# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Aujourd'hui, je souhaite vous présenter le travail de Pia Pandelakis, maître de conférences à l'Université Toulouse - Jean Jaurès. Elle intervient dans le département Arts Plastiques - Arts Appliqués, en Licence Arts Appliqués et Master Design Transdisciplinaire Cultures et Territoires... Ouf! L'intitulé est long et pourtant c'est relativement simple, Pia enseigne et axe son travail autour des questions de genre, mais aussi d'orientation sexuelle, de classe, etc... qui configurent la pensée et les pratiques du design.

Parce que oui, comme beaucoup d'activités professionnelles, le design est configuré par beaucoup de ressorts sociaux et culturels, parfois aussi religieux. Je trouve donc vraiment intéressant de regarder le design par cet angle puisqu'il est rarement sujet... même si je décèle parfois, dans mes workshops et autres interventions de cours auprès d'étudiants, que la question du genre (plus que de la sexualité) devient un sujet à questionner et dont il faut s'emparer pour dessiner des réponses.

Bref, si je vous parle du travail de Pia Pandelakis aujourd'hui c'est parce qu'elle a mis en place un site Internet intitulé " Queer[ed] Design ", dans lequel on retrouve l'ensemble des mises en perspective du design face à ces questions des genres.

Présentation

Queer[ed] Design ambitionne de questionner le design à l'angle des questions de genre, et plus globalement dans la perspective des " studies " ( postcolonial, gender, age, crip...) pour évaluer de manière critique la responsabilité du design dans la production de nos représentations, dans la reproduction des inégalités et des discriminations. Comment la norme s'inscrit-elle dans nos espaces, nos objets, nos usages ? Comment nos objets (au sens large des dispositifs) sont-ils producteurs d'identités normatives ? En puisant dans l'héritage et l'actualité de la pensée dite queer, nous tâcherons d'aller au-delà des lignes de partage normées pour penser un queered design capable de faire vriller les normes, de les mettre en crise pour une politique activement déviante des objets et des usages.

Extrait du site

Bref, un vrai travail de ressources, dans lequel le design est abordé sous des sujets comme les Arts Ménagers (et c ette vidéo épique de Louis de Funès), ou encore les avatars " virtuels ", l'hormono-design, le sac à main, la féminité, l'intersexualité, l'alterbiologie, etc. N'hésitez pas à explorer donc " Queer[ed] Design " !

# data[].attributes.attachment_link.title
" Queer[ed] Design " pour comprendre le design des genres

# data[].attributes.attachment_link.description
Aujourd'hui, je souhaite vous présenter le travail de Pia Pandelakis, maître de conférences à l'Université Toulouse - Jean Jaurès. Elle intervient dans le département Arts Plastiques - Arts Appliqués, en Licence Arts Appliqués et Master Design Transdisciplinaire Cultures et Territoires... Ouf! L'intitulé est long et pourtant c'est relativement simple, Pia enseigne et axe son travail...

# data[].attributes.attachment_link.description
Welcome to williamwegman.com - the official website of American artist William Wegman.

# data[].attributes.attachment_link.title
FAB // Festival International des Arts de Bordeaux Métropole

# data[].attributes.attachment_link.description
du 5 au 25 octobre 2017 3 semaines d'effervescence artistique dans toute la métropole

# data[].attributes.attachment_link.title
La Revue INfluencia / On a tous en nous quelque chose de publiphobe et de publiphile

# data[].attributes.attachment_link.description
La revue digitale INfluencia. La revue de la communication et des tendances.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À la croisée entre technologie et science-fiction se développe le " design fiction " :  une nouvelle façon de produire des récits pour nous aider à mieux appréhender le futur. Souvent présentées sous forme de vidéos, ces propositions détournent et questionnent nos usages, dans une saine critique des mœurs contemporaines. Décryptage du phénomène, et peut-être une bonne piste de création pour les candidats de The Open Window, l'appel à projets vidéo lancé par vente-privee, ouvert jusqu'au 12 mars et accessible sur ce lien : theopenwindow.com. Les talents sélectionnés pourront voir leur projet vidéo diffusé sur la façade digitale du nouvel immeuble du site, situé aux portes de Paris, devant 7 millions de personnes par mois.

Juin 2002. Alors que la plupart d'entre nous joue encore au Snake sur son Nokia 3310, la presse tech internationale, Wired et le Time Magazine en têtes, s'enthousiasme pour l'invention d'un étrange implant dentaire faisant office de téléphone connecté. La prothèse miniature, dont l'installation ne nécessite qu'un bref passage chez le dentiste, promet alors de " révolutionner la communication personnelle ". Rendre les individus joignables partout - même au cinéma -, informer en temps réels des changements météo, ou bien encore permettre aux entraineurs de foot de transmettre leurs consignes aux joueurs pendant les matchs... Les possibilités d'usages semblent infinies. Problème : l'objet miracle n'a jamais eu vocation à être commercialisé. Car derrière ce projet se cache non pas un studio de design traditionnel, mais un jeune duo d'artistes britanniques, James Auger and Jimmy Loizeau, plus coutumiers du MoMA de New-York que du CES de Las Vegas.

L'implant dentaire de James Auger et Jimmy Loizeau

Mais pourquoi donc troller ainsi son monde ? Parce que notre imaginaire technologique est en panne, clament ces designers d'un genre nouveau, et nécessite de repenser urgemment les contours du monde à venir. Comme eux, nombreux sont ceux - plasticiens, vidéastes, écrivains ou ingénieurs - à avoir choisi ces dernières années de snober le design " classique " (ayant pour fonctions essentielles de proposer des solutions et de résoudre des problèmes), au profit de la pratique nettement plus fun du " design fiction ", qui s'est emparée de la culture SF pour donner naissance à des objets et services réalistes, bien que fictifs, destinés à interroger notre futur proche.

Prototypes cyberpunk

Formulée dès 2009 par l'artiste et ingénieur Julian Bleecker, cette méthode mixe habilement storytelling et travail de l'objet, pour mieux spéculer sur l'avenir. En 2012, lors d'une conférence Lift, Bruce Sterling, prophète du cyberpunk tour à tour romancier de science-fiction, journaliste de design ou consultant pour les services secrets, définissait sobrement le design fiction comme " l'utilisation intentionnelle de prototypes pour rompre avec la défiance ou l'incrédulité à l'égard du changement ". Soit la conception d'artefacts futuristes, présentés comme tout à fait sérieux, parce qu'escortés de tout l'emballage marketing (vidéo promo, scénarios d'usage, site internet, buzz médiatique etc.) permettant d'emporter notre conviction et d'ouvrir le débat.

Objets loufoques et tuning sauce Michael Bay

À cheval entre l'art et la science, entre le réel et la fiction, ce prospectivisme ludique a bien l'intention de mettre à mal nos présupposés sur le futur. Lorsque Auger & Loizeau proposent une étrange horloge qui fonctionne en attrapant des mouches, l'ethnographe et designer d'interaction Nicolas Nova questionne les gestes, postures et petits rituels nés de nos usages des technologies digitales. En 2014, ce dernier publiait également, avec Julian Bleecker et Bruce Sterling, TBD Catalog, un catalogue de vente par correspondance façon L'homme Moderne, rempli d'objets loufoques destinés à peupler notre futur immédiat. Dans ce quotidien à venir, fini l'ennui des mornes trajets en Google Car : " The Miguel Bay Driving Experience Company " vous propose un spray à appliquer sur les vitres du véhicule, pour enrichir le paysage de catastrophes naturelles, d'explosions dignes d'Hollywood ou d'invasions militaires " tellement réalistes que vous vous accrocherez au volant ".

Ce que ce type d'initiative propose, c'est bien de dessiner un futur ordinaire et d'en insinuer (avec humour) les contours probables

Quant à la littérature, exit les mauvaises pioches (et les mauvais auteurs), les robots d'Amazon se chargent dorénavant d'écrire pour vous des livres sur-mesure, en fonction de vos achats et mentions " j'aime ". " Il ne s'agit pas du futur proche sensationnel de la Silicon Valley, nous prévient-on sur le site du projet. Pas plus que d'un futur proche effroyable, où l'on viendra se réfugier dans les terriers encore fumants de la ruine apocalyptique. " Non, ce que ce type d'initiative propose, c'est bien de dessiner un futur ordinaire et d'en insinuer (avec humour) les contours probables - plutôt que de s'essayer à de pompeuses prédictions.

Puissance du faux

Bien que ces propositions mettent en œuvre (ou en scène, c'est selon) tous les moyens possibles pour se jouer de la méfiance du spectateur, celles-ci n'ont pas pour autant vocation à produire des canulars et autres Hoaxes. Leur but n'est pas de berner ou décevoir les gens, mais bien de produire des fictions suffisamment convaincantes pour susciter de notre part une réaction. Créer autour d'un objet les conditions de sa crédibilité, c'est ainsi faire sauter les verrous de la méfiance et plonger le spectateur dans un possible. Exemple parfait de cette " puissance du faux " chère à Gilles Deleuze : Minority Report de Steven Spielberg, qui compte parmi les références revendiquées du design fiction. Devenu depuis sa sortie en 2002 une sorte de benchmark Millenial, le film a marqué les esprits par sa capacité à donner corps à un univers rétro-futuriste aussi fouillé que crédible. On se souvient notamment de l'immense surface tactile des locaux de la Précrime utilisée par Tom Cruise pour disséquer les images des homicides en passe d'être commis. Conçue en collaboration avec une équipe d'ingénieurs du MIT, ce dispositif préfigurait autant le contrôle à distance des futurs Nintendo Wii et Microsoft Kinect, que l'avènement à venir des désormais incontournables interfaces tactiles.

Minority Report de Steven Spielberg (2002)

Design friction

Raconter des histoires, encourager l'imagination humaine et imaginer - pour le meilleur et pour le pire - les évolutions de nos pratiques sociales : le design fiction est ainsi paré d'incontestables vertus pédagogiques. En s'immisçant dans un espace situé entre le domaine tangible de la science et l'art du récit d'anticipation, il permet d'éprouver les limites de nos fantasmes sociotechniques. A tel point que certains préfèrent désormais parler de design " friction ", plus à même de mettre en lumière les glitches d'un futur aux perspectives parfois plus anxiogènes que rassurantes. Comme chez Pop-Up Urbain, un cabinet de conseil en prospective urbaine qui conçoit des hypothèses réalistes et appréhendables, " en leur conférant une dimension volontiers plus corrosive, et la responsabilité d'un " poil à gratter " futurologique capable de mettre en exergue leurs aberrations, voire leur insanité. " Que diriez-vous en effet d'une petite dystopie transhumaniste consistant à repeupler la ville d'avatars numériques de nos ancêtres, afin que nous puissions continuer d'interagir avec eux malgré leur départ vers l'autre rive ? Creepy, n'est-ce pas ?
Si vous souhaitiez vous aussi vous essayer au design fiction, vous avez jusqu'au 12 mars pour proposer votre vidéo sur le site de Illustration de Une : cfactory.co.uk The Open Window. L'exposition démarrera le 17 avril sur la façade digitale du Vérone, aux portes de Paris.

# data[].attributes.attachment_link.title
Design fiction : le futur, c'est plus ce que c'était

# data[].attributes.attachment_link.description
À la croisée entre technologie et science-fiction se développe le " design fiction " :  une nouvelle façon de produire des récits pour nous aider à mieux appréhender le futur. Souvent présentées sous forme de vidéos, ces propositions détournent et questionnent nos usages, dans une saine critique des mœurs contemporaines.

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
Boats and boating--Equipment and supplies

# data[].attributes.attachment_link.description
Bruit du frigo Création et médiation sur le cadre de vie

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Depuis les CSS transitions, on voit fleurir beaucoup d'animations, de déplacements, de mouvements parfois assez organiques sur les sites Internet. Ces mouvements donnent vie mais sont aussi une façon de donner du caractère et une identité à un site Internet qui peut parfois paraître statique. Cependant, il faut, d'une part, savoir ne pas en faire trop (vous voyez bien les sites où le designer / développeur a mis tous les effets qu'il connaissait) et d'autre part, il faut savoir coder tous ces mouvements de la façon la plus adéquate.

C'est donc avec plaisir que je vous présente aujourd'hui Animista, un site Internet qui a commencé comme un petit side-project cherchant à regrouper et donc organiser les animations CSS les plus fréquemment utilisées. Le but était bien évidemment de ne pas perdre de temps à tout recoder à chaque fois.

Animista

Sur le site on retrouve une typologie de six animations :

les animations basiques

les animations d'apparition

les animations de disparition

les animations de texte

les animations qui cherchent l'attention

et les animations pour les fonds d'images

Une fois que vous avez choisi un type d' animation, il ne vous reste plus qu'à régler les paramètres et ensuite récupérer le code source en cliquant sur le petit bouton en haut à droite.

En dehors d'être un gain de temps ( parce que oui, recopier 3 fois son code pour qu'il fonctionne sur Chrome, Firefox ou Safari, c'est long!) c'est pour moi une façon de comprendre aussi les différents fonctionnements de certaines animations qui peuvent parfois être assez subtiles.

Bref, un site à découvrir et à utiliser avec modération : animista.net 😉

# data[].attributes.attachment_link.title
Retrouvez et utilisez facilement toutes les animations CSS

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis les CSS transitions, on voit fleurir beaucoup d'animations, de déplacements, de mouvements parfois assez organiques sur les sites Internet. Ces mouvements donnent vie mais sont aussi une façon de donner du caractère et une identité à un site Internet qui peut parfois paraître statique. Cependant, il faut, d'une part, savoir ne pas en faire...

# data[].attributes.body
MAD

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
De la marque de fabrique aux premiers logos, les industriels protègent, garantissent et identifient leurs produits face à la concurrence. l'histoire industrielle s'agrège avec celle des marques et de leur publicité

La notion de marque, définie comme un signe distinctif apposé sur une chose par celui qui l'a fabriquée, est très ancienne : son origine remonte aux débuts du commerce, dans l'Antiquité. La loi du 23 juin 1857 sur la marque de fabrique est considérée comme le premier vrai dispositif moderne de protection des marques, après la loi de 1824 instituant la protection du nom commercial.

La marque peut être constituée de différents signes : un nom associé à un signe distinctif, telles la signature ou la typographie; une dénomination particulière, par exemple "perles du Japon" pour des pâtes alimentaires; un emblème ou un signe figuratif, associé à un nom générique, "cirage à l'Abeille"; un monument appartenant au domaine public, la photographie d'une célébrité - avec son accord - une formule de type slogan; une combinaison de lettres et de chiffres comme le sigle; un emballage, la forme d'un produit, etc.

Le signe distinctif de la marque apparaît souvent d'abord sous la forme d'une signature authentifiant le "véritable" produit, c'est le cas de Menier qui appose la sienne comme un sceau sur les emballages de tablettes de chocolat. Un personnage, tiré d'une affiche illustrée s'impose, indissociable du nom, comme la petite fille du chocolat Menier, le Bibendum Michelin, les trois peintres Ripolin, le lion Peugeot ou le diable Thermogène, chacun devenant emblématique du produit auquel il se substitue.

# data[].attributes.attachment_link.description
De la marque de fabrique aux premiers logos, les industriels protègent, garantissent et identifient leurs produits face à la concurrence. l'histoire industrielle s'agrège avec celle des marques et de leur publicité La notion de marque, définie comme un signe distinctif apposé sur une chose par celui qui l'a fabriquée, est très ancienne : son origine remonte aux débuts du commerce, dans l'Antiquité.

# data[].attributes.attachment_link.description
L' exposition de Daphné Le Sergent s'incrit dans le cadre de Novlangue, une proposition d'Agnès Violeau, commissaire invitée, pour la programmation Satellite 2018.

# data[].attributes.attachment_link.description
Design & Human is a design firm with a human basis approach, to help conceiving interfaces, products, services, identities and, in general, any kind of contemporary forms expression. Design & Human helps NGOs, companies, start-ups, associations and the public sector to innovate through a radical vision, both ethical and human.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Graphéine - Agence de communication Paris Lyon

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cette page regroupe les articles publiés sur notre blog présentant des grands noms et personnalités du design graphique. Nous y présenterons les grandes figures du design graphique et de la typographie. Il s'agit de vous faire découvrir (ou re-découvrir) ceux et celles qui ont marqué l'histoire de notre profession.

# data[].attributes.attachment_link.description
Cette page regroupe les articles publiés sur notre blog présentant des grands noms et personnalités du design graphique. Nous y présenterons les grandes figures du design graphique et de la typographie. Il s'agit de vous faire découvrir (ou re-découvrir) ceux et celles qui ont marqué l'histoire de notre profession.

# data[].attributes.body
index grafik

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Photographie du portrait : © Norman Seeff
-

" On peut le dire, l'un des atouts de la réussite du Macintosh s'appelle Susan Kare. Diplômée d'art à l'université de New York, elle rejoint Apple en 1982. Le concepteur Andy Herzfeld lui demande de créer une série d'icônes pour le système, ainsi que des polices de caractères. Quand Susan Kare se lance dans l'aventure, tout est à inventer. Elle axe sa recherche sur ce qu'elle nomme l'économie d'expression, soit la nécessité pour une icône de transmettre sa signification d'un simple regard. Sa technique ? Les envisager comme des indications routières et non comme de banales illustrations.

Nous essayions d'obtenir quelque chose qui puisse devenir instinctivement familier et clair, à même de guider les néophytes [...] ".

" Susan Kare est une graphiste américaine née en 1954 basée à San Francisco, diplomée d'un doctorat en art de l'université de New York. Elle est connue pour avoir créé les premières polices d'Apple ainsi que les premières icônes de Macintosh et de Windows 3.0, dans les années 80, alors en 2D [...] "Elle a commencé à dessiner des flèches, des pinceaux et des pointeurs dans un cahier car l'application qui lui aurait permis de dessiner des icônes n'avait pas encore été codée". Elle a "donné à Mac OS un lexique visuel universellement intuitif et attrayant [...] Son but a été de dessiner des icônes figurant des signes instantanément compréhensibles". explique Steve Silberman dans le livre Susan Kare Icons [...]

Ses dessins originaux sur papier quadrillé et millimétré, où chaque carré représente un pixel, ont été présentés au musée d'art moderne de New York en 2015 dans le cadre de l'exposition This is for Everyone: Design Experiments For The Common Good. Le musée la qualifie alors de pionnière et iconographe numérique influente. [...] On compte parmi ses créations les polices Chicago, Monaco, Geneva, New York, San Francisco, Toronto, Cairo ou encore Venice. On le voit, nombre de ses créations se rapportent à une certaine géographie. Elle est aussi la créatrice du graphisme du solitaire de Microsoft, et du Dogcow, mascotte d'Apple extraite de la police Cairo. "

" I started at Apple in 1982. I had come from an earlier era, of hand-lettering, of making paintings and sculptures and prints, classic fine arts. I had read up on type design in order to have an interview, because I was hoping to get this job making some bitmap faces and icons, and I had sketched some icons in a graph paper notebook. When I started, the first assignment I got on my very first day was to design a system font. There was a placeholder typeface in there, but they wanted something kind of bold so it would stand out, and what was there looked a little thin and jaggedy. I needed to make capital letters that could fit into a very small grid, seven squares wide, nine squares high. It took about a day, and I hammered out the capital letters and then the lowercase - I didn't even realize that there are 255 symbols total, and I wasn't really done! The problem was, I didn't want any lines that were jagged, so I made everything horizontal or vertical or on a 45-degree angle, which worked pretty well. I called it Elefont, because it was supposed to be big and heavy. Later it got named Chicago - [the Apple programmer and designer] Andy Hertzfeld and I were from suburban Philadelphia, and we had named the fonts after stops on the Paoli commuter train, like Rosemont. And then Steve Jobs said, If they're going to be cities, they need to be world-class cities.

This was my first time working with pixels, doing it on the screen. I really hadn't designed anything on a computer, and I wasn't someone who worked in grids. What became clear to me was that I really enjoyed the structure of that kind of design challenge, of working with relatively limited screen real estate. I went on to design icons which, unlike the font, had the element of symbolism, a different kind of problem to solve, because there was a concept along with the pixels. I still look for pixels in everything: Lego, needlework, mosaics. Cross-stitch fonts are a perfect analogy for what I was doing: There are 18th-century samplers that are perfect. And even though I work a lot in vector images now, where pixel count doesn't matter as much, I still feel as though if you have that constraint, I'm your person. " "

" Aux premières heures de l'informatique généralisé, le travail de Susan Kare a permis une interface simple et à figure humaine, voire peut-être pourrait-on dire amicale, qui a rassuré les utilisateurs. Il s'agit d'une véritable recherche de vulgarisation pour faire de l'ordinateur l'outil dont on ne peut plus, aujourd'hui, se séparer. Mais il s'agit également d'un nouveau langage qui a vu le jour, au-delà des impacts des entreprises telles qu'Apple : un langage entièrement visuel et universel, une langue des signes, qui puisse être compris dans le monde entier, comme un esperanto digital [...] ".

Plus de ressources sur Susan Kare :

→ Le site de Susan Kare
→ Regarder la conférence : Susan Kare, Iconographer (EG8)
→ Regarder : Susan Kare Macintosh Commercial | 1983
→ Une interview en français sur blogue.artv.ca
→ À propos du Dogcow ( 2)
→ Plusieurs articles sur eyeondesign.aiga.org, esadlabs-reims.org, blogs.plos.org, fastcodesign.com
→ Une seconde conférence datant de 2015

# data[].attributes.attachment_link.description
Photographie du portrait : © Norman Seeff - " On peut le dire, l'un des atouts de la réussite du Macintosh s'appelle Susan Kare. Diplômée d'art à l'université de New York, elle rejoint Apple en 1982. Le concepteur Andy Herzfeld lui demande de créer une série d'icônes pour le système, ainsi que des polices de caractères.

# data[].attributes.body
Grapheine

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Graphéine - Agence de communication Paris Lyon

# data[].attributes.attachment_link.title
Actulogo - Toute l'actualité des logos et du branding

# data[].attributes.attachment_link.description
Toutes les actualités des logos, des identités visuelles et du branding depuis 2008. Analyses, coups de cœurs ou coups de gueules !

# data[].attributes.body
FIFIB 9-15/10

# data[].attributes.attachment_link.title
Programmation Festival International du Film Indépendant de Bordeaux.

# data[].attributes.attachment_link.description
Retrouvez la programmation du Festival International du Film Indépendant de Bordeaux (fifib), du 9 au 15 octobre 2018 : programmation, invités, concerts et cinéma.

# data[].attributes.attachment_link.description
DADA est une agence de communication indépendante créée en 2005 par Amélie Faurens et Xavier Jacono. Nous sommes experts dans l'image de marque et la stratégie digitale. Chaque projet est abordé comme un défi créatif novateur. Notre culture et notre sensibilité artistique font de DADA une agence peu ordinaire et engagée dans une volonté de qualité.

# data[].attributes.attachment_link.description
Official website of Olafur Eliasson and his studio: Studio Olafur Eliasson

# data[].attributes.attachment_link.description
Matthieu Gafsou est un photographe basé à Lausanne en Suisse. Matthieu is a swiss photographer based in Lausanne, Switzerland.

# data[].attributes.attachment_link.description
The world's leading independent creative agency network

# data[].attributes.attachment_link.description
" Graphisme en France " est la plateforme numérique du Centre national des arts plastiques dédiée au design graphique en France : tous les événements, les lieux et les personnalités qui témoignent de la créativité et de la vitalité de la scène française du graphisme.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Depuis plus de 15 ans, La Compagnie Hyperactive accompagne les entreprises et les institutions dans leur communication globale avec passion, franchise et créativité. En 2017, l'agence web basée à Bordeaux, Niort et Paris marque un nouveau tournant dans sa stratégie d'entreprise.

Parce que dans un monde où tout va plus vite, où le digital est au cœur des mutations des entreprises et où les stratégies pour perdurer se diversifient, le rôle de l'agence de communication doit lui aussi évoluer ! C'est ça, #Renaissance. Une nouvelle démarche d'agence web étendue et augmentée, qui capitalise sur le digital pour proposer des services à forte valeur ajoutée aux entreprises.

Vous avez besoin d'une agence web à Niort, Bordeaux ou Paris ? La Compagnie Hyperactive est là pour secouer vos objectifs, réveiller votre organisation et accompagner votre transformation digitale !

Grâce à une organisation flexible et intégrée, nos équipes vous accompagnent dans tous vos projets : refonte ou création de site internet responsive, UX/UI design, création de contenu web, community management, relations publiques, organisation d'événements, etc.

Nous agissons aussi en tant qu' agence de webmarketing, agence de référencement et agence d'événementiel sur Bordeaux, Niort et Paris, pour optimiser vos actions sur le web ou en réel et décupler votre visibilité. Voir tous nos services

Votre agence de communication digitale vous conseille aussi dans toutes vos problématiques de transformation ou mutation managériale, réorganisation d'offre de services ou produits, pour un accompagnement au changement serein et performant. Ensemble, nous dépassons les bornes pour mieux avancer : rencontrons-nous !

# data[].attributes.attachment_link.title
La Compagnie Hyperactive : agence conseil marketing, communication, digital - Bordeaux, Niort & Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis plus de 15 ans, La Compagnie Hyperactive accompagne les entreprises et les institutions dans leur communication globale avec passion, franchise et créativité. En 2017, l'agence web basée à Bordeaux, Niort et Paris marque un nouveau tournant dans sa stratégie d'entreprise.

# data[].attributes.attachment_link.title
Milk, découvrez les projets web. Sites web, tablette et mobile.

# data[].attributes.attachment_link.description
Milk conçoit des interfaces, des applications hébergées, des sites internet... pour tous les usages : web, tablette et mobile.

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
cinq 25 réseau art contemporain en limousin

# data[].attributes.attachment_link.title
Art Flox - Annuaire, agenda des expositions et portail des Arts en Aquitaine.

# data[].attributes.attachment_link.description
Art Flox - Annuaire, agenda des expositions et portail des Arts en Aquitaine. - Agenda des expositions, annuaire et portail de l'art contemporain en Aquitaine et Bordeaux Métropole.

# data[].attributes.attachment_link.description
Awam c'est une agence créative globale, une addition d'expertises en communication - au-delà du design - et, surtout, une équipe de passionnés à la disposition de vos envies, de vos besoins et de vos ambitions. Chez Awam nous cultivons également une part de liberté pour développer des projets plus personnels et ça, c'est du côté du Lab° que ça se passe...

# data[].attributes.attachment_link.title
Agence de communication graphique et web - Little Big Studio

# data[].attributes.attachment_link.description
Agence de communication graphique sur Bordeaux. Design et création de supports de communication papier et internet

# data[].attributes.attachment_link.title
EGUE | Agence de communication à Bordeaux

# data[].attributes.attachment_link.description
Agence de communication à Bordeaux qui intervient sur l'identité des marques

# data[].attributes.attachment_link.title
C2 Studios | Agence de communication | Bordeaux

# data[].attributes.attachment_link.description
C2 studios, agence de communication à Bordeaux. Création graphique // Site internet // Conseil en communication. Agence de communication membre du Darwin Eco-Système - 87, quai de Queyries 33100 BORDEAUX

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Studio Telegram agence de communication Bordeaux

# data[].attributes.attachment_link.title
Studio Telegram agence de communication à Bordeaux centre (33)

# data[].attributes.attachment_link.description
Votre agence de communication à bordeaux, création de sites internet (sites vitrine et vente en ligne), logos, identités visuelles, stratégies et conseils.

# data[].attributes.attachment_link.title
MOONDA - Think smarter - Agence de communication digitale

# data[].attributes.attachment_link.description
MOONDA est l'agence de communication digitale qui apporte une réponse business à tous vos challenges digitaux, événementiels et retail.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Socreativ' | Agence de communication Bordeaux

# data[].attributes.attachment_link.title
Socreativ' | Agence de communication Bordeaux et webdesign

# data[].attributes.attachment_link.description
Agence de communication Bordeaux, création site internet wordpress vitrine, boutique, création logo, plaquette, carte de visite, exécutive summary...

# data[].attributes.body
Voila une VRAI liste ;

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
deux degrés a été imaginé par Mathieu Zimmer en 2010. C'est aujourd'hui une maison d'édition et une agence de médiation s'intéressant aux liens entre les usagers, les modes de vie et les territoires. deux degrés a toujours assumé un regard décalé et ludique sur l'aménagement et les évolutions de la société. Et quand il y a du décalage et du jeu, et bien souvent on s'amuse davantage, on travaille mieux puis on tente de nouvelles choses et alors on embarque plus de monde.

La méthode

deux degrés parle de la ville, des territoires, des situations qu'ils abritent, sous la forme d'histoires, de récits et d'illustrations simples. Raconter pour mieux se projeter, mieux anticiper et surtout mieux impliquer les usagers et leurs envies parfois contradictoires.
deux degrés joue le rôle de passeur entre les maîtres d'ouvrages et les habitants. Une fois que tout le monde se comprend, il est plus facile de construire un projet commun.

L'équipe

, urbaniste et géographe, directeur de projet.

, urbaniste, chargé de projet.

Julianne HUON, designer, chargée de projet.

, chef de projet numérique.

Sur des projets spécifiques nous faisons appel à des compétences complémentaires pour nous épauler.

La médiation

Dans le cadre d'un nouveau projet d'aménagement, nous intervenons pour aider les techniciens et les usagers à se comprendre. Nous accueillons les nouveaux habitants, nous expliquons les règles du jeu, nous les accompagnons dans leur appropriation du quartier (animation des espaces partagés, définition des aménagements des espaces publics, apport de solutions pratiques pour faciliter le quotidien). Nous utilisons pour cela des outils variés et pédagogique pour faciliter cet échange.

Apéro-maquette aux Sècheries de Bègles. Travail avec les habitants autour d'une maquette pour définir
la configuration définitive des espaces publics du quartier.
Juin 2016. Conception : deux degrés; maître d'ouvrage : Aquitanis.
Carte du campus de Bordeaux. Conception d'une carte du campus de Bordeaux à partir de cartes mentales
réalisées par les étudiants.
Juin 2015. Conception : deux degrés; illustration : Hugo Marchais; maître d'ouvrage : CROUS Aquitaine.
La cartographie

Nous travaillons beaucoup sur des supports cartographiques. La carte est un outil puissant pour communiquer, expliquer, représenter et construire. C'est aussi un objet affectif.

Carte de Bordeaux Métropole. Carte (2,40m X 1,40m) affichée à l'accueil de l'office de tourisme de Bordeaux Métropole. Conception d'un support aectif, d'un référentiel commun qui permet aux visiteurs de se représenter le territoire en 2 minutes.
Mars 2015. Conception : deux degrés; illustration : Guillaumit; maître d'ouvrage : office de tourisme de Bordeaux.
L'illustration et la création de contenus

Nous aimons raconter des histoires, les dessiner. Nous construisons des outils d'expression et de communication simples et pédagogiques qui permettent la compréhension du projet par tous. Bordeaux Safari. Guide-jouable de Bordeaux qui renouvelle la manière de raconter une ville.
Septembre 2014. Conception et édition : deux degrés et Gabriel Bord. Illustration : Martin Lavielle.
À la coule. Renouveau des codes de la carte postale et des supports de communication territoriale.
Été 2015. Conception et édition : deux degrés.
Réflexions

Nous écrivons et publions également des livres pour faire bouger les lignes de l'aménagement du territoire :

Le Petit Paris. Livre d'anticipation sur la réduction volontaire de l'Ile de France
(Grand Livre du Prix d'Architecture 2015).
Décembre 2013. Conception et édition : deux degrés; illustrations : Martin Lavielle.
L'observatoire des villes moyennes. Exploration libre et ludique des avenirs possibles des villes moyennes.
Mai 2014. Conception et édition : deux degrés.
Conférences

Nous intervenons lors de conférence s si possible percutantes et ludiques :

- présentation du livre conférence au Le Petit Paris et de ses éléments d'analyse urbaine
Pavillon de l'Arsenal, Paris ; à Polytech Tours ; à l'IUP Urbanisme de Créteil.

- " ce qui ne va pas fonctionner avec la ville numérique "
Pecha Kucha - festival Novela - Toulouse (31)

- " les populations créatives et leur impact sur l'avenir de Bidart ",
conférence organisée par l'agence - Bidart (64)

- " la manière dont les urbanistes racontent des histoires et leur rapport à la littérature "conférence de clôture des 30 ans de
l'institut d'urbanisme de Bordeaux (33)

- " les urbanistes vendent-ils du rêve ? "
conférence organisée par les anciens du cycle urbanisme de Science-Po Paris

Presse

Du coup, il nous arrive d'être dans les journaux :

- traduction du vocabulaire des élus et les professionnels de l'aménagement à destination du citoyen moyen

deux degrés

2 rue du Commandant Cousteau

33 100 Bordeaux

06 73 75 19 67

# data[].attributes.attachment_link.title
agence de médiation territoriale - deux degrés

# data[].attributes.attachment_link.description
deux degrés a été imaginé par Mathieu Zimmer en 2010. C'est aujourd'hui une maison d'édition et une agence de médiation s'intéressant aux liens entre les usagers, les modes de vie et les territoires. deux degrés a toujours assumé un regard décalé et ludique sur l'aménagement et les évolutions de la société.

# data[].attributes.attachment_link.description
https://www.youtube.com/watch?v=XcFGgTLY410 Robert Morris | God's Goodness Watch us live this weekend at http:// gatewaypeople ...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
-

L'exposition Gauguin révèle les méthodes de travail et les expérimentations de l'artiste dans les domaines les plus divers et notamment dans la céramique.
De nombreuses "sculptures céramiques", terme inventé par l'artiste, sont présentes dans le parcours du Grand Palais.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le minimalisme par le spectre de Carl Andre et de Dan Flavin

# data[].attributes.attachment_link.description
L'exposition Gauguin révèle les méthodes de travail et les expérimentations de l'artiste dans les domaines les plus divers et notamment dans la céramique. De nombreuses "sculptures céramiques", terme inventé par l'artiste, sont présentes dans le parcours du Grand Palais.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le Centre Pompidou-Metz met à l'honneur l'artiste conceptuel américain Sol LeWitt (1928-2007) en lui dédiant un projet inédit. En Galerie 2, sur une superficie de 1 200 m2, est présentée une rétrospective des (dessins muraux) de Sol LeWitt d'une envergure sans précédent en Europe : avec ses trente-trois oeuvres murales, parcourant la carrière de l'artiste de ses débuts à ses dernières réalisations, l'exposition du Centre Pompidou-Metz propose l'ensemble de wall drawings le plus important jamais présenté en Europe.

Choisis parmi les 1 200 wall drawings créés par l'artiste entre 1968 et 2007, les dessins sélectionnés reflètent tout à la fois l'extraordinaire cohérence de ses explorations systématiques (séries et combinaisons rigoureuses d'éléments géométriques) et l'étonnante diversité de sa pratique, aussi bien dans l'évolution des formes (de figures géométriques simples à ses " formes complexes " ou " continues ") que des matériaux utilisés (crayon à mine, pastel gras, lavis d'encre, peinture acrylique et graphite).

À la faveur d'un partenariat exceptionnel avec des écoles d'art et d'architecture du Grand Est, la réalisation des wall drawings au Centre Pompidou-Metz illustre parfaitement le principe de collaboration au coeur de la pratique de l'artiste.

En coopération avec le Centre Pompidou-Metz, un pendant chromatique de la rétrospective en noir et blanc est organisé par le M-Museum de Leuven (Louvain), Belgique, qui a présenté du 21 juin au 14 octobre 2012 une vingtaine de dessins muraux en couleur.

En 2013, le Centre Pompidou-Metz présente Sol LeWitt collectionneur. Un artiste et ses artistes. Ce second volet permet de refléter l'extraordinaire carrière de LeWitt non seulement en tant qu'artiste prolifique mais également en tant que collectionneur insatiable. La sélection d'une centaine d'œuvres présentée au Centre Pompidou-Metz constitue la première grande exposition en Europe de la Collection LeWitt.

Commissaire :
Béatrice Gross, commissaire et critique d'art indépendante, New York

La pratique du dessin mural

S'ils rappellent la tradition des fresques de la Renaissance italienne, les wall drawings de Sol LeWitt marquent, dès la fin des années 1960, une évolution décisive dans l'histoire du dessin et de l'art. Traduisant des processus mentaux ( thought processes) conçus au préalable par l'artiste, les dessins muraux sont ensuite exécutés directement sur les murs à l'échelle du lieu d'accueil. Les dessins muraux réalisés existent le temps de l'exposition ; ils sont ensuite détruits, conférant ainsi à l'oeuvre une dimension éphémère.

La grande majorité des dessins furent conçus pour être effectués par d'autres que l'artiste : assistants professionnels habilités par l'atelier LeWitt et dessinateurs débutants sont invités à suivre rigoureusement les instructions et diagrammes mis au point par LeWitt. Comme énoncé par l'artiste dès 1967, l'idée et le concept priment sur l'exécution. À l'instar de musiciens interprétant une partition, les dessinateurs exécutent ainsi à leur manière les formules géométriques indiquées par LeWitt, dans le respect de l'oeuvre énoncée.

Les dessins muraux de LeWitt sont fondés sur :

des formes géométriques élémentaires : ligne droite ou non droite, ligne brisée, carré, grille, arc, cercle...

des formes plus irrégulières et complexes telles les courbes, les boucles, et une évolution du traitement avec l'emploi du crayon à mine, du pastel gras, de l'encre de Chine, de la peinture acrylique ou encore du graphite.

Le parti pris du noir et blanc

Présenter trente-trois dessins muraux de Sol LeWitt uniquement en noir et blanc est le parti pris adopté par le Centre Pompidou-Metz.Ce choix confère à l'exposition un impact visuel fort. Selon les matériaux et techniques employés, le contraste puissant entre le noir et le blanc, ou plus nuancé entre les différentes tonalités de gris soulignent les effets optiques qui animent les oeuvres sélectionnées, de la vibration subtile de lignes au crayon à mine, à la cadence soutenue d'aplats noir et blanc à l'acrylique, en passant par les douces variations de lavis d'encre.

Une exposition en partenariat avec les écoles d'art du Grand Est

La réalisation des dessins muraux au Centre Pompidou-Metz a été l'occasion d'une expérience pédagogique exceptionnelle et inédite, rassemblant aux côtés de dessinateurs professionnels de l'atelier LeWitt de jeunes artistes et étudiants du Grand Est.

La réalisation des dessins muraux ont associé :

65 étudiants issus de 4 écoles : l'École supérieure d'art de Lorraine, Metz-Épinal, l'ENSarchitecture de Nancy, l'École nationale supérieure d'art de Nancy, l'ESAD de Reims/École supérieure d'Art et de Design ;

13 jeunes artistes diplômés ;

7 assistants professionnels.

Pour chaque dessin mural des équipes se sont constituées autour d'un assistant professionnel qui a ainsi encadré les étudiants et jeunes artistes pendant la durée totale d'exécution du dessin et a cherché, si le degré de difficulté du dessin le permettait, à les laisser en réaliser de manière autonome. Les étudiants avaient deux types de responsabilités : la préparation des outils de travail et l'exécution stricto sensu des dessins conformément aux indications de l'artiste.

Une exposition réalisée en étroite collaboration la Collection LeWitt
L'exposition Sol LeWitt. Dessins muraux de 1968 à 2007 présentée en Galerie 2 du Centre Pompidou-Metz a été conçue et réalisée en étroite collaboration avec la Collection LeWitt (Chester, Connecticut).

Publication

À l'occasion de cette exposition, le Centre Pompidou-Metz publiera en deux versions, française et anglaise, un catalogue de 326 pages destiné à devenir un ouvrage de référence sur Sol LeWitt, les précédentes éditions sur l'artiste étant pour la plupart épuisées.

Sol LeWitt
Catalogue sous la direction de Béatrice Gross
Éditions du Centre Pompidou-Metz
En partenariat avec M-Museum de Leuven (Louvain), Belgique
Parution : novembre 2012
226 pages, 25 x 28,8 cm, relié, 39 euros
Quatre modèles de couvertures disponibles : bleu, rouge, jaune et noir (la diffusion de ces quatre versions, déclinant les couleurs primaires utilisées par Sol LeWitt, obéit aux hasards et aléas de la distribution de l'ouvrage)

Présentation de l'oeuvre et du parcours de Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928-2007) est né aux États-Unis, à Hartford, Connecticut. Il étudie les beaux-arts à l'université de Syracuse (état de New York), puis à la Cartoonists and Illustrators School (aujourd'hui School of Visual Arts) à New York. Il travaille ensuite comme graphiste dans le cabinet d'architecture d'I.M. Pei, puis en tant que réceptionniste au Museum of Modern Art, où il rencontre les artistes Robert Ryman, Dan Flavin et Robert Mangold, ainsi que la critique Lucy R. Lippard. Identifié dans un premier temps à l'art minimal américain, LeWitt s'en détache rapidement pour favoriser une approche conceptuelle de la création artistique.

Si les dessins muraux constituent la pratique la plus emblématique de l'oeuvre de LeWitt (que l'artiste débute en 1968, à l'âge de 40 ans), son oeuvre inclut également des pièces en trois dimensions (nommées " structures "), des dessins sur papier, des séries photographiques, des oeuvres graphiques et des livres d'artiste. LeWitt utilise ces différents médiums comme autant d'outils pour mieux explorer ses processus mentaux.

LeWitt bénéficie de sa première exposition monographique en 1965, à la John Daniels Gallery de New York. Dès lors, son travail est inclus dans de nombreuses expositions en galeries, musées et au sein d'événements artistiques internationaux.

" FAIRE DES DESSINS MURAUX ", 1971, écrit de Sol LeWitt

L'artiste conçoit et élabore le plan du dessin mural. Celui-ci est réalisé par des dessinateurs (l'artiste peut être son propre dessinateur) ; le plan (écrit, oral ou dessiné) est interprété par le dessinateur. Première publication en français in Mise en pièces, mise en place, mise au point, cat. exp., Chalon-sur-Saône, Maison de la culture / Dijon, Le Coin du miroir, 1981, p. 54.
Des décisions sont prises par le dessinateur, à l'intérieur du plan, en tant que parties du plan. Chaque individu étant unique, les mêmes instructions seront comprises différemment et mises en oeuvre différemment.
L'artiste doit autoriser diverses interprétations de son plan. Le dessinateur perçoit le plan de l'artiste, puis le réorganise selon son expérience et sa compréhension propres.
Les contributions du dessinateur ne sont pas anticipées par l'artiste, même quand lui, l'artiste, est le dessinateur. Même si un seul dessinateur suivait deux fois le même plan, cela donnerait deux oeuvres d'art différentes.
Personne ne peut faire deux fois la même chose.
L'artiste et le dessinateur deviennent collaborateurs dans la fabrication de l'art.
Chaque personne trace une ligne différemment et chaque personne comprend les mots différemment.
Ni les lignes ni les mots ne sont des idées, ce sont les moyens par lesquels les idées sont transmises.
Le dessin mural est l'art de l'artiste aussi longtemps que le plan n'est pas transgressé. S'il l'est, alors le dessinateur devient l'artiste et le dessin sera son oeuvre d'art, mais cet art sera une parodie du concept original.
Le dessinateur peut commettre des erreurs en suivant le plan sans compromettre celui-ci. Tous les dessins muraux contiennent des erreurs, elles font partie de l'oeuvre.
Le plan existe en tant qu'idée mais il a besoin d'être traduit dans sa forme optimale. Les idées de dessins muraux seules contredisent l'idée de dessin mural.
Le plan explicite devra accompagner le dessin mural achevé. Ils sont d'une égale importance.

Première publication en anglais sous le titre " Doing Wall Drawings " in Art Now, vol. 3, no 2, New York, juin 1971, n. p.
Textes traduits de l'anglais par Catherine Vasseur © LeWitt Collection, Chester, Connecticut

La programmation culturelle de l'Auditorium Wendel et du Studio

C'est autour de Sol LeWitt que s'articule le lancement de la saison 2012-2013 avec des soirées faisant écho au travail de l'artiste. " Sol LeWitt hier et aujourd'hui " : la programmation soulignera l'interaction de l'artiste avec la scène musicale sérielle et minimale des années 1960-1970 mais aussi ses liens avec la danse et la performance. Elle se prolonge par quelques dates soulignant l'influence persistante de l'artiste sur de plus jeunes générations d'artistes.

Sol LeWitt. Colors, du 21 juin au 14 octobre 2012, au M-Museum de Leuven (Louvain), Belgique

En coopération avec le Centre Pompidou-Metz, le M-Museum de Leuven (Louvain), Belgique, présente un pendant chromatique de la rétrospective en noir et blanc. Une sélection de plus de vingt dessins muraux, cette fois en couleur, reflète l'ensemble de la carrière de LeWitt des premiers dessins au crayon de couleur à ses oeuvres tardives à la peinture acrylique. Cette exposition réunit l'ensemble le plus important de dessins muraux jamais présenté en Belgique.

Les dessins muraux présentés au M sont exécutés selon les instructions précises de l'artiste par des dessinateurs habilités de l'atelier LeWitt travaillant de concert avec des jeunes artistes et étudiants des écoles belges suivantes : Hogeschool Sint-Lukas, Bruxelles ; La Cambre / École Nationale Supérieure des Arts Visuels, Bruxelles ; Koninklijke Academie voor Schone Kunsten | KASK, Gand ; Sint-Lucas Beeldende Kunst Gand ; Koninklijke Academie voor Schone Kunsten, Anvers ; et Sint Lucas, Anvers.

Commissaires Sol LeWitt. Colors
Eva Wittocx (Commissaire en chef, M-Museum, Leuven (Louvain)) et Béatrice Gross (commissaire et critique d'art indépendante, New York).

M - Museum Leuven
L. Vanderkelenstraat 28
3000 Leuven
www.mleuven.be
Sol LeWitt. Dessins muraux de 1968 à 2007, une exposition qui s'inscrit dans le cadre de la manifestation MONO

Cet été, 15 institutions culturelles de Sarre, de Lorraine et du Grand-Duché de Luxembourg proposent une approche inédite de l'art moderne et contemporain avec la manifestation MONO. Du 1er juin au 2 septembre 2012, 20 monographies d'artistes modernes et contemporains sont présentées sur ce territoire.
MONO est le fruit d'une coopération entre 15 lieux ayant une programmation et une personnalité propres. Conjuguant leurs savoir-faire et leurs expériences, ils créent une nouvelle dimension consacrée à l'art moderne et contemporain.
C'est à partir de 2007, lors du projet " Luxembourg, capitale auropéenne de la culture " étendu à la Grande Région, qu'une étape décisive a été franchie. Les institutions dédiées à l'art moderne et contemporain profitent d'une situation géographique exceptionnelle, au carrefour des grands axes de communication européens Nord-Sud et Est-Ouest, pour affirmer le dynamisme et la réalité de leur réseau culturel.
C'est dans cette esprit que sont programmés 20 monographies d'artistes. Chaque institution s'empare de manière singulière de cette typologie d'exposition, dans un ensemble complémentaire.
Au-delà des oeuvres, c'est à la découverte des endroits qui les abritent que chacun est convié. La vocation de la manifestation MONO est de faire (re)découvrir des lieux d'exception qui offrent sur tout le territoire une vraie richesse culturelle. C'est pour facilité cette démarche qu'est mis en place le Passeport MONO, qui offre au public la possibilité de bénéficier de tarifs préférentiels pour visiter les expositions et donne accès gratuitement à un réseau de navettes reliant chaque samedi les différents lieux d'exposition.

Plus d'infos sur www.mono2012.eu

Arts Flanders, partenaire de MONO

En 2012, la Belgique accueille cinq expositions majeures d'art contemporain dans diverses provinces flamandes.
Visual Arts Flanders 2012 présente ainsi Beaufort04 (littoral belge), TRACK (Gand), Middelheim (Anvers), Manifesta 9 (Genk) et Newtopia (Malines). La situation géographique de ces cinq événements et l'accent commun mis sur l'art contemporain ont permis de développer une plate-forme internationale de communication qui réunit ces manifestations attrayantes en un pôle cohérent.
www.visualartsflanders.be

# data[].attributes.attachment_link.title
Sol LeWitt. Dessins muraux de 1968 à 2007

# data[].attributes.attachment_link.description
Le Centre Pompidou-Metz met à l'honneur l'artiste conceptuel américain Sol LeWitt (1928-2007) en lui dédiant un projet inédit. En Galerie 2, sur une superficie de 1 200 m2, est présentée une rétrospective des (dessins muraux) de Sol LeWitt d'une envergure sans précédent en Europe : avec ses trente-trois oeuvres murales, parcourant la carrière de l'artiste de ses débuts à ses dernières réalisations, l'exposition du Centre Pompidou-Metz propose l'ensemble de wall drawings le plus important jamais présenté en Europe.

# data[].attributes.attachment_link.description
Learn about the work and career of artist Carsten Höller. Artworks, biography, exhibitions, editorial content, news, museum exhibitions, press, and more.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le nu et la roche, HAB Galerie, Nantes, 30.06 - 1.10.2017

C'est une expo quasi muséale que l'on découvre à la HAB galerie : invités dans le cadre du Voyage à Nantes, Daniel Dewar et Grégory Gicquel dévoilent un pan singulier de leur travail - la sculpture monolithique et la marqueterie de pierres. Spatialement, ils font le choix d'une implantation presque géométrique, en ligne, qui ménage des points de vue comme dans une promenade et permet de considérer chaque œuvre avec méthode, dans son impact figuratif comme dans sa dimension conceptuelle.

Avec " Le nu et la roche ", les deux artistes déroulent une décennie de pratique sculpturale : dès le sas d'entrée de la galerie, ils présentent une œuvre datée de 2008, un mocassin à pampille taillé dans un gros bloc d'enrochement, une pierre extraite à l'explosif, et qui traduit le début d'une réflexion sur la ressemblance entre les couleurs de la pierre et le sujet représenté, ici un rouge fauve qui évoque le cuir. Incidemment, c'est aussi une ode à la promenade.

Tout est là, ou presque : une approche du corps par son enveloppe, l'incongruité des rapports instaurés entre un sujet et son incarnation (matériau, technique, échelle) et l'imaginaire analogique qui opère en glissements, toujours très connecté au monde naturel. D'autres sculptures monumentales illustrent bien cette période vestimentaire : parfois sereinement horizontales - la dolérite noire qui habille le gisant plongeur dans sa combinaison de caoutchouc - ou, au contraire, radicalement dressée du haut de ses trois mètres, cette combinaison Waders qui habille un corps absent, monobloc qui " est, comme le faisait remarquer Richard Leydier, à la fois un monument au pêcheur à la mouche inconnu et une version masculine de la Victoire de Samothrace ¹. "

La question du mimétisme continue de travailler intimement les derniers monolithes, où le marbre rose du Portugal raconte à merveille la chair et le sanitaire. Mais désormais, exit le vêtement et place au mobilier de salle de bain et aux fragments de corps masculin nu, avec parade exultante de jambes, de pieds et de sexes. Les Surréalistes savaient combien les objets isolés produisaient à la fois un effet de merveilleux et une réalité brute, crue. " Dans les deux cas, le détail a pour effet d'hypertrophier le réel, et ainsi, à force d'objectivité, de conférer aux objets une dimension inquiétante ². "

Une autre problématique affleure dans ces formes émergeant de monumentales masses minérales : un pacte tacite avec la pierre et, dans la conquête spatiale des deux sculpteurs, un dialogue permanent entre la forme et l'informe, où les éléments peaufinés côtoient les surfaces brutes, ce non finito, très présent chez Rodin - une sorte de réserve, un insu dans le corps même de la sculpture, presqu'une part d'inconscient. L'érotisme, partout présent ici, se cristallise autant dans l'iconographie que dans le traitement du matériau : parfait poli d'un pénis lisse qui suggère la caresse, marbre piqué qui traduit le ruissellement de l'eau, granit à la finition primitive qui témoigne d'une violence du geste.

Dans les marqueteries présentées aux murs, d'autres rêves sensuels se manifestent dans la pierre, comme si la transmutation de la matière - qu'elle figure la forme d'un bidet ou d'un fessier, un robinet ou un pénis, une pipe ou un moule à pâtisserie - constituait la vraie problématique du duo d'artistes qui, constamment, nous renvoie à l'infinie richesse du médium minéral. " De toute façon, les pierres possèdent on ne sait quoi de grave, de fixe et d'extrême, d'impérissable ou de déjà péri. Elles séduisent par une beauté propre, infaillible, immédiate, qui ne doit de compte à personne ³. " Ces marqueteries sont travaillées initialement par voie numérique : en écho aux gifs animés présents dans l'exposition, cette genèse digitale génère des jeux de dédoublement et de séquençage cinématique où s'orchestrent d'étranges ballets à la fois comiques, froids et érotiques, à la croisée des décors des villas romaines, de l'atmosphère de certains tableaux métaphysique de De Chirico, et des salles d'eau saumonnées typiques des années 80, où " ce rose faisait écho au rose des chairs occidentales qui se mettaient alors à se dénuder frénétiquement sur les plages exotiques où les conduisaient les charters ⁴. "

Ce curieux cocktail détonne différemment sur le très bourgeois Cours Cambronne de Nantes : dans l'espace public, le duo prolonge ses mises en scène de la Sainte Trinité Sanitaire (Lavabo, Bidet, Toilettes), revendiquant l'absence de socle (presque une signature !). Dans ces énormes blocs sciés, l'arrière des compositions découvre les vertigineux veinages et nuances de la pierre qui parent ces sculptures d'une dimension gourmande, loukoumisante. À ces plaisirs visuels profus et indécents, Dewar & Gicquel associent les notes fraîches du contexte paysager qui renaturalise ce marbre rose aurore. Rien de tel que les ablutions minérales en plein air, à la barbe des immeubles cossus, au milieu des tilleuls argentés et des magnolias.

1 Véronique Wiesinger, L'art du billard : la sculpture en pierre de Daniel Dewar & Grégory Gicquel, citant Richard Leydier, " Une partie de pêche avec Dewar & Gicquel ", Artpress, 381, 2011, p. 57, dans le catalogue consacré à l'exposition, Rosa Aurora, édité par Le Voyage à Nantes & Triangle Books, 2017, p.131.

2 Guillaume le Gall, " Voir est un acte ", in catalogue La subversion des images, éd. G. Pompidou, p 221.

3 Roger Caillois, L'écriture des pierres, Champs / Flammarion, 1994, p. 5.

4 Véronique Wiesinger, op. cit. p.127.

Image en une : Vue de l'exposition de Daniel Dewar et Grégory Gicquel " Le nu et la roche " à la HAB Galerie (Le voyage à Nantes), 2017. Au premier plan : Recumbent effigy - Commission for a Tombstone for the Cimetière Montparnasse, 2012, Collection P.P.P., courtesy galerie Lœvenbruck, Paris. Photo : Margot Montigny.

# data[].attributes.attachment_link.description
Le nu et la roche, HAB Galerie, Nantes, 30.06 - 1.10.2017 C'est une expo quasi muséale que l'on découvre à la HAB galerie : invités dans le cadre du Voyage à Nantes, Daniel Dewar et Grégory Gicquel dévoilent un pan singulier de leur travail - la sculpture monolithique et la marqueterie de pierres.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il faut attendre 2008 pour que l'artiste collabore avec Kanye West, une collaborationà l'origine des scénographies des défilés Yeezy - la marque du célèbre musicien - les plus spectaculaires. Entre casting ultra fort et mise en scène grandiose, les cinquante mannequins constituent ces fresques vivantes qui mêlent art, musique et mode. À la clé, la polémique parfois... à l'image du défilé Yeazy Season 4, qui prenait place au parc Franklin D. Roosevelt Four Freedoms où de nombreux mannequins se sont évanouis après plus de deux heures de performance sous un soleil de plomb. Cette amitié fructueuse a néanmoins pris fin cette année puisque le défilé Yeezy Season 5 n'a pas été orchestré par Vanessa Beecroft. Une rupture qui faisait suite aux propos polémiques de l'artiste d'origine italienne sur sa proximité avec le rappeur : " J'ai une double personnalité, je suis à la fois Vanessa Beecroft, femme blanche et européenne, mais je suis également Kanye, un homme noir américain. J'ai même procédé à un test ADN pour être sûre que je n'étais pas vraiment noire. Le test s'est avéré négatif, mais je ne le crois pas, je retenterai l'experience bientôt. "
"J'ai une double personnalité, je suis à la fois Vanessa Beecroft, femme blanche et européenne, mais je suis également Kanye, un homme noir américain. J'ai même procédé à un test ADN."

# data[].attributes.attachment_link.title
Qui est Vanessa Beecroft, l'artiste adulée par Kanye West et la mode ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Il faut attendre 2008 pour que l'artiste collabore avec Kanye West, une collaborationà l'origine des scénographies des défilés Yeezy - la marque du célèbre musicien - les plus spectaculaires. Entre casting ultra fort et mise en scène grandiose, les cinquante mannequins constituent ces fresques vivantes qui mêlent art, musique et mode.

# data[].attributes.attachment_link.description
Maurizio Cattelan s'est imposé, depuis le début des années 1990, par une œuvre dont les formes spectaculaires et provocantes, allant du comique le plus outrancier au registre mélancolique, soulignent les contradictions de la société contemporaine.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
2000
Peluches en acrylique, cordes, 300 x 540 cm.
Collection MAC/VAL,
musée d'art contemporain
du Val-de-Marne.
Acquis avec la participation
du FRAM Île-de-France.
Photo © Jacques Faujour.

Notice

Combien de vies dans celle d'Annette Messager ! Depuis le début des années 1970, au coeur de la " scène parisienne " (composée de Christian Boltanski, Sarkis, Paul-Armand Gette... artistes plutôt mâles, hormis Gina Pane, mettant en scène leurs " mythologies individuelles "), Annette Messager s'invente autant de vies qu'elle souhaite de titres, chacune lui permettant d'être autre et d'inventer différents projets artistiques. Elle inventorie pour chacune de ces " Annettes " un répertoire de gestes et de pratiques, d'attitudes et de sujets, révélant tout à la fois l'univers féminin, son code génétique et les possibles pour s'en échapper, ses désirs enfouis.

Toujours, et peut-être encore plus intimement aujourd'hui, à mesure qu'il devient plus grave, Annette Messager resserre son univers autour d'elle, " artiste messager " dans un monde de brutes. Les hommes que j'aime, les hommes que je n'aime pas réunit deux albums d'Annette Messager collectionneuse, celle qui oeuvre dans la partie atelier de son appartement, rassemble et annote des photographies. Pour des raisons justement plus propres aux hommes (raisons esthétiques, jugements hâtifs et superficiels), elle juge et déjuge ces hommes épinglés au mur dans de petits cadres noirs (de deuil ?), papillonnant, comme fiers de ce que certains pourraient qualifier d'inconstance féminine. Collectée et archivée avec méthode, cette collection de jugements péremptoires et contraires affirme le droit de la femme artiste à juger les hommes unilatéralement.

À l'occasion de son exposition rétrospective " The Messengers " à la Hayward Gallery (Londres, 2009), Annette Messager a réuni en une seule et même installation deux collections réalisées en 1972 : Collection pour trouver ma meilleure signature et Ma collection de châteaux.
Ici, plutôt que de revendiquer le droit de juger les autres, c'est son propre droit à s'inventer qu'elle interroge, contemplant et exploitant son désir de devenir et d'apparaître, comme une donnée culturelle, sexuelle, existentielle, une donnée entre envie de se fabriquer et contraintes et attendus sociaux, étapes incontournables de toute vie de femme. La signature est en effet une apparition publique de soi, une " identité graphique ". Son nom est répété sur quatre-vingt-dix feuilles.
Annette Messager se montre ici juvénile, enfantine, mutine, dure, forte, calme et posée, nerveuse... Le contrepoint en sera Comment mes amis feraient mon portrait (1972-1973). Quatre-vingts-dix " j'existe " donc, sous toutes les formes, dans tous les états ; essais de s'inventer, pour soi, mais aussi aux yeux des autres, prise en tenaille entre le voeu d'être elle-même et ce que la société attend d'une jeune fille : rêver au prince charmant en dessinant des châteaux, penser à y vivre heureuse et avoir beaucoup d'enfants. Autant d'archétypes culturels qui dessinent sur le mur un portrait-puzzle de l'artiste, monument à une jeunesse déterminée dont les modèles se déclinent dans l'autobiographie fictive des années 1970, comme dans Voyage à Venise, oeuvre à quatre mains réalisée avec Christian Boltanski, ou Le Bonheur illustré (1975- 1976).

Si Annette Messager ne dénonce pas systématiquement les pratiques et obligations féminines, elle en fait la matière première de son travail en les utilisant pour mieux les déjouer et narguer les attendus. Elle devient truqueuse et s'invite dans le monde réservé des voyeurs, devient fée ou sorcière, c'est selon, regarde sa mère et la vieillesse, pique les objets (vive la Révolution !) et des peluches, devenues dès 1998 un élément récurrent de son vocabulaire formel. Ex-voto de l'enfance, celles-ci racontent aussi la violence de cet âge de la vie : découpés, ces êtres vidés de leur kapok comme de leur âme évoquent une humanité déchirée.

Les Restes épinglent la tradition du portrait de famille en convoquant un genre bien masculin : le trophée de chasse plutôt que le bonheur domestique. Écartelés, les membres de la famille et de chaque corps animal qui, assemblés en demi-cercle, dessinent sur le mur comme un soleil. Après avoir élevé ses " petits pensionnaires " dans les années 1970, Annette Messager retrouve ici des animaux, aujourd'hui peluches et traces de l'enfance, qu'elle malmène avec violence, provoquant ainsi un sentiment de malaise. Telle une entomologiste, elle dissèque nos habitudes culturelles, interrogeant la situation de la femme mais aussi celle, plus universelle, des êtres dans le monde contemporain.

Son oeuvre, résolument singulière, voire solitaire, se déploie aujourd'hui dans l'espace, plus scénographique et parfois scénarisée, telle l'installation Casino pour le Pavillon français, Lion d'or à la Biennale de Venise en 2005. Toujours rejouant des techniques mêmes de la " tradition " féminine, elle en pique la condition comme on crucifie ce que l'on souhaite sacrifier, et paradoxalement conserver.

A.F.

# data[].attributes.attachment_link.description
2000Peluches en acrylique, cordes, 300 x 540 cm. Collection MAC/VAL, musée d'art contemporain du Val-de-Marne. Acquis avec la participation du FRAM Île-de-France. Photo © Jacques Faujour. Combien de vies dans celle d'Annette Messager ! Depuis le début des années 1970, au coeur de la " scène parisienne " (composée de Christian Boltanski, Sarkis, Paul-Armand Gette...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Philippe Parreno, figure éminente de la scène artistique internationale, transforme radicalement le Palais de Tokyo. Il répond à la carte blanche qui lui est donnée par une exposition totale dans laquelle son dialogue avec l'architecture fait œuvre. Cette exposition d'un format inédit consacre un artiste dont les œuvres, les idées, la démarche ont une influence considérable et ont certainement modifié notre idée même de l'art.

Au Palais de Tokyo, Philippe Parreno orchestre son exposition selon une dramaturgie dans laquelle la présence spectrale des objets, la musique, les lumières et les films accompagnent l'expérience poétique des regardeurs. Il fait du bâtiment un organisme en perpétuelle évolution d'après un scénario minutieusement maîtrisé. L'exposition propose ainsi de voyager à travers ses œuvres, anciennes et nouvelles, transformant la monographie en polyphonie. Philippe Parreno joue des symboles, des mots et des sons modifiant la perception de l'espace par les visiteurs et transformant le bâtiment en un organisme vivant, en un automate dont le mécanisme est en perpétuelle évolution.

Depuis les années 1990, Philippe Parreno doit sa renommée à l'originalité de son travail et à la diversité de ses pratiques (cinéma, sculpture, performance, dessin, texte, etc.). Il envisage l'exposition comme un médium, un objet à part entière, une expérience dont il explore toutes les possibilités.

Le Palais de Tokyo est l'un des rares lieux où peut être menée une expérience globale aussi audacieuse. Philippe Parreno est le premier artiste à occuper ainsi la totalité des espaces agrandis du Palais de Tokyo.

Né en 1964, Philippe Parreno vit et travaille à Paris.

Avec le soutien de:

# data[].attributes.attachment_link.description
Philippe Parreno, figure éminente de la scène artistique internationale, transforme radicalement le Palais de Tokyo. Il répond à la carte blanche qui lui est donnée par une exposition totale dans laquelle son dialogue avec l'architecture fait œuvre.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Que disent les œuvres d'art contemporain ? Chaque lundi, "Les Inrocks" vous propose de découvrir une œuvre actuellement exposée ou repérée sur les réseaux. Cette semaine, focus sur la vidéo "Human Mask" de Pierre Huyghe, projetée actuellement à la fondation Vuitton dans l'exposition "Au diapason du monde".

En 2008, une vidéo virale attire l'attention médiatique internationale.Dans un restaurant japonais, Fuku-Chan - un macaque - assure le service en salle.D'accord, l'homme n'a plus le monopole du service mais la portée de cette image dépasse l'anecdotique : le singe en question est affublé d'une robe de petite fille et d'un masque aux traits humains. Quel trouble installe-t-il ? Ce dispositif de travestissement relève-t-il d'un acte de cruauté ? Suscite-il au contraire l'empathie ?

C'est cette vidéo qui a inspiré à l'artiste Pierre Huyghe sonfilm Human Mask en 2014.Une entreprise pas vraiment surprenante de la part d'un artiste fasciné par la relations entre humain et non humain et connu pour introduire des éléments vivants - abeilles, chiens ou crustacés - dans l'espace de ses expositions.
Un monde sans humains
Dans une ville sans humains, affectée par la catastrophe nucléaire de Fukushima de 2011, l'artiste a filmé, partiellement avec un drone, ce même macaque star, Fuku-Chan, vêtu ici d'une robe et d'un masque inspiré du théâtre nô. Pendant un orage, solitaire, reclus dans son restaurant, il se tripote les cheveux, fouille dans la cuisine, s'assoit sur une table. Dans une atmosphère aqueuse, froide et onirique, le singe, doté d'une incroyable présence, contemple une forêt peinte sur un vieux papier peint. Tristesse, désolation, isolement... Quels sentiments - s'il en a -- animent cet animal prisonnier et domestiqué ? Pouvons-nous projeter des comportements humains sur Fuku-Chan ?

Human mask, c'est donc 19 minutes pour tenter de répondre à ces questions, 19 minutes pendant lesquelles, dans le silence, avec le son du clapotis de la pluie, du ronronnement du frigo, le spectateur est subjugué par cet être étrangement humain. Le geste de Pierre Huyghe n'aborde pas seulement des problématiques hautement politiques et contemporaines, il raconte aussi à travers cet animal quelque chose de la mélancolie et de la condition humaine. Impénétrable.

Au diapason du monde, jusqu'au 27 août 2018 - Fondation Louis Vuitton 8, avenue du Mahatma-Gandhi, Paris XVIe 10 € /14 €

# data[].attributes.attachment_link.title
Le singe serveur de Pierre Huyghe s'expose à la fondation Vuitton

# data[].attributes.attachment_link.description
Que disent les œuvres d'art contemporain ? Chaque lundi, "Les Inrocks" vous propose de découvrir une œuvre actuellement exposée ou repérée sur les réseaux. Cette semaine, focus sur la vidéo "Human Mask" de Pierre Huyghe, projetée actuellement à la fondation Vuitton dans l'exposition "Au diapason du monde".

# data[].attributes.attachment_link.description
Als kunstenaar, ingenieur, fysicus, uitvinder en visionair heeft hij uitzonderlijk onderzoek gevoerd naar begrippen als ruimte, beweging, vlucht, energie en gravitatie. Zijn werk is een combinatie van artistiek en technologisch experiment, en neemt verschillende vormen aan: vliegtuigen, duikboten, auto's, vliegende tapijten en vogels. Telkens spectaculaire constructies van vreemde schoonheid, tegelijk speels en indrukwekkend.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Photogr. André Morin © Adagp, Paris

Mur de poils de carotte, 2000

Mode d'emploi, ingrédients : purée de carottes,
Purée de pommes de terre, eau, CD Rom documentaire
Dimensions variables
Frac Midi-Pyrénées, les Abattoirs, Toulouse
Inv. : 2001.2.22

Sur les murs d'une salle du musée, une étrange substance d'un orange marbré s'est emparée des cimaises. L'odeur, âcre et chaude, renseigne avant même le regard : la moisissure s'étend en pompons blancs duveteux, en tâches verdâtres explorant tout le camaïeu de la décomposition. La purée de carottes et de pommes de terre en voit des vertes et des pas mûres ! Ou plutôt... est un peu trop mûre...
Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris Protocole de montage de l'oeuvre, réalisé par l'artiste Protocole de montage de l'oeuvre, réalisé par l'artiste Exposition "le musée vient nous visiter", janvier-avril 2005, Ecole E. Renan, Toulouse ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Exposition "le musée vient nous visiter", janvier-avril 2005, Ecole E. Renan, Toulouse ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Exposition "Instant mashed patatoïd", mars-juin 2002, les Moulins Albigeois, Albi ; Photogr. Marc Boyer © Adagp, Paris Protocole de montage de l'oeuvre, réalisé par l'artiste Protocole de montage de l'oeuvre, réalisé par l'artiste Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris
L'œuvre de Michel Blazy est en réalité une petite recette. Pour la réaliser, l'artiste n'intervient pas, il délègue la réalisation aux agents du musée, et son évolution relève du seul hasard, du " laisser-faire " Duchampien. Ce que le musée achète, c'est un protocole, qu'un petit classeur expose en quelques croquis. Une purée de carotte décongelée est mélangée à des flocons de purée de pomme de terre, et la mixture est posée comme un enduit sur le nombre de murs souhaités.

Deux murs étaient présentés en 2002 et 2010 aux Abattoirs, lors des expositions "Des oeuvres à vivre" et "10 ans : un musée, un Frac, une collection", alors qu'aux Moulins Albigeois en 2002, pour l'exposition "Instant mashed patatoïd - Michel Blazy", deux pièces complètes en étaient recouvertes. Cette recette n'est pas secrète, et si elle est réalisée à grande échelle dans des lieux d'exposition, elle peut tout aussi bien être exécutée à domicile sur un support réduit. Reproductible à l'envi, le principe est celui d'une œuvre qui n'a pas de forme intangible, son évolution aléatoire et variable s'adapte partout. Ainsi l'école élémentaire Ernest Renan de Toulouse a-t-elle tenté l'expérience avec ses élèves en 2005, avec l'exposition "Le musée vient nous visiter", mais elle a également été réalisée à l'Université de Toulouse II - le Mirail en 2004, à l'occasion de l'exposition "Comme à la maison".

Pour enclencher le processus de l'œuvre (l'avarie de la surface), l'enduit de carotte doit être bâché immédiatement après sa pose. La mini-serre aide à créer un environnement humide et chaud (que l'artiste préconise par une hygrométrie à 70% et une température de 20°C), favorable au développement des moisissures qui viendront moucheter les murs.

Et là commence la vie de l'œuvre. Contrairement à d'autres artistes qui montrent un produit frais gagné par la pourriture, Blazy l'utilise au moment de sa dégénérescence. En séchant ensuite, l'enduit de légume se rétracte et crée des fissures qui deviennent franches craquelures, et dont les débris chus au pied du mur doivent rester en place comme les témoins de la désagrégation en cours. Le Mur de poils de carotte est une mise en scène de l'éphémère en ayant lui-même une date de péremption, celle de la fin d'une exposition. Rien ne sera conservé, sinon des clichés documentaires de l'œuvre qui font partie de son protocole, et ainsi chaque reformulation de l'œuvre démontre à la fois sa singularité et son adhésion aux mêmes phénomènes biologiques et chimiques.
Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris Exposition "10 ans : un musée, un Frac, une collection", avril-aout 2010, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris

" Ça pousse, donc c'est vivant, un peu comme nous " (Propos des élèves de l'Ecole Ernest Renan)

Que doit-on voir dans ce délabrement de carotte : revient-on à la classique opposition du mort et du vivant dans une nouvelle forme de vanité ? Si dans la décrépitude progressive de l'installation il y a ce frisson de l'inéluctable, l'œuvre de Michel Blazy est loin de s'en contenter. Par ailleurs la sentence cartésienne revisitée par les jeunes élèves de l'école élémentaire Ernest Renan montre qu'ils ont tout compris... :
Mur de double concentré de tomates sans sel (2007) ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Mur de double concentré de tomates sans sel (2007) ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Mur de pellicules (2002) ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Mur qui pèle (1998) ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris
" Ce qui m'intéresse se situe du côté de l'être vivant, de sa fragilité aussi ", déclare Michel Blazy.

Le Mur de poils carotte est une expérience qui fonctionne sur un mode autonome et vivant, évolutif. Ce que revendique l'artiste, ce sont toutes les énergies imperceptibles et vibrantes qui animent l'œuvre, que ce soient les bactéries vivantes de la moisissure, proliférant, en constante expansion incontrôlable et instable, ou encore les phénomènes de dégradations globaux de la surface, dessiccation, transmutation, pourrissement microscopique, craquelure, jusqu'à la désagrégation totale.

Ces énergies sont le moteur d'un développement autogénérateur, à la fois biologique et scientifique, qui a suscité un rapprochement de la part de Pascal Pique avec l' autopoièse (Voir l'article de Pascal Pique, "A l'épreuve du vivant", in Michel Blazy, cat. expo., Albi/Toulouse, Cimaise et Portique/Les Abattoirs/CCAC Wattis Institute/Galerie ArtConcept, 2002, p. 58-63) , une notion formulée dans les années 70 par les chercheurs Francisco J. Varela et Humberto Maturana. L'autopoièse désigne un système capable de s'autoproduire en continu, tout en formulant une identité et une organisation distincte de celles son environnement. Elle serait ainsi une condition nécessaire et suffisante au vivant, et se définirait par l'autonomie, l'individualité et l'unité. La résonance avec l'œuvre de Blazy est indéniable mais on ne saurait réduire cette réalisation à l'illustration du concept autopoiétique. Il participe cependant de l'affirmation du vivant, et cela dans l'art, d'une œuvre en cours d'évolution et synonyme d'une expérience sensible.

Dans cette vie se couple une évidente et paradoxale énergie mortifère, mais plutôt que de voir dans le mur de carotte une œuvre en voie de disparition, il faut y voir ce qui est en cours et en devenir, sur son plan processuel. " Ce n'est pas parce qu'elles sont éphémères que mes pièces sont des symboles de mort. Elles sont aussi coriaces que fragiles. "

Fragile est le matériau choisi par Blazy : de la purée de légume ; et pourtant, comme il l'explique, elle se met au service d'une œuvre coriace, résistante, et qui développe son propre métabolisme. Puis fragile redevient le matériau, en se crevassant, en gerçant. Ce vocabulaire épidermique convient bien à la description de l'œuvre, car le Mur de Poils de Carotte " incarne " une forme de vie, devient lui-même un être vivant. Le " Poil " de carotte, s'il n'est pas un clin d'œil au héros littéraire François Lepic, imaginé par Jules Renard, peut être vu comme une périphrase pour désigner la moisissure... et insister sur le caractère potentiellement charnel de la mixture. Comme une membrane animale ou humaine, elle revêt un pelage, ou une robe parfois semblable à celle d'un daim, puis se durcit, se parchemine en séchant, et devient plutôt carapace ou dos de pachyderme, voire même écorce agonisante.

" Mon travail a un rapport au vivant, pas à la nature. Chacune de mes sculptures est comme un être que je mets au point, et que j'observe dans différentes situations. Je vois davantage de liens de mes pièces avec la science-fiction qu'avec la nature. "

Cette précision finit de sceller l'association faite à un être animé de vie, tout en nuançant ce rapport. Il le limite à une simple analogie d'organicité et non à une réflexion sur le monde naturel et ses contacts avec l'homme culturel. Si carottes et pomme de terre sont choisis, ce n'est en tout cas pas pour engager une dialectique avec la nature ou présenter des convictions écologiques.

Toute la démarche de Michel Blazy le confirme, car plutôt qu'une œuvre qui aurait la valeur canonique d'une allégorie de la nature et de son organisme interne, le nouveau genre d'art pariétal que représente le Mur de poils de Carotte est répété dans plusieurs œuvres, en recherchant des effets et des réactions différents selon les matériaux que l'artiste utilise, comme une vie différente des ingrédients mis en jeu. Le Mur de Brocoli (2000) et le Murs de double concentré de tomates sans sel (2007) sont élaborés selon la même évolution que celui de carottes, voués à moisir et craqueler en petits éclats desséchés, mais en faisant resplendir cette fois la couleur verte ou un intense rougeoiement sur les cimaises.

L e Mur de Pellicule (2002), quant à lui constitué d'agar-agar et parfois d'un colorant alimentaire, et le Mur qui pèle (1998), fait de riz et de farine mélangés à de l'eau, sont l'expérience isolée d'une mue plutôt molle du mur, qui s'écorce finement et semble tomber en ruine sous nos yeux.

Une dimension plastique et matériologique est donc indéniablement au cœur de la pratique de Michel Blazy. Ses préoccupations ne concernent pas un discours sur le monde naturel, bien que ses œuvres exploitent en quelque sorte sa structure. Ses réalisations sont vivantes comme des organismes singuliers, et se redéfinissent plastiquement à chaque instant, à chaque présentation, à chaque variation, chaque lieu d'exposition, à la façon dont une partition musicale vibre et transmet une émotion différente selon le virtuose qui l'interprète.

" On dirait un coucher de soleil, un champ, des morceaux de feu, de forêt. La planète à plat ou Mars avec des cailloux " (Propos des élèves de l'Ecole Ernest Renan)

Une part de lasagnes al forno à emporter (2012) ; Photogr. Droits réservés © Adagp, Paris Exposition "La vie des formes", juin-septembre 2012, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris Exposition "La vie des formes", juin-septembre 2012, les Abattoirs ; Photogr. S. Léonard © Adagp, Paris test
Lorsque Blazy crée cette œuvre, ouvrage culturel et artificiel, qui se comporte comme un être vivant muant et mouvant, on dépasse la distinction entre naturel et artificiel pour une œuvre qui mêle indiciblement les deux. Et si on bascule un peu plus dans l'artistique, on peut considérer que ce que Michel Blazy nous propose de regarder est un nouveau genre de paysage. Ce n'est pas un paysage en tant que peinture de surface ou des apparences, car ce qui est montré de la nature est plus biologique et interne. Mais après tout, des éléments naturels s'exposent, certes d'une façon incongrue, au sein d'un paysage abstractisé sous forme de monochrome, comme un panorama de couleur parsemé de tâches. Une dimension importante pour considérer une telle œuvre comme un paysage est le regard. Et de fait, deux formes observables se mêlent dans une telle œuvre : d'abord une forme organique, phénomène microbien en développement qui fait plus du spectateur un biologiste attentif, et une seconde forme plus artistique qui tend à considérer l'aspect esthétique (et toujours personnel) qu'inspire le résultat de cette mutation de légumes. Le regard posé sur l'œuvre peut donc être celui d'un esthète sur les variations colorées d'une création artistique. Et le choix des carottes par l'artiste est surtout un choix visuel, pour susciter cette flamboyance que les enfants ont si bien su évoquer...

Cependant, l'œuvre incite plus à la contemplation qu'au simple coup d'œil, considérant par exemple les dimensions et la temporalité longue dans laquelle s'inscrit son évolution. En ce sens, le Mur de poils de carotte n'entre pas en conflit avec la limite du musée ou de la galerie malgré son originalité : il exacerbe le statut primaire et sacré de l'œuvre d'art exhibée à des fins contemplatives.

" Ça pue, ça sent mauvais, ça sent le pain " (Propos des élèves de l'Ecole Ernest Renan)

Mais si la contemplation mène parfois au sublime, la valeur esthétique que l'on peut conférer à cette œuvre se trouve toujours en contradiction avec l'aspect répulsif des effluves aigres et enveloppantes qui se répandent dans l'environnement de l'installation. Il est pourtant intéressant - et rare - de solliciter l'odorat dans la création contemporaine. Peu d'artistes exploitent fragrances et pestilences, mais peut-être est-ce l'héritage de la philosophie, qui a longtemps répudié la qualité olfactive de nos naseaux. Considéré comme un sens animal, archaïque, Emmanuel Kant a même qualifié l'odorat de sens ingrat, dont le développement était inutile parce qu'il n'apportait rien à la connaissance. Il le jugeait par ailleurs incapable de servir un art, et source de davantage de désagréments que de plaisirs. Si l'émanation n'est effectivement pas ici pour notre délectation, l'odorat nous permet malgré tout de reconnaître le phénomène de pourrissement les yeux fermés...
http://www.heikkileis.ee/fotod/afterlife/ http://www.kpic.at/index.php?option=com_content&view=category&layout=blog&id=45&Itemid=88
Mais ainsi contrebalancé par la vue et la possible valeur esthétique qu'elle procure, le moisi, immanquablement identifié en tant que tel, peut-il être considéré comme beau ? Peut-on tomber sous le charme de ce qui nous révulse ? La question reste ouverte et rend l'équilibre entre dégoût et attraction instable. Il demeure cependant une forme d'art total en ce que l'œuvre convoque tous nos sens. La vue et l'odorat paraissent désormais évidents, mais il s'agit aussi du goût, de la mémoire gustative dans l'utilisation d'aliments à la saveur connue, et du toucher par la chaleur et la moiteur de l'atmosphère, ou l'apparente douceur des duveteuses fourrures vertes et blanches.

Ce Mur de poils de carotte est en tout point de vue une expérience physique, non seulement dans la mobilisation d'une lecture sensorielle, mais aussi dans l'engagement nécessaire du spectateur. Etant donné que l'évolution de la matière est au cœur du principe de l'œuvre, la durée est nécessaire à la captation des mutations qui s'y opèrent. C'est une durée qui s'étend sur tout le temps de l'exposition, mais les changements sont imperceptibles en une seule approche, tant ils adviennent à une vitesse fondamentalement plus lente que celle de l'homme.
Voir l'interview de Michel Blazy réalisée lors de l'exposition La vie des formes aux Abattoirs
" Mes installations enregistrent d'une manière ou d'une autre ce qui leur arrive ; le temps qui passe et le reste. [...] Ce qui m'intéresse, c'est de mettre le collectionneur ou le regardeur devant une échelle de temps différente de la sienne ".

La compréhension de l'œuvre suppose différents passages, différentes observations espacées dans le temps pour constater la morphogénèse en cours. Un engagement physique est donc attendu de la part du spectateur pour pouvoir expérimenter pleinement le passage du temps qui ride petit à petit le mur de carotte, et pour pouvoir se placer face à une temporalité différente de celle de son existence, au mouvement plus lent, mais au dénouement plus rapide et tout aussi inexorable. Vanité, es-tu là ?

Une histoire de réfrigérateur

Une purée de carottes...surgelée et des pommes de terre... en flocon. Les matériaux-ingrédients de la petite recette du Mur de poils de carotte en appellent directement à l'aliment et au consommable. Mais ils sont mis en scène dans une seconde vie, en dehors de nos assiettes... et de notre appétit.

" On peut tenter de relier le cosmos avec son réfrigérateur si l'on observe ces produits après leur date limite " nous dit Michel Blazy. En ce sens, il nous rappelle que même si la surface de carottes et de pommes de terre efflorescente est réalisée à partir d'aliments issus de notre habituelle consommation, lyophilisés, empaquetés, pasteurisés, leur constitution provient de produits qui n'échappent pas aux lois universelles de la biologie. Dans cette mutation, dans ce retour de ce qui a été conçu culturellement (que ce soit la purée de carottes et de pommes de terres, ou encore le concentré de tomates) à une réaction de l'ordre naturel, le contrôle par des normes de conservation qui aurait voulu être imposé par l'homme est détruit, et produit l'inattendu. " Ce qu'il y a derrière tout cela, c'est peut-être la domesticité et le conflit avec le sauvage, et comment une matière absolument ordinaire peut à un moment donné basculer dans quelque chose qui est pour nous presque inquiétant. (...) Toutes les choses que l'on connait si bien peuvent soudainement se révéler étrangères ". N'y aurait-il pas un peu d'une inquiétante étrangeté freudienne, l' unheimliche désignée la frayeur qui "se rattache aux choses connues depuis longtemps et de tout temps familières"... ? C'est en tout cas une décontextualisation imprévue qui ouvre à tout un monde imaginaire suscité par ces ingrédients tombés dans un usage abstrait.

Mais ce rapport aux aliments dans une forme de transgression peut être considéré au-delà d'une mise à mal des repères et des connaissances supposées que nous en avons. Michel Blazy l'expérimente parfois dans une version plus politique. Il réalise par exemple des lasagnes gigantesques et parfaitement illusionnistes ( Une part de lasagnes al forno à emporter, 2012), ou des parts de pizza al taglio ( Junk Garden : champs de marguerites, 2012) posées au sol comme on a pu le voir durant l'exposition "La vie des formes" en 2012 aux Abattoirs. Les matériaux utilisés ne sont cette fois absolument pas organiques puisqu'il s'agit de colle à papier peint et de polystyrène extrudé qui intègrent les mêmes colorants alimentaires et produits olfactifs (la saveur " fromage fondu ") que dans nos plats de malbouffe. Le design culinaire, destiné à nous séduire, et l'introduction de l'industrie dans l'alimentation sont alors indéniablement remis en question.

Face à la découverte du matériau alimentaire dans sa floraison malsaine, le spectateur pourra d'une part remettre en cause ce qui d'ordinaire le fait saliver, à la façon dont procède la série des " Débordements domestiques " qui vient d'être évoquée, mais également, dans un rapport moins direct de l'homme à la nourriture, revoir sa copie sur le gaspillage massif d'une société de consommation opulente et grasse. " Il gaspille de la nourriture, il y en a qui n'ont même pas à goûter !" nous dirons les élèves de l'école primaire Ernest Renan. Une société dont tout le fondement de l'œuvre de Blazy prend le contrepied. Au rythme de vie à la vitesse effrénée s'oppose une léthargie de l'œuvre, en quasi-stagnation, et son caractère destructible et " inexposable " en permanence contrariera sûrement le désir de possession matérialiste qui anime " le siècle de l'objet ", ainsi que l'appelle Gérard Wajcman.

Du mode de vie à l'assiette, la distance n'est pas très grande, mais la démarche de Michel Blazy, dans ses murs de légumes, est abordée avec plus de retenue quant à son aspect politique et critique que dans les " Débordements domestiques ". Sans pouvoir évacuer ces rapprochements générés par un débordement sémantique, soyons prudent de ne pas tomber dans l'excès de la systématisation.

Pérennité de l'éphémère

Malgré toute la polysémie de la péremption qui est mise en œuvre par l'artiste, " éphémère " ne serait pas un mot qui siérait à son travail : " Ces expériences peuvent être refaites, à l'infini, en suivant le mode d'emploi. Dans cinquante ans, elles seront plus fraiches que bien des peintures d'aujourd'hui. Dans les collections, les œuvres périssent. Les miennes ne risquent rien : il suffit d'acheter les modes d'emploi, très faciles à reproduire par n'importe qui. Pour chacune de mes expositions, j'ai des assistants, qui apprennent comment faire. Plus tard, ils pourront refaire mes pièces. Je pourrais leur délivrer une sorte de diplôme... "

De quoi faciliter la tâche des conservateurs qui n'ont plus qu'à se préoccuper du petit manuel fourni par l'artiste. Le scénario de la déliquescence du vivant pourra alors être rejoué perpétuellement, et, paradoxalement incorruptible, invulnérable au temps, survivra même à la mort de l'artiste puisque la relève est assurée...

La folie du moisi ?

Si les turgescences champignonnesques ne constituent pas la seule iconographie des œuvres de Michel Blazy, certains artistes s'y sont penchés avec plus de dévouement. De la Cadaverina 15 de Miquel Barcelo aux vidéos de Sam Taylor-Wood, la décomposition en fascine plus d'un. On l'érige même parfois dans des photos à l'esthétique léchée chez Heiki Leis dans la série Afterlife, ou chez Klaus Pichler dans One Third. Se confronter à ce qui nous révulse, provoquer la séduction là où il n'y en a pas laisse penser que le moisi, le pourri, le dégueulasse font peut-être partie d'une réactualisation du paradoxe de plaisir...

Comment devant les choses " laides " est-il possible de dire " c'est beau " ? En philosophie, il s'agit de la question de la représentation en peinture, qui, au moyen d'une imitation parfaite du modèle, pallie à l'aversion que l'on peut avoir du sujet. Ainsi Boileau, très nourri d'Aristote, disait-il au XVII ème siècle qu'" il n'est point de serpent ni de monstre odieux / Qui par l'art imité ne puisse plaire aux yeux, / D'un pinceau délicat l'artifice agréable / Du plus affreux objet en fait un objet aimable " ( L'Art Poétique, 1674). Quand Pascal dénonce la peinture, c'est précisément parce que ce que l'on n'aimerait pas dans la réalité peut être admiré en peinture : " Quelle vanité que la peinture qui attire l'admiration par la ressemblance des choses dont on n'admire pas les originaux " ( Pensées, 1669).

L'art contemporain a su transgresser toutes les limites imposées aux catégories de l'art et tout matériau est rentré dans ses possibilités, jusqu'aux (à priori) moins esthétiques. Alors lorsque la représentation est supplantée par la présence physique de l'immonde, il faut de nouveaux artifices pour sauver notre admiration. Et en cela, Michel Blazy a peut-être su gagner le pari.

# data[].attributes.attachment_link.title
Michel Blazy, "Mur de poils de carotte" (2000)

# data[].attributes.attachment_link.description
Photogr. André Morin © Adagp, Paris Mode d'emploi, ingrédients : purée de carottes,Purée de pommes de terre, eau, CD Rom documentaireDimensions variablesFrac Midi-Pyrénées, les Abattoirs, ToulouseInv. : 2001.2.22 Sur les murs d'une salle du musée, une étrange substance d'un orange marbré s'est emparée des cimaises.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Christian Boltanski est né en 1944 à Paris d'un père juif d'origine russe et d'une mère catholique. Enfant fuyant la scolarité, il quitte l'école à 14 ans et se met à peindre et dessiner avec succès. A partir de 1969, il développe son activité créatrice en mettant en scène sa vie mais de façon imaginaire, idéale et à travers cette vie unique, il en appelle à l'émotion de chacun. S'éloignant de la peinture, ses œuvres sont élaborées à partir de matériaux très divers (photographies, cartons, objets trouvés, vêtements...) et en mélangeant les formes artistiques comme la vidéo et le cinéma.

En 1972, à l'occasion de la Documenta V, Christian Boltanski met en avant le concept de " mythologie individuelle " pour présenter son travail. Ses œuvres font écho à ses questionnements autour de la mémoire, de l'oubli et de l'absence proposant un va-et-vient entre histoire intime et histoire collective. Christian Boltanski a représenté la France à l'occasion de la Biennale de Venise en 2011.

# data[].attributes.attachment_link.title
Christian Boltanski : podcasts et actualités

# data[].attributes.attachment_link.description
Christian Boltanski est né en 1944 à Paris d'un père juif d'origine russe et d'une mère catholique. Enfant fuyant la scolarité, il quitte l'école à 14 ans et se met à peindre et dessiner avec succès.

# data[].attributes.attachment_link.description
Judd Foundation preserves and maintains Donald Judd's permanently installed collection in Marfa, TX, and at 101 Spring Street, NY and supports institutions and collectors in caring for Judd works through research and the sharing of information.

# data[].attributes.body
découvre la techno autrement

# data[].attributes.attachment_link.title
bjork.fr - Le site francophone sur Björk

# data[].attributes.attachment_link.description
Site et forum francophones dédiés à Björk : actualités, discographie & collaborations, clips, photos, articles de presse, vidéos, (...)

# data[].attributes.attachment_link.description
La biographie, les ouvrages et les principaux projets de meubles de Gaetano Pesce. Découvrez plus sur le site de Cassina.

# data[].attributes.body
Cocorosie

# data[].attributes.attachment_link.title
Constance Guisset Studio | Constance Guisset Studio

# data[].attributes.attachment_link.description
Spécialisé en design, architecture intérieure et scénographie, Constance Guisset Studio réunit une équipe de designers et d'architectes autour de Constance Guisset.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Studio London
101 Goswell Road
London EC1V 7EZ
United Kingdom

T +44 20 7253 5147
F +44 20 7251 8322

We work at all scales and in all sectors. We create transformative cultural, corporate, residential and other spaces that work in synchronicity with their surroundings.

950 projects 44 countries 400 staff 55 nations

Welcome to the interactive archive of Zaha Hadid Architects.

Opening this week and presented at Art Basel Miami Beach, 'NFTism' is a virtual gallery exploring architecture and social interaction...

Leezo SOHO in Beijing has been Highly Commended in the 'Offices' category at the World Architecture Festival (WAF) 2021. The World Architecture...

Niederhafen River Promenade in Hamburg has been announced winner in the World Architecture Festival (WAF) Award 2021. The World Architecture Festival is...

One Thousand Museum in Miami has been awarded Gold at the WAN Awards 2021, in the 'Residential' category. Al Janoub...

The ME Dubai hotel within Opus for Omniyat has won a Prix Versailles Africa and West Asia 2021 award, in...

# data[].attributes.attachment_link.description
We work at all scales and in all sectors. We create transformative cultural, corporate, residential and other spaces that work in synchronicity with their surroundings. 950 projects 44 countries 400 staff 55 nations Welcome to the interactive archive of Zaha Hadid Architects.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
🌐 Webmarketing Conseil - Attirez votre Client Idéal

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les Agences à Bordeaux : recherche d'agence, recherche de prestataire, recherche de contacts : voici la liste des Agences Web et Agences marketing et communication à Bordeaux, fruit de dizaines d'heures de recherche de spécialistes du conseil. Je vous donne donc accès à cette base de données des agences conseil, agences de communication, agences web, agences médias et agences marketing à Bordeaux. Cette liste est bien entendu incomplète et vos commentaires contribueront à compléter cet annuaire des agences à Bordeaux.

Téléchargement gratuit : cliquez ici pour récupérer votre Guide PDF gratuit "15 Experts Révèlent leurs Meilleures Stratégies B2B" + la vidéo 7 leviers pour passer de 0 à 125 000 visiteurs / mois en 1 an + 14 fiches PDF sur les réseaux sociaux.

Agences Bordeaux

Agences Marketing Bordeaux / Agences Communication Bordeaux

La liste des Agences Digitales Bordeaux / Agences Référencement Bordeaux / Agences Web Bordeaux / Agences Média Bordeaux / Agences Créatives Bordeaux / Agences Publicité Bordeaux / Agences Relation Presse Bordeaux / Agences Relations Publiques Bordeaux / Agences Évènementiel Bordeaux

Webmarketing Conseil https://www.webmarketing-conseil.fr

Webmarketing Conseil est une agence spécialisée dans la croissance de votre trafic et de vos clients. Nous sommes focalisés sur l'augmentation de vos leads et du nombre de vos clients. Réservez votre entretien de découverte afin d'étudier ensemble comment vous aider à développer votre présence sur Internet.

10h11 http://www.10h11.com
30 Cours du Chapeau Rouge http://www.30ccr.com
53 Mondays http://53mondays.com
6 Design http://www.6-design.com
A2V Multimédia http://www.a2v.net
A to B Communication http://atob.fr
Absolute Référencement http://www.absolute-referencement.com
Adbok Design http://adbokdesign.com
Adelys Net http://www.adelysnet.fr
Adonante http://www.adonante.fr
Agence 404 http://www.agence404.com
Agence Buzz http://www.agencebuzz.com
Agence Catalpa http://www.agence-catalpa.com
Agence Exigences http://www.agence-exigences.com
Agence Hémisphère Sud http://www.agencehemispheresud.fr<
Agence MWD http://www.agence-mwd.com
Agence Root http://www.agence-root.fr
Agence www http://www.agencewww.com
Aggelos http://www.aggelos.fr
Alienor http://www.alienor.net
Alizarine http://www.alizarine.fr
Akson http://www.akson.fr
Anode et Cathode http://www.anodeetcathode.net
Atelier 51 http://www.atelier51.com
Atypicom http://www.atypicom.fr
Aurora Studio http://www.aurorastudio.fr
Authentique Webmarketing http://authentique-webmarketing.com
Axe Cibles http://www.axecibles.com
Axysweb https://www.axysweb.com
B52 http://www.b-52.fr
Backüs Communication http://www.backus-communication.com
Be Tomorrow http://www.betomorrow.com
Bee Bordeaux http://www.bee-bordeaux.com
Bellevue Com http://www.bellevuecom.com
Bernezac Communication http://www.bernezac-communication.fr
Bordeaux Conseil http://agence-de-communication-bordeaux.com/
Box Communication http://www.box-communication.com
BSMA Conseil http://www.bsma-conseil.fr
Bulko http://www.bulko.net
C2 Studios http://www.c2-studios.fr
Canal Com http://www.canal-com.eu
Citron Pressé http://www.citronpresse.fr
Claris http://www.claris.fr
Claude Cazemajour http://www.klod.fr
Clever Age http://www.clever-age.com
Chocolat Noir http://agence-publicite-communication.com
Com by Avm http://www.combyavm.com
Com Together http://www.comtogether.fr
Comm Santé http://www.comm-sante.com
Communicativ http://www.communicactiv.fr
Compagnie Hyperactive http://www.compagnie-hyperactive.com
Côte Ouest http://www.coteouestfrance.com
Creative Street http://www.creative-street.fr
CTer&Co http://www.cter-co.com
Curious D http://www.curious-d.com
Curseur et Bergamotte http://www.curseur-et-bergamote.fr
CWA http://www.agence-cwa.com
Cybel i-mage : http://www.cybelimage.com
Def Daf http://www.def-daf.com
Definima http://www.definima.com
Devintis http://www.devintis.fr
Digitall Conseil http://www.digitall-conseil.fr
Do List http://www.dolist.net
Ecommerce Network http://www.ecommerce-network.com
Ecoutez-voir http://www.ecoutez-voir.fr
Eenov http://www.eenov.com
Egue http://www.egue.fr
Études& Médias http://www.etudesetmedias.fr
Faeriweb http://www.faerieweb.com
FCM Graphic http://www.fcm-graphic.fr
First Link http://www.first-link.fr
Formatouweb http://www.ftw.fr
Forget Me Not http://www.forget-menot.com
Formatouweb http://www.ftw.fr
Fourmizz Communication http://www.fourmizz.fr
Friendly Agency http://www.friendly-agence.com
Fugu http://www.fugu.fr
Futur Digital http://www.futurdigital.fr
Generaleads https://www.generaleads.com
GMT Editions http://www.gmt-editions.fr
Goûts de Web http://www.gouts-de-web.com
Heurisko http://www.heurisko.fr
Hora Consept http://www.horaconcept.fr
Hudik http://www.agence-hudik.fr
iCOMmédia http://www.i-commedia.fr
Idealcomm http://www.idealcomm.fr
iDeveloppement http://www.ideveloppement.net
Idewan http://www.idewan.com
Idtonic http://www.idtonic.com
Incomm http://www.incomm.fr
Indixit http://www.indixit.com
Inaativ http://www.inaativ.com
Inoxia http://www.inoxia.com
Jalis http://bordeaux.jalis.fr
Jardin des Marques http://www.jardindesmarques.com
Kafeine http://www.agencekafeine.com
Kaizen Marketing http://www.kaizen-marketing.fr
Ka2 Communication http://www.ka2com.fr
Kn Design http://kndesign.fr
Kubik http://www.kubik.fr
La Boîte à Logo http://www.laboitealogo.com
La Compagnie Hyperactive http://www.compagnie-hyperactive.com
La Grosse Agence http://www.lagrosseagence.com
Le Vestiaire http://www.levestiaire.tv
Lapin Rouge http://www.lelapinrouge.com
Libeo http://www.libeo.net
Little Big Studio http://www.littlebigstudio.fr
M/COMM http://www.m-comm.fr
Maelstrom Studio http://www.maelstrom-studios.fr
Mail Performance http://www.mailperformance.fr
MangoTango http://www.mangotango.fr
Maurice Largeron http://www.mauricelargeron.com
Mediapilote https://www.mediapilote.com
Methys Communication http://www.methys-communication.com
Middle Brain http://middlebrain.fr
Mon Smoothie http://mon-smoothie.fr
Moonda http://www.moonda.com
My Agency And I http://www.myagencyandi.com/
My Web Shop http://www.mywebshop.org
Natural Net https://www.natural-net.fr
Nest Com http://www.nest-com.com
Newton http://www.agence-newton.com
Next Web Conseil http://www.nwconseil.com
NP6 http://www.np6.fr
NTech Communication http://www.ntech-communication.com
Nubiz http://www.nubiz.fr
O tempora http://www.otempora.com
OA Développement https://www.oa-developpement.fr
Octopepper http://www.octopepper.com
Offensive Studio http://www.offensive-studio.com
Ohmyweb http://www.ohmyweb.fr
One Blood http://www.one-blood.com
Orbiteo https://orbiteo.com
Oxygen RP http://www.oxygen-rp.fr
Page Public http://www.pagepublique.com
Parker et Parker http://www.parkeretparker.fr
Passerelles http://www.passerelles.com
Phillips Internet http://www.phillips-internet.com
Pile Poil http://www.pile-poil.com
Pixelus http://www.pixelus.fr
PJC http://pjc.fr/
Poaplume http://www.poaplume.com
Propulseo http://www.propulseo.net
Publicis Activ Bordeaux http://www.publicisactiv-bordeaux.fr
Publika http://www.publika.fr
Real Factory http://www.real-factory.com
SEA Communication http://sea-communication.fr
Signe Clair http://www.signeclair.fr
Sixième Avenue http://www.sixiemeavenue.fr
Sixième Sens http://www.6-sens.fr
Smart Seven http://www.smart-seven.fr
Smile http://www.smile.fr
Sõcreativ' http://socreativ.com
Sokomm http://www.sokomm.fr
StJohns http://www.stjohns.fr
Studio Abracadabra http://www.studio-abracadabra.fr
Studio Bohème http://www.studioboheme.fr
Studio Borderline http://www.the-borderline-crew.com
Studio Dada http://www.studiodada.fr
Studio Pomelo http://www.studiopomelo.com
Studio Silver Arrow http://studiosilverarrow.com
Studio Telegram http://www.studiotelegram.com
Studio Vanille http://www.studiovanille.com
Sympozium http://www.sympozium.fr
Systonic http://www.systonic.fr
tag Digital http://tag-digital.fr
Tapez Dièse http://www.tapezdiese.com
TBWA CompAct http://www.tbwa-compact.com
Tibow Webdesign https://www.thibautsoufflet.fr
Triple C http://www.triple-c.fr
The Branding Agency http://www.thebranding-agency.com
The Kub Communication http://www.thekub.com
The Willis Willis http://www.thewilliswillis.com
Ugocom http://www.ugocom.fr
Uxer http://www.uxer.fr
Videologeek http://videologeek.com
Virtuozo http://www.virtuozo.fr
Vitamine B http://www.vitamine-b.fr
WA Agency http://www.wa-agency.fr
Webperfect http://www.webperfect.fr
Web Futur http://www.webfutur.com
Web Report http://www.webreport.fr
Web Stratégies http://www.webstrategies.fr
Web Théorie http://www.web-theorie.fr
Wine Motion http://www.wine-motion.com
Wondr Agency http://wondragency.com
WSB Agency http://www.wsb-agency.com
Vinternet http://www.vinternet.net
Virtuozo http://www.virtuozo.fr
Vistalid http://www.vistalid.fr
Webulle http://webulle.com
Wecode http://wecode.fr
Wellcom http://agence-bordeaux.wellcom.fr
Westcom http://www.westcom-bordeaux.com
Wopata http://www.wopata.com
Xaleo http://xaleo.fr
Xbois http://www.xbois.fr
Yellow Agence Internet http://www.yellow-agence-internet.com
Yoo Communication Interactive http://www.yoo-ci.com
Zeko https://www.zeko-bordeaux.com
Zest Marketing http://www.zest-marketing.fr

Consultez le tutoriel pour trouver une agence emarketing

Merci d'ajouter toute autre agence sur Bordeaux en précisant sa spécialité : marketing digital, marketing opérationnel, marketing terrain, marketing sportif, marketing luxe, marketing services, marketing direct, marketing évènementiel, street marketing, guerilla marketing, ambush marketing, communication corporate, communication politique, communication visuelle, relation presse

Webmarketing Conseil est une agence dont les spécialités sont la création de trafic, l'acquisition de clients et l'optimisation de votre site ou de votre blog avec pour objectif l'augmentation de vos ventes. Nous vous aiderons à gagner en visibilité pour augmenter vos revenus et votre portefeuille client. Si vous souhaitez être accompagné pour gagner en visibilité sur Internet, demandez votre entretien de découverte.

Téléchargement gratuit : cliquez ici pour récupérer votre Guide PDF gratuit "15 Experts Révèlent leurs Meilleures Stratégies B2B" + la vidéo 7 leviers pour passer de 0 à 125 000 visiteurs / mois en 1 an + 14 fiches PDF sur les réseaux sociaux.

# data[].attributes.attachment_link.title
▶ La Liste Complète des Agences à Bordeaux [+200 Contacts]

# data[].attributes.attachment_link.description
Les Agences à Bordeaux : recherche d'agence, recherche de prestataire, recherche de contacts : voici la liste des Agences Web et Agences marketing et communication à Bordeaux, fruit de dizaines d'heures de recherche de spécialistes du conseil. Je vous donne donc accès à cette base de données des agences conseil, agences de communication, agences web, agences médias et agences marketing à Bordeaux.

# data[].attributes.attachment_link.description
Official website of Olafur Eliasson and his studio: Studio Olafur Eliasson

# data[].attributes.attachment_link.description
Balance of desire (left), Consideration & Modesty (right) Marble 70 x 28 x 22 cm, 80 x 80 x 32 cm and 109 x 62 x 32 cm 2021 Exhibition view:Dignity, Thaddaeus Ropac, Salzburg Halle, Austria Photo Ulrich Ghezzi

# data[].attributes.attachment_link.description
Kananginak was born in Ikarasak camp near Cape Dorset, where his father was well known and greatly respected as a camp leader. Until he reached adulthood, he lived by hunting and fishing with his family on South Baffin Island. He settled in Cape Dorset for health reasons at the end of the 50s.

# data[].attributes.attachment_link.description
A Collective Invention: Photographs at Play, New York

# data[].attributes.attachment_link.description
Proportions étonnantes mais anatomiquement impeccables, voilà ce qui vous attend lors d'une exposition de Ron Mueck, sculpteur contemporain hyperréaliste.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Duane Hanson (1925-1996) était un sculpteur américain. Après une carrière d'enseignant en Allemagne et aux États-Unis, il décide de se consacrer pleinement à son art. Le plasticien choisit alors, au coeur des années 1960, de rompre avec la tendance dominante de l'époque : l'expressionnisme abstrait dont les principaux représentants sont Jackson Pollock, Mark Rothko ou Willemn de Kooning. Lui, privilégie une représentation quasi photographique de la réalité et deviendra ainsi le chef de file de l'hyperréalisme américain.

Très vite, il prend le parti de représenter des individus - hommes et femmes - empruntés à la société américaine : personnages de la classe moyenne ou des marginaux loin des idéaux de l' American Way of Life. L'artiste révolté s'engage à témoigner de ce qui dérange: racisme, maltraitance, pauvreté, dépendance. Ses personnages sont en grandeur nature, à la différence de ceux réalisés par Ron Mueck qui présentent une rupture d'échelle. Certains parlent, pour le travail de Duane Hanson, de critique d'une société américaine devenue son propre stéréotype. D'autres soulignent les questionnements sociaux qu'il pose mais tous s'accordent à dire que l'artiste aborde ces personnages avec respect et empathie, toujours en adéquation avec son intention critique.

L'artiste travaille par moulage sur modèle vivant. Ensuite, les sculptures sont faites de fibre de verre et de différentes résines. Cette technique lui permet de figurer des détails de la texture de la peau, étape supplémentaire d'un réalisme devenu troublant. Le grain de l'épiderme est rendu avec une virtuosité étonnante. La pilosité des bras, des jambes est ouvragée avec une minutie de démiurge. Chaque personnage est alors habillé, coiffé et mis en situation.

On voit défiler sous nos yeux les répliques de figures de l'Amérique populaire. Le musée devient le lieu d'exposition d'une bloc d'art sculpté dans le vif du réel. Ces figures de résine mélancoliques, au regard perdu dans le vide, rendent le détail des corps, des vêtements, des accessoires et des situations avec une telle intensité, qu'on perçoit une lueur d'âme dans ces statues prostrées. L'artiste parvient à suggérer la vie psychique de ces personnages par l'imitation des apparences. La résine devient chair vibrante.

# data[].attributes.attachment_link.description
Duane Hanson (1925-1996) était un sculpteur américain. Après une carrière d'enseignant en Allemagne et aux États-Unis, il décide de se consacrer pleinement à son art. Le plasticien choisit alors, au coeur des années 1960, de rompre avec la tendance dominante de l'époque : l'expressionnisme abstrait dont les principaux représentants sont Jackson Pollock, Mark Rothko ou ...

# data[].attributes.body
calder

# data[].attributes.attachment_link.description
Alexander Calder est un sculpteur et peintre américain du XXe siècle. Il ne veut pas que ses œuvres d'art soient immobiles et qu'elles...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Nam June Paik est un artiste coréen considéré comme le fondateur de l'art video. Il est né à Seoul le 20 juillet 1932 et est décédé à Miami le 29 janvier 2006. Son génie est d'avoir compris que l'apparition de la télévision avait changé le monde.

" Marcel Duchamp a tout fait sauf la vidéo.
Il a fait une grande porte d'entrée et une toute petite porte de sortie.
Cette porte-là, c'est la vidéo.
C'est par elle que nous pouvons sortir de Marcel Duchamp. "
Nam June Paik, 1975

Les débuts

Après des études de musique et d'histoire de l'art en Corée puis au Japon en 1952 (fuyant un pays en guerre), Nam June Paik part en 1956 terminer sa formation universitaire en Allemagne. Il se spécialise en collage sonore à partir de bandes audio et disques vinyles. En 1958, il travaille auprès du compositeur Karlheinz Stockhausen (pionnier de la musique électroacoustique) au Laboratoire de Recherche du studio de musique électronique de Radio Cologne - où travaillent également les compositeurs René Köring et Mauricio Kagel. A cette époque, Nam june Paik produit ses propres concerts, expositions et " actions musicales ", performances pendant lesquelles il s'attaque aux instruments de musiques (il brise, par exemple, un violon sur scène) dans le but d " éliminer la musique traditionnelle ". En 1961, il participe à la pièce musicale de Karlheinz Stockhausen, Originale, en réalisant une performance pendant que l'œuvre du compositeur allemand et ses propres montages sonores sont joués simultanément. C'est dans le cadre des représentations de la pièce Originale, que l'intéret de Nam June Paik pour le médium vidéo va augmenter.

Durant cette période, Nam June Païk côtoie l'avant-garde de l'époque (notamment Joseph Beuys, John Cage, George Maciunas, Merce Cunningham, le couple de plasticiens Christo, Jeanne-Claude, etc..) et rejoint finalement, en 1962, le groupe artistique Fluxus (issu du mouvement dada qui mélange aussi bien la musique, la performance, l'art plastique et l'écriture).

Dès le départ, l'œuvre de Nam June Paik est marqué par ces influences hétérogènes, transdisciplinaires et expérimentales.

Fluxus, c'est aller en terre vierge

La naissance de l'Art vidéo

En mars 1963, lors de l'exposition Fluxus " Music/Electronic Television ", il présente à la galerie Parnass de Rölf Jährling à wuppertal une installation composée de 13 téléviseurs posés à même le sol dont l'image déreglée par des générateurs de fréquence ne diffuse rien d'autre que des rayures et des striures. Cette " Exposition de musique et de télévision électronique ", qui fait écho à la technique du langage indéterminé et variable employé par John Cage dans ses " pianos déréglés " (dont le premier happening remonte à 1952), est considérée aujourd'hui comme la première œuvre d'art video. A cette époque, le mot vidéo, n'étant pas encore connu, c'est donc à posteriori que son acte fut reconnu comme " art video " (vers 1972-1973, quand on commence à prendre conscience des spécificité de ce medium).

Nam June Paik n'est pas le premier artiste à détourner la télévision de son usage habituel. A peu près à la même période, l'Allemand Wolff Vostell projette la vidéo expérimentale Sun in your headet le Français Jean-Christophe Averty diffuse une série d'émissions télévisuelles absurde Les Raisins verts. L'innovation qui le démarque des autres vient de ce que les œuvres de Nam June Paik sont déjà des installations, maîtrisées, produisant des images électroniques abstraites et indépendantes de la télévision.

En 1964, Nam June Paik rencontre la violoncelliste Charlotte Moorman avec qui il collabore pour de nombreuses performances.

L'œuvre de Nam June Paik

L'ensemble de l'œuvre de Nam June Paik se compose d'installations vidéos dans lesquels il introduit des instruments de musique et des moniteurs de télévision qu'il modifie pour les détourner de leur fonction initiale. Dans sa série " robots ", il empile des postes de télévision jusqu'à leur donner une forme anthropomorphique. A la différence du cinéma, l'art vidéo consiste moins à filmer qu'à travailler la matière de l'image électronique. Nam June Paik manipule les images et les sons, en les superposant, les altérant, les étirant et les accelerant jusqu'à les rendre méconnaissables. En révélant le procédé technique de la télévision, Nam June Paik dévoile le simulacre de l'image télévisuelle et met à jour sa nature idéologique et technologique.

A la fois sculptures et mise en scene sonore et visuelle, les installations de Nam June Paik offent aux visiteurs, une experience sensorielle totale.

En 2008, deux ans après la mort de l'artiste coréen, le centre d'art Nam June Paik a ouvert ses portes dans la ville de Yongin.

Nam June Paik et le Portapak Sony

Au milieu des années 60, l'apparition sur le marché d'une nouvelle caméra portable, le portapak Sony, va accélérer le développement de l'art vidéo (auparavant, les caméras très lourdes ne quittaient presque jamais les studios et étaient utilisées à des fins professionnels).

La légende raconte qu'à peine entré en possession de la portapak en 1965 (il est l'un des premiers artistes à se la procurer, en raison de son prix élevé), Nam June Paik aurait sauté dans un taxi pour se rendre au " café au go go ", le nom d'un lieu branché de Greenwich village où se retrouvaient tous les jeunes artistes new yorkais, et aurait filmé, vitre baissée, tout le trajet en taxi, capturant du même coup le cortège pontifical qui descendait la 5ème avenue.

Il n'existe malheureusement aucune trace de cette bande...

La première vidéo avérée et réalisée par Nam June Paik est Button happening sur laquelle on voit l'artiste coréen boutonner et déboutonner son manteau. Caractéristique de l'esprit Fluxus, cette vidéo est une sorte d'hommage à George Maciunas, pour qui n'importe quel geste peut être détourné de la boucle du quotidien si il est répété plus d'une vingtaine de fois.

TV Buddha est une œuvre de June Paik Nam composée d'une statue de Bouddha contemplant sa propre image diffusée sur ​​un écran vidéo (filmée par une caméra en circuit fermé créant ainsi une boucle infinie).

Avec sa série Buddha, Nam June Paik engage une réflexion sur le statut de la télévision en tant qu'objet de culte en occident.

Family of Robots.
A partir de 1986, Nam June Paik assemble des vieux téléviseurs et appareils radiophoniques dans le but de créer des sculptures d'apparence humaine qui représentent des membres d'une famille.

Stanley Brouwn est un artiste conceptuel hollandais-surinamien.

Lorsque Nam June Paik arrive aux États-Unis en 1964, l'immense réseau autoroutier - encore récent - symbolise une certaine idée de la liberté américaine. L'œuvre Electronic Superhighway représente la sensation du jeune artiste coréen quand il arrive sur le continent américain. Les Néons évoquent les enseignes multicolores et tentatrices des motels et restaurants au bord de la route. La multitude d'images clignotantes défilent comme le paysage vu d'une voiture qui fonce à travers la nuit. La structure faite d'écrans suggèrent que le mythe de l'Amérique s'est construite sur son cinéma.

La sculpture Olympe de Gouges, qui a été installé au centre de la fresque réalisée par Raoul Dufy au musée d'art moderne de Paris, était une commande de la ville à l'occasion du bicentenaire de la Révolution de 1789.
Guillotinée à Paris le 3 novembre 1793, Marie Gouze (Olympe de Gouges) est une femme politique française considérée comme l'une des premières féministe française. Elle a notamment écrit la Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne ainsi que de nombreux textes pour la défense des droits civils et de l'abolition de l'esclavage.

# data[].attributes.attachment_link.title
Nam June Paik - Créateur de l'Art video - Cahier de Seoul

# data[].attributes.attachment_link.description
Nam June Paik est un artiste coréen considéré comme le fondateur de l'art video. Il est né à Seoul le 20 juillet 1932 et est décédé à Miami le 29 janvier 2006. Son génie est d'avoir compris que l'apparition de la télévision avait changé le monde.

# data[].attributes.body
fischli and weiss

# data[].attributes.attachment_link.title
Peter Fischli David Weiss: How to Work Better

# data[].attributes.attachment_link.description
This retrospective brings together over three hundred sculptures, photographs, videos,and installations to form the most complete overview of the Fischli and Weiss's work to date.

# data[].attributes.attachment_link.title
Subodh Gupta - Artist's Profile - The Saatchi Gallery

# data[].attributes.attachment_link.description
Jason Rhoades (1965-2006) is known for his highly original, large-scale sculptural installations, which incorporate miscellaneous materials...

# data[].attributes.attachment_link.title
Catherine Opie - Artists - Lehmann Maupin

# data[].attributes.attachment_link.description
Since its establishment more than two decades ago Lehmann Maupin has identified and cultivated the careers of an international roster of visionary and historically significant artists.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Galerie basse des expositions temporaire
1 place du Trocadéro et du 11 novembre
Paris 16 e
Métro Iéna ou Trocadéro

Ouvert tous les jours sauf le mardi
de 11h à 19h
Nocturne le jeudi jusqu'à 21h

Plein tarif : 9€
Tarif réduit : 6€

# data[].attributes.attachment_link.description
Galerie basse des expositions temporaire 1 place du Trocadéro et du 11 novembre Paris 16 e Métro Iéna ou Trocadéro Ouvert tous les jours sauf le mardi de 11h à 19h Nocturne le jeudi jusqu'à 21h Plein tarif : 9€ Tarif réduit : 6€

# data[].attributes.attachment_link.title
Dominique Perrault Architecture - homepage

# data[].attributes.attachment_link.description
DPAx est une plateforme de recherche créée par Dominique Perrault Architecture et présentant la démarche théorique développée en parallèle des projets.

# data[].attributes.attachment_link.title
RADIOOOOO X MML = CARMEN MIRANDA PLAYLIST

# data[].attributes.attachment_link.description
Mes petites châtaignes, on continue aujourd'hui à poser le décor de cette semaine Carmen Miranda... Et je voudrais vou

# data[].attributes.attachment_link.description
"La Mort aux trousses" d'Hitchcock ressort en salles avec notamment le très beau générique conçu par Saul Bass. Vous ne connaissez pas Saul Bass ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les planches anatomiques du clitoris disparaissent en 1920.
Il n'apparaît correctement représenté dans les manuels scolaires en France qu'en 2017. Les humains avaient déjà été sur la lune depuis longtemps avant de ré-envisager cet organe-clé de la jouissance féminine.

" Find Your Clitoris " explore visuellement le thème du plaisir sexuel féminin.
Une femme qui se masturbe, qui prend du plaisir, ou qui est sexuellement très active est souvent jugée, traitée de " salope ", quand cela semble tout à fait normal chez les hommes. Après des débuts pas trop mauvais, on pense alors au Moyen-Âge que l'orgasme provoque chez femmes des maladies, comme l'hystérie. Puis on déclare le clitoris " inutile ". La sexualité des femmes, c'est un tabou, et il étouffe leur plaisir. L'excision est le symbole du désir de mettre le plaisir féminin en sourdine.

Le sexe féminin est méconnu ou omis, partout dans le monde. Près de 84% des filles de 13 ans ne savent pas comment représenter leur sexe. Pourtant, il existe le seul organe spécialement conçu pour avoir du plaisir : le clitoris. À trouver, apprivoiser, stimuler, et connaître. Incarner son corps et partir à sa conquête, comme un territoire, un paysage où il fait bon vivre, et où le corps se tord de sensations uniques. Une quête personnelle, une prise de pouvoir, la sexualité est ici indépendante et solitaire, pour montrer qu'on n'a pas forcément toujours besoin d'un.e. autre pour trouver du plaisir dans l'intimité. La masturbation est naturelle pour tout.e.s, c'est une voie d'épanouissement.
made with Lay Theme

# data[].attributes.attachment_link.description
Les planches anatomiques du clitoris disparaissent en 1920.Il n'apparaît correctement représenté dans les manuels scolaires en France qu'en 2017. Les humains avaient déjà été sur la lune depuis longtemps avant de ré-envisager cet organe-clé de la jouissance féminine.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Tutti Frutti! Play fruit is a must for your play kitchen or grocery stand! Although there are many lovely wooden or soft ones available out there, if you love paper craft and making something yourself, try these printable templates to make some juicy fruit! They will also make colorful decoration in kids rooms.

# data[].attributes.attachment_link.description
Tutti Frutti! Play fruit is a must for your play kitchen or grocery stand! Although there are many lovely wooden or soft ones available out there, if you love paper craft and making something yourself, try these printable templates to make some juicy fruit!

# data[].attributes.body
super site pour la culture artistique , inspirations , artistes , innovations , technique ; tout y est!

# data[].attributes.body
groupe de musique réunionnais

# data[].attributes.attachment_link.title
SAODAJ' - Pokor Lèr [Official Video "Sur les toits"]

# data[].attributes.body
bande annonce d'un film qui traite de la prostitution homosexuel et des rapports humains

# data[].attributes.attachment_link.title
SAUVAGE Bande Annonce (2018) Film Français

# data[].attributes.body
Loris !

# data[].attributes.attachment_link.title
L'épopée pop de Jean-Charles de Castelbajac | Documentaire complet | ARTE

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
"the purple palace" france expat "study abroad" "au pair" french

# data[].attributes.attachment_link.description
An art student and American in Paris living in the Purple Palace (aka cloud 9 aka bliss baby ;). Expect to find videos featuring honest how-to's in France/Fr...

# data[].attributes.body
Medio acqua/base sous marine

# data[].attributes.attachment_link.description
présente des installations d'artistes majeurs et emblématiques de la scène artistique française et internationale ainsi qu'une sélection d'œuvres vidéo de jeunes artistes émergents et récemment diplômés de la prestigieuse école du Fresnoy.