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Elegí el sofisma de una única maternidad puesto que me interesa profundizar más en la representación de la mujer representada en la Historia del Arte según un único objetivo: El de convertirse en madre y de serlo siguiendo estrictos parámetros. Desde siempre la mujer ha sido vista con ojos, en su mayoría, netamente de reproducción, lo cual muchas veces llegó a categorizarla como objeto, quitándole así su humanidad y dejando de lado sus propios deseos. Para realizar este análisis busco partir de la idea de que este sofisma de una única maternidad, la plantea como un proceso que debe ser perfecto, femenino, pulcro, sin dolencias, sin quejas, donde no importa si esta no es deseada, etc. Y es precisamente esto lo que se representan en un sinfín de obras a lo largo de la historia, obras en donde claramente los autores pretendían mostrar la realidad a la que estaban destinadas las mujeres. Finalmente, todas estas creaciones impuestas le impedían a la mujer desarrollarse de una forma consentida y propia, prácticamente escondiéndola detrás de este “aquello que se espera de la mujer” y jamás o muy pocas veces, una mujer completamente libre sobre su maternidad.

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Ficha técnica
Desconocido

Vénus de Laussel

Bajo relieve sobre piedra caliza y ocre

54cm x 36cm x 15,5 cm

Ca. 25,000 – 20,000 AP

Descubierta en 1911

Museo de Aquitania. Burdeos, Francia
Análisis visual  - Criterio: Características formales y de función
Teniendo en cuenta la composición de esta pieza, donde su único y principal personaje en una mujer, se puede deducir que su creación se realizó con el objetivo se representar un aspecto especifico de esta. El cual, en este caso, partiría de la imagen del cuerpo desnudo y voluptuoso de una mujer, donde resaltan e incluso son algo exagerados los senos, su vientre, vulva y caderas, lo cual haría pensar que se hacía alusión a la fertilidad y al hecho de estar embarazada, además por la posición de la mano izquierda que reposa sobre el vientre de la mujer. Sin embargo, resulta interesante ver cómo el rostro no esta diseñado en esta pieza, lo cual representaría que el objetivo de crear esta venus era bastante general y el autor no se preocupaba en lo absoluto por la particularidad de una sola mujer sino de su propósito dentro de la comunidad, el ser fértil y reproducirse.  Ahora bien, esta pieza al ser un bajo relieve y contar con un tamaño medianamente grande podría indicar que no era posible transportarlo con facilidad, y que incluso podría haber sido parte de una pared o estructura mucho más grande donde pudiera ser vista por muchas personas. Lo cual también indicaría que podría ser una pieza específica para realizar algún tipo de celebración o ritual en torno a la fertilidad, lo cual también explicaría, dentro de la composición, lo que podría ser un cuerno o quizás una luna en su brazo derecho, esto quizás haciendo alusión al ciclo lunar y su relación con la fertilidad. Muy seguramente esta pieza hizo parte del ámbito público de una comunidad.

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Ficha técnica

Desconocido

Estatuilla de Isis amamantando a Horus
Bronce, plata dorada y bronce con plomo separado

39,3 x 12,3 x 18,8 cm

611–594 a. C.
Regalo de David Dows, 1945

Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos
Análisis visual  - Criterio: Temática
Para el caso de esta pieza, se percibe como tema principal la maternidad. Esto es visible gracias a la narrativa en la que se ven inmersos los dos personajes, la diosa Isis y su hijo Horus. Ahora bien, hay varios componentes que nos ayudan en el análisis. Por un lado, en cuanto a la parte iconográfica, se reconoce a la diosa Isis, gracias a su tocado heredado de la diosa Hathor de la maternidad y el amor, el cual se compone de un disco solar entre unos cuernos de vaca. Seguido de esto, se entiende que el bebé que carga en sus brazos es su hijo Horus (a pesar de que sus piernas sean las únicas visibles). Finalmente, el componente que permite identificar la temática de la obra, es el acto de amamantar, símbolo también de amor, cuidado y protección.

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Ficha técnica
Desconocido

Mujer con un niño de pie sobre un león

Estatuilla de metal, bronce y cobre

Segundo milenio a.C

Museo de Pérgamo. Berlín, Alemania

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Ficha técnica

Desconocido

Miniaturas de las Diosas serpiente
Loza vidriada

Depósito del Templo de Knossos

1650-1550 a.C
Descubiertas en 1903

Museo Arqueológico de Heraklion. Creta, Grecia

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Ficha técnica
Desconocido
Fragmento de mármol en relieve votivo de diosas, madre, enfermera y bebé
Mármol
27 cm
Periodo Clásico
Finales del siglo V a.C.
Grecia
Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos

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En primer lugar, el relieve del periodo clásico presenta como la figura más grande a una diosa quien seguramente es representada puesto que divinidades como Ilitía y Artemis estaban relacionadas con la maternidad (Reboreda 2012, 150), junto con una madre, su hijo y una enfermera, por lo que se podría creer que acababa de dar a luz, además por el tamaño del bebé. En segundo lugar, para la pieza helenística, se presentan Afrodita y Eros, la diosa del amor junto con su hijo. Seguido de esto, estas piezas difieren un poco en estilo cuando se analiza a sus personajes, para el periodo clásico las representaciones humanas tendían a ser genéricas, aunque con un poco más de expresiones y detalles. Tiempo después con las piezas helenísticas se aumentarían estas características e incluso las proporciones de los personajes, como es visible en el cuerpo de Afrodita, su torso es un poco más largo de lo normal, Eros puede verse muy pequeño, incluso si pareciera ser un niño y por ejemplo los pliegues en las ropas de ella son más marcados y visibles.

Ahora bien, estas piezas parten de una similitud, la cual es la maternidad y cómo esta era representada en los diferentes periodos. Para aquel entonces, la maternidad además de ser considerada primordial, era fuertemente impuesta en las mujeres e incluso ellas temían no poder ser madres a causa de esta presión, además porque el matrimonio no se consumaba hasta quedar encinta y sin un marido la mujer sería fuertemente juzgada (Reboreda 2012, 136-137). Finalmente, se puede deducir que, si esta era la realidad de las mujeres en la época, sus deidades debían ser representadas cumpliendo con el rol de madre, con el objetivo de que las mujeres vieran que sus diosas cumplían con los mismos mandatos, así como se evidencia en la segunda pieza.

Susana Reboreda, “El espacio religioso de la maternidad en la Antigua Grecia”, en Los espacios de la esclavitud y la dependencia desde la antigüedad (Madrid: Presses Universitaires de Franche-Comté, 2012), 135-152.

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Ficha técnica
Desconocido
Estatuilla de terracota de Afrodita y Eros
Terracota
21 cm
Periodo Helenístico
Siglo III a.C.
Sur de Italia
Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos

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Ficha técnica
Desconocido
Fragmento del sarcófago de Marcus Cornelius Statius
Mármol
1,49 m. x 0,47 m x 0,23 m
Periodo Romano
Alrededor del 150 d.C.
Musée du Louvre. Paris, Francia

Análisis visual  - Criterio: Contexto histórico
Este objeto fue creado con el fin de representar la vida del senador romano. Se podría pensar que un principio su propósito fue dar a conocer las diferentes etapas de su vida, además porque este haría parte de su sarcófago. Ahora bien, para el análisis de esta obra, hay un fragmento en especifico que será usado, el de la primera sección donde es visible quien sería su madre. Como fue mencionado en clase, era de vital importancia que la población aumentara para así poder continuar abasteciendo de soldados las guerras. A pesar de que Marco Aurelio hiciera parte del senado y por ende hiciera parte de una familia reconocida, muy seguramente su madre y las mujeres de clase alta también estaban obligadas a continuar con el linaje y a reproducirse lo que fuera necesario. Si bien es cierto que esta mujer no era una esclava, vale la pena traer a colación como la mayoría de mujeres romanas eran usadas en la época para dar a luz, como menciona Rubiera en su texto, “la reproducción biológica es, por tanto, ejemplo del uso y de la explotación del cuerpo femenino, el cual además de sufrir la brutalidad rutinaria que acompaña al estado servil, soporta una concreta derivada de su concepción como procreador”

Porque incluso resulta difícil afirmar que las mujeres de las grandes casas no eran sometidas también a violencias a causa de su sexo y su valor reproductivo, así ellas no cumplieran con tareas pasadas, debían ser madres como fuera posible y acarrear con todo lo que esto conllevaba. Prácticamente el análisis parte de que, la mujer con prestigio era representada en el arte pero muy seguramente su situación no era muy diferente a la mujer esclava que por otro lado no era representada en estos medios, o al menos no muy seguido.

Carla Rubiera, “Esclavitud femenina en la Roma antigua. Entre la reproducción biológica y la maternidad”, en ·       Dialogues d’histoire ancienne

(Madrid: Presses Universitaires de Franche-Comté, 2015), 151-170

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Ficha técnica
Desconocido
Virgo Salus Popoli Romani
Técnica desconocida
Arte Paleocristiano
Siglo V
Basílica de Santa María la Mayor. Roma, Italia

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Análisis visual  - Criterio: Temática
En un primer momento, la obra del periodo paleocristiano presenta una de las primeras imágenes de la Virgen María y el niño. En esta representación son visibles las características de este primer arte cristiano, donde los rasgos de los personajes son un tanto prominentes, no naturalistas y donde quien es representado no es identificable por su aspecto. Por otro lado, se evidencia cómo la Virgen sostiene al niño en su mano izquierda mientras él tiene su mano en posición de bendición. En segundo lugar, en la obra bizantina es posible notar el gran tamaño de los ojos de la Virgen y el niño, quien en este caso cambian de posición. Sin embargo, la Virgen sigue sosteniendo al niño, solo que de otra forma, quizás más a modo de apoyo y acompañamiento.
Ahora bien, para el análisis temático más profundo de estas piezas, es importante partir del concepto de maternidad y de lo descrito en el Concilio de Éfeso en 431, donde se proclamo el dogma de la Maternidad Divina, el cual “se refiere a que la Virgen María es verdadera Madre de Dios y que esta maternidad divina se refiere solo a la generación humana del Hijo de Dios y no a su generación divina” (Católicos Firmes en su Fe).

Teniendo esto en cuenta, no resulta muy difícil suponer que desde este momento la maternidad pasó a otro plano aún más canónico y complicado que por cierto debía ser representado y que vemos aquí expuesto. Una maternidad donde se debía acompañar permanentemente al hijo y al parecer de forma individual. En efecto, esta idea asociada con la gran responsabilidad de dar a luz al hijo de Dios, debía también ser ejemplar y regida por la palabra de la Iglesia y todas sus exigencias. Claramente, en estos momentos de la historia, resulta más dificil representar una maternidad 100% real, con la asociación de la Virgen a todas las maternidades, la idea de imperfección queda aún más escondida y rechazada.

“La Maternidad Divina de María en la historia de la Iglesia”, Católicos firmes en su Fe, acceso el día 15 de septiembre de 2020, http://www.catolicosfirmesensufe.org/la-maternidad-divina-de-mara-en-la-historia-de-la-iglesia

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Ficha técnica
Desconocido
Madre de Dios y del Niño
Yeso pintado
226 x 148.6 x 23.5 cm
Periodo Bizantino
Siglo IX
Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos

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Ficha técnica
Desconocido
Placa con la Natividad
Esmalte Champlevé, aleación de cobre, dorado
10,8 x 11,1 x cm
Meuse Valley, Paises Bajos

ca. 1165

Donación de J. Pierpont Morgan, 1917
Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos

Análisis visual  - Criterio: Características formales
Esta pieza fue realizada con la técnica de esmalte champlevé, una técnica de esmaltado de origen francés, con una aleación de cobre para el soporte e incrustaciones de oro visibles como fondo de la pieza. Obra en donde se pretende representar una cierta profundidad, la cual se percibe gracias a la posición en la que se encuentra San José junto con el Niño Jesús hacía el fondo de la habitación, mientras que la Virgen María se percibe en un primer plano. Seguido de esto, se percibe la intención de crear volumen y contraste sobre todo en las ropas de los personajes. Sin embargo, este aspecto no está muy trabajado y no se entiende perfectamente si la luz vendría de algún punto especifico. Ahora bien, esta obra cuenta con cierta sencillez en cuento a sus personajes.  En primer lugar, las expresiones que en ellos vemos no son muy detalladas y tampoco transmiten mucha expresividad. En segundo lugar, es completamente visible como las proporciones no son realistas y más bien son exageradas, esto representado por ejemplo en el tamaño del niño Jesús con respecto a san José y a su madre. Finalmente, el tamaño de la pieza también haría pensar que “esta pieza en conjunto con las otras del mismo diseño, hicieron parte de un altar o pulpito” (The MET).

“Plaque with the Nativity”, The MET,acceso el día 22 de septimebre de 2020,

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/464405

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Ficha técnica
Giotto

Madonna e il Bambino
Fresco
180 x 90 cm
c.1295 - c.1300
Iglesia San Giorogio alla Costa, Florencia, Italia

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Análisis visual - Criterio: Características formales
Inicialmente para la obra de Giotto, es muy notoria la técnica del fresco, esto puesto que las pinceladas son visibles y se nota que esta era continua y delicada. Esto también es causado porque la pintura al fresco se secaba muy rápido y la mezcla entre colores para lograr sombras y matices era más complicada. Sin embargo, para el caso de la obra de van Eyck esto cambia. A pesar de mencionar que esta obra fue hecha con técnicas mixtas, el artista usaba en su mayoría el óleo. Incluso esto es visible gracias a la calidad de detalle logrado en la pinza; la pincelada es casi invisible y logra un efecto de realidad increíble.
Seguido de esto, en cuanto al espacio de la primera obra sí se intenta crear cierta profundidad, pero esta no se logra muy bien, esto a causa de los balcones en los cuales se encuentran los ángeles, se entiende que están en un plano trasero pero su composición no tan precisa confunde un poco la vista. Además del tamaño de las cabezas de los ángeles, si bien es cierto que estas deben ser más pequeñas el cambio de tamaño es un tanto abrupto. Ahora bien, para el caso de la obra de van Eyck, la profundidad se logra muy bien, esto gracias a que el punto de fuga es notorio, muy seguramente se encontraba en la mitad del vestido de la mujer, por abajo del cuerpo del niño. Además, la ventana y la hendidura similar en la otra pared reflejan muy bien la profundidad de la pieza. Luego, para la luz, en el Giotto esta es visible más que todo en las ropas de la virgen y el niño, en donde los pliegues están bien marcados. Sin embargo, no es muy claro de dónde proviene la luz, podría ser tal vez de la parte media superior, pero quedan algunas dudas, sobre todo por las prendas del niño. Situación que cambia en la obra de van Eyck, en donde la luz es tan visible que hasta podría ser perfecta. Esto es visible desde los pliegues del traje de la mujer, hasta los detalles del cabello de ella y el niño, incluso en las estatuillas de león que hacen parte de la silla y el espaldar de terciopelo. Después de esto, para la obra inicial, las expresiones de la Virgen y el niño son muy neutrales, sí es posible percibir cierta serenidad, pero son más como rostros genéricos y no muy expresivos. Por el contrario, para el caso del van Eyck, las figuras denotan más expresión, no mucho en cuanto a una especifica, pero se percibe como se miran la mujer y el niño, incluso la forma de las manos de la mujer, son más notorias e incluso se notan los pliegues en la piel del niño causados por esta.
Luego, para la presencia física del Giotto, esta es de gran tamaño, esto al estar ubicada en una iglesia, lugar en donde claramente debe ser notoria. Por otro lado, la Lucca Madonna no es muy grande, es más bien de tamaño promedio y para ser observada de una manera más cercana. Finalmente, la primera obra presenta dos planos (1: Virgen con el niño) (2: Ángeles en la parte superior observando), cuenta con un énfasis vertical y cubre todo el espacio. Y para la segunda obra, esta cuenta con un primer plano, con énfasis vertical y ocupa todo el espacio

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Ficha técnica
Jan van Eyck

Lucca Madonna

Técnica mixta sobre roble

65,7 x 49,6 x 0,8 cm

1437

Städel Museum, Frankfurt am Main, Alemania

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Ficha técnica
Parmigianino
Camilla Gonzaga con Sus Tres Hijos
Óleo sobre tabla
128 x 97 cm

1535 – 1537
Museo del Prado, Madrid, España

Análisis visual - Criterio: Temática
Para la obra de Parmigianino, es posible identificar una temática no solo de maternidad, sino de poder, esto gracias a que se representa a la condesa Camila acompañada de 3 de sus hijos y esto muy seguramente fue con la intención de representarse a sí misma para la posteridad además de su posición en aquel entonces, dado que tenía los medio económicos y sociales para hacerlo. En adición a esto, es también posible hablar de otras dos temáticas menos perceptibles. Por un lado, la fecundidad dado que la condensa tiene en su hombro una marta cibelina. Y, por otro lado, la desgracia, atribuida también a este animal ya muerto (Museo del Prado).
Ahora bien, para el caso de esta pieza no se presenta mucha narrativa, pero sí es posible imaginar un poco el contexto del “antes y durante” de la obra. Es visible como los niños no tienen la misma rigidez de su madre, quizás a causa de su edad y cómo son representados de una forma más libre y con más movimiento; mientras que, para el caso de Camila, ella sí pudo o quizás “tuvo” que guardar la postura durante toda la realización del retrato. Incluso esto nos hace pensar que ella en su deber de madre y esposa debía reflejarse de una manera perfecta, pulcra y de control, por más agobiada o estresada que estuviera.

“Camilla Gonzaga, condesa de San Segundo, y sus hijos”, Museo del Prado, https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/camilla-gonzaga-condesa-de-san-segundo-y-sus-hijos/fc66fb6b-d364-4369-b000-c9a394aa7256 (acceso el día 26 de octubre de 2020).

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Diego Velázquez

Las meninas

Óleo sobre lienzo

320,5 cm x 281,5 cm

1656

Museo del Prado, Madrid, España

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Análisis visual - Criterio: Características formales
Inicialmente la obra de Velázquez es muy detallada, gracias a sus pinceladas y detalle logrado por la pintura al óleo, mientras que la recreación de Mingote es muy ligera en temas de detalle, esto claramente gracias a que su técnica es mas de ilustración. Para el caso de los colores, estos son mucho mas vividos para la obra de Mingote, esto puede deberse gracias a la actualidad de esta obra o una intención de darle más color a esta recreación. Ahora bien, la luz juega un papel muy importante en ambas obras, si bien es cierto que en la pieza original esta es más visible, Mingote también hace énfasis en la luz y la sombra, sobre todo en el primer plano, aunque con poco énfasis en un punto de luz. En el caso de las figuras, las meninas originales son muy serenas, todos sus personajes mantienen expresiones tranquilas y no muy notorias. Sin embargo, para el caso de Mingote esto cambia drásticamente y es esto lo que marca la diferencia más grande. La infanta Margarita se encuentra volando por el lugar y esto causa una expresión de asombro dentro de toda la sala, incluso en la parte inferior derecha el perro muerde a la niña y ella expresa ese dolor en su rostro. Finalmente, la obra de Velázquez es de gran tamaño y eso influye notablemente en la forma de ver la pieza, si de por si está puede ser leída de muchas formas, su talla la hace aun mas intrigante y casi que hace que el o la espectadora sienta las ganas de estar dentro de ella, siguiendo así la hipótesis de que quien ve la obra es el protagonista. Para la obra de Mingote esto cambia, a pesar de no saber tu talla exacta se podría inferir que su tamaño es inferior puesto que es una ilustración y Mingote solía ilustrar para periódicos. Además, el énfasis de la obra es vertical para ambas obras y estas ocupan todo el espacio, incluso si se enfoca por ejemplo a la infanta Margarita o a Velázquez.

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Antonio Mingote
Meninas
Ilustración

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Ficha Técnica
Marguerite Gérard
Dors mon enfant
Óleo sobre lienzo
1788
67 cm x 58 cm

Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe, Alemania

Análisis visual - Criterio: Función
Esta obra pudo haber sido creada para representar la vida cotidiana y doméstica de una mujer burguesa en la Francia de la época (Francia puesto que Marguerite se desempeñó como artista en este, su país natal). Esto se puede inferir gracias a los objetos que indican cierta iconografía en la obra, tales como las joyas, la guitarra y las ropas de la mujer; objetos que no solo denotan gran poder económico y social, sino que muestran atributos típicos de las mujeres y madres de aquel entonces, como lo es la guitarra y lo que esta significaba como símbolo de acompañamiento para deleite de otros, en este caso el bebé. También es muy probable que este haya sido un encargo para una persona en especifico, quizás quien comisionó la pieza quería reflejar el ser madre en aquel entonces y cómo era la relación “madre e hijo/a”. Incluso el tamaño de la obra da estos indicios puesto que su tamaño no era demasiado grande, era más bien modesto, lo cual lo hacía más personal y para ser expuesto quizás en una habitación específica.

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Ficha Técnica
Mary Cassatt

Mother Holding a Child in Her arms
Óleo sobre lienzo
81 x 65,5 cm
1890
Museo de Bellas Arte de Bilbao, España

Análisis visual - Criterio : Características Formales
Esta obra fue realizada con óleo sobre tela, se nota por las pinceladas que fue un dibujo rápido en cuanto a los colores, aunque se perciben muy bien las figuras, en este caso la madre y el niño. En cuanto al espacio, no hay mucha tridimensionalidad ni profundidad, sí se entiende que delante de la mujer hay algo, lo que vendría siendo una mesa sobre la cual hay una jarra quizás para bañar al infante, pero no se percibe un “más allá” de este plano. Ahora bien, la luz es muy notoria, eso puede darse gracias a las pequeñas sombras que muy sutilmente agrega Cassatt, por ejemplo las que deja el niño sobre el cuerpo de la madre. Sin embargo, predominan los colores claros sin mucho contraste y esto nos hace pensar en cómo y por donde llegaba la luz, la cual apuntaba directamente a la espalda de la mujer. Muy seguramente habría una ventana del lado derecho de la madre y por eso la luz provendría de aquella dirección. Seguido de esto, la primera figura que vemos es la del niño, quien inmediatamente nos lleva al punto focal y quien expresa un rostro de fatiga o aburrimiento, mientras que el rostro de la madre está completamente oculto tras su cabello. Lo que nos haría imaginar qué estaría haciendo mientras tenía a su hijo en brazos y si esta acción era de su agrado o no. Finalmente, resulta que la obra es de gran tamaño, quizás poco habitual a lo que acostumbraban los y las impresionistas. Muy seguramente esta obra con enfoque vertical fue hecha para ser vista por un público, como bien se sabe estas piezas eran de género y buscaban representar la cotidianidad de las personas, en su mayoría ya no eran de comanda ni dominio personal o privado.

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Ficha Técnica
Menez

Sem título

Óleo sobre lienzo

Sin medidas

Sin año

Ubicación desconocida

Análisis visual - Criterio : Temática
Se podría decir que esta imagen carece de una temática especifica. Sin embargo, gracias al movimiento al que pertenece esto queda más a interpretación y puede ser leída de muchas formas. Para el caso de esta obra únicamente se presentan a dos personajes, una mujer y una niña, lo cual es muy ambiguo al momento de precisar su narrativa especifica. A pesar de esto, muchas teorías pueden ser leídas y es gracias a los rostros de las dos. Por un lado, la mujer está sentada, quizás cansada, agotada y aburrida e incluso reflexiva, mientras que la pequeña casi que mira directamente al espectador como si estuviera buscando algo, o a alguien con quien seguir jugando o a alguien para llamar su atención. Esto me hace pensar que son madre e hija y que la mujer sencillamente está tomando un descanso de este arduo trabajo de ser madre, mientras que la niña de alguna forma intenta seguir jugando o haciendo algo; ella aún es joven y cuenta con mucha energía. Ahora bien, es importante precisar que para esta obra no hay mucha información, casi que únicamente esta la imagen, esto hace aún mas difícil comprobar mi análisis con información real. Sin embargo, se sabe que Menez fue madre y que sufrió la muerte de sus dos primeros hijos. Esta información podría de por si confirmar el por qué retrataría sus sentimientos, el ser madre e incluso la expresión de la mujer, suponiendo que la obra fue realizada después de esta tragedia. Finalmente, esta pieza además de ser enigmática y si mis suposiciones son ciertas, podría ser una de las primeras obras que habría empezado a mostrar una maternidad más real, más trágica, melancólica y más humana. Es precisamente esa idea de perfección la que se va perdiendo con los años y por eso esa imagen llamó mi atención, en ella vi quizás esa ruptura de devoción a ese sofisma de una única maternidad perfecta.

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¿Que si debemos separar a la obra del artista? NO. Sin lugar a duda propongo un rotundo no. Si bien es cierto que este debate tiene que darse, también es cierto que como mujeres  deberíamos tomar acciones políticas. ¿Y por qué digo mujeres ? Porque sencillamente a muchos hombres no les interesa esto… Y quizás al momento de leer las demás reflexiones eso sea visible. Dejo claro que no busco ser grosera ni nada por el estilo, solo busco que este debate tan necesario y a veces ausente sea tomado con seriedad y sea visto como una postura política. Y política sí porque si no somos firmes no logramos nada. Recuerdo que hace poco más de un año, me encontraba con amigos y amigas celebrando el año nuevo. Unos hombres vieron muy interesante el hablar de Roman Polanski, en aquel entonces yo no tenía ni idea de quien era pero uno de los sujetos decía “Es que Charlotte no quiere ir a ver la nueva película de Polanski porque es toda feminista, se me hace un tanto exagerada” A lo que me uno a la conversación para tener más contexto… Lo que pasó después es que me prometí a mí misma jamás consumir ningún contenido sin saber quien lo producía… Porque para los hombres es muy fácil ignorar las violencias sistemáticas ejercidas sobre nosotras porque sí, ellos no las han vivido por más que digan “a nosotros también nos matan” o “pero no todos los hombres” E incluso, hay mujeres que también ignoran lo que hay detrás de seguir admirando y consumiendo a violadores, feminicidas, abusadores, maltratadores, etc. Es por esta razón, que este tema debe ser hablado, deber ser puesto sobre la mesa y debe discutirse… Que si seguimos en esa tónica tocaría cancelar a casi todos los artistas, productores, actores, pintores, cantantes… Pues sí, a mi nada me ha quitado dejar de ver a Deep, leer a Neruda, admirar a Picasso, escuchar a Brown o a Díaz. Por eso me choca un poco que para otras personas si sea difícil. Pero bueno, entender eso también hace parte de la empatía hacia el otro y la otra. Finalmente, me gustaría terminar diciendo que los tiempos han cambiado y que mientras no tomemos acciones políticas para cuidarnos entre mujeres no lograremos nada, ser firmes y dejar de admirar a quienes han hecho daño es necesario, sino seguirán vistos siempre como grandes de la industria y jamás por la calidad de seres humanos que fueron o son. Además… qué curioso que nunca podamos cancelar hombres, pero al primer “error” de una mujer ya manden a quemar sus libros y a matarla, porque sí, cazar mujeres como se cazaban brujas sigue muy latente. En fin, este es un mundo hecho por y para hombres, por eso nuestras decisiones como mujeres deben velar por todas, por quienes ya no están y por quienes merecen justicia y una forma de hacerlo es nunca jamás separar al artista de la obra.

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Ficha Técnica
Dana Schutz

How We Would Give Birth
Óleo sobre lienzo
152.4 x 182.9 cm

2007

Ovitz Family Collection, Los Angeles

Análisis visual - Criterio: Función

Esta pieza fue creada para representar una relación entre el pasado y el futuro desde el punto de vista de la artista, además de hacer referencia a su propia experiencia de convertirse en madre. Incluso se podría decir que esta obra era más para ella en cuanto lo que significa y cómo se siente ser madre. Schutz menciona que ser madre es tan loco que incluso es algo que se olvida (MAC), lo cual resulta muy honesto y de hecho refleja una maternidad sincera en donde no se espera una devoción inmediata de la mujer hacía su nueva “labor” o “deber”. Ahora bien, ella agrega el detalle del paisaje al fondo para mostrar un poco esa idea de “perderse” en algo más, de jugar con quien da a luz, el pasado que se representa con la pintura de atrás y el futuro visto en el bebé que está naciendo. Esta combinación de elementos pone al espectador a dudar y a preguntarse en qué anda esa madre… ¿Estará realmente pendiente de su bebé? Finalmente, tendría más sentido ver esta obra públicamente, su significado alrededor de los sentimientos de una madre que incluso se pregunta si debió hacer esa obra de la forma en que la hizo es un claro ejemplo de cómo estas obras ponen sobre la mesa temas tan importante y que poco a poco han tomado más relevancia.

MAC. Dana Schutz. https://danaschutz.macm.org/en/the-gallery/how-we-would-give-birth/?__cf_chl_captcha_tk__=99abaf5373c3cbad5159f2c62c603598d3d5fff3-1606865898-0-ARzbfbMDB1yojx_Jy2V5p6leoVtKihnHgDfrvjyVP3GSYWEyqgxid2iSM3yvuWgHz2XenX03jcmUymDeMMWRuT-e9_oISPfso42jCa90ORRvF-GlJwE4-ygCV_ihyDx-CDKDuBvty1rybrSu189xGq5jpS1wrTCCtjQYai6xTL8gtCP9AXDefSRSRjJoto_WUefJ0EtNJYbhDaLWf1VOOMMF5Wvyo0Cmmywq26iixN4cuXPxScBjaUxr7KQ5-bWM8i_dzrMT2I5btWo730Kds7PyO6Qc-VDefW8h7Hk4xTOV_3KtBlZdlwlMopQo92Lpc1r2r0mu8b1sgp8uiPlqjshW5tkQmJFZWypZsnTGD0pRh1kfAU5_M6dgNOBl_kktnY0VeKNdE_WdH57f9BykSzumZljNWEmIPB_XCcnwS4-Q1gExakV8xX4CWT-yItnSKBAFU8J6QC0Ig-btvaxCrpqrN7iwBT2Gs44lNQzju8UnCOxGrNLP5JvgTENzsYnQ-nH9UGFl9V6ziCgppnt8NmCQA0TTsLcaihDTPIxk49r0amJ9WsmbCNdZa-DyC4pCdg#

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El hecho de ser madres es una de las formas más claras de mostrar la realidad material de las mujeres, una realidad que infortunadamente ha sido tergiversada para beneficio de otros y que ha servido como excusa para oprimir a las mujeres. Situación que hemos visto durante años de historia y por ende representada en la historia del arte. Por esta razón, lo que busco con este ensayo visual es mostrar como solo una imagen de maternidad ha sido vendida a lo largo de los años, además de mi versión de la historia del arte, la cual representa la reproducción de esa imagen que se presenta para ser consumida una y otra vez de la misma forma. Aunque se nos siga diciendo que podemos ser lo que queramos y haya una infinidad de “opciones”, siempre habrá esta presión por seguir con los cánones de cómo serlo y aún peor, el hecho de que haya consecuencias si no se es así. Es decir, una mujer destinada a ser madre o juzgada por no serlo. Finalmente, la historia del arte pude ser vista desde muchos ángulos, teniendo en cuenta artistas mujeres, sus estudios, sus obras y demás. Sin embargo, esto no cambia el hecho de que siempre se nos haya querido representar bajo ciertos criterios, como musas, como seres perfectos, como seres débiles o incomprendidos… Criterios que por más que queremos cambiar, aun siguen y seguirán presentes por un largo tiempo.