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Ce spectacle était réalisé en 2001 par Jean Lambert-Wild et Jean-Luc Therminarias. Un comédien porte des capteurs de rythme cardiaque, de respiration, de température et de conductivité de la peau. Ces données sont utilisées en temps réel pour influencer les mouvements et l’évolution de quelques organismes projetées. L’hypothèse est que les données indiquent les émotions du comédien.

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Et c'est cette expression prise en dehors de toute détermination et explication culturelle que j'aimerais retrouver dans . Par sa structure et sa thématique, Orgia nous renvoie à la tragédie antique, mais aussi bien à la Divine Comédie de Dante ou aux gisants peints par Mantegna. Orgia est un chant mythologique. J'y entends la difficulté que l'être humain a à communiquer dès que la structure de communication dépasse la structure déterminée de sa pensée. Un élément m'a surpris à la première lecture du texte. Dans le premier Episode entre l'Homme et la Femme, une expression mise en majuscule revient constamment :
Eppure nessuno parlava. / Et pourtant personne ne parlait.
Cette phrase, portée en avant, m'a permis de lire Orgia en évacuant toute l'emprise psychologique des personnages qui nuit à l'action vitale des mots. Quelle est donc la situation d'énonciation possible pour faire entendre ce Théâtre de Parole ? Il n'y a dans le texte aucune indication de décor. Tout lieu peut donc se prêter au rituel de la Parole, à condition toutefois, qu'il permette le rituel. J'ai découvert un lieu au travers du rêve. C'était un lieu d'Abîme où quelqu'un " prit ma main dans la sienne, d'un air joyeux qui me réconforta, il me fit pénétrer dans le monde du mystère. " *(1)

Un Homme perdu s'y enfonçait et dans sa chute, il était accompagné par des organismes primitifs et lumineux - Âmes mortes errantes et métamorphosées d'autres Hommes perdus. J'ai voulu que l'espace scénographique, par le biais du système Daedalus *(2), retrouve ce lieu et cette idée d'enfoncement dont parle Dante. Ainsi les organismes artificiels que nous avons conçus sont les véhicules mystérieux d'une parole qui essaie de vaincre la malédiction de sa solitude en surmontant son incapacité à communiquer.
1 - Extrait du Chant III de l'Enfer de la Divine Comédie de Dante
2 - Le système Daedalus est une interaction diffuse entre des comédiens et des organismes artificiels modélisés et conçus à partir d'algorithmes inspirés d'organismes vivants au fond des océans. Nous nommons ces organismes artificiels des Posydones. Ils sont divisés en deux espèces dotées de comportements spécifiques : les Apharias et les Hyssards. Pour mettre en place le système Daedalus, nous avons utilisé les techniques des systèmes multi-agents. Chaque Posydone est donc un agent, c'est-à-dire une entité qui évolue dans un environnement. Elle est capable de percevoir et d'agir dans cet environnement. Elle peut communiquer avec d'autres agents, et possède un comportement autonome. Par ailleurs les états physiologiques des comédiens sont enregistrés par un ensemble de capteurs dont les informations agissent sur le comportement des Posydones. La visualisation de ces organismes artificiels en 3D dans l'espace scénique est rendue possible par l'utilisation d'un moteur d'animation 3D temps réel (AAASeed) ainsi que par une illusion d'optique basée sur un phénomène de catoptrique.

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Et c'est cette expression prise en dehors de toute détermination et explication culturelle que j'aimerais retrouver dans . Par sa structure et sa thématique, Orgia nous renvoie à la tragédie antique, mais aussi bien à la Divine Comédie de Dante ou aux gisants peints par Mantegna. Orgia est un chant mythologique.

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Réalisé en 2009 par MIT Media Lab, ce spectacle d’opéra utilise des capteurs de respiration et de geste, et un système de traitement de données vocales, pour créer une représentation visuelle d’un personnage qui est hors scène. Le principe est que ces données rendent possible une présence désincarnée.

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Finalist, 2012 Pulitzer Prize for Music

Death and the Powers: A Robot Pageant is a new opera by composer Tod Machover and developed at the MIT Media Lab. It is a one-act, full-evening work that tells the story of Simon Powers, a successful and powerful businessman and inventor, reaching the end of his life and facing the question of his legacy. He is now conducting his final experiment, passing from one form of existence to another in an effort to project himself into the future. Simon Powers is himself now a System. His family, friends, and associates must decide what this means, whether or not he is actually alive, how it affects them, and whether to follow.

Death and the Powers doesn't point the way to a new era of opera. It's there. Now.
David Patrick Stearns, Philadelphia Inquirer

A must-see for anybody who cares about the exciting new techno-driven directions music theater is taking in the early 21 st century.
John von Rhein, Chicago Tribune

The merging of man and machine gets a spectacular morphing in the always-fascinating and often-moving Death and the Powers.

For more information, contact .

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Death and the Powers | Opera of the Future | MIT Media Lab

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Finalist, 2012 Pulitzer Prize for Music Death and the Powers: A Robot Pageant is a new opera by composer Tod Machover and developed at the MIT Media Lab. It is a one-act, full-evening work that tells the story of Simon Powers, a successful and powerful businessman and inventor, reaching the end of his life and facing the question of his legacy.

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Spectacle réalisé par l’équipe HCI au Bauhaus-Universität Weimar en 2015. Les capteurs mesurent les battements de cœur de la comédienne. Ces données sont présentées comme des ondulations dans une vidéo projetée, alors que le volume de la voix de l’actrice détermine la luminosité de l’image.  Les données biométriques sont considérées indicateurs de l’état d’esprit du personnage.

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Dusk - An Interactive Theatre Production.mp4

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In winter term 2014/15, the HCI group offered a project that explores how interactive theatre could look and function like. Therefore, we built innovative elements for a theatre stage, based on technologies like e.g. Arduino or Kinect. Practical parts of this project include stage design, props and costume design, depending on the final concept ideas.
Students from the Computer Science & Media, Human-Computer Interaction, MedienInformatik, Media Architecture, Media Art & Design, and Product Design worked collaborative during the classes. They formed the whole process together in teams, the project depends on the cooperation between creative and technical development.
We chose the story Dusk by Saki for scripting our theatre piece. Based on that, four student teams have developed the following interactive features: A soap prop that can glow, sprinkles bubles and gets activated when coming closer. Interactive skyline and city atmosphere projections changed by the movements of an actor. Interactive projections depending on the voice intensity/volume and heartbeat of the actor. A bench that can change it's color scheme and influences the tempo of sound when the actor sitting on it tilts left or right.
More Infos: uni-weimar.de/projekte/interactive-theatre/

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Spectacle réalisé par une équipe à l’Université Keio et Technische Universität Darmstadt en 2020. Les spectateurs portent des capteurs d’activité électrodermale et cardiaque. Il y a aussi un système de suivi de mouvement des yeux. Les visualisations des données, parfois très simples, parfois plus abstraites, sont projetées, et ces données influencent aussi les paramètres de vidéo, de son et de lumière. Les données sont considérées comme des indicateurs du niveau d’engagement des spectateurs, et les danseurs adaptent leur performance en fonction de ces informations.

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Installation audio-visuelle créée par l'artiste numérique bien connu, Ryoji Ikeda. Il y a des grands écrans, un environnement sonore, et deux interprètes. Les données sont des citations, des données de recherche, et des données générées par les interprètes pendant la performance (en tapant des messages de code Morse, par exemple).

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Ryoji Ikeda :: superposition [updated 28 JAN 2014]

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(This video clip will be constantly updated during tour. Tour dates: www.ryojiikeda.com)

superposition is a project about the way we understand the reality of nature on an atomic scale and is inspired by the mathematical notions of quantum mechanics. Performers will appear in his piece for the first time, performing as operator/conductor/observer/examiners. All the components on stage will be in a state of superposition; sound, visuals, physical phenomena, mathematical concepts, human behaviour and randomness - these will be constantly orchestrated and de-orchestrated simultaneously in a single performance piece. 

Concept, direction and music: Ryoji Ikeda

in collaboration with
Performers: Stéphane Garin, Amélie Grould
Programming, graphics and computer system: Tomonaga Tokuyama, Norimichi Hirakawa, Yoshito Onishi
Optical devices: Norimichi Hirakawa
Stage manager: Simon MacColl 
Technical manager: Tomonaga Tokuyama
Production assistant: Daisuke Sekine

World Première on 14, 15, 16 November 2012 at the Centre Pompidou with the Festival dʼAutomne à Paris (FR)
Avant-Première on 5 August 2012 at ZKM (Karlsruhe, DE)
Commissioned by Festival d’Automne à Paris (FR) for the musical part
Created and developed at Parc de La Villette (Paris, FR), YCAM Yamaguchi Center for Arts and media (JP) and ZKM (Karlsruhe, DE)

Coproduction : Festival dʼAutomne à Paris (FR), Les Spectacles Vivants - Centre Pompidou (Paris, FR), Barbican (London, UK), Concertgebouw Brugge (Bruges, BE), Festival de Marseille (FR), Parc de La Villette (Paris, FR), Kyoto Experiment (JP), ZKM (Karlsruhe, DE), STRP Art and Technology Festival (Eindhoven, NL).
With the support of the DICRéAM-CNC (FR)

Production and Touring : www.quaternaire.org

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Andrea Polli et Glenn Van Knowe ont utilisé les données météorologiques de deux tempêtes (Hurricane Bob et le President's Day Snowstorm) pour créer une installation sonore à Engine 27 à New York.

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Atmospherics/Weather Works is a project that translates data collected from meteorological events into sound. Andrea Polli weaves information from a highly detailed meteorological model of Hurricane Bob, the storm that ravaged coastal areas of the Northeastern United States in August 1991, into a sound composition that illuminates the underlying rhythms of seemingly chaotic events. The turbulent, oscillating composition of deep bass drones and high pitch frequencies was originally created for Engine 27, a gallery in New York that specialized in sound art.

The first version of Atmospherics/Weather Works responded to Engine 27's unique sixteen-channel sound system; this new edition has been specially remastered for the Tang's Elevator Music series.

Exhibition Name

Elevator Music 10
Atmospherics/Weather Works:
Andrea Polli

Exhibition Type

Place

Dates

Jul 14, 2007 - Dec 30, 2007

Curators

Elevator Music 10 is organized by Patrick O'Rourke, Head Designer and Media Specialist, in collaboration with the artist, Andrea Polli.

on-campus page views today: 4

off-campus page views today: 31553

current wind in Saratoga Springs: 3.64 mph, NE

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Elevator Music 10 Atmospherics Weather Works Andrea Polli - Tang Teaching Museum

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Atmospherics/Weather Works is a project that translates data collected from meteorological events into sound. Andrea Polli weaves information from a highly detailed meteorological model of Hurricane Bob, the storm that ravaged coastal areas of the Northeastern United States in August 1991, into a sound composition that illuminates the underlying rhythms of seemingly chaotic events.

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Créée par Ben Rubin et Mark Hansen, cette installation sonore capte les données des millions d'échanges en ligne et les convertit en sons.

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The Listening Post by Ben Rubin and Mark Hanson is an installation composed of 231 electronic displays (11 by 21) set into a grid onto a curved wall. However, it is primarily a sonic piece. It is a real-time visualization of thousands of ongoing online conversations. The screens display random words picked from these conversation, and these words are being told by a text-to-speech program as they change, all overlapping and creating strange harmonies. With each changing word comes a clicking sound, adding to the piece's sonic landscape. A last layer of sampled sounds and dreamy musical compositions match the action of the screens.

Ben Rubin explains that he sees this piece as collaborative storytelling that people engage in without being aware of it:

"When I watch the piece, it tends to get my imagination going, because you see these fragments of text and they're positioned next to each other as if they were in conversation or telling a story but you don't really know what the context was that these were plopped out of" (Rubin & Hansen, 2013). One emotionally-affecting movement filters for phrases beginning "I am" or "I like" or "I love". Sample phrases might be "I am in Chicago" or "I am really tired of this election season." Rubin offered an example, "'I am stuck again here.' Someone says something like that, and you wonder, Who are they? And where are they stuck? And why are they stuck again? To me, it's about where my imagination goes in trying to construct what the context for some of these disembodied statements might be"

(http://modes.io/listening-post-ten-years-on/)

The piece then sends its audience cues of fragmented, separated stories, that people can wonder about, or try and make sense of, using their imagination. This piece is also about people trying to connect through artificial means, as sentences are pulled from chat rooms, online forums, newsgroups and bulletin boards. Or, as Rubin explains:

"There are an untold number of souls out there just dying to connect, and we want to convey that yearning. I hope people come away from this feeling the scale and immensity of human communication" (Mirapaul, 2001).

The piece is also about surveillance, privacy rights, and data malleability. It shows how our online activity is basically public, and available for virtually anyone to use for any purpose. This online life and activity, which is mechanically compiled into sets of data, in which individuality and personality both get lost in translation. The piece also points at the political implication of compiling and using these sets of data, as this data ultimately contains personal stories that were not always meant to be shared with the world as they were created, or written. Hansen and Rubin explain it this way:

"As we become more adept at observing, measuring, and recording both our physical and virtual movements, we can expect to see a proliferation of large, complex data sets. These new digital records of human activity often force us to consider difficult societal questions. From the current debate over privacy on the Internet to ethical concerns over the use of genetic information, we recognize that the now simple act of compiling data has serious political implications. To further complicate matters, the scale and structure of these data make them difficult to comprehend in the large, relegating activities like data analysis to a select few (Hansen & Rubin, 2000)".

The Listening Post has a strong relevance both within the new media art field and its practices, as well as our surveillance, data-driven society. It has offered an innovative way of including real-time data into art for the time at which it was conceived (2001) and has been greatly influential to the new-media art field dealing with data visualization and sonification. For their ground-breaking use of real-time data, Rubin and Hansen have been cited in many academic and artistic follow-on studies and projects. Wes Modes goes as far as saying that "this piece is hailed as a new media masterpiece" ( http://modes.io/listening-post-ten-years-on/). The installation also came out at a time in which gathering of online personal data and its political implications was a very hot topic. The piece is still - if not more - relevant in this aspect as time goes by because online privacy rights have been a growing subject of controversy since 2001. As Modes puts it, "this (online privacy rights) has become ever more politicized since September 11th 2001, the PATRIOT Acts I and II, domestic spying, blanket wiretaps, FISA court abuses, recent NSA revelations, and so many government and corporate privacy abuses the media seem to have grown weary of dragging out George Orwell." ( http://modes.io/listening-post-ten-years-on/). The Listening Post merely relays these raw words and leaves to the audience the opportunity to use it as a conceptual base from which each individual can ask themselves whatever question is sparked in their mind. Do I care about my online privacy? Do I like that the Internet is a somewhat supervised and public virtual place, or should no one be allowed to look into it? Who is watching me, and why? Can this impact my "real" life, and if so, how?

Another artist who dealt with the theme of surveillance in his work is Steve Mann. He coined the term "sousveillance", which can be understood as "under-surveillance". Unlike the Listening Post's omniscient surveillance system, it breaks away from the idea of being watched from above and proposes a surveillance that is brought down to human level, both physically by bringing the surveillance tools down onto people rather than onto buildings, satellites or drones, as well as hierarchically: everyday people are doing the watching rather than it being only done by authorities. People are not being watched by an omniscient entity, like Rubin and Hanson suggest, but rather here Mann offers surveillance as an organic process in which all members of society engage in. From this concept, Mann came up with the Invisibility/Aposematic Suit. The suit has two screens on the front and back of the person. It can become transparent by showing what is behind the user, or "reflective" and show people in front of it a reflection of themselves. It hints at the ways surveillance can be stealthy, or on the contrary made completely obvious in order to let people know they are being observed and deter them from any wrongdoing. Another difference from the Listening post is that it shifts the concept of surveillance from an automated program, or computer which works on a systematic algorithm, to a more human surveillance in which choices are made by individuals, coining in the idea of individuals' agency and subjectivity in surveillance.

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The Listening Post - 21st Century Digital Art

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L'un des premiers exemples du sonification des données complexes, crée par Charles Dodge en 1970. Il s'agit d'une composition dans laquelle les sons correspondent aux données de l'activité magnétique de la Terre en 1961.

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Une installation artistique de Natalie Jeremijenko, Amphibious Architecture est composé de plusieurs bouées avec des détecteurs de qualité de l'eau, des LEDs et un senseur de poisson. L'installation est un interface entre l'eau et le citoyen. Il capte les données écologiques de l'eau et les transmet par moyen des lumières et mouvement. Il propose aussi un fonctionne "text a fish" pour permettre les visiteurs d'interagir avec l'installation via smartphone.

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A couple years back, we posted on a collaborative project between The Living, Chris Woebken, and Natalie Jeremijenko's Environmental Health Clinic. The now completed Amphibious Architecture project seeks to captivate participants by immersing them into the ebbs and flows of aquatic ecosystems...

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Un projet artistique qui fait partie de "Sensing Sydney" (2013), une collaboration entre Carbon Arts et City of Sydney. Building Run est une installation vidéo qui montre 5 coureuses (en fait, la même actrice cinq fois). Chaque coureuse représente un bâtiment, et le rythme auquel elle court répond aux données de consommation d'énergie du bâtiment. Les données sont mises à jour toutes les 15 minutes.

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No, they are buildings. Behind each human facade is a highly energy efficient building that controls each human avatar's performance with data on the building's real-time energy consumption.

Building Run co-opts the language of sport to bring us in close relationship to the intricate workings of the built environment.

This is the race of the century: a race to upgrade our infrastructure to be leaner and greener. Each day of Building Run witnessed new obstacles, new winners and an infinite stream of insightful and poetic moments that speak to this very human challenge. Witness the fitness.

Building Run is the concept of artist Keith Deverell, winner of the Sensing Sydney public art commission. It was showcased at Art & About, the City of Sydney's annual celebration of public art with from 20 September - 20 October 2013.

To learn more about the project, download the Building Run report.

Artist: Keith Deverell| Runner: Alex Kovac| Installation design: Foolscap Studio | Stylist: Emina Dzananovic

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No, they are buildings. Behind each human facade is a highly energy efficient building that controls each human avatar's performance with data on the building's real-time energy consumption. Building Run co-opts the language of sport to bring us in close relationship to the intricate workings of the built environment.

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Créé par Jean-Pierre Balpe, en collaboration avec le compositeur Jacopo Baboni-Schillingi à l'IRCAM en 1997, ce spectacle dépend de deux automates : un générateur de texte et un générateur de musique, en lien avec des interprètes humains.

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Les poèmes du poète aveugle sont des textes extraits du spectacle génératif Trois mythologies et un poète aveugle donné à l'IRCAM en 1997 Jean-Pierre Balpe, Jacopo baboni-Schilingi avec Henri Deluy et Joseph-Julien Guglielmi.

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2017, Annie Dorsen. Une comédienne parle des textes récoltés en ligne, sur Reddit, pendant les 24 heures avant la représentation et traités par un algorithme. Les choix d'extraits de contenus du web sont fait par les humaines.

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2013, Annie Dorsen. Un spectacle créé à partir du texte de Hamlet, réorganisé et recombiné par algorithme en temps réel, la performance est donc nouveau et spontané à chaque représentation. Il y a 5 actes, dont chacun emploie une procédure différente pour générer le dialogue. Pendant le troisième acte, un comédien participe, relayant les répliques qui sont créées par l'algorithme et livrées au comédien par moyen d'une oreillette. Le reste du temps, le dialogue est projeté sur un écran et parlé par les voix générés par ordinateur (chaque personnage a, quand même, sa voix individuelle.) Les mots sont attribués des valeurs de 1 à 5 qui indiquent leurs qualités "émotionnelles", et ces valeurs détermine les jeux de lumières et de son/musique.

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A Piece of Work
by Annie Dorsen

with Scott Shepherd

From the December 21, 2013 performance at Brooklyn Academy of Music

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Créé par Annie Dorsen en 2010 : deux ordinateurs sur scène, qui semblent dialoguer. Le texte est généré en temps grâce à un algorithme qui utilise plusieurs textes, notamment une conversation télévisée entre Noam Chomsky et Michel Foucault, et quelques règles (de grammaire, par exemple) pour construire des phrases. Le dialogue change avec chaque représentation. Il n'y a pas d'intervenant sur scène, mais il y en a, hors scène, pour lire les phrases à haute voix.

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Une installation artistique en lumières créée par Interaction Design Lab à l’Université de Cornell, elle s’adapte aux émotions enregistrées par les visiteurs à Gates Hall.

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mood.cloud - Data as Art
in research with Interaction Design Lab, Cornell University
(summer of 2014)

artistic statement:

Emotional status is something that forms and passes like a cloud in the air. What if an installation can hold and collect individual emotional statuses and displays how we all feel together in the same space? Will collective emotional awareness influence individual moods and vice versa? - Younghui Kim, Lead Artist

This interactive installation is a visual representation of collective emotional moods that are translated from PAM (The Photographic Affect Meter, JP Pollak, Phil Adams, and Geri Gay) input. The PAM is a one-click measure of emotional state now widely used in place of or in addition to traditional pen and paper psychological assessments.

This piece is an on-going collaborative research to see how these voluntary PAM inputs of building users would be relate to the visual representation of collected mood at a given timeframe. This mood.cloud platform can be re-programmed in diverse visual patterns.
Here is a link that talks about this research art here. mood.cloud TEAM
Younghui Kim - Lead Artist
Hyuns Hong - Artist, Engineer
Jung-Ho Son, Assistant Artist, Programmer
Jacqueline Chien, Fabricator
Lindsay Reynolds, Project Manager
Geri Gay, Kenneh J. Bissett Professor, Communication/Information Science, IDL Director

(partially funded by Intel and CIS Dean's Office)

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mood.cloud - Data as Art in research with Interaction Design Lab, Cornell University (summer of 2014) artistic statement: Emotional status is something that forms and passes like a cloud in the air. What if an installation can hold and collect individual emotional statuses and displays how we all feel together in the same space?

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Un œuvre  du compositeur Gérard Grisey et l'astrophysicien Jean-Pierre Luminet qui date de 1989-90. Il est inspiré du son des pulsars - les vestiges des étoiles mortes. Il est une composition pour six percussionnistes et inclut deux pauses pour la transmission in situ de signaux astronomiques - des rendez-vous pour écouter les étoiles. Parfois (ou toujours ?) il y a un discours au début, qui explique cette histoire des étoiles qui meurent et des astrophysiciens qui les écoutent. Une collaboration arts-sciences à la fois poétique et éducative.

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Les Percussions de Strasbourg - Gérard GRISEY -Le Noir de l'Etoile

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Une composition de Terry Riley, à partir des enregistrements sonores prises dans l'espace cosmique, avec design visuel par Willie Williams, utilisant des images prises, eu aussi, dans l'espace. Les données ne sont pas transformées en musique par des algorithmes, mais par l'esprit de Riley. S'il est "data musique" ou pas est donc incertain, mais cette création, financée par NASA (entre autres) est un jalon dans la collaboration arts-sciences. Elle a débuté en 2002.

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Composed by Terry Riley 
Visual Design by Willie Williams
Video Produced by David Teague and Steve Lippman

Sun Rings, written by longtime Kronos collaborator Terry Riley, is an evening-length work in 10 movements.  With visual design by Willie Williams, lighting design by Larry Neff and sound design by Mark Grey, Sun Rings is a multimedia production featuring a choir and both sounds and images from space.  The piece, commissioned for Kronos by NASA and others, received its first performance at the University of Iowa's Hancher Auditorium in October 2002, and has since been performed in cities including London, San Francisco, Calgary, Tucson and Boston.

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Un spectacles-conférence, ou "colloque idiot", créé par Frédéric Ferrer de Vertical Détour, qui traitent « les limites du monde et son effondrement ». Les projections vidéo qui accompagnent le spectacle incluent des visualisations de données de plusieurs styles.

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Borderlines investigations est le nom d'un nouveau cycle artistique (après les Chroniques du réchauffement et les cartographies de l'Atlas de l'anthropocène) que je veux consacrer cette fois-ci à l'exploration des frontières et limites du monde.

En ces temps où les pressions anthropiques sur les milieux naturels, les écosystèmes, la biodiversité mettent gravement en jeu les grands équilibres de la planète ; où les scientifiques alertent sur l'entrée de la Terre dans une nouvelle période d'extinction massive du vivant (après la dernière qui a vu disparaître 70 % des espèces - dont les fameux dinosaures - il y a 65 millions d'années) ; où la forte augmentation attendue de la population mondiale d'ici 2050 risque de générer de multiples tensions pour l'accès à l'eau et l'alimentation ; où les disparités spatiales de développement se creusent ; où le politique et les différents systèmes mondiaux de gouvernance économique ne prennent pas en compte les signes de la catastrophe en cours, pourtant révélés chaque jour davantage par de nombreux experts et lanceurs d'alertes à travers le monde ; où les progrès de la science notamment dans les domaines de la génétique et de la modification du vivant, de l'astrophysique et de l'exobiologie, autorisent la possible invention de nouveaux scénarii de développement de l'être humain et du vivant sur Terre, et peut-être ailleurs... ; dans ce monde là, fini et de plus en plus plein, où tout ce qui vit donc est soumis à des contraintes et dominations de toutes sortes et de plus en plus puissantes, la question des frontières et des limites (de la Terre, de la vie, de l'humanité, de la modification, du supportable) est devenue l'un des enjeux les plus prégnants de notre civilisation.

Au célèbre " l'homme est né libre, et partout il est dans les fers " de Rousseau, les Borderlines investigations répondront en s'intéressant à quelques-uns de ces fers que n'importe quel observateur extra-terrestre - qu'on finira bien par découvrir un jour - pourrait trouver singulier sur notre globe et dans la structure et les limites des entités, vivantes ou non, qu'on y trouve.

Point de défaitisme dans les Borderlines investigations face à l'ampleur de la tâche. Point de diagnostique de l'effondrement en cours sans réaction et volonté de trouver une solution.

La collapsologie (c'est-à-dire l'étude de l'effondrement) à laquelle les Borderlines investigations emprunteront certaines analyses, n'est pas une résignation, mais bien un réveil de la pensée et des initiatives, et un encouragement à tenter autre chose.

Comme la frontologie, à laquelle les Borderlines investigations emprunteront aussi, n'est pas l'acceptation des limites, mais la volonté d'en découdre (la frontologie étant entendue ici non comme l'étude des fronts en météorologie, mais dans une nouvelle acception, plus large - un pari que je fais sur l'évolution d'un mot et la naissance d'une science - celle de l'étude de toutes les frontières et limites du monde)

Les Borderlines investigations tenteront donc de conjurer les limites, d'ouvrir des brèches, de chercher des passages et de changer la donne. Avec beaucoup d'application et d'énergie.
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L' International Group of Research and Action in Frontology (Groupe international de recherche et d'action en frontologie / GIRAF)
​
L' International Group of Research and Action in Frontology réunit un groupe de chercheurs et d'activistes internationaux en frontologie. Il a été créé en janvier 2017 par des hommes et des femmes convaincus qu'il fallait changer radicalement notre manière de penser le monde et ses limites.

Pour ce faire ils établissent des rapports précis, détaillés, argumentés et lucides des situations mettant en jeu une limite/frontière. Ils creusent les questions qu'ils identifient, et imaginent des réponses.

Les frontologues abordent notamment les points suivants :
Pourquoi sont-ils tous entassés ici ?
Pourquoi c'est vide là ?
C'est quoi la logique de répartition et de séparation des choses ?
(et aussi des humains)
(et aussi de tous les terriens d'ailleurs, végétaux et animaux)
Comment ça s'est constitué ?
Qu'est-ce que ça produit ? Quels problèmes cela pose ?
Est-ce que c'est bien ? Est-ce que ce n'est pas bien ?
Quels flux cela génère ? Par où ça peut se traverser ? se contourner ? se dépasser ? Comment ?
Quelles conséquences sur les territoires et les organisations humaines ?
Comment réagir ? Quelles solutions apporter ?

Chaque rapport de l'International Group of Research and Action in Frontology fait l'objet d'une communication sous la forme d'une rencontre publique, où sont présentés les résultats de l'enquête et les solutions imaginées.

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Borderlines investigations est le nom d'un nouveau cycle artistique (après les Chroniques du réchauffement et les cartographies de l'Atlas de l'anthropocène ) que je veux consacrer cette fois-ci à l'exploration des frontières et limites du monde.

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Une série de spectacle-conférences comiques créé par Frédéric Ferrer de Vertical Détour, au sujet de six épreuves des Jeux olympiques. Les spectacles sont accompagnés des présentations Powerpoint, qui incluent des visualisations de données simples et rigolos.

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Une proposition de mise en jeu des jeux olympiques, épreuves après épreuves.

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Une installation avec participation du public : deux spectateurs portent des "couronnes" qui sont équipés des capteurs d'EEG. Les capteurs transmettent les signaux d'activité cérébrale, qui passe par plusieurs calculs pour après être transformés en l'image et le son de l'environnement de l'installation, et aussi déterminer les couleurs des lumières LED sur les couronnes. Une collaboration entre Victoria Vesna (artiste) et Mark Cohen (neuroscientifique).

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Octopus crowns are outfitted with EEG recording devices. Electrodes are placed on the heads of the two active participants in Octopus Brainstorming: Empathy to record tiny signals (from 1 to about 100 µVolts). These are transmitted wirelessly to computers that first filter out various electrical artifacts, then run the signals through a sliding window Fourier transform, measuring the signal energy at 60 different frequencies between 1 and 60 hertz. The signal strength in several crucial frequency bands: 8-14 Hertz (alpha) and 4-7 Hertz (theta) are further analyzed for their phase synchrony(transient phase locking). We use the signal amplitude covariance, and the spectrally-bound phase synchrony, as measures of signal similarity of the participants. In addition, we measure the band powers of the other EEG signals. A total of eight calculated parameters from the EEG are derived and passed to the display and acoustic environment. Each of the octopus crowns is illuminated by 350 LEDS whose colors are controlled by these calculations.

Our collaboration is unusual, in that the project is heavily informed by modern neuroscience. Veracity is a huge component of the work, which strives for a non-metaphorical relationship of the brain science to the artistic expression. Because we will open-source the instrumentation and code, we hope to contribute to the artistic community by improving their access to quality implementations of the devices to use in their own future works.

The software we are developing will be open source and available toother artists and technologists to use freely and, in the long run, my collaborator is interested to make a commercial EEG platform.

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Octopus crowns are outfitted with EEG recording devices. Electrodes are placed on the heads of the two active participants in Octopus Brainstorming: Empathy to record tiny signals (from 1 to about 100 µVolts).

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Une installation artistique d'Andrea Polli. Les données de la qualité de l'air sont transformées en animation visuelle, qui est projetée - en temps quasi-réel - sur un bâtiment dans la ville de Philadelphie.

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By Andrea Polli

"Air-it's invisible. We can't really see it, touch it, know that it exists."

-Andrea Polli, digital media artist

Particle Falls is a large-scale, real-time visualization of air-quality data.

On a background of falling blue light, spots of bright, fiery color emerge and crackle, representing the presence of fine particulate matter, as detected by a nearby air monitor. Fewer bright spots over the falls mean fewer particles in the air.

Particle Falls draws our attention to the invisible particles that surround us and that may affect our health. While the visible smog that plagued many U.S. urban centers decades ago has been mitigated by technology and regulatory measures, microscopic threats to our air continue to exist and often go unnoticed. Particle Falls is one way we can learn more about the quality of air around us.

Philadelphia has come a long way in improving the quality of the air we breathe, but our work isn't done. Particle Falls makes it possible to see-in real time and vivid color-the challenges we continue to face.

-Thomas Huynh, Director, Air Management Services, City of Philadelphia

How It Works

Behind the visual spectacle of Particle Falls lies complicated science. As you view Particle Falls -whether in person or in video clips-read below to learn more about how the work processes particulate data.

The Visuals

Particle Falls displays concentrations of particulates in bursts of bright color over a constant background of falling blue light. Increasing frequency of the crackling dots of color indicates a greater concentration of particles. The image updates with new particulate data every 15 seconds.

The Tools

An instrument called a nephelometer monitors and samples the air to generate the data for Particle Falls. The nephelometer used in this art installation is an E-Sampler developed and manufactured by Met One Instruments. The E-Sampler combines two different technologies: light scattering and the gravimetric filter method. Light scattering operates by pulsing a beam of light through a sample of air. The particulates in the air scatter the beam of light, which is collected and concentrated onto a photo diode in the E-Sampler. That light is then converted into an electric signal, which is proportional to the concentration of particulates in the air. That electric signal is converted to usable data and sent to the projector via a computer software program. Also used in scientific analysis is the E-Sampler's gravimetric filter system. After measurement via light scatter the sample is drawn onto a filter. The filter can be taken for lab analysis as a second method of measurement of air particles.

The Particles

The Particle Falls nephelometer measures particles in a gas sample that are smaller than 2.5 micrometers (or PM, particulate matter) in diameter. Particulate matter comprises water droplets and a variety of small particles made up of organic chemicals, soil, dust, metals, and acids like sulfates or nitrates, among other materials. Particles smaller than 10 micrometers can pass into the nose and throat, thus posing potential health risks to humans.

Particles fitting this description are called "fine" particles and can come from a variety of combustion sources, like diesel exhaust. Not visible to the naked eye, these particles are key components of air pollution in Philadelphia, leading to Philadelphia's ranking as one of the cities in the United States with the most polluted air.

Resources

Particle Falls provided a real-time visualization of particulate concentrations in the air surrounding the Wilma Theater in Center City Philadelphia. However, Particle Falls tells only part of the story about air in Philadelphia. Have you ever wondered about the past and present state of our air, and what you might be able to do to promote, maintain, or advocate for air quality? Click on the links below.

We're proud that Particle Falls is closely aligned to the work of a variety of organizations that provide monitoring, advocacy, and educational services to the greater Philadelphia region regarding its air:

Air Management Services is Philadelphia's air-pollution control agency.

Pennsylvania's Department of Environmental Protection administers Pennsylvania's environmental laws and regulations.

Clean Air Council is a nonprofit environmental health organization dedicated to improving the Mid-Atlantic region's air quality through public education, outreach programs, community advocacy, and government oversight.

Air Quality Partnership is a public-private coalition dedicated to improving air quality in the greater Philadelphia region by providing air-quality advisories and educating the public about air-quality issues.

We also recognize for their efforts to help make Particle Falls possible Air Management Services, Applied Video Technology, Avenue of the Arts, Post Brothers, the Wilma Theater, and the following City of Philadelphia agencies: the Office of Arts, Culture, and the Creative Economy; the PhillyRising Collaborative/Office of the Managing Director; and the Streets Department.

Andrea Polli is a digital-media artist whose work merges art, science, and technology to address how natural and man-made systems are connected. Since 1999 Polli has focused on environmental-science issues in her work and has collaborated extensively with atmospheric scientists. Most recently Polli worked with scientists to develop systems for understanding climate through sound using sonification, a process by which data is translated into sound. Find Andrea Polli at her website, andreapolli.com.

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By Andrea Polli Particle Falls Video of Particle Falls An interview with artist Andrea Polli about her public art installation, Particle Falls. "Air-it's invisible. We can't really see it, touch it, know that it exists." -Andrea Polli, digital media artist Particle Falls is a large-scale, real-time visualization of air-quality data.

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Une composition musicale de Matthew Burtner, utilisant des données des changements de la glace polaire dans l’océan Arctique, combinées avec des enregistrements captés dessous la glace, pendant la saison de fonte

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The unprecedented melting of ice in the polar ice cap in the Arctic is a primary means of measuring the effects of climate change on Earth. The composition "Iceprints" for one to three telematic pianos and Arctic sub-ice ecoacoustics uses scientific data measuring 40 years of polar ice change in the Arctic Ocean. It merges these data sets with real-time audio recordings of sub-ice conditions taken during the melting season. Burtner's unique compositional system devised for "Iceprints" simultaneously sonifies Arctic ice changes over decades, annual seasonal cycles, and in real-time.

Hydrophones suspended beneath the Arctic ice captured the real time sound of ice melting. The hydrophones, positioned in a triangular formation over an area greater than 1 kilometer, allowed us to triangulate the position of events under the ice. It is a technique used by scientists to track the movement of underwater animals and by the military to track the movement of submarines. In Iceprints, the three-channel ice re- cording is sent through a specially-designed harmonic filter. That processed recording is played back on a three-channel surround sound system such that each loudspeaker corresponds to an hydrophone. The audience, situated virtually underneath the ice, now becomes part of the unfolding ecosystem.

Each page of the piano score represents one year of ice extent (sum total of ice) change in the Arctic according to the following chart. This graph was created by the composer using published scientific data (satellite and pre-satellite measurements of ice extent). The X axis shows the total sum presence of ice measured in millions of kilometers mapped onto the first six octaves of the piano. The Y axis shows time, mapped onto pages of music. The black line running between the two outer lines shows the average ice extent change compensating for seasonal cycles. This graph thus reveals a strong melting trend in Arctic ice over the past 40 years.

The piano score presents a transcription of a hydrophone recording mapped into the tonal system of ice melting across 40 years. The pianos are set in a distance triangular relationship in three distinct spaces and connected with telematics. The triangulation of the material sound surrounding the audience is mirrored by the conceptual distance triangulation of the pianists. The telematics reveal how we are intimately connected but also separate from these dramatic changes of our planet. The audience perceives the remote pianos through the delays, glitches and compression artifacts of network sound. These sounds of separation, introduced by the medium, evoke distance. We are continuously pulled to the other locations and simultaneously to the Arctic sub-ice world of cracking and thumping ice, whale and seal calls. "Iceprints" uses telematics to evoke a complex paradox: individuals are distant and separate from some real effects of our actions and from things that affect us; we cannot escape our physical or temporal context and yet we are constantly affecting and affected by things that are not present spatially or temporally. "Iceprints" collapses and folds time and space to illustrate this concept.

The composer is grateful to ice scientist and University of Alaska Fairbanks Geophysical Institute Professor, Hajo Eicken for his guidance and collaboration on the mapping system and data sets used in "Iceprints."

score excerpt

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The unprecedented melting of ice in the polar ice cap in the Arctic is a primary means of measuring the effects of climate change on Earth. The composition "Iceprints" for one to three telematic pianos and Arctic sub-ice ecoacoustics uses scientific data measuring 40 years of polar ice change in the Arctic Ocean.

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Une installation artistique de lanternes, dont les couleurs s'adaptent en fonction des émotions des résidents de Santa Monica, qui partagent cette information, anonymement, en ligne. Une création de REMAP, centre de recherche en ingénierie, média et performance à UCLA.

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REMAP led the design and installation of six interactive lanterns in the window of UCLA Family Commons. The lanterns had 600 individually addressable elements, with colors that changed to reflect how residents of Santa Monica felt each day. People could share their emotions anonymously through a website and Facebook, and these responses affected the lantern's colors.

The spectrum of emotions translated into the different hues of the lanterns-orange-yellows for good; purple-blues for bad; green for in-between. As these feelings intensified, the colors followed suit.

Beacon was a collaboration between UCLA Family Commons, UCLA REMAP, Drisko Studio Architects, the Semel Institute's Global Center for Children and Families, and Creable. The glass lanterns were fabricated by Judson Studios, and installed by w a kenningar.
UCLA Family Commons, Santa Monica-2009-2013.
Click on image for a full view:

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REMAP led the design and installation of six interactive lanterns in the window of UCLA Family Commons. The lanterns had 600 individually addressable elements, with colors that changed to reflect how residents of Santa Monica felt each day. People could share their emotions anonymously through a website and Facebook, and these responses affected the lantern's colors.

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A Sort of Joy (Thousands of Exhausted Things)

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A Sort of Joy (Thousands of Exhausted Things)

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Une performance au musée, créé à partir de la base de données du Musée d'Art Moderne (MoMA) à New York. La base de données est la source de chaque mot, et les artistes de données (Jer Thorp et ses collaborateurs) ont trouvé des manières de trier les données pour faire sortir des aspects intéressants, cachées, de la collection de MoMA.

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[ ROUGH CUT ]

A Sort of Joy (Thousands of Exhausted Things) is a performance of the museum's 123,951 object collections database.

The work is a collaboration between Elevator Repair Service Theater and The Office For Creative Research. Using MoMA's collections database of 123,951 items, the two companies have created a variable performance script that is delivered to actors electronically as they roam throughout the second floor galleries of the museum. Artwork titles, artist names, materials and dimensions all become fodder for exchanges between performers; this spoken text and the ambient sound that accompanies it is experienced through wireless stereo headphones worn by audience members. The performance takes the form of an extended audio tour in which the patterns, idiosyncrasies and secrets of this enormous database are revealed to museum-goers, and the database itself takes its place in the galleries alongside the very artworks it contains. Every word spoken during the performance comes directly from the database.

To generate the performance scripts, the artists have undertaken a series of computational analyses on the collections data, classifying artwork titles, for example, in terms of their grammatical construction, lexicon, phrasing, emphasis (stress patterns), and other linguistic attributes. The artists then devised database operations, sorting criteria, and filtering algorithms and applied these to the collections data, resulting in an endless variety of text sequences. In some parts of the performance, these texts are distributed directly to the performers. In other sections, language has been hand-assembled by the artists from clusters of material discovered during the analysis and processing.

The performance runs approximately 45 minutes and will be repeated twice during the scheduled time. Audience members are free to enter and leave the performance as they please; when you are finished with them, we ask that you kindly return your headsets to the drop-off location at the 2nd floor gallery exit.

This project is part of MoMA's Artists Experiment, an annual initiative in the Department of Education that brings together contemporary artists in dialogue with MoMA educators to conceptualize ideas for developing innovative and experimental public interactions, and is made possible by Paula and Jim Crown.

Performed by Kate Benson, Lindsay Hockaday, Mike Iveson, Vin Knight, Gavin Price and Ben Williams
Conceived by John Collins, Mark Hansen, Ben Rubin and Jer Thorp
Directed by John Collins
Software Design & Operation by Mark Hansen, Ellery Royston, Jer Thorp
Sound Design by Ben Rubin
Stage Manager: Mo Lioce
Project Manager: Sarah Hughes

Photos: flic.kr/s/aHskfMuuwW

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ROUGH CUT ] A Sort of Joy (Thousands of Exhausted Things) is a performance of the museum's 123,951 object collections database. The work is a collaboration between Elevator Repair Service Theater and The Office For Creative Research.

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Marionnettes/modèles, vidéo en direct
Ce spectacle, créé par la compagnie espagnol Agrupación Señor Serrano, mélange l'analyse d'une image célèbre des migrants qui grimpent sur une barrière, et des images du film d'Hitchcock, The Birds. Un spectacle atypique qui emploie le modèles 3D, les effets vidéo et les caméras en direct pour raconter l'histoire de notre espèce et exposer l'injustice d'une situation réelle.

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Premiered on 06.07.2016 at GREC Festival de Barcelona.
Production currently on tour.

Birdie is a multimedia performance with live video, objects, Hitchcock's 'The Birds' revisited, scale models, 2000 mini animals, wars, smugglers, a massive migration and three performers handling this messy world with wit, criticism and commitment with humankind.

Two mirages.
In one: wars, droughts, massive deforestation, polluted coasts, labor exploitation, political instability, poor sanitary conditions, persecution, forced deportation, abuse of natural resources, depleted aquifers, food shortages...
In the other: stocked supermarkets, safe streets, family stability, good health services, freedom, paid work, respect for human rights, welfare, recycling and renewable energies, prosperity, social mobility...
And in between, flocks of birds. Thousands of migrating birds constantly drawing impossible shapes in the sky. Movement. Ceaseless movement. Birds... and beyond, planets, asteroids, raw materials, galaxies, blood, cells, weapons, atoms, electrons, advertising, quarks, ideology, fear, waste, hope. Life. Nothing in the cosmos is quiet. Stillness is a chimera. The only thing there is, is movement.
If it is impossible to stop an electron, what's the point in building fences against flocks of birds?

Team
Creation: Àlex Serrano, Pau Palacios and Ferran Dordal / Performance: Àlex Serrano, Pau Palacios and David Muñiz / Voice: Simone Milsdochter / Project manager: Barbara Bloin / Lighting design and video programming: Alberto Barberá / Sound design and soundtrack: Roger Costa Vendrell / Video creation: Vicenç Viaplana / Scale models: Saray Ledesma and Nuria Manzano / Costumes: Nuria Manzano / Production assistant: Marta Baran / Scientific consultant: Irene Lapuente. La Mandarina de Newton/ Project advisor: Víctor Molina / Legal advisor: Cristina Soler / Management: Art Republic.

A production by
Grec 2016 Festival de Barcelona / Agrupación Señor Serrano / Fabrique de Théâtre - Service des Arts de la Scène de la Province de Hainaut / Festival TNT - Terrassa Noves Tendències / Monty Kultuurfaktorij / Festival Konfrontacje Teatralne.

With the support of
Cultural Office of Spain's Embassy in Brussels / Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya / Centre International de Formation en Arts du Spectacle de Bruxelles / Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) / Institut Ramon Llull.

Mini animal toys sponsorship: Safari Ltd.

Special effects sponsorship: Nasa FX

Awards
Kazimierz Krzanowski award, Kontrapunkt Festival 2018. Szczencin (Polonia)
Butaca Prize 2017, Catalan Theatre Audience Awards, New Dramaturgies. Barcelona (Spain).
Critics Prize 2016, New Trends. Barcelona (Spain).

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Premiered on 06.07.2016 at GREC Festival de Barcelona. Production currently on tour. Birdie is a multimedia performance with live video, objects, Hitchcock's 'The Birds' revisited, scale models, 2000 mini animals, wars, smugglers, a massive migration and three performers handling this messy world with wit, criticism and commitment with humankind. Two mirages.

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Réalité virtuelle, QR codes
Un parcours transmédia créé par la Cie Ex Voto à la Lune d'après Kant de Jon Fosset.  Le projet est construit comme un parcours initiatique dont la narration est éclatée sur différents médias. Le spectateur passe ainsi de la fiction (spectacle, boite holographique), à l’expérimentation sensible de l’infini (installation au casque de réalité virtuelle), puis au parcours actif qui consiste à explorer et chercher des réponses (déambulation QRcodes). Ce parcours peut être présenté avec le spectacle, ou séparément.

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#Kant #La Chambre de Kristoffer #Le Labyrinthe cosmogonique #Le Rêve du géant
→ Théâtre, Arts Numériques et Installations Immersives à partir de 8 ans. Un projet imaginé par É milie Anna Maillet d'après " Kant " de Jon Fosse
Le projet est un parcours transmédia pour le jeune public basé sur la pièce Kant de Jon Fosse, conte philosophique qui évoque les questions et les peurs d'un enfant face à l'immensité de l'univers et au vertige de l'infini.
Ce parcours propose d'éprouver à proprement parler ces questionnements métaphysiques. L'utilisation des nouvelles technologies permet de rendre sensible la première antinomie kantienne :il est à la fois possible ET impossible que l'univers soit fini ou infini. Machines à rêver d'aujourd'hui, elles modifient notre rapport à la réalité, troublent nos perceptions, stimulent notre imaginaire et notre réflexion. Elles permettent d'enchevêtrer le réel et l'imaginaire, de créer le doute sur ce qui est réel et ce qui ne l'est pas, et d'évoquer ainsi de manière sensible les questions existentielles qu'affronte Kristoffer, l'enfant de la pièce de Jon Fosse.

Le projet est construit comme un parcours initiatique dont la narration est éclatée sur différents médias. Le spectateur passe ainsi de la fiction (spectacle, boite holographique), à l'expérimentation sensible de l'infini (installation au casque de réalité virtuelle), puis au parcours actif qui consiste à explorer et chercher des réponses (déambulation QRcodes).

Les 3 installations La Chambre de Kristoffer, Labyrinthe cosmogonique et Le Rêve du géant ont été créées en lien avec le spectacle Kant de Jon Fosse. Elles peuvent être présentées avec le spectacle ou séparément.

Production
EX VOTO A LA LUNE avec l'aide à la création de la DRAC Île-de-France, le soutien d'ARCADI Île-de-France, l'aide au développement et à la création du DICREAM, l'aide de la SPEDIDAM et du Conseil départemental du Val d'Oise.
Coproductions : CDA/Scène conventionnée Art numérique d'Enghien-les-Bains, Le Granit/Scène Nationale de Belfort, et L-EST/Laboratoire Européen Spectacle vivant et Transmédia (VIADANSE-CCNFCB / MA scène nationale-Pays de Montbéliard / Le Granit scène nationale de Belfort).
Compagnie en résidence au CDA/Scène conventionnée Art numérique, au Granit/Scène Nationale de Belfort, à la Gare Numérique, et à la Maison des Arts de Créteil.

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Kant #La Chambre de Kristoffer #Le Labyrinthe cosmogonique #Le Rêve du géant → Théâtre, Arts Numériques et Installations Immersives à partir de 8 ans.

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Théorie d’une performance à venir ou le seul moyen d’éviter le massacre serait-il d’en devenir les auteurs?

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Théorie d’une performance à venir ou le seul moyen d’éviter le massacre serait-il d’en devenir les auteurs?

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Une trilogie de spectacles conçue par Giuseppe Chico et Barbara Matijević, constituée de I Am 1984, Tracks et Forecasting. Ce sont des spectacles qui se basent sur une logique de navigation web. Le processus de création implique une sélection méticuleuse des contenus parmi la pléthore d'informations qui existe en ligne. Ils sont composés à partir des documents (1984), pistes audio (Tracks) et vidéos sur YouTube (Forecasting).

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Imagine you click on a Wikipedia article to read about the Los Angeles Olympics only to find yourself, fifteen minutes later, immersed in the biography of Billy Mitchell, the world champion of the video game Pac-Man. This is how Barbara Matijević tells her own version of the year 1984 in a lecture performance I AM 1984.

There are no major or minor themes here, just as there is no compositional center in Barbara's illustrative blackboard drawings. She easily switches from one subject to another, associating ideas, people and events in a way similar to Web browsing, gradually turning the drawings into a kind of map made of memories and projections of her 6-year-old self.

The piece makes connections between autobiographical elements (the childhood dreams of BM, the author-performer's alter ego, the communist history of the former Yugoslavia), and an overwhelming number of disparate events and facts ranging from sports to the entertainment industry and advertising.

Through tragicomical twists and turns of ever-branching narrative paths, Giuseppe Chico and Barbara Matijević present us with a hypertextual exploration of human thought in the digital age.

Mixing elements of narrative illustrations, autofictional monodrama, ego-history and contemporary mythologies, I AM 1984 claims Web browsing as a valid act of theatrical narration.

received the Special Jury Prize at the 2008 International Festival Infant in Novi Sad (Serbia).

I AM 1984 is a first part of a trilogy called: Theory of a performance to come or the only way to avoid the massacre is to become its authors?

Authors: Giuseppe Chico and Barbara Matijević
Performer: Barbara Matijević
Production : 1 er stratagème et de facto
Co-production : ZeKaeM (Zagreb - Croatia)
Creation: 7 march 2008, ZeKaeM (Zagreb - Croatia)
Duration: 50 minutes.
Language: English, Italian or French
Note: The performance received The Special Award by the international jury of the INFANT festival in Novi Sad ( Serbia) in 2008.

Photos

Credits: ©Julien Correc and Olivier Heinry, 2012, Creative Commons 3 BY-SA

Archive

2008
7-10/03 - 15-16/03 ZeKaeM Theater, Zagreb ( Croatia )
17/05 Barutana, Osijek ( Croatia )
28/06 Festival Infant, Novi Sad ( Serbia )
26/07 Art Workshop Lazareti, Dubrovnik ( Croatia )
31/10 Musee de Jeu de Paume, Paris ( France )
14/11 Kranjcar Gallery, Zagreb ( Croatia )

2009
05/03 Living Room, Bologne ( Italy )
11/03 iLive2, LiFE / St.- Nazaire ( France )
20-22/08 Festival Far, Nyon ( Switzerland )
03/10 Spoken World , Kaaitheater / Brussels ( Belgium )
16-17/10 Vie festival, Modena ( Italy )
24/10 METEOR festival, BIT-Teatergarasjen / Bergen ( Norway )
27/11 iLive3, LiFE, St.- Nazaire ( France )

2010
13/03 Consortium, Atheneum, Dijon ( France )
19/03 UOVO Festival, Triennale, Milan ( Italy )
26/03 360° Festival, St.Brieuc ( France )
30-31/03 Etrange Cargo, Menagerie de Verre, Paris ( France )
15-17/04 Museum of Contemporary Art, Zagreb ( Croatia )
28/05 Contemporanea, Prato ( Italy )
03/09 Festival international Castel dei mondi, Andria ( Italy )
17/09 Kunstraum Niederösterreich, Vienne ( Austria )
18/12 Reims Scène d'Europe, Frac Champagne-Ardenne ,Reims ( France )

2011
2/03 Festival Performatik, Kaaitheater / Bruxelles ( Belgium )
19/03 Gusti Astrali, Teatro Astra / Vicenza ( Italy )
16-17/04 Festival B :om , Seul ( Sud Korea )
27-28/ 05 Festival A/D Werf, Utrecht ( Netherlands )
3/09 OperaEstate, Bassano del Grappa ( Italy )

2012
27/01 Theatre Aurora, Marghera-Venice ( Italy )
28/01 Teatro delle Briciole, Parme ( Italy )
2/02 Cabaret de curiosités#7, Phénix / Valenciennes ( France )
26/02 Ri-creazione, Asti ( Italy )

2013
19/04 Experienz#2 - Wiels, Bruxelles ( Belgium )
23/06 Mmc Luka, Pula ( Croatia )

2014
9 and 11/05 - YO! Fest Strasbourg ( France )

Press
Vijenac - 24/04/2008 - Andrej Mircev Zarez - 29/05/2008 - Natasa Govedic Corriere di Bologna - 5/03/2009 - Massimo Marino Corriere della sera - 20/03/2010 - Valeria Crippa Art 21 - n°27, eté 2010 - Lou Forster Giornale di Vicenza - 21/03/2011 - Alessandra Agosti Gazzetta del Mezzogiorno - 3/06/2011 - Nicola Morisco Gazzetta di Parma - 30/01/2012 - Valeria Ottolenghi
Technical rider

Black box version

Equipe in touring
2 persons
Stage set
A black board, 5-7 mt. wide, 2.50 mt. high, on which is possible to write with a white chalk
A small black table
A black stool
A sponge and a bucket
Stage
Distance of about 5 mt. between the board and the first row of the audience
Minimum width: 8 mt.
Minimum depth: 6 mt.
Light
Without any change during the entire play. The light illuminates the entire board with a filter 202 or 203 and cuts straight to the sides and the top of the frame. It is more open at the foot of the board, illuminating up to 3 mt of the ground.
The public is also lit, using audience lights, low intensity.
Audio
Mini-jack sound output, stage right
Rehearsal schedule
6 hours of rehearsal

White cube version

A white wall, 4-6 mt wide, minimum 3.5 meters high on which can be written with black charcoal.
A sufficient number of gallery spot lights to illuminate the surface evenly
A small table (white)
A stool
A minijack sound output
About 4 mt. of distance between the wall and the first row of the audience
Several small sheets of sandpaper

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Imagine you click on a Wikipedia article to read about the Los Angeles Olympics only to find yourself, fifteen minutes later, immersed in the biography of Billy Mitchell, the world champion of the video game Pac-Man. This is how Barbara Matijević tells her own version of the year 1984 in a lecture performance I AM 1984.

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Ce spectacle, ré-imaginé pour chaque ville où il est présenté, est une création de Rimini Protokoll. Il fait appel aux statistiques de population qui sont présentées sur scène par 100 comédiens non-professionnels, choisi pour correspondre aux démographiques de leur ville. Ces citoyens se présentent au public, puis ils répondent aux questions en se distribuant sur scène en fonction des réponses. Une caméra capte une vue de dessus qui est projeté pour permettre aux spectateurs de comprendre les mouvements de la foule sur les planches.

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100% Hong Kong
(c) Ray@TR Concept and Visual Atelier
For any use of photos of 100% Hong Kong, all users need to contact press@wkcda.hk
Every use of the photo shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Kaohsiung
(c) National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying)

100% Marseille
The use of the photo is free of charge.

100% Brisbane
The use of the photo is free of charge.

100% Penang
100% Penang

@YEW KOK HONG / George Town Festival
info@georgetownfestival.com
Tel: +604 261 6308
The use of the photo is only free of charge in the context of the announcement of performances and with denomination of the author. Any further use of the photos, for example for illustration of reviews, shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Darwin
© Tim Mitchell
The use of the photo is only free of charge in the context of the announcement of performances and with denomination of the author. Any further use of the photos, for example for illustration of reviews, shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Brussels
© Pigi Psimenou (1620 × 1080, 330dpi)
RAW anfordern unter pigi.psimenou@gmail.com
The use of the photo is only free of charge in the context of the announcement of performances and with denomination of the author. Any further use of the photos, for example for illustration of reviews, shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Tokyo
© Yohta Kataoka
Every use of the photo shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Dresden
©David Baltzer
baltzer@zenit-online.de
The use of the photo is only free of charge in the context of the announcement of performances and with denomination of the author. Any further use of the photos, for example for illustration of reviews, shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

100% Cologne
100 Percent Cologne

©Sandra Then
Telefon +49 (0)228 / 60 87 98 66
E-Mail info@then-fotografie.de
Every use of the photo shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

A Statistical Chain Reaction

100 citizens that represent their city in 5 criteria, a sample, a cross-section of the society, always assembled into ever changing new group pictures on a big revolving stage. Sorted according to age or address, gender, political leanings, preferred local pub, means of transport, sandwich spread, playwright and then, bit by bit, as a sea of voices, as a geometric body on 100 square metres of stage..

Concept: Helgard Haug, Stefan Kaegi, Daniel Wetzel
Setdesign: Mascha Mazur, Marc Jungreithmeier
Dramaturgy (100% Berlin): Cornelius Puschke

Produced by Rimini Protokoll in coproduction with HAU Hebbel am Ufer
Worldpremiere: 01.02.2008, HAU 1 Berlin, 100% Berlin
Since then, new location-specific variants in more than 35 cities in cooperation with local teams.
Making of "100% Melbourne"

From John Paul Tansey

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100% Hong Kong (c) Ray@TR Concept and Visual Atelier For any use of photos of 100% Hong Kong, all users need to contact press@wkcda.hk Every use of the photo shall be subject to payment of a fee. Please contact the photographer.

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Pour le spectacle Catalogue (2015), créé par la compagnie australienne Rawcus Theatre, les décors consistaient d’une grille de huit boites, dans lesquelles jouaient les interprètes. Les catégories, telles que « plus que 30 ans » et « femelle » étaient projetés, et en réponse certaines boites s’allumaient, pour imiter la logique déshumanisante d’un formulaire gouvernemental. Catalogue est un exemple de l’art de données sur l’échelle théâtrale, et de la dramaturgie et la scénographie centrées sur les statistiques.

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Through acts of shameless abandon, Rawcus shares fantasies and vulnerabilities in a theatrical cabinet of curiosities. From karaoke to bedroom dancing and imagined celebrity, 12 performers grace eight stages, side-by-side in a tableau that becomes an exhibition of human expression.

With the audience empowered to watch all 'channels' at once, Catalogue is a triumph of composition, a portrait of a world where viewpoints and aesthetics are as diverse and complex as the bodies and personalities that make them. An imperfect catalogue of humanity, the work is an orchestration of private, public and performed selves.

Director & Rawcus Artistic Director: Kate Sulan
Co-Director: Ingrid Voorendt
Devised & Performed by the Rawcus Ensemble: Steven Ajzenburg, Clem Baade, Hannah Bradsworth, Michael Buxton, Nilgun Guven, Rachel Edward, Mike McEvoy, Ryan New, Kerryn Poke, Louise Riisik, John Tonso, Danielle von der Borch
Designer: Emily Barrie
Composer & Sound Designer: Jethro Woodward
Lighting Designer: Richard Vabre
Dramaturge: Mike McEvoy
Production Manager: Rose Connors Dance
Consultant Producer: Alison Halit
Projection Designer: Rhian Hinkley

Image: Rhian Hinkley

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Through acts of shameless abandon, Rawcus shares fantasies and vulnerabilities in a theatrical cabinet of curiosities. From karaoke to bedroom dancing and imagined celebrity, 12 performers grace eight stages, side-by-side in a tableau that becomes an exhibition of human expression.

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Projection vidéo
Un spectacle sur le thème des données, créé par la compagnie Big Art Group en collaboration avec le Digital Devising Lab à Carnegie Mellon University School of Drama. Le spectacle explore l'idée de l'interface, la médiation algorithmique, et la collecte constante des données.

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Opacity (2017-2018 Creation)
A lone character lies in their bedroom, swiping the phone in search of contact. With a friend, they renovate their online persona, receive an invitation from a stranger, and arrange for an evening together. As the night deepens, communications obstruct, destinations evade, and attempts at intimacy unmask a profound and insurmountable corruption. Opacity is a dark reflection on the new strategies of connection, reverberating with dread, oddness, and seduction as it advances through its own inexorable and absurd logic.

Opacity is built around the framework of the "interface," specifically the threat of the increasingly opaque intermediation of algorithms between the real and the experienced. The performance uses sculptural, choreographic and computational models to hack, encrypt, spoof, troll, spam and camouflage our digital identities, and return these coded selves to the realms of the real. The performance consists of modular scenes of mundane life staged in sculptural abstraction, exploring desires and attempts to connect to one another online though opaque interfaces (social media sites, romance apps, image-sharing web apps), with their simultaneous abilities of cloaking, catfishing, fake accounts, bogus avatars, twitter bots, algorithmic responses and the system's constant surveillance from behind the interface. Each scene alternates with synthetically produced contemporary songs, touchpoints to the obsolete and 'warm' technology that foreshadowed the all-enveloping cloud which entangles our daily lives of omnipresent data collection.

Credits:
System, Installation, Sound, and Text: Caden Manson and Jemma Nelson
Performed: Kevin Ramser and Philip Gates
Code: Jemma Nelson and Sylvie Sherman
Assistant Director: Rachel Karp
Assistant Video: Adam Thompson

Developed with the Digital Devising Lab at Carnegie Mellon University School of Drama: Caitlin Ayer, Stephen M. Eckert, Philip Gates, Rachel Karp, Sara Lyons, Kevin Ramser, Sylvie Sherman, Adam Thompson

Partners:
Richard B. Fisher Center for the Performing Arts at Bard College
The Fund for Research and Creativity and The Berkman Pro-Seed Fund, Carnegie Mellon University
Script Published:
Images: Big Art Group; Opacity. Theater 1 February 2018; 48 (1): 33-53. doi: https://doi.org/10.1215/01610775-4250942

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Opacity (2017-2018 Creation) A lone character lies in their bedroom, swiping the phone in search of contact. With a friend, they renovate their online persona, receive an invitation from a stranger, and arrange for an evening together. As the night deepens, communications obstruct, destinations evade, and attempts at intimacy unmask a profound and insurmountable corruption.

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Projection vidéo, vidéo pré-enregistrée + vidéo en direct
Un spectacle créé par The Builders Association sur les thèmes du monde connecté, des réseaux en ligne et de notre relation avec les espaces réels et virtuels. Cette création multimédia inclut le blog d'un personnage, disponible en ligne en permanence, un site participatif et des enregistrements sur place pour chaque ville où est présenté le spectacle.

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The Builders Association Continuous City

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Décors 3D projetés, vidéo pré-enregistrée et vidéo en temps réel
Une création de The Builders Association et dbox, ce spectacle sur le sujet des données dans notre "post-privacy society", propose des décors virtuels 3D animés.

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The Builders Association & dbox - Super Vision (trailer)

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Projection vidéo
Spectacle de Simon McBurney et la compagnie britannique Complicité, basé sur la collaboration entre mathématiciens G.H. Hardy et  Srinivasa Ramanujan. La compagnie a collaboré avec plusieurs mathématiciens et formateurs pendant le processus de répétition pour arriver à représenter les mathématiques sur scène (voir l'article

Simon McBurney’s Ambitious Pursuit of the Pure Maths Play de Stephen Abbott)

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Dispositif sonore, projection vidéo
Spectacle de Jean-François Peyret et la compagnie TF2, troisième spectacle d'une trilogie sur l'évolution, créé en collaboration avec le scientifique Alain Prochiantz. Le spectacle proposé un dispositif de traitement du son en temps réel qui manipulait les voix des comédiens et positionnait - dans un sens auditif - les musiciens virtuels parmi les spectateurs.

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Un spectacle de Jean-François Peyret et Alain Prochiantz
Mise en scène de Jean-François Peyret

Avec : Mathieu Amalric, Marc Bodnar, Irène Jacob, Maud Le Grévellec, Marie Payen, Jean-Baptiste Verquin, Clément Victor

Assistante à la mise en scène : Stéphanie Cléau 
Lumières : Bruno Goubert 
Musique : Alexandros Markeas 
Scénographie : Nicky Rieti 
Dramaturgie : Marion Stoufflet 
Création costumes : Cissou Winling 
Assistante costumes : Elisabeth Dordevic
Alexis Baskind et Benoit Meudic : réalisation informatique musicale
Thierry Coduys, Elsa Biston - la kitchen : dispositif électro-acoustique)
Agnès de Cayeux et Géraldine Bourgue (Web)

Sans préalable, forcément, Les Variations Darwin sont aussi le dernier volet de notre Traité des formes. Bien que proposée de concert par un homme de science et un homme de théâtre, cette aventure n’a jamais prétendu réconcilier les deux cultures, la littéraire et la scientifique, ni mettre un peu de finesse dans la géométrie ou de géométrie dans la finesse. Non, frotter notre théâtre à des fragments de discours scientifiques, jeter des bouts de science en pâture à la fiction, frictionner de la poésie d’Ovide avec un peu de biologie du développement (la Génisse et le Pythagoricien, créé au TNS en 2002), c’est à la fois considérer la poésie comme une forme plénière de connaissance et la connaissance scientifique comme un exercice de la poésie. Ceci aussi : un théâtre comme le nôtre, qui ne pose pas en principe qu’il est vivant, mais doit en apporter à chaque fois la preuve, un théâtre soucieux de ce que la science dit du vivant, ne pouvait qu’être fasciné par ce grand « inventeur » des formes que fut Darwin. L’épisode précédent, Des chimères en automne, montré à Chaillot l’an dernier, était en quelque sorte le « portrait du savant en hypocondriaque ». Darwin ne voulait pas que nous en restions là ; il s’est sélectionné à nouveau pour ce qui sera cette fois-ci davantage un « portrait du savant en artiste » (ou en poète ?). François Jacob dit qu’il y a un « style en science » ; de son côté Mandelstam écrit sur le style de Darwin. L’un comme l’autre, le savant comme le poète, nous invitent à voir en Darwin l’écrivain tout autant que l’homme de science. Notre théâtre n’est pas là pour vulgariser l’Évolution, - franchement, elle n’a pas besoin de nous pour ça -, mais pour nous ouvrir à l’imagination créatrice de Darwin, le Darwin artiste, capable de lire dans la partition de la nature les variations du vivant et de les écrire, et qui retrouve par-là les paroles d’Ovide chantant les formes qui changent dans les corps… « Métamorphoses, métamorphoses, métamorphoses », dit l’un ; « variations, variations, variations », répondit l’autre.

Jean-François Peyret et Alain Prochiantz




Chaillot - Théâtre national de la Danse, Cie TF2 - Jean-François Peyret, Théâtre National de Strasbourg - TNS

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Streaming web, projection vidéo
Spectacle de Jean-François Peyret et la compagnie TF2, basé sur les poèmes de W.H. Auden. La compagnie proposait des répétitions en "live streaming" une heure par jour.

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Projection privée / théâtre public - sur des poèmes de W.H. Auden

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Spectacle conçu et réalisé par Jean-François Peyret
Avec Nathalie Richard
Texte français : Patrick Hersant. Assistant à la mise en scène : Nicolas Bigards. Scénographie Nicky Rieti. Lumière : Bruno Goubert. Images et son : Benoît Bradel. Musique : François Pachet. Costumes : Maïka Guezel. Internet : Agnès de Cayeux.


D'Auden, la France, c'est le moins que l'on puisse dire, a usé avec modération. C'est à peine si les cinéphiles ont reconnu son poème dans Quatre mariages et un enterrement tandis que les amateurs d'opéra savent qu'il est le librettiste du Rake's progress de Stravinsky. Du reste, sans Hannah Arendt, son amie, avec qui je venais d'avoir une aventure théâtrale, et qui citait volontiers les vers d'Auden consacrés à Yeats " qui chante l'échec de l'homme dans un élan de détresse ", je ne serais sans doute pas non plus allé à la rencontre de ce grand poète. Homère dit que les dieux tissent le malheur des hommes pour qu'ils en fassent des chants et s'en souviennent. Auden a chanté la souffrance d'être mais en avouant qu'il ne pouvait rien en écrire sans ajouter " quelque chose d'ironique et de drôle ". Il fut le chanteur et le chant (homme privé, poète public), ayant appris aussi qu'une rime, une allitération, un mètre, une strophe sont, à cette souffrance, un plus noble remède que la plainte. Jean-François Peyret 

www.tf2.re




du 28 novembre au 22 décembre 2000 
à 21 heures, dimanche à 17 heures, relâche le lundi

et en direct sur le site de la compagnie tf2

coproduction : théâtre de la Bastille, Tf2 Cie J.F Peyret
avec le soutien de Sony CSL Paris, de la MC93, de la DRAC Ile de France et de la DMDTS

http://www.tf2.re

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Monde virtuel, chatbots
Un spectacle de Jean-François Peyret et la compagnie TF2, avec un espace virtuelle créé par Agnès de Cayeux et des agents conversationnels qui traduisent anglais-français et génèrent du texte. Histoire d’après "Walden ou la Vie dans les bois" de Henry David Thoreau.

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Mise en scène : Jean-François Peyret
Dramaturgie : Julie Valero
Assistante à la mise en scène : Solwen Duée
Musique : Alexandros Markeas
Scénographie sonore : Thierry Coduys
Assistant à la scénographie sonore : Johan Lescure
Création Vidéo : Pierre Nouvel
Monde Virtuel : Agnès de Cayeux, Marie Fricout, Emmanuel Charton
Monde virtuel et traducteur automatique : Estelle Senay
Administratrice : Flora Vandenesch
Avec :
Jos Houben
Clara Chabalier
Victor Lenoble
Lyn Thibault
Alexandros Markeas (piano)

 

Production Cie tf2 – Jean-François Peyret -
Coproduction La Colline-théâtre national (Paris),
Avec le soutien du Festival d’Avignon,
De la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon,
De l’Experimental Media and Performing Arts Center (Troy, États-Unis),
Du Centre national du Théâtre,
Du Fresnoy Studio national des Arts contemporains (Tourcoing),
Du Centre des Écritures contemporaines et numériques (Mons),
Du Dicréam, De la Mairie de Paris,
De l’Institut Numédiart de l’Umons (Mons), d’Acapela (Belgique),
Du Laboratoire d’Informatique pour la Mécanique et les Sciences de l’Ingénieur au CNRS, De l’Arcadi, de la Spedidam, de la SACD.

Théâtre National de la Colline du 16 janvier au 15 février 2014
Festival d'Avignon - la Chartreuse du 6 au 11 juillet 2013
Walden Memories Exposition / installation / performance au Fresnoy à Tourcoing du 9 février au 31 mars 2013
Esquisse au Théâtre Paris-Villette en juin 2010

http://www.tf2.re

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RV, RA via smartphone
Spectacle numérique et itinérant qui propose des contenus disponible en RA sur une application. Les spectateurs doivent télécharger l'application et porter des écouteurs. Ils découvrent un monde futuriste où tout est géré par les algorithmes. Le RA sert à présenter des vidéos pré-enregistrées des comédiens, comme des hologrammes, dans les espaces réelles. Le spectacle fait partie du projet European Theatre Lab, une initiative du European Theatre Convention.

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Stage your City - Zigmagora  (Trailer 2min)

# data[].attributes.attachment_link.description
Performance 15th July 2018 at Badisches Staatstheater Karlsruhe (GER)

http://zigmagora.eu/
https://www.europeantheatrelab.eu/
http://www.staatstheater.karlsruhe.de/programm/info/2590/
http://movingimages.de

Stage Your City is a project of the partner theatres Centre Dramatique National Nancy-Lorraine (F), Badisches Staatstheater Karlsruhe (DE) and Kote Marjanishvili State Theatre Tbilisi (GE), coproduced by the European Theatre Convention (ETC) as part of the European Theatre Lab: Drama goes digital. The European Theatre Lab is co-funded by the Creative Europe Programme of the EU.

Associated partners: ZKM / Center for Media and Art, Karlsruhe (DE), Prestige Film Karlsruhe (DE), Bruno Cohen, Nancy (F), Chris Ziegler, Arizona State University / School of Arts, Media and Engineering (USA), WANDIO Tiblisi (GE).


Aristic Direction: Michel Didym, Jan Linders, Ekaterina Mazmishvili 
Direction: Michel Didym, Sarah Steinfelder 

Outcast - Jonathan Bruckmeier
Professor Eternity - Klaus Cofalka-Adami
Girl - Eveline Ischenko
Young woman (virtual) - Natuka Kakhidze
Librarian - Constantin Petry
Waiter - Simon Salomon

Text: Marie Dilasser, Lasha Bugadze, Bruno Cohen, Konstantin Küspert, Frédéric Sonntag 
Production- Appdesign, Scenography: Chris Ziegler 
Sound Design: Damon Lee 
Artistic Collaborators: Didier Billon, Jan Gerigk, Bernd Lintermann 
Dramaturgy: Nutsa Burjanadze, Sarah Stührenberg, Bruno Cohen, Jan Linders 
Software: Givi Sartania, Naino Kashibadze – WANDIO


Camera: Philippe Mainz
Video Editing: Chris Ziegler

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Installation artistique où huit œufs entretiennent une conversation, chacun utilisant une base de données différente pour construire ces phrases. C'est une expérience dans la génération de scénario par algorithme.
Présenté dans le cadre du projet European ARTificial Intelligence Lab co-financé par le programme Europe Créative de l’Union Européenne en collaboration avec Zaragoza City of Knowledge Foundation (Espagne).

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est une installation dans laquelle huit œufs entretiennent une conversation sans fin. À partir de huit bases de données différentes et grâce à un système de vidéo projection, ces œufs s'animent et conversent entre eux. Le spectateur est toujours témoin d'une discussion inédite, les sujets peuvent être à la fois pratiques ou philosophiques. Gallinero expérimente la création d'un scénario composé à partir d'algorithmes et peut être perçue comme une pièce de théâtre nouveaux médias qui explore les possibilités narratives des structures informatiques !

Néstor Lizalde, artiste nouveaux médias - Jorge Berges, acteuret scénariste

Partenaires
Présenté dans le cadre du projet European ARTificial Intelligence Lab co-financé par le programme Europe Créative de l'Union Européenne en collaboration avec Zaragoza City of Knowledge Foundation (Espagne).

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est une installation dans laquelle huit œufs entretiennent une conversation sans fin. À partir de huit bases de données différentes et grâce à un système de vidéo projection, ces œufs s'animent et conversent entre eux. Le spectateur est toujours témoin d'une discussion inédite, les sujets peuvent être à la fois pratiques ou philosophiques.

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Anna Ridler, 2019
Une installation artistique  composé de trois écrans qui montrent des tulipes, qui evoluent en fonction des fluctuations du prix de bitcoin. Ainsi, Ridler joue sur le parallèle entre la « tulipe-mania » aux Pays-Bas dans les années 1630 et la spéculation actuelle autour des crypto-monnaies.
Présenté dans le cadre des projets EMAP/ EMARE et European ARTificial Intelligence Lab

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Drawing historical parallels from "tulip-mania" that swept across Netherlands/Europe in the 1630s to the speculation currently ongoing around crypto-currencies, this video work is generated by an artificial intelligence (AI). It shows a tulip blooming, an updated version of a Dutch still life for the 21st century. The appearance of the tulip is controlled by bitcoin price. "Mosaic" is the name of the virus that causes the stripes in a petal which increased their desirability and helped cause the speculative prices during the time. In this piece, the stripes depend on the value of bitcoin, changing over time to show how the market fluctuates.

What is nice about about getting an AI to "imagine" or "dream" tulips is that it echoes 17th century Dutch still life flower paintings which, despite their realism, are "botanical impossibilities" and imagined as all the flowers in them could never bloom at the same time. A segment can be viewed here.

Funded by the EMAP/EMARE programme (part of Creative Europe) and commissioned by Impakt﻿

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Drawing historical parallels from "tulip-mania" that swept across Netherlands/Europe in the 1630s to the speculation currently ongoing around crypto-currencies, this video work is generated by an artificial intelligence (AI). It shows a tulip blooming, an updated version of a Dutch still life for the 21st century.

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Projection vidéo, infographie, design sonore
Un texte de Joséphine Chaffin, un spectacle de Les Tréteaux de France, présenté dans le cadre du projet European ARTificial Intelligence Lab. Le spectacle prend comme thématique l'omniprésence de la technologie numérique, et l'utilisation de celle-ci pour contrôler tout aspect de notre vie.

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Projection vidéo, dessin animé
Un texte de Fabrice Melquiot, mise en scène par Christelle Derré avec la cie Or NOrmes. Ce spectacle vivant mêle théâtre, dessin animé et arts numériques.  Il s'agit d'une scénographie projétée complexe, préparée en Adobe AfterEffects, avec laquelle les personnages ont des fausses interactions. Le rôle clé pour la création numérique dans l'équipe créative est intitulé Scénographie et Conception Multimédia.

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A data sculpture in Seoul, created by New York company The Living, reacts to changing air quality in the city's suburbs.
" Designed by Soo-in Yang and David Benjamin of The Living, Living Light’s glass skin is actually a massive redrawn map of 27 Seoul neighborhoods. Every 15 minutes, neighborhoods light up in order of best air quality to worst based on real-time sensors from the Korean Ministry of Environment. And each night, neighborhoods are illuminated if air quality is better on that particular day than the same time last year."

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Seoul, South Korea is filled with blinding light-up displays and headache-inducing neon screens. But residents of the city who want to see these displays put to good use need only take a trip to the World Cup Stadium's Peace Park, which is where this beautiful Living Light sculpture blooms. The permanent outdoor pavilion and glass canopy projects up-to-the minnute information about local air quality, and locals can send it a text message to receive a report from anywhere.

Designed by Soo-in Yang and David Benjamin of The Living, Living Light's glass skin is actually a massive redrawn map of 27 Seoul neighborhoods. Every 15 minutes, neighborhoods light up in order of best air quality to worst based on real-time sensors from the Korean Ministry of Environment. And each night, neighborhoods are illuminated if air quality is better on that particular day than the same time last year. Seoul citizens can also text the installation and expect a response (presumably detailing air quality in certain neighborhoods).

Yang and Benjamin imagine that similar glass skins could one day be attached to buildings, effectively making building facades a new kind of public space - one that is both beautiful and informative.
+ Living Light

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Living Light Sculpture Maps Seoul's Air Quality

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Seoul, South Korea is filled with blinding light-up displays and headache-inducing neon screens. But residents of the city who want to see these displays put to good use need only take a trip to the World Cup Stadium's Peace Park, which is where this beautiful

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A visualisation created by Interactive Things for the City of Geneva, showing mobile phone activity in the city over the course of a week.
Ville Vivante est un projet de visualisation de données qui traite l’utilisation
des téléphones portables à Genève au cours d’une semaine. Il s’agit d’une
initiative de la ville de Genève, pour faire visible et interrogeables l’activité
téléphonique.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Almost 1.6 billion mobile phones have been sold worldwide in 2010, 19% of them being smartphones. In 2010, the number of mobile subscriptions has reached almost 10 million in Switzerland, which is more than the number of people living in the country. Approximately 25% of these telephones featured a broadband internet connection.

Every mobile phone leaves digital traces permanently, while interacting with the mobile infrastructure. It can be seen as a mobile sensor that allows to define the geographic position of the subscription holder, almost in real-time.

During one day Swisscom subscribers in Geneva generate approximately 15 million connections from 2 million phone calls. This information called 'digital traces' offers new insights about the city, which are of great interest both from a economic and political perspective. Examples are the following.

For citizens this data allows to feel the pulse of the population and see how they use the urban space. It offers a great innovation opportunity for new citizen services like traffic jam detectors or nightlife buzz indicators.

For the public administration these digital traces can be very useful to evaluate urban planning strategies.

For businesses the digital traces can reveal insights on how popular certain districts are, during what time periods. This information can be leveraged to determine leases or chose the best spot for a shop or restaurant.

More generally digital traces allow to reveal information that is invisible in traditional visualization techniques such as cartography. They reflect mobility in a city or a street and therefore represent 'living' space, animated by the people.

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Almost 1.6 billion mobile phones have been sold worldwide in 2010, 19% of them being smartphones. In 2010, the number of mobile subscriptions has reached almost 10 million in Switzerland, which is more than the number of people living in the country. Approximately 25% of these telephones featured a broadband internet connection.

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David Bowen, 2011
"This installation draws information from the intensity and movement of the water in a remote location. Wave data is being collected and updated from National Oceanic and Atmospheric Administration data buoy station 51003. This station was originally moored 205 nautical miles Southwest of Honolulu on the Pacific. It went adrift and the last report from its moored position was around 04/25/2011.  It is still transmitting valid observation data but its exact location is unknown. The wave intensity and frequency collected from the buoy is scaled and transferred to the mechanical grid structure, resulting in a simulation of the physical effects caused by the movement of water from this distant unknown location. This work physically replicates a remote experience and makes observation of the activity of an isolated object, otherwise lost at sea, possible through direct communication."

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tele-present water - 2011
This installation draws information from the intensity and movement of the water in a remote location. Wave data is being collected and updated from National Oceanic and Atmospheric Administration data buoy station 51003. This station was originally moored 205 nautical miles Southwest of Honolulu on the Pacific. It went adrift and the last report from its moored position was around 04/25/2011. It is still transmitting valid observation data but its exact location is unknown. The wave intensity and frequency collected from the buoy is scaled and transferred to the mechanical grid structure, resulting in a simulation of the physical effects caused by the movement of water from this distant unknown location. This work physically replicates a remote experience and makes observation of the activity of an isolated object, otherwise lost at sea, possible through direct communication.

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tele-present water - 2011This installation draws information from the intensity and movement of the water in a remote location. Wave data is being collected and updated from National Oceanic and Atmospheric Administration data buoy station 51003. This station was originally moored 205 nautical miles Southwest of Honolulu on the Pacific.

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Created by James Bridle, Citizen Ex is a web browser extension which can be experienced on your computer or as an installation.
"Citizen Ex is an extension for web browsers which makes visible the physical infrastructure that underlies the internet, mapping the location of web sites, and visualising the user's "algorithmic citizenship". An accompanying website includes more background on the nature of citizenship, and essays on digital human rights issues."

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A physical, interactive installation of Citizen Ex, a guide to algorithmic citizenship.

Visitors can use the computer provided to browse the internet. Their data, including their own geographical location, the location of the sites they visit, and the cumulative citizenship of exhibition visitors, is projected above them. Alongside the installation is hung one of the Citizen Ex flags.

Photos from Extra Citizen, Extra City Kunsthal, Antwerp, September - December 2017, courtesy of Tomas Uyttendaele. Also presented at the Thessaloniki Biennale 2017.

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A physical, interactive installation of Citizen Ex, a guide to algorithmic citizenship. Visitors can use the computer provided to browse the internet. Their data, including their own geographical location, the location of the sites they visit, and the cumulative citizenship of exhibition visitors, is projected above them.

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Wind Map est une visualisation animée, disponible en ligne sur le site
hint.fm/projects/wind/.
Elle a été créée par Fernanda Viégas et Martin Wattenberg en 2011.
Wind Map affiche les directions et les vitesses des vents sur une carte des
États-Unis. Les artistes ont prêté beaucoup d’attention à la manière de représenter le vent. La solution qu’ils ont trouvée consiste en des centaines de petites lignes grises en mouvement constant. L’oeuvre est mise à jour une fois par heure avec les données du National Digital Forecast Database.
Conçu comme un projet artistique, Wind Map s’est montré bien adapté aux
fins pratiques, grâce à son exactitude et sa lisibilité. Les techniques développées
pour Wind Map sont maintenant employées par plusieurs entreprises
de média pour visualiser la météo.

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1 mph

3 mph

5 mph

10 mph

15 mph

30 mph

If the map is missing, we recommend the latest Chrome browser.

An invisible, ancient source of energy surrounds us-energy that powered the first explorations of the world, and that may be a key to the future.

This map shows you a historical snapshot of the delicate tracery of wind flowing over the US. See the live map for current winds.

Wind map prints are available from Point.B Studio.

Read more about wind and about wind power.

The wind map is a personal art project, not associated with any company. We've done our best to make this as accurate as possible, but can't make any guarantees about the correctness of the data or our software. Please do not use the map or its data to fly a plane, sail a boat, or fight wildfires :-)

If the map is missing or seems slow, we recommend the latest Chrome browser.

Surface wind data from the National Digital Forecast Database. (For those of you chasing top wind speed, note that maximum speed may occur over lakes or just offshore.)

If you're looking for a weather map, or just want more detail on the weather today, see these more traditional maps of temperature and wind.

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1 mph 3 mph 5 mph 10 mph 15 mph 30 mph If the map is missing, we recommend the latest Chrome browser. An invisible, ancient source of energy surrounds us-energy that powered the first explorations of the world, and that may be a key to the future.

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Using an AR mobile app designed specifically for the show, audience members can hold up their phones to the stage and see special effects—like the tornado that hits Dorothy’s house—super imposed over the live action. The show is produced by the Builders Association, a New York-based multimedia performance group.

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See the Land of Oz as never before as The Builders Association takes you behind the scenes and into the legacy of The Wizard of Oz. L. Frank Baum's classic is revisited live onstage while the custom-designed Elements of Oz app turns each audience member's phone into part of the performance.

The Builders Association presents 
ELEMENTS OF OZ 
Directed by Marianne Weems
Co-Creator/Writer James Gibbs
Co-Creator/Writer Moe Angelos

Video Design by Austin Switser
Sound Design and Original Music Composition by Dan Dobson
Scenic Design by Neal Wilkinson
Lighting by Jennifer Tipton
Performed by Moe Angelos, Sean Donovan and Hannah Heller

Augmented Reality Design: John Cleater
Interactive Design/Programming: Jesse Garrison
Augmented Reality/Network Consultants: Larry Shea, Kevan Loney
Identity and App Design: LeClair Lucas
Costume Design: Andreea Mincic

ELEMENTS OF OZ was co-produced by Peak Performances @ Montclair State University (NJ) and was developed in residence at the Alexander Kasser Theater, Montclair State University.

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Lunettes AR, décors en AR controllés par régisseur
Un spectacle vivant, pour lequel les spectateurs sont équipés des lunettes AR. Cela permet une immersion dans un monde virtuel qui entoure le spectateur, dans lequel les comédiens réels sont aussi visibles. Les comédiens, qui ne portent pas les lunettes, réagissent aux décors et vidéos qui apparaissent en AR grâce à ? un système de projection vidéo, j'imagine.

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"Gulliver" by ARShow & Gesher Theater, Trailer

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Projection vidéo, suivi de mouvement + génération des contenus en temps réel avec Photon
Un spectacle de cirque et de création numérique, fruit d'une collaboration entre Lemieux Pilon et Les 7 Doigts. Plusieurs personnages virtuels sont projetés sur scène, pour les interactions chorégraphées (pas réelles) avec les interprètes. Il s'agit parfois d'une action du même interprète plus tôt dans le spectacle. Une technologie de suivi de mouvement est utilisée aussi, pour générée les effets visuels mappés sur les corps des performeurs. Il semble que toutes ces augmentations sont projetées sur un tulle entre les spectateurs et les interprètes, mais c'est difficile d'être sûr.

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Captation de mouvement, 3D environnement projété, controleurs ZigZag
Un spectacle d'exploration, les spectateurs participent en votant, décider quelle aspect de l'histoire ils voudraient enquêter. Les décors sont des environnements 3D qui sont projetés sur une structure simple, pour créer les différents scènes de l'histoire. Les mouvements des comédiens sont suivis avec un Kinect, pour permettre les options proposées aux spectateurs d'être affichés en lien avec le personnage concerné. Chaque spectateur est equipé d'un contrôleur ZigZag, pour lui permettre de voter pendant le spectacle.

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The Video Systems Designer - Half Real - The Border Project

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Video mapping sur corps avec system de suivi infrarouge, décors projetés interactifs
L'opéra était écrit en collaboration avec les créateurs numériques. Les comédiens ont porté les vêtements qui reflechissaient l'infrarouge, et ils était illuminaient avec des lumières infrarouges, pour permettres un système de 4 caméras infrarouges de percevoir leur localisations précises à chaque moment. À partir de ces informations, des textures étaient mappées sur leurs corps et projetées avec 2 projecteurs vidéos - un de chaque côté pour permettre les textures à emballer la personne. Les mouvements du personnage principal étaient liés aux décors (un espace 3D retro-projeté sur 3 écrans), lui permettant de manipuler les décors avec ses gestes et mouvements.

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The set design for the opera "The Jew of Malta" was an attempt to extend the opera stage with the help of new media to become an active part rather than only the scene of the action.
On the stage large planes were arranged onto which architecture, generated in real-time, was projected. The projection screens formed clipping planes through an imaginary virtual architecture positioned on stage. Machiavelli's - the opera's protagonist's - movements and gestures were camera tracked and the virtual architecture moved accordingly to his movements and gestures. This concept allowed linking the staged action and the architecture closely: Machiavelli as a powerful and dominant character in the play has power over the stage (and consequently over his co-actors) through the possibilities of interaction given to him.

In addition to the architecture, the costumes of the actors were also augmented with digital media. Via a tracking system developed especially for this opera, digital masks were generated according to the silhouettes of the actors in real-time. Textures had then been pastes into this masks and the ensuing virtual costumes were projected exactly fitting onto the singers. This way, it was possible to depict the characters' conditions and feelings with dynamic textures on their bodies.

Despite the complexity of the software and hardware developed for this project, technology was never at the forefront. the exclusive aim was to generate new ways of expression to support the narration on and with the stage.

The project was commissioned by the Opera Biennale Munich in 1999 and premiered in 2002.
Composer: Andre Werner. Libretto based on the novel from Christopher Marlow. The projects is a coproduction between ART+COM and Bureau Staubach. Supported by ZKM Karlsruhe. Coauthors and developers: Nils Krueger, Bernd Lintermann, Andre Bernhardt, Jan Schroeder, Andreas Kratky

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joachim sauter - work - the jew of malta | 1999/2002

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The set design for the opera "The Jew of Malta" was an attempt to extend the opera stage with the help of new media to become an active part rather than only the scene of the action. On the stage large planes were arranged onto which architecture, generated in real-time, was projected.

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3D stéréoscopie, lunettes 3D, capteurs de mouvement
Un pas de deux, pour lequel un danseur est équipé des capteurs de mouvement (XSens MVN motion capture suit + 5DT datagloves), et l'autre ne l'est pas. Le monde virtuel, pré-construit, est géré avec Unity3D pendant le spectacle. La projection stéréoscopique se fait avec deux vidéoprojecteurs, dont les champs se chevauchent. Il y a un avatar projeté qui reprend les mouvements du danseur, et aussi les traces des mouvements des mains qui suivent les mains comme des queues de comète. Il y avait un régisseur RA qui, lui aussi, exerçait une influence sur le monde virtuel, il pouvait, par exemple, faire exploser, reformer ou repositionner l'avatar du danseur.

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Projection vidéo d'espace 3D interactif, code-barres + lecteurs de code-barres (pas de comédiens)
Cette installation faisait partie du projet Art + Virtual Environments à Banff en 1994. Une utilisation innovante d'une technologie simple : les visiteurs balayent les code-barres pour débloquer les contenus. La salle devient l'interface entre le monde réel et le virtuel.
Chaque visiteur est aussi représenté dans l'espace virtuel et il influence le déroulement des événements dans cet espace. Les résultats ne sont pas dictés par les créateurs.

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Projection vidéo, sculpture cinétique
Un spectacle avec les décors projetés, principalement parterre, et une sculpture cinétique informatisée au-dessus de la scène (scénographie par 59 Productions). Le spectacle a été conçu avec l'intention de créer une expérience assez immersive que possible, et il propose la première utilisation des "nano-winches" sur scène.

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Spitfires on Stage: Designing The Shadow Factory

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- How do you represent both the mechanics of flight and the sinister beauty of a Spitfire on stage? 

This was the design challenge taken up by 59 Productions on The Shadow Factory - the inaugural show at the Nuffield Southampton Theatre's brand new "NST City" venue in the heart of Southampton.

The answer: a combination of projection, sound, movement and a radical new deployment of TAIT Towers' Nano Winches, combined by 59's designers into a programmable kinetic sculpture, incorporating custom LED fixtures made by LED Creative.

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City of Glass + My Name is Peter Stillman

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City of Glass + My Name is Peter Stillman

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Projection vidéo, RV
City of Glass est un spectacle avec un système sophistiqué de projection vidéo de décors. Les projections créatives sont une spécialité des créateurs, 59 Productions. Le spectacle est accompagné par une expérience en RV avec Oculus Rift, qui s'appelle My Name is Peter Stillman. Les spectateurs sont invités d'essayer cette expérience avant et après le spectacle, ou indépendamment du pièce.

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City of Glass - Creating a unique piece of theatre

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Graphiques 3D projetées
Une création de Garry Stewart, avec Australian Dance Theatre et Deakin University Motion.Lab. Les spectateurs portent les lunettes 3D pour regarder un spectacle de danse avec les images en 3D qui donnent l'impression de partager l'espace physique avec les danseurs (la réussite est partielle). Les interactions entre les danseurs et les images sont chorégraphées, il n'y a pas de génération des images en temps réel.

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Australian Dance Theatre | Multiverse highlights

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"Hologrammes interactives" : captation de mouvement, projection vidéo
Michele Cremaschi, le comédien et créateur, utilise un kinect + une webcam, QLab, Syphon et des patches Quartz Composer customisés pour générer et gérer les vidéos qui sont projetées sur scène. Parfois il y a des hologrammes qui répètent une action que Cremaschi vient de faire, parfois, grâce au capteur de mouvement (kinect), il y a les effets qui suivent le mouvement de son corps en temps réel.

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RA, projection vidéo
Une performance musique et danse qui utilise la reconnaissance de geste pour afficher du feu sur les mains d'une danseuse. Les spectateurs voient cette augmentation sur la projection vidéo, ils n'ont pas d'appareil individuel.

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Augmented Reality During Live Music Performances

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RV, RA, projection vidéo
Un événement de 4 heures qui propose la réalité virtuelle, une galerie de réalité augmentée et un spectacle avec projection vidéo. Les spectateurs cherchent à comprendre la disparition mystérieuse d'un groupe d'adolescents.

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Whilst The Rest Were Sleeping [OFFICIAL TRAILER #1]

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COMING SOON from CiRCA69 : Whilst The Rest Were Sleeping is a 4 hour event combining 17 virtual reality experiences, an augmented reality smartphone app & trail, live electronic music & AV performance and a collection of video installations. Audiences navigate their own route through the experience and work together to figure out the puzzle that lies behind the strange story of a mass disappearance.

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RA
Une collaboration entre The Royal Shakespeare Company et Magic Leap. Le résultat est une performance enregistrée en 3D que l'utilisateur/spectateur regarde en réalité augmentée.

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andy lanning for magic leap; gregory doran for rsc

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British Council Film: The Seven Ages of Man

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The Royal Shakespeare Company explores the future of theatre with Magic Leap in this sublime product

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RV, RA, projection vidéo
La compagnie AMCB propose un spectacle de danse avec projection vidéo manipulée en régie en temps réel, un livre pop-up avec les animations en réalité augmentée, et une expérience en réalité virtuelle.

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Acqua Alta

Un parcours dans l'imaginaire de l'eau, avec un spectacle, un livre pop-up augmenté et une expérience en réalité virtuelle.

Acqua Alta raconte une histoire. Une femme, un homme, une maison. Un quotidien absurde et cousu de discorde. Mais un jour de pluie, la vie chavire : la montée des eaux engloutit la maison dans une mer d'encre. La femme glisse et disparaît. D'elle il ne reste que les cheveux. Vivants. C'est l'histoire d'une catastrophe, particulière et universelle. C'est l'histoire d'une perte et d'une quête. C'est l'histoire de la peur de l'étrange et de l'altérité, et de son apprivoisement.

Nous avons imaginé trois variations de cette histoire, en utilisant trois formats singuliers :
Acqua Alta - Noir d'encre : un spectacle de théâtre visuel, mêlant danse et images numériques vivantes ; Acqua Alta - La traversée du miroir : un livre dont les dessins et les volumes en papier forment les décors de l'histoire visible en réalité augmentée ; Acqua Alta - Tête-à-tête : une expérience en réalité virtuelle où l'une des scènes est vécue de façon immersive dans un casque individuel.

Le parcours proposé au spectateur est fait de ces trois expériences qui entrent en résonance.

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Acqua Alta Un parcours dans l'imaginaire de l'eau, avec un spectacle, un livre pop-up augmenté et une expérience en réalité virtuelle. Acqua Alta raconte une histoire. Une femme, un homme, une maison. Un quotidien absurde et cousu de discorde. Mais un jour de pluie, la vie chavire : la montée des eaux engloutit la maison dans une mer d'encre.

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RV, projection vidéo
Un spectacle qui met sur scène un danseur équipé d'un casque de réalité virtuelle, et les décors avec lesquels il interagit projetés derrière son corps.

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L'Arbre Intégral est un spectacle de 50 minutes qui transpose l'expérience de lecture numérique dans un univers scénique investi par un décor en réalité virtuelle 3D avec lequel un danseur interagit en temps réel. Une première version (étape de travail) a été présentée au festival de danse contemporaine neufneuf, le 19 novembre 2015 puis au Centre de Recherche Chorégraphique de Bordeaux Métropole, le Cuvier, dans le cadre du Festival FACTS, le 25 novembre 2015.

Résumé

Un volume matriciel flotte dans l'espace scénique, sombre et silencieux. Comme stimulée par les premières paroles d'un lecteur situé à l'extérieur de la scène, cette graine énigmatique germe. Elle donne naissance à une série d'arborescences qui colonisent successivement le volume scénique dans lequel évolue un danseur. La métamorphose progressive du décor en trois dimensions et l'évolution constante de la musique suivent la structure du texte composé de 127 poèmes répartis en six niveaux de sens : biologique, symbiotique, symbolique, politique et rhizomique. Dans cet espace où la complexité s'installe peu à peu, alternant prolifération, jaillissement et rétractation, le danseur doit sans cesse négocier, lutter, ruser, inventer pour conserver son équilibre, son intégrité. Interagissant en temps réel avec le décor via un casque de réalité virtuelle puis un détecteur de mouvement Kinect2, il est le révélateur poignant des tensions et des connivences entre l'humanité, la nature et la technologie, le sensible et l'abstraction, le réel et le virtuel.

Cinq disciplines autour de l'Arbre

L'idée de travailler à une version scénique de l'Arbre Intégral est présente depuis le début du projet. C'est ma rencontre avec le danseur et chorégraphe Gaël Domenger, avec lequel j'ai créé en 2014, qui a permis de la mettre en chantier. Le collectif pluridisciplinaire que nous avons formé autour de l'Arbre Intégral rassemble deux équipes fortes de plusieurs réalisations communes et d'un goût partagé pour la transdisciplinarité.

Déjà soudée par une expérience autour de la reconnaissance des émotions ( CARE), la première équipe, centrée sur la danse et la réalité augmentée projective, venait d'achever , un spectacle avec deux danseurs et un avatar numérique chorégraphié par Gaël, dans un décor en 3D conçu par son frère, Axel Domenger, et développé par Alexis Clay et Julien Conan, respectivement chercheur et ingénieur à l'ESTIA.

De mon côté, j'avais déjà travaillé deux fois avec György Kurtág Jr., compositeur, chercheur et coordinateur Art et Science au SCRIME : pour le spectacle dans lequel les différentes étapes de la bande-son étaient déclenchées par un logiciel de reconnaissance vocale suivant la progression des deux acteurs dans le texte ; puis pour l'installation Protolithe, construite en collaboration étroite avec une biologiste et un chimiste.

Renforcé par le technicien lumière Laurent Davaille, le groupe constitué autour de l'Arbre Intégral s'est appuyé sur ces expériences alors même que le texte devant lui servir de base n'existait que dans sa structure arborescente et spiralée. Elles ont favorisé la mise en place d'un processus de création horizontal, collectif et efficace où, à partir d'un scénario global en forme de schéma concentrique, la programmation du décor évolutif en 3D, l'écriture de la pièce électroacoustique, de la chorégraphie, du poème et du plan de feu purent avancer simultanément, s'ajuster et aboutir en un temps record à la première version du spectacle. Voir le teaser.

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L'Arbre Intégral est un spectacle de 50 minutes qui transpose l'expérience de lecture numérique dans un univers scénique investi par un décor en réalité virtuelle 3D avec lequel un danseur interagit en temps réel.