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Chuck Berry
Queen
Pink Floyd
Elvis Presley
Aerosmith
AC/DC
Guns n' Roses
Nirvana
Bob Dylan
The Beatles
Jimi Hendrix
Oasis
Skank
Charlie Brown Jr.
Foo Fighters
Capital Inicial
Rita Lee

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Soft Rock
Punk Rock
Indie Rock
Heavy Metal
Grunge
Pop Rock
Hard Rock
Emo

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The Beatles

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Guns n' Roses

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Scorpions

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Green Day

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Charlie Brown Jr.

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Rock and roll – Wikipédia, a enciclopédia livre

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Nota: Este artigo é sobre o estilo musical dos anos 1940-1960. Se procura o gênero musical posterior, veja Rock. Para outros significados, veja Rock and roll (desambiguação).

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Elvis Presley: símbolo máximo do rock

Origens do rock

Este gênero musical de grande sucesso surgiu nos Estados Unidos nos anos 50 (década de 1950). Inovador e diferente de tudo que já tinha ocorrido na música, o rock unia um ritmo rápido com pitadas de música negra do sul dos EUA e o country. Uma das características mais importantes do rock era o acompanhamento de guitarra elétrica, bateria e baixo. Com letras simples e um ritmo dançante, caiu rapidamente no gosto popular. Apareceu pela primeira vez num programa de rádio no estado de Ohio (EUA), no ano de 1951.

A rock na década de 1950: primeiros passos

É a fase inicial deste estilo, ganhando a simpatia dos jovens que se identificavam com o estilo rebelde dos cantores e bandas. Surge nos EUA e espalha-se pelo mundo em pouco tempo. No ano de 1954, Bill Haley lança o grande sucesso Shake, Rattle and Roll. No ano seguinte, surge no cenário musical o rei do rock Elvis Presley. Unindo diversos ritmos como a country music e o rhythm & blues. O roqueiro de maior sucesso até então, Elvis Presley lançaria o disco, em 1956, Heartbreaker Hotel, atingindo vendas extraordinárias. Nesta década, outros roqueiros fizeram sucesso como, por exemplo, Chuck Berry e Little Richard.

O rock nos anos 60: rebeldia e transgressão

Esta fase marca a entrada no mundo do rock da banda de maior sucesso de todos os tempos: The Beatles. Os quatro jovens de Liverpool estouram nas paradas da Europa e Estados Unidos, em 1962, com a música Love me do. Os Beatles ganham o mundo e o sucesso aumentava a cada ano desta década.

A década de 1960 ficou conhecida como Anos Rebeldes, graças aos grandes movimentos pacifistas e manifestações contra a Guerra do Vietnã. O rock ganha um caráter político de contestação nas letras de Bob Dylan. Outro grupo inglês começa a fazer grande sucesso: The Rolling Stones.

No final da década, em 1969, o Festival de Woodstock torna-se o símbolo deste período. Sob o lema "paz e amor", meio milhão de jovens comparecem no concerto que contou com a presença de Jimi Hendrix e Janis Joplin.

Bandas de rock que fizeram sucesso nesta época: The Mamas & The Papas, Animals, The Who, Jefferson Airplane, Pink Floyd, The Beatles, Rolling Stones, The Doors.

The Beatles: banda inglesa foi o grande sucesso do rock na década de 1960 (foto de 1965).

O rock nos anos 70: disco music, pop rock e punk rock

Nesta época o rock ganha uma cara mais popular com a massificação da música e o surgimento do videoclipe. Surge também uma batida mais forte e pesada no cenário do rock. É a vez do heavy metal de bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath e Deep Purple. Por outro lado, surge uma batida dançante que toma conta das pistas de dança do mundo todo. A dance music desponta com os sucessos de Frank Zappa, Creedence Clearwater, Capitain Beefheart, Neil Young, Elton John, Brian Ferry e David Bowie.

Bandas de rock com shows grandiosos aparecem nesta época: Pink Floyd Genesis, Queen e Yes.

Banda de rock Queen: grande sucesso nas décadas de 1970 e 1980.

Anos 80: um pouco de tudo no rock

A década de 1980 foi marcada pela convivência de vários estilos de rock. O new wave faz sucesso no ritmo dançante das seguintes bandas: Talking Heads, The Clash, The Smith, The Police.

Surge em Nova York uma emissora de TV dedicada à música e que impulsiona ainda mais o rock. Esta emissora é a MTV, dedicada a mostrar videoclipes de bandas e cantores.

Começa a fazer sucesso a banda de rock irlandesa chamada U2 com letras de protesto e com forte caráter político. Seguindo um estilo pop e dançante, aparecem Michael Jackson e Madonna.

Anos 90: década de fusões e experimentações

Esta década foi marcada por fusões de ritmos diferentes e do sucesso, em nível mundial, do rap e do reggae. Bandas como Red Hot Chili Peppers e Faith no More fundem o heavy metal e o funk, ganhando o gosto dos roqueiros e fazendo grande sucesso.

Surge o movimento grunge em Seattle, na Califórnia. O grupo Nirvana, liderado por Kurt Cobain, é o maior representante deste novo estilo. R.E.M., Soundgarden, Pearl Jam e Alice In Chains também fazem sucesso no cenário grunge deste período.

O rock britânico ganha novas bandas como, por exemplo, Oasis, Green Day e Supergrass.

O Rock no Brasil

O primeiro sucesso no cenário do rock brasileiro apareceu na voz de uma cantora. Celly Campello estourou nas rádios com os sucessos Banho de Lua e Estúpido Cupido, no começo da década de 1960. Em meados desta década, surge a Jovem Guarda com cantores como, por exemplo, Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa. Com letras românticas e ritmo acelerado, começa fazer sucesso entre os jovens.

Na década de 1970, surge Raul Seixas e o grupo Secos e Molhados. Na década seguinte, com temas mais urbanos e falando da vida cotidiana, surgem bandas como: Ultraje a Rigor, Legião Urbana, Titãs, Barão Vermelho, Kid Abelha, Engenheiros do Hawaii, Blitz e Os Paralamas do Sucesso.

Na década de 1990, fazem sucesso no cenário do rock nacional: Raimundos, Charlie Brown Jr., Jota Quest, Pato Fu, Skank entre outros.

Você sabia?
- Comemora-se em 13 de julho o Dia Mundial do Rock.

Última revisão: 11/09/2020

Por Jefferson Evandro Machado Ramos
Graduado em História pela Universidade de São Paulo - USP (1994).

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História do rock no Brasil e no mundo: resumo - Sua Pesquisa

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Elvis Presley: símbolo máximo do rock Origens do rock Este gênero musical de grande sucesso surgiu nos Estados Unidos nos anos 50 (década de 1950). Inovador e diferente de tudo que já tinha ocorrido na música, o rock unia um ritmo rápido com pitadas de música negra do sul dos EUA e o country.

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Nascido no R&B e no Country, criado na rebeldia e segregação racial: o rock n' roll em seus anos iniciais

Robert Palmer / Rolling Stone EUA Publicado em 13/07/2019, às 10h00

Johnny Cash, Chuck Berry e Elvis Presley (Fotos 1 e 2: AP; Foto 2: Gilles Petard / Redferns)

Para algumas pessoas, tudo começou na calada da noite: entocado em seu quarto com as orelhas coladas no rádio em que tocam vozes elétricas carregadas de intensas emoções e propulsionadas por um ritmo cinético e selvagem e pela estática da madrugada. Para quem crescia na classe média branca dos anos 1950, era novidade, nunca ninguém tinha ouvido nada assim, mas reagiram, e instantaneamente se converteram.

Viraram fiéis antes de saber que aquilo tinha acabado com tudo familiar em suas vidas. Perguntavam a amigos, e talvez irmãos mais velho. Encontraram o que chamava-se rock & roll. Era tão mais vital e vivo do que qualquer outra música que tinham ouvido antes, e precisava de uma nova categoria, já que o rock era muito mais do que música para todos. Era uma obsessão, um modo de viver.
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Para outros, começou um pouco mais tarde, com a primeira visão do Elvis Presley na televisão da casa. Mas para quem cresceu nos anos 1950, não parecia importar como ou onde tinham ouvido a música pela primeira vez. Todas as reações eram uniformes. Sabiam, ali, que um cataclisma sônico estourava (aparentemente) do nada, com o poder de mudar as vidas para sempre. Porque era, obviamente e sem contestações, a música deles. Se havia dúvidas no começo, a reação horrorizada dos pais - ou, na melhor das hipóteses, proibitiva - baniram essas questões. Crescendo em um mundo ainda não codificado, finalmente aquela geração achou algo para eles: para todos e para cada um.

Mas onde começou isso? Da onde veio? Mais de meio século depois da primeira explosão do rock n' roll em toda a sua glória, não temos ainda uma resposta simples e definitivas para essas questões. Claro, são complicadas, já que as respostas dependem de como você define o estilo.
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Fats Domino, o mais amável e pragmático artista da primeira geração rock n' roll, foi questionado sobre as origens da música em uma entrevista para televisão nos anos 1950. "Rock n' roll não é como o R&B", respondeu com característica franqueza. "e nós tocamos isso há anos em Nova Orleans." Este é um argumento válido: todos os artistas de rock pioneiros, negros ou brancos, do campo ou da cidade, foram influenciados pelo R&B, pela música popular dos negros do final dos anos 1940. R&B abrangia o som de tudo, desde as bandas de swing do Kansas, ou um grupo acapella de Nova York, até o blues de Chicago. E até onde Fats Domino sabia, rock n' roll era simplesmente uma nova estratégia de marketing para o estilo que ele fazia desde 1949. Mas o que diziam os outros pioneiros?

Quando começamos a analisar, descobrimos que a maioria dos artistas de rock mais distintivos e influentes da metade dos anos 1950 faziam música que não podiam, em aspecto algum, ser definida como uma continuação do R&B dos anos anteriores. Não existia precedentes no R&B para artistas como Chuck Berry, que combinava a música caipira, blues e swing-jazz em medidas iguais e escreveu músicas sobre a vida adolescente e cultura geral que tanto jovens brancos quanto negros achavam interessantes. ( Louis Jordan, ídolo de Berry e também Bill Halley, chegou perto disso, mas suas músicas com histórias profundas eram focadas tanto em adultos como em adolescentes, e qualquer aspecto caipira em suas músicas eram para fins cômicos.)
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Certamente, a música popular nunca tinha visto um artista cuja potência vocal, presença de palcos e aparente integração de influências tão diversas como o down-home blues, pentecostalismo e hits musicais cantarolados em alguém que lembrasse remotamente Elvis Presley. E onde, fora dos corais de igrejas dionisíaco mais doidas, alguém tinha visto ouvido algo como Little Richard?

Sam Phillips, o patriarca do rock cujo selo gravou Elvis, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash e outros artistas iniciais, sugeriu que a verdadeira importância do rock n' roll dos anos 1950 não teve muito a ver com o conteúdo da música, ainda mais inovação. É completamente verdade quando você disseca a música e a analisa, riff por riff, nota por nota, você encontra uma mistura de conceitos de blues, música pré-primeira guerra e o swing americano, gospel, e outros vocabulários. Para Phillips, o verdadeiro significado do rock n' roll é duplo.
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Para começar, foi a única forma de música popular que falava diretamente com adolescentes - existiam músicas para adultos e crianças, mas nada como aquela protuberância fluorescente que os baby boomers tiveram entre a infância e a vida adulta. Depois, o rock n' roll permitiu aos "marginais" urbanos - os brancos pobres enterrados em empréstimos, a juventude negra dos guetos, e, não coincidentemente, trabalhadores de lugares longínquos - a oportunidade de se expressar livremente, não como faziam no R&B e C&W, que tinham audiências limitadas, mas em uma dominância mais forte e popular. Elvis transformou-se de um motorista de caminhão em um ídolo de milhares de pessoas em menos de um ano. De repente, parecia que o céu era o limite, se é que existia limite.

O início do rock no meio dos anos 1950 não foi somente uma revolução musical, mas uma agitação social e geral de âmbito enorme e imprevisível. Também representava a maior reviravolta no negócio de música popular. Não existiam contrapontos de pré-rock para Sam Phillips, que transformou uma pequena gravadora em Memphis com apenas um funcionário em uma companhia na qual os artistas venderam milhares de discos no mundo. Em termos de negócios de gravadoras, o rock dizia que empresas pequenas como Sun, Chess e Specialityestavam invadindo os primeiros lugares das paradas, junto do domínio exclusivo da maior gravadora corporativa de Tin Pan Alley e seus interesses de publicação em músicas.
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Concentrando-se em grandes vendas e os denominadores brandos do pop, os maiores foram pegos desprevenidos por uma coalizão de rádios renegadas do sul dos EUA e seus engenheiros de som (Philips), empresários judeus e estrangeiros (os irmãos Chess), músicos de ex-bandas de swing, e doidos homens do interior. Esses eram os "marginais" que vinham gravando para audiências especializadas desde que as gravadoras maiores cederam território no fim da Segunda Guerra. O front do gueto, a operação de gravações de baixo custo de 1949 até 1953 de repente surgiu como um gigante da indústria entre 1955 e 56, dando conta da maioria das músicas no topo das paradas.

Já que várias dos mesmos selos pequenos que dominaram o mercado do R&B também flertavam com o country, e vice e versa, essas músicas se estreitaram. A geração mais nova do country também ouviam black music, e como resultado, os artistas do country foram encorajados a gravar músicas de R&B de um modo mais pesado e com um beat de rock.

Enquanto isso, várias das pessoas negras que cresceram isoladas em fazendas ouviam e eram influenciados pela música country de programas de rádio. E artistas negros como Chuck Berry e Bo Diddley descobriram que quando tocavam uma música que era levemente caipira ou alguma variação, seu público acompanhava. E apesar de toda a segregação racial que havia nos EUA nos anos 1950, brancos e negros começavam a achar, na música, mais e mais em comum.
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Com a geração pós-guerra crescendo, os adolescentes, especialmente adolescentes brancos com dinheiro no bolso, representavam um grupo de consumidores grande. Não precisava ser um gênio para perceber, assim como notaram Sam Phillips e outras pequenas gravadoras dos anos 1950, que mais e mais jovens ouviam músicas criadas por artistas negros, tocadas nas rádios locais por uma geração de pessoas conscientes da segregação. E se um artista branco com estilos R&B e um appeal para adolescentes existisse...

O sucesso rápido de Bill Halley and the Comets, que surgiu do uso de seu single " Rock Around the Clock" no filme adolescente Sementes de Violência (1955) era um sinal claro de que o R&B e o country ( Haley's Commets eram uma banda que tocava country e começaram a gravar R&B em um estilo que lembrava Louis Jordan) não continuariam excluídos da música pop e mainstream. Mas Haley não era exatamente o material ideal para um teen-idol. Precisou de uma preparação assídua e da promoção de Elvis Presley - que, reza a lenda, entrou no escritório de Sam Phillips para fazer um disco para o aniversário da mãe - para conquistar o triunfo do rock.

Para continuar no sucesso adolescente, a nova música - nova, na verdade, para os adolescentes brancos que só a descobriram então - precisava de um nome. R&B era um termo datado com conotações clássicas. Alan Freed, um DJ de R&B que foi de uma pequena rádio de Cleveland para uma grande em Nova York, foi crucial para o surgimento do rock n' roll com o surgimento do nome. Deve ter agradado Freed e os outros funcionários que o termo "rock n' roll" era também uma gíria para sexo - e era desde os anos 1920, quando o cantor de blues Trixie Smith gravou " My Man Rocks Me (With One Steady Roll) ", ou "Meu Homem Me Abala (Com Apenas um Rolo Firme)."
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Era um segredo dividido apenas entre os DJs, os artistas e os jovens: por incrível que pareça, os "adultos" não pareciam entender. Certamente, ninguém que estava por dentro ia explicar para eles. Adolescentes desenvolviam seus códigos únicos em grupos em uma cumplicidade, expressavam isso nas roupas, em enfeites (de brincos até buttons) e aumentando seu próprio vocabulário de gírias. O meio que espalhou essa cultura jovem e underground foi o rock n' roll.

Desde os primórdios as gravadoras de rock cobriram um amplo terreno musical. O clichê diz que o rock era uma mistura do country e blues, e se estiver falando sobre, vamos dizer, Chuck Berry e Elvis Presley, a descrição, mesmo que simples, encaixa. Mas a inércia dos vocais poderosos dos cantores negros, que por si só era inusitada o bastante para acomodar o pensamento, os intensos Midnighters e 5 Royales, as harmonias novas que tocavam em barbearias como Orioles and the Crowns e a música infantil de Frankie Lymon and the Teenagers ou Shirley e Lee, tinham pouco a ver com o formato do blues ou do country.

O beat de Bo Diddley - que, depois de popularizado por ele, começou a aparecer em músicas de vários artistas - era derivado do estilo afro-caribenho. O riff de baixo mais durável (lê-se usado demais) no rock dos anos 1950, usado em " Blue Monday" de Fats Domino e " Lawdy Miss Clawdy" de Elvis, foi criado por Dave Bartholomew, produtor de Fats, e veio de uma música cubana. O sax escandaloso que domina o rock dos anos 1950 antes do crescimento das guitarras, veio de uma banda de swing, mas tudo virou típico do rock. Ritmos tradicionais do México também entraram no rock n' roll. Mas o estilo provou-se um híbrido multi-étnico exclusivo, com suas origens e desenvolvimentos sutis sendo diversos demais para ser explicado como "blues + country" ou qualquer outra fórmula.
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Na altura do pandemônio inicial, em 1955/56, um número seleto de front-runners surgiu, artistas cujas personalidades moldaram a face que seguiria: Elvis, claro; Chuck Berry, cujo estilo de guitarra era brilhantemente emulado em suas letras críticas da adolescência; Little Richard, o arquétipo do artista do rock n' roll barulhento e ambisexul, com a banda itinerante mais influente da época, os Upsetters; o confiável Fats Domino, que misturou o blues e o jazz com o pop de Tin Pan Alley; Jerry Lee Lewis, o protótipo do homem louco do rock; Buddy Holly and the Crickets, paradigma de um frontman; Sam Cooke, Ray Charles, os 5 Royales e um jovem James Brown, todos eles encarnando o êxtase do rock no palco e ajudando os rockeiros dos anos 1960 no processo, e Eddie Cochran, que combinou a aparência dos ídolos-teen com uma inteligência musical, e que entendeu bem cedo que o próprio estúdio era um instrumento musical.

Certas figuras de backstages também foram tão importantes quanto os mais brilhantes cantores que construíram o rock n roll como idioma, com um futuro também espetacular. O produtor Milt Gabler aplicou o que aprendeu com os blues dos anos 1940 de Louis Jordan nos hits de Bill Haley. Dave Bartholomew, trompetista de Nova Orleans, que conseguia tocar, escrever e produzir, e seus músicos ficaram por trás dos hits de Fats Domino e Little Richard. Earl Palmer, baterista, definiu seu estilo no rock em Nova Orleans e o levou para a elite dos estúdios de Los Angeles, e sabia tocar todas as músicas do momento - e se um único músico merece o crédito por definir o rock como um estilo diferente do R&B e tudo que veio antes, esse músico é com certeza Earl Palmer. Mas foi outro baterista e sócio de Little Richards, o Charles Connor, que colocou o funk no ritmo.

Tom Down da Atlantic Records introduziu o verdadeiro stereo e deu à gravadora singles únicos. Sam Phillips foi relevante para sua engenharia inovadora, sua queda para o eco e ambientação, assim como seu talento para mixagem, assim como seu populismo. Isso tudo ajudou a definir muito do que chamamos de espírito do rock e suas políticas. Foi Phillips quem mostrou em suas músicas a visão do rock como um sonho de liberdade e igualdade.
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Muito foi feito nos anos 1960 para transformar o rock em um meio de revolução social e cultural, mas foi no meio dos anos 1950 que o estilo se espalhou, em uma onda poderosa e concentrada, com as propriedades raciais e culturais acumuladas por décadas. O que poderia ser mais revoltante, mais ameaçador para a tradicional ordem social e sexual americana do que um show de Little Richard?

É um sensor do tamanho do potencial de revolução do rock dos anos 1950 (ao contrário da revolução marketeira da década seguinte) que enquanto a música dos anos 1960 desvaneceu ou se perdeu, o rock dos anos 1950 só parou. Abruptamente.

Os problemas começaram a se acumular: depois do rock substituir a música popular, as grandes gravadoras pegaram o ritmo, e as pequenas que fizeram sucesso no estilo acabaram falindo, e a carreira dos artistas começaram a ter escândalos. Chuck Berry foi preso. Little Richard desistiu em seu áudio para voltar-se para a igreja. Jerry Lee Lewis foi detonado e boicotado por casar com sua prima pré-adolescente. Alan Freed morreu recluso e alcóolico. Elvis se safou pois era protegido seu empresário Tom Parker.
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Durante os poucos anos em que o rock n' roll inicial reinou, as possibilidades pareciam inebriantes e infinitas. Vendo isso depois, tudo acabou sendo uma vanguarda cultural de um movimento de igualdade social, racial e sexual que surgia como forma política - não foi acidente de que Rosa Park não levantou de seu lugar no ônibus para um branco e outros atos do que viraram movimentos civis ocorreram durante a breve ascensão de Chuck Berry e Little Richard, homens negros dos quais cada movimento e palavra eram para responder aos estereótipos raciais.

Se o rock dos anos 1950 falharam em realizar suas aspirações sociais e criativas que expressavam tão eloquentemente, em um nível cultural, superou até seus sonhos mais loucos. Não só se provou como mais do que moda ou episódio de delírio juvenil, apresentou o modelo e template da inovação da música que seguiu a isso. O melhor do rock n' roll dos anos 1950 pode ter prometido uma utopia que não aconteceu. Mas, enquanto há música, o sonho sobrevive.
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1950 e o rock: a década da música que mudou o mundo

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Nascido no R&B e no Country, criado na rebeldia e segregação racial: o rock n' roll em seus anos iniciais Robert Palmer / Rolling Stone EUA Publicado em 13/07/2019, às 10h00 Para algumas pessoas, tudo começou na calada da noite: entocado em seu quarto com as orelhas coladas no rádio em que tocam vozes elétricas carregadas de intensas emoções e propulsionadas por um ritmo cinético e selvagem e pela estática da madrugada.

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O dia 13 de julho celebra o Dia Mundial do Rock! Mas você conhece a história desse estilo eletrizante?

O Rock ou Rock n' Roll surgiu e se firmou nos Estados Unidos durante a década de 50, tendo rapidamente se espalhado por todo o mundo. Sua história começou com a influência cultural da música dos escravos vindos da África, na sociedade norte-americana como forma de expressão cultural e artística.

Em fins de 1950, nos EUA, uma geração marcada pelo fim da Segunda Guerra Mundial, viu-se frente a ritmo até então desconhecido, vindo de comunidades afro-americanas nos centro urbanos do norte do país. Nas colheitas de algodão dos Estados Unidos, os escravos cantavam para celebrar sua espiritualidade e seus ancestrais. Também cantavam sobre as mazelas da escravidão, estabelecendo assim uma relação direta entre sua música e a realidade social. O rock herdou essa capacidade de radiografar o presente.

Na época, a sociedade americana começava a abandonar preconceitos seculares. De uma certa forma, a explosão do rock simbolizou uma América nova, mais liberal, próspera e livre das dificuldades econômicas do pós-guerra. Adolescentes brancos começaram a curtir uma música antes relegada a salões de baile nos bairros negros e pobres. Assim, as raízes musicais do Rock and Roll, tanto as negras quanto as brancas (europeias) começaram com o blues rural do início do século XX e fundiram ao blues urbano, ao gospel e ao jump band jazz.

Pode-se dizer que ainda, que além da cultura afro-americana e do blues, o som das guitarras elétricas tem sido a principal caracterização do rock. E embora no início da história do Rock, o instrumento principal fosse o saxofone, hoje em dia os instrumentos musicais mais utilizados são a guitarra elétrica, o baixo, a bateria e o teclado. Entre sua características principais estão a predominância de uma base rítmica constante e repetitiva; a segunda é a utilização da música de uma forma emocional e espiritual.
Década de 50
O Rock surgiu na década de 50 através da mistura de três gêneros musicais: Blues, Country e Jazz. Assim, surgiu o Classic Rock, uma mistura de vários gêneros musicais. Nesse período do Classic Rock surgiu Elvis Presley, considerado por muitos como o "o rei do rock".
Década de 60
Tal período foi o mais popular e prolífero do Rock. A combinação do movimento antiguerra e o crescimento do uso de drogas registrado na época originou o pensamento da década. Bandas famosíssimas como Beatles, Rolling Stones, The Doors e Pink Floyd surgiram. Foi neste período que surgiu o famoso lema: "Sexo, drogas e Rock'n'Roll."
Década de 70
Nesta fase, a "agressividade" do Rock dos anos 60 havia se esfriado um pouco, proporcionando o retorno de um estilo mais direto e primitivo. Foi na década de 70 que surgiu o punk rock, o conceito do "faça você mesmo" tomou conta do mundo inteiro através das bandas The Ramones, Iggy Pop & The Stooges e Sex Pistols. Além destes, outros lendários grupos musicais surgiram neste período: Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple, KISS e Aerosmith, por exemplo.
Década de 80
Foi marcada pelo peso, atitude e a comercialização. Na questão do peso, surgiu o Heavy Metal, representado por bandas como Iron Maiden e Judas Priest. Além disso, nos anos 80 surgiu o Alternative Rock, gênero musical criado pelas bandas undergrounds que não tinham apoio das grandes gravadoras e que passaram a lançar seus discos de forma independente.
Década de 90
Sem dúvida, foi a época do hard rock, liderado pela banda Guns N'Roses (para se ter uma ideia, o estoque dos discos da banda não duravam nem 24 horas nas lojas). Também foi na década de 90 que surgiu o "grunge", estilo que tem como características musicais o menor cuidado na polidez do som (grunge tem um significado próximo a "sujo" na língua inglesa) e a criação de letras relacionadas com a depressão e a angústia. Algumas importantes bandas desta fase: U2, Pearl Jam, Nirvana, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers, Dream Theater e Green Day.
Cenário atual
No início do século atual, o Rock começou a perder grande parte de seu espaço para o Pop. Contudo, uma nova vertente do estilo, a qual relaciona o rock com a diversidade da música, surgiu. Assim, se tornou um elemento crucial para os rockeiros do século XXI a aceitação da heterogeneidade e a exaltação de toda a história do rock.

E o bom e velho rock n' roll é muito mais que um gênero musical, ele representa um traço da história, de uma cultura e de um estilo de vida.

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É hora de Rock n' Roll! A história do estilo mais popular do ocidente | Anglo Rio Preto

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O dia 13 de julho celebra o Dia Mundial do Rock! Mas você conhece a história desse estilo eletrizante? O Rock ou Rock n' Roll surgiu e se firmou nos Estados Unidos durante a década de 50, tendo rapidamente se espalhado por todo o mundo. Sua história começou com a...

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O rock n' roll é político, sim

O cantor e compositor Roger Waters, em apresentação paulistana da turnê Us & Them. Foto: Reprodução / Facebook oficial

Postado em 15 de October de 2018 por admin

O que rock tem a ver com política? Tudo, amigo.

Antes de você achar que vem uma discussão partidária (o que não é o caso aqui), vamos resgatar algumas ideias do conceito essencial da política, definida há alguns milênios por Aristóteles. O filósofo dizia que "o homem é um animal político". Ok, alguém já deve ter citado essa para você no Facebook. Mas provavelmente não citou que, segundo o mesmo Aristóteles, aquele que "ama a guerra pode ser comparado a um pássaro que voa só". E o tal amante da guerra seria alguém "sem tribo, sem lei, sem coração". Esse seria o ser "apolítico".

Politiká, do grego, se referia à polis, a tudo que é "público". E público, caso você tenha esquecido, é algo que é "acessível a todo mundo". Como a música. Como o rock'n'roll. Ser apolítico é se fechar em um mundinho e se agarrar a ele com unhas e dentes.

Então, rock sempre foi político, mesmo quando alienado. Era político desde quando Elvis tinha que ser filmado da cintura para cima pelas câmeras de TV, porque seu rebolado era considerado "indecente"; desde quando Chuck Berry - negro, pobre e delinquente - conseguiu unir plateias brancas e negras em um Estados Unidos ainda tomado por leis de segregação racial; desde quando Little Richard aparecia maquiadíssimo e uivando ao piano antes da década de 1960 começar.

Daria para ficar o resto do dia citando exemplos, e isso recorrendo apenas aos ditos "clássicos" do rock'n'roll. Mesmo o rock mais frívolo, mais "nóis quer é encher a cara mesmo", se confirma como político quando você entende que está decidindo conscientemente mandar tudo à merda, se alienar e partir pra gandaia. Isso para não mencionar as vertentes que tinham em seu DNA as letras e o discurso político, como o folk e boa parte do rock dos anos 1960, o punk inglês, a primeira leva do hardcore norte-americano. E isso que estamos falando apenas de rock. Se trouxermos ska, reggae, rap e outros gêneros para a roda, o leque aumenta de um jeito que playlist alguma do Spotify daria conta de cobrir.

Todo esse contexto está aqui para dizer que toda essa celeuma pós-turnê do Roger Waters em terras nacionais mostram que o consumidor (palavra importante, voltaremos logo a ela) de rock sabe muito pouco sobre o que está comprando.

Você não precisa saber que Eric Waters, pai de Roger, morreu na Segunda Guerra enfrentando os nazistas, porque esse é o tipo de informação da qual só um fã dedicado, ou um nerd de música (no bom sentido), vai atrás. Entretanto, é estranho pagar umas boas centenas de reais por um espetáculo cuja natureza você ignora. Além da carga política de muitas letras, Waters está há décadas usando sua imagem pública para falar de diferentes causas internacionais, arcando com o preço que uma atitude tão aberta pode lhe custar. A turnê atual, Us & Them ("nós & eles"), é anunciada pela imprensa e pelo próprio músico como uma turnê que alerta e critica o que Waters vê, com justificada razão, como um retorno do pensamento extremista pelo mundo. Tudo isso está presente em qualquer matéria que tenha sido escrita sobre Waters antes de sua vinda ao Brasil. Então, não dá para dizer que você se sente enganado por chegar ao show e encontrar mensagens políticas, né?

Bem, dá sim, porque nesse mundo que transforma tudo em mercadoria, um show é percebido pela maioria das pessoas como mais um produto a ser consumido. E para essas pessoas, um show não é arte, tampouco cultura: é entretenimento, e tem que ser do jeito que elas esperam que seja. De fato, chegamos a um mundo onde a música (e todas as artes) parecem ter o mesmo peso (e o mesmo valor) que uma refeição fast food para seus "consumidores".

Esmiuçar isso é assunto para outra coluna. Mas, mesmo nessa lógica de consumo, é de se esperar que alguém que vá assistir a uma adaptação cinematográfica ou teatral de Romeu e Julieta saiba, ao menos, que se trata de uma tragédia. Você consegue imaginar alguém saindo puto da projeção ou da peça, a ponto de exigir o dinheiro de volta, porque o casal morre no final? Ou, pior ainda: alguém sair do cinema exigindo ser reembolsado porque o filme não terminou como ele esperava?

Não perceber a dimensão política da obra de Roger Waters, com ou sem Pink Floyd, é desconhecer o artista. Não perceber o rock como uma música política é desconhecer o próprio gênero.

Ainda assim, não dá para generalizar e atribuir ao estilo "posições". Vi uma postagem em rede social em que o cidadão - músico, integrante de uma banda badalada no meio indie - dizia que "não existe rock de direita".

Existe sim, amigão. Aos montes. Assim como existe rock sexista, racista, machista, escatológico, herético, religioso, careta, sectário, gregário, ofensivo, reacionário, e mais um monte de outras possibilidades. Quer exemplos? O southern rock dos EUA, que rendeu boas bandas como o Lynyrd Skynrd, tem uma notória associação com a cultura redneck mais tacanha e racista. E a música oi, que está diretamente ligada ao neonazismo? E você vai me dizer que o AC/DC é uma banda que "respeita a figura feminina"? E ainda temos o populismo de uma cacetada de artistas que, ao vivo, regem a plateia com palavras de ordem e comandos diretos ("are you readyyyyy?", "sai do chão", "quero ouvir todo mundo cantando"), presente em quase todas as bandas de arena e aspirantes a tanto.

Claro, você pode escolher não dar trela a nenhuma dessas bandas ou desses estilos. Ou pode ouvir a música dissociando-a voluntariamente do "contexto" (difícil, mas não impossível). Pode até acreditar que caras que empunham bandeiras de igualdade e justiça social são tão bacanudos como suas mensagens fazem crer, mesmo que não sejam bem isso. (Só a título de ilustração: em uma entrevista para a Rolling Stone, Tom Morello deixou escapar que não sabia se sua empregada de origem latino-americana era sindicalizada ou mesmo se ela estava legalmente nos EUA. Detalhe: à época, Morello fazia alguns shows em prol dos direitos dos imigrantes...)

Enfim, o rock sempre teve caráter político, mesmo quando hipócrita ou alienado, e dificilmente deixará de tê-lo, porque é uma música que se dispõe a dialogar com as pessoas, e não ficar ensimesmada. E continua sendo uma música viva, vibrante e intensa. Então, aceite que ele é, sim, político. Mas deixe-o fora do seu tacanhismo partidário.

Detalhe do palco do festival Conexão Latina. Foto: João Henrique Moldenhauer / Agência Conexão Latina

Sobre organizar um festival

Postado em 07/12/2018 por admin

Em 2018, dei à luz um projeto antigo e querido: fazer um festival dedicado à integração latino-americana. Na verdade, o Festival Conexão Latina foi organizado por mim e por Mayra Rizzo (musicista e diretora da agência Conexão Latina), e sem falsa modéstia, acredito que o trabalho mais pesado tenha cabido a ela e não a mim. Seja como for, os dois labutamos muito, durante 18 meses, para que o evento acontecesse o mais perto possível de como o imaginávamos: gratuito, de fácil acesso, e com outras frentes que não apenas a música.

O festival aconteceu em novembro, e em nossa avaliação, nossas modestas expectativas foram superadas. Ou seja, foi um sucesso, mas não é por autobravata que escrevo este texto - até porque nem tudo saiu como gostaríamos que tivesse saído. Organizar um festival, depois de passar anos frequentando vários deles e trabalhando em outros tantos, traz diferentes aprendizados - sobre música, claro, mas também sobre união, política, administração, carreira e vários outros, e é sobre algumas dessas "lições" que esse texto trata.

A primeira questão que vale pensar é sobre o termo "festival independente". É difícil enxergar independência em um evento que está atrelado a grandes marcas ou que precisa do apoio de editais para acontecer. Nada contra nenhuma dessas formas de financiamento - pelo contrário, buscamos ambas. Mas acho que podemos chamar os eventos que predominam no cenário de "festivais de médio porte", porque independência não é o caso, e até valeria discutir se ela é algo que tem um valor real. Afinal, do que vale ser "independente" e entregar algo ruim?

Isso posto, é com alguma liberdade poética que chamo o Conexão Latina de "festival de médio porte" - mas apenas porque nosso porte era assumidamente pequeno, e se provou um pouco maior na prática. Conseguimos o apoio do programa de fomento à cultura Ibermúsicas, ganhando um edital de circulação que nos permitiu pagar as passagens e o deslocamento do músico argentino Edu Schmidt e de sua banda.

Aliás, sabe porque o Conexão Latina foi um dos únicos dois festivais brasileiros contemplados na seleção do Ibermúsicas? Porque lemos o edital e fizemos nosso projeto de acordo. Pode parecer surpreendente, mas muitos artistas e produtores são desqualificados de editais de fomento à cultura por não respeitarem prazos (geralmente, bastante extensos) de entrega de documentação, por não se atentarem a normas técnicas de redação ou não responderem a todas as questões propostas pelo programa - isso quando os projetos não são mal redigidos mesmo. Não basta a tal "ideia na cabeça": é preciso muita paciência, tempo e olhar para detalhe, além de planejamento e disposição para lidar com burocracia.

Além do Ibermúsicas, conseguimos o apoio dos locais onde o festival foi realizado - Mundo Pensante, Lab MP e Projeto Alberto Seabra 1128, todos na capital paulista. Eles entraram com quase toda a estrutura de som e iluminação - o que é um grande aporte, acredite. Além disso, o Mundo Pensante/Lab MP arcou com o bar e a alimentação nos dois primeiros dias, além de colaborar com uma pequena verba, e a Projeto Alberto Seabra 1128 forneceu os insumos para a etapa gastronômica que encerraria o evento.

Ainda assim, um bom montante era necessário para cobrir custos de deslocamento dos demais músicos, despesas de promoção (que vão da confecção de cartazes à gestão das redes sociais), hospedagem de site, alimentação e outros tantos. Se alguém disser que fez festival com "custo zero", esteja certo: essa pessoa está mentindo desavergonhadamente.

"E cachês e salários dos músicos e da equipe?", você pode perguntar. Bem, chegou uma hora que ficou claro para nós, organizadores, que não lucraríamos com o evento, e seriam necessários sorte e habilidade para que não tomássemos prejuízo. Aí entra um baita dilema.

Tocar música é um trabalho e tem que ser pago. Pronto. Mas como conseguir isso com um evento grátis e de orçamento restritíssimo? Conversamos abertamente com os músicos, e eles se dispuseram a tocar sem cachê, por acreditarem na proposta do festival. Para nós, como produtores, foi tocante - mas também um tanto desconfortável, por acreditar que eles mereciam mais que nossa gratidão.

Propusemos, nos três dias, a ideia de evento colaborativo, no qual cada espectador daria uma contribuição caso se sentisse à vontade para tanto. Chegou-se a um certo montante, mas que não configurou nenhum acréscimo significativo na receita do festival. O pouco excedente foi repassado aos músicos. Todo o resto da equipe - designers, assistentes de produção, fotógrafos e os dois organizadores - não tiveram remuneração.

Vale a pena fazer um festival nessas condições? Pelos resultados obtidos, eu não tenho dúvida de que valeu. Principalmente porque tanto a pré-produção quanto o evento propriamente dito comprovaram, na prática, que existe essa conexão latina, que tem muita gente mais interessada em união do que em polarização, e que está disposta a usar a música ou a educação como plataforma para aproximar as culturas latino-americanas (e por conseguinte, as pessoas). Também porque a enorme maioria do público era de completos desconhecidos - gente que compareceu por acreditar na premissa e na qualidade do evento, e não na brodagem com os organizadores.

Claro que também passamos pelas picuinhas do meio - gente que fala entusiasmadamente que vai "dar todo o apoio" e "fazer parcerias" mas desaparece na hora H, artista com rancor porque não foi convidado a tocar e coisas assim. Mas são pontos pequenos demais para merecerem mais que este parágrafo.

Vivenciar a experiência de armar um festival internacional com poucos recursos e com uma pauta um tanto ambiciosa foi uma espécie de intensivão sobre os meandros da produção cultural de médio porte hoje, a relação entre arte e consumo, e o que existe de verdade atrás de muitos dos discursos do meio. Obviamente, a segunda edição do festival será feita levando em conta os aprendizados dessa primeira - e como diz Fernando Rosa, organizador do El Mapa de Todos, "festival só encontra sua cara definitiva a partir da quinta edição".

O B 52s em registro do começo dos anos 1980, em sua formação original. Foto: Reprodução / Facebook B 52s Oficial

B-52s e uma liçãozinha para a geração lacração

Postado em 21/11/2018 por admin

Não há nenhuma efeméride especial para recordar dos B-52s hoje, em pleno 2018. Mas talvez não exista tempo melhor para recordar sobre a banda que agora. Afinal, trata-se de uma banda que conseguiu fazer muito por uma causa... sem transformar a dita "causa" no único eixo da sua exposição pública.

Um pouquinho de história beeem resumida: os B-52s (ou, até 2008, B-52's, com apóstrofo) eram um quinteto que nasceu em meio a uma bebedeira em um bar. Os irmãos Cindy e Ricky Wilson, mais os amigos Fred Schneider, Kate Pierson e Keith Strickland tomaram várias em um restaurante chinês em Athens (no Estado da Geórgia, EUA), começaram uma jam ali mesmo, viram que dava liga e decidiram montar uma banda. Treze anos depois, seriam um dos maiores nomes do pop mundial, cometendo vários bons discos ao longo do caminho. Entre idas e vindas, a banda faz shows até hoje, e nem mesmo a idade (Kate, a mais velha, completou 70 este ano) os impede de seguir em frente.

Os B-52s foram um dos primeiros ícones queer da história da música pop. Sua sexualidade ambígua, o visual espalhafatoso (perucas coloridas, vestidos e paletós que pareciam saídos de um desenho animado) e as performances estridentes chamavam atenção, tanto quanto sua música veloz, mininalista e dançante.

As letras tinham um humor malandro, que podia apontar a falsificação de dinheiro como a melhor maneira de sair da crise ( Legal Tender), distopias realistas demais ( Channel Z), trepar num refúgio de estrada ( Love Shack) ou até sobre festas psicodélicas em companhia da vida marinha ( Rock Lobster).
Veja um dos registros ao vivo de melhor qualidade do B 52s. Disponível no YouTube, o show foi realizado em Dortmund, na Alemanha, em 14 de maio de 1983.
Embora não trouxessem nenhuma referência homoafetiva direta, foram imediatamente adotados pelas comunidades LGBT do hemisfério ocidental. Para se ter uma ideia, o ativista gay Aaron Fricke batizou sua autobiografia de Reflections of a Rock Lobster, em referência ao primeiro sucesso da banda, Rock Lobster. No livro, Fricke conta que tomou coragem para se assumir homossexual ainda no ensino médio, em plena era Reagan, graças à música dos B-52s. E Gus Van Sant não batizou seu emblemático filme Garotos de Programa, que consagrou River Phoenix, em referência a uma canção dos georgianos por acaso (o título original é My Own Private Idaho).

Uma tragédia viria a reforçar essa associação: Ricky Wilson, guitarrista e então principal compositor do grupo, faleceu em 1985 por complicações decorrentes da AIDS, até então tratada por parte da sociedade como "uma doença de gays". Wilson era o único que tornava pública sua homossexualidade, e a banda falou abertamente sobre a doença nos anos que se seguiram ao seu falecimento. Se a comunidade LGBT já se identificava, passaram a ter neles vozes seguras, sem meias-palavras, sobre uma doença que gerava muito preconceito e ideias equivocadas. Schneider e Strickland se assumiriam gays na década de 1990, e Kate levaria ainda alguns anos para tornar pública sua bissexualidade (Cindy é hetero). Mas os B-52s já tinham "representatividade" desde sempre.

"Ninguém nos perguntava se éramos gays até 1992", declarou Keith Strickland ao site Pitchfork, que após a morte de Ricky assumiu o posto de principal compositor. "Era quase subversivo que não falássemos a respeito. Estávamos apenas tentando ser nós mesmos. Ser gay era apenas uma parte disso. É bem isso o que queríamos que o mundo fosse, sabe? Você só vive sua vida e a orientação sexual é apenas uma parte dela. Acho que era, tipo, mais revolucionário por causa disso. As pessoas ou se ligavam a nós nesse nível ou simplesmente não se ligavam. Algumas pessoas sacavam, outras não, mas nós certamente nunca tentamos esconder. Nossa música e nossa imagem meio que falavam por si - essa era a afirmação. Estávamos dizendo que era OK ser diferente simplesmente vivendo".

Numa época de tantos discursos, discussões agressivas sobre quem tem "lugar de fala" e músicos que calcam na "lacração" toda a sua sustentação, vale muito a pena reexaminar a carreira do B-52s. Uma banda que usava a atração em vez do choque, que cooptava pela alegria e não pela exclusão. E mais que tudo, que fazia arte - suas canções eram, sim, pop acessível, mas impressionantes a ponto de seguirem vigentes há décadas, influenciarem muita gente (o movimento riot grrrl, R.E.M., Deerhunter, The Gossip, Scissor Sisters, boa parte da "new wave" brasileira e até do pop japonês), a terem angariado fãs como John Lennon (que elogiou a banda em sua última entrevista), Nile Rodgers (que viria a coproduzir os álbuns Cosmic Thing e Good Stuff), Frank Zappa e William Burroughs.

Você pode argumentar que o Queen também se encaixava nesse perfil - e estaria parcialmente certo, já que Freddie Mercury também inspirou muita gente mais por seus atos e seu modo de vida que pelo discurso. Mas o Queen enquanto banda não se encaixava nisso: por mais que fossem músicos notáveis e excelentes compositores, Roger Taylor, John Deacon e Brian May eram ofuscados pela persona gigante de seu frontman. Por isso a ousadia de definir o B-52s como a maior banda queer da história.

O papo aqui não é especificamente sobre a questão LGBT - poderia ser sobre direitos humanos, questões ambientais, políticas públicas, entre tantos outros. O interessante é notar quão grande foi o impacto dos B-52s, e ver que isso foi conseguido sem transformar seu modo de vida em ferramenta mercadológica ou discurso de exclusão.

MAIS
Em 1985, o B 52's foi um dos destaques da primeira edição do Rock in Rio. A apresentação pode ser vista, na íntegra, no YouTube. Assista ao vídeo.
Confira também os textos dos outros colunistas do Showlivre.com
Registro Dissonante, coluna de Renato Thibes sobre afinidades eletivas enter rock, pop, cinema, literatura
Quintessência, na coluna de Marcelo Pinheiro, a história de 50 álbuns primordiais da música brasileira de 1960 a 1980
Engrenagem Pop, tudo que movimenta o universo do mais popular gênero musical, na coluna de Leonan Oliveira
Pódio Musical, conexões afetivas entre a música, o cinema e as séries de TV, no ranking particular de Gabriel Alves

Na música de hoje, a divisa entre admiração e repulsa é cada vez mais tênue (ilustração: Luiz Miranda)

Seu artista preferido é um babaca

Postado em 05/11/2018 por admin

Eu tinha 19 ou 20 anos e fui entrevistar uma das minhas bandas preferidas no período. Eles tinham pertencido à "série B" do rock brasileiro nos anos 80, mas ali, segunda metade dos anos 90, estavam experimentando grande sucesso por conta de um daqueles projetos de marketing travestidos de disco. Eu já escrevia sobre música desde os 16 anos, mas era a primeira vez que eu entrevistaria alguém "famoso" e que eu gostava de verdade.

A conversa aconteceu no camarim após o show, certamente a pior combinação de hora e local para obter algo jornalisticamente interessante. Mesmo assim, o vocalista se mostrou um cara verdadeiramente apaixonado por música e interessado em coisas novas, enquanto o guitarrista (e principal compositor) estava desatento a qualquer coisa que não fosse seu próprio ego. Deu respostas vazias, destratou fãs que atravessavam a conversa, depreciou colegas de banda (inclusive o vocalista em questão) e foi um completo imbecil com a equipe de produção do show.

Voltei para a casa, escrevi meu texto, e na primeira oportunidade que tive, levei os álbuns da banda ao sebo. Não queria ter em casa nada que me lembrasse aquele comportamento pueril do cidadão, não queria nem mesmo pensar que eu havia gastado meu suado dinheiro com algo que ele criara.

Isso, claro, era minha visão de um moleque recém-saído da adolescência, que não tinha maturidade para separar alhos de bugalhos. Os anos se passaram, e não só voltei a ouvir a banda como comprei alguns CDs novamente, fui a muitos shows e os entrevistei mais algumas vezes - nas quais, vale dizer, o padrão de comportamento dos referidos integrantes permaneceu inalterado.

Quando ainda existia um mercado de jornalismo musical, encontrávamos tempo para discutir questões éticas do ofício, como se era viável ou não o jornalista ser amigo de músico. É possível manter o necessário distanciamento quando você tem apreço pelas pessoas cuja obra você está analisando? Essa discussão aconteceu muitas vezes na minha carreira, mas acho que vale adaptar hoje em dia para outra questão: dá para você gostar de uma música feita por alguém que se porta de uma maneira que você acha condenável?

O tema não é bobo. Não é de hoje em que alguns artistas são saudados por seu engajamento ou comportamento fora dos palcos e estúdios, enquanto outros são desprezados ou vilipendiados pelo mesmo motivo. Porém, o engajamento, mesmo que seja importante e bem-vindo em muitos casos, não tem ligação direta com a qualidade da produção artística.

Em um excelente texto na revista eletrônica Movin Up, o jornalista Mauricio Angelo escreveu:
"Pablo Vittar é um artista limitadíssimo, de músicas de qualidade no mínimo questionáveis - mas sem dúvida foi o maior personagem de 2017. Uma coisa não elimina a outra. Anitta, alçada a rainha da emancipação feminina por mostrar sua bunda com celulite na abertura de um clip que se tornou viral (clip este dirigido por um assediador serial como Terry Richardson) não foi capaz de manter sua suposta posição ao se calar no assassinato de Marielle Franco (prontamente cobrada por seu público), mostrando o que qualquer um era capaz de ver: que só se compromete até certo ponto - até o ponto que não prejudique a sua possibilidade de lucro e de alcance.
Liniker é bom mesmo ou só foi amado por ser quem é? Desconfio da segunda opção. As Bahias e a Cozinha Mineira, Rico Dalasam (já comentado aqui), Linn da Quebrada, Gloria Groove, Aretuza Lovi, Ventre, Jaloo, Johnny Hooker, Karol Conká, Letrux, Francisco, El Hombre, até casos como os do Apanhador Só, pegos em sua ânsia de ser 'feministo', levados na enxurrada do linchamento de reputações, revelados como abusadores internet afora e que gerou até uma 'lista de artistas a evitar'".

Valorizar a postura de um artista não implica em endossar, ou mesmo curtir, sua obra. O mesmo vale para quando você despreza essa postura.

Lobão talvez seja o exemplo mais óbvio para ilustrar essa questão.. Para uns, ele é o "reaça" caricato, melhor que nenhum outro para ilustrar a sua própria composição "O Rock Errou"; para outros, ele é o último roqueiro brasileiro "com colhões" e não comprometido com "as políticas de esquerda". Seja qual for a versão que mais corresponde à verdade (ou a versão que você tem especial prazer em desprezar), a pergunta é: o quanto isso te influencia na apreciação da obra dele?

Para mim, não influencia nada. Considero Lobão um compositor mediano, capaz de acertar algumas cestas de três pontos ( Revanche, El Desdichado, Meu Abismo, Meu Abrigo, Essa Noite Não) e também de passar muito longe do aro ( Girassóis da Noite, Presidente Mauricinho, Universo Paralelo, Dedededéu). Há muito tempo não mostra uma composição digna de nota, e seu mais recente disco é uma coletânea de covers do rock brasileiro.

No acústico MTV, Lobão apresenta Essa Noite, Não, uma das cestas de três pontos

Caso você se aventure a ouvir esse disco - e já adianto que ele é autoindulgente, exagerado e caricato - vai conseguir ouvi-lo como simplesmente um disco, ou seu juízo de valor sobre a persona pública do Lobo vai interferir? A música pode existir independentemente de quem a criou?

Pensar nisso é algo que vale a pena, especialmente nesses tempos de paixões exaltadas e divisivas, onde todos os lados caçam bruxam e também viram alvo, e qualquer posição que não seja extremada é vista, com rancor, como "isenção".

Vamos sair um pouco da arte para refrescar o raciocínio. Digamos que alguém que você ama está em uma situação de saúde gravíssima, e poucos médicos são capacitados a tratá-la. Você encontra um que é capacitado, mas é um babaca egomaníaco e desprovido de educação. Ao fim, ele realiza uma cirurgia com maestria, e a pessoa que você ama se recupera totalmente, sem sequelas. O cirurgião não deixou de ser um cretino tampouco o trabalho dele passa a ser invalidado.

Obviamente, você tem direito de ouvir - e ler, assistir, frequentar - o que quiser. Mas acredito que vale a pena ter essa reflexão em mente nesse tempo de extremismos e condenações públicas online. Assim como vale lembrar a máxima que o jornalista André Forastieri não cansa de reiterar: "Artistas sempre vão nos decepcionar".

Dé Dé Dé Dé Déu, composição de Lobão que "passou longe do aro"

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O rock n' roll é político, sim - Showlivre

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O que rock tem a ver com política? Tudo, amigo. Antes de você achar que vem uma discussão partidária (o que não é o caso aqui), vamos resgatar algumas ideias do conceito essencial da política, definida há alguns milênios por Aristóteles. O filósofo dizia que "o homem é um animal político".

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Rock e Política se Misturam? | Tudo Sobre Bandas

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Nota: "Rock brasileiro" redireciona a este artigo. Para o festival de música, veja Pop Rock Brasil. Para o pirata e corsário do século XVII, veja Roque Brasiliano.

O rock no Brasil refere-se ao gênero musical, (ou roque), originado nos Estados Unidos, e que teve início no Brasil no final da década de 1950.

O pontapé inicial do rock no Brasil foi Nora Ney (conhecida cantora de samba-canção) quando gravou o considerado primeiro rock, " Rock Around the Clock", de Bill Haley & His Comets (trilha do filme Sementes da Violência), em outubro de 1955, para a versão brasileira do filme. Em uma semana a canção já estava no topo das paradas (mas Nora Ney nunca mais gravou nada no gênero, tirando a irônica "Cansei do Rock", em 1961). Em dezembro, a mesma canção recebia versão em português, "Ronda das Horas" (por Heleninha Ferreira) e outra gravada pelo acordeonista Frontera, não tão bem sucedidas quanto a "original". Em janeiro do ano seguinte, a canção ganhou uma versão por Marisa Gata Mansa.

Tim Maia, Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Jorge Ben foram influenciados pelo rock and roll e rockabilly. Tim, Roberto, Arlênio Silva, Edson Trindade e Wellington integraram o grupo vocal The Sputniks. Tanto Tim quanto Jorge eram conhecidos como "Babulina", por conta da pronuncia inusitada de "Bop-A-Lena", interpretado por Ronnie Self. Ambos também foram influenciados por Little Richard, cujo estilo era fortemente influenciado pelo boogie woogie. Roberto Carlos aprendeu a batida do rock no violão ao ver Tim executar Long Tall Sally, de Little Richard. O grupo The Sputniks foi desfeito após Tim descobrir que Roberto iria se apresentar como o " Elvis Presley brasileiro" no programa o Clube do Rock de Carlos Imperial. Tim convenceu Imperial a se apresentar como o "Little Richard" brasileiro. Conhecendo Tim desde a infância, Erasmo integrou o grupo The Snakes, grupo criado após o fim do The Sputniks, com Arlênio, China e Edson Trindade.

Em 1957, foi gravado o primeiro rock original em português, "Rock and Roll em Copacabana", escrito por Miguel Gustavo (futuro autor de " Pra Frente Brasil") e gravada por Cauby Peixoto, no mesmo ano, é lançado o filme Sherlock de Araque, nele Carlos Imperial e Paulo Silvino (com o pseudônimo Dixon Savannah) aparecem cantando Calypso Rock e Let's Rock Together, no ano seguinte, Cauby foi acompanhado pelo grupo The Snakes na canção That's Rock, composta por Carlos Imperial no filme "Minha Sogra é da Policia" (1958).

Entre 57 e 58, diversos artistas gravaram versões de músicas americanas, como "Até Logo, Jacaré" ("See You Later, alligator"),"Meu Fingimento" ("The Great Pretender" do grupo de doo-wop The Platters) e "Bata Baby" (Long Tall Sally de Little Richard).

Embora em 57 o grupo Betinho & Seu Conjunto, de "Enrolando o Rock" (também gravada por Cauby Peixoto) tenha alcançado grande fama, os primeiros ídolos do rock brasileiro foram os irmãos Tony e Celly Campelo que, em 1958, lançaram o compacto Forgive Me/Handsome Boy, que vendeu 38 mil cópias. Tony gravaria mais dois singles até seu álbum em 1959, e Celly estourou em 1959 com "Estúpido Cupido" (120 mil cópias vendidas), chegando a ter boneca própria (com a qual aparece na capa de seu LP "Celly Campello, A Bonequinha Que Canta").

Em 1958 foi gravado o primeiro rock instrumental do Brasil - "Here's The Blue Jean Rockers", da banda The Blue Jean Rockers. No final deste mesmo ano, o grupo Bolão & His Rockettes lançaria o primeiro álbum inteiro de rock instrumental do país, pelo selo RCA Victor.

Nesta mesma época, Erasmo pediu, a Tim, que lhe ensinasse a tocar violão. Ele aprendeu as primeiras notas: mi, lá e ré. Com elas, pôde tocar várias canções de rock. Quando Roberto precisou da letra de Hound Dog, gravada por Little Richard e Elvis, Arlênio o apresentou a Erasmo.

Parecia o fim do rock and roll: o Clube do Rock era cancelado nos Estados Unidos; Chuck Berry era preso por abuso de menor; Jerry Lee Lewis se casava com uma prima menor de idade; Little Richard resolvia abandonar o rock e se tornar pastor evangélico; e Buddy Holly, Ritchie Valens e The Big Bopper morriam em um acidente de avião. Logo, os jovens seriam influenciados pela bossa nova e pelo violão de João Gilberto.

Em 1959, Tim Maia viaja para os Estados Unidos, onde forma o grupo vocal The Ideals.

Os Campello também apresentariam Crush em Hi-Fi na Rede Record, programa totalmente voltado para a juventude, que revelou diversas bandas.Outros programas também surgiram para aproveitar a "febre" como Ritmos para a Juventude (Rádio Nacional- SP), Clube do Rock (Rádio Tupi - RJ) e Alô Brotos! ( TV Tupi).

Em 1960, surgira até a Revista do Rock, que elegeu o estreante Sérgio Murilo como "Rei do Rock" brasileiro.

Roberto Carlos chegou a tentar uma carreira como cantor de bossa nova, agenciado por Carlos Imperial, em 1961 lança seu primeiro álbum Louco por Você, que foi um fracasso, até que dois anos depois, lança um disco de rock, Splish Splash. A faixa-título, versão de uma canção de Bobby Darin, e Parei na Contramão rapidamente tornam-se hits. O álbum traz outras canções dele, Erasmo e Luiz Ayrão. Erasmo e os Snakes gravam o compacto Calypso Rock, surgem também os cantores Demétrius, Eduardo Araújo, Ronnie Cord, Albert Pavão entre outros. O cantor e compositor Baby Santiago, é um dos raros artistas negros do rock brasileiro da época, foi gravado por artistas como George Freedman, Demetrius, Wilson Miranda e Tony Campello.

O começo da década também foi marcado pelo surgimento de grupos de rock instrumental e surf music como The Jet Blacks, The Jordans e The Clevers (futuros Os Incríveis), e do cantor Ronnie Cord, que lançaria dois "hinos": Biquíni de Bolinha Amarelinha, versão de Hervé Cordovil para Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polkadot Bikini e a rebelde Rua Augusta. Em 1962, o The Jet Blacks lança o álbum "Twist", aclamado como o melhor álbum de rock instrumental do Brasil por muitos colecionadores nacionais e estrangeiros.

Roberto Carlos se tornaria o maior ídolo do Rock Brasileiro dos anos 60 e, posteriormente, o maior nome da música brasileira. Em 1964, obteve mais sucessos como É Proibido Fumar (mais tarde regravada pelo Skank) e O Calhambeque. Aproveitando o sucesso, a Rede Record lançou o programa Jovem Guarda, apresentado por Roberto ("Rei"), seu amigo Erasmo Carlos ("Tremendão") e Wanderléa ("Ternurinha"). Só nas primeiras semanas, atingiu 90% da audiência.

Seguindo o sucesso do programa Jovem Guarda , surgem outros artistas, Renato e seus Blue Caps, Golden Boys, Jerry Adriani e Dick Danello, que tinham seu som inspirado nos Beatles (o gênero apelidado ) e no rock primitivo ( rock and roll e rockabilly). A Jovem Guarda também levou a todo tipo de produto e filmes como Roberto Carlos em Ritmo de Adventura (seguindo a trilha de A Hard Day's Night e dos Beatles). O chamado "Som da Jovem Guarda" é marcado pelo uso do Órgão Hammond por Lafayette.

Apesar disso, os artistas da MPB "declararam guerra" ao iê-iê-iê da Jovem Guarda, chegando a um protesto de Elis Regina, Jair Rodrigues, entre outros, conhecido " Marcha contra a Guitarra Elétrica". A guitarra elétrica já era usada no Brasil na década de 1940, no bloco carnavalesco de Dodô e Osmar, em Salvador. Eles inventaram o famoso " pau elétrico", a primeira guitarra elétrica sem microfonia, com sua característica típica de cor aguda e som sustentado, semelhante aos modelos jazzísticos anteriores (então eles desenvolveram outro com dois braços) e, em 1949, tocaram canções de carnaval com esse violão pela primeira vez em um carro aberto chamado então " Trio Elétrico" nas ruas de Salvador.

O programa Jovem Guarda terminaria em 1968, com a saída de Roberto Carlos.

Em continuidade a corrente contrária ao estilo da jovem guarda, surgia a Tropicália, um estilo basicamente composto por uma mistura de ritmos nacionais com o toque único de rock psicodélico.[16] Apesar da forte repressão por parte da indústria musical, em 1966, uma nova banda surge, Os Mutantes. Composta por Rita Lee, Arnaldo Baptista e Sérgio Dias, o grupo com seu deboche e som inovador, foi revelado no programa de Ronnie Von,[17] contudo, o trabalho teve pouco impacto no mercado.[18] Artistas como Erasmo Carlos, Eduardo Araújo e Ronnie Von também experimentariam a psicodelia nos anos seguintes. [19] No mesmo ano, o cantor Serguei fez sua estreia em compactos.[20]

Em 1967, a dupla Caetano Veloso e Gilberto Gil faria as canções "Alegria, Alegria" e "Domingo no Parque", apresentadas no III Festival da Rede Record. No ano seguinte, o álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fascinou a dupla, levando a apresentações vaiadas em festivais de Record e Excelsior, e ao álbum coletivo Tropicália ou Panis et Circensis, com Mutantes, Gal Costa, Tom Zé, Torquato Neto, Capinan, Rogério Duprat e Nara Leão, considerado um dos melhores álbuns brasileiros da história.

Além de Os Mutantes, outras bandas de apoio acompanharam os tropicalistas, tais Beat Boys e Os Baobás, que acompanharam Caetano Veloso e Os Brazões, que acompanharam Gal Costa. Os Mutantes também criariam carreira grandiosa, com álbuns elogiados a partir de 1968 e chegando a ser descoberta até por Kurt Cobain, do Nirvana. O grupo começaria a se desmanchar com a saída de Rita Lee, em 1973.

Também em 1967 surgem as primeiras bandas de rock psicodélico do país. Conforme a revista do rock Senhor F, " as primeiras manifestações psicodélicas no Brasil ocorreram em São Paulo, por meio de grupos como The Beatniks, Os Baobás e The Galaxies, que introduziram em seus repertórios clássicos do gênero produzido nos Estados Unidos, especialmente."

Também nesse período, canções nos gêneros soul music e funk são encontradas nas trabalhos de Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Eduardo Araújo e Tim Maia (recém-chegado dos Estados Unidos. Jorge Ben ficaria conhecido como criador do samba-rock, subgênero que também chegou a ser explorado por Erasmo Carlos.

Em 1968, o grupo baiano Raulzito e os Panteras, liderado por Raul Seixas lança seu único álbum de mesmo nome, apesar disso, Raul é ajudado por Jerry Adriani, o grupo se torna banda de apoio de cantor, que também grava algumas de suas composições de Raul, além, artistas como Trio Ternura e Renato e Seus Blue Caps (grupo que teve Erasmo Carlos como membro por um curto período), tiveram canções compostas pelo artista.

No ano de 1969, a cantora Gal Costa lançava o álbum Gal (álbum de 1969) considerado por muitos como o mais psicodélico, experimental e radical de toda a sua carreira, graças as influências gritantes que a cantora buscou de Janis Joplin e Jimi Hendrix em meio às guitarras raivosas e cortantes de Lanny Gordin e às mixagens sujas propositalmente.

Também em 1969, a banda gaúcha Liverpool grava o álbum Por Favor, Sucesso, nome tirado da canção de Carlinhos Hartlieb defendida pelo grupo no II Festival Universitário da Música Popular, o álbum misturava psicodelia e música brasileira, mais tarde o grupo mudaria o nome para Bixo da Seda, focando-se no rock progressivo.

O endurecimento do Regime militar levou Caetano e Gil ao exílio em Londres, onde viveram de 1969 a 1972. Durante o período, gravaram dois discos considerados dos seus melhores: (Caetano) e Expresso 2222 (Gil).

Após sair dos Mutantes no final de 1972, Rita Lee iniciou sua carreira solo, acompanhada do grupo Tutti Frutti. É nesse período que ela lança o seu mais memorável álbum: Fruto Proibido (1975), disco este que contém os sucessos "Agora Só Falta Você", "Esse Tal de Roque Enrow" e "Ovelha Negra". Arnaldo Baptista também gravou o aclamado (1974). Os Mutantes ainda atravessaram a década convertidos ao rock progressivo, passando por várias formações e dissolvendo-se em 1978.

Ainda em 1972, ocorre a Feira Experimental de Música de Nova Jerusalém, um festival de música alternativa, fora do circuito comercial, considerado o Woodstock brasileiro.

Também em 1972, a banda Lee Jackson formada por Marcos Maynard, Luiz Carlos Maluly, Cláudio Condé, Marco Bissi e Sérgio Lopes, fez sucesso com o single "Hey Girl", que teve uma versão em português gravada pela banda The Fevers. Em 1976, a banda lançou o álbum Bill Haley presents Lee Jackson - featuring Rock samba. Com a participação do veterano Bill Halley, o álbum trazia versões de canções de rock estrangeiras com influências de samba. A banda foi desfeita em 1979, contudo seus membros se tornaram executivos de gravadoras e produtores musicais.

Também em 1973, Raul Seixas inicia uma carreira solo, chegando a vender 600.000 compactos de "Ouro de Tolo" em poucos dias. Seixas se tornaria "o bardo dos hippies" com músicas debochadas como "Mosca na Sopa" e " Maluco Beleza", esotéricas como "Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás" e "Gita", e motivacionais como "Metamorfose Ambulante" (composta pelo músico aos 14 anos) e "Tente Outra Vez".

A banda Paulo Bagunça e a Tropa Maldita lança o álbum homônimo misturando psicodelia, samba e soul. Apesar do fracasso, o álbum se tornou cult. Ex-membro da banda, o músico Macau ficaria conhecido anos depois com a canção "Olhos Coloridos", gravada por Sandra de Sá.

Movimentos surgiram em outros locais do Brasil: em Minas Gerais, o Clube da Esquina, com influências de Beatles e do rock britânico da época, era liderado por Milton Nascimento e Lô Borges, tendo Beto Guedes como um de seus membros. Em São Paulo, o Moto Perpétuo, liderado por Guilherme Arantes, misturava rock progressivo com MPB. No Nordeste, havia a "nova onda" dos Novos Baianos e a chamada "Invasão Nordestina", formada por artistas que misturaram a música do nordeste brasileiro ao rock, como Fagner, Zé Ramalho, Belchior e Alceu Valença.

Mesmo com o pouco espaço na mídia, várias bandas, artistas e estilos se destacavam no circuito underground da época: o rock progressivo de Os Mutantes, liderados por Sérgio Dias Baptista, após a saída de Rita Lee, o progressivo regional de O Terço (que chegou a gravar um álbum em inglês voltado para o mercado italiano); o progressivo Bixo da Seda. precursor do rock gaúcho, o hard rock do Made in Brazil e da Patrulha do Espaço; o rock rural de Sá, Rodrix e Guarabyra (uma espécie de folk rock brasileiro); o rock psicodélico, progressivo e funk do trio Som Nosso de Cada Dia; o rock progressivo do Moto Perpétuo, grupo liderado por Guilherme Arantes; o hard progressivo do Casa das Máquinas. Também se destacam o músico e poeta Walter Franco; os grupos A Bolha e Som Imaginário, que, em meados da década, excursionaram com Erasmo Carlos e Milton Nascimento respectivamente. Apesar do estilo progressivo, A Bolha também fez incursões no hard rock, enquanto o Som Imaginário buscava o experimentalismo e um flerte com a MPB, assim como A Barca do Sol, que fazia um rock progressivo com pitadas de choro e MPB. A soul music também foi explorada por outros artistas como Tony Tornado, Trio Ternura, Trio Esperança, Gerson King Combo, ex-coreógrafo do programa Jovem Guarda, e Miguel de Deus, ex- Os Brazões.

Inspirados no Festival de Woodstock, surgem eventos similares no país, como o Festival de Verão de Guarapari, realizado em 1971 na cidade de Guarapari. Em 1975, surgiram o Festival de Águas Claras, na Fazenda Santa Virgínia, em Iacanga, interior de São Paulo, o festival Banana Progressiva, realizado no Teatro da Fundação Getúlio Vargas, em São Paulo. e o Hollywood Rock, patrocinado pela companhia Souza Cruz, no Rio de Janeiro. Deste último, participaram os grupos Vimana, O Peso, Rita Lee & Tutti Frutti, além dos cantores Erasmo Carlos, Raul Seixas e os irmãos Celly e Tony Campelo. As apresentações foram registradas no documentário Ritmo Alucinante, lançado no mesmo ano.

No final da década, apesar de pouquíssimos representantes jovens na música brasileira, surge uma leva de grupos predecessores da geração seguinte do rock brasileiro, que incorporavam elementos da MPB, do Tropicalismo e do Clube da Esquina, porém com uma nova linguagem. Entre esses conjuntos estão A Cor do Som, que tinha Armandinho Macedo (filho de Osmar Macedo da dupla Dodô e Osmar) que resgatou o pau elétrico, agora com o nome de guitarra baiana, o grupo foi apadrinhado por Gilberto Gil, Caetano Veloso e pelos Novos Baianos; o grupo 14 Bis, banda de Flávio Venturini, recém saído de O Terço, foi acolhido pelo Clube da Esquina; e o Roupa Nova, originado da banda Os Famks, banda formada por músicos experientes em bailes desde a década de 1960. Ambos tornaram-se conhecidos nacionalmente entre 1979 e 1980.

Também no final da década surge o movimento do Punk rock brasileiro, criado como crítica à censura, à repressão do regime militar e à exploração do trabalhador, liderado pela bem humorada banda Joelho de Porco (considerados pioneiros do punk rock no Brasil). Junto com eles, surgem, em Brasília e em São Paulo, as bandas Restos de Nada, AI-5, Condutores de Cadáver, Detrito Federal e Aborto Elétrico. O músico Kid Vinil foi um dos maiores incentivadores do início do movimento punk paulista organizando shows e tocando músicas de bandas de punk rock e pós-punk em seu programa de rádio.

Foi no início da década de 1980 que surgiu o primeiro selo independente para bandas de punk rock, chamado Punk Rock Discos. Foi com este selo que a banda Lixomania gravou o primeiro single de uma banda de punk rock do Brasil, com 6 canções. O álbum Grito Suburbano, o primeiro LP com bandas de punk rock do Brasil, também foi lançado através deste selo. O álbum é uma compilação DIY com Inocentes e Cólera. Em 1982 o primeiro grande evento, O Começo do Fim do Mundo, surgiu como o marco inicial do punk rock brasileiro, com 20 bandas da cidade de São Paulo e do ABC paulista. A apresentação terminou em um confronto com a polícia.

Atribui-se também a esta década a popularização e a verdadeira "explosão" do rock no Brasil, a princípio com o surgimentos de banda independentes divulgadas em fanzines. Algumas bandas como Titãs e Os Paralamas do Sucesso permanecem ativas, fazendo apresentações por todo o país. Outros grupos e artistas da época, como Engenheiros do Hawaii, liderado por Humberto Gessinger, e Legião Urbana, foram imortalizados e tocam nas rádios até hoje, devido ao grande sucesso entre o público, principalmente adolescentes e jovens.

Outra coisa que também ajudou popularização do rock no país foi a trilogia de filmes do gênero dirigidos e roteirizados por Lael Rodrigues (Bete Balanço, de 1984, Rock Estrela, de 1985, e Rádio Pirata, de 1987). Todos estes três filmes foram de grande sucesso, particularmente entre adolescentes, e são notáveis por suas trilhas sonoras repletas de bandas e artistas de rock e New Wave populares na época, como Celso Blues Boy, Lobão, Titãs, Barão Vermelho, RPM, Azul 29, Dr. Silvana & Cia., Leo Jaime e Metrô, entre outros.

As primeiras bandas a fazerem sucesso foram os paulistanos Gang 90 e as Absurdettes, com o hit Perdidos na Selva (inscrita no festival MPB Shell 81) e liderados pelo jornalista Júlio Barroso e os cariocas da Blitz, formados em torno do Circo Voador, tornando-se um fenômeno através do sucesso Você Não Soube me Amar. Também já existiam conjuntos formados por músicos experientes, como Radio Taxi, Herva Doce e os cantores Eduardo Dussek e Marina Lima, que vinham destacando-se desde o final da década anterior, porém, começaram a flertar com o rock a partir deste período.

As bandas mais cultuadas da época formam um Quarteto Sagrado. Entre elas estão Os Paralamas do Sucesso, banda que misturava rock e reggae do Rio de Janeiro, os membros haviam se conhecido antes em Brasília e começaram a tocar na garagem de um dos integrantes. Os paulistanos dos Titãs, inicialmente formado por nove integrantes e influenciados pela new wave e pela MPB. Os cariocas do Barão Vermelho, surgidos em 1982 e liderados por Cazuza e Roberto Frejat. E a mais influente, Legião Urbana, liderada por Renato Russo e emplacando inúmeros sucessos que chegaram ao topo das rádios. Em pouco tempo, Cazuza e Renato passaram a serem considerados os principais letristas da história do rock brasileiro.

Vários locais do Brasil tinham seus circuitos de rock. No Rio de Janeiro, surgiram os já citados Blitz, Barão Vermelho e Os Paralamas do Sucesso, as bandas Kid Abelha e Biquini Cavadão, o cantor Leo Jaime e o fim do grupo Vímana (cultuadíssimo na década de 1970) revelou Lulu Santos, Lobão (também ex- Blitz) e Ritchie. Surgem também a banda João Penca e Seus Miquinhos Amestrados, que apresentava uma mistura de estilos das década de 1950 e 1960, como rockabilly, surf rock e doo wop e grupos de soul e funk como Conexão Japeri e Brylho, que teve como baixista o músico Arnaldo Brandão (ex- A Bolha e futuro integrante do Hanói-Hanói). Da primeira saiu o cantor Ed Motta e da segunda, Claudio Zoli, que na década de 1990, chegou a integrar o grupo Tigres de Bengala, ao lado de Ritchie e Vinícius Cantuária.

Em Brasília, o Aborto Elétrico (em que Renato Russo tocara) gerou a Legião Urbana e o Capital Inicial (que acabou se fixando em São Paulo). Outros destaques vindos da capital brasileira são a Plebe Rude com os sucessos Até Quando Esperar e Proteção e grupos que tornaram-se cult, como Detrito Federal. Outros grupos surgidos no período foram Little Quail and The Mad Birds, formado por Gabriel Thomaz (guitarra e vocais) Zé Ovo (baixo e vocais) e Berma (bateria, posteriormente substituído por Bacalhau), que apresentava uma mistura de punk rock e rockabilly e Raimundos, formado por Digão na bateria e Rodolfo Abrantes na guitarra. As duas bandas mantinham amizade, a ponto dos Raimundos gravarem canções de Little Quail, porém ambos se profissionalizaram somente na década seguinte.

Na Bahia, chegou ao sucesso o Camisa de Vênus, banda de Marcelo Nova.

No Rio Grande do Sul, os Engenheiros do Hawaii e Nenhum de Nós chegaram ao sucesso nacional. Também surgiram bandas de menor projeção como TNT, Taranatiriça, Cascavelletes, Os Replicantes, Bandaliera, Garotos da Rua e DeFalla.

Em 1983, a banda paulista Spray assina com a gravadora Fermata e lança o seu primeiro disco, um compacto simples com a música Tic Tic Nervoso, que no ano seguinte estouraria em todas as rádios nacionais interpretada pela banda Banda Magazine, liderada por Kid Vinil.

Em 1984, as bandas cariocas Dorsal Atlântica e Metalmorphose lançam em conjunto o álbum "Ultimatum Split", um Álbum split que é considerado o primeiro álbum de thrash metal de uma banda brasileira. Antes dele, porém, a banda santista Vulcano já havia lançado uma demo (" Om Pushne Namah").

Aproveitando-se da onda thrash metal no Brasil, surge, em Minas Gerais, o grupo brasileiro de maior sucesso internacional, o Sepultura, com letras em inglês. Também em Minas, é formado o Sexo Explícito, banda alternativa com a sonoridade voltada para o pós-punk, tornando-se "embrião" do Pato Fu. Outra banda a conseguir algum destaque no exterior ( Japão) foi a paulista Viper, que também escrevia letras em inglês, e que ajudou a desenvolver um estilo que viria a ser chamado de metal melódico no Brasil. O Viper foi também responsável por revelar o vocalista Andre Matos, que participaria de duas grandes bandas brasileiras, o Angra e o Shaman.

É também na primeira metade da década de 1980 que inicia-se um movimento de folk progressivo no país. Um dos pioneiros é o músico mineiro Marco Antônio Araújo.

Em 1983, a banda Bacamarte lança o álbum Depois do Fim, que é considerado como um dos melhores do rock progressivo de todos os tempos no mundo, tendo o sítio Progarchives listado-o como um dos 40 melhores álbuns do gênero. Inovador para a época, o álbum trazia uma sonoridade totalmente diferente do início dos anos setenta, onde o talento individual de cada instrumentista, fez com que a banda fosse comparada ao Curved Air e ao Renaissance, dois ícones do progressivo britânico.

Em 1985 ocorre a primeira edição do Rock in Rio, evento que representou um marco não só pro rock nacional, bem como para a música brasileira, uma vez que as grandes estrelas da música internacional não costumavam visitar a América do Sul, pelo que o público local tinha ali a primeira oportunidade de ver de perto os ídolos do rock mundial.

Também em 1985, surge, na cidade de Santos, a banda Harry, considerada uma das pioneiras da chamada "cena industrial". e do electrorock no Brasil. Em 1987, a mesma banda Harry lança, pela gravadora Wop Bob, o disco " Fairy Tales", considerado um dos discos mais emblemáticos do underground brasileiro

A década termina com a notícia da morte de Raul Seixas, em agosto de 1989.

Foi em 1990 que foi lançado aquele que é considerado o primeiro álbum conceitual brasileiro - Searching for the Light, da banda carioca de thrash metal Dorsal Atlântica. A crítica cunhou o disco, influenciado pelo livro 1984 de George Orwell, de a primeira Thrash Opera do mundo.

Dentre as novidades da década, está o surgimento da MTV Brasil, em 1990. O período ficou marcado pelo enorme crescimento da indústria do videoclipe no Brasil, além da emissora musical oferecer oportunidades de divulgação para inúmeras bandas que estavam em início de carreira. Com isso, todos os grupos de destaque na época, tiveram seus clipes veiculados no canal.

Surgiram também festivais alternativos importantes para a divulgação do cenário independente, como o Abril pro Rock, em Recife e as grandes gravadoras voltaram a apostar em grupos novos, através de pequenos selos, como Chaos, pertencente à Sony Music e Banguela Records, criado pelos Titãs em parceria com o produtor Carlos Eduardo Miranda e distribuído pela Warner Music.

Membros de bandas surgidas na década de 1980 formam o projeto paralelo inspirado em The Beatles, chamado Os Britos, formada inicialmente por Dado Villa-Lobos (Legião Urbana), Guto Goffi e Rodrigo Santos (Barão Vermelho) e George Israel (Kid Abelha).

O primeiro grande grupo da década foram os mineiros Skank, que misturavam rock e reggae. Ao longo dos anos, outros grupos mineiros surgiriam, como Jota Quest, que misturavam pop rock, soul e funk. Pato Fu, Virna Lisi e Tianastacia.

Em Recife despontou o movimento Mangue beat. Liderados por Chico Science & Nação Zumbi e Mundo Livre S/A, as bandas misturavam percussão pernambucana com guitarras pesadas, conquistando a crítica.

Surge em São Paulo a rádio Kiss FM. Outras rádios que se denominavam rádios de rock no estado, a 89 FM e 97 FM, começam a divulgar a data de 13 de julho como Dia Mundial do Rock, inspirado na declaração do músico Phil Collins durante o Live Aid, evento realizado em 13 de julho de 1985, apesar da declaração vir de um músico estrangeiro, a data só é comemorada no Brasil.

Entre 1994 e 1995 dois grupos foram bem sucedidos pelo humor, os brasilienses Raimundos, com o ritmo forrocore ( forró+ hardcore) e os guarulhenses Mamonas Assassinas, parodiando do heavy metal ao sertanejo, chegando a fazer 3 shows por dia e venderem 1,5 milhão de cópias.

Pegando carona na onda "Mamonas Assassinas", que abriu espaço no mainstream brasileiro para músicas cujas letras falam, de maneira humorística, sobre sexo, surgiu um efêmero movimento de Rock onanista, com bandas como Os Ostras, Lagoa 66, Baba Cósmica, Maria do Relento, Velhas Virgens, Raimundos, Virna Lisi e P.U.S..

Foi em meados da década de 90 também que o país viu o ressurgimento da cena surf rock instrumental, com muitas estações locais de rádio e TV tocando músicas famosas de instro-surf em seus jingles e programas. Entre as bandas que se destacaram, podem ser citadas Os Ostras, The Gasolines, Os Netunos, Frank Simata, The Silvas, Los Cochabambas, Orestes Prezza e Xevi 50.

O Sepultura teve um crescimento de popularidade nos anos 90, através dos álbuns Arise e Chaos A.D., culminando em , disco que fez da banda uma das principais do heavy metal mundial na época e lhes rendeu razoável exposição no mainstream. Estes 2 álbuns apresentaram extensas influências de música brasileira, sendo suas principais características o uso de percussão tribal. Pouco tempo depois, Max Cavalera membro fundador e front man, sai da banda, dando lugar a Derrick Green. Ele forma a banda Soulfly com mais 3 músicos estadunidenses, e continua apresentando extensas influências de música brasileira.

Seguindo o caminho do Sepultura, o Angra também gravou músicas em inglês, misturando power metal com ritmos tipicamente brasileiros. A banda alcançou sucesso na cena heavy metal brasileira e reconhecimento mundial, sendo muito bem recebidos na França e principalmente no Japão.

Outros destaques da década são O Rappa e Cidade Negra, representando a ligação do reggae com o rock, Charlie Brown Jr., com influências do skate punk e vocais rap, Cássia Eller, com um repertório de Cazuza, Renato Russo e Nando Reis, e Los Hermanos, que surgiram com Anna Júlia, canção pop que não combinava com a imagem intelectual da banda.

Outro fato da década é que todas as bandas do "quarteto sagrado" do rock da década de 1980 (exceto a Legião) tiveram de se reinventar para reconquistar o grande público. Os Paralamas, depois de uma fase experimental, voltaram às paradas com Vamo Batê Lata (1995), o Barão Vermelho, com o semi- eletrônico/ dance-rock Puro Êxtase (1998) e os Titãs, com seu Acústico MTV (1997). Outro grupo que conseguiu se renovar foi o Kid Abelha, com os álbuns Meu Mundo Gira Em Torno de Você (1996), que trouxe a versão de Na Rua, na Chuva, na Fazenda de Hyldon, e o Remix, de 1997.

Em 1996, surge a banda carioca Pedro Luís e a Parede, com uma mistura de rock, samba, maracatu, rap e funk. Ainda no Rio de Janeiro, em 1997 outro grupo começa a ganhar projeção nas noites cariocas. A banda LS Jack surge quando alguns estudantes de música decidiram montar uma banda chamada L'Acid Jazz que depois viria a se tornar o LS Jack. O primeiro álbum, auto-intitulado, , lançado em 1999, trouxe o hit "Você Chegou" que foi a porta de entrada para grandes sucessos como "Carla" , "Uma Carta", "Sem Radar", "Espírito Meu" e "Amanhã Não Se Sabe". Em 2004 o vocalista Marcus Menna entrou em coma após complicação em uma cirurgia e resultou no final da banda anunciado em 2005.

Depois de um tempo, surgiram Wilson Sideral e Flávio Landau (ambos irmãos de Rogério Flausino vocalista do Jota Quest). Sideral emplacou nas rádios brasileiras sucessos como Não Pode Parar e Zero a Zero. Já Landau obteve maior reconhecimento na década seguinte.

O rock gaúcho continuou muito bem representado pela banda Cidadão Quem, pelos cantores Wander Wildner (ex- Replicantes) e Júpiter Maçã (ex- Cascavelletes), entre outros nomes de projeção local.

Também tiveram grupos de carreira mais curta, como Rumbora, Skuba, Os Virgulóides e O Surto, banda conhecida pelo hit A Cera. Outros alcançaram status de artistas cult, como o já citado Little Quail and The Mad Birds, Mulheres Q Dizem Sim, Hay Kay, Yo-Ho Delic e Pin Ups. As duas últimas compunham suas músicas em inglês e o Little Quail gravou dois álbuns até ser extinto em 1996.

Foi na metade final dos anos 90 que começou a era do hardcore melódico no Brasil, com nomes como Dead Fish, Dread Full, Pinheads, Primal Therapy, Garage Fuzz, Barneys, Heffer, Againe e tantas outras.

Em 1998, três guitarristas virtuosos do Brasil ( Edu Ardanuy, Frank Solari e Sérgio "Serj" Buss) se juntaram e formaram o Tritone. Juntos, eles gravaram " Just for Fun (And Maybe Some More Money...)", álbum este que é considerado um marco do rock instrumental no país.

Também em 1998 foi publicada a primeira edição da Senhor F - A Revista do Rock, que é uma publicação digital brasileira sobre música, editada por Fernando Rosa. Com enfoque no rock alternativo brasileiro, a publicação logo tornou-se uma referência nacional quando o assunto é música independente ou fora do mainstream

A década também ficou marcada pela perda de Cazuza, em 1990 e Renato Russo seis anos depois, dois dos maiores ícones da história do rock brasileiro, além da morte de Chico Science, em 1997 e o trágico acidente de avião que vitimou o grupo Mamonas Assassinas um ano antes.

2001 foi um ano "trágico" para o rock brasileiro: Herbert Vianna, dos Paralamas, sofreu um acidente de ultraleve e ficou paraplégico (mas voltou a tocar); Marcelo Fromer, dos Titãs, morreu atropelado; Cássia Eller faleceu; Marcelo Yuka, baterista de O Rappa, foi baleado, ficou paraplégico, saiu da banda e formou o grupo , que segue o mesmo estilo musical e ideologia que o consagrou nO Rappa.

Também em 2001 houve o boicote das bandas Brasileiras ao Rock in Rio. Isso porque havia uma cláusula no contrato que excluía a possibilidade dos grupos brasileiros passarem o som para fazer as últimas regulagens de instrumentos, e elas reivindicaram a mesma estrutura concedida para as bandas estrangeiras. O boicote iniciou-se com O Rappa, Cidade Negra e Raimundos, que foram apoiados por Charlie Brown Jr., Skank e Jota Quest.

Ainda em 2001 foi realizada a primeira edição do Primeiro Campeonato Mineiro de Surfe, um evento anual que é o maior e mais importante festival latino-americano de surf music.

A banda Skank buscou um estilo mais britpop e cheio de experimentalismo nos álbuns (2003) e (2006), mas, mais tarde, voltaria às origens no álbum Estandarte (2008).

É também na década de 2000 que inicia-se a era dos shows internacionais de bandas punks no Brasil, com destaque para o selo e produtora independente Ataque Frontal, que foi a grande responsável pela inserção da cena punk no Brasil no mapa do punk rock mundial.

Nesta década também surgiram as bandas Detonautas Roque Clube, CPM 22, Forfun, Tihuana, Cachorro Grande e a cantora Pitty, que tomaram a atenção da mídia durante toda a década. No cenário underground, destacaram grupos como Autoramas, de Gabriel Thomaz (ex-Little Quail), Bidê ou Balde, Matanza, Hateen, Gram, Ludov, Cascadura, Moptop, Forgotten Boys, Vanguart, Luxúria, Móveis Coloniais de Acaju, Cidadão Instigado, Mopho, Relespública, Garotas Suecas e Cansei de Ser Sexy.

Em 2002, surge no Rio de Janeiro o projeto Tributo ao Inédito, uma iniciativa de bandas e artistas cariocas do cenário independente. O objetivo do projeto foi o de vencer as barreiras dos grandes veículos de comunicação e divulgar nacionalmente os nomes de cada um dos envolvidos. Deste projeto, surgem as bandas Rogério Skylab, Leela, Cabeçudoss, Ramirez, Zumbi do Mato, Vulgue Tostoi, Lasciva Lula, e outras.

Em 7 de maio de 2003, a banda Los Hermanos lança o álbum Ventura, que na década seguinte seria eleito pelo público da Rádio Eldorado FM, do portal Estadao.com e do Caderno C2+Música (estes dois últimos pertencentes ao jornal O Estado de S. Paulo) como o melhor disco brasileiro da história.

No heavy metal brasileiro, embora permaneçam underground, viu-se o surgimento de novas bandas que conseguiram projeção internacional: Shaman, Hangar, Mindflow, Hibria, Torture Squad, Burning in Hell e Shadowside. As bandas consagradas da década passada, como Dr. Sin, permaneceram como grandes nomes na cena metálica, que teve Sepultura e Angra ainda como suas principais figuras. Igor Cavalera deixou o Sepultura em 2006, sendo substituído por Jean Dolabella, que também saiu do grupo e foi substituído por Eloy Casagrande, que era da banda de heavy metal católico Iahweh (banda). Igor se junta à seu irmão Max Cavalera e formam o Cavalera Conspiracy, com mais 2 músicos estadunidenses.

Ainda nos anos 2000, começaram a surgir bandas de rock com influências do emocore, do hardcore melódico e do pop punk, que ganharam muito destaque graças à internet e às redes sociais, como Orkut e Fotolog. Entre os maiores destaques, estão as bandas Nx Zero, Fresno, Forfun, Strike, e Gloria, que utilizam letras simples, que tratam de sentimentos e emoções, altamente populares para o público jovem.

Surgem bandas em homenagem à Jovem Guarda: Lafayette & Os Tremendões, formada por Lafayette, Gabriel Thomaz, Érika Martins, Melvin, Renato Martins, Nervoso e Marcelo Callado e The Originals, formada por ex-membros das bandas The Fevers, Renato e seus Blue Caps e Os Incríveis.

A década foi bastante profícua para o cenário roqueiro de Minas Gerais. Influenciadas pelo pop rock alternativo e pela onda de bandas independentes na cena musical americana, surgiram as bandas Falcatrua (2000), Graveola e o Lixo Polifônico (2004), Transmissor (2006), Deveras (2007) entre outras.

Em 2006, a banda Os Mutantes se reúne novamente para um concerto em Londres, mas não com todos membros originais: participam Sérgio Dias, Arnaldo Baptista, Dinho Leme e a cantora Zélia Duncan assume os vocais no lugar de Rita Lee. No ano seguinte, Arnaldo e Zélia saem da banda para se dedicar a projetos solos. Em 2008, a cantora Bia Mendes entra para o grupo.

Também em 2006, surge a banda Sambô, que assim como Lee Jackson nos anos 70, gravou canções de rock internacional em ritmo de samba.

Em 2009, Supla e o irmão João Suplicy formam a dupla Brothers of Brazil, misturando punk rock, samba e bossa nova. Também em 2009, o guitarrista Andreas Kisser, do Sepultura, lança Hubris I & II, seu primeiro disco solo.

Surgiram também artistas que vêm se destacando por revisitarem o repertório de alguns nomes da geração 80 do rock nacional, como os grupos Nem Liminha Ouviu, nome criado em homenagem ao produtor homônimo e interpretando bandas que surgiram no cenário underground da época e Urbana Legion em referência à Legião Urbana e formada por integrantes do Tihuana, Charlie Brown Jr., A Banca e Bula. A última citada também faz parte do circuito roqueiro atual.

Membros de bandas da década de 1980 formaram o Panamericana, projeto dedicado ao rock latino-americano. O supergrupo é formado por Dado Villa-Lobos, Charles Gavin, Dé Palmeira e Toni Platão.

Outra tendência que entrou em destaque no cenário musical brasileiro foram as chamadas bandas coloridas, especialmente dedicado para o público feminino jovem e tem como suas principais características as roupas coloridas, óculos new wave, uso de sintetizadores e letras agitadas e alegres, No início da década, o movimento rotulado como Happy Rock, dominou as paradas de sucesso através das bandas Restart, Cine e Hori. A moda, criticada por nomes como Dinho Ouro Preto, Lobão e Tico Santa Cruz acabou perdendo força pouco tempo depois, sendo que todos os grupos não permaneceram na grande mídia e encerraram suas atividades.

Talvez o único fenômeno roqueiro da época, Malta, vencedora da primeira temporada do programa Superstar, da Rede Globo, se tornou uma das bandas de maior popularidade do país, tendo seu álbum de estreia, intitulado Supernova, como um dos mais bem sucedidos do ano de 2014, com a certificação de disco de platina triplo, equivalente a 300 mil cópias vendidas. O grupo venceu a atração musical com 74% dos votos, mas o sucesso foi efêmero e o vocalista Bruno Boncini deixou a banda em junho de 2016 Boncini foi substituído por Luana Camarah, semifinalista da 2ª temporada do The Voice Brasil.

O talent show Superstar também revelou o grupo folk Suricato e as bandas Move Over, Supercombo, Scalene e Versalle, que se destacaram nas primeiras edições do programa, realizadas em 2014 e em 2015. Ambas conquistaram prestígio no cenário indie e também no mainstream, participando de grandes festivais, como as últimas edições do Rock in Rio e do Lollapalooza. Já em sua última temporada, exibida em 2016, os grupos Preto Massa, Playmobille, Pagan John, Powertrip, Valente, e os finalistas Plutão Já Foi Planeta, Bellamore e OutroEu puderam mostrar seus trabalhos

Apesar do gênero estar ausente da grande mídia e fora das FMs nacionais, a década também se destacou pela volta das chamadas Rádios Rock, como a 89 FM A Rádio Rock, em São Paulo no final de 2012 e a Rádio Cidade, no Rio de Janeiro, que durou de 2014 a 2016. Ao lado da internet, as emissoras de rádio citadas têm sido os principais veículos de divulgação da cena roqueira atual. Contudo, 2015 foi o primeiro ano da história em que o rock brasileiro não esteve entre as 100 canções mais tocadas nas rádios do país, segundo pesquisa da Crowley Broadcast Analysis. No ano seguinte, a mesma situação ocorreu.

Desde 2011, alguns grupos vêm retomando suas atividades, entre elas RPM, Ira!, Camisa de Vênus, Barão Vermelho (já sem Roberto Frejat, que partiu de vez para a carreira solo, sendo substituído por Rodrigo Suricato nos vocais,) Picassos Falsos, Viper e Gram. Outras voltaram para eventuais turnês comemorativas, como Kid Abelha (em sua última turnê) e até mesmo Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá, novamente dividindo palcos e celebrando 30 anos do lançamento do primeiro disco da Legião Urbana

A década também teve mortes de figuras notórias, como o cantor Andre Matos, o cantor Redson Pozzi, líder da banda Cólera, o cantor e guitarrista Celso Blues Boy, Chorão e Champignon, vocalista e baixista do Charlie Brown Jr. respectivamente, Peu Sousa (guitarrista, ex- Pitty e Nove Mil Anjos), Helcio Aguirra, guitarrista do Golpe de Estado, Renato Rocha, ex-baixista da Legião Urbana, Percy Weiss, ex-vocalista do Made in Brazil e da Patrulha do Espaço, o músico gaúcho Júpiter Maçã, Peninha, percussionista do Barão Vermelho, o cantor e radialista Kid Vinil, Karl Franz Hummel, ex-guitarrista do Camisa de Vênus, o guitarrista virtuoso Paulo Schroeber, e Johnny Hansen, um dos nomes mais importantes da história do rock eletrônico brasileiro, além do produtor musical Carlos Eduardo Miranda, fundador do selo Banguela Records, descobridor, entre outras, da banda Raimundos, e responsável por dar notoriedade ao movimento Mangue Beat

Em 2016, Moraes Moreira, Baby do Brasil, Pepeu Gomes, Paulinho Boca de Cantor e Luiz Galvão remontam a banda Novos Baianos. No mesmo ano, a Rede Globo lança a telenovela , cuja trama apresenta a ascensão da música pop no país e a queda do rock. A novela chegou ao fim em junho de 2017.

Em 2017, o guitarrista Kiko Loureiro torna-se o primeiro músico brasileiro a receber um Prêmio Grammy pelo seu trabalho com uma banda de metal.

Em 2018, George Israel, Felipe Cambraia, baixista de Nando Reis e Toni Garrido, vocalista da banda Cidade Negra criam o grupo Black Carlos, que toca canções nos estilos funk e soul da dupla Roberto e Erasmo Carlos.

Em 2019, a Rádio Cidade volta atuar no Rio de Janeiro.

Referências

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Rock no Brasil - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Nota: "Rock brasileiro" redireciona a este artigo. Para o festival de música, veja Pop Rock Brasil. Para o pirata e corsário do século XVII, veja Roque Brasiliano. O rock no Brasil refere-se ao gênero musical, (ou roque), originado nos Estados Unidos, e que teve início no Brasil no final da década de 1950.

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