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La grande collection montréalaise s'offre à vous! Explorez la collection grâce aux outils de recherche et aux parcours. Plus de 1000 œuvres sont à découvrir.

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J'ai fait des études et puis j'ai passé des diplômes
Et puis j'ai passé des concours, je suis un homme, déjà plus môme
J'ai grimpé doucement les échelons de l'entreprise
Et puis j'ai monté ma structure, je vois enfin ma terre promise
Il a fallu que j'aille vers plus de productivité
Aller chercher d'autres marchés pour ma petite activité
Je ne compte plus mes heures, je retrousse mes manches
Je suis même contre l'ouverture des églises le dimanche
Mais victime de dumping, concurrence made in Chine
Ci-gît (ci-gît) ma petite fabrique de trampoline
Maintenant je me rends compte que j'aurais pu ouvrir les yeux
Trouver du temps, de la lumière, comme sainte Thérèse à Lisieux

Donne de ton temps, de ta vie pour toi, pour tes amis n'oublie pas de le faire tête haute
Libère-toi du dogme une seconde et que ça saute
de ton temps, de ta vie pour toi, pour tes amis n'oublie pas de le faire tête haute
Et libère-toi du dogme une seconde EKSASSAUTE

C'est une consultante qui a rencontré un peintre
Et elle lui slame dans l'oreille des histoires de luxe et d'absinthe
Il avait le teint leste et ne peignait que des pastels
Elle lui impose le Stabilo, le déjà-vu, le faux soleil
Sa cote monte en flèche, elle a séduit les publicistes
Et il est là comme un bilingue qui ne parle plus d'art mais de chiffres

Le pinceau se rebelle, la création dirige
Sur Terre le temps s'arrête, au ciel les étoiles se figent
Savez-vous (saviez-vous) que la lune influe sur les marées
Créant un tremblement d'âme qui l'a touchée, qui l'a sauvée
Maintenant elle se rend compte qu'elle aurait pu ouvrir les yeux
Trouver du temps, de la lumière, comme sainte Thérèse à Lisieux

Donne de ton temps, de ta vie pour toi, pour tes amis n'oublie pas de le faire tête haute
Libère-toi du dogme une seconde et que ça saute
De ton temps, de ta vie pour toi, pour tes amis n'oublie pas de le faire tête haute
Et libère-toi du dogme une seconde EKSASSAUTE

J'ai pris le microphone, ensuite une voix, j'ai pris le maquis
Et je me sentais un peu con dressé dans le paquet de Knackis
Donc j'ai pris le treillis kaki comme les Tamouls, les Pakis
J'ai vu la vie des hommes, oui l'avis des hommes est acquis
Pause, j'ai fait l'armée dans des chars à voile
Y avait bombe et des femmes à poil
Faute ou pas faute faut garder tête haute
Faut vivre, avoir la dame à la faux

EKSASSAUTE, eksassaute, eksassaute
EKSASSAUTE, eksassaute, eksassaute
EKSA...

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J'ai fait des études et puis j'ai passé des diplômes Et puis j'ai passé des concours, je suis un homme, déjà plus môme J'ai grimpé doucement les échelons de l'entreprise Et puis j'ai monté ma structure, je vois enfin ma terre promise Il a fallu que j'aille vers plus de

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BONUS À LA DEMANDE DE SINAÍ. L'IMPRESSIONISME

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BONUS À LA DEMANDE DE SINAÍ. L'IMPRESSIONISME

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"American Gothic" Grant Wood, 1930

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ART DE YASMINA REZA

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Fabrice Luchini, Pierre Arditi et Pierre Vaneck "ART" | Archive INA

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Présentation de la pièce "Art" de Yasmina Reza, jouée par Fabrice Luchini, Pierre Arditi et Pierre Vaneck à la Comédie des Champs-Elysées - réflexion sur le monde et sur l'amitié, la pièce raconte comment l'achat d'un tableau tout blanc va provoquer une polémique entre trois amis... - - Extraits de la pièce.

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les 25 peintures les plus chères de l'histoire de l'art

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Et si les oeuvres d'art avaient la faculté de parler?

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Et si les oeuvres d'art avaient la faculté de parler?

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Bav{art]dages par Julien Baldacchino - France Inter

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Et si les oeuvres d'art avaient la faculté de parler... que diraient-elles dans une interview ?

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exprimer son opinion réagir à l'opinion d'une personne argumenter Vous voulez donner votre opinion sur les actualités, sur le fil...

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L’ Interview : Anne Sinclair - Stupéfiant !

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Mais qui est cette femme qui semble à la fois assoupie et attendrie devant son enfant ? Et surtout, qui la peint ainsi, soulignant son enfermement dans l’univers domestique ? En 1872, Berthe Morisot s’impose en tant que peintre, lasse de jouer les modèles pour ses amis impressionnistes.

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"American Gothic" Grant Wood 1930

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Prête-moi ta fourche - A Musée Vous, A Musée Moi – ARTE

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Art : toute une question sur ce qui est moderne

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Art : toute une question sur ce qui est moderne

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"Art" : une confrontation sur fond d'art contemporain

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Le Baiser de l'Hôtel de Ville a été capturé en 1950 par le photographe français Robert Doisneau, pour le compte du magazine américain Life. Photo posée, photo volée, baiser volé ? Cette célèbre photographie se dévoile ce dimanche dans le premier épisode de Bav[art]dages de cet été, et raconte comment son accession à la célébrité a attiré les convoitises.

"Le Baiser de l'Hôtel de Ville" répond à vos questions !

" Aucune offense ! Votre question est d'autant plus pertinente que, comme je l'ai dit à l'antenne, il m'a fallu plus de trente ans pour accéder à la célébrité. Mais ce n'est peut-être pas un hasard si mon succès remonte aux années 80 plus qu'aux années 50. Je suis l'image d'un Paris rêvé, d'un Paris qui n'est plus le même à l'époque où je deviens une icône que quand j'ai été prise. Tenez, c'est bien ça le mot : "icône".
Robert était lui-même surpris de mon succès : "Cette photo m'inquiète un peu. Ce succès montre que c'est un effet facile. Pourquoi tant de gens s'identifient sur cette photo ? Parce que c'est le symbole d'un moment heureux", disait-il".
" Vous avez vu comme le baiser est passionné ?! Je ne suis pas le modèle, je ne suis que la photo, mais pour moi la réponse est oui, Jacques Carteaud embrassait bien".

" Vrai ! Comme je l'ai dit à l'antenne, Robert a fait poser deux jeunes gens sur la photo. Ce qui est vrai aussi, c'est qu'ils étaient comédiens, en formation au cours Simon. Mais Robert ne les a pas engagés en tant que comédiens ! Il les a repérés dans un bar en train de s'embrasser et il leur a demandé de reproduire leur geste à l'extérieur en leur laissant faire comme ils voulaient. C'est une photo posée oui, mais pas un faux baiser".

Une célébrité tardive ?

Si la photo a été prise en 1950 pour le magazine américain Life, il a fallu attendre les années 80 pour qu'elle accède à la célébrité. "Au départ, je n'étais qu'une seule photo parmi d'autres, et ce n'était même pas moi qui étais mise en avant dans le reportage de Life !", raconte la photographie.

Une photo posée ?

"Bien sûr !" répond le Baiser de l'Hôtel de Ville. "Vous imaginez saisir un instant pareil pour de vrai ? Et puis surtout, publier dans un magazine des photos d'anonymes comme ça, presque en gros plan, c'était le procès assuré", ajoute-t-il. Les amants de l'Hôtel de Ville de Paris sont donc deux amoureux repérés par Robert Doisneau lors de sa séance photo, en train de s'embrasser dans un café.

Qui sont les amants ?

"La rançon de la gloire", s'amuse la photo de Robert Doisneau. Au début des années 90, elle a été au coeur de deux procédures juridiques. "En 1992, des époux, les Lavergne, ont attaqué Robert pour obtenir 500.000 francs pour violation de leur vie privée. Ca n'a pas tenu, puisque Robert avait avoué quelques années plus tôt que je n'étais pas une photo volée mais une mise en scène".

En revanche, une dame, Françoise Bornet, réclame des droits pour son apparition sur la photo. "Elle a réussi à prouver que c'était bien elle sur la photo, en fournissant un tirage original que Robert lui avait remis après la séance", raconte l'oeuvre. Mais le tribunal refuse de lui verser des droits , estimant qu'elle n'était pas assez reconnaissable. Françoise Bornet a malgré tout réussi à gagner de l'argent, en vendant en 2005 aux enchères son tirage original. Celui-ci a été adjugé à 184.000 euros.

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"Le Baiser de l'Hôtel de Ville" de Robert Doisneau

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La célèbre photo de Robert Doisneau est la première invitée de Bav[art]dages cet été. Aujourd'hui mondialement connue, il lui a fallu des années pour accédér à la notoriété.

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ALLIANCE FRANÇAISE DE LYON

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Humour et Grammaire : corrigez les fautes de français ! (B2+/C1)

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Corriger des fautes de français Désapprenez le français ! Voici une fausse bande annonce de film faite par deux comédiens et h...

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BAV{ART}DAGES SUIVI DU GRAND BAZ'ART. TRÈS INTÉRESSANT!

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BAV{ART}DAGES SUIVI DU GRAND BAZ'ART. TRÈS INTÉRESSANT!

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C'est l'une des toiles les plus sulfureuses du XIXe siècle, et l'une des oeuvres fondatrices de l'art moderne. "Le déjeuner sur l'herbe" se dévoile ce dimanche.

Peint en 1863 par Edouard Manet, le "Déjeuner sur l'herbe" est l'une des oeuvres les plus mémorables du premier Salon des Refusés organisé à Paris. C'est par cette toile scandaleuse, la première à présenter une "vraie" femme nue, qu'arrive petit à petit le mouvement impressionniste, et derrière lui, tout l'art du XXe siècle. Invité ce dimanche de Bav[art]dages, ce tableau se dévoile sur les ondes de France Inter.

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Le Déjeuner sur l'Herbe répond aux questions que vous lui avez posé sur les réseaux sociaux #BVDinter

Il y a d'abord mon style, qui a lui choqué. Je suis le premier tableau à avoir défrayé la chronique pour ses traits brossés, ses contrastes marqués. Je suis l'un des premiers à avoir donné l'impulsion vers le style impressionniste.

Et puis il y a le contexte historique. Il faut vous souvenir que lorsque j'ai été peint, l'Académie des Beaux-Arts faisait encore régner sa loi. Elle décrétait quel artiste respectait (ou pas) les codes qu'elle avait décrétés, lequel méritait d'être reconnu ou pas. La création du premier Salon des Refusés en 1863, dans lequel j'ai été exposé, a été le premier pas vers la fin l'hégémonie de l'Académie : en 1897, le Musée du Luxembourg à Paris a fini par accepter des toiles d'artistes non-officiels.

Si la femme que je représente est nue, ce n'est pas le cas de l'homme ! Ce ne sont pas Adam et Eve. Et c'est justement ça (en partie) qui a débouché sur le scandale à mon sujet. Si la femme avait été Eve, un personnage biblique donc, sa nudité n'aurait posé aucun problème. C'est parce que je représente une scène profane que la nudité que je représente a choqué.

Je suppose que vous faites référence à mon premier titre, "Le bain", et à "La partie carrée", qui n'a jamais été vraiment un titre officiel. C'était plutôt le petit surnom sarcastique que m'attribuait Manet, comme un référence à mon côté coquin.

C'est une chose plutôt fréquente, des oeuvres qui changent de titre. "Impression Soleil Levant" de Monet n'avait pas de nom au début de son exposition... et "Fontaine" de Duchamp s'est longtemps appelé le "Bouddha de la salle de Bain". Mais je vais vous avouer, je ne sais pas vraiment pourquoi Edouard a choisi de changer mon titre en cours de route !

Cela dit, j'ai une piste : j'ai été peint en 1863. Et en 1865, Claude Monet a peint une toile beaucoup moins sulfureuse, appelée "Le déjeuner sur l'herbe". De là à ce que mon changement de titre soit un clin d'oeil d'Edouard à son camarade...

Ah cette question ! Je l'ai tellement entendue ! Vous savez, cela fait même partie des raisons qui font qu'on m'a rejeté à l'époque où j'ai été peint. Les spectateurs ne comprenaient pas pourquoi cette grenouille et pourquoi cet oiseau (un bouvreuil plus précisément) ; or un tableau qu'on aimait, en ces temps-là, c'était un tableau qu'on comprenait facilement.

Tenez ça me fait penser, cet oiseau n'a pas non plus échappé à Claude Nougaro, qui en a parlé dans sa chanson "Déjeuner sur l'Herbe".

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Je pense qu'il y a deux grandes raisons pour lesquelles Manet a peint ces deux animaux sur moi. D'abord parce que nous participons à l'esthétique de son tableau. Nous sommes là pour marquer l'instant présent. Vous avez vu comme le petit bouvreuil est précisément peint, pour un animal en plein mouvement ? Je suis un arrêt sur image.

Et puis comme souvent dans les tableaux, il y a un côté symbolique ! Si je vous dis qu'en argot de l'époque, "bouvreuil" est une sorte d'invitation à ouvrir l'oeil (ouvre l'oeil), et que la grenouille était l'un des surnoms des prostituées, ça vous aiguille ?

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Merci. Beaucoup d'artistes, de cinéastes et même de publicitaires m'ont repris, adapté, parodié, et nombre d'entre eux ont choisi de m'adapter au monde d'aujourd'hui, comme l'a fait le peintre Alain Jacquet par exemple. La version que vous me proposez est fort parlante.

Un repas somme toute frugal ! Du bon pain, des tomates, quelques oranges, des cerises... Bon sang que c'était bon !

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"Le déjeuner sur l'herbe", d'Édouard Manet

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C'est l'une des toiles les plus sulfureuses du XIXe siècle, et l'une des oeuvres fondatrices de l'art moderne. "Le déjeuner sur l'herbe" se dévoile ce dimanche. Peint en 1863 par Edouard Manet, le "Déjeuner sur l'herbe" est l'une des oeuvres les plus mémorables du premier Salon des Refusés organisé à Paris.

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Oseriez-vous faire comme dans ces vidéos ? Choisissez un tableau, préparez votre déguisement, votre monologue-dialogue... C'est parti !

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Oseriez-vous faire comme dans ces vidéos ? Choisissez un tableau, préparez votre déguisement, votre monologue-dialogue... C'est parti !

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"Degas et Évariste de Valernes", Edgar Degas 1830

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"Degas et Évariste de Valernes", Edgar Degas 1830

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Copier/coller- A Musée Vous, A Musée Moi – ARTE

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Le tableau de René Magritte qui porte la célèbre inscription "Ceci n'est pas une pipe" est l'invité de la dernière de Bav[art]dages, pour une interview surréaliste !

"Ceci n'est pas une pipe", mais un tableau de René Magritte © Maxppp /

Il est plus connu sous le nom "Ceci n'est pas une pipe", mais ce tableau de René Magritte s'appelle en réalité "La trahison des images". Il nous montre une pipe mais nous dit que ce n'est pas une pipe. Il est dit surréaliste, mais il n'y a pas de montres molles. Que veut vraiment nous dire ce tableau ? Bav[art]dages pose la question sans concession ce dimanche au principal intéressé.

L'oeuvre répond à vos questions Twitter !

Je suis un tableau ! Un morceau de toile découpé et posé sur un châssis, sur lequel René Magritte a couché plusieurs couches de peinture qui représentent une pipe ! Je suis un tableau, une image, une représentation, ce que vous voulez, mais PAS une pipe. C'est cela que veut montrer René : que les images et les choses, ce n'est pas la même chose. Et même pour aller plus vite, ce n'est pas la même chose que les mots non plus. Si j'étais une pipe, vous pourriez me fumer ! Là, à moins de me décrocher de mon châssis et de me rouler, pas la moindre chance, ha ha !

Ca fait quoi ? C'est terriblement excitant ! C'est cela qui fait de moi un tableau profondément surréaliste. Dans le surréalisme, les artistes aiment avoir des crises existentielles : c'est quoi exactement l'art ? Ce sont toujours des représentations des choses, jamais les choses elles-mêmes. Résultat, une représentation, une image, on peut lui faire faire ce qu'on veut. Et c'est comme ça que l'on se retrouve avec des montres qui fondent, des objets qui volent... et une pipe qui n'en est pas une ! Ca n'est pas grave quand je dis que ma pipe n'en est pas une, ce n'est qu'une image !

Une bonne raison ? Pour la beauté de l'art ! Bien sûr que l'art est trompeur ! Ca fait même partie de son ADN. Tenez : quand vous regardez un film, vous savez que l'histoire n'est pas vraie, mais vous acceptez d'y croire. Quand vous allez au théâtre, ce qui se joue sur scène n'est pas vrai, pas plus que l'action d'un bon roman ! Et pourtant à chaque fois, il y a une sorte d'accord tacite entre l'artiste et le lecteur ou le spectateur, qui accepte de se faire tromper.

Pourquoi ce ne serait pas pareil avec les oeuvres d'art comme moi ? Pendant des siècles, les artistes ont essayé plus ou moins de "faire pareil" que les choses vraies. Pourquoi ne pas assumer que nous ne sommes qu'illusion !? Laissez-vous porter !

@bavartdages Combien de fois vous a-t-on fait des blagues grivoises ? Je veux dire, la pipe, ça tend quand même une grande perche...
- Rain Flicker 🖊🦌 (@rain_flicker) August 25, 2016

Ha ha ha ! On n'arrête pas de m'en faire ! Mais vous croyez que Magritte n'y a pas pensé quand il m'a peint ? Il le savait ! Je le soupçonne même de m'avoir choisi pour ça. Vous savez, René était un provocateur. Ce n'est pas un hasard s'il a choisi le mot "pipe", qui a un double sens grivois. Si ce qui est sur le tableau, ce n'est pas une pipe, peut-être que c'est autre chose qu'on ne peut pas peindre...

Eh non ! En ces jours de canicule, j'ai tellement chaud... que je fume ! Ha ha !

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"La Trahison des images" de René Magritte

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Le tableau de René Magritte qui porte la célèbre inscription "Ceci n'est pas une pipe" est l'invité de la dernière de Bav[art]dages, pour une interview surréaliste ! Il est plus connu sous le nom "Ceci n'est pas une pipe", mais ce tableau de René Magritte s'appelle en réalité "La trahison des images".

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WIKIHOW: COMMENT ÉCRIRE UN COMMENTAIRE CRITIQUE SUR UN TABLEAU

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WIKIHOW: COMMENT ÉCRIRE UN COMMENTAIRE CRITIQUE SUR UN TABLEAU

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La critique d'une œuvre d'art est une analyse détaillée et une évaluation de cette œuvre. Même s'il n'y a pas deux personnes qui auront la même réaction face à l'art ou qui l'interprèteront de la même façon, il existe des conseils de base...

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LES ZEXPERTS

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Art : le chef d'oeuvre théâtral de Yasmina Réza joué par Fabrice Luchini, Pierre Vaneck et Pierre Arditi...

Cette pièce à succès (deux Molières) met en scène les questions liées à l'Art Contemporain et leurs implications dans la vie de tous les jours. Un groupe de trois amis (Serge, Marc et Yvan) en fait les frais...

Tout commence comme cela : " Mon ami Serge a acheté un tableau. C'est une toile d'environ un mètre soixante sur un mètre vingt, peinte en blanc. Le fond est blanc et si on cligne des yeux, on peut apercevoir de fins liserés blancs transversaux. Mon ami Serge est un ami depuis longtemps. C'est un garçon qui a bien réussi, il est médecin dermatologue et il aime l'art. Lundi, je suis allé voir le tableau que Serge avait acquis samedi mais qu'il convoitait depuis plusieurs mois. Un tableau blanc, avec des liserés blancs. "

Serge est un esthète amoureux d'art moderne et qui trouve Sénèque modernissime. Marc est le gardien des valeurs traditionnelles, celui à qui on ne la fait pas et qui ne se laisse pas embrouiller par la mode, enfin Yvan a échoué dans vie professionnelle et affective et semble n'avoir que ces deux amis de précieux.
Ce trio va s'entre déchirer autour de ce tableau blanc en invoquant tous les arguments qui tournent autour de l'Art moderne. Le rythme est très enlevé et l'on n'arrête pas de rire du début à la fin.

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Art de Yasmina Reza - la pièce aux 2 Molières

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Art : le chef d'oeuvre théâtral de Yasmina Réza joué par Fabrice Luchini, Pierre Vaneck et Pierre Arditi... Cette pièce à succès (deux Molières) met en scène les questions liées à l'Art Contemporain et leurs implications dans la vie de tous les jours. Un groupe de trois amis (Serge, Marc et Yvan) en fait les frais...

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Alors que nous recevions un invité exceptionnel, l'oeuvre d'art la plus chère au monde, Balloon Dog, "Fontaine" de Marcel Duchamp a appelé pour intervenir.

Balloon Dog de Jeff Koons existe en plusieurs versions, de couleurs différentes © Maxppp /

Nous recevions ce dimanche matin l'oeuvre d'art la plus chère du monde : Balloon Dog, de Jeff Koons, vendu aux enchères en 2013 pour 52 millions d'euros , à un acheteur (un "maître" comme dit le Balloon Dog lui-même) inconnu. L'imposante sculpture nous a parlé de sa nature de trompe-l'oeil :

"J'ai l'air d'être en baudruche, mais en réalité je pèse plusieurs tonnes, je suis une gigantesque sculpture en acier inoxydable... Les équipes de Jeff Koons ont reproduit jusque dans les moindres détails l'allure du ballon"

- "Balloon Dog" de Jeff Koons

Et ce n'est pas tout : " Mon côté léger est une illusion, mon côté enfantin aussi, il est trompeur ! Mes formes, mes courbes, mon côté boursouflé, a aussi un côté très sensuel ", nous a expliqué l'oeuvre en direct sur France Inter.

Mais ça, c'était avant que l'interview soit interrompue par une autre oeuvre d'art : alors queBalloon Dog affirmait être la nouvelle forme majeure du ready-made , " cet art qui consiste à faire des oeuvres d'art à partir d'objets du réel " selon lui, il a été interrompu par "Fontaine ", de Marcel Duchamp, qui a tenu à intervenir par téléphone . Le fameux urinoir, [que nous avons déjà reçu dans Bav{art]dages]( http://www.franceinter.fr/emission\-bavartdages\-fontaine\-de\-marcel\-duchamp), a tenu à ce que Ballon Dog retire ses propos.

"Toi aussi, Balloon Dog, tu viens d'un objet du quotidien, mais toi, ton artiste t'a fait plein de fioritures, tu es tout brillant. C'est facile de vouloir désacraliser l'art quand on a tout pour plaire".

- "Fontaine", de Marcel Duchamp

Ni l'une ni l'autre des oeuvres n'ont souhaité prononcer d'excuses, et Balloon Dog a quitté le studio .

L'anecdote en plus

Balloon Dog a beau être l'oeuvre d'art la plus chère du monde, ce n'est pas une pièce unique ! Cette monumentale sculpture existe en cinq versions différentes , réalisées entre 1990 et 1994. Elles sont similaires en tous points, mais ne diffèrent que par leur couleur : bleu, magenta, jaune, orange, rouge .

L'une des autres versions de "Balloon Dog", ici en jaune, exposée au Metropolitan muséum de New-York © CC BY-SA 2.0

Si la plus connue, et celle qui a été exposée à Versailles puis au Centre Pompidou, est la rose, la version qui a été vendue pour 52 millions d'euros est la version orange.

On aurait aussi pu inviter...

Personne d'autre ! Aucun autre artiste ne "fait du Koons"... pourtant, Koons fait comme tout le monde. Ses oeuvres sont très souvent la cible d'accusations de copie ou de plagiat. Rien que pendant l'exposition qui lui a été consacrée au Centre Pompidou, à l'hiver dernier, Jeff Koons a vu deux de ses sculptures pointées du doigt, au point qu'elles ont dû être retirées de l'exposition.

L'une des sculptures les plus connues de Claes Oldenburg représente... un cône de glace ! © MaxPPP

De la même façon, les objets surdimensionnés sont souvent comparés aux oeuvres d'un autre artiste américain, Claes Oldenburg , connu pour des sculptures monumentales représentant des objets du quotidien.

Les voix

La drôle de voix de Balloon Dog est incarnée par le comédien Ludo Maux . Et pour interpréter Fontaine, de Marcel Duchamp, qui était déjà venu nous voir en studio, Laurent Plessi a repris du service.

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"Clash" entre "Balloon Dog", de Jeff Koons et l'urinoir de Duchamp

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Alors que nous recevions un invité exceptionnel, l'oeuvre d'art la plus chère au monde, Balloon Dog, "Fontaine" de Marcel Duchamp a appelé pour intervenir. Nous recevions ce dimanche matin l'oeuvre d'art la plus chère du monde : Balloon Dog, de Jeff Koons, vendu aux enchères en 2013 pour 52 millions d'euros , à un acheteur (un "maître" comme dit le Balloon Dog lui-même) inconnu.

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COMMENT FAIRE UN COMMENTAIRE CRITIQUE D'UN LIVRE

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COMMENT FAIRE UN COMMENTAIRE CRITIQUE D'UN LIVRE

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CAPSULE EXPLICATIVE

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Donner son avis sur un livre dans un texte argumenté. Capsule/lettres (classe inversée)

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faut-il choisir entre Marcel Duchamp et Jeff Koons?

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faut-il choisir entre Marcel Duchamp et Jeff Koons?

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La dénonciation du cynisme inhérent à l'art contemporain, notamment celui de Jeff Koons, est en passe de devenir le comble du snobisme intellectuel. Un tel argument charrie, en effet, un certain nombre de préjugés, voire d'incohérences, que la tribune de Didier Vivien, parue dans Libération le 22 décembre, exprime de manière assez claire. Car, jouer l'ascétisme de Marcel Duchamp contre le cynisme d'un trader, Jeff Koons, se faisant passer pour un artiste, n'est pas sans poser quelques problèmes. Ainsi, autant on apprécie qu'avec Duchamp les frontières entre art et non art soient devenues problématiques, voire inexistantes, autant on n'hésite pas à les refaire jouer quand il s'agit de dire de Koons qu'il est nul, et que ce qu'il fait n'est pas de l'art. De toute façon, si le but avéré de l'avant-gardisme est de démuséifier l'art, il n'y a alors plus aucune raison de préférer Duchamp à Koons ou à Murakami : on pourrait presque dire que le kitsch de Koons est du point de vue de la fin de l'art largement supérieur au "ready-mading" généralisé, qu'on s'efforce de justifier toujours laborieusement dans les termes qui sont ceux de l'histoire de l'art, alors même que le geste de Duchamp est censé nous en faire sortir.

Il est, d'ailleurs, un peu facile d'opposer l'ironie d'un Duchamp cherchant à subvertir le principe de l'art à travers un geste qui transgresse l'ordre esthétique et le cynisme "postmoderne" d'un Koons jouant délibérément du brouillage des genres dans une farce grotesque qui singe, sans jamais l'égaler, l'acte sacrilège de Duchamp. L'un des grands malentendus dans toute cette histoire, et c'est pour une large part cela qui était au centre de la récente querelle de l'"art contemporain", tient sans nul doute au fait que l'on continue à penser sous le vocable d'art, que cela soit pour défendre Jeff Koons, en affirmant qu'il reste un artiste, ou pour l'attaquer, en dénigrant sa prétention artistique, quelque chose qui n'a plus rien à voir avec l'art au sens usuel du terme, et qui n'est d'ailleurs revendiqué qu'à demi-mots par la création contemporaine, où l'on préfère se dire "plasticien" plutôt que "peintre", ou "performer" davantage qu'"artiste". Il est de ce point de vue absurde de dénoncer en Jeff Koons l'antithèse même de l'artiste sans voir que celui-ci n'a, au fond, aucune prétention esthétique à proprement parler, et qu'il assume, au contraire, parfaitement sa nullité artistique : Koons ne fait qu'exploiter les possibilités inhérentes au design, et dans ce genre il a largement autant de brio, si ce n'est plus, que nombre d'artistes présentés comme transgressifs.

Quant à l'argument de ceux qui défendent Duchamp (la même chose vaut pour Warhol), en affirmant qu'avant de tomber dans des surenchères provocatrices, Duchamp avait quand même, à la différence de Koons, payé son tribut à l'histoire de l'art en réalisant des œuvres qui pouvaient s'y intégrer, fut-ce de façon problématique, et que sur ce plan, c'est un artiste au sens fort du terme, il reste contradictoire pour autant qu'il indique la nécessité d'opérer le partage entre ce qui est signifiant en matière artistique, et ce qui ne l'est pas, partage que le geste rebelle de Duchamp a pour conséquence de rendre impossible. La force mais aussi la faiblesse d'une telle posture transgressive tiennent, par ailleurs, à ce que celle-ci ne peut valoir comme norme par excellence de la transgression que dans la mesure où elle est adoubée comme telle par l'ensemble des institutions venant consacrer l'audace, et l'insolence de l'artiste révolté. L'acte même de transgression impliquant comme corrélat logique la reconnaissance de la loi, il est, somme toute, normal que dans un mouvement analogue l'institution vienne récompenser les fauteurs de trouble, suivant la logique faussement paradoxale de l'hérétique consacré. En ce sens, l'intronisation de Duchamp en parangon de la subversion artistique fait penser au geste professoral qui consiste, tout en se lamentant avec le pathos habituel sur le douloureux et inexorable déclin de l'institution scolaire, à s'enflammer pour quelques élèves particulièrement a-scolaires mais néanmoins, et justement pour cette raison, originaux et brillants, tout en critiquant la grande majorité des élèves pour leur passivité et leur conformisme, alors même que c'est justement ce que le système scolaire exige d'eux. Didier Vivien ne peut, à cet égard, exalter le génie de Duchamp contre la médiocrité de Koons que parce que l'institution universitaire lui permet, ou plutôt exige de lui, qu'il tienne ce type de discours - ceci restant vrai de l'art même lorsqu'il se présente sous la forme antithétique du "non art", ou de l'"anti-art".

Il est, d'ailleurs, erroné d'accréditer Duchamp d'une posture de marginal pur et simple dans le champ de l'art, en le plaçant du côté de la singularité rebelle ou en affirmant de lui qu'il est inclassable. On doit plutôt le situer à la frontière opérant le partage entre la normalité et l'anomalie créatrice : Duchamp reste, sur ce plan, suffisamment classique pour être intégré à l'histoire de l'art moderne, en atteste ses productions picturales d'avant-guerre, tout en se montrant juste ce qu'il faut de subversif pour qu'à partir de lui (en tout cas, rétrospectivement) l'institution marque l'ouverture d'une période nouvelle dans l'histoire de l'art, caractérisée par le fait qu'on sort précisément de l'art et de l'esthétique. C'est pourquoi, jouant sur les deux tableaux, il peut servir de caution à des prises de position prétendument radicales, s'employant à opérer un partage définitif entre ce qui vaut en matière artistique (Duchamp) et ce qui est digne d'être rejeté dans le néant (Koons), geste de partage qui est justement le geste typique par lequel l'institution consacre ceux qu'elle a décidé de reconnaître comme porteurs de la légitimité artistique.

Le partage entre art et non art est de toute manière inhérent à l'art lui-même et passe à l'intérieur de toutes les grandes œuvres de l'art moderne et de toutes ses formes - en atteste le cinéma né aux frontières de l'existence transfigurée par l'art et de la vie ordinaire ou encore le projet poursuivi par Flaubert d'écrire un livre sur rien. L'originalité de Duchamp, de Koons ou de Warhol tient précisément à ce qu'ils thématisent, de façon délibérée, cette tension constitutive de toute forme artistique, et l'explicitent respectivement tous trois d'une manière parfois artificielle mais toujours singulière et talentueuse.

Nicolas Poirier Chercheur rattaché au laboratoire Sophiapol de l'université de Nanterre et enseignant de philosophie

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Faut-il choisir entre Marcel Duchamp et Jeff Koons ?

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La dénonciation du cynisme inhérent à l'art contemporain, notamment celui de Jeff Koons, est en passe de devenir le comble du snobisme intellectuel. Un tel argument charrie, en effet, un certain nombre de préjugés, voire d'incohérences, que la tribune de Didier Vivien, parue dans Libération le 22 décembre, exprime de manière assez claire.

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L'artiste américain a dévoilé, lors d'un dîner de gala devant la Joconde, la collection issue de sa collaboration avec le maroquinier.

Ceci est-il un sac ou une œuvre d'art ? La question semble se poser face à la détonnante collaboration entre l'artiste américain Jeff Koons et la maison française de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. Dévoilée mardi 11 avril par la marque, elle donnait lieu le soir même à un dîner de gala au Louvre, où 200 personnalités du monde des arts et de la culture - dont les actrices Léa Seydoux, Adèle Exarchopoulos, Catherine Deneuve, Michelle Williams... - ont pris place dans la salle des Etats entre le roi et la reine de la soirée : Jeff Koons et la Joconde.

Cette collection de sacs s'inscrit dans la lignée des collaborations de la marque avec des artistes : le designer Stephen Sprouse avait le premier, en 2001, donné l'assaut à la célèbre toile marron monogrammée, la recouvrant de son écriture façon graffiti. Avaient suivi Takashi Murakami et son univers kawaii, Richard Prince ou encore Yayoi Kusama. Jeff Koons, qui s'est vu confier une carte blanche, va plus loin. Et revendique un véritable geste artistique.

Kitsch, glamour et ironie

Pour cela, outre le sourire de Mona Lisa (1503-1506), il convie sur les sacs-à-main, pochettes, sacs-à-dos, porte-feuilles et foulards maison : Mars, Vénus et Cupidon, du Titien (env. 1546, Kunsthistorisches Museum de Vienne), La Chasse au tigre, de Rubens (1615-1616, Musée des beaux-arts de Rennes), La Gimblette, de Fragonard (1770, Alte Pinakothek de Munich) et le Champ de blé avec cyprès, de Van Gogh (1889, National Gallery de Londres). Comme sur les produits dérivés dont regorgent les boutiques des musées ? Oui. La qualité en plus. Et avec en bonus des cartels portatifs : il y a beaucoup à lire à l'intérieur de chaque sac, en lettres dorées : une biographie du peintre accompagnée d'une reproduction d'un autoportrait, des explications sur le tableau et une biographie de Koons, représenté, pour sa part, par son célèbre lapin gonflable. Un savant mélange de kitsch, de glamour et d'ironie : du Koons tout craché.

Cette sélection de tableaux fait partie de la dernière grande série de l'artiste : les " Gazing Ball Paintings ". Soit les copies d'une quarantaine de tableaux devant lesquels il a placé des boules réfléchissantes bleues, qui projettent le spectateur et l'œuvre dans un même espace visuel, et donnent à l'artiste le rôle de pivot de transmission. Point de boules bleues dans la version Vuitton. A la place, le nom de chaque peintre est placardé en larges lettres métalliques au beau milieu des tableaux, égalements sertis de monogrammes retravaillés par l'artiste. Aussi apparaissent-ils presque en grandioses toiles de fond. Entre l'hommage et la provocation de la part de ce grand collectionneur de peinture qu'est Jeff Koons.

" Les noms des artistes en lettres réfléchissantes ont la même fonction que les gazing balls ",assure-t-il dans une interview filmée donnée à l'équipe Vuitton. Pour lui, les peintures " Gazing Ball " comme les sacs " ne sont pas de simples copies de peintres. Ils en sont une transcendance. L'objet devient autre. C'est l'idée de Léonard de Vinci, et c'est Léonard de Vinci l'être humain. Mais c'est aussi qui a aimé Léonard de Vinci : Verrocchio, Uccello... ",détaille-t-il, espérant " que les gens qui voient ces sacs sentent cette connexion ". Sa démarche est ainsi rien de moins qu' " une célébration de l'humanité. "

" Ces sacs sont de l'art "

" Je voulais que cela devienne de l'art, je pense que ces sacs sont de l'art ", conclut-il dans la vidéo. " Pour moi, l'art est ce qui nous permet d'être plus conscients de notre vie, de notre potentiel et de ce que nous pouvons devenir. L'art n'est jamais l'objectif, c'est la capacité qu'à l'objet de nous communiquer ce que nous pouvons réaliser pour élargir notre vie ", peut-on lire dans la transcription longue de l'échange réalisé dans son studio new-yorkais.

La collection est la première étape d'une collaboration au long cours, et non pas une édition limitée : à l'automne, elle se poursuivra avec de nouvelles œuvres. Parmi ce condensé de sujets qui traversent l' histoire de l'art (un paysage, un portrait, une scène d' amour, une scène de jeu, une scène de chasse), certains tableaux disparaîtront, d'autre poursuivront. Si la Joconde et le Van Gogh apparaissent d'emblée comme des valeurs sûres (avec un nombre de déclinaisons largement supérieures aux autres modèles), certains modèles seront de fait limités par leurs contenus : les nus du Fragonard et du Titien, comme la chasse du Rubens, les excluront des boutiques implantées dans certains pays musulmans, sait-on déjà.

Les cinq musées associés au projet ne peuvent que se réjouir de ce coup de projecteur, qui devrait au passage drainer des clients curieux de découvrir la version originale des œuvres qui ornent leurs épaules (vendus entre 1 800 et 3 000 euros selon les modèles) : l'affaire, si l'on peut dire, est dans le sac.

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Jeff Koons et Louis Vuitton mettent le Louvre à sac

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L'artiste américain a dévoilé, lors d'un dîner de gala devant la Joconde, la collection issue de sa collaboration avec le maroquinier. Cette collection de sacs s'inscrit dans la lignée des collaborations de la marque avec des artistes : le designer Stephen Sprouse avait le premier, en 2001, donné l'assaut à la célèbre toile marron monogrammée, la recouvrant de son écriture façon graffiti.

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Les bâtiments les plus originaux du monde (Architecture)

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Les bâtiments les plus originaux du monde (Architecture)

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Les Bâtiments les plus originaux du monde

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Le P'tit Libé explique l'art contemporain aux enfants

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Des œuvres du monde entier sont en ce moment réunies à Paris pour la Fiac, la Foire internationale d'art contemporain. C'est comme un grand musée mais où tout se vend ! Dans ce nouveau numéro, je te fais découvrir les coulisses du monde de l'art.

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PROPOSITION D'EXPRESSION ÉCRITE À PARTIR D'UN TABLEAU

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PROPOSITION D'EXPRESSION ÉCRITE À PARTIR D'UN TABLEAU

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Sylvain Coissard a inventé -à l'aide d'images supplémentaires- une histoire derrière de célèbres tableaux. Dans son livre "Les (vraies) histoires de l'art", il utilise une peinture en dernière image (3Ž) et crée les 2 précédentes (1 et 2) pour imaginer ce qui s'est passé juste avant la réalisation de l'oeuvre.

À partir de son travail sur le tableau de Gustave Courbet " Le désespéré " (1843)Ž, vous allez raconter à votre tour, cette petite histoire avec vos propres mots :

Voici ma fiche péda en pdf :

topito-histoire-peinture-courbet-le-desespere1

D'abord, vous inventerez la description de la première (1) et de la dernière image (3)Ž, à l'imparfait de l'indicatif comme dans l'exemple.

Ensuite, vous imaginerez la deuxième image (2) et l'événement qui a pu se produire -selon vous- en utilisant le passé composé.

Vérifiez ensuite sur le lien de topito l'"évènement déclencheur" du tableau.

Si cette ressource vous plaît, vous pouvez également utiliser ma fiche pédagogique pour " La Chambre" de Vincent Van Gogh.

Et si vous voulez plus de TOPITO dans vos cours, jetez un oeil à mes activités topitesques.

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TOPITO: "Top 12 des histoires derrière les grandes peintures de l'histoire"-"Le désespéré" de Gustave Courbet (auteure invitée)

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Sylvain Coissard a inventé -à l'aide d'images supplémentaires- une histoire derrière de célèbres tableaux. Dans son livre "Les (vraies) histoires de l'art" , il utilise une peinture en dernière image (3Ž) et crée les 2 précédentes (1 et 2) pour imaginer ce qui s'est passé juste avant la réalisation de l'oeuvre.

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PROPPED: TRÈS CHÈRE JENNY SAVILLE

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Suite à la vente record d'une de ses toiles, pour la somme extravagante de 10,81 millions d'euros, Jenny Saville devient la femme artiste la mieux cotée au monde ! //

Fascinée par la chair et les corps nus, qu'ils soient difformes, démesurés ou absents des médias (femmes enceintes, transexuels etc.), Jenny Saville révolutionne le monde de l'art contemporain depuis les années 1990. Sa toile gigantesque Propped a été vendue près du triple de son estimation originelle de 4 millions d'euros : l'acquéreur a ainsi payé l'équivalent de 10,81 millions d'euros !

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Actu - Jenny Saville est l'artiste féminine la plus chère !

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Suite à la vente record d'une de ses toiles, pour la somme modique de 10,81 millions d'euros, Jenny Saville devient la femme artiste la mieux cotée au monde ! // Propped, (c) Jenny Saville, 1992, tous droits réservés Fascinée par la chair et les corps nus, qu'ils soient difformes, démesurés ou absents des médias (femmes enceintes, transexuels etc.), Jenny Saville révolutionne le monde de l'art contemporain depuis les années 1990.

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Jenny Saville, monumentale, artiste vivante la plus chère au monde

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Sa toile "Propped" vient d'être vendue à Sotheby's pour 10,81 millions d'euros.

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Comment réagirait un amateur d'art s'il trouvait une peinture Ikea dans un musée ? Pour le savoir, un homme a demandé à des gens de donner leur avis à propos d'un tableau acheté chez le géant du meuble suédois qu'il a ensuite exposé parmi les toiles de maîtres.

Si cette expérience date de 2015, elle n'en est pas moins savoureuse ! Acheté 10 euros chez Ikea, ce tableau d'inspiration "street art" a fait grand effet auprès de ces amateurs de peinture venus visiter le musée d'Art Moderne de Arnhem aux Pays-Bas. Pour réaliser une petite blague et tromper leur sens critique, cet homme a eu l'idée d'exposer au beau milieu de ce musée, une toile achetée à bas prix chez le géant du meuble.

Confrontées à ce tableau signé par un certain "Ike Andrews", de nombreuses personnes n'ont pas hésité à donner un avis très positif en estimant même que celui-ci devait valoir des sommes astronomiques. Lorsque ensuite ils ont su qu'il s'agissait d'un tableau acheté chez Ikea, beaucoup d'entre eux n'en sont pas revenus d'avoir été victimes d'une telle supercherie.

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Il fait évaluer un tableau Ikea dans un musée d'Art Moderne par des experts

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Comment réagirait un amateur d'art s'il trouvait une peinture Ikea dans un musée ? Pour le savoir, un homme a demandé à des gens de donner leur avis à propos d'un tableau acheté chez le géant du meuble suédois qu'il a ensuite exposé parmi les toiles de maîtres.

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TECHNOLOGIE  POUR LA TRANSFORMATION DES CARRIERES

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TECHNOLOGIE  POUR LA TRANSFORMATION DES CARRIERES

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Une déambulation dans les plus grands chefs-d'oeuvre de Van Gogh !

Les Carrières de Lumières mettent à l'honneur les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux, aujourd'hui dispersés à travers le monde. Sur les 7000 m² des Carrières, cette nouvelle création visuelle et sonore retrace la vie intense de l'artiste fasciné par les teintes chaudes et colorées de la Provence.

Les nuages, soleils et portraits des plus grands chefs-d'oeuvre de Van Gogh s'animent sur des murs de plus 15 mètres de haut et révèlent le style si singulier de l'artiste. L'exposition évoque le monde intérieur à la fois démesuré, chaotique et poétique de Van Gogh à travers ses toiles les plus emblématiques, de la Nuit étoilée (1889) aux Tournesols (1888) en passant par sa célèbre Chambre à coucher peinte à Arles en 1889.

À travers un parcours thématique, découvrez l'immense production de Van Gogh qui évolue au fil des ans. Le soleil de Provence, qui a révolutionné sa manière de peindre, illumine l'espace gigantesque des Carrières. Les coups de brosse expressifs et les couleurs audacieuses se révèlent sur les murs des Carrières, soulignant un dialogue permanent entre l'ombre et la lumière.
Parcourez les différentes étapes de sa vie et voyage au cœur de ses œuvres de jeunesse jusqu'à ses paysages ensoleillés et ses nocturnes du Sud qui ont révélé l'artiste que nous connaissons aujourd'hui.

La création visuelle et musicale produite par Culturespaces et réalisée par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi, met en lumière la richesse chromatique des plus grands chefs-d'oeuvre de Van Gogh, mis en mouvement grâce à l'équipement technique de pointe AMIEX®.

Les Carrières de Lumières mettent à l'honneur les oeuvres de Vincent van Gogh qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux. Sur les 7000 m² des Carrières, cette nouvelle création visuelle et sonore retrace la vie intense de l'artiste fasciné par les teintes chaudes et colorées de la Provence.

Les nuages, soleils et portraits des plus grands chefs-d'oeuvre de Van Gogh s'animent sur des murs et révèlent le style si singulier de l'artiste. L'exposition évoque le monde intérieur à la fois démesuré, chaotique et poétique de Van Gogh à travers ses toiles les plus emblématiques, de la Nuit étoilée (1889) aux Tournesols (1888) en passant par sa célèbre Chambre à coucher peinte à Arles en 1889.

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Van Gogh, La nuit étoilée | Carrières de Lumières - Site officiel

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Une déambulation dans les plus grands chefs-d'oeuvre de Van Gogh !Les Carrières de Lumières mettent à l'honneur les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux, aujourd'hui dispersés à travers le monde.

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Ce qui va suivre est une introduction de type art moderne : aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaAaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa

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Miroir, rouge-sang - Gerhard Richter - 1,100,000 $

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Spatial concept, waiting - Lucio Fontana - 1,500,000 $

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Vert et Blanc - Ellsworth Kelly - 1,600,000 $

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Sans nom - Mark Rothko - 28,000,000 $

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Sans nom - Blinky Palermo - 1,700,000 $

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Le chien - Joan Miro - 2,200,000 $

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White Fire I - Barnett Newman - 3,800,000 $

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Sans nom - Cy Twombly - 69,600,000 $

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Cowboy - Ellsworth Kelly - 1,700,000 $

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Fool - Christopher Wool - 5,000,000 $

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Riot - Christopher Wool - 29,900,000 $

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Onement Vi - Barnett Newman - 43,800,000 $

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Black Fire - Barnett Newman - 84,200,000 $

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Orange, Rouge, Jaune - Mark Rothko - 86,900,000 $

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Light Anna - Barnett Newman - 105,700,000 $

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Vu que ça a l'air de pas mal marcher, on a décidé de se lancer nous aussi dans l'art moderne, voici nos premières créations ainsi que les prix auxquels nous souhaitons les vendre.
Deux Bandes - 4,500,000 $

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Cette oeuvre n'a pas de nom - 7,500,000 $

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253 nuances de gris - 16,000,000 $

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Couleurs - 54,000,000 $

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Wessack - 88,500,000 $

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Promenade sous pluie d'automne - 112,532,421 $
Source : Izismile

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Les œuvres absurdes d'art moderne qui coûtent quand même une fortune

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Ce qui va suivre est une introduction de type art moderne : aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaAaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa ... ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ Vu que ça a l'air de pas mal marcher, on a décidé de se lancer nous aussi dans l'art moderne, voici nos premières créations ainsi que les prix auxquels nous souhaitons les vendre.

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Sympa - Inspiration. Création. Admiration.

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C'est surprenant, mais certaines choses très bizarres sont devenues de grandes œuvres d'art. Par exemple, une tasse avec une soucoupe en peau, une planche avec des épines, un pot de chambre, et même un flacon avec des déchets d'origine humaine. À toi de voir si tu les considères aussi comme des œuvres d'art. En tout cas, elles ont toutes été hautement valorisées par les experts et le public.

Sympa te propose une petite collection d'œuvres d'art littéralement extra-ordinaires, qui ont apporté à leurs créateurs une renommée mondiale et des revenus conséquents.

"Kit pour petit-déjeuner en peau", Meret Oppenheim

Une tasse, une soucoupe et une cuillère recouvertes de peau naturelle ont apporté une renommée mondiale à un artiste surréaliste suisse en 1936. Cette composition absurde est devenue un classique reconnu du surréalisme et du dadaïsme, car il associe deux choses incompatibles et se joue du bon sens.

Actuellement, cet ensemble se trouve au Musée d'Art Moderne de New York. Il semble que pendant toutes ces années il n'ait absolument pas souffert des attaques de mites, si bien que si l'on décidait de le vendre aux enchères, il coûterait certainement des millions à son acquéreur.

"M*rde d'artiste", Piero Manzoni

L'artiste conceptuel italien a affirmé que son projet était centré sur la crédulité des acquéreurs qui "n'apprécient que la m*rde". Il paraît que chacune des boîtes numérotées (il y en a 90 au total) contient 30 grammes d'excréments de Manzoni lui-même, mais d'après son collègue, l'artiste Agostino Bonalumi, en réalité elles ne contiennent que du plâtre.

Les inscriptions en italien, anglais, français et allemand disent : "M*erde d'artiste. Poids net : 30 grammes. À conserver au naturel. Produite et mise en boîte en mai 1961". Quant à leur coût, il était initialement le même qu'un poids égal en or : 37 dollars. Mais le 23 mai 2007, l'une des boîtes a été vendue pour 124 000 euros lors d'une vente aux enchères de Sotheby's.

Photo "Rhein II", Andreas Gursky

Comme le titre nous l'indique, il s'agit d'une photo du Rhin. Mais tous les détails (la centrale électrique, les installations portuaires et un homme se promenant avec son chien) ont été supprimés de façon numérique. Mais ces retouches n'ont pas empêché l'œuvre de Gursky de devenir un chef d'œuvre reconnu et la deuxième photo la plus chèrement vendue au monde. L'image a été vendue pour 4,3 millions de dollars, ce qui la classe juste en-dessous de la photo "Phantom" de Peter Lik (6,5 millions de dollars).

"Concept spatial", Lucho Fontana

En général, les défauts gâchent irrévocablement les œuvres d'art, mais ce n'est pas le cas de celles de Lucho Fontana. Cet artiste s'est spécialisé dans les tableaux déchirés, dont beaucoup se sont vendus à des prix astronomiques. Celui que l'on voit sur la photo a été vendu en 2012 dans une vente aux enchères de Christie's à Londres pour 1,5 million de dollars. Toutefois, en comparaison avec les tableaux les plus chers de l'histoire, ce prix est plutôt raisonnable.

"Carré noir", Kazimir Malévich

Tant que nous sommes dans les tableaux, il serait injuste de ne pas parler du célèbre "Carré noir" de Malevich. Peu de gens le savent, mais il existe deux autres carrés du même artiste : rouge et blanc. Et aussi d'autres tableaux dans la même série : "Cercle noir", "Croix noire", et d'autres variations sur le même thème, signées du même Kazimir Malevich, et qui diffèrent en texture et en couleur.

Le tableau se trouve actuellement dans un musée et il n'est pas en vente, mais d'après l'hôtel des ventes Sotheby's, sa valeur est estimée à 20 millions de dollars.

"Venus de Milo à tiroirs", Salvador Dali

Il s'agit de l'une des œuvres les plus célèbres de Dali, dont on essaie encore aujourd'hui de déchiffrer le sens. Pourquoi l'artiste a-t-il ressenti le besoin de défigurer (le mot est faible) la belle Venus ? Il a sans doute voulu représenter une "fouille" psychologique, lorsque l'on essaie de percer la carapace de quelqu'un afin de comprendre ce qui se cache au fond de son âme.

La sculpture se trouve dans un musée, mais on peut facilement imaginer que les collectionneurs seraient prêts à payer des millions pour l'acquérir. D'ailleurs, le moule de la statue a été réalisé par Marcel Duchamp, un collègue de Dali non moins excentrique que lui. Tu découvriras son chef d'œuvre à la fin de l'article.

"Cadeau", Man Ray

Cet objet original est devenu une œuvre d'art de façon accidentelle. L'artiste avait prévu de l'offrir au propriétaire d'une galerie à Paris, le poète Philippe Soupault. Mais au dernier moment, il a changé d'avis et l'a intégré à son exposition. Le "Cadeau" est devenu incroyablement populaire, si bien qu'on en a fait plusieurs copies. Sachant que les autres œuvres de Man Ray ont été vendus pour plusieurs millions de dollars, on peut supposer que cette "planche à pointes" l'aurait été aussi.

"Sans titre", Cy Twombly

Cet incroyable tableau ressemble à des gribouillis d'enfant, ou à une feuille de papier sur laquelle on aurait essayé frénétiquement un stylo. Mais apparemment, les vrais connaisseurs en art y voient quelque chose de plus, autrement comment expliquer que ce tableau "Sans titre" ait été vendu pour un montant record de 70 millions de dollars en 2015 lors d'une vente aux enchères de Sotheby's ?

"Blue Fool", Christopher Wool

À la différence du précédent, l'artiste américain contemporain Christopher Wool préfère ne pas abuser des gribouillis chaotiques, mais au contraire utiliser des lettres claires et bien tracées. Malgré leur apparente simplicité, les œuvres de l'artiste ne sont pas spécialement bon-marché. Le tableau que l'on voit sur la photo a été vendu pour cinq millions de dollars. Une autre œuvre de Wool a malheureusement subi le caprice d'un vandale inconnu : le 4 mai 2017, lors d'une exposition à l'Opera Gallery d'Aspen, un individu masqué a détruit son tableau "Sans titre 2004", qui valait 3 millions de dollars.

"La Fontaine", Duchamp

Comme on peut le voir, la "Fontaine" est un banal urinoir signé "R. Mutt". Bizarrement, cet objet a été reconnu comme la meilleure œuvre de son époque, et est considéré comme un jalon important dans l'art du XXème siècle.

L'artiste a réagi à la popularité de sa création en ces termes : "Je leur ai balancé un urinoir à la figure et maintenant, ils admirent sa perfection esthétique".

L'original de la "Fontaine" a disparu, on suppose qu'il a été jeté comme un vieil objet ne servant plus. Mais l'une des copies de cette œuvre a été vendue en 1999 lors d'une vente aux enchères de Sotheby's pour 1,7 millions de dollars.

Et toi, comprends-tu le succès de ces œuvres et les prix qu'elles atteignent ou restes-tu complètement hermétique ?

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Ces œuvres d'art sont ridicules, et pourtant, elles coûtent une fortune

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C'est surprenant, mais certaines choses très bizarres sont devenues de grandes œuvres d'art. Par exemple, une tasse avec une soucoupe en peau, une planche avec des épines, un pot de chambre, et même un flacon avec des déchets d'origine humaine. À toi de voir si tu les considères aussi comme des œuvres d'art.

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Cette fiche méthodologique est proposée par Sciences Po, associé à OpenClassrooms, pour accompagner les lycéens vers le bac et les études supérieures. Nous publions progressivement neuf fiches e-methodo conçues par des enseignants de lycées et de Sciences Po : rédiger une dissertation, un commentaire de texte, prendre des notes, lire une carte, faire une recherche sur Internet, organiser son temps durant un examen ou un concours.

Introduction

Pourquoi analyser une image ? Parce que les images, quel que soit leur type, ont forcément quelque chose à nous apprendre. Ce message visuel a son propre langage, avec ses propres codes, et a toujours une ou plusieurs fonction(s) : communiquer, convaincre, persuader, critiquer, etc.

Pour analyser une image, vous devez donc :

1. Décrire objectivement (" ce que je vois ")

2. Mettre en contexte (" ce que je sais ")

3. Interpréter et critiquer (" ce que j'en déduis ")

Décrire l'image

Avant de commencer à décortiquer l'image et l'analyser tel un détective, prenez le temps de la regarder. Ce n'est pas perdre son temps. N'hésitez pas à écrire dessus, entourer les éléments importants, tracer des lignes, etc. La première chose qu'on vous demande, c'est : " Qu'est-ce que vous voyez ? "
Introduire le sujet
Tout d'abord, vous devrez être capable d'identifier le type d'image et le sujet traité. Vous commencerez cet exercice d'analyse en répondant aux questions suivantes :

Qui est l'auteur de l'image ?

Quelle est la date de création et/ou de publication ?

Où a-t-elle été publiée ? (Pays, mais aussi le support : journal, livre, galerie d'art, etc.) ou bien encore, s'il s'agit d'une œuvre d'art : où l'œuvre est-elle conservée ?

Quel est le titre de l'image ?

Quelle est la technique employée ?
- photographie,
- dessin (fusain, crayons de couleurs, pastels, etc.),
- gravure (sur cuivre, sur bois, lithographie)
- collage
- peinture (à l'huile, aquarelle, acrylique, etc.)
-...

Pouvez-vous préciser la nature de l'image ?
- dessin de presse/caricature
- photographie d'actualité (celle-ci peut être également une photographie politique, une photographie documentaire, etc.)
- affiche culturelle, politique ou publicitaire
- carte postale
- planche de bande dessinée
- œuvre d'art (celle-ci peut être un tableau, une photographie, un dessin, un collage, etc.)
-...

Quel est le format de l'image originale ?

L'image a-t-elle été modifiée ? A-t-elle été recadrée par rapport à l'original ? A-t-elle été retravaillée sur Photoshop (par exemple) ?

Qu'est-ce qui est représenté sur l'image ? Quel est le sujet, la thématique principale ?
- des personnages ? Connus ou non ? Des politiques ? Des stars ? Des hommes ? Des femmes ? Des animaux ?
- un symbole
- un paysage
- un objet
- une scène, une bataille, un événement connu
- quel est le thème : religieux, profane, historique, politique, publicitaire, etc.
- y a-t-il un rapport entre le titre de l'image et le sujet ?
-...

A partir de ces éléments, vous pouvez déjà brièvement faire un inventaire et présenter l'image en nommant l'auteur, l'année, la source du document et le thème principal. Regardons cet exemple. Remarque : le site nous impose de noter la source de l'image, mais dans cet exercice, considérez qu'aucune légende ne vous est fournie.

Voici ce que vous pourriez en dire :

Il s'agit d'une photographie qui nous montre deux hommes d'Etat. Leurs ombres nous permettent de deviner qu'il s'agit de François Hollande, président de la République française, et Laurent Fabius, son ministre des affaires étrangères. Les deux personnes discutent dans l'embrasure d'une porte d'un bâtiment officiel (sans doute l'Elysée ou le Quai d'Orsay). On peut identifier le contexte officiel grâce à la présence du tapis rouge, des huissiers de chaque côté des portes et d'une haie d'honneur de gardes républicains. Au bout de l'allée, en suivant la ligne de fuite de la photographie, on arrive sur les policiers en faction à l'entrée du portail de l'édifice. On peut supposer qu'il s'agit donc d'une photographie d'actualité, sur un sujet politique.
Faire l'analyse formelle de l'image
Pour poursuivre votre découverte de l'image, vous devrez répondre à la question suivante : comment le sujet est-il représenté ?

Euh, mais c'est quoi l'analyse formelle ?

L'analyse formelle, c'est la description objective des éléments composants l'image. Pour cela, vous devrez décrire et proposer une première analyse des éléments suivants :

Vous pouvez visualiser ou télécharger ici une grille d'analyse sur laquelle vous appuyer. Elle n'est pas exhaustive. Pour rappel, les interprétations indiquées ne sont pas systématiques, non plus. Elles sont là à titre indicatif et restent des généralités.

Repartons de notre premier exemple. Quelle serait votre analyse formelle ? Vous pouvez utiliser la grille d'analyse vue ci-dessus.

Crédit : Présidence de la République - Pascal Segrette.

Mettre en contexte

Une image, c'est la représentation visuelle d'un événement, d'une opinion, ou une vision personnelle sur un sujet. L'interprétation de l'auteur est toujours liée à son époque, au contexte politique, économique, culturel d'une période. Sa ou ses fonction(s) est parfois de convaincre, de critiquer, ou de représenter un événement ou une personne. Vous devez donc mettre en contexte l'image pour bien la comprendre.

Très bien. Comment dois-je m'y prendre ?

Pour l'étude du contexte, je vous conseille d'observer quatre éléments :

Le contexte artistique et technique : dans quel est contexte artistique (mouvement artistique par exemple) ou technique se situe l'œuvre ?

L'auteur : qui a réalisé l'image et quel est le rapport avec son histoire professionnelle (éventuellement personnelle) ?

Le commanditaire : qui a commandité l'image ? Un particulier ? Une agence de publicité ? Un journal ? Le gouvernement ? Quelle est l'orientation politique du commanditaire ?

Le contexte historique, politique, économique, culturel : en quelle année/période cette image a été réalisée : période de guerre, crise économique, guerre froide ? En un mot, que savez-vous du contexte de création de l'image ?

Reprenons l'image précédente. Selon vous, quels éléments vous permettent de contextualiser la photographie ? Vous permettent-ils d'en déduire quelque chose ?

C'est une photographie d'actualité dont le sujet est politique. Compte tenu de la place privilégiée du photographe par rapport aux figures principales, je suppose qu'il s'agit d'une photo officielle et validée par le gouvernement. Cela fait donc partie de sa communication pour promouvoir le gouvernement et sa politique.
Allez, à vous de jouer !
Regardez les images suivantes. Que savez-vous d'elles ? De leur auteur ? De l'époque ? Etc.

1. Tableau de Picasso

Pablo Picasso, Guernica, 1937.
Technique : huile sur toile, dimensions : 349 x 748 cm.
Localisation : musée Reina Sofia, Madrid.

2. La publicité Orangina Eau

Crédit : droits réservés (DR).

Marque : Orangina Miss O !
Agence : Fred & Farid.
Directeur artistique et concepteur-rédacteur : Guillaume Roukhomovsky & Ugo Martinez.
Année : juin 2014.
Interpréter
A partir de l'analyse formelle et objective faite ci-dessus, vous devrez maintenant interpréter et donner du sens à l'image. En un mot, je vous demande d'essayer de définir la façon dont l'image fonctionne dans son contexte et de dire ce que vous pensez de cette image, en exerçant votre esprit critique. Je dis bien, l'image ! En effet, il ne s'agit pas d'interpréter les intentions de l'auteur. Eh oui ! Le processus de création est complexe et engage aussi l'inconscient de son auteur. Si le publicitaire a bien l'intention de créer une image pour transmettre un ou plusieurs message(s) précis, il faut savoir que son projet n'aboutit pas toujours. En outre, les artistes se situent souvent plus dans une démarche d'expression que de communication. Analyser une image signifie donc bien se placer du côté du récepteur.

Vous devrez répondre aux questions suivantes :

Quelle(s) est/sont la ou les fonction(s) de cette image ?

Quelle symbolique se dégage de l'image ?

De quelle manière cette image vous parle ?

Comment je fais ?

Pour vous aider, vous devrez :

Dans le cas d'une publicité par exemple, identifiez la cible (à qui s'adresse cette image ? Et pourquoi s'adresse-t-elle à ce public de telle ou telle manière ?). Cela vous aidera à avoir un contexte et à comprendre l'image.

Chercher les significations possibles à l'analyse formelle, faite dans l'étape précédente.

Chercher d'autres images dont la comparaison aide à éclairer les significations de l'image analysée.

Donner votre interprétation en vous appuyant sur la description précise et en utilisant les verbes suivants :
- l'image symbolise.../évoque.../fait référence à...
- l'image suggère...
- l'image donne l'impression de...
- l'image exprime un sentiment de...

Très bien, et concrètement, ça donne quoi ?

Repartons de notre exemple.

La photo dégage d'abord une impression de solennité et de gravité : les silhouettes sont droites et relativement hiératiques, et les deux personnages visiblement plongés dans une discussion de travail, d'importance. La fonction présidentielle en probable déplacement auprès du ministre des affaires étrangères suppose une nécessité prioritaire, voire urgente. On peut supposer que, si la photographie est récente, les motifs d'entretien sont : l'Ukraine, la Centrafrique, le Mali, voire la Syrie qui fait l'objet d'une actualité française moins brûlante toutefois dans la période proche. Les arbres sans feuille au fond et la faible luminosité nous indiquent plutôt que la photographie a été prise l'hiver. Le contraste de lumière illustre assez bien la nécessaire discrétion que requiert le travail de diplomatie et les deux décideurs en la matière sont presque cachés, dans l'ombre, reconnaissables par leur seule silhouette, et entourés de fonctionnaires soumis au secret professionnel. Ainsi, le " secret défense ", les négociations secrètes sont assez bien incarnés par le clair-obscur de la photographie. En outre, plus l'œil se dirige vers l'extérieur, plus la lumière apparaît ce qui peut laisser penser à la coexistence de ces deux mondes : celui des bureaux et des services bien différenciés de celui de la communication et des médias, censés mettre au grand jour les affaires du pays.

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Proposée par Sciences Po et OpenClassrooms, cette fiche méthodologique, quatrième d'une série de neuf, donne, en vidéo et textes, les clés pour analyser une image.

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LA TÂCHE FINALE DE L'UNITÉ, UN DÉFI DE GROUPE QUE VOUS POUVEZ RELEVER DE MANIÈRE INDIVIDUELLE

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LA TÂCHE FINALE DE L'UNITÉ, UN DÉFI DE GROUPE QUE VOUS POUVEZ RELEVER DE MANIÈRE INDIVIDUELLE

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Ou bien faites comme les défis du Getty Museum

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Ou bien faites comme les défis du Getty Museum

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Les musées ne manquent pas d'idées pour nous occuper pendant le confinement. Bien qu'ils aient tous fermé leurs portes, les musées lorrains et franc-comtois ne sont pas en reste en proposant des hashtags, cours en ligne, quizz et visites virtuelles. Mais c'est sûrement le Getty Museum, à Los Angeles, qui remporte la palme de la créativité. L'institution a inventé un challenge original pour les amoureux de l'art : reproduire des tableaux connus, chez vous, avec ce que vous avez sous la main.

Les règles sont simples. Prenez vous en photo en récréant un tableau célèbre, et postez-la sur les réseaux sociaux avec le hashtag #gettymuseumchallenge. N'oubliez pas de poster également la photo du tableau d'origine.

Le moins qu'on puisse dire, c'est que ce défi a inspiré les internautes. Leurs réinterprétations sont bien souvent drôles, bien faites et offrent une distraction bienvenue pendant ce confinement. Pour vous inspirer, voici quelques exemples particulièrement bien réussis. A vous de jouer !

De quoi occuper les enfants tout en leur faisant une petite leçon d'histoire

"Méduse", Le Caravage, ca 1597 #gettymuseumchallenge pic.twitter.com/roR31YGMyx
- Benjamin Bober (@bbober) 8 avril 2020

Si vous n'avez pas envie de vous mettre en scène, pas de souci. Faites avec ce qui vous tombe sous la main !

Ma contribution au #gettymuseumchallenge avec le Cri de Munch. pic.twitter.com/LZK1g85nog
- Decimaitre (@Decimaitre) 5 avril 2020

N'hésitez pas à détourner un peu le tableau.

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Confinement. Le #Gettymuseumchallenge, le défi créatif qui amuse les réseaux sociaux

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Les musées ne manquent pas d'idées pour nous occuper pendant le confinement. Bien qu'ils aient tous fermé leurs portes, les musées lorrains et franc-comtois ne sont pas en reste en proposant des hashtags, cours en ligne, quizz et visites virtuelles. Mais c'est sûrement le Getty Museum, à Los Angeles, qui remporte la palme de la créativité.

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Le Clin d'oeil: les Franciliens se lancent des défis sur les réseaux sociaux pendant le confinement.

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Tous les jours dans le Clin d'Oeil, Bonjour Paris vous propose une revue de presse des réseaux sociaux pendant le confinement.

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LE DÉFI DE MARLE... SUR DES TABLEAUX DE GAUGUIN

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LE DÉFI DE MARLE... SUR DES TABLEAUX DE GAUGUIN

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Merci Marle, un défi très courageux et artistique !

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Johannes Stötter, un peintre corporel qui combine illusion et réalité. 

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Johannes Stötter, un peintre corporel qui combine illusion et réalité. 

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La splendide beauté de l'art dans toutes ses manifestations…Le mimétisme de l'homme dans la nature à travers la peinture corporelle.
(Marle)

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NAPOLÉON FRANCHISSANT LES ALPES

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REGARDEZ CETTE BANDE ANNONCE ET FAITES UN RÉSUMÉ DE CE QUI A ÉTÉ DIT. PUIS, PRÉPAREZ VOTRE INTERVENTION DANS LE DÉBAT DE LA SEMAINE PROCHAINE

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REGARDEZ CETTE BANDE ANNONCE ET FAITES UN RÉSUMÉ DE CE QUI A ÉTÉ DIT. PUIS, PRÉPAREZ VOTRE INTERVENTION DANS LE DÉBAT DE LA SEMAINE PROCHAINE

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Esto es así tal como se relata ,,,, el artista es: Eso un artista ,,,, no se lleva con la parte comercial ,,,,es el que vende lo que hace ,,,, pero no trabaja para vender y esto es así ,,,, nuestro placer es disfrutar ,,, ser ante todo coherente ,,,,el placer que produce cuando uno encuentra lo que estaba buscando,,,,,,es lo que justifica el esfuerzo ,,,, el trabajo y las horas que le dedicas ,,,, con el vaso de vino o la taza de te en la mano ,,,, observando tu trabajo ya esta. El documental muy bueno ,,,muy bien realizado ,,, buenas imágenes Y Larry Poons es un gran Artista ,,,, es un personaje adorable

hace 13 horas (Editado)

Gracias a dios que siguen habiendo artistas como Larry Poons.

Un documental interesante, con buen ritmo, que aborda la cuestión del valor monetario del arte contemporáneo.

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Esto es así tal como se relata ,,,, el artista es: Eso un artista ,,,, no se lleva con la parte comercial ,,,,es el que vende lo que hace ,,,, pero no trabaja para vender y esto es así ,,,, nuestro placer es disfrutar ,,, ser ante todo coherente ,,,,el placer que produce cuando uno encuentra lo que estaba buscando,,,,,,es lo que justifica el esfuerzo ,,,, el trabajo y las horas que le dedicas ,,,, con el vaso de vino o la taza de te en la mano ,,,, observando tu trabajo ya esta.

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NOUVEAU LIEN POUR VOIR LA VIDÉO DE BERTHE MORISOT

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NOUVEAU LIEN POUR VOIR LA VIDÉO DE BERTHE MORISOT

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Quèsaco - « Le berceau », 1872 - Berthe Morisot

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POUR ALLER PLUS LOIN... CONFÉRENCE INAUGURALE DE L'EXPOSITION DE BERTHE MORISOT

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POUR ALLER PLUS LOIN... CONFÉRENCE INAUGURALE DE L'EXPOSITION DE BERTHE MORISOT

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Conférence inaugurale de l’exposition "Berthe Morisot (1841-1895)"

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Berthe Morisot au Musée d'Orsay - La révélation (tardive). Vidéo exposition YouTube

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LA TÂCHE ORALE FINALE DE L'UNITÉ, UN DÉFI DE GROUPE QUE VOUS POUVEZ RELEVER DE MANIÈRE INDIVIDUELLE

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LA TÂCHE ORALE FINALE DE L'UNITÉ, UN DÉFI DE GROUPE QUE VOUS POUVEZ RELEVER DE MANIÈRE INDIVIDUELLE

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Edouard Manet - Le déjeuner sur l’herbe | TV5MONDE Culture

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Mais pourquoi cette femme est-elle nue pour pique-niquer avec ces messieurs ? Et d’où vient cette impression que la perspective et l’éclairage sont un peu curieux ? En 1863, Edouard Manet bouscule les conventions ; à partir de thèmes classiques, il compose une toile qui va marquer son époque.

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PROPOSITION DE TÂCHE ÉCRITE, INTERPRÉTER UN TABLEAU

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PROPOSITION DE TÂCHE ÉCRITE, INTERPRÉTER UN TABLEAU

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+-200 MOTS

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Expo - Berthe Morisot, enfin au musée d’Orsay

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EXERCICES ENTRE NOUS 4 LE SUBJONCTIF PASSÉ

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EXERCICES ENTRE NOUS 4 LE SUBJONCTIF PASSÉ

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JE METTRAI LES TÂCHES D'ÉVALUATION À PARTIR DE LA SEMAINE DU 12 MAI, POUR QUE VOUS PUISSIEZ LES FAIRE TRANQUILLEMENT 

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JE METTRAI LES TÂCHES D'ÉVALUATION À PARTIR DE LA SEMAINE DU 12 MAI, POUR QUE VOUS PUISSIEZ LES FAIRE TRANQUILLEMENT 

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Voici un film magnifique ! Peut-être un peu compliqué à comprendre si vous le regardez en VO mais un chef d'oeuvre pour les amateurs d'art.

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Título original

Ruben Brandt, Collector

Año

2018

Duración

96 min.

País

Hungría

Dirección

Milorad Krstic

Guion

Milorad Krstic, Radmila Roczkov

Música

Fotografía

Reparto

Animation

Productora

Género

Animación. Thriller | Robos & Atracos. Neo-noir. Pintura. Animación para adultos

Sinopsis

El psicoterapeuta Ruben Brandt sufre pesadillas violentas inspiradas en 13 obras de arte famosas, como "Retrato del cartero Joseph Roulin", de Van Gogh, la "Venus of Urbino, de Tiziano, o "Mujer con libro", de Picasso. Cuatro de sus pacientes, que son ladrones expertos, se ofrecen para robar todas esas obras maestras, ya que creen que una vez que las posea desaparecerán las pesadillas. Brandt acepta el plan y ellos se cuelan en museos y galerías de arte de todo el mundo. Brandt se convierte en "el colecionista", uno de los delincuentes más buscados. Gangsters y cazarrecompensas le buscan para ganar los 100 millones de dólares que se pagan por su captura. Al mismo tiempo, un grupo de compañías de seguros contrata a Mike Kowalski, un detective privado y experto en robos de arte, para resolver el caso. (FILMAFFINITY)

Premios

2018: Festival de Sevilla: Mejor guión y Mejor ópera prima

2018: Premios Annie: Nominada a Mejor película independiente y Montaje

2018: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor film de animación

2018: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje de animación

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Director: Milorad Krstic | Reparto: Animation | Género: Animación | Sinopsis: El psicoterapeuta Ruben Brandt sufre pesadillas violentas inspiradas en 13 obras de arte famosas, como "Retrato del cartero Joseph Roulin", de Van Gogh, la "Venus of Urbino, de Tiziano, o "Mujer con ...