 2013. Selon le CNC, cette baisse serait essentiellement due à un "fort recul des investissements étrangers" (-47,6%) dans les coproductions.

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Année 2014: le cinéma français au mieux de sa forme

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Le cinéma en France se porte bien: telle est la conclusion du Centre national du Cinéma et de l'image animée (CNC) qui a publié mercredi 5, comme chaque année à la même époque, son bilan de l'année écoulée.

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Plombées par le téléchargement illégal, les salles de cinéma sont obligées de se réinventer. Pendant que certaines voient leur futur en 3D, d'autres misent sur un atout plus basique : la nourriture. Aux Etats-Unis, on appelle ça " cinema eatery " : vous arrivez, vous commandez, vous mangez pendant le film.

Qui n'a jamais fait de soirée film-plateau repas, ou invité ses amis à regarder "Top Chef" autour de l'apéro ? Si vous rêvez de faire la même chose dans une salle de cinéma, devant le dernier blockbuster ou un film indé bulgare, sachez qu'aux Etats-Unis, c'est possible, à travers différentes initiatives qui visent à ramener un peu de convivialité dans les salles obscures.

Le système est bien rôdé. Sur le comptoir en face du spectateur, un petit tas de feuilles blanches et un stylo pour passer commande. Entre les rangées de sièges en velours rouge, les serveurs, courbés et chargés de plats, courent discrètement dans l'obscurité, sans jamais gêner la vue. Le concept est résumé en quelques images sur le site de la chaîne de cinémas américaine Cinebarre.

Comme devant la télé

Au menu de ces " cinema eateries ", une variété de plats et de boissons à faire rêver les spectateurs-boulimiques compulsifs : burgers, macaronis, tarte aux pêches, mais aussi vins et bières à profusion. Pratique pour les adeptes du drinking game, ou jeu à boire (exemple : buvez à chaque fois que vous entendez le mot " force " dans 'Star Wars'). Utile aussi pour tous ceux qui, traînés de force par leur petite sœur, souhaitent survivre au dernier 'Alvin et les Chipmunks'.

La chaîne Alamo Drafthouse, basée au Texas et créatrice du concept, va encore plus loin, avec des menus spécialement élaborés selon les films : civet de lapin à la hobbit pour 'Le Seigneur des anneaux', un " 5 dollar-milkshake " tout droit sorti de 'Pulp Fiction', et même un cocktail " Redrum " en référence à 'Shining'... Une recette qui marche, puisque la chaîne est sur le point d'ouvrir trois nouvelles salles, à San Francisco , Washington DCet New York.

Le "deuxième meilleur cinéma du monde"

L'autre facette de ces cinémas, c'est leur aspect participatif. Au Cinebarre, à la place des pubs M&M's en début de séance, on visionne des courts métrages réalisés par les spectateurs eux-mêmes. Les romantiques, eux, peuvent carrément faire projeter leur demande en mariage sur grand écran.

Au Alamo Drafthouse, classé deuxième meilleur cinéma du monde par CNN, vous pouvez également envoyer vos blagues à l'écran pendant le film, surtout s'il est mauvais, faire doubler un navet par une troupe de comédiens en direct (voir ci-dessous le détournement de 'Twilight' par l'équipe de Master Pancake, en VO), ou encore crier vos répliques préférées pendant des projections spéciales " Quote Along ".

Toutefois, les films ne sont pas les seuls mis à l'honneur, et des programmes télé sont projetés occasionnellement, comme la dernière saison de 'Glee', ou le mariage du prince William et de Kate Middleton.
Un concept qui évolue
Dans les années 1980, le film musical culte 'Rocky Horror Picture Show' faisait déjà chanter et danser les fans, déguisés pour chaque projection. Trente ans après, les salles de cinéma n'ont plus peur de rien. Il y a deux ans, c'est ainsi le cinéma interactif qui a fait son apparition avec 'Last Call'. Dans ce film d'horreur nouvelle génération, l'héroïne poursuivie appelle des membres du public sur leur portable pour leur demander conseil. Les spectateurs, ayant donné leur numéro de téléphone au préalable, peuvent ainsi influer sur l'évolution du film.

Chut !

Le participatif a pourtant ses limites. L'Alamo Drafthouse a récemment fait le buzz avec sa nouvelle campagne de pub fusillant les gens qui parlent, envoient des SMS ou twittent pendant un film. La vidéo, diffusée en début de séance, se moquait du message vocal outré d'une cliente, virée de la salle pour avoir utilisé son portable pendant la projection.

Car oui, au Alamo, les petits papiers blancs vous permettent non seulement de commander un dessert mais aussi d'attirer l'attention sur le comportement désagréable de votre voisin. Et si les serveurs du cinéma reçoivent une plainte, ils ont le droit de vous virer à la texane, sans remboursement. Quant aux enfants de moins de 6 ans, sources primaires de nuisance sonore, ils sont tout simplement refusés.

Là encore, la chaîne de cinéma sait faire preuve d'inventivité, avec des messages d'avertissement provocateurs souvent hilarants. Un réglement strict dont on pourrait bien s'inspirer en France, quand cinéma l'après-midi rime souvent avec commentaires des uns et ronflements des autres.

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Plombées par le téléchargement illégal, les salles de cinéma sont obligées de se réinventer. Pendant que certaines voient leur futur en 3D, d'autres misent sur un atout plus basique : la nourriture. Aux Etats-Unis, on appelle ça " cinema eatery " : vous arrivez, vous commandez, vous mangez pendant le film.

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See all the wonderful things 15s07ewestla has made

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Le cinéma français a moins d'un an pour faire une place à Netflix

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Le cinéma français a moins d'un an pour faire une place à Netflix

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A peine résolu il y a un peu plus d'un an , le Rubik's Cube de la " chronologie des médias " à la base du financement du cinéma français est à nouveau à refaire : le gouvernement s'est en effet fixé l'objectif de la réformer dès cette année. Une ambition qui exigera de lui de fins talents de négociateur avec les chaînes de télévision traditionnelles françaises - en particulier Canal+ -, qui risquent d'y perdre.

Derrière ce terme de " chronologie des médias " se cachent des dispositions négociées laborieusement par toutes les parties prenantes de l'écosystème du septième art tricolore pour étaler la diffusion des films selon les médias (salle, vidéo à la demande [VOD], chaînes payantes, chaînes gratuites, VOD par abonnement [SVoD]), en fonction de la contribution de ces canaux au financement du cinéma français.

Franck Riester à l'inauguration des locaux de Netflix

Alors que la discussion sur la grande loi audiovisuelle devrait être débattue au Parlement en mars, cette " chrono " doit désormais évoluer. Les plateformes, et en particulier Netflix avec ses presque 6,7 millions d'abonnés, vont être mises à contribution pour la création française. Or, elles n'ont aucune raison de financer des films français si elles ne peuvent les mettre sur leurs écrans que trois ans après, comme c'est le cas aujourd'hui.

C'est tout un symbole : Franck Riester, le ministre de la Culture, a choisi l'inauguration des locaux de Netflix la semaine dernière pour lancer les hostilités. " Je sais que [la chronologie des médias] cristallise un équilibre extraordinairement subtil. [...] Mais le gouvernement [...] crée les conditions pour que les règles évoluent. [...] Il serait logique que de nouveaux diffuseurs comme Netflix puissent négocier, dans cette chronologie, une fenêtre qui reflète réellement leur contribution au préfinancement des oeuvres. C'est donc une transformation d'ensemble du modèle de financement de la création que nous abordons aujourd'hui. Cette transformation, nous ne la ferons pas contre Netflix ", a-t-il déclaré. Selon les professionnels, l'enjeu est une contribution annuelle de 30 à 40 millions d'euros au cinéma français par la société de Reed Hastings qui pourrait, s'il ne trouve pas d'accord avec le cinéma français, n'investir que dans les séries qui ne subissent pas la contrainte de la chronologie des médias.

Toute la filière le sait : le gouvernement veut réformer la chronologie en même temps que les rapports unissant diffuseurs et producteurs et que les obligations de contributions de tous les diffuseurs à la création française. Soit d'ici la fin 2020. Il avait fallu neuf ans et deux ans de négociations avant de réformer la précédente chronologie des médias.

Le plus offrant

" Sur le fond, le gouvernement dit au cinéma français : 'Si vous voulez une part garantie des 25 % des revenus que Netflix devra verser à la création française,faites-lui une place' ", explique Pascal Rogard, directeur général de la société d'auteurs SACD.

Premier financeur du cinéma français (environ 130 millions d'euros, selon les années), Canal+, la chaîne payante historique du secteur, semble avoir le plus à perdre dans cette réforme. La dernière négociation avait abouti à une protection de sa fenêtre de diffusion exclusive huit mois (ou six) après la sortie en salle et à un plafonnement de sa contribution.

Cette fois, les autorités visent ce qu'elles appellent la neutralité technologique : à contribution égale - que ce soit de la télévision traditionnelle ou de la SVoD -, droits égaux... L'objectif est donc de laisser cette première fenêtre au plus offrant. Les autorités veulent que le cinéma français dépende moins de Canal+ alors que de nouveaux diffuseurs sont là et parviennent à séduire la jeunesse.

Dans la négociation interprofessionnelle qu'il veut aiguillonner par le biais du secteur de la production, le gouvernement veut toutefois à tout prix maintenir la primauté de la salle (qui a trois à quatre mois d'exclusivité), consubstantielle à la définition du septième art. Or, dans les pays où il est présent, Netflix a accepté au mieux de laisser à la salle trois semaines d'exploitation avant de mettre les films sur sa plateforme.

Netflix a donc peu de chance d'accepter huit ou six mois, contre une contribution... De même, les chaînes payantes et gratuites qui financent aujourd'hui des films ont des obligations de diversité dans les films qu'elles financent, auxquelles il serait étonnant que Netflix veuille se conformer. A moins qu'il ait prévu de faire un grand geste...Mais même s'il bougeait, les chaînes françaises militeraient aussi pour qu'on allège leurs obligations.

Pénaliser les chaînes traditionnelles

" L'idée de la réforme est soit d'alléger les contraintes sur les chaînes historiques, soit de soumettre les nouveaux entrants à l'exception culturelle française, explique un connaisseur. N'est-ce pas un pari dangereux sur l'avenir que de pénaliser les chaînes en place, voire les salles, pour accommoder Netflix ? "

Reste cependant une catégorie de films français peut-être davantage susceptibles d'être réformés : ceux qui ont du mal à trouver leur public dans les salles, notamment à cause d'une certaine surproduction de films régulièrement dénoncée, ou ceux qui ne sont pas financés par Canal+ ou qui disparaissent vite des fenêtres de diffusion de la " chrono " sans que personne ne puisse acheter leurs droits de diffusion.

On sait qu'il y a en moyenne par mois seulement un peu plus d'une sortie de film français assez populaire pour intéresser vraiment les grands diffuseurs. Pour une partie des autres films, une sortie directe en e-cinéma ou une autre chronologie des médias peut-elle être envisagée ? Deux " facilitateurs " ont été nommés pour conduire ces discussions : Florence Philbert, de l'IFCIC (Institut pour le financement du cinéma et des industries culturelles), et Pierre Sellal, ancien ambassadeur. Ils ont bonne réputation, mais la tâche est délicate.

Nicolas Madelaine

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Le cinéma français a moins d'un an pour faire une place à Netflix

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Les plateformes comme Netflix vont devoir financer la création française à la faveur de la loi audiovisuelle. Mais si le cinéma veut sa part du gâteau, il doit proposer à Netflix de pouvoir passer les films plus vite après leur sortie en salles. La difficile négociation sur la chronologie des médias est rouverte.

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The problem with waves is that they break. Yet it is easy to understand why 'wave' is used as a description for film movements. Historically it has taken groups of directors, writers and performers working together to change the landscape of the medium rather than an individual. But a wave implicitly denotes hierarchy; those at the head of this transformative force attract the most attention. But what happens after it recedes? What are the films that explored the medium in subtler less monumental shifts?

The most well-known and widely-discussed wave of all is the Nouvelle Vague. Its explicit links with Cahiers du Cinéma is part of the reason for this, but also that its directors ushered in a genuinely radical post-modern cinematic language. Such was their dominance in the 1960s that discussion of French cinema, in the UK at least, is equally dominated by those filmmakers, whether it be Jean-Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer or Jacques Rivette. Yet by the following decade other innovations and experiments were underway; unusual changes which allowed a body of French language film to mostly slip by.

Perhaps the best entry point into this tough but fascinating era of European arthouse cinema is Maurice Pialat's Loulou from 1980, which marked an endpoint of a particularly fruitful period of innovation in French cinema that included Pialat's own in We Won't Grow Old Together and The Mouth Agape. Starring Isabelle Huppert and Gérard Depardieu, Loulou is a vibrant examination of class that centres around a young woman who runs off with a petty criminal. It's an amalgamation of various themes and visual styles that were developed in the preceding decade, many of which can be seen by tracing back the careers of the film's two stars.

Consider the range and styles of Huppert's run of films in the 1970s: she played the lead in Claude Gorreta's subtle, beautiful drama The Lacemaker; Anne Brontë in André Téchiné's The Brontë Sisters; the victim in Yves Boisset's hard-hitting race drama The Common Man; and a slew of roles in provocative cult films. Although most of these films were shot using conventional film language, they unquestionably expanded on the themes and techniques established under the Nouvelle Vague. These films aren't concerned with the previous decade's endless balancing acts, between the poetic and the structuralist, the avant-garde and the pulp. They simply were, of themselves so to speak, far from the (albeit revolutionary) postmodern referencing and footnoting.

Depardieu too found regular work in a bizarre and brilliant array of dramas during the decade, playing smaller roles in a number of Marguerite Duras films before landing the lead in 1977's The Lorry. He appeared in a number of controversial sex dramas, as well as several crimes films, starting out alongside Jean Gabin in Denys De La Patellière's Killer, José Giovanni's Two Men in Town and Claude Bernard-Aubert's The Dominici Affair. Later he graduated to lead at the end of the decade in the Bertrand Blier's surreal crime feature, Buffet Froid.

Of course, the decade was full of unusual film experiments: the writer Georges Perec worked with Bernard Queysanne on a beautiful adaptation of his story 'The Man Who Sleeps'; René Allio adapted Michael Foucault's edited book, 'I, Pierre Rivière, having slaughtered my mother, my sister and my brother...', staying true to its brutal, Zola-esque origins; and social philosopher and theorist Guy Debord returned to the potential of the cinematic essay in adapting his own pivotal work, 'The Society of the Spectacle'.

Depardieu wasn't the only male lead making innovative films. Another of the decade's real breakthroughs was Patrick Dewaere. In a hyperactive period of work before the actor's suicide in 1982, Dewaere took 1970s cinema by the throat - in Alain Corneau's Série noire, one of the most accomplished crime films ever made, he positively fizzes as the out-of-control sleazebag trying to steal an old brothel owner's stashed cash. Dewaere displays that same magnetic volatility in Jean-Jacques Annaud's Hothead, Yves Boisset's Le Sheriff, and in Claude Miller's The Best Way To Walk.

With the easing of censorship in the '70s, the subject of sex became handled with far more vigour; often playing with the ideas of voyeurism, problematic consent and critical assessments of gender norms. Alain Robbe-Grillet continued transgressing in experimental erotic dramas such as Eden and After and Successive Slidings of Pleasure, while Barbet Schroeder's Maîtresse turns an S&M drama into a biting critique of exploitation and ownership of bodies. On the other hand, some directors were happy to make the most of those exploited bodies, as evidenced in Bertrand Blier's beautifully shot yet rancid Les Valseuses, or Serge Gainsbourg's Je t'aime moi non plus. Aptly, Depardieu, Huppert and Dewaere featured in a number of these films.

Men weren't the only ones addressing these issues behind the camera. The '70s saw a wealth of pioneering, innovative women pick up the torch from their Nouvelle Vague forebears: Catherine Briellat started her steady stream of cinematic provocations with A Real Young Girl and Nocturnal Uproar; Nadine Trintignant continued producing effective mainstream dramas with It Only Happens to Others and Défense de savoir; Diane Kurys broke the mould of the coming-of-age film with the richly detailed Peppermint Soda; and Marguerite Duras delivered the masterpieces Nathalie Granger and India Song.

Most startling were the innovations of Chantal Akerman, a director who took apart cinematic norms with blissful nonchalance. Whether in the fragmented, coldly hyper-sexual Je Tu Il Elle, the canon-breaking feminist odyssey of domestic stasis Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, or the melancholy travelling drama The Meetings of Anna, Akerman took the new freedoms of the decade and matched them with a icy visual style and daring disregard for the status quo.

This can only be a short overview of a body of work still capable of throwing up surprises. There are films from the decade with performances from Lino Ventura, Delphine Seyrig and Alain Delon, those scripted by Francis Veber and with late career dialogue by Michel Audiard, or those films not mentioned directed by Pierre Granier-Deferre and Alain Corneau to name but a few. The list is seemingly endless.

On other occasions, I've labelled this cinema 'The Sunday of French Cinema' in reference to Raymond Queneau's novel 'Le Dimanche de la vie'; cinema basically treated as being after the main event. Yet really, it's only the tail end in regards to its appreciation rather than its qualities. In reality many of these films are biting, tackling tough issues, sometimes disturbingly, but never less than interestingly. The visuals may not always be as defined or as stylised as those films that still dominate the discourse of French language cinema today, but they're certainly more than worth the time to discuss and, most importantly, to watch.
Discover many of the films mentioned above at Barbican's After the Wave season, which runs 6 June to 25 July.
Published 6 Jun 2019

Tags: Chantal Akerman French Cinema French New Wave Gérard Depardieu Isabelle Huppert Marguerite Duras Maurice Pialat

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After the Wave: Exploring French cinema in the 1970s

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The problem with waves is that they break. Yet it is easy to understand why 'wave' is used as a description for film movements. Historically it has taken groups of directors, writers and performers working together to change the landscape of the medium rather than an individual.

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François Aymé, directeur du cinéma Jean-Eustache à Pessac (Gironde), et président de l'Association française des cinémas d'art et d'essai (Afcae). AFCAE

Alors que le premier ministre, Jean Castex, a annoncé, vendredi 16 octobre, que les salles ne bénéficieraient pas d'une dérogation au couvre-feu mis en place en Ile-de-France ainsi que dans huit autres métropoles, les professionnels du cinéma redoutent de nombreux reports de sorties de films. Président de l'Association française des cinémas d'art et essai (Afcae) - qui regroupe plus de 2 000 écrans, soit 40 % du parc de salles - et patron du cinéma Jean-Eustache à Pessac (Gironde), près de Bordeaux, François Aymé estime que le gouvernement doit faire un geste en direction des distributeurs.

Lire le récit : Le gouvernement n'a pas fait d'exception pour le monde culturel, qui " ne comprend pas "

Comment analysez-vous le refus du premier ministre d'accorder une dérogation aux salles de cinéma concernées par le couvre-feu ?

Cette tentative de négociation ayant échoué, il faut réfléchir au coup d'après. Juste avant la décision d'instaurer le couvre-feu, la fréquentation en salle était en baisse de 50 %, après avoir plongé de 60, 70 %. Cette chute va forcément à nouveau s'accentuer avec le couvre-feu. La région parisienne et les huit grandes agglomérations concernées représentent à elles seules près de 50 % de la fréquentation en salle, et un peu moins de 30 % de la population. Pour les distributeurs, ce sont des territoires stratégiques, et on sait à présent que nombre d'entre eux hésitent très fortement à maintenir les sorties dans les semaines à venir. Le gouvernement doit faire un geste en direction des distributeurs afin de les inciter à maintenir les sorties de films, et de compenser les pertes qu'ils vont forcément subir. Sortir un film, cela correspond à plusieurs centaines de millions d'euros.

Lire l'entretien avec Jérôme Seydoux : " Dans tous les pays, les salles rouvriront "

Pensez-vous être entendu, et à combien estimez-vous cette aide ?

Les salles de cinéma ont bénéficié d'une aide historique en cette période de crise sanitaire, avec deux plans simultanés : le premier a été un plan d'urgence à hauteur de 50 millions d'euros ; par ailleurs, dans l'enveloppe de 165 millions d'euros versée au Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC), une partie est allée aux exploitants. Dans le contexte du couvre-feu, ce soutien doit être complété par une aide aux distributeurs que nous estimons à 10 ou 15 millions d'euros pour les six semaines à venir. Car il faut poser la question de la cohérence du soutien public : si, après avoir aidé les salles comme je viens de le rappeler, le gouvernement instaure le couvre-feu dans des territoires stratégiques pour le cinéma, les établissements vont replonger. Le risque que les salles de cinéma referment est réel. La question est globale, elle ne concerne pas que l'art et essai.
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" Avec le couvre-feu, le risque que les salles de cinéma referment est réel "

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Alors que le premier ministre, Jean Castex, a annoncé, vendredi 16 octobre, que les salles ne bénéficieraient pas d'une dérogation au couvre-feu mis en place en Ile-de-France ainsi que dans huit autres métropoles, les professionnels du cinéma redoutent de nombreux reports de sorties de films. Président de l'Association française des cinémas d'art et essai (Afcae) - qui regroupe plus de 2 000 écrans, soit 40 % du parc de salles - et patron du cinéma Jean-Eustache à Pessac (Gironde), près de Bordeaux, François Aymé estime que le gouvernement doit faire un geste en direction des distributeurs.

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Le film de la semaine - Les Misérables de Ladj Ly | Euronews

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Alors que l'exposition Jacques Tati bat son plein à la Cinémathèque française, Les Vacances de M. Hulot ressortent dans une version restaurée. Une redécouverte et un bonheur pour l'oeil et pour l'oreille.

Après Jour de fête, Jacques Tati décide de raconter une semaine de vacances dans un hôtel-pension bien français, au bord de la mer, perturbé par un saboteur nommé Hulot. Ainsi sera le titre suédois du film : Semestersabotören, "le saboteur de vacances".

Ayant l'habitude d'emmener chaque été sa famille à La Baule, Tati connaît bien la petite station balnéaire de Saint-Marc-sur-Mer (Loire-Atlantique). C'est là qu'il tourne Les Vacances de M. Hulot, logeant son équipe à l'Hôtel de la Plage, en pleine saison estivale. Le lieu est devenu mythique. On y trouve désormais une place Jacques-Tati et une statue grandeur nature du grand homme. Certains touristes demandent à y réserver la "chambre de M. Hulot".

De Jour de fête à Trafic, on verra des lieux vides qui se remplissent avant de subir un exode : la place du village, la plage, le marché, la boîte de nuit, la ville. Vases communicants, du trop-plein à la vacance. Hulot cherche à être "en vacance" tout au long de l'année, tient à rester anticonformiste ou à changer de peau, de personnage, par exemple en se déguisant en pirate. Les autres passent leurs vacances sans changer de comportement. Prisonniers de leur passé (le général retraçant ses exploits), de leur présent (l'homme d'affaires est pendu au téléphone), de leur image (l'intellectuel pérore).

Parisien décalé, arrivé dans sa voiture pétaradante, éternel célibataire et irrémédiablement distrait, Hulot va cumuler les bourdes. Le personnage commet une bévue chaque fois qu'il tente de se ranger dans la norme. Hulot laisse des traces. Revenu de la plage trempé, il se réfugie derrière le portemanteau du hall de l'hôtel, mais ses chaussures ont laissé des empreintes sur le parquet qui mènent... au portemanteau. Repéré quoi qu'il fasse. Bâti sur une dialectique subversive de l'ordre et du désordre, de l'équilibre et du déséquilibre, le comique de Jacques Tati (toujours allusif, retenu, évitant de basculer dans le délire et le chaos) vient d'un discret décalage. Loin d'être un anarchiste, Hulot cherche à bien faire, mais il n'a pas l'esprit soumis.
PLONK, BI-BIP, ZZZZ, MEUH
C'est ainsi que, tête en l'air, il saccage le flirt qu'il avait entamé avec la jolie Martine. La jeune blondinette n'est pourtant pas insensible au va-et-vient accéléré qu'il imprime à sa raquette de tennis, au moment de servir, en la tenant à l'horizontale devant son entrejambe. Les films de Jacques Tati plaident pour un comique de regard, un regard de cinéma, initié par l'art d'observer ou de se méprendre. Le gag surgit de ce que certains voient, ce que certains imaginent, ce que certains croient voir. Ainsi, subjugué par Martine qui, nue sous sa serviette, entre se changer dans sa cabine de bain, Hulot croit-il voir un gros bonhomme se pencher pour regarder la donzelle par le losange de la porte en bois. Furieux, il lui botte le train, avant de se rendre compte, penaud, de sa méprise. Une erreur de perspective lui masquait la réalité de la scène : le prétendu voyeur était un touriste réglant son appareil pour photographier sa famille posant derrière les cabines.

Jacques Tati invite le spectateur à échapper à la soumission du gag souligné, où ce qui serait donné comme drôle serait forcément cadré au centre de l'image. Il l'incite à déceler le déréglage, l'oeil en coin. Tati ignore les plans rapprochés, compose des plans généraux qui forcent l'oeil à regarder dans les coins. Il incite à scruter l'écran comme un jeu des sept erreurs, où tout ne passe pas par l'oeil.

Le cinéma de Tati s'observe et s'écoute, à l'affût d'un détail qui reste invisible, hors champ : gros barouf de pots d'échappement pour un véhicule minuscule ou symphonie d'exclamations, onomatopées, bruits banals ou insolites : une petite mélodie de tic-tac, ploc, plonk, bi-bip, zzzz, meuh...

C'est sur ce point que la restauration est capitale. Le travail entrepris sur un film abîmé par le temps a permis de retrouver la version originale, son harmonie des noirs et des blancs, de réinsérer le plan final (l'unique plan en couleurs), et de redécouvrir l'éventail sonore, si riche dès le démarrage à la gare : une véritable partition.
Film français de Jacques Tati avec Jacques Tati, Nathalie Pascaud, Raymond Carl (1953).

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"Les Vacances de M. Hulot" : les réjouissantes tribulations d'un saboteur de vacances nommé Jacques Tati

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Alors que l'exposition Jacques Tati bat son plein à la Cinémathèque française, Les Vacances de M. Hulot ressortent dans une version restaurée. Une redécouverte et un bonheur pour l'oeil et pour l'oreille. Après Jour de fête, Jacques Tati décide de raconter une semaine de vacances dans un hôtel-pension bien français, au bord de la mer, perturbé par un saboteur nommé Hulot.

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LA NOUVELLE VAGUE (1959-1965)

L´expression "La Nouvelle Vague" est communément utilisée pour décrire la nouvelle génération de cinéastes français qui a émergé à la fin des années 50. "La Nouvelle Vague" est un véritable raz-de-marée. Ces jeunes cinéastes anti-conformistes vont les très établies du cinéma français et permettre ainsi à un nouveau cinéma d´émerger : le cinéma d´auteur.

Les de cette nouvelle François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette et Alain Resnais. Ils ont en général une trentaine d´années, sont accros des salles et pour la plupart ils sont pour la "Les Cahiers du Cinéma" (créée en 1951). Ces jeunes cinéastes en ont marre de l´académisme cinématographique dans lequel s´est enfermée la France depuis de nombreuses années. François Truffaut dénonce "une certaine tendance du cinéma français" dans Les Cahiers du Cinéma en 1954 dans lequel il le conformisme des anciens, "le cinéma de papa" et la surenchère à l´esthétisme et aux beaux dialogues. Il le entre la réalité et sa représentation à l´écran.

Mais ces jeunes ne se contentent pas de critiquer, ils passent aux actes c´est-à-dire derrière la caméra. progrès techniques de l´époque (caméra légère et bon marché, sensible à la lumière du jour permettant les tournages hors studios, synchrone de qualité), ils enfin à la réalisation. Les budgets sont souvent modestes (Claude Chabrol tourne "Le Beau Serge" grâce à un familial) et ces réalisateurs de fortune n´ont ou quasiment aucune expérience dans la mise en scène mais ils dans l´aventure...

Dès lors, s´en est fini des décors soignés, des tournages en studio, des beaux dialogues, des histoires irréelles, des têtes d´affiches. Place aux inconnus, aux tournages dans la rue, aux histoires simples, parfois autobiographiques, et bien souvent à l´improvisation. On filme la vie! Le cinéma gagne en naturel et en simplicité.

Les jeunes cinéastes portent bien souvent les casquettes de scénaristes-dialoguistes-réalisateurs et leurs équipes sont minimales. Le résultat de ce travail bouleverse toutes les règles alors à l'époque. Le est parfois très approximatif ("À Bout de souffle" de Jean-Luc Godard, 1960). Cependant, même si un objectif commun unit ces divers jeunes réalisateurs - en finir avec le conformisme des années précédentes et avoir une approche du cinéma - la comparaison s´arrête là. "Notre seul point commun est le goût des billards électriques" disait François Truffaut.

Qu´importe, le public s´enthousiasme pour ces films à l´aspect amateur, si différents des films d´alors et le succès est immédiat. Le nombre de premiers films double. De nouveaux apparaissent sur les écrans tels Jean-Paul Belmondo, Jeanne Moreau, Jean-Claude Brialy, Bernadette Lafond, Jean-Pierre Léaud.

Mais très vite, dès 1961, le public se lasse et la nouvelle vague s´affaiblit. Le mouvement survit jusqu´en 1965. Progressivement, la plupart de ces jeunes réalisateurs doivent changer à nouveau de ou retourner vers plus de classicisme.

Cependant, la révolte s´essouffle, rien ne sera plus comme avant. L´impact de cette révolution, cette de liberté et l´attrait des spectateurs pour ce genre de films auront été entendus. Le mouvement a changé la conception du cinéma français et influencera également bon nombre de pays notamment les pays de l´Est.

Parallèlement, la vieille génération continue à produire des films de qualité. Deux comédies réunissant les plus grands comiques du moment, Louis De Funès et Bourvil, sont d´énormes succès commerciaux : "Le Corniaud" en 1964 et "La Grande vadrouille" en 1966. "La Grande vadrouille" est resté pendant plus de 40 ans le plus grand succès commercial français avant d´être détrôné par trois autres comédies : "Les Visiteurs" en 93, "Astérix et Obélix contre Jules César" en 1999 puis "Bienvenus ches les Chtis" en 2008.

Mais déjà le cinéma à une nouvelle crise. Son origine a pour nom la télévision...

Les principaux réalisateurs de La Nouvelle Vague :
- Les pionniers : François Truffaut, Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer, Pierre Kast, Jacques Doniol-Valcroz, Jacques Rozier, Alain Resnais, Agnès Varda, Jacques Demy, Georges Franju
- Le cinéma-vérité : Chris Marker, Jean Rouch

COMPRÉHENSION DE TEXTE
Répondez aux questions suivantes :

1. Que veut dire l´expression "La Nouvelle Vague" ?
2. Quand apparaît ce mouvement ?
3. Que dénonce François Truffaut ?
4. Qu´est-ce que les jeunes de "La Nouvelle Vague" ont en commun ?
5. Qu´est-ce qui permet l´émergence de ce mouvement à la fin des années 50 ?
6. Pourquoi le mouvement s´essouffle-t-il ?
7. Que doivent faire les jeunes cinéastes lorsque le public se lasse ?
8. Qu´est-ce que "La Nouvelle Vague" a changé ?
9. Que fait la "vieille" génération pendant ce temps ?

ESPACE FILMS

>>>> Cliquez sur le titre du film pour voir l'extrait :
Hiroshima mon amour d'Alain Resnais, 1959
Lola de Jacques Demy, 1960
Cléo de 5 à 7 d'Agnès Varda, 1962 (2.48mn)
La Jetée de Chris Marker, 1963
Chronique d'un été de Jean Rouch, 1960
Ma Nuit chez Maud d'Eric Rohmer, 1969
Un Homme et une femme de Claude Lelouch, 1966
Le Corniaud de Gérard Oury, 1966 (3.17mn -bande annonce)
Le Gendarme de Saint-Tropez, de Jean Girault, 1964 (5mn)

Autres liens utiles :
Liste des films français des années 60
François Truffaut
Article : Une certaine tendance du cinéma français
Wikipédia : La Nouvelle Vague

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Apprendre le francais avec le cinema francais - Isabelle Servant

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L´expression "La Nouvelle Vague" est communément utilisée pour décrire la nouvelle génération de cinéastes français qui a émergé à la fin des années 50. "La Nouvelle Vague" est un véritable raz-de-marée . Ces jeunes cinéastes anti-conformistes vont les très établies du cinéma français et permettre ainsi à un nouveau cinéma d´émerger : le cinéma d´auteur.

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Premier festival international de cinéma à avoir lieu depuis le début de la pandémie, la Mostra de Venise débutera mercredi dans un contexte évidemment particulier et en l'absence de nombreuses stars.

La course au Lion d'or avec masques et caméras thermiques: la Mostra de Venise s'ouvre mercredi, premier grand festival international de cinéma dans un monde bouleversé par la pandémie, défiant la résurgence estivale du coronavirus.

Signe de l'importance du rendez-vous pour le monde du cinéma, les directeurs des huit plus grands festivals d'Europe, dont Cannes et Berlin, d'ordinaire en concurrence pour attirer les meilleurs films, ont prévu de marquer leur "solidarité envers l'industrie cinématographique mondiale", en plein marasme, en assistant à la soirée d'ouverture sur la lagune.

La tenue de la 77e édition du plus ancien des festivals n'avait rien d'évident en Italie, l'un des pays d'Europe qui a payé le plus lourd tribut à la pandémie. Les studios ont la tête ailleurs, dans un secteur mis à terre par les conséquences de la crise sanitaire. Le grand rival historique, le Festival de Cannes, n'a pas pu se tenir au printemps.

Si tout se passe comme prévu, la planète cinéma aura à nouveau un tapis rouge à admirer, et regoûtera à l'excitation des premières mondiales, dans les salles obscures du Lido.

Sans les stars d'Hollywood

Mais au prix d'une voilure réduite et de "mesures de sécurité extraordinaires, appliquées avec rigueur pour assurer à tous les participants tranquillité et absence de prise de risques", a souligné le directeur de la Mostra, Alberto Barbera. Du coup, "quelques films spectaculaires vont manquer (...) tandis que certains membres des équipes des films invités ne pourront pas venir", et pourront intervenir par vidéoconférence, a-t-il admis.

En conséquence, l'histoire d'amour entre Hollywood et Venise, où de grosses productions américaines étaient présentées et placées ainsi en orbite pour la saison des prix américains, est mise entre parenthèses. Les stars internationales se feront très rares.

Scanners thermiques, masque à l'intérieur et à l'extérieur des salles: sur le Lido, où se concentrent en bord de mer les structures accueillant projections et conférences de presse, la direction du festival veut éviter le scénario catastrophe d'un foyer de contamination.

Le nombre de places en salles a été divisé par deux pour assurer la distanciation sociale et un test est exigé pour tous ceux qui viennent d'en dehors de l'espace Schengen.

Gitaï, Kurozawa, Garcia

Ce déluge de mesures sur fond de courbe ascensionnelle des contagions dans la péninsule ne doit pas faire oublier les 18 films en lice pour le Lion d'or, dont huit réalisés par des femmes.

Alberto Barbera a mis l'accent sur "la composante féminine, jusqu'ici cantonnée à des pourcentages embarrassants", espérant certainement mettre fin aux polémiques qui ont émaillé les précédentes éditions. Le sujet reste brûlant pour le monde du cinéma, trois ans après la vague #MeToo.

Le jury est présidé par une femme, engagée sur ces questions, l'Australienne Cate Blanchett. Elle aura l'honneur de choisir le récipiendaire du prestigieux Lion d'or du meilleur film, parmi des productions venues aussi bien d'Italie, d'Inde que de Pologne.

À ses côtés, l'acteur américain Matt Dillon, le réalisateur allemand Christian Petzold, ou encore la comédienne française Ludivine Sagnier, pour désigner le successeur de "Joker" de Todd Phillips, couronné l'an dernier avant de remporter cinq mois plus tard deux Oscars.

Des cinéastes confirmés sont de la compétition, comme l'Israélien Amos Gitaï avec "Laila in Haifa" ou le Japonais Kiyoshi Kurozawa ("Wife of a Spy"). La France est représentée par un seul film, le drame "Amants" de Nicole Garcia.

Documentaire sur Greta Thunberg

Hors compétition, d'autres films pourraient faire parler d'eux, dont "One Night in Miami", pour lequel l'actrice afro-américaine Regina King passe derrière la caméra, sur les débuts du jeune Cassius Clay (qui deviendra Mohamed Ali). Le sujet tombe à pic, tant la question du racisme reste inflammable aux États-Unis, à deux mois de l'élection présidentielle.

Dans une Cité des Doges à la merci de la montée des eaux, la projection de "Greta", un documentaire suédois de Nathan Grossman, qui a suivi l'engagement de la jeune Greta Thunberg pour le climat depuis ses débuts, aura une résonance particulière.

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Cinéma: Malgré le virus, le monde du cinéma a rendez-vous à Venise

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Premier festival international de cinéma à avoir lieu depuis le début de la pandémie, la Mostra de Venise débutera mercredi dans un contexte évidemment particulier et en l'absence de nombreuses stars. La course au Lion d'or avec masques et caméras thermiques: la Mostra de Venise s'ouvre mercredi, premier grand festival international de cinéma dans un monde bouleversé par la pandémie, défiant la résurgence estivale du coronavirus.

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How La Haine lit a fire under French society

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It was the swaggering black-and-white drama that exposed the cracks in an unequal France. Twenty-five years later, its director Mathieu Kassovitz wonders what has changed

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C'est décidément l'année Laguionie. Quelques mois après avoir reçu le Cristal d'honneur du Festival d'Annecy, et deux mois avant la sortie de son nouveau film, Le voyage du prince, coréalisé avec Xavier Picard, voici que (res)sortent en salles son premier long-métrage en copie restaurée, Gwen et le Livre de sable (1985), et un programme rassemblant 7 de ses courts-métrages, Les mondes imaginaires de Jean-François Laguionie. Une oeuvre mise à l'honneur de la Fête du cinéma d'animation, lors de laquelle le cinéaste viendra en parler (voir le programme).

En voyant ou revoyant ces films, il est frappant de constater à quel point ces 8 films sont cohérents. Une évidence bien sûr quand on pense aux derniers longs-métrages de Jean-François Laguionie, Le Tableau (2011) et Louise en hiver (2016), œuvres qui portent la marque d'un auteur. Mais il est rare de trouver une empreinte aussi forte dans les premières années d'un cinéaste.

Dès son premier court-métrage, La Demoiselle et le Violoncelliste (1965), il met en scène la mer et la musique comme puissants ressorts dramatiques et oniriques, le passage d'un monde à l'autre. Le tout en papier découpé et dans une sorte de réalisme fantastique proche de celui de Paul Grimault ( Le roi et l'oiseau), dont il est un disciple.

Autant de thèmes qu'il reprend dans le conte romantique Potr et la fille des eaux (1974), mais aussi dans La traversée de l'Atlantique à la rame (Palme d'or et César du meilleur court-métrage en 1979), allégorie drôle et cruelle sur la vie de couple.

Poétiques, ses films sont aussi teintées d'une ironie douce qui s'adresse à toutes les générations de public. Le Masque du diable (1976), jeu de faux-semblants très amusant, ou Une bombe par hasard (1969), fable vacharde et drôle sur la cupidité des honnêtes gens. Et cet ermite dans L'arche de Noé, qui pressent le déluge en écoutant le bulletin météo, n'est-ce pas un peu Laguionie, quand l'heure est venue de réaliser un premier long-métrage avec six camarades ?

Ce sera Gwen, le livre de sable (1984), réalisé dans un coin paumé des Cévennes. " Au village, sans prétention, nous avons mauvaise réputation ", raconte le réalisateur, dans le très beau texte écrit pour le livre-DVD sorti en juin aux Éditions de l'œil. Une rumeur circule parmi les habitants selon laquelle ces " zippies " dessinateurs sont des faux-monnayeurs !

Quatre ans plus tard, ce dessin animé d'une grande fluidité et d'une grande force visuelle sort enfin au milieu des années 1980. Conte parfois drôle mais un poil alambiqué sur la société de consommation, le film souffre aujourd'hui de la comparaison avec La planète sauvage, de René Laloux (1973), allégorie politique qui a mieux résister aux années.

Le programme de courts-métrages n'a en revanche pas pris une ride et offre une promenade onirique et cinématographique de premier choix.

Stéphane Dreyfus

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Jean-François Laguionie, l'ironie surréaliste de ses premiers films

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C'est décidément l'année Laguionie. Quelques mois après avoir reçu le Cristal d'honneur du Festival d'Annecy, et deux mois avant la sortie de son nouveau film, Le voyage du prince , coréalisé avec Xavier Picard, voici que (res)sortent en salles son premier long-métrage en copie restaurée, Gwen et le Livre de sable (1985), et un programme rassemblant 7 de ses courts-métrages, Les mondes imaginaires de Jean-François Laguionie.

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En 50 ans, le cinéma belge francophone a fait sa révolution

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En 50 ans, le cinéma belge francophone a fait sa révolution.

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Arnold Schwarzenegger retrouve son rôle de Terminator dans le film événement " Dark Fate ", qui sort le 23 octobre. Premiers extraits de notre interview.

Paris Match. A une époque, les années 1980, où les films fantastiques étaient légion, comment expliquez-vous le succès de la saga "Terminator", qui a d'ailleurs, depuis, traversé les décennies ?
Arnold Schwarzenegger. Je crois, comme souvent au cinéma, que ce n'est pas un ingrédient unique qui fait la longévité d'un film mais justement le mélange de plusieurs concepts. "Terminator" parlait de voyage dans le temps, une constante dans le cinéma fantastique. Il y avait aussi des effets spéciaux encore inédits en ce temps-là. Mais l'originalité vient des personnages. On ne voyait pas si souvent un méchant devenir un héros, comme c'est le cas de mon personnage. Dans les deux premiers films, James Cameron avait eu un vrai souci d'écriture pour se démarquer de ce qui se faisait dans ces années-là. Il a insufflé à cette histoire une dose d'humanité et d'émotion. Avec en plus des idées un peu nouvelles. James voulait que j'aie ce phrasé robotique qu'il aimait beaucoup. Alors que, pour moi, c'était plutôt un moyen d'utiliser d'une autre manière mon accent autrichien prononcé. Il a aussi écrit quelques répliques qui ont marqué, comme le fameux "I'll be back", qui deviendra culte. Bref, c'était du divertissement, on ne se prenait pas au sérieux, mais on l'a fait avec sérieux...
Lire aussi: Pourquoi il faut revoir Terminator 2
C'est la sixième fois que vous retrouvez ce personnage au cinéma. Le Terminator est votre mantra en quelque sorte.
Vous savez, le premier "Terminator" était un vrai changement pour moi. Je sortais de deux films sur Conan le Barbare et je me suis dit : "Tiens, enfin un rôle qui change de M. Muscle..." Certes, je ne jouais toujours pas un mec ordinaire mais, au moins, j'avais autre chose à montrer que mes biceps. Ça a été un tournant pour moi. J'étais enfin considéré comme un acteur potable. Et le triomphe des deux premiers "Terminator" a fait que Hollywood est venu me proposer tous les plus gros projets de blockbuster. James Cameron m'a offert la possibilité de symboliser le cinéma d'action des années 1980, sa violence et sa folie. Bien avant le tournage, il savait qu'il avait créé un vilain comme on en a peu connu dans le cinéma américain.

De "Terminator" à "True Lies" jusqu'à "Terminator. Dark Fate", qu'il coproduit, Cameron vous a accompagné en tant qu'acteur tout au long de votre carrière... C'est sûrement la personne qui me connaît le mieux. On est toujours restés en contact, même lorsque j'étais gouverneur de Californie. J'allais le voir sur le plateau d'"Avatar". James m'a souvent sorti de ma zone de confort, jusqu'à me pousser dans le registre de la comédie. Avec Ivan Reitman ("Jumeaux") ou Paul Verhoeven ("Total Recall"), je me rends compte que j'ai eu de la chance de croiser la route de grands metteurs en scène...

En dehors de Cameron, vous retrouvez aussi dans ce sixième opus votre partenaire des deux premiers, Linda Hamilton...
On ne l'aurait sûrement pas fait si elle n'avait pas accepté. Linda est une actrice racée et une femme qui a toujours défendu ses convictions. Elle non plus n'est pas dans le moule hollywoodien. Sarah Connor est l'autre figure emblématique de la saga, hors des codes.

"
Je suis sûr qu'une petite partie des électeurs pensait voter pour Terminator
"

Vous le disiez vous-même, bons ou mauvais, ce sont des personnages que le public a tout de suite considérés comme des héros.
Parce que les rôles étaient bien écrits. James savait que les spectateurs feraient la part des choses entre la nature destructrice et le côté attachant de Terminator. C'était un héros sans le vouloir. Et c'est très clairement un personnage essentiel dans ma vie. Je ne sais pas combien de fois les gens m'ont fait un clin d'œil pour que je leur ressorte les fameux "I'll be back" ou "Hasta la vista, baby".

Ce personnage vous a aidé dans votre campagne pour devenir gouverneur de Californie en 2003 ?
Je pense, oui. Je suis sûr qu'une petite partie des électeurs pensait voter pour Terminator. Et comme vous le savez, en politique, chaque vote compte ! [Il rit.] Après, j'ai parfois dû gérer le revers de la médaille. Certains Californiens venaient vers moi en me disant : "Mais vous ne pouvez pas éradiquer ce problème, vous, le Terminator ?" Hélas, non ! Même lui ne pouvait rien face à certaines lois fédérales. Je me souviens d'avoir vécu cela quand on a refusé à la Californie le droit d'irriguer ses terres avec l'eau d'autres Etats. Certains me voyaient sûrement aller détruire les barrages et les réserves d'eau pour résoudre le problème ! Encore un exemple de la frontière parfois très mince aux Etats-Unis entre le cinéma et la politique... Malheureusement, la réalité, ce n'est pas du cinéma. Il n'y a rien de magique dans l'exercice de la politique. Quand vous devez gérer les problèmes sociaux, le chômage, le racisme ou les enjeux environnementaux, comme j'ai eu à le faire lors de mon mandat, avec les premiers feux de forêt qui ravageaient la Californie, vous ne pouvez pas sortir votre arme ou tout régler d'une pirouette.

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Un acteur joue le registre de l'émotion. L'homme politique se confronte à la réalité
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Mais, au-delà du divertissement, vous ne pensez pas que la saga "Terminator" était aussi centrée sur des thématiques presque politiques, comme l'exclusion, la violence, ou même la place des femmes dans la société ? Dans les années 1980 et 1990, ce n'était pas des sujets qu'on traitait beaucoup dans les films d'action...
Je crois que chacun a pu interpréter ces films comme il le sentait. Mais franchement, ce n'était pas ma motivation première, comme ce n'était pas celle de James Cameron, je crois. Je le redis, nous voulions juste faire des films d'action pas trop idiots. En revanche, il est clair que "Terminator" prédisait bien des choses. Beaucoup de phénomènes qui étaient de la science-fiction à l'époque sont devenus réalité. Cameron avait fait de nombreuses recherches, notamment sur les questions du numérique, et il ne s'était pas trompé.
" Terminator. Dark Fate ", de Tim Miller, en salle le 23 octobre. Toute reproduction interdite
Au cinéma comme en politique, il faut être visionnaire ?
Oui, sans aucun doute. Il faut comprendre et surtout faire comprendre. Le cinéma m'a appris à faire passer un message à un large public. Après, les deux exercices sont différents. Un acteur joue le registre de l'émotion. L'homme politique se confronte à la réalité. Mais il doit expliquer le monde. Et c'est sûrement ce qu'il y a de plus difficile. Prenez les questions d'environnement. Je pense que, jusqu'à maintenant, on a raté notre devoir d'expliquer au monde les dangers du réchauffement climatique. Aujourd'hui, aux EtatsUnis, on blâme les autres ou on fait la sourde oreille. Si les Américains savent que la pollution est train de tuer la planète, personne n'explique pourquoi il faut changer immédiatement nos habitudes et notre mode de vie. On constate, mais on n'agit pas. Il y a un énorme travail d'éducation et de communication à faire si on veut s'en sortir. C'est vrai pour l'écologie, ça l'est aussi pour les questions sociales, de santé ou d'éducation. Si vous n'arrivez pas à faire passer un message, vous ne serez jamais un bon politique.

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Arnold Schwarzenegger : "Cameron m'a permis de symboliser le cinéma d'action des années 80"

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Arnold Schwarzenegger retrouve son rôle de Terminator dans le film événement " Dark Fate ", qui sort le 23 octobre. Premiers extraits de notre interview. Paris Match. A une époque, les années 1980, où les films fantastiques étaient légion, comment expliquez-vous le succès de la saga "Terminator", qui a d'ailleurs, depuis, traversé les décennies ?

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Avec 200,5 millions de spectateurs, l'année 2018 reste une bonne année pour le cinéma français. ALFRED BUELLESBACH / BUCHCOVER / PHOTONONSTOP

En France, 200,5 millions de spectateurs sont allés au cinéma en 2018, selon les chiffres du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC), publiés lundi 31 décembre. Ce résultat marque une baisse de 4,25 % par rapport à 2017 où l'on avait compté 209,4 millions de personnes dans les salles obscures.

Ce recul s'explique par l'effet conjugué de trois facteurs : le manque de gros films américains très porteurs, la tenue de la Coupe du monde de football, ainsi que la canicule estivale. Si bien que les spectateurs potentiels ont eu tendance à rester chez eux et à moins fréquenter les cinémas, explique-t-on au CNC. La succession de mouvements de grève à la SNCF, au printemps, tout comme les manifestations des " gilets jaunes " et les débordements de violence à Paris, en novembre et décembre, ont également ajouté un petit coup de frein à cette tendance.

Le cap des 200 millions de spectateurs constitue bon an mal an la norme en France depuis une dizaine d'années

Toutefois, le cap des 200 millions de spectateurs constitue bon an mal an la norme en France depuis une dizaine d'années. Le pic des 411,7 millions dans l'Hexagone remonte à... 1957, quand la télévision était balbutiante et Netflix inexistante.

Avec 5 909 écrans bien répartis sur tout le territoire, la France reste très largement leader dans le cinéma en Europe. Le Royaume-Uni, doublement dopé par l'ouverture massive de nouvelles salles et le succès fulgurant de deux films (Mamma Mia ! Here We Go Again, d'Ol Parker, et Bohemian Rhapsody,de Bryan Singer) a endigué sa chute et sa fréquentation a stagné à 176 millions d'entrées. Nos autres grands voisins ont en revanche souffert. Pénalisés par un parc de salles vieillottes et un manque de films nationaux forts, les spectateurs ont délaissé le cinéma en Allemagne, où la fréquentation a chuté de 17 % à 90 millions. Elle s'est également érodée de 4 % en Espagne à 92 millions de spectateurs et a baissé de 6 % en Italie pour tomber à 79 millions.

" Un record en Europe "

En France, Les Indestructibles 2, de Brad Bird, arrive en tête des cinq films qui ont drainé le plus d'audience (5,8 millions d'entrées), suivi par Les Tuche 3, d'Olivier Baroux (5,7 millions), La Ch'tite Famille, de Dany Boon (5,6 millions), Avengers : Infinity War,d'Anthony et Joe Russo (5,1 millions), et Le Grand Bain, de Gilles Lellouche (4,2 millions). Astérix. Le secret de la potion magique, d'Alexandre Astier et Louis Clichy, qui n'a pas fini sa carrière en salle, pourrait encore entrer dans ce top 5.

Persuadée que " les salles de cinéma sont des lieux de vie indispensables à la société ", Frédérique Bredin, présidente du CNC, se félicite que 2018 soit " une très belle année pour le cinéma français. Il réalise 40 % de part de marché, un record en Europe ",affirme-t-elle. Entre 2017 et 2018, le cinéma français a gagné près d'un million de spectateurs pour atteindre 78 millions. C'est le meilleur résultat depuis 2013 dans l'Hexagone.

Les comédies ont trouvé leur public, tout comme les films d'action comme Taxi 5 (3,6 millions d'entrées), les films d'aventures pour enfants comme Belle et Sébastien 3. Le dernier chapitre (1,7 million), les westerns tels que Les Frères Sisters, de Jacques Audiard (840 000), ou les comédies dramatiques comme Première année (1 million).

Le CNC très confiant pour 2019

A l'inverse, malgré un budget colossal de 300 millions de dollars (262,50 millions d'euros), Solo. A Star Wars Story, de Ron Howard, n'a que péniblement atteint 1,4 million d'entrées en France. Bumblebee, de Travis Knight, autre très gros film américain, a été devancé le premier jour de son exploitation en salle par Mia et le lion blanc, de Gilles de Maistre.

Le CNC se dit très confiant pour l'année 2019. Les blockbusters américains seront de retour, et leur sortie mieux étalée tout au long de l'année. Il s'agit presque exclusivement d'énièmes suites d'histoires déjà très largement éprouvées : Men in Black : International, Toy Story 4, Top Gun : Maverick, La Reine des neiges 2 et même Star Wars Episode IX... Un Dumbo de Tim Burton est également attendu.

En production française également, une avalanche de suites de recettes qui ont bien marché est prévue. Y figurent Tanguy, le retour,d'Etienne Chatiliez, Qu'est-ce qu'on a encore fait au bon Dieu ?, de Philippe de Chauveron, Minuscule 2. Les mandibules du bout du monde, d'Hélène Giraud et Thomas Szabo, ou encore Nous finirons ensemble, de Guillaume Canet.

Nicole Vulser

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La fréquentation en salle a baissé de 4,25 % en 2018

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En France, 200,5 millions de spectateurs sont allés au cinéma en 2018, selon les chiffres du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC), publiés lundi 31 décembre. Ce résultat marque une baisse de 4,25 % par rapport à 2017 où l'on avait compté 209,4 millions de personnes dans les salles obscures.

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Un nouveau géant du cinéma est mis à l'honneur pour cette 11 e édition du festival Lumière. Cette année, le festival a décidé de rendre hommage à la légende américaine Francis Ford Coppola.

Le réalisateur d' Apocalypse Now, qui sera projeté le 20 octobre, lors de la clôture de cet événement, viendra donner une masterclass et recevra le Prix Lumière. Il succède au palmarès à l'actrice Jane Fonda.

Une nuit du Parrain est aussi prévue à la Halle Tony Garnier à partir de 20h30 le samedi 19. Les trois films seront diffusés à la suite.

La Palme d'or

Mais ce ne sera pas la seule star présente à Lyon. Outre Francis Ford Coppola, le festival rendra hommage en leur présence à plusieurs autres personnalités du cinéma. Notamment Donald Sutherland ou Bong Joon-ho, récompensé de la Palme d'or à Cannes en mai pour son film Parasite. Le réalisateur sud-coréen viendra rencontrer le public le 17 octobre à 15h30 à la Comédie Odéon.

Autre monument du cinéma, Martin Scorsese sera de retour à Lyon pour présenter en avant-première The Irish Man, son dernier film produit par Netflix avec casting de luxe: Robert de Niro, Al Pascino et Joe Pesci dans les rôles principaux. Projeté à l'Auditorium de Lyon le 15 octobre prochain, la séance est déjà complète.

Alain Chabat, Ken Loach et Daniel Auteuil

Ken Loach, Gaspard Noé, Daniel Auteuil, Gael Garcia Bernal, Marina Vlady ainsi que Vincent Delerm sont également attendus à Lyon pendant le festival. Mais un des évènements de la semaine sera certainement la diffusion à la Halle Tony Garnier du film Astérix et Obélix: Mission Cléopâtre, en présence d'Alain Chabat et de toute l'équipe. Rendez-vous le 17 octobre à 20h15.

Dès samedi soir, le festival propose également trois films cultes à la suite: la trilogie Zombes de George A Romero. La Nuit des morts-vivants, Zombie et Le Jour des morts vivants sont diffusés à partir de 22h à l'institut Lumière.

Enfin pour les amoureux de Chaplin, le festival organise un ciné-concert autour de trois courts métrages de la plus grande star du cinéma muet. Les films seront accompagnés au piano par Serge Bromberg, devant le public de la Halle Tony Garnier, le dimanche 13 octobre à 15h.

La programmation complète est à retrouver sur le site du festival Lumière.

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Début du festival Lumière: les stars et les films à voir

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Un nouveau géant du cinéma est mis à l'honneur pour cette 11 e édition du festival Lumière. Cette année, le festival a décidé de rendre hommage à la légende américaine Francis Ford Coppola. Le réalisateur d' Apocalypse Now, qui sera projeté le 20 octobre, lors de la clôture de cet événement, viendra donner une masterclass et recevra le Prix Lumière.

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Le 72e Festival de Cannes ouvre ses portes et une polémique

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La 72e édition du plus grand festival de cinéma au monde sera déclarée ouverte le mardi 14 mai 2019 au soir au Grand Théâtre Lumière de Cannes. Mais elle vit déjà sa première polémique : une pétition lancée depuis les États-Unis s'oppose vigoureusement à la remise d'une Palme d'or d'honneur à Alain Delon, accusé être " raciste, misogyne et homophobe ".

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Vingt-et-un films sont en compétition au Festival de Cannes. Parmi eux, Atlantique, premier long métrage de la Franco-Sénégalaise Mati Diop.

Avec notre envoyée spéciale à Cannes, Élisabeth Lequeret

Atlantique commence dans une banlieue de Dakar où des ouvriers décident de quitter le pays par l'océan pour un avenir meilleur. C'est un film qui mêle dimension documentaire et fantastique, lorsque des fantômes des jeunes disparus en mer reviennent envahir la ville.

À Cannes, c'est la première fois qu'une réalisatrice du Sénégal brigue la Palme d'or. À 37 ans, Mati Diop est considérée comme la relève du cinéma sénégalais. Fille du musicien Wasis Diop, nièce du cinéaste Djibril Diop Mambety, Mati Diop a fait ses premières armes comme actrice, dans les films de Thierry de Peretti, de Gabriel Aghion, ou encore de Claire Denis.

Elle a mis cinq ans à monter son premier long métrage tourné en wolof et avec une équipe franco-sénégalaise. Un tournage qui lui a donné envie de filmer Dakar encore et toujours.

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La Franco-Sénégalaise Mati Diop présente à Cannes son premier long métrage - RFI

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Vingt-et-un films sont en compétition au Festival de Cannes. Parmi eux, Atlantique, premier long métrage de la Franco-Sénégalaise Mati Diop. Avec notre envoyée spéciale à Cannes, Élisabeth Lequeret Atlantique commence dans une banlieue de Dakar où des ouvriers décident de quitter le pays par l'océan pour un avenir meilleur.

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Pourquoi le cinéma est-il le septieme art