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La industria de la moda en Córdoba está en auge. Cada año jóvenes talentos cordobeses se marchan de la ciudad para obtener una amplia formación en la industria textil y aprender de grandes diseñadores, todo ello con el objetivo de volver para establecerse y posicionar a la marca Córdoba dentro del mundo de la moda. En este especial seguimos los pasos de siete jóvenes promesas que tienen mucho que decir.

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Siete jóvenes diseñadores de Córdoba a los que seguir la pista

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La industria de la moda en Córdoba está en auge. Cada año jóvenes talentos cordobeses se marchan de la ciudad para obtener una amplia formación en la industria textil y aprender de grandes diseñadores, todo ello con el objetivo de volver para establecerse y posicionar a la marca Córdoba dentro del mundo de la moda.

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Rafael González Valverde, diseñador de la firma Rafa Valverde, aprendió a coser con tan solo 12 años gracias a una vecina de su pueblo, Almodóvar del Río. Ha trabajado con firmas como Roberto Diz, Antonio García y Palomo Spain y ha desfilado durante varias ocasiones en el Simof (Salón Internacional de la Moda Flamenca). Realizó sus estudios superiores de Diseño y Gestión de Moda y en 2018 abrió su taller. Define su estilo como un clásico renovado, cómodo, natural, y con especial cuidado en los detalles. Asegura que sigue con nuevos proyectos para dar a conocer a sus novias y resalta todo el talento que encuentra en el sector de la moda en Córdoba. La última vez que intentó realizar un desfile en la ciudad no obtuvo respuesta positiva. “Me recorrí toda Córdoba para buscar un sitio, y te dicen que no, no se da la oportunidad ni de presentar un proyecto”.

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PEDRO PIRES, El diseñador Pedro Pires lleva una década en la industria. Empezó creando un blog donde reflejaba sus ideas relacionadas con el sector de la moda. Estudió Diseño en Sevilla y desde el primer año ya vendía sus creaciones en pequeños comercios de dicha ciudad. Especializado en patronaje industrial en Córdoba, tiene su propio estudio en el centro de la ciudad. En sus prendas se puede observar un estilo romántico, y sus creaciones cuentan con toques vanguardistas y parten del estilo prêt à porter. Su objetivo es ser “profeta en mi tierra”, por eso, decidió asentarse en Córdoba. Desde el año pasado forma parte del equipo de docentes que integran la escuela de patronaje y moda La Mariposa de Hilo, una de las pocas academias que imparten este tipo de formación en la capital cordobesa. “El apoyo es nulo, el único apoyo que he encontrado es por parte de mis clientas. Pierden una oportunidad muy buena de exportar la marca Córdoba”, concluye.

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Palomo Spain  diseñador (con una marca homónima) de moda masculina colorista y que apuesta por el género fluido. Detrás de Palomo Spain se encuentra Alejandro Gómez Palomo, un joven cordobés nacido en 1992 que siempre tuvo claro que le gustaba el mundo de la moda. “Mi pasión por este mundo empezó muy joven. Yo tenía la colección de Barbies más importante de Posadas y copiaba para ellas diseños de los modistos que amaba. Al final, no solo vestía a mis muñecas de fantasía, sino a todo aquel que pasaba por casa. Por eso mis padres pensaron que, además de haberles salido un niño marica, tal vez podía llegar a ser un buen diseñador de moda”, reconocía. Con el apoyo de su familia y dispuesto a lograr su objetivo, se mudó a Londres. Trabajó de camarero durante un tiempo y después consiguió entrar en las marcas Liberty y WGSN. Acabaría matriculándose en Diseño Masculino y Tecnología en el London College of Fashion. Con sus primeras colecciones consiguió colarse en puntos de venta tan prestigiosos como Opening Ceremony en Nueva York y llamar la atención de la exdirectora de Vogue París, Carine Roitfeld. Pero si hay un mérito atribuible a Palomo, algo poco frecuente para una industria como la española, es que sus prendas despertaron tanto el interés de los medios como el de los consumidores. Batas y pijamas de seda, estampados, volantes y brocados componen una estética maximalista con reminiscencias barrocas y aires andaluces, muy en la línea del último Gucci que, por el camino, pone patas arriba la diferencia de género. Su intención última es acercar la Alta Costura al prêt-à-porter y " reinventar la masculinidad, pero desde la naturalidad: que se vistan como quieran", afirmaba.

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Antonio Bueno desarrolla su labor profesional en pos de la Inclusión de
Mujeres y Hombres con Discapacidad en ACPACYS. Modelo de luchador en el apoyo de la Inclusión, la Igualdad, y de las Nueva Masculinidad

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Comprometido en la Inclusión de Mujeres y Hombres con Discapacidad e Igualdad, desarrolla y dirige el proyecto Futuro Singular. Dionisio nos quiere transmitir y dar visibilidad a la doble discriminación que sufre la Mujer por ser Mujer y

por tener Discapacidad. Modelo de lucha por la Inclusión, Igualdad y Nueva Masculinidad

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Futuro Singular crea un centro especial de empleo en #Córdoba

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nos lleva a dar un

paseo por el jardín y queremos vivir allí para siempre. Sumérgete en todos los

Gloriosos detalles. "Espero transportarte a un mundo encantador y misterioso". Soy un alma y artista creativa, siempre curiosa y bastante inquieta, que trabaja en una variedad de medios diferentes. Hago obras de arte usando una mezcla de collage y pintura.

blog: https://sarahjarrettart.com/sarahjarrettart

Proyectos especiales: https://sarahjarrettart.com/specialprojects

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Octavio Salazar  - El hombre que no deberíamos ser

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El hombre que no deberíamos ser

«Este libro no es un memorial de todos los agravios que los hombres, como sujetos privilegiados, hemos cometido a lo largo de la historia. Este libro no pretende hacer un ajuste de cuentas con el hombre, sino con el patriarcado. Este libro mira al presente y sobre todo al futuro. Porque lo que pretende es colocarnos a los hombres delante del espejo para que reflexionemos sobre todo aquello que no deberíamos ser y para indicarnos el itinerario a seguir para construirnos de otra manera. Unos nuevos hombres que hagamos posible al fin una sociedad en la que nosotros dejemos de ser los poderosos

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ISBN

978-84-08-18060-9

Páginas

96

Código

0010204168

Octavio Salazar se define a sí mismo como "feminista, cordobés, egabrense, Sagitario, padre queer y constitucionalista heterodoxo". Es catedrático de Derecho Constitucional en la Universidad de Córdoba y miembro de la Red Feminista de Derecho Constitucional. Implicado personal y profesionalmente en la lucha por la igualdad de género, ha centrado buena parte de su trabajo en el estudio crítico de las masculinidades - Masculinidades y ciudadanía: los hombres también tenemos género (2013), La igualdad en rodaje: masculinidades, género y cine (2015) y El hombre que no deberíamos ser (2017), publicado por Planeta.

Publica su primera novela en 2017, Autorretrato de un macho disidente, y recibe el Premio al Hombre Progresista del Año que concede la Federación de Mujeres Progresistas de España. Su último trabajo de investigación publicado se titula La gestación para otros: una reflexión jurídico-constitucional sobre el conflicto entre deseos y derechos (2018).

Todo esto lo ha convertido en un referente de la lucha contra las masculinidades tóxicas en nuestro país, colaborando en medios como la revista GQ, el diario Córdoba, el Huffington Post y eldiario.es.

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El hombre que no deberíamos ser - Octavio Salazar | PlanetadeLibros

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El hombre que no deberíamos ser, de Octavio Salazar. Un manifiesto que pretende establecer un nuevo contrato social entre hombres y mujeres. Porque es imprescindible construir un mundo más igualitario, más justo, más incluyente. Y es imprescindible hacerlo ya.

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El libro 'Nuevos hombres buenos' de Ritxar Bacete es una radiografía del estado de la masculinidad y un paseo por algunas de las claves para un cambio real

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El libro 'Nuevos hombres buenos' de Ritxar Bacete es una radiografía del estado de la masculinidad y un paseo por algunas de las claves para un cambio real

Forrest y Jenny.

Hace un par de semanas, el economista y sociólogo Bernardo Kliksberg nos llamaba (a las mujeres) el grupo más numeroso de oprimidos del planeta en una entrevista, y las críticas no tardaron en levantarse por calificarnos como "grupo"; la verdad es que lo somos, un grupo que abarca la mitad de la humanidad, eso sí. La conciencia creciente de esa mitad "oprimida" hace poco viable un futuro en el que la otra mitad siga siendo "opresora". En esta tesitura, ¿quién puede pensar que no hace falta la conciencia de ambas mitades? El cambio y la implicación de los hombres es inherente al propio concepto, la igualdad implica, como mínimo, dos partes en las que haya correspondencia.

Un baile que, sin pareja, no es posible. De ello está convencido Ritxar Bacete (Vitoria-Gasteiz, 1973), que acaba de publicar Nuevos hombres buenos (Península, 2017): "Necesitamos un diálogo y plantear un pacto de humanidad. Es tremendamente necesario". Él, que lleva más de dos décadas trabajando porque los hombres se impliquen en la igualdad, se sigue reconociendo en algunos de esos modelos; el "traje identitario", ese con el que nacen los hombres por el simple hecho de ser hombres, es tremendamente difícil de quitar. "Encaja como un guante en nuestras vidas, por supuesto, por eso es difícil detectarlo, se confunde con nuestra propia piel". En su libro, Bacete hace referencia a una anécdota que le ocurrió hace 30 años al sociólogo Michael Kimmel y que él mismo ha contado en alguna ocasión.

Imagen de la portada del libro de Ritxar Bacete, 'Nuevos hombres buenos'. Pincha sobre la imagen para verla completa.

"Hablando con dos mujeres feministas, una negra y la otra blanca, la segunda afirmaba que todas las mujeres viven la misma discriminación universal por ser mujeres y que, por eso mismo, entre todas las mujeres tenía que surgir una especie de solidaridad intuitiva. La mujer negra, en cambio, respondió no estar segura, ya que cuando ella se miraba al espejo cada mañana no veía a una mujer, sino a una mujer negra, porque para ella el racismo es visible en la construcción de su identidad. La mujer blanca no veía a una mujer blanca, sino a una mujer, porque así es como funcionan los privilegios, que son invisibles para quienes los tienen. Pero la parte más rica aún de la anécdota que nos recuerda Kimmel es que él mismo, cuando se mira al espejo cada mañana, no ve a un hombre, sino a un ser humano. Por lo que cuando los hombres, sobre todos los blancos, autóctonos y de clase media, nos miramos al espejo, nos vemos reflejados más fácilmente en una especie de modelo universal, que ya no es un señor con barba llamado Dios, pero que está exento de género, de clase y de raza, porque no construimos nuestra identidad sobre la referencia del resto y porque nosotros mismos nos significamos como el modelo de referencia para el resto de la humanidad".

Hay que aceptar el reto de mirarse al espejo. "Ese que nos habéis puesto las mujeres después de tantos cambios, liderados por vosotras, llevados a cabo por vosotras. Ahí está la historia. Tenemos que ser capaces de mirarnos y descubrir quiénes somos, e imaginar que podemos ser otra cosa, que ser hombre no es lo que hemos aprendido", reflexiona.

Este antropólogo, trabajador social, amo de casa y especialista en género asegura que, una vez hechas las preguntas adecuadas -¿quién soy yo en este nuevo mundo? ¿Qué es ser hombre hoy? ¿Qué se espera de mí? ¿Soy un hombre justo? ¿Puedo cambiar? ¿Debo cambiar? ¿Cómo me relaciono con otros hombres? ¿Y con las mujeres? ¿Soy un buen padre? ¿Establezco relaciones igualitarias con las mujeres de mi entorno? ¿He sobrepasado alguna vez alguna línea roja en mis relaciones? ¿Soy machista? ¿Soy libre?-, uno es capaz de reconocer la carga sexista que hay en el día a día, cambiar y saber qué es lo que necesita quienes están al lado; en su caso, su pareja y sus dos hijos. Una niña y un niño que terminaron de pulir la visión de Bacete sobre la igualdad, el feminismo y la imperiosa necesidad de un cambio en la sociedad que empieza por la transformación individual. Y la transformación individual puede comenzar con algunas claves que, libro mediante, Bacete apunta.

Ritxar Bacete hace referencia al nuevo anuncio de Axe para poner en valor cómo la propia visión del hombre hacia el hombre, de la publicidad y de la sociedad, se está transformando para dejar paso a una "infinita paleta de colores".

1. Adiós, binarismo

Es tajante: "Definir a alguien por el sexo con el que nace es inhumano y de un simplismo que no puede funcionar". Así que el primer paso es ser conscientes de lo poco operativa que es esa clasificación en este contexto. "También somos lo que hacemos", añade refiriéndose a la epigenética. "Ser hombre o mujer es una construcción cultural que nos marca de forma sesgada, determinada por nuestras circunstancias y nuestra historia. No somos una realidad inamovible: estamos, y siempre en tránsito".

2. El tamaño no importa

"Hay recetas, imperfectas, pero con detalles tremendamente importantes". Bacete insiste en que la igualdad no se construye con grandes eslóganes, sino en muchos lugares, con muchas (aparentemente pequeñas) decisiones. "Los hombres tenemos capacidad para decidir nuestros espacios y tiempos. Si yo elijo trabajar en casa, mi mujer puede hacerlo fuera, por ejemplo. Cientos de miles tomando esa decisión pueden provocar un cambio estructural en las empresas. No subestimemos ninguna de las decisiones que tomamos, cada día". Y hablando de esas elecciones diarias, Bacete recuerda que estas podrían contribuir a que la violencia contra las mujeres fuera disminuyendo hasta su extención: "Porque no es ni natural ni neutral, es una plaga evitable, masculina y singular". "Los cambios, por insignificantes que nos parezcan, son capaces de transformar las circunstancias que los crean, modificando las reglas del juego y las estructuras de relación".

3. ¿El Betamax? ¡El Betamax ya no existe!

Desde Saturno devorando a sus hijos de Rubens, hasta Terminator o los clásicos de Los Panchos, la memoria de hoy está construida con una mirada casi exclusivamente masculina. "Y para transformar el presente necesitamos reconquistar esa memoria, reconstruirla y poner a trabajar todos nuestros esfuerzos y toda la potencia performativa (la capacidad de algunas expresiones para convertirse en acciones y transformar la realidad) de los nuevos símbolos a nuestro favor". Insiste en que las viejas heroicidades que cubren la inmensa mayoría de los espacios públicos, y por tanto de la memoria colectiva, "han quedado tan obsoletas y son tan poco operativas como los reproductores de vídeo en Betamax".

En la película 'Una jaula de grillos' hay una escena en la que Robin Williams trata de enseñar a su pareja, un homosexual interpretado por Nathan Lane, a comportarse como un hombre 'de verdad'. Después de varios intentos, Robin Williams acaba pidiéndole que piense en uno de esos hombres 'de verdad', como John Wayne.

4. Dejar de ser John Wayne

Viendo Una jaula de grillos, con Robin Williams y Nathan Lane, Bacete se dio cuenta de que ser hombre es puro teatro y que la pluma normalizada y dominante no se ve, aunque esté presente en prácticamente todas las acciones que realizan los hombres. Cuenta que tuvo una revelación: "¡Vaya! ¡John Wayne tiene pluma masculina de macho hegemónico!". ¿Qué es llorar como una niña? ¿Cómo se sienta uno como un hombre? "Todos respondemos a determinados estereotipos: controlar los gestos, no besar a otros hombres, abrir las piernas al sentarnos... Son comportamientos marcados, y sin ningún sentido". Explica que no plantea que nadie tenga que transitar por experiencias o modelos determinados: "Simplemente que nos demos cuenta de que nuestro cuerpo está cargado de cultura y de que ser capaces de identificarlo nos libera, porque nos permite optar".

5. ¿Cómo que qué privilegios?

Todavía hay quien se pregunta qué privilegios tienen los hombres que no disfrutan las mujeres. Esto es, entre otras razones, porque la relación de los hombres con esos privilegios es estructural, vienen dados por el simple hecho de haber nacido varón; a eso apunta Bacete en el libro. "No los tenemos por méritos propios, nos son dados culturalmente solo por el hecho de ser hombres". Asegura que afectan tanto a la esfera privada como a la pública, en el trabajo, la economía, el arte, la religión o el deporte, etc. "Y si somos conscientes y no actuamos, nos convertimos en cómplices".

6. Las palabras no se las lleva el viento

El lenguaje es una herramienta tremendamente poderosa, es capaz de modificar un momento, de provocar alegría, tristeza, dolor, de construir una idea y también de desintegrarla. "Las palabras son realidades físicas, y cuando las usamos, al elegirlas, estamos usando los mapas mentales que ya tenemos construidos y en nuestro caso, en general, son mapas muy masculinizados". Eliminar los "estás loca", "tendrá la regla", "la habrá dejado el novio", cuando no se entiende la reacción de la otra persona, por ejemplo. Usar el sí para promover los cambios, los noes para frenar lo que no es justo, los no sé para reconocerse también como seres vulnerables o pedir perdón. "Cualquier palabra está cargada no solo de significado, sino de emociones asociadas, positivas o negativas en función de las connotaciones que le otorga la cultura dominante y de los nuevos valores que le hayamos podido adjudicar a nivel personal en subespacios culturales o políticos. Necesitamos tomar conciencia de las palabras que utilizamos, los cuentos que contamos, los juicios que hacemos de forma cotidiana, y saber que tales acciones mueven el mundo en un sentido o en otro".

7. La extinción de los depredadores

El porno es una de las formas más visuales de perpetuación del modelo patriarcal y fuente a veces de conductas negativas y frustrantes para las mujeres, y también para los hombres. "Es hora ya de que los nuevos hombres desarrollemos otra masculinidad, una en clave igualitaria", comenta Bacete. Para él, la sexualidad, el erotismo y el ideal de amor romántico son probablemente los reductos donde los avances de la equidad han tenido menor éxito y por tanto, donde más trabajo queda por hacer para avanzar hacia una masculinidad realmente alternativa. "Esa idea de que los hombres tenemos una naturaleza sexual insaciable y activa y dominante viene a convertir el pene en una especie de arma para expresar el poder y reafirmar nuestra masculinidad". Bacete argumenta que la cultura sexual patriarcal construye los imaginarios sexuales de los hombres desde la idea del depredador infinito: "Eso es fuente de frustración y sufrimiento, porque se crea un vínculo entre el sentimiento, la necesidad compulsiva de tener relaciones sexuales de los hombres patriarcales y las limitaciones para lograrlo".

8. Hasta nunca, señor Banks (para los que deciden ser padres)

El padre tieso, estirado, recto, poco empático, extremadamente estricto y nada cariñoso del principio de Mary Poppins es un buen ejemplo de lo que no debería ser un padre. "Cuando cuidas estás conectando con la empatía, con el otro, el hombre naturalizado debe ser aquel que está con el carrito, con el biberón, jugando. Cuando eso no extrañe a nadie habrá acabado el modelo de masculinidad hegemónico". Sabe que queda mucho por hacer en el terreno privado, en el público y, sobre todo, en el del empleo. "Hay muchas cosas que podemos empezar a hacer ya: marcar distancias con los modelos de masculinidad y paternidad hegemónicos (que son meros proveedores y emocionalmente distantes), tener una implicación activa en la crianza, la demostración de empatía, la participación en los trabajos reproductivos, el cuidado y la priorización de las hijas e hijos, pedir permisos de paternidad y aspirar a que en algún momento sean iguales e intransferibles".

El panorama de los padres en el mundo

Aunque Ritxar Bacete sabe que la paternidad igualitaria está lejos de ser un fenómeno local, sí asegura que refleja una tendencia global hacia la transformación gracias al impulso que supone el empoderamiento de las mujeres y su incorporación al mercado laboral. "En 2015 se presentó por primera vez en Nueva York, en la sede de ONU Mujeres, el Panorama del estado de los padres en el mundo". El pasado junio, en Belgrado, se presentó el segundo informe, que recogía evidencias y experiencias sobre la implicación de los padres en la crianza en todos los rincones del planeta, desde Brasil a Ruanda.

La evidencia de distintos estudios longitudinales plantea que la participación activa del padre constituye un beneficio para el conjunto de la familia. Por un lado contribuye al empoderamiento de mujeres y disminuye la violencia contra ellas. Por otro, enriquece el crecimiento de niñas y niños: mejor desarrollo en diversas áreas como el rendimiento escolar, los resultados en escalas de desarrollo cognitivo, menor estrés cuando son adultos, menores problemas conductuales y menos conflictos con la ley cuando crecen, entre otros. "La paternidad positiva, que por definición es una paternidad igualitaria, presente, comprometida y equitativa, es uno de los más poderosos factores de transgresión y transformación de los roles sociales asignados culturalmente a los hombres".

9. Apuntarse al bando perdedor o cómo convertirse en disidente

Si en un grupo de WhatsApp, en el que solo hay hombres, alguno de ellos envía un gif sexista, un chiste machista o un vídeo que denigra a la mujer, ¿cuántos de ellos protestan? ¿A cuántos de ellos les parece mal? "La manada es posible por el pacto entre varones, ninguno quiere salirse de esa manada y eso hace que se contagien los modelos tóxicos y son tan frágiles que necesitan estar afirmándose continuamente. Pero la disidencia genera una transformación brutal". Afirma que, sin ser plenamente conscientes de su trascendencia, estamos ante una oportunidad extraordinaria para romper ese pacto, frenar el sexismo oculto y abrir y oxigenar espacios masculinos para la igualdad, contribuyendo así a arrancar las malas costumbres. "Puede sonar paradójico, pero una derrota en toda regla, una rendición como hombres ante nuestros restos patriarcales, puede ser un canto a la belleza al mismo tiempo que una acción de justicia".

10. Bob Esponja vs Frozen

Mientras que la princesa Elsa, de la película de Disney Frozen, canta que es libre y que ya no hay reglas para ella, Bob Esponja y Patricio entonan que, como son hombres, todo lo pueden hacer. "¿Qué está pasando con las niñas? Mérida, Vaiana, Elsa y Anna... mi hija sale con un arco a la calle. ¿Pero qué pasa con ellos? Ellos siguen teniendo los mismos modelos". Bacete afirma que las diferencias y asimetrías entre los prototipos de hombre y mujer que se están generando ayudan a dibujar un futuro incierto de niñas empoderadas con niños que siguen teniendo como ejemplo de poder Spiderman o a los superéroes de carne y hueso que genera la industria del fútbol. "No estamos siendo capaces de construir referentes ni modelos para los niños de hombres empáticos, sensibles, que expresen sus emociones o sus miedos". Afirma con preocupación que, si no se le pone remedio ahora, "estaremos abocando a las niñas libres del presente y del futuro a tener que convivir y compartir vidas y sueños con niños que no habrán sido capaces de liberarse ni de situarse al mismo nivel de humanidad".

11. Correr con lobas

"Ojalá llegue un día en el que todos nos dejemos llevar por mujeres libres, compartir con ellas, correr con ellas". Bacete asegura que aprender de las mujeres empoderadas con las que se comparte vida haría mucho bien no solo de forma individual, sino al conjunto de la humanidad. "Dejar atrás ese mito del macho alfa, infalible, incansable, fuerte y sin miedo. Abandonar cualquier resistencia a la igualdad. Dejarnos guiar, abrazar, acompañar por las mujeres libres, correr junto a ellas, hacia un futuro lleno de posibilidades, de vivir haciendo las paces. Otro mundo es posible y necesario, y otras masculinidades, también".

Termina insistiendo en que él no es un hombre bueno, pero que quiere serlo y cada día trabaja para ello. "El cambio no es fácil, pero una vez despierta la conciencia, la llevas a todos lados. Y no es fácil, porque por todos lados sigue existiendo machismo y desigualdad. Y esto es lo mínimo que los hombres podemos hacer". Es consciente de que hay a quien no le parece bien esta "incursión" de los hombres en el feminismo, y recuerda a la activista feminista de Reino Unido Kelley Temple: "Los hombres que quieren ser feministas no necesitan que se les de un espacio en el feminismo. Necesitan coger el espacio que tienen en la sociedad y hacerlo feminista". "Y en ello estoy, en ello estamos". Un viaje largo el que queda, largo y muchas veces incómodo, pero imparable. Y compartido.

Medidor de privilegios masculinos

Ritxar Bacete adapta en su libro la propuesta de Michael Flood sobre aquello que los hombres pueden hacer en sus entornos de trabajo para renunciar a sus privilegios y la convierte en un cuestionario para medir los privilegios basados en el género (el masculino, claro).

Elige sí o no para las siguientes preguntas:

♦ ¿Crees que las mujeres de tu entorno te han cuidado más a ti que tú a ellas?

♦ Pensando en tu deporte favorito, ¿crees que en la práctica profesional de ese deporte tendrías más posibilidades de triunfar socialmente u obtener éxito, reconocimiento y dinero que si fueras mujer?

♦ ¿Trabajas de forma confortable sin miedo a sufrir acoso sexual?

♦ En el caso de decidir ser padre, ¿crees que en tu trabajo continuarían confiando en tu capacidad profesional?

♦ ¿Te has sentido alguna vez excluido en el trabajo porque se refirieran al conjunto de trabajadoras y trabajadores en femenino?

♦ En los puestos de responsabilidad en tu trabajo o en tu entorno, ¿tienes un montón de profesionales de referencia de tu mismo género?

♦ ¿Caminas seguro por la calle sin miedo a sufrir acoso o una agresión sexual?

♦ Si tienes hijos y una carrera, nadie pensará que eres egoísta por no quedarte en casa a cuidarlos.

♦ En el caso de que convivas en pareja con una mujer, ¿consideras que asumes menos responsabilidades en los trabajos de cuidados que ella?

♦ Si eres padre en una pareja heterosexual, ¿dedica tu pareja más tiempo que tú al cuidado de tus criaturas?

Si todas o la mayoría de las respuestas son afirmativas, significa que disfrutas de distintos privilegios en relación con las mujeres.

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11 pasos para ser un buen tío (pero un buen tío de verdad)

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El libro 'Nuevos hombres buenos' de Ritxar Bacete es una radiografía del estado de la masculinidad y un paseo por algunas de las claves para un cambio real

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Tania Cantero por los figurines y las telas viene desde la infancia. “Jugaba con las barbies y diseña tu moda continuamente. Cuando llegó la hora de estudiar me inclinaba hacia una carrera convencional, pero tras una época un tanto mala, comprendí que lo que realmente me gustaba era diseñar”. Arte y música  empezó a asistir a una academia en su Córdoba natal y, después de tres años de preparación, ha participado en dos ocasiones en Code 41 (Sevilla) y lo volverá a hacer en la próxima edición.Su trabajo está inspirado por el arte y la música. De hecho, trabaja con un tipo de música determinada en función de la corriente de moda en la que esté trabajando. Su visión de la cultura como motivación le permite sacar provecho de todas las manifestaciones artísticas para sus creaciones. Pero sobre todo, las telas, los cortes y el modo de presentar los tejidos está impregnado por su fuerte personalidad. Y para muestra, el botón de su colección Black Bunny Studio, inspirada en la estética y música de los años 80.

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LAURA AGUILERA O La diseñadora Laura Aguilera estudió diseño de moda, siendo ésta su segunda carrera. Siempre le llamó la atención la manera de expresarse a través de los tejidos y colores. Ha ganado premios en distintos certámenes tanto de moda flamenca como nupcial e incluso se ha atrevido con la moda de baño. Ha trabajado junto a diseñadoras como Marcela Mansergas y Juana Martín, y en 2019 decidió montar su taller en Córdoba. Define su estilo como romántico con un toque moderno y afirma que uno de sus objetivos más definido es poder dedicarse a la moda nupcial y ser referente en la ciudad dentro de este sector. Afirma que el público cordobés es clásico y un poco reacio a los cambios, aunque su clientela se deja asesorar y escucha las propuestas que la diseñadora tiene en mente. Laura Aguilera destaca la necesidad de crear más eventos y proyectos de moda en Córdoba, ya que tal y como afirma, la ciudad tiene talento para ello. “El sector de la moda es un sector vacío en Córdoba, para demostrar nuestro trabajo tenemos que ir a otro sitio, nos sentimos un poco desamparados”,

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Rosa Navarro, Puro Ego. Diseñadora Cordobesa, que forma parte de #Marca Mujer ,  grupo de mujeres organizado para potenciar la plena integración de las mujeres profesionales en la sociedad cordobesa y en el mundo empresarial, fomentando un entorno social y laboral de igualdad de oportunidades, contribuyendo asi al desarrollo económico de cordoba y provincia y a la plena integración de las mujeres en el tejido empresarial.

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Entrevista a Purificación Velarde, Academia de Patronaje y Confección de Córdoba

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Inauguración de la exposición “Diseñadoras en la sombra”

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El Círculo de la Amistad de Córdoba acogerá, del 13 al 28 de diciembre, la exposición Diseñadoras en la sombra, mediante la que se pretende recuperar para la memoria colectiva la labor, no suficientemente reconocida, llevada a cabo en la primera mitad del siglo XX por 13 diseñadoras de moda europeas (francesas, italianas y españolas) y estadounidenses, a las que hay que "hacer justicia". Así lo destacó Purificación Velarde, máxima responsable de la academia de patronaje y confección de Córdoba que lleva su nombre y que, junto a sus alumnas, ha querido rendir homenaje estas diseñadoras, "replicando un modelo de cada una de ellas" y exponiéndolos, junto a los datos fundamentales de estas profesionales de la moda que, en algunos casos, habían caído en el olvido.

En concreto, se han confeccionado modelos de las diseñadoras francesas Grès, Bruyère, Carvén, Louise Calvet, Madeleine de Rauch, Maggy Rouff y las hermanas Callot; las italianas María Monaci Gallenga, Elsa Schiapatelli y las hermanas Fontana; la española Ana de Pombo y las estadounidenses Valentina Sanina y Claire McCardell.

De esta forma, la Academia de Patronaje y Confección Purificación Velarde ofrece "un recorrido por 13 diseñadoras que han permanecido en el olvido y que merecen ser rescatadas para poner en valor su trabajo y su importancia en la historia de la moda", y ello se verá en una exposición surgida de "un proyecto colectivo de recuperación de la memoria de estas diseñadoras por parte de las alumnas" de la referida academia.

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'Diseñadoras en la sombra' recupera la labor de 13 modistas

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Realizada por alumnas de Purificación Velarde, máxima responsable de la academia de patronaje y confección de Córdoba

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Purificación Velarde recuperando haciendo visible la memoria de creadoras invisibles.

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Purificación Velarde recuperando haciendo visible la memoria de creadoras invisibles.

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Purificación Velarde, nos muestra  “un proyecto de recuperación de la memoria” de estas creadoras “cuyo rastro se había difuminado en la historia”. La iniciativa se gestó aún en plena pandemia. Gracias al trabajo colectivo de la Academia de Patronaje y Confección que Velarde dirige en Córdoba en el barrio de Valdeolleros, se les ha rendido homenaje. Esta exposición es un trabajo cooperativo  de sus alumnas para que el proyecto sea una realidad, así como la implicación del Ayuntamiento y la Diputación. La exposición ha estado en distintos espacios de Córdoba y su Provincia.

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Purificación Velarde y reproduce creaciones de trece diseñadoras de moda de Estados Unidos, Italia, Francia y España de la primera mitad del siglo XX. Todas tienen en común que, que su labor artística quedó ensombrecida por sus colegas varones.

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Mujer Luchadora , emprendedora,  que su discapacidad no fue una barrera para  montar su propia empresa, emprender y además nadadora internacional, preseleccionada para las paraolimpiadas de Río

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Mujer Luchadora , emprendedora,  que su discapacidad no fue una barrera para  montar su propia empresa, emprender y además nadadora internacional, preseleccionada para las paraolimpiadas de Río

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El debut del alumnado con discapacidad en los Campeonato de España Universitario de natación , auspiciada por la UCO , ha sido sin duda un gran éxito, para este campeonato y también para la Universidad de Córdoba . En esta primera edición, han participado cinco universidades y un total de 12 deportistas, cinco nadadoras en representación de la UCO .

Ha destacado especialmente la actuación de Carmen Mª García-Escribano , estudiante de la escuela Politécnica Superior, con tres oros (100 braza, 50 mariposa y 50 braza) y un bronce (100 espalda). Igualmente, Rocío Murillo , estudiante de la facultad de Ciencias de la Educación, con dos oros (50 espalda y 50 libre).

Además, Carmen Ibáñez , de Filosofía y Letras, con una plata (50 mariposa) ha logrado dos bronces (100 libre y 100 braza); M arta Santolalla , estudiante de la escuela Politécnica Superior, sumó una plata (50 braza) y dos cuartos puestos (100 braza y 100 espalda); y Mercedes Rivera , de Filosofía y Letras se quedó a las puertas del podio con un cuarto puesto en 50 libres y un quinto en 50 espalda.

En natación , la actuación de los deportistas de la UCO también fue muy destacada con dos sextos puestos destacadísimos a cargo de José Jiménez, de Ciencias de la Educación con un 6º puesto (200 espalda) y 11º (100 braza). Manuel Peix, estudiante de Medicina y Enfermería, con un 6º puesto (200 espalda) y 12º (50 espalda). Iñaki De la Haba, de la Politécnica Superior, se clasificó en el puesto 15 (100 espalda) y Carla Marín, estudiante de Veterinaria, resultó 16ª (200 estilos) y 25ª (50 mariposa).

Los buenos resultados cosechados por estas nadadoras y nadadores llevaron a la Universidad de Córdoba a clasificarse en un histórico décimo lugar en la clasificación por universidades.

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Diez medallas para la UCO en el Campeonato de España Universitario de natación

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Carmen García-Escribano logra tres oros y Rocío Murillo dos oros

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Mujeres que han hecho historia en los Juegos Paralímpicos
Maria Scutti

Trischa Zorn

Teresa Perales

María Carmen Riu y Rita Granada

Libby Kosmala

Natalia Patryka

Neroli Fairhall

Todas son especiales por alguna razón y han logrado hazañas que nadie ha podido igualar. Ellas siempre serán recordadas en el mundo paralímpico y, algunas, tienen la oportunidad de agrandar todavía más su leyenda en Tokyo 2020.

Repasamos algunos de los nombres en femenino más destacados que han dejado y dejarán huella en los Juegos Paralímpicos:

Maria Scutti

Fue la gran estrella de los primeros Juegos Paralímpicos de Roma 1960. Maria Scutti logró una hazaña que nadie ha sido capaz de igualar: la consecución de 15 medallas en una misma cita paralímpica, de las cuales 10 fueron de oro.

La para atleta se quedó en silla de ruedas a raíz de un accidente de tráfico. Esta dificultad no le impidió ser una deportista polivalente. La italiana participó en cuatro modalidades diferentes, donde en ninguna se le escapó la medalla: atletismo, natación, tenis de mesa y esgrima.

Los Juegos italianos fueron su única participación paralímpica y donde demostró su talento dejando grabado su nombre para siempre.

Trischa Zorn

Su nombre quedó marcado con letras de oro en los Juegos Paralímpicos. La nadadora Trischa Zorn dejó huella al ser la deportista más laureada de la historia. A sus espaldas deja un gran legado, es la reina de la natación, en su palmarés cuenta con un total de 55 preseas: 41 de oro, 9 de plata y 5 de bronce. Medallas obtenidas durante sus siete participaciones paralímpicas, compitió de manera ininterrumpida desde Seúl 1980 hasta Atenas 2004.

Además de todos los metales conseguidos la nadadora ha establecido ocho récords mundiales en diferentes categorías: 50 m atrás, 100 m atrás, 200 m atrás, 200 m IM, 400m IM, 200m de pecho, relevo combinado 4x50 y relevo libre 4x50m. Trischa nació con aniridia. Su condición solamente le permitía ver objetos que estaban a ras de ella, por lo que siempre ha competido en natación adaptada. Tras dos implantes de íris artificial que le realizaron en 2003, Trischa mejoró su visión, pero siguió compitiendo en el mundo paralímpico.

Es la estrella de los Juegos Paralímpicos y por eso no podía faltar en el Salón de la Fama Paralímpica, en el que está incluida desde el año 2012.

Teresa Perales

De la deportista más laureada internacionalmente pasamos a la leyenda española. La nadadora maña cuenta en su palmarés con 27 medallas paralímpicas: 7 oros, 10 platas y 10 bronces. La última conseguida en Tokyo 2020, donde realizó el milagro. Lesionada en el hombro izquierdo, logró lo imposible añadiendo una presea más a su palmarés.

En el país nipón suma su sexta participación paralímpica. De todas sus citas, Teresa Perales se ha llevado un metal para su colección.

La para atleta, que lleva participando en todas las ediciones desde Sidney 2000 ,sufrió a los 19 años una neuropatía que la condenó a una silla de ruedas. Adaptándose a su nueva vida, comenzó en las piscinas y, al año siguiente, ya estaba compitiendo.

Entre sus distinciones, fue galardonada este año con el Premio Princesa de Asturias de los Deportes y fue nombrada Hija Predilecta de Zaragoza.

María Carmen Riu y Rita Granada

María Carmen y Riu y Rita Granada son las primeras representantes españolas que tuvimos en unos Juegos Paralímpicos. Hubo que esperar hasta Tel Aviv 1968 para ver participar a la expedición española en este evento deportivo y allí estaban ellas. Las nadadoras formaron parte de la delegación de nuestro país.

Riu consiguió en Israel un doble hito: ser la primera deportista española en lograr participar en una cita paralímpica y convertirse en la primera mujer en lograr una medalla para España.

La catalana logró dos preseas plateadas en la clase 3 de las pruebas de 50 metros braza completa y 50 metros de libre completa. En la otra cara de la moneda, Rita. La nadadora que compitió en 3x25m estilos culminó la final con un cuarto puesto.

Libby Kosmala

La tiradora Libby Kosmala representó por última vez a su país con 74 años en Río 2016. Con doce juegos a sus espaldas, la atleta australiana se retiró tras los Juegos cariocas.

Parapléjica de nacimiento, se introdujo en la vida deportiva gracias a un paciente del hospital Royal Adealide. Fue una deportista polivalente, ya que practicó entre otros: natación, esgrima o carreras en sillas de ruedas.

Estuvo presente en Tel Aviv 1968 como secretaria adjunta de su delegación y debutó en Heidelberg 1972, donde se alzó con el bronce en relevo 3x50 m de natación. Tras estos Juegos compitió la modalidad de tiro al rifle donde ha brindado 12 medallas a su país, Australia.

Natalia Partyka

De la más veterana pasamos a la más joven. Natalia Partyka, jugadora de tenis de mesa, debutó en los Juegos Paralímpicos de Sydney 2000 con tan solo 11 años. Tras un estreno bastante discreto en las islas antípodas, su carrera comenzó a despegar convirtiéndose en la rival a batir.

La palista croata, que nació sin mano ni antebrazo, han conseguido colgarse nueve metales paralímpicos.

Y este no es el único record que ostenta la polaca. Desde que se clasificó para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Pekín 2008, no ha dejado de competir en ambas citas, siendo la única atleta que ha participado en cuatro ediciones de Olímpicos y Paralímpicos.

Neroli Fairhall

Aunque el record de más participaciones en ambas citas lo sostenga Natalia Patyka, Neroli Fairhall fue la primera que abrió el camino para que un para deportista pueda competir en ambos Juegos.

La neozelandesa empezó a practicar tiro con arco a raíz de un accidente de moto que la postergó en una silla de ruedas. La tiradora consiguió participar en cuatro Juegos Paralímpicos de los que se llevó una medalla de oro en Arnhem 80.

En 1894 le ganó el derecho a representar a su país en los Juegos Olímpicos. En el país estadounidense alcanzó la trigésimo quinta posición, pero se llevó un premio más importante: entrar en las páginas de la historia.

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Las mujeres que han dejado su nombre escrito en las páginas de la historia de los Juegos Paralímpicos

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Todas son especiales por alguna razón y han logrado hazañas que nadie ha podido igualar. Ellas siempre serán recordadas en el mundo paralímpico y, algunas, tienen la oportunidad de agrandar todavía más su leyenda en

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El Periodista Jesús Ortiz hace un trabajo ingente, dando visibilidad a  mujeres han hecho del deporte una forma de empoderamiento, muchas de las Mujeres empezaron casi en la clandestinidad, como Carmen Riu, primera medallista española en unos Juegos, una precursora de la natación que puso su granito de arena para construir el deporte paralímpico que conocemos. “Mis padres estuvieron ocho años pagándole a un monitor porque no me dejaban nadar con el resto de niños por tener discapacidad. Después formé parte de un club deportivo que fundó la Asociación Nacional de Inválidos Civiles y en una instalación municipal nos dejaban la piscina pequeña los sábados por la tarde y nos apagaban las luces para que nadie se percatase de que estábamos allí entrenando”…. “Mujer y con discapacidad, éramos inservibles para la gente. Nos trataban diferente, nos veían como bichos raros. Para la sociedad no valíamos nada, nos miraban como si fuésemos a infectarles algo. El carnet de identidad ya nos marcaba, en nuestra profesión ponía inválidos. Era muy difícil para nosotras, teníamos que superar muchas barreras”, asegura esta barcelonesa, víctima de la poliomielitis que afectó a la población infantil entre las décadas 50 y 60. Ella, junto a Rita Granada, formó parte de la expedición que acudió a Tel Aviv en 1968, ciudad en la que España se estrenó en unos Juegos Paralímpicos. A pesar de la escasa preparación, Carmen brilló con dos preseas de plata, que, como era de esperar, pasaron desapercibidas…explica Jesús Ortiz.

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En la actualidad en Córdoba podemos encontrar la  exposición  homenaje a la escultora Alice,

De  UCO Cultura  de la Universidad de Córdoba haciendo Visible a una Mujer que nació en Argentina en el año 1907 y murió en el año 1984 en Madrid.

Alice es una artista que empieza a ser conocida en Córdoba  porque es la autora de una escultura de Manolete. La Facultad de Veterinaria de Córdoba  organizó la tercera Exposición de Arte Taurino en 1948, en la que Alice ganó el primer premio de escultura en un mundo de Hombres, contra todo pronóstico. El hijo de Alice regaló la escultura de Manolete al Ayuntamiento de Córdoba en el año 2008 para que estuviera en el Museo Taurino de Córdoba.

Alice fue una mujer fuerte y vivió situaciones difíciles solo por ser mujer. En todas las obras de arte en las que Alice representa a mujeres nos transmite su fuerza.

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Mi frase para definir la inclusión es: “Pienso que cada uno de nosotros somos un color que forma parte de una paleta de pintura llamada sociedad; cada uno de nosotros somos diferentes y crear es una manera de dar a conocer el valor de la diversidad”. Actualmente su exposición Los ciclos vitales se encuentra  en Biblioteca de Andalucia.

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Ana López Jiménez es una joven artista de Motril (Granada), diagnosticada de TEA cuando era niña. Graduada en Bellas Artes y máster en Producción e Investigación en Arte, Ana utiliza la expresión creativa como método de comunicación, para plasmar sentimientos que, en ocasiones, no puede expresar a través de las palabras.

Su mayor fuente de inspiración es la naturaleza, y precisamente en torno a ella que gira su próxima exposición, "Los ciclos vitales", que se inaugura el próximo 9 de febrero en la Biblioteca de Andalucía de Granada.

Testimonio de Ana López Jiménez

Soy una artista especializada en la pintura e ilustración que utiliza la expresión creativa como método de comunicación y sentimientos que no puedo plasmar en ocasiones a través de las palabras.

Me diagnosticaron trastorno del espectro autista (TEA) en la etapa de mi infancia y la creatividad ha sido uno de los factores que me han ayudado a comprender mejor el mundo que me rodea.

Comencé mi carrera artística en la Universidad de Granada, donde estudié un Grado en Bellas Artes y un Máster en Producción e Investigación en Arte en la facultad de Alonso Cano. Mi mayor fuente de inspiración es la naturaleza, en especial, los animales y los elementos que pasan desapercibidos o que muchas veces no nos paramos a disfrutar, como las flores, los insectos, las nubes o las hojas secas en el suelo.

Mi mayor objetivo es fomentar el valor de la inclusión y visibilidad de las personas con capacidades diversas a través de la creatividad, porque el arte es una herramienta que puede unirnos.

Mi frase para definir la inclusión es: "Pienso que cada uno de nosotros somos un color que forma parte de una paleta de pintura llamada sociedad; cada uno de nosotros somos diferentes y crear es una manera de dar a conocer el valor de la diversidad".

El próximo 9 de febrero inauguro una exposición en Granada, titulada "Los ciclos vitales". Se trata de una selección de obras creadas entre 2021 y 2023, que incluyen ilustraciones, pinturas y una pequeña instalación, donde la temática principal es el ciclo de la vida alrededor de la naturaleza.

Cráneos de animales, insectos, flores y plantas reflejan cómo el paso del tiempo hace su labor en todo lo que nos rodea, incitando a reflexionar sobre lo efímero. Porque el tiempo es la esencia del cambio, todos los cambios que se producen a nuestro alrededor son vitales y, a medida que pasa el tiempo, vamos tomando conciencia del camino que recorremos en nuestra vida.

(La exposición "Los ciclos vitales" de Ana López Jiménez podrá verse del 9 de febrero al 10 de marzo en la Biblioteca de Andalucía de Granada).
Autismo España no se hace responsable de las opiniones vertidas que se emitan en esta sección puesto que son de carácter personal, y no necesariamente reflejan la posición de Autismo España.

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Ana López: "El arte es una herramienta que puede unirnos"

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La artista granadina diagnosticada de autismo inaugura exposición el 9 de febrero.

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Ernestina de Champourán (pinchar aquí) : Poeta española nacida en Vitoria, Alava, en 1905. Su infancia transcurrió en Madrid donde además de cursar sus estudios se inició en la poesía y contrajo matrimonio con Juan José Domenchina, poeta también y secretario durante la guerra del presidente Manuel Azaña.
Fue discípula de Juan Ramón Jiménez y estuvo unida por estilo y amistad a los poetas de la Generación del 27.
De su obra hacen parte: "En silencio" 1926, "Ahora" 1928, "La voz en el tiempo" 1931 y "Cántico inútil" 1936.
En 1939 partió a México donde publicó posteriormente, "Poemas del ser y del estar" 1972, "Huyeron todas las islas" 1988,
y tras algunas antologías, un libro al filo de sus 90 años, "Del vacío y sus dones" en 1993 y "Presencia del Pasado" en 1996.
Sólo a partir de 1989 se inició el reconocimiento de su obra, con galardones tan importantes como el premio Euskadi de Poesía,
el Premio Mujer Progresista y la nominación al Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1992, y la Medalla al Mérito Artístico
del Ayuntamiento de Madrid en 1997. "Tú me quieres así:
Murió en Madrid en marzo de 1999.

María Teresa León, pinchar aquí: El gran poeta Rafael Alberti amó hasta el final de sus días a una mujer extraordinaria. Una mujer con la que compartió las penalidades de la guerra y el exilio pero también el amor por las palabras. María Teresa Goyri no fue, solamente, la mujer del poeta. Fue también, y sobre todo, una magnífica escritora de la Generación del 27 cuya obra, por desgracia, aún hoy no es ampliamente conocida. Nacida en un mundo culto y burgués, dejaría todos los lujos que tenía a su alcance y una vida acomodada para alcanzar el sueño de la intelectualidad.

Tenía solamente diecisiete años cuando contrajo matrimonio con Gonzalo Sebastián Alfaro, con el que tendría dos hijos y de quien se separaría antes de cumplir una década juntos. En aquel tiempo, María Teresa Goyri inició su carrera como escritora publicando artículos en el Diario de Burgos bajo el pseudónimo de Isabel Inghirami y que desterró poco tiempo después para firmar con su propio nombre. A punto de finalizar la década de 1920, publicaba su primera obra, Cuentos para soñar. Por aquel entonces, fue cuando María Teresa conocería al gran amor de su vida, al poeta Rafael Alberti, con quien se casó por lo civil en 1932.

Toda la obra que queda de Marga Gil son 26 figuras, que en realidad son 16, porque 10 son réplicas. "Son como fantasmas, grandes, duras, fuertes, de granito, vanguardistas... un crítico varón diría que viriles", apuntó la experta. Sus padres, antes de poner cualquier adjetivo, decidieron llevar a su hija de 15 años al taller del maestro Victorio Macho, precursor de la escultura contemporánea española, para que terminara de encaminar esas manos. "Macho no quiso adulterar con tácticas de manual el sofisticado talento de una damita con ramalazos de genialidad sin amarre", escribió Antonio Lucas en un delicioso perfil en El Mundo. Gil siempre fue autodidacta.

Nació en Vivero, Lugo, 5 de enero de 1902 murió en Madrid, 6 de febrero de 1995), fue una pintora surrealista española.2 Está considerada como artista de la generación de 1927 y una artista de la denominada vanguardia interior española

Maruja Mallo empezaría su carrera artística muy joven y ya con 20 años realizaría sus primeras exposiciones. Sería ese el momento de su traslado de Galicia a Madrid en el que tendría fuertes relaciones tanto intelectuales como personales con destacadísimos personajes de la época. Compartiría un vínculo profundo con los que habitaban aquella época en la Residencia de Estudiantes de Madrid (los ya citados Lorca y Dalí, a los que se suman Buñuel y Pepín Bello) y llegaría a tener una relación sentimental con Rafael Alberti, que sería fructífera para ambos pero caótica a la vez. La Revista de Occidente, fundada por Ortega y Gasset, le dedicaría una exposición en sus páginas a Maruja siendo esta la única que mostraría sus obras en la publicación. De tal envergadura era su figura, capaz de influenciar a los hombres de aquel momento que hoy día sí son ampliamente conocidos por todos.

nació el 3 de junio de 1898 en Valladolid. En 1908 se traslada a Madrid al barrio de Maravillas a vivir en casa de su abuela materna.

Hasta la muerte de su marido en 1977 continua alternando su residencia entre Río de Janeiro y Madrid, pero finalmente se traslada a Madrid. Durante los 80 sigue escribiendo y se dedica a rescatar sus obras. La Universidad de su Valladolid natal la hará Doctora Honoris Causa en esa época.

1907 Nace en Las Palmas de Gran Canaria. Es la menor de los seis hijos del matrimonio formado por Bernardo de la Torre y Comminges y Francisca Millares.

1942 Comienza su trabajo como actriz que se prolonga hasta 1945. Interviene en las películas: Primer Amor, musical dirigido por Claudio de la Torre, en ella sustituye, además, a su hermano Bernardo como ayudante de dirección; La blanca Paloma, también de Claudio de la Torre; Y tú ¿quién eres?, de Julio de Flechner; Misterio en la marisma, de Claudio de la Torre; El camino del amor, de José María Castellví; Una herencia en París, de Miguel Pereyra y La vida en un hilo, de Edgar Neville.
¿Hay algo más aburrido que ser una princesa rosa? ción. "Los niños y las niñas somos Iguales" "Un chocolate muy especial" "Mujeres Andaluzas en la historia" La Historia también la escriben Ellas DÍA DE LA MUJER TRABAJADORA: MUJERES PREMIO NOBEL CIENCIAS.wmv "¿Por qué no podremos ser nosotras sencillamente sin más, no tener nombre, ni tierra, no ser de nadie ni nada, ser nuestras, como son blancos los poemas y azules los lirios?", escribía Ernestina de Champourcín a Carmen Conde el verano de 1928. Quiero mirar estatuas

Iremos por las calles que ya nos vieron antes;
el aire distraído para que nadie sepa
que la historia prosigue con capítulos nuevos.

Quiero mirar estatuas, balcones encendidos,
volver a la baranda del beso y de la noche.
Quiero decir tu nombre en calles solitarias
sintiendo la cintura frágil bajo el abrazo.

Otra vez como ayer con tu verso en el vino,
otra vez a tus ojos en igual frente a frente,
otra vez, otra y otra. Para siempre otra vez.

El sentido del poema alcanza su plena claridad cuando dice: "no me recortes". Necesitamos ser queridos en lo más hondo de nuestro ser, donde se soportan el resto de nuestros accidentes y hasta de nuestras cualidades. Lo demás no es querer sino recortar.

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Día de la Mujer: "8 de marzo" "Visibles y Libres como plumas de colores". " Mujeres que crean, piensan, investigan, inventan, hacen deporte...miran, enseñan, aprende, actúan, sienten escribiendo la Historia con su Magia en Sororidad.

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¡UBUMTU!" "Yo soy Feliz, Si tu eres Feliz" "Si Tú eres Visible" Soy Carmen Seño de un Aula Increíble y Especial, entre muchas Aulas...

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Ernestina de Champourán (pinchar aquí) : Poeta española nacida en Vitoria, Alava, en 1905. Su infancia transcurrió en Madrid donde además de cursar sus estudios se inició en la poesía y contrajo matrimonio con Juan José Domenchina, poeta también y secretario durante la guerra del presidente Manuel Azaña.
Fue discípula de Juan Ramón Jiménez y estuvo unida por estilo y amistad a los poetas de la Generación del 27.
De su obra hacen parte: "En silencio" 1926, "Ahora" 1928, "La voz en el tiempo" 1931 y "Cántico inútil" 1936.
En 1939 partió a México donde publicó posteriormente, "Poemas del ser y del estar" 1972, "Huyeron todas las islas" 1988,
y tras algunas antologías, un libro al filo de sus 90 años, "Del vacío y sus dones" en 1993 y "Presencia del Pasado" en 1996.
Sólo a partir de 1989 se inició el reconocimiento de su obra, con galardones tan importantes como el premio Euskadi de Poesía,
el Premio Mujer Progresista y la nominación al Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1992, y la Medalla al Mérito Artístico
del Ayuntamiento de Madrid en 1997. "Tú me quieres así:
Murió en Madrid en marzo de 1999.

María Teresa León, pinchar aquí: El gran poeta Rafael Alberti amó hasta el final de sus días a una mujer extraordinaria. Una mujer con la que compartió las penalidades de la guerra y el exilio pero también el amor por las palabras. María Teresa Goyri no fue, solamente, la mujer del poeta. Fue también, y sobre todo, una magnífica escritora de la Generación del 27 cuya obra, por desgracia, aún hoy no es ampliamente conocida. Nacida en un mundo culto y burgués, dejaría todos los lujos que tenía a su alcance y una vida acomodada para alcanzar el sueño de la intelectualidad.

Tenía solamente diecisiete años cuando contrajo matrimonio con Gonzalo Sebastián Alfaro, con el que tendría dos hijos y de quien se separaría antes de cumplir una década juntos. En aquel tiempo, María Teresa Goyri inició su carrera como escritora publicando artículos en el Diario de Burgos bajo el pseudónimo de Isabel Inghirami y que desterró poco tiempo después para firmar con su propio nombre. A punto de finalizar la década de 1920, publicaba su primera obra, Cuentos para soñar. Por aquel entonces, fue cuando María Teresa conocería al gran amor de su vida, al poeta Rafael Alberti, con quien se casó por lo civil en 1932.

Toda la obra que queda de Marga Gil son 26 figuras, que en realidad son 16, porque 10 son réplicas. "Son como fantasmas, grandes, duras, fuertes, de granito, vanguardistas... un crítico varón diría que viriles", apuntó la experta. Sus padres, antes de poner cualquier adjetivo, decidieron llevar a su hija de 15 años al taller del maestro Victorio Macho, precursor de la escultura contemporánea española, para que terminara de encaminar esas manos. "Macho no quiso adulterar con tácticas de manual el sofisticado talento de una damita con ramalazos de genialidad sin amarre", escribió Antonio Lucas en un delicioso perfil en El Mundo. Gil siempre fue autodidacta.

Nació en Vivero, Lugo, 5 de enero de 1902 murió en Madrid, 6 de febrero de 1995), fue una pintora surrealista española.2 Está considerada como artista de la generación de 1927 y una artista de la denominada vanguardia interior española

Maruja Mallo empezaría su carrera artística muy joven y ya con 20 años realizaría sus primeras exposiciones. Sería ese el momento de su traslado de Galicia a Madrid en el que tendría fuertes relaciones tanto intelectuales como personales con destacadísimos personajes de la época. Compartiría un vínculo profundo con los que habitaban aquella época en la Residencia de Estudiantes de Madrid (los ya citados Lorca y Dalí, a los que se suman Buñuel y Pepín Bello) y llegaría a tener una relación sentimental con Rafael Alberti, que sería fructífera para ambos pero caótica a la vez. La Revista de Occidente, fundada por Ortega y Gasset, le dedicaría una exposición en sus páginas a Maruja siendo esta la única que mostraría sus obras en la publicación. De tal envergadura era su figura, capaz de influenciar a los hombres de aquel momento que hoy día sí son ampliamente conocidos por todos.

nació el 3 de junio de 1898 en Valladolid. En 1908 se traslada a Madrid al barrio de Maravillas a vivir en casa de su abuela materna.

Hasta la muerte de su marido en 1977 continua alternando su residencia entre Río de Janeiro y Madrid, pero finalmente se traslada a Madrid. Durante los 80 sigue escribiendo y se dedica a rescatar sus obras. La Universidad de su Valladolid natal la hará Doctora Honoris Causa en esa época.

1907 Nace en Las Palmas de Gran Canaria. Es la menor de los seis hijos del matrimonio formado por Bernardo de la Torre y Comminges y Francisca Millares.

1942 Comienza su trabajo como actriz que se prolonga hasta 1945. Interviene en las películas: Primer Amor, musical dirigido por Claudio de la Torre, en ella sustituye, además, a su hermano Bernardo como ayudante de dirección; La blanca Paloma, también de Claudio de la Torre; Y tú ¿quién eres?, de Julio de Flechner; Misterio en la marisma, de Claudio de la Torre; El camino del amor, de José María Castellví; Una herencia en París, de Miguel Pereyra y La vida en un hilo, de Edgar Neville.
¿Hay algo más aburrido que ser una princesa rosa? ción. "Los niños y las niñas somos Iguales" "Un chocolate muy especial" "Mujeres Andaluzas en la historia" La Historia también la escriben Ellas DÍA DE LA MUJER TRABAJADORA: MUJERES PREMIO NOBEL CIENCIAS.wmv "¿Por qué no podremos ser nosotras sencillamente sin más, no tener nombre, ni tierra, no ser de nadie ni nada, ser nuestras, como son blancos los poemas y azules los lirios?", escribía Ernestina de Champourcín a Carmen Conde el verano de 1928. Quiero mirar estatuas

Iremos por las calles que ya nos vieron antes;
el aire distraído para que nadie sepa
que la historia prosigue con capítulos nuevos.

Quiero mirar estatuas, balcones encendidos,
volver a la baranda del beso y de la noche.
Quiero decir tu nombre en calles solitarias
sintiendo la cintura frágil bajo el abrazo.

Otra vez como ayer con tu verso en el vino,
otra vez a tus ojos en igual frente a frente,
otra vez, otra y otra. Para siempre otra vez.

El sentido del poema alcanza su plena claridad cuando dice: "no me recortes". Necesitamos ser queridos en lo más hondo de nuestro ser, donde se soportan el resto de nuestros accidentes y hasta de nuestras cualidades. Lo demás no es querer sino recortar.

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Día de la Mujer: "8 de marzo" Mujeres "Diversas e Increíbles" Mujeres que crean, piensan, investigan, inventan, hacen deporte...miran, enseñan, aprende, actúan, sienten escribiendo la Historia con su Magia en Sororidad.

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Ernestina de Champourán (pinchar aquí) : Poeta española nacida en Vitoria, Alava, en 1905.

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El arte bruto, el arte marginal de post-guerra

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El arte bruto, el arte marginal de post-guerra

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Nació en 1886 en Lausana (Suiza). El sueño adolescente de Aloïse era ser cantante, le gustaba mucho la música de Handel, por lo que participó en el coro de la iglesia y tomó clases de canto. También comenzó a destacar por su talento para el dibujo y a los 18 años ganó el primer premio en un concurso por su interpretación libre de un jarrón egipcio. .

Hasta ese momento su vida transcurrió con normalidad, pero mantuvo un romance con un joven sacerdote. Como castigo, sus padres le enviaron a Alemania para trabajar al cuidado de dos niñas. Su siguiente trabajo fue hacerse cargo como institutriz de las hijas del rey Guillermo II. Allí se enamoró perdidamente del káiser.

En 1913 volvió a Suiza sin dar explicaciones de su regreso, coincidiendo con el comienzo de la gran guerra. Entonces su estado empezó a preocupar, comenzó a hacer públicas ciertas ideas pacifistas, lo que hoy sería visto como algo completamente normal, pero que entonces era algo extraño e inusual para una mujer. Participó en reuniones del partido socialista e hizo escritos de carácter religioso, donde expresaba su pensamiento sobre los delincuentes como víctimas.

Aparentemente, por una "ardiente" carta escrita al rey, y que nunca llegó a destino, fue la causante de su reclusión en una clínica psiquiátrica. Fue diagnosticada de esquizofrenia y confinada en un hospital en el año 1918 y del que nunca más volvió a salir.
Napoleón III en Cherburgo (1952 -1954)
Aloïse no sólo tenía una visión particular y una imaginación desbordante, para su desgracia los periodos de lucidez se hicieron cada vez más cortos y comenzó a hablar sola murmurando frases inconexas. En una carta mencionó el inicio de una actividad creativa que sin embargo, mantuvo en secreto: "Cojo el papel de la basura para garabatear (se refería a sus dibujos); escribo en secreto y a toda prisa ".

En la clínica llamaba "Princesa" a su compañera de habitación, "Madonna" y "Ángeles" a las enfermeras que la atendían y a las que a veces incluía en sus dibujos, transformándolas en hermosas mujeres con peinados complicados y vestidos de color rosa.

Gracias a su habilidad manual trabajó como costurera de trajes de enfermera y así comenzó a ser querida por sus cuidadoras, que le regalaron los materiales para poder dibujar.

Sus trabajos podían llegar a medir 10 metros, lo consiguió uniendo papeles con intención de cubrir todas las paredes y así crear su pequeño reino ficticio: un universo entero. Para realizar sus obras utilizó como pigmentos pétalos de flores, jugos de rosas silvestres, hojas verdes aplastadas, zumo de limones y naranjas, pasta de dientes... a los que añadió hilos y sedas.
Montreuse de tableau dans la bannière de Montreux (página de bloc de dibujo, detalle) (1941)
El doctor Hans Steck fue el primero en valorar seriamente el particular arte de Aloïse, la visitó hasta el final de su vida y logró resguardar la mayoría de sus escritos y dibujos. Como además era profesor de psiquiatría, presentaba como ejemplo muchos de los trabajos de los pacientes a sus alumnos, durante sus conferencias clínicas en las que participaba. Así fue como en una de esas presentaciones, a finales de 1930, Jacqueline Forel se enteró del trabajo de Aloïse .

Poco a poco su obra fue llamando la atención y no tardaron en llegar visitas relacionadas con el arte. Mientras avanzaba su rehabilitación compartiendo su vida con enfermeras y compañeros, siendo la encargada oficial de la decoración de cumpleaños y celebraciones, en las que también animó cantando ópera. Se preocupaba de que todo estuviera en orden tal como si fuera un baile real o un elegante espectáculo.

Como mujer culta que fue, sus dibujos citaban escenas históricas que incluían a Napoleón, Josefina, Maria Luisa, Cleopatra, Ramsés II, Tutankamón, fueron expuestos el año 1963 en el Museo de Bellas Artes de Lausanne y la muestra tuvo un fuerte impacto en el público. Aparte de algunos artículos y comentarios negativos relacionados con la psicosis de la artista, muchos visitantes quedaron impactados por sus obras e hicieron algunas solicitudes de adquisición.
Mythe Atalante lanza de pommes d'or (1946)
Antes de morir, Aloïse fue invitada a formar parte de la sociedad de mujeres pintoras del Art Brut de Suiza. Asistió a la fiesta convertida en una princesa que despertaba de su sueño. Falleció al año siguiente, el 5 de abril de 1964, tras pasar cincuenta y cinco años encerrada en un psiquiátrico. Se cuenta que de su garganta brotó en último suspiro un aria de Verdi.

La mayor parte de sus primeras obras fueron destruidas, hasta que finalmente fue descubierta por Dubuffet en 1947.
https://ricardoreinamartell.blogspot.com/2018/08/aloise-corbaz-la-emperatriz-de-los.html

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Nació en 1886 en Lausana (Suiza). El sueño adolescente de Aloïse era ser cantante, le gustaba mucho la música de Handel, por lo que participó en el coro de la iglesia y tomó clases de canto. También comenzó a destacar por su talento para el dibujo

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Hacemos un homenaje a algunas mujeres artistas que forman parte de la historia gracias a su esfuerzo, tenacidad y ganas de luchar.

Si hoy en día las mujeres siguen en situación de desigualdad respecto a los hombres en el mundo del arte, nos podemos imaginar por lo que tuvieron quepasar aquellas mujeres artistas de otras épocas. No solono se valoraba su trabajo, sino que en muchos casos ni siquiera estaban autorizadas para realizar según qué oficios.

Actualmente, todavía vemos que tanto la fama como el valor de las mujeres sigue permaneciendo en un segundo plano. Prueba de ello, son algunos estudios que aseguran que los trabajos de las mujeres artistas más cotizadas tienen un valor hasta 10 veces menor que los de sus compañeros varones.

Con nuestro artículo queremos homenajear a las representantes femeninas que han hecho historia en el mundo del arte, tanto por su destreza artística como por su desafío a los convencionalismos de su época, eminentemente machista. Además, también incluimos a las artistas contemporáneas mejor valoradas, que incluso a día de hoy siguen luchando, con el talento como arma, para que las mujeres consigan el hueco que merecen dentro del mundo del arte.

Mujeres artistas que han hecho historia: Frida Kahlo

Esta pintora mexicana combina en su obra, eminentemente personal, los estilos surrealista, naïf y folclórico. La vida de Frida Kahlo (1907-1954) estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta en 32 ocasiones. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera, en una relación que fue tan intensa como tormentosa. Su obra pictórica gira entorno a su vida y sufrimiento además de estar muy influenciada artísticamente por su marido. Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.

Yayoi Kusama

Nació en una familia de clase media alta y desde pequeña ya apuntaba maneras. Estudió en Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto pero este estilo le frustraba así que decidió probar con el avant-garde americano y europeo. En 1957 se instaló en Nueva York donde realizó una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto.

Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a adentrarse en el estilo Arte Pop con sus trabajos expuestos al lado de figuras tan representativas de este movimiento artístico como Andy Warhol o George Segal. Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y siendo mujer, se encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor valorados en el mundo del arte ostentando el número 34. En 2008, la casa de apuestas Christie'svendió en Nueva York, una obra de la artista por 5,1 millones de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.

Camille Claudel

Desde la infancia, Camille (1864-1943) fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia fue trasladada a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste Rodin, quiencayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.

La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista, ya que por decisión de su familia fue ingresada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.

Beatrix Potter

¿Quién no conoce los Cuentos Completos de Beatrix Potter? La escritora e ilustradora (1866-1943) creció en una familia de buena posición, victoriana y convencional. Su vida estaba encaminada a convertirse en esposa y madre pero desde pequeña tuvo claro que quería ser independiente. Se convirtió en una intelectual especializada en naturaleza e hizo varios estudios sobre líquenes, hongos y plantas que tuvieron que ser presentados por su tío ante el círculo de investigadores ya que a las mujeres no se les estaba permitido; misma razón por la que la autora no pudo estudiar en los Reales Jardines de Kew.

En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante los 8 años siguientes no dejó de escribir historias animadas. En 1905 se casa con el editor Frederick Warne, enfrentándose a la oposición de sus padres, aunque su marido falleció ese mismo año. Fue entonces cuando Beatrix compró la granja Top Hill en Escocia, la que se convertirá después en escenario de muchos de sus cuentos.

Tamara de Lempicka

Tamara de Lempick a (1898-1980) fue un pintora de origen ruso y gran exponente de la corriente Art Decó. Muchos son los adjetivos que podrían definirla: elegante, excéntrica, mundana... La artista vivió diez años en París, durante la época de 1920, muy felices ya que consiguió destacar por ser la retratista más importante del estilo Art Decó. En sus obras siempre se decantaba por la aparición de la figura femenina, la moda, el lujo y el erotismo.

Muchos la califican de femme fatale, bastante superficial y clasista ya que su indiferencia era evidente tanto en los ambientes culturales como por el movimiento feminista. Entre la aristocracia era de las artistas más codiciadas ya que se convirtió en retratista de moda para esta clase social e hizo portadas para la revista de moda alemana Die Dame; aunque poco a poco sus pinturas fueron perdiendo protagonismo ya que el gobierno nazi las consideró porno blando.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe (1887-1986) pertenece a la escuela modernista norteamericana. Estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel. En 1907 se trasladó a Nueva York para unirse a la Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matisse. La artista quería dar vida y expresión visual a sus emociones lo que le llevó a pintar abstracciones basadas en la naturaleza. Sus obras más conocidas son las pinturas de flores a gran escala como Black Iris (1926) así como sus series de cuadros, como por ejemplo, Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1946 se traslada a Nuevo México, lugar que había conocido en uno de sus viajes como artista. Durante los años 30 y 40 amplió su registro introduciendo a sus pinturas huesos y cráneos de animales.

Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una artista expresionista abstracta influenciada por la obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el movimiento de arte abstracto.

Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. La pintora desarrolló una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo. Dicha técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) consiste en licuar la pintura al óleo con aguarrás y dejar que la tela, todavía sin tratar, absorba para eliminar cualquier sensación tridimensional.

Asimismo, esta técnica inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo. Su obra más representativa es el cuadro de Montañas y mar.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010) fue una escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de araña, como la que mostramos en la imagen, hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de identidad y le han valido el apodo de la "mujer araña".

Precisamente, su obra Araña, según recientes informes publicados, se considera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares. A pesar de su amplia trayectoria con trabajos abstractos sus obras también se relacionan con la figura humana expresando temas como la traición, la soledad o la ansiedad. Una obra claramente autobiográfica y marcada por un trauma de la infancia causado por la relación de su padre con su niñera.

Leonora Carrington

Leonora Carrington (1917-2011) fue una pintora de origen inglés que se inicia en el mundo de la arte de la mano de Max Ernst. Nació en el seno de una familia rica de la industria textil y debido a los cuentos de hadas que le contaba su nana durante la infancia, su posterior obra estará más que influenciada por estas historias de fantasía.
Tras una rebelde adolescencia, en 1936 ingresa en la Academia de Amédée Ozenfantdonde comienza sus estudios de dibujo y pintura. Un año después será cuando conozca a Max Ernst, quien la introduce en los círculos del surrealismo.

Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939 se traslada a España y Portugal donde conoce a Renato Leduc, amigo de Picasso, con quien se casa, aunque este matrimonio durará tan solo 2 años.
En 1943 conoce a Edward James en México, mecenas de los surrealistas y máximo coleccionista de su obra. Allí vivió durante 43 años donde formó parte del movimiento surrealista y conoció a Frida Kahlo y Remedios Varo, convirtiéndose en grandes amigas. Su lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la psicología de Jung en mundos imaginados donde se mezclan sueño y realidad.

Natalia Goncharova

Natalia Goncharova (1881-1962) nació en una familia de alta burguesía rural y era biznieta de Alexander Pushkin. Comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.

Con su exposición Le Coq d'or de Diághilev dió el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.

Goncharova, al igual que el caso de Louise Bourgeois, es considerada una de las artistas femeninas mejor valoradas en el mundo del arte, y ejemplo de ello es la venta que se consiguió hacer de su cuadro Flores por 10,8 millones de dólares.

Berthe Morisot

Berthe Morisot (1841-1895) fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista. Nació en una familia de la alta burguesía y fue educada en el mundo del arte y la música. Disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social.

Fue modelo y amiga de Manet, y estuvo casada con el hermano del artista, Eugène. La artista tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés y expuso junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares. Por ello, se le considera la mujer artista mejor valorada del mundo del arte.

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) era hija de un banquero estadounidese que no veía con buenos ojos los intereses artísticos de su hija y se posicionó en contra de su carrera como pintora. Por fin, en 1861, Mery comienza sus estudios en la Academy of Fine Arts de Filadelfia donde adquiere un acento académico que más tarde la llevará al taller de Chaplin en París. Durante estos años le delata su gusto por el trabajo de Courbet, Velázquez o Rembrabdt. Pero es Degas quien la introduce en el mundo del Impresionismo, y aprende la técnica del grabado y los tonos pasteles. Es entonces cuando su estilo comienza a acercarse al de su propio maestro, así como al del artista Renoir.

Comienza entonces a trabajar por su cuenta y empieza a ser conocida sobre todo por sus series de niños y madres. Aunque la artista explora también otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres en sus obras. Una repentina pérdida de visión le hizo retirarse antes de lo esperado del mundo de la pintura, pero gracias a su trabajo el Impresionismo se introdujo en Estados Unidos.

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Mujeres artistas: 12 talentos que echaron un pulso a la historia

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Hacemos un homenaje a algunas mujeres artistas que forman parte de la historia gracias a su esfuerzo, tenacidad y ganas de luchar. Si hoy en día las mujeres siguen en situación de desigualdad respecto a los hombres en el mundo del arte, nos podemos imaginar por lo que tuvieron quepasar aquellas mujeres artistas de otras épocas.

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Traduction en espagnol par Pili Ospina Silvain de “Amateur d’Art, par Lunettes Rouges”. Andanzas por algunas exposiciones.

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La obra de la artista austriaco-romaní Ceija Stojka (Kraubath, Austria, 1933-Viena, Austria, 2013) supone un testimonio excepcional, tanto por su rareza como por su calidad artística, sobre el porrajmos, la persecución y genocidio de la comunidad gitana a manos de la Alemania nazi. Deportada a los diez años junto con su familia, Stojka sobrevivió durante la Segunda Guerra Mundial a tres campos de concentración y dio cuenta de su experiencia cuarenta años más tarde, entre 1988 y 2012, cuando emprendió un intenso ejercicio de memoria mediante la escritura, el dibujo y la pintura. La presente exposición ofrece un recorrido por el conjunto del corpus artístico de esta prolífica y autodidacta creadora organizado a través de una serie de secciones temáticas que permiten reconstruir las distintas situaciones que afrontó.

Mientras viajábamos
La artista nace en el seno de una familia gitana lovara, extenso linaje de mercaderes de caballos oriundos de Hungría y afincados en Austria desde hace varios siglos. En las obras que retratan su vida anterior a la guerra, Ein einfaches Rom Leben (Una vida sencilla de gitanos, 1995) o Idylle mit Bauernhof (Idilio con granja, 9.9.2002), entre otras, vemos escenas coloristas, con elementos recurrentes presentes durante la infancia de Stojka como el carromato, las gallinas y caballos, o la omnipresencia de la naturaleza y sus ciclos. El toque rápido y enérgico de las pinceladas está al servicio de un estilo tan expresivo como narrativo. En ocasiones, la autora espesa el pigmento con arena, reforzando la materialidad de la pintura y de su propio gesto. Algunos cielos rosas, anaranjados o violáceos que aparecen en estas idílicas secuencias parecen anunciar un tiempo crepuscular que, en su sentido metafórico, se alargaría durante largos años.

La caza
En 1941, debido a un recrudecimiento de las políticas nazis -que por entonces ya incluían la discriminación laboral, formativa y de circulación de la población gitana-, el padre de Stojka fue arrestado y deportado al campo de concentración de Dachau. El resto de la familia vivía de forma clandestina en el área forestal de Kongresspark, como nos recuerda por ejemplo en Ohne Title [RS: „Unsere Wiege war der Wohnwagen"] (Sin título [Reverso: "Nuestra cuna era el carromato"], 15.2.2003) y Sin título (15.3.2003), donde apenas se distinguen las miradas aterrorizadas de unas sombras encogidas tras una maraña de hojas y ramas. El reverso de estas obras está cubierto por dibujos a tiza y frases de ortografía insegura, en muchas ocasiones de transcripciones fonéticas de quien tuvo prohibida la escolarización. Por otro lado, sus dibujos caricaturescos - Nun. ist. es. aus. mit. euch. Heil - Wir kommen (Ahora. estáis. perdidos. Heil - Allá vamos) 1993-, atestiguan el humor feroz de la artista en sintonía con el estilo de artistas como Emil Nolde y otros miembros de la corriente expresionista alemana.

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Ceija Stojka | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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Ceija Stojka. Ceija Stojka (1933-2013) pintora autodidacta y narradora austriaca, es autora de una obra literaria y pictórica iniciada tardíamente, a partir de 1986. Stojka procede de una familia de comerciantes que sufrió tras la Anexión de Austria la persecución en razón de las leyes raciales nacional-socialistas, para acabar separada e internada en diversos campos de concentración.

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La muestra de la romaní Ceija Stojka en el Reina Sofía confirma la revalorización de la pintura autodidacta, naíf o de enfermos mentales

'Sin título', 1995. ceija stojka (mncars)

En el blanco del ojo de Ceija Stojka (Kraubath an der Mur, 1933-Viena, 2013) uno puede asomarse a los abismos del horror. Las tétricas alambradas de espino, las chimeneas escupiendo su humo negro, el cuervo que vaticina el peor de los augurios. Ese mismo ojo ha quedado reflejado en una de las pinturas de la artista, que también se intentó sacudir el dolor por medio de largos textos autobiográficos en los que describió el paso de una vida nómada y feliz a una existencia encadenada de torturas. Nacida en una familia romaní, Stojka vivió para contar el terror nazi. De un clan de 200 miembros, solo ella, su madre y cuatro de sus cinco hermanos lograron zafar milagrosamente el exterminio. El testimonio de esta creadora, el escrito y el representado en cuadros de factura enérgica, sobrecogedora, ha resultado sustancial para la posterior revisión del Holocausto más allá del pueblo judío.

La obra de Stojka se percibe hoy como canónica a pesar de que ella nunca recibió formación alguna. No tuvo maestros, ni mecenas, ni una carrera en el sentido más solemne del término: cuando empezó a pintar tenía ya 56 años y había criado a tres hijos. Sus primeros pinceles fueron sus dedos desnudos. Sus propias intuiciones, su guía. Antes situado en el anverso de esa brumosa noción de "cultura oficial", el trabajo de la artista gitana se celebra ahora con los mayores honores: el Museo Reina Sofía presenta su primera retrospectiva en España, Esto ha pasado, que permanecerá abierta entre el 22 de noviembre y el 23 de marzo de 2020.

La artista austriaca Ceija Stojka. christa schnepf

Stojka, que pasó por los campos de Auschwitz-Birkenau, Ravensbrück y Bergen-Belsen, no es la única artista marginal que se ha abierto hueco en los circuitos del mainstream. La Casa Encendida (LCE) de Madrid acoge hasta el 5 de enero de 2020 El ojo eléctrico, una colectiva comisariada por Antonia Gaeta y Pilar Soler que reúne obras de 41 de esos llamados pintores outsider desde principios del siglo XX hasta nuestros días: enfermos mentales, espiritistas, iluminados y solitarios instruidos por sí mismos que, en su radical diferencia, comparten imaginarios que abarcan auténticas cosmogonías, mundos maravillosos plagados de elementos mágicos y reveladores. "El de arte marginal es un término que podía tener sentido en su momento, pero ahora estoy en contra de su uso", dice Soler, que sitúa el momento de plena integración de estos creadores en la Bienal de Venecia de 2013, donde se expusieron piezas de Guo Fengyi, Anna Zemánková, Augustin Lesage y Eugene Von Bruenchenhein, todos presentes en la exposición de LCE, donde también despuntan nombres como el del hoy reconocido pintor suizo Adolf Wölfli.

"Los intelectuales ya comenzaron a interesarse por estos artistas a mediados del siglo XIX, en una época en la que había una crisis del racionalismo", abunda la comisaria Soler, que elucubra sobre el retorno a las mismas razones para explicar la renovada atención por estos artistas. Hans Prinzhorn, psiquiatra alemán, publicó en 1922 Expresiones de la locura: el arte de los enfermos mentales, una recopilación de pinturas de pacientes que fascinó a la vanguardia de Eluard, Picasso y Klee. En 1945, después de que Hitler presentara su exposición de Arte degenerado con piezas de "lunáticos" (su intención era propagar su idea de decadencia moral), el francés Jean Dubuffet acuñó el término de Art Brut para referirse a la plástica pergeñada por los locos. La designación se amplió después con la noción de lo "marginal" o " outsider" a otro tipo de creadores exóticos o naíf, que en España encuentra a uno de sus máximos exponentes en la figura de la campesina y pitonisa catalana Josefa Tolrá (1880-1959), cuya pintura esotérica y clarividente, que en su momento atrajo poderosamente la atención de los artistas de Dau al set, se conserva hoy en museos como el MACBA o el Reina Sofía.

el escultor y pintor francés Jean Dubuffet.

"Dubuffet demuestra que hay otras miradas más allá de lo europeo y de lo normativo: también están los niños, los marginados, incluso las mujeres, cuestiones que a día de hoy se han ampliado a unas visiones poscoloniales más abiertas, que tienen en cuenta las minorías raciales", ilustra José Miguel García Cortés, director del IVAM de Valencia, que hasta el 16 de febrero de 2020 exhibe una selección de piezas del escultor y pintor francés bajo el título de Un bárbaro en Europa. Como Soler, García Cortés insiste en que hablar de arte brut o marginal en nuestro tiempo carece del sentido que un día tuvo. "El arte no tiene que estar en un cajón", sentencia. "Me resisto a poner etiquetas". La pregunta sobre la legitimidad y la creciente desafección por tal clasificación ya se la hacía Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, en la presentación en 2010 -por primera vez en un museo de arte contemporáneo- de una antológica del jornalero mexicano Martín Ramírez (Tepatitlán, 1895-Auburn, 1963), autodidacta recluido buena parte de su vida en sanatorios estadounidenses. "¿Qué giros teóricos y conceptuales provocará la presentación de la obra en este marco? ¿Se comprende mejor su arte en relación con canales subterráneos que -excepcionalmente- se han convertido, para esta institución, en relatos principales destinados a contestar lo dominante?".

Artistas como los que conforman Debajo del sombrero, un colectivo integrado por personas con discapacidad intelectual, reafirman en la actualidad el cierre de la brecha entre los espacios creativos que antaño delimitaron el centro y la periferia. Andrés Fernández, uno de los componentes del grupo, expone estos días su trabajo en la colectiva (D)escribir el mundo. Aproximaciones a lenguaje y conocimiento, abierta hasta el 12 de febrero de 2020 en el MUSAC de León. "Los márgenes son siempre muy difusos, no hay una frontera clara", apunta el director de la institución y comisario de la muestra, Manuel Olveira, quien también subraya que rehúsa recurrir al prejuicio de "las categorías".

"Gente como Fernández o [la poeta] Mareva Mayo están en el MUSAC porque son artistas. Su trabajo es bueno: nace de un mundo interior que les empuja, y que ellos ejecutan con altas dosis de libertad, sin sujetarse a reglas", remata Olveira. Si ese impulso creativo desligado de las tendencias se mantiene como una de las pocas cualidades que sigue marcando la diferencia de estos creadores, otra podría ser una cierta desconexión del mercado: mientras algunos de los nombres históricos forman ya parte integral del entramado económico de la industria (como dice Soler, Adolf Wölfi es ya "un tótem"), otros modernos, como Fernández, "aunque no son amateurs, no tienen una carrera profesionalizada". "Algunas de estas personas no tienen interés ni probablemente consciencia de que hacen arte", resume el director del MUSAC. "Pero eso hace que tengan unas dosis de verdad muy potentes".

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Sobre la firma

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El arte marginal se coloca en el centro de los grandes museos

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La muestra de la romaní Ceija Stojka en el Reina Sofía confirma la revalorización de la pintura autodidacta, naíf o de enfermos mentales En el blanco del ojo de Ceija Stojka (Kraubath an der Mur, 1933-Viena, 2013) uno puede asomarse a los abismos del horror.

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Hoy se celebra el Día Mundial del Medio Ambiente, un día para meditar y tomar conciencia de la importancia de cuidar proteger nuestro entorno. ¿Y qué mejor que celebrarlo con un poco de LandArt y la obra de James Brunt?

El Land Art es una corriente que interviene y utiliza la naturaleza para crear esculturas, construcciones y unas atractivas y efímeras propuestas visuales.

James Brunt es un artista que utiliza la naturaleza para llevar a cabo sus creaciones. La naturaleza se convierte en el lienzo de este autor, pero también utiliza la naturaleza como material para construir sus diseños.

Este artista convierte palos, hojas y piedras en líneas y puntos con los que realiza unos interesantes dibujos y construcciones. Un ejemplo de que es posible crear unas fantásticas y bellas obras que respetan y le dan importancia que se merece al Medio Ambiente.

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Celebramos el día del Medio Ambiente con la obra de James Brunt - Esto no es arte

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Hoy se celebra el Día Mundial del Medio Ambiente, un día para meditar y tomar conciencia de la importancia de cuidar proteger nuestro entorno. ¿Y qué mejor que celebrarlo con un poco de LandArt y la obra de James Brunt?

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La gran sorpresa de la pintura actual, de la pintura más radicalmente contemporánea, es la irrupción de un género que se quería pretérito: el retrato. Y más en concreto, el retrato de grupo o coral, y más en concretísimo aún que este venga de la mano de artistas mujeres, y si seguimos aún tirando del hilo, que sean mujeres de lo que se venían considerando los márgenes : creadoras africanas o afroamericanas, de países latinoamericanos, inmigrantes en Gran Bretaña o Estados Unidos, donde no dejan de exponer en la Tate o en el Whitney neoyorquino. Ellas se pintan solas o acompañadas y lo hacen con la fuerza de su pincel o de su aguja y la estridencia de sus colores. Porque esto, también, va de color.

Y va porque es una evidencia. No se trata de un arte político en el sentido tradicional de la palabra, sino de presencia, o más aún, de comunidad. Y de identidad. Y de realidad: las creadoras quieren mostrar el mundo en el que se mueven, sus familias, sus amigos, sus tradiciones; están enraizadas en lo que les rodea y por eso lo pintan, en otros casos lo tejen y algunas lo fotografían, aunque se trata de un fenómeno, por así llamarlo, más pictórico. Sus retratos pueden ser individuales, de parejas, tríos, grupos o colectivos. Nada que ver con el narcisismo del imperio de la selfie, aquí no abunda el autorretrato, sino el individuo pero no como tal, sino como parte una comunidad.

Una pintura coral que da la vuelta al género y se hace también narrativa, para dar cabida a las escenas de la vida cotidiana convirtiéndose así en una renovada pintura de género. Y una pintura esencialmente figurativa que llega en el momento justo, porque como explica la artista estadounidense Emily Mae Smith, "vivimos una época propicia para el debate de lo que significa ser humano en un tipo de cuerpo u otro".

En este sentido, el retrato, individual o colectivo, es una de las formas en que las/os artistas responden a cuestiones como el género, la pertenencia a una étnica o la clase social. Figurativo no significa necesariamente realista, así, hay pintoras como Nina Chanel Abney que convierten las figuras en ideogramas, otras como Lynette Yiadom-Boakye las imaginan y un tercer grupo, como la colombiana Alejandra Hernández (1989) o la norteamericana Jordan Casteel (1989), las toman de su núcleo familiar o de conocidos.

Encontramos a artistas que buscan visibilizar a aquellas personas o colectivos que el arte suele dejar al margen, o los trata únicamente a través de lo conceptual o lo reivindicativo. Aquí lo reivindicativo consiste justamente en mostrarlos en igualdad de condiciones frente a quienes a lo largo de la historia del arte han inmortalizado sus rostros y cuerpos, las clases dominantes. Esta es la apuesta de Aliza Nisenbaum (1977), mexicana de origen judío y residente en Nueva York, quien durante años ha retratado a inmigrantes hispanos en Estados Unidos, en ocasiones miembros de diferentes generaciones. Artista consolidada, expondrá sus últimos trabajos a partir del 15 de noviembre en la Tate Liverpool.

"Vivimos una época propicia para el debate de lo que significa ser humano en un tipo de cuerpo u otro", explican las artistas

También en la Tate, en este caso Britain, se podrá ver a partir del 18 de noviembre la figuración más simbólica de Lynette Yiadom-Boakye (1977), londinense cuyos padres emigraron desde Ghana y que ha contribuido "al renacimiento de la pintura negra", como destacó el jurado que la seleccionó como finalista del premio Turner en el 2013. Al contrario que la mayoría de pintoras, sus figuras no se basan en personas reales, sino que las crea a partir de materiales encontrados, con una paleta de colores limitada a verdes, marrones y negros.

Bisa Butler (1973) también parte de materiales encontrados, en su caso fotografías, para sus telas, que han revolucionado la escena artística norteamericana desde la exposición de sus quilts en el Smithsonian; nacida en Estados Unidos de padre ghanés, Butler realiza una completa investigación de las personas de las fotografías para convertirlas en sujetos, "personas de la comunidad afroamericana en ámbitos de vida ordinarios que pueden haberse sentado para una reunión familiar".

Butler conecta con sus materiales textiles y combinaciones de colores con la tradición africana de su familia y la documentación de sus retratados "para que el espectador los vea como yo, como sujetos propios". A partir del 16 de noviembre sus retratos podrán verse en el Arts Institute of Chicago, que justamente acaba de comprar obra de esta artista, además de obra de Tschabalala Self (1990) y Amanda Williams (1974).

Self es otra de las artistas que está ganando enteros y cotización-fue seleccionada por la revista Forbes como una de las 30 creadoras más influyentes menores de 30 años-. Nacida en el Harlem neoyorquino, la suya es una reivindicación de la cultura afroamericana a través también de la figura, especialmente de la mujer. Más multitudinarias son las pinturas de Nina Chanel Abney (1982): estallidos de color en telas de grandes dimensiones que ya han entrado en los museos y han protagonizado exposiciones como en el Modern Art Museum de Forth Worth; con un estilo más narrativo, conecta el narcisismo de la sociedad actual con las redes sociales y la violencia en los barrios de color con la policial.

Desde una perspectiva menos abiertamente activista, Njideka Akunyili-Crosby (1983), Lubaina Himid (1954) y Toyin Ojih Odutola (1985) se centran en la intercomunicación de las personas. Nacida en Zanzíbar, Himid parte de una cita de la Nobel de Literatura Toni Morrison: Las escenas cotidianas de Crosby beben en su formalidad de la tradición artística occidental, para mostrar, en palabras de la artista, como la vida de los inmigrantes fusiona "No eres el trabajo que haces, eres la persona que eres", para enlazar el hecho de que en la historia del arte rara vez aparecen las figuras de color sin estar desempeñando un trabajo (Himid tendrá una exposición en la Tate Modern en otoño del 2021). identidades dispares. El mestizaje cultural también está tras la obra de Toyin Ojidh Odutola, quien sitúa a sus personajes de color en ambientes tradicionalmente considerados blanco s. Y es que el color ya no está cerrado en sí mismo.

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Las nuevas reinas del retrato: mujeres, diversas, deslumbrantes

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La gran sorpresa de la pintura actual, de la pintura más radicalmente contemporánea, es la irrupción de un género que se quería pretérito: el retrato.

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Esto no sorprende a nadie: la Historia del Arte está marcada por una intensa mayoría de hombres. La integración de las mujeres creadoras en el microcosmos artístico fue fruto de un proceso largo, tedioso y sobre todo injustificado: muchas mujeres se aventuraron, ya desde muy temprano, en el campo de la exaltación artística, sin que ningún hombre las invitara. Teniendo solo la calidad de sus logros para promover, estas mujeres a menudo tuvieron que persistir para obtener el reconocimiento que legítimamente tenían derecho a reclamar.

4. Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842): Intrepid Royalist

En el siglo XVIII, las mujeres tuvieron que redoblar sus esfuerzos para ser aceptadas en instituciones académicas y museísticas. A pesar de estas dificultades casi insuperables, Elisabeth Vigée Le Brun será considerada una de las más grandes retratistas de su tiempo , incluso por delante de la mayoría de sus homólogos masculinos. Esta hazaña le será posible gracias a una técnica y un estilo incomparables , mezclados con un sentido aprendido de las relaciones humanas .

Ya muy joven, muestra un claro talento para el dibujo . Su padre, un artista de pasteles poco conocido , apoyó las ambiciones creativas de su hija y muy rápidamente profetizó que ella se convertiría en una artista esencial. Desafortunadamente, murió cuando Elisabeth tenía solo 12 años: murió de sepsis después de tragarse accidentalmente una espina de pescado ( bienvenido a los placeres de la medicina en el siglo XVIII ).

Tras estos hechos, el artista prodigio sigue los aprendizajes de varios profesores de dibujo, hasta incorporarse al estudio de Gabriel Briard, en el Palais du Louvre . Aunque la legitimidad de las mujeres en el arte académico aún no era unánime en ese momento, Elisabeth se encontró sorprendentemente bien rodeada y conoció a muchas personalidades masculinas inspiradoras y motivadoras en los pasillos de la institución reina de la capital.

Grial entre todos los griales, desea a toda costa integrar la muy conservadora Real Academia de Pintura , que rechaza mecánicamente a las mujeres. Gracias a una asombrosa combinación de circunstancias, finalmente fue admitida allí, en particular gracias al apoyo de poderosas personalidades de la Corte Real , incluida María Antonieta , la reina, que convirtió a Isabel en su retratista oficial.

Aunque se beneficia de una garantía no oficial de su inducción a la academia, todavía decide realizar un cuadro de recepción , una especie de examen de admisión generalmente necesario para ingresar a la institución. Ella lo sabe: son solo las miradas masculinas muy conservadoras , tradicionalistas que previamente negaron su admisión, las que se encargarán de comentar su obra.
La lógica, por tanto, querría que optara por una composición estandarizada, un retrato bonito, junto con su técnica impecable, que tendría así todas las posibilidades de convencer a un jurado recalcitrante. A pesar del sentido común, y con cierta alegría, decide pintar una Historia ( La Paix recuperando la Abundancia), y se permite incluir un pecho descubierto , mientras que los desnudos académicos estaban expresamente reservados a los hombres . Una forma para que ella trastorne las convenciones con grandes golpes de técnica implacable y relaciones de alto nivel.

A lo largo de su vida, pintó mucho, principalmente retratos y algunos autorretratos. Volverá a marcar la historia del arte en 1786 , cuando realizó un exótico autorretrato con su hija , Julie. En esta obra, vemos la primera sonrisa real ( con dientes visibles ) del arte occidental . Al mostrar sus dientes de esta manera, Elisabeth Vigée Le Brun atraerá muchas iras críticas , que luego la acusarán de una seducción escandalosa : no hizo falta mucho para ofender a los reaccionarios de la época.

A pesar de sus éxitos y controversias, un período ligeramente conflictivo socavará la brillantez de su carrera: es la Revolución en Francia , y Elisabeth, sus hábitos burgueses y sus asociados no son muy bien considerados por los insurgentes. Por tanto, debe exiliarse : primero en Italia, luego en Austria y finalmente en Rusia. Durante cada uno de sus viajes, forja vínculos con las familias imperiales burguesas, su reputación y su talento le sirven de pasaporte europeo.

Pasará su vida haciendo lo que le plazca: pintar, disfrutar de los excesos de la mundanalidad y romper las polvorientas convenciones establecidas por el tiempo y el ego masculino. Esta es una trayectoria de vida particularmente inspiradora, ¿no es así?

3. Niki de Saint Phalle (1930-2002): el rechazo del patrón tradicional

Niki de Saint Phalle en su estudio, 1961.

Es el artista más contemporáneo de este ranking. Es principalmente conocida por sus monumentales Nanas : esculturas femeninas revestidas, voluptuosas y danzantes. Sin embargo, reducir su contribución artística solo a estas esculturas sería un error. De hecho, ha dejado atrás un universo proteico y subversivo , compuesto por obras feministas, pinturas de performance y películas psicoanalíticas.

Nació en 1930 en Neuilly-sur-Seine , durante la Gran Depresión. Sus padres, que sufrieron mucho por la caída de la bolsa de valores de 1929, navegan entre Francia y Estados Unidos. Hasta los 4 años, vivió con sus abuelos en la campiña francesa y luego se fue para reunirse con sus padres en Nueva York.

Cuando tenía solo 11 años, su padre la violó. Profundamente traumatizada por este hecho, no lo admitió hasta 1994, a los 64 años, en un libro autobiográfico titulado " Mi secreto ". Luego explicará que este incidente incestuoso forjó su voluntad de convertirse en artista , considerando el arte como una especie de terapia reconstructiva: "La pintura calmó el caos que agitaba mi alma y le dio una estructura orgánica a mi vida [...]. ".

Niki de Saint Phalle, Nana de pie negra , 1995.

En 1953, tras una profunda depresión seguida de una recuperación artística , decide dedicarse de lleno a la pintura para exorcizar sus demonios .

3 años después, conoce a Jean Tinguely , una artista visual especializada en autómatas y esculturas en movimiento, que a su vez se convertirá en su amiga , su amante , su marido , su mentora , su colega y su musa . A través de ella, conoce e integra a los Nuevos Realistas , un movimiento artístico fundado en la década de 1960, compuesto por artistas todavía muy famosos en la actualidad, como Yves Klein y Arman .

En ese momento, el éxito todavía no estaba realmente allí . Fue en 1961, cuando produjo su primera serie de Shoots , cuando comenzó a ser reconocida internacionalmente , gracias a los escándalos vinculados a esta nueva forma de crear, muy contemporánea , incluso demasiado contemporánea para algunos. Esta serie consta de " pinturas-performances " : primero prepara grandes paneles de yeso esculpidos decorados con objetos de todo tipo ( muñecos, crucifijos, bustos antiguos, máscaras de carnaval, muebles pequeños, etc.), luego agrega botes de aerosol y globos llenos de pintura . Finalmente, cuando esta instalación está completa, dispara un rifle a los paneles, detonando los globos de pintura y los botes de aerosol, que así esparcen el color arbitrariamente sobre toda la superficie inicialmente inmaculada .

Más que una simple técnica original, escenifica sus tomas utilizando diferentes dispositivos, en particular involucrando a sus amigos famosos (entre ellos Jasper Johns , Robert Rauschenberg o Jean Tinguely ), y realizando sus sesiones de rodaje frente a las cámaras de televisión , que popularizarán estas actuaciones suscitando controversias .

Para Niki, esta no es una simple experiencia artística , es una vez más y siempre una forma de exorcizar sus demonios. Luego asegura disparar " sobre la sociedad y sus injusticias ", llegando incluso a invocar a los responsables de su violento resentimiento antes de apretar el gatillo: " Papá, todos los hombres, los pequeños, los grandes, mi hermano, el la sociedad, la iglesia, el convento, la escuela, mi familia, mi madre, yo mismo (...). " .

Al usar su arte como catalizador de sus profundos sentimientos, se las arregla para trascenderse a sí misma. Se involucró en la política y rápidamente se convirtió en un ícono de la independencia femenina, de la abolición de los dictados de la belleza y del sometimiento al modelo patriarcal . Murió en 2002 a la edad de 71 años, habiendo logrado la hazaña de haber permanecido honesta, fiel a sus ideales, al tiempo que inspiraba a toda una generación de mujeres en la lucha por su emancipación.

Ella resumirá su lucha de la siguiente manera: " Tenemos Black Power, así que ¿por qué no Nana Power? El comunismo y el capitalismo han fracasado. Creo que ha llegado el momento de una nueva sociedad matriarcal. "

2. Frida Kahlo (1907-1954): inclasificable e impasible

Lo adivinaste: es imposible establecer un ranking de los artistas más atrevidos sin mencionar a la ilustre Frida Kahlo . Aquí, no volveremos atrás en su trágica trayectoria vital, pero si el tema te interesa, te recomendamos que leas nuestro Artículo sobre los Artistas Malditos .

Después de pasar por una dolorosa enfermedad , un violento accidente , una severa depresión y sobrevivir a una relación tan tóxica como inspiradora con el artista Diego Rivera, la vida de Frida Kahlo no fue un largo río en calma . Sin embargo, la artista mexicana logró superar este cúmulo de mala suerte para convertirse en el ícono de la libertad y emancipación femenina que conocemos hoy.

Para ilustrar su temperamento agudo y liberado de las convenciones sociales y artísticas , queríamos volver aquí a su especial relación con los surrealistas franceses y europeos en general. Este período de su vida es uno de los menos conocidos, pero sin embargo es muy interesante.

A lo largo de la década de 1930, los surrealistas y, en particular, el fundador del movimiento, André Breton , se interesaron por la obra de Frida, a quien consideraron falsamente partidario del movimiento. En 1938, André Breton viajó a México para dirigir una serie de conferencias sobre pintura europea. Él y su esposa son recibidos por la pareja Kahlo-Rivera. Muy rápidamente, Frida enfrió el ardor entusiasta de Breton , sin reconocerse en la corriente surrealista tal como se le presenta: " Me tomaron por surrealista. No es justo. Nunca pinté sueños. Lo que representé fue mi realidad. " .

Esta diferencia de concepción artística será la primera piedra de un edificio de odio construido paulatinamente por el artista mexicano frente al egocentrismo de los surrealistas europeos.

En 1939, Frida fue a París para una exposición que destacaba el arte mexicano. Se quedó con André Breton y conoció a muchos artistas influyentes como Picasso o Kandinsky .
Este viaje no le conviene en absoluto: encuentra la capital gris, desalmada y muy sucia . Sobre todo, poco a poco aprende a odiar a sus contemporáneos surrealistas , y considera que la exposición, por la que cruzó el Atlántico, está " invadida por este montón de cabrones caprichosos que son los surrealistas ". La alta sociedad parisina obviamente no es su taza de té.

En correspondencia con uno de sus amantes, llegó incluso a decir estas palabras: " Prefiero sentarme en el suelo en el mercado de Toluca a vender tortillas que tener algo que ver" con esos artísticos gilipollas de París ... Nunca he visto a Diego ni a ti perder el tiempo en esta estúpida charla y discusiones intelectuales . Por eso son hombres de verdad y no artistas de mierda. ¡Maldita sea! Valió la pena venir aquí solo para entender por qué Europa se está pudriendo, por qué todos estos incompetentes son la causa de todos los Hitler y Mussolini . ".

Un temperamento ácido para una mujer que evidentemente nada tenía que ver con la superficialidad y las convenciones intelectuales muy europeas. Un personaje fuerte que merece la pena destacar.

1. Artemisia Gentileschi (1593-1652): Venganza en el pincel

Artemisia Gentileschi, Autorretrato en alegoría de la pintura, 1638-1639.

Si hay un artista en este ranking que ha sufrido particularmente de un séquito formado por muchas masculinidades tóxicas , ese es Artemisia Gentileschi .

La historia empezó bien para esta joven italiana. Aspirando a convertirse en artista desde temprana edad, fue animada por su padre , Orazio Gentileschi, pintor y compañero de bebida del muy famoso y no menos controvertido Caravaggio . A pesar de un clima académico muy conservador y angustioso para la creación artística femenina, Orazio hizo todo lo que estuvo a su alcance para que su hija, que ya demostraba grandes dotes compositivas , pudiera practicar y acceder a instituciones hasta entonces reservadas a los hombres.

A pesar del sentido común, reclutó a un paisajista dudoso pero conocido en ese momento, Agostino Tassi , para compartir sus conocimientos técnicos con su hija. Sin embargo, es sospechoso de robo , incesto e incluso asesinato . Este personaje, tan carismático como tóxico, un pervertido narcisista del Renacimiento , consumirá paulatinamente a la joven prodigio prometiéndole matrimonio ( en ese momento, solo una mujer casada podía establecerse como artista ), luego por ella. . Esta mascarada terminó en 1612, cuando el padre de Artemisia decidió llevar el caso a los tribunales. Su verdugo está condenado , pero la reputación del joven pintor se ve empañada para siempre por las acusaciones de este último: durante varios siglos, hablaremos de una mujer lujuriosa con " moral corrupta ". Como lo resume hábilmente Simone de Beauvoir : "Nadie es más arrogante con las mujeres, más agresivo y despectivo que un hombre preocupado por su virilidad. "

Liberada de esta personalidad dañina, Artemisia aprovecha para exteriorizar su odio a través de los pinceles . En 1615, produjo dos alegorías de Judith decapitando a Holofernes . Esta escena bíblica ya había sido objeto de varias representaciones escandalosas, incluida una de su maestro espiritual, Caravaggio . Aquí, además de una realización técnica impecable y un dominio impresionante del claroscuro , encontramos un mensaje secreto , una amargura ilustrada: bajo los rasgos del rostro decapitado de Holofernes, reconocemos a su ex verdugo , Agostino Tassi. La luminosa Artemisia decide por tanto vengarse del hombre que le causó tantos males, marcando así para siempre en la historia del Arte el rostro repulsivo de este innoble criminal . Aparte de este resentimiento manifestado, la obra denota y hace temblar a la gente: retrata a una mujer seductora, peligrosa y armada . En ese momento, la iglesia todavía era muy estricta: portar un arma era un privilegio reservado para hombres, nobles, caballeros heroicos. Aquí se exhibe una mujer decidida, venenosa y poderosa , que tenía el don de espantar a hombres , curadores de todo tipo, y en particular pintores y contemporáneos de Artemisia. Rápidamente será comparada con Judith : tanto la pintora como la heroína bíblica quedan marginadas , porque han roto el estereotipo femenino en una sociedad eminentemente patriarcal .

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes , 1612-1614.

Tras el juicio, la artista lesionada encuentra un marido real, lo que le permite seguir haciendo lo que ama: pintar . Este matrimonio no es realmente feliz, pero salva el honor de su padre. Queda embarazada y cría sola a su hija durante unos años, su marido se encuentra en el exilio, buscado por la policía.

Su estilo Caravaggio, todavía innovador en ese momento, le aseguró ingresos modestos y éxito, pero suficiente para vivir decentemente. Luego se convirtió en la primera mujer en unirse a la Academia de Dibujo de Florencia . El resto de su vida está bastante pobremente documentado, y carece de fuentes escritas, pero parece que lleva una vida mucho más pacífica que cuando comenzó. Será olvidado durante casi 300 años, hasta su redescubrimiento en el siglo XX . Ahora está legítimamente establecida como pionera del feminismo y todo su trabajo es reconocido en todo el mundo.

Evidentemente, esta clasificación está lejos de ser exhaustiva . También podríamos haber hablado de la impresionista Mary Cassatt , que dedicó toda su vida a su arte, sin dejarse seducir por un solo hombre para mantener su independencia en todas las circunstancias , considerándola fundamental para mantener la calidad de su proceso creativo. . También podríamos haber evocado a Catharina van Hemessen , que en 1548 realizó, no sin dificultad, el primer autorretrato femenino de la Historia del Arte . O incluso la artista contemporánea Louise Bourgeois , que exorcizó las costumbres luminosas de su padre que afectaron su infancia a través de esculturas monumentales tan oscuras como sobrecogedoras. En cualquier caso, todas estas mujeres extraordinariamente motivadas nos recuerdan que la autoconfianza es el rey en la tierra de las convenciones sociales y las fatalidades tradicionalistas .

Hoy, afortunadamente, estos obstáculos al desarrollo artístico de la mujer están desapareciendo cada vez con mayor rapidez , a pesar de una persistente infrarrepresentación en las instituciones museísticas . En la creación contemporánea, por ejemplo, hay casi tantos hombres como mujeres.
En Artmajeur, estamos orgullosos de representar el trabajo del 55% de las mujeres , entre 180.000 artistas presentes en el sitio. En este sentido, le recomendamos que descubra nuestra Colección destacando a los Creadores Talentosos de nuestra plataforma .

No existe una predestinación lo suficientemente fuerte como para no ser aniquilado : sé tú mismo, haz lo que quieras y nunca escuches a los que dudan de tus habilidades cuando tu intuición te lleva por caminos alejados del conformismo de tu tiempo. Las líneas están destinadas a moverse, las fronteras deben cruzarse.

Bastien Alleaume Gerente de contenido - Artmajeur Online Art Gallery

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4 mujeres extraordinarias que revolucionaron la (muy patriarcal) historia del arte

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Esto no sorprende a nadie: la Historia del Arte está marcada por una intensa mayoría de hombres. La integración de las mujeres creadoras en el microcosmos artístico fue fruto de un proceso largo, tedioso y sobre todo injustificado: muchas mujeres se aventuraron, ya desde muy temprano, en el campo de la exaltación artística, sin que ningún hombre las invitara.

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El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben.

La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de féminas. Han sido las modelos y musas. Las protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de todas las épocas. Ahí están las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus, las bailarinas de Degas o las prostitutas de Touluse-Lautrec. Son solo algunos ejemplos evidentes porque mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman los lienzos que cuelgan de ellas.

Cuenta Manuel Jesús Roldán en ' Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte' ( Almuzara) que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. " Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños", escribe en esta obra que recopila 'anécdotas' artísticas como aquellas obras cumbres del arte que en su momento fueron rechazadas y censuradas, los primeros selfis hechos al óleo, las facetas más escabrosas de algunos creadores y, sobre todo, recupera el nombre y la historia de varias de las artistas más importantes pero aún así olvidadas.

"Su existencia fue ciertamente reducida en muchas épocas, pero hay un buen número de nombres de mujeres que, en cada etapa de la historia, alcanzaron una fama y un reconocimiento público que fue posteriormente silenciado", escribe Roldán. Mujeres que no aparecen en los libros de arte ni suenan en el imaginario colectivo por culpa, apunta, del concepto de Historia del Arte procedente del siglo XIX, "centuria en la que se vetó especialmente la independencia creadora de la mujer por la moral burguesa reinante, relegó al género femenino a una condición hogareña casi exclusiva, marcando un canon casi exclusivamente masculino en las primeras publicaciones dedicadas al Arte". Una discriminación que, además, se estandarizó cuando se crearon los grandes museos europeos. Tampoco ayudó la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir: "la mujer artista es sencillamente ridícula".

¿El resultado? Un visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas. Empezando por Ende, considerada la primera pintora de la historia, una copista encargada de iluminar códices en el siglo X que ya firmó entonces "Ende pintrix et Dei aiutrix" (Ende, pintora y sierva de Dios) el manuscrito del 'Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana' o por Hildegarda de Bingen, una monja benedictina que fue pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura y que ya fue silenciada en su propia época. Roldán recopila el nombre de 14 mujeres imprescindibles de la Historia del Arte que no se queda en las más conocidas como Frida Kahlo o Camille Claudel.

El nombre de Sofonisba Anguissola quizás sea uno de los que más puedan sonar porque es la única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado. Esta pintora renacentista cosechó muchos éxitos en su época. Miguel Ángel alabó su obra, Giorgo Vasari la incluyó en su diccionario con 133 biografías de artistas (todos hombres menos la escultora Properzia de Rossi y su mención), se hizo famosa en Italia, Van Dyck la retrató y fue pintora de la Corte de Felipe II ( un retrato suyo del monarca está en el Prado), sin embargo como era mujer no podía firmar sus obras, motivo por el cual muchas fueron atribuidas a hombres. 'La partida de ajedrez' es uno de los pocos cuadros que tiene su rúbrica, pero otras como 'La dama del armiño' hoy siguen generando debate sobre si es obra de su mano o de la del Greco.

También en la Italia del siglo XVI Lavinia Fontana fue una cotizada retratista, pero no solo por su reconocimiento sino que se convirtió en pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII y también trabajó para el Palacio Real de Madrid. Quizás es la pintora más exitosa del Renacimiento y el Barroco, una pionera que realizó cuadros de desnudos de hombres y mujeres (en la época los estudios de anatomía estaban vetados para las mujeres) y en la conciliación: su marido dejó el trabajo para ocuparse de la casa y sus 11 hijos mientras ella sustentaba la economía familiar con sus pinturas.

Mientras que ambas nacieron en ambientes artísticos, la vida de Judith Leyster fue complentamente distinta. Esta artista holandesa del XVII era hija de un cervecero y la pintura apareció como un oficio necesario para sobrellevar las penurias económicas de la familia. Influida por Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, su maestro, y la pintura caravaggista apenas hay una cincuentena de obras conservadas de ella porque dejó el arte cuando se casó, pero hoy sigue observándonos directamente a los ojos desde la Galería Nacional de Arte de Washington mientras pinta a un violinista.

Otro de los grandes nombres del Barroco fue el de Artemisia Gentileschi, una pintora que "llegó a gozar de un notable consideración en la Italia del Setecientos aunque su fama decreció tras su muerte, llegándose al más profundo olvido de su obra un siglo más tarde" en parte por la dispersión, la pérdida y las malas atribuciones. Fue la primera mujer admitida en la selecta Academia del Disegno florentina, lugar donde consiguió el mecenazgo de los Medici. La Galería de los Uffizi muestra una de sus obras, de clara influencia caravaggista, más reconocidas: 'Judith decapitando a Holofernes'. En ella se representó en los rasgos de Judith y se vengaba de su preceptor artístico y agresor sexual, Agostino Tassi, retratándole como Holofernes. Le llevó a un juicio por violación y, aunque fue desterrado, ella sufrió torturas y un humillante examen ginecológico para demostrar su inocencia. Es, para muchos, la primera pintora feminista de la historia y este año Roma le ha dedicado una gran exposición.

En el mismo siglo en España despunta la sevillana Luisa Roldán, hija del mejor escultor de segunda mitad del XVII de la capital hispalense y más conocida como La Roldana. Dominó la talla de madera y barro, fue escultora de cámara de Carlos II y Felipe V y suyas son tallas como 'Entierro de Cristo', que se exhibe en el Met de Nueva York, o el gran 'San Miguel Arcángel' del Escorial. A pesar de su profusa actividad pasó muchas dificultades económicas y a su muerte su nombre también cayó en el olvido.

La mujer que puso rostro a Goethe o Reynolds fue Angélica Kauffman, una pintora suiza neoclásica que alcanzó una gran fama en el siglo XVIII al igual que la francesa Marie Loise Elisabeth Vigée Lebrun, una de las retratistas más cotizadas de la época. "No aparecerá en los libros de Historia del Arte pero sí en los de Historia Universal: retrato a toda una corte de personajes cuyas cabezas acabarían cortadas en la guillotina de la Revolución Francesa", explica Roldán. Pintó, por ejemplo, a Lord Byaron o a María Antonieta hasta en 35 ocasiones. El primer retrato se lo hizo con solo 23 años.

En el misógino siglo XIX hay nombres propios ya más reconocibles como los de Berthe Morisot, Mary Cassat y Marie Bracquemond, las tres mujeres de primer nivel que formaron parte del Impresionismo, al igual que la escultora Camille Claudel. Las vanguardias del siglo XX tampoco trataron mejor a sus creadoras. Aunque Frida Khalo, Georgia O'Keefe, Berthe Moristot, Sonia Delaunay (de la que se puede ver actualmente una exposición en el Museo Thyssen de Madrid) o Tamara de Lempicka son más conocidas, en el ostracismo han quedado nombres numerosos nombres como los de Sophie Taeuber Arp, Lenora Carrington, Lee Krasner, un auténtico referente del expresionismo abstracto siempre a la sombra de Pollock, su marido, o Florine Stettheimer, la mujer que hizo el primer autorretrato desnuda de la historia del arte.

Tampoco puede faltar entre las mujeres pioneras y a rescatar de la Historia del Arte el nombre de la española Maruja Mallo. Desterrada de los libros, fue una de las grandes surrealistas -el propio Dalí la calificó como "mitad ángel, mitad marisco"-, además de una mujer comprometida políticamente con la difusión del arte. Fue parte de la Generación del 27, colaboró con las Misiones Pedagógicas republicanas y tuvo que exiliarse a EEUU y Argentina durante la Guerra Civil y la dictadura. "Es una de las creadoras de las que quizá se conozca más su anecdotario (su rebelión contra el uso del sombrero, sus provocaciones anticlericales o el empleo de pantalones prestados, 'soy la primera travesti', para acceder a un edificio religioso) que su propia obra", explica el autor del libro. Cometió, como la definió María Zambrano, " uno de los errores más destructivos e imperdonables: ser libre ". El mismo que todas estas mujeres empeñadas en desmentir esas palabras de Bocaccio que decían que "el arte es ajeno al espíritu de las mujeres".

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Ellas, las mujeres que fueron borradas de los libros de Historia del Arte

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El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico.

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En los últimos tiempos, los estudios feministas nos han hecho ver la realidad con otros ojos. Investigadores (o quizás deberíamos decir investigadoras) de los más variados campos del saber se han preocupado por la situación de la mujer y de su historia, ofreciendo un nuevo enfoque y presentándonos una realidad hasta hace poco desconocida. Cosas que hasta ahora nos parecían incuestionables de repente ya no nos lo parecen tanto. Así, por ejemplo, cuando nos acercamos a la historia del arte no podemos evitar preguntarnos dónde están las mujeres.

En un primer momento, lo primero que pensamos es que no se conocen las mujeres artistas simplemente porque no las hubo. En una sociedad tradicional en la que la mujer quedaba relegada al ámbito doméstico y a las labores de crianza, no eran pocas las dificultades con las que se encontraba una mujer que quisiera algo diferente. En efecto, la sociedad transformaba a las mujeres en esposas y madres y esperaba que ellas cumplieran su papel con obediencia y sumisión. Sin embargo, hubo excepciones, hubo mujeres que lograron superar esas barreras, desarrollar una profesión y dedicarse a su vocación, aunque en ocasiones eso les supuso tener que renunciar a otras muchas cosas.

Entonces, si ciertamente hubo casos de mujeres creadoras, ¿por qué no se las conoce? Porque las mujeres no solo han tenido que enfrentarse a la sociedad machista de su tiempo, sino también a la sociedad machista de los tiempos que las siguieron y en esa lucha ya no han salido tan vicotoriosas (al menos hasta hace poco). El arte de las mujeres simplemente ha sido ignorado. La razón principal para ello es que se ha considerado, sistemáticamente, un arte inferior. Las mujeres artistas siempre han sido vistas como copistas e imitadoras, pero no como creadoras.

Cuando se pensaba en el arte de las mujeres se pensaba en el arte femenino como una categoría en sí misma. Es decir, por un lado estaba el ARTE (con mayúsculas) de los hombres y por otro el de las mujeres, al que se le atribuia unas características propias. Así, por ejemplo, el arte hecho por las mujeres era considerado dulce, suave, sensible, sentimental, etc., por el hecho de estar realizado por una mujer. Se creía que el arte hecho por mujeres tenía más en común entre sí, a pesar de la distancia temporal que las separaba, que con los creadores de su tiempo.

Pero ¿no influiría en todo esto las barreras impuestas por los hombres a las mujeres artistas? Lo cierto es que una mujer, una vez había decidido desarrollar su carrera artística, se encontraba con ciertas barreras insalvables. Por ejemplo, aunque podían acceder a las escuelas para formarse, hasta finales del siglo XIX tenían vedado el acceso a las clases de desnudo (excepto en alguna escuela particular). Privada de esta formación, la mujer se veía forzada a abandonar temáticas tan importantes como la mitológica y la histórica y limitarse al paisaje, los bodegones, las flores y el retrato. De este modo, los géneros considerados más importantes y los que permitían que un artista fuera considerado un genio, quedaban exclusivamente en manos de los hombres.

Debemos asumir que nuestra historia es una historia de hombres construida por hombres, que simplemente ha ninguneado a la mujer. Considerada inferior, la mujer parece que no merecía pasar a los anales de la historia. De este modo, aquello que estudiamos como la Historia Universal del Arte, no es más que una mirada sesgada de la realidad, una mirada masculina, occidental, burguesa y basada en la genialidad individual. Desde luego no son pocas las revisiones de la historia que podrían hacerse.

¿Te vienes a una charla en Feeding Art?

Sobre todo esto y mucho más hablaremos el jueves 12 de marzo a las 19:00 en la galería Feeding Art de Madrid. ¡Os esperamos!

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¿Por qué no hay mujeres en la historia del arte? | Croma Cultura

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En los últimos tiempos, los estudios feministas nos han hecho ver la realidad con otros ojos. Investigadores (o quizás deberíamos decir investigadoras) de los más variados campos del saber se han preocupado por la situación de la mujer y de su historia, ofreciendo un nuevo enfoque y presentándonos una realidad hasta hace poco desconocida.

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La española Ana Peláez, primera mujer con discapacidad en el comité de la ONU contra la discriminación de la mujer

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La española Ana Peláez, primera mujer con discapacidad en el comité de la ONU contra la discriminación de la mujer

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La española Ana Peláez, primera mujer con discapacidad en el comité de la ONU contra la discriminación de la mujer

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Ha recibido el respaldo de 153 de los 193 Estados miembros de Naciones Unidas y ha sido la segunda más votada de los doce nuevos miembros de la CEDAW

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El artista francés llamado Jean Dubuffet fue quien acuñó el término inglés Art Brut para referirse al arte que fuera creado por todas aquellas personas sin previa preparación académica. Todo arte creado fuer de los límites oficiales de la cultura, sería conocido desde entonces como Art Brut desde 1945.

Más tarde, en 1972, el crítico de arte llamado Roger Cardinal traduciría tal concepto inglés para denominarlo arte marginal, acuñando los mismos términos empleados por Dubuffet.

¿Qué es el Art Brut o Arte Marginal?

Todas aquellas personas ajenas al mundo artístico sin previa formación académica, pero creadoras de arte, serian la principal referencia para incluirlas dentro del arte marginal. Estas obras reflejan la más pura creatividad, sin ningún tipo de contaminante externo a causa de la imitación de modelos o normas preestablecidas.

El mismo Dubuffet afirmaba que todos los seres humanos llevamos dentro de nosotros un creativo potencial, el cual suele estar anulado a causa de las normas sociales. Tales representaciones artistas son desarrolladas por sujetos que se mantienen al margen de la sociedad, especialmente autodidactas, individuos internos en hospitales psiquiátricos, ancianos e inadaptados.

¿Quién era Jean Dubuffet y qué hizo para determinar el Art Brut?

Jean Dubuffet fue un escultor y pintor francés, uno de los más representativos del siglo XX. Se influenció por el libro Artistry of the Mentally II de Hans Prinzhorn para acuñar el término Art Brut a todas aquellas muestras artísticas realizadas sin normas previas estéticas, especialmente por enfermos mentales, niños, prisioneros, ancianos, etc.

El artista francés formó una colección de arte propia en la que incluyó algunos artistas como Adolf Wölfli, Aloïse Corbaz y Alfredo Pirucha, entre otros, los cuales formaban parte de este grupo de personas fuera de normas sociales y academias de arte.

Lo que Dubuffet pretendía fundar un arte completamente libre de todas aquellas preocupaciones intelectuales; todo esto a partir de la formación de figuras pueriles y elementales, generalmente crueles.

Su principal inspiración giraba en torno a los dibujos creados por los niños, dementes y criminales para la creación de su propia obra. En 1948 fundó Compagnie d'Art Brut junto al crítico de arte francés Michel Tapié, y al escritor y poeta francés André Bretón (uno de los principales exponentes del Surrealismo), entre otros.

La colección que recogió más de 5.000 obras

Esta colección propiciada por Dubuffet para recolectar obras de Art Brut, logró alcanzar a 5mil obras. Muchas de ellas se expusieron en el Musée des Arts Decoratifs de París en 1967, siendo esta la primera vez.

Este sería el principio para una nueva forma de arte; logró instalarse de forma definitiva en el año 1976 en Ch âteau de Beaulieu de Lausanne, un castillo ubicado en Suiza. Esta colección se formó a partir de obras realizadas en su mayoría por enfermos psiquiátricos, en especial esquizofrénicos.

¿Art Brut propio de enfermos mentales?

Considerando que la mayoría de las obras que formaban parte de dicha colección fueron realizadas por enfermos mentales, cuando se hablaba de Art Brut se relacionaba con un arte psiquiátrico simplemente, cosa que Dubuffet rechazaba completamente, diciendo que "no existe un arte de locos".

El Art Brut o arte marginal se constituye de manera fundamental al primitivismo, asumido así durante el siglo XX por diversos artistas que subsistían al margen de la modernidad. Se fundamenta principalmente de la ignorancia hacia toda tradición cultural, es decir la ausencia de cualquier tipo de formación artística.

Se trata de obras no encasillables, si se quiere, caracterizadas por su rasgo político en cuanto a la abstención de toda comercialización. Esta es precisamente una de las reglas fundamentales del arte marginal, su carácter no lucrativo.

En este sentido se puede decir que, a pesar de que sus máximos exponentes fueron pacientes psiquiátricos, no son el todo del Art Brut. Sino más bien la expresión fuera de toda normatividad social para la creación de un arte más libre.

Principales exponentes del arte marginal

A pesar de que el Art Brut o arte marginal se saltó toda normatividad académica en torno al arte, lo que también la obra de carácter anónima también entraba dentro de esta tendencia, sí existieron algunas personas, artistas marginales, que formaron parte de la colección reunida por Dubuffet, y que al mismo tiempo fueron algunos de los máximos exponentes.

Reunir todas estas obras traían consigo la idea de crear una suerte de anti-museo, donde algunos exponentes resaltaron tales como Adolf Wölfli, Aloïse Corbaz, Jules Doudin, pacientes del Dr. Ladame, el prisionero de Bâle, entre otros. De muchos de ellos poco se tiene información; sin embargo, miraremos un poco sobre tres de ellos.

Efectivamente, existieron algunos artistas de la historia del arte que pasaron algún periodo en el psiquiátrico, como fue el caso de Leonora Carrington, pero no por ello es considerada como una artista marginal, o Art Brut. No por haber estado en un centro para enfermos mentales lo hace determinante, sino por carecer de preparación previa académica en torno al arte.

Adolf Wölfli (1864 - 1930)

Adolf Wölfli nació en Berna, Suiza, el mismo lugar en el que falleció. Es uno de los máximos exponentes del Art Brut o arte marginal, destacó como un dibujante prolífico. Fue huérfano desde que tenía diez años, pasando una infancia muy dura y traumática, en especial porque también fue abusado sexualmente.

Desde entonces, pasó sus años de infancia en orfanatos. Al crecer, pasó a estar en el ejército por un periodo de tiempo muy corto, esto porque fue acusado de abuso infantil, razón por la que iría a prisión. Cuando finalmente lo liberan de prisión, le acusaron nuevamente de un acto similar, así que le ingresaron en un hospital psiquiátrico, donde estaría hasta su muerte.

Algunas de las reacciones que tuvo en el psiquiátrico no solo trataba de un comportamiento agitado y violento, sino de alucinaciones. Fue entonces cuando comenzó a dibujar. A pesar de que no se conservan sus primeros dibujos, si se tienen alrededor de 50 de ellos realizados entre 1904 y 1906.

Fue uno de los médicos de la Clínica Waldau uno de los primeros en interesarse por los trabajos artísticos de Wölfli, publicando por primera vez en Un paciente psiquiátrico como artista en 1921, un libro del médico llamado Walter Morgenthaler. A lo largo de su vida dentro del psiquiátrico, fueron muchos sus trabajos artísticos realizados, así como impresionantes.

En 1908 Adolf Wölfli comenzó a redactar un libro que sería una suerte de autobiografía en la que narra diversos episodios de su vida. Sin embargo, estos son mezclados con pasajes inventados. Llegó a escribir alrededor de 25mil páginas y más de mil quinientas ilustraciones en 45 volúmenes. Después de su muerte en 1930 se creó una fundación para preservar sus trabajos, los cuales fueron enviados al Museo de Bellas Artes de Berna, donde se encuentran aún hoy.

Jules Doudin (1884 - 1946)

Jules Doudin también nació en Suiza, pero Payerne. Así como Wölfli, tuvo una infancia marcada por una tragedia. Tenía nueve hermanos, pero su padre, quién era zapatero, se suicidó cuando éste tenía once años. Sin su padre, debía mantenerse, así que dejó la escuela y comenzó a trabajar en diversas actividades, siendo en uno de ellos un empleado ferroviario.

Cuando tenía 23 pasó por una ruptura amorosa que lo dejaría devastado, refugiándose en el alcohol. Gracias a este episodio sus cambios de humor se intensificaron, siendo tan violento que terminó internado en el hospital psiquiátrico universitario de Cery en 1910. En ese lugar lo diagnosticaron como esquizofrénico.

Sin embargo, logró escaparse en diversas oportunidades, hasta que quince años más tarde comenzó a dedicarse a fabricar bolsas dentro del psiquiátrico, junto a otros pacientes, para distintos establecimientos de la ciudad. Cuando tenía poco más de 40 años comenzó a robar algunos papeles que servían para la fabricación de aquellas bolsas, pero con la intención de dibujar en ellos.

De esta manera comenzó a crear distintos personajes a los que acompañaba de la escritura. Su robo se convierte en el soporte de su producción gráfica, la cual realiza durante varios meses hasta que finalmente la interrumpe completamente.

Sus composiciones fueron creadas con lápiz en su mayoría, algunas con tinta, y otras pocas con lápiz de color. Realizó tanto autorretratos, como personajes fantásticos y animales, en su mayoría acompañados de anotaciones.

Aloïse Corbaz (1886 - 1964)

Una de las pocas mujeres hoy conocidas en el mundo del arte marginal es Aloïse Corbaz, quien nació en Lausana, Suiza. Su sueño siempre fue ser cantante de ópera, aunque solo logró obtener un trabajo de sastra tras concluir el bachillerato. Más tarde, consiguió trabajar en la corte del káiser alemán Guillermo II como institutriz y profesora.

Este trabajo sería el que la llevaría a un hospital psiquiátrico en 1918, ya que se enamoró y obsesionó por el káiser de tal manera, que vivía en una apasionada fantasía de la que solo su imaginación era testigo. De esta manera es diagnosticada como esquizofrénica.

Dos años después de haber sido internada, comenzó a escribir poesía y a dibujar en secreto. Tristemente, gran parte de sus primeros trabajos fueron destruidos. No es hasta 1936 que por primera vez la médica Jacqueline Porret-Forel y el médico Hans Steck se interesaron por su trabajo.

Sin embargo, no es hasta 1947 que Dubuffet descubre su trabajo. Se trata de una obra llena de erotismo, en la que generalmente representó a mujeres hermosas, con prominentes curvas y cabellos que flotan, generalmente con un militar que les seduce. Empleó colores muy vívidos (sin intención de confundirlo con el Arte Naif, es completamente diferente), representando flores para llenar el espacio.

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¿Qué es el Art Brut o Arte Marginal? Ruptura de los límites de la cultura oficial

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El artista francés llamado Jean Dubuffet fue quien acuñó el término inglés Art Brut para referirse al arte que fuera creado por todas aquellas personas sin previa preparación académica. Todo arte creado fuer de los límites oficiales de la cultura, sería conocido desde entonces como Art Brut desde 1945.

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🌸 Neurodomingo 2021.12

El fotógrafo Leon Borensztein (izquierda) muestra a la artista Judith Scott el retrato que le tomó en 1999.

-Arte y trisomía 21-

Judith Scott (1943-2005), fue una escultora norteamericana. Nacida con síndrome de Down , no tuvo oportunidad de desarrollar el lenguaje verbal, pues llegaron muy tarde a detectar que una escarlatina durante su primera infancia le había causado una sordera .

Sus padres quisieron que fuera a una escuela de educación especial, pero no fue admitida. Así que cuando Judith cumplió siete años, se vieron obligados a internarla en una institución estatal separándola de su hermana gemela, Joyce. Las ideas eugenésicas de entonces aún siguen haciendo mucho daño.

En el internado seguían sin detectar su sordera, todas sus dificultades se atribuyeron a la trisomía 21 y se pensó que nada podía hacerse por ella.

A los cuarenta y dos años Judith seguía sin lenguaje hablado, pero entonces su hermana consiguió su tutela legal y la llevó a vivir con ella a California. Pensó que sería buena idea que asistiera al Creative Growth Art Center en Oakland, y realmente lo fue. Allí, Judith descubrió el arte como medio de expresión .

Judith Scott abraza su trabajo, 1999, foto: Leon A. Borensztein

Sus esculturas , hechas de hilos y cuerdas que envuelven y unen distintos objetos, llamó enseguida la atención de la crítica que valoró su elevada expresión individual al margen de influencias culturales. Judith Scott está considerada una artista independiente (outsider) cuya obra, de renombre internacional, forma parte de las colecciones de museos de arte moderno de todo el mundo, como el MOMA de Nueva York.

En el año 2006 Lola Barrera e Iñaki Peñafiel le dedicaron un largometraje documental, ¿Qué tienes debajo del sombrero? .
Ver el documental completo
Síndrome de Down o trisomía 21

El síndrome de Down , trisomía 21, está causado por un cromosoma extra. En vez de 46 cromosomas, las personas con síndrome de Down tienen 47.

Esto causa discapacidad cognitiva, en la mayoría de las personas con síndrome de Down, además de diferentes problemas de salud, como la sordera de Judith, que deben detectarse precozmente. Para ello hay un programa específico de seguimiento de la salud en el síndrome de Down porque, detectados a tiempo, muchos de estos problemas tienen tratamiento y pueden evitarse complicaciones.

La discapacidad cognitiva tiene que ver con las características del cerebro con síndrome de Down.

Atención Temprana

Hoy sabemos que separar a los niños con discapacidad de sus familias tiene un impacto muy negativo en su neurodesarrollo.

El pronóstico cognitivo del síndrome de Down cambia drásticamente si se proporciona la atención temprana que necesita. Esto se hace evidente si comparamos la competencia cognitiva de las personas con trisomía 21 de hoy en día con las de hace cincuenta años. El caso de Judith Scott es un claro ejemplo de ello.

Pero además, muchas personas con síndrome de Down alcanzan en la actualidad una independencia nunca imaginada . Como sociedad, debemos respetar y proteger su proyecto de vida igual que el de cualquier otra persona.

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Judith Scott, la valía del síndrome de Down - neuronas en crecimiento

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🌸 Neurodomingo 2021.12 -Arte y trisomía 21- Judith Scott (1943-2005), fue una escultora norteamericana. Nacida con síndrome de Down, no tuvo oportunidad de desarrollar el lenguaje verbal, pues llegaron muy tarde a detectar que una escarlatina durante su primera infancia le había causado una sordera.

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El Arte de Judith Scott. Diversa e Increíble.

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El Arte de Judith Scott. Diversa e Increíble.

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Fen Mugüerza, Escultora y Ceramista gallega

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Fotografía de LEON A. BORENSZTEIN

Judith Scott fue una artista visual con Síndrome de Down y sordera profunda, que alcanzó el reconocimiento mundial por sus esculturas de fibra enigmáticas.

Teje sus esculturas como un insecto.

Atrapa, anuda y envuelve en lana.

La intensa vida de Judith Scott se puede resumir en dos colores: el negro y el blanco.

El negro fueron sus primeros 36 años que vivió en el más absoluto aislamiento.

El blanco queda reflejado en el reconocimiento, a su muerte en marzo de 2005, como una de las principales representante del arte Outsider o Arte marginal.

El Outsider es un arte creado fuera de los límites de la cultura oficial, realizado por artistas autodidactas y que desarrollan su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos.

Estos artistas no tienen ninguna pretensión de obtener reconocimiento, ni de ganar dinero, ni de complacer a nadie...

Judith Scott nació el 1 de mayo de 1943, en la ciudad de Cincinnati, Ohio. Sin embargo, a diferencia de su melliza Joyce, ella llegó al mundo sordomuda y con Síndrome de Down. Curiosamente su melliza Joyce no tuvo este rasgo genético, aunque si padeció de escarlatina, lo que debilitó por completo su audición.

Pero a ambas las unió un vínculo mucho más fuerte que sus limitaciones: el arte. Ambas encontraron en el arte un medio de liberación que les permitió crear un tipo de arte bastante singular, creativo y hasta enigmático.

A los 36 años Joyce lleva a su hermana al Creative Growth Art Center in Oakland, California.

Creative Growth es un centro de arte imaginativo donde las personas con dificultades mentales o psicológicos se dan total libertad artística. Joyce Scott lo describe como 'alegre'.

Durante casi dos años, Judith no respondía; no le gustaba la pintura, la escultura o la costura.

Sin embargo, un taller de arte de fibra textil con el artista Sylvia Seventy cambió todo eso. Finalmente Judith había descubierto algo que amaba, y lo que es más, algo por lo que ella tenía un talento innato.
Ella comenzó espontáneamente envolver trozos de madera en forma de fibras, hilos y telas y creó sus primeras piezas.

A partir de entonces no se detuvo. Estaba constantemente creando. Su proceso fue errático e instintivo.

Ella envolvía hilo y lana alrededor de cualquier cosa que pudiera tener en sus manos; se apropió de revistas, sillas e incluso una rueda de bicicleta.

Rápidamente se convirtió en una fuente de comunicación para Judith, después de haber sido verbal y socialmente "bloqueada" durante la mayor parte de su vida.

Tom di Maria, director de Creative Growth, cree que fue finalmente "aprendiendo a hablar". Sus primeras piezas fueron sus primeras palabras.

Judith Scott inició una tradición obras donde juega de manera intensa con hilos y largas tiras de tela, las cuales envuelven a diversos cuerpos y objetos, como si estos hubieran caído en una telaraña.

El empleo de dicha técnica, le permitió ganar el título de la mujer araña, dado la evidente similitud de cada escultura con el modo en que las arañas envuelven a sus presas para conservar sus nutrientes y luego devorarlas lentamente.

Y sí, al igual que las arañas tejen con un tipo de material flexible pero realmente fuerte y versátil, Judith consiguió producir obras que se inmortalizarán para la posteridad, lo que a su vez le dio el merito de ser reconocida como una de las escultoras más famosas de los Estados Unidos.

Esta es una de sus obras más representativas "Twins" (Gemelas)

En ella podemos observar dos cuerpos que insinúan la misma apariencia de dos maniquíes: una obra donde ambos cuerpos parecen abrazarse, o bien, pelean de manera torpe sin llegar a lastimarse. Pero en medio del sentimiento que evocan los dos cuerpos, existe una infinidad de gruesos hilos de tela que unifica a la pareja.

La diversidad de los colores de los hilos hace que la obra adquiera un sabor que va más allá de la simplicidad y le otorga una gran originalidad. Lo más seguro es que la obra evoque a la relación de ambas hermanas, que deben luchar frente a sus limitaciones genéticas, mientras intensifican su voluntad para crear obras de muy buena calidad y que suscitan reflexión.

Mientras tanto, existe otra amplia colección de figuras con igual porte humano donde ésta se asfixia en medio de tantas fibras, al mismo tiempo que evoca una sensación pura de tratarse de un cadáver embalsamado por los hilos de una araña enorme.

En 1999, la primera exposición de su trabajo coincidió con el lanzamiento del libro de John MacGregor M etamorfosis: El Arte de la fibra de Judith Scott.

Esto ayudó a que su trabajo llegase a un público mucho más amplio y la empujó al reconocimiento internacional como artista 'Outsider'. Sin embargo su discapacidad fue secundaria a su arte y su trabajo fue reconocido por sus propios méritos.

Judith se convirtió en la primera artista con Síndrome de Down que se presentó en el Museo de San Francisco del arte moderno. Su trabajo todavía se puede ver en las colecciones permanentes en la ciudad de Nueva York, París y Londres.

Judith Scott falleció en 2005. Murió en los brazos de su hermana Joyce.

"Tener a Judy como gemela ha sido el más increíble regalo de mi vida", dijo Joyce. " La única vez que sentí una especie de felicidad absoluta y una sensación de paz estaba en su presencia."
Joyce actualmente trabaja como defensora de las personas con discapacidad, y se dedica a establecer un estudio y taller para artistas con discapacidad en las montañas de Bali, en honor de Judith.
"Mi mayor esperanza sería que haya lugares como Creative Growth por todas partes y así a las personas que han sido marginadas y excluidas se les daría la oportunidad de encontrar su voz", dice Joyce.

"Creative Growth Art Center" es una institución artística, no un centro de terapia. Se fundó en 1974 y desde entonces los discapacitados que allí acuden han producido cerca de 450.000 piezas.

Les puedes seguir a través de Vimeo https://vimeo.com/channels/cgac

Basándose en ese modelo se creó en España una asociación "Debajo del Sombrero" que es una plataforma para la creación, investigación, producción, y difusión de arte donde sus principales protagonistas son las personas con discapacidad intelectual.

Esta asociación se creó a raíz de un documental realizado en 2006 sobre la historia de Judith Scott. Aquí puedes ver la historia:

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El arte puro de Judith Scott | Blog de Fen Mugüerza escultora y ceramista

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Fotografía de LEON A. BORENSZTEIN Judith Scott fue una artista visual con Síndrome de Down y sordera profunda, que alcanzó el reconocimiento mundial por sus esculturas de fibra enigmáticas. La intensa vida de Judith Scott se puede resumir en dos colores: el negro y el blanco.

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Bienvenidos/as al canal de you tube de la Agrupación Cordobesa de Discapacidad Intelectual. Está agrupación nace para ayudar a personas con dicha discapacidad y a sus familias. Una agrupación dónde vamos a intentar luchar por un mundo donde haya cabida para todos/as y por que se reconozcan los derechos de las personas que la padecemos.

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Entrevista a Maria Dolores, ACDI Córdoba

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Entrevista a Maria Dolores, ACDI Córdoba

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Ana Peláez. Activista, extremeña, «Como feminista, mi vocación es defender los derechos de la mujer con discapacidad» 

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Ana Peláez. Activista, extremeña, «Como feminista, mi vocación es defender los derechos de la mujer con discapacidad» 

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Ana Peláez: "Como feminista, mi vocación es defender los derechos de la mujer con discapacidad"

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Su trayectoria es abrumadora, su entusiasmo al hablar de la lucha por la igualdad es un ejemplo y el empeño personal en normalizar la discapacidad acaba de hacer historia.

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Gaby Brimmer. México. Parálisis cerebral, Gabriela luchó por la libertad, por estudiar en centros de estudios normalizados y por acceder a un nivel máximo en los estudio, pues ingresó a las carreras de sociología y periodismo en la Universidad Nacional Autónoma de México 

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Gaby Brimmer. México. Parálisis cerebral, Gabriela luchó por la libertad, por estudiar en centros de estudios normalizados y por acceder a un nivel máximo en los estudio, pues ingresó a las carreras de sociología y periodismo en la Universidad Nacional Autónoma de México 

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Este lunes, Google compartió un doodle dedicado a Gabriela Brimmer. Acá te contamos quién fue.

Gabriela Brimmer, la mujer a la que Google le dedica su doodle este lunes, fue una poetisa mexicana nacida con una parálisis cerebral tetrapléjica grave que le impedía cualquier movimiento o expresión menos su pie izquierdo.

Gaby con Florencia, su cuidadora.

Gabriela "Gaby" Raquel Brimmer (12 de septiembre de 1947 - 2 de enero de 2000) fue una escritora y activista mexicana por las personas con discapacidad. Nació en la Ciudad de México, hija de Sari y Michel Brimmer, inmigrantes judíos austríacos. Tenía un hermano, David.

Gaby nació con parálisis cerebral y desde pequeña aprendió a actuar en un mundo que tiene dificultades para aceptar la diversidad. La cuidadora de Brimmer, Florencia Sánchez Morales , fue en gran parte responsable de enseñarle a comunicarse. La vida de Brimmer fue narrada en la película Gaby: A True Story . En 1979, su autobiografía en español Gaby Brimmer, en coautoría con Elena Poniatowska, fue publicado por Editorial Grijalbo en la Ciudad de México. Una versión en inglés traducida por Trudy Balch apareció en 2009.

El pilar de Gaby

La mujer que la cuidaba, Florencia Sánchez Morales, fue quien descubrió sus posibilidades comunicativas y que le sirvió de apoyo, de voz y de cuerpo. Gabriela luchó por la libertad, por estudiar en centros de estudios normalizados y por acceder a un nivel máximo en los estudio, pues ingresó a las carreras de sociología y periodismo en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Gabriela Brimmer.

Florencia Sánchez Morales aprendió a leer y escribir, a conducir un coche, a soportar las discriminaciones de una sociedad injusta con las mujeres indígenas y con los discapacitados para lograr las pretensiones de Gabriela y durante 50 años la sostuvo, ayudó y habló por ella.

La historia verdadera de Gaby

Brimmer solo podía escribir en la máquina de escribir con un dedo del pie izquierdo, la única parte de su cuerpo que podía controlar. En 1971, fue aceptada en el departamento de Ciencias Sociales y Políticas de la Universidad Nacional Autónoma de México como estudiante de Sociología, pero no se graduó.

Aprendiendo a usar su pie izquierdo para escribir.

A pesar de su severa discapacidad se hizo visible en su sociedad, Gabriela se convirtió a partir de los años ochenta en un ejemplo de lucha para el movimiento por los derechos de las personas con discapacidad, publicó libros e hizo guiones para el cine, y el mismo cine reprodujo su existencia.

Su pie izquierdo fue su motor.

"Gaby, una historia verdadera" es el nombre la película que trata sobre su vida, una persona que a pesar de tener una parálisis cerebral que le impedía cualquier movimiento corporal salvo el del dedo gordo del pie izquierdo, se enfrentó con maestros, familias, amistades y sociedad y finalizó sus estudios secundarios y llegó a la universidad.

Gaby Brimmer

Legado de Gaby Brimmer

Gaby fundó una organización de personas con discapacidad, conocida como Asociación para los Derechos de Personas con Alteraciones Motoras ( Adepam ) (en inglés, Association for the Rights of People with Motor Disabilities) y participó activamente en muchas otras organizaciones.

Brimmer trabajó para la plena participación de las personas con discapacidad y al mismo tiempo logró escribir poesía. Su mensaje a las personas con discapacidad era que repensaran sus formas de vivir olvidando los límites impuestos por los demás.

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Quién fue Gabriela Brimmer, la poetisa mexicana nacida con parálisis cerebral a quién Google le dedicó su doodle

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Gabriela Brimmer, la mujer a la que Google le dedica su doodle este lunes, fue una poetisa mexicana nacida con una parálisis cerebral tetrapléjica grave que le impedía cualquier movimiento o expresión menos su pie izquierdo.

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Hellen Keller. Estados Unidos . Sordo-ceguera,  conquistó al mundo. Este mundo y su complejidad nos demuestra a diario que nuestras quejas como humanos ordinarios son totalmente insignificantes al lado de los problemas reales de otras personas. Creer que no somos capaces de hacer cualquier cosa se vuelve un completo mito gracias a seres extraordinarios como Helen Keller.

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Hellen Keller. Estados Unidos . Sordo-ceguera,  conquistó al mundo. Este mundo y su complejidad nos demuestra a diario que nuestras quejas como humanos ordinarios son totalmente insignificantes al lado de los problemas reales de otras personas. Creer que no somos capaces de hacer cualquier cosa se vuelve un completo mito gracias a seres extraordinarios como Helen Keller.

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La increíble vida de Helen Keller, sordomuda y ciega, conquistó al mundo

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Este mundo y su complejidad nos demuestra a diario que nuestras quejas como humanos ordinarios son totalmente insignificantes al lado de los problemas reales de otras personas. Creer que no somos capaces de hacer cualquier cosa se vuelve un completo mito gracias a seres extraordinarios como Helen Keller.

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Sylvia Plath. Estados Unidos, trastorno Bipolar. La poeta estadounidense es una de las más admiradas del siglo XX, cultivadora del género confesional y la primera ganadora de un Pulitzer concedido a título póstumo

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Sylvia Plath. Estados Unidos, trastorno Bipolar. La poeta estadounidense es una de las más admiradas del siglo XX, cultivadora del género confesional y la primera ganadora de un Pulitzer concedido a título póstumo

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Autorretrato de Sylvia Plath en 1951 UNIVERSIDAD DE INDIANA-HEREDEROS DE SYLVIA PLATH

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Sylvia Plath fue, desde niña, una persona brillante, aunque también frágil e insegura. Marcada por una estricta educación y por la influencia de su padre, destacó siempre en los estudios y publicó su primer poema con ocho años. Sin embargo, precisamente la muerte de su padre y la relación de desencuentros que mantuvo con su madre marcaron su futuro, lleno de depresiones y desórdenes mentales que, si bien le permitieron una extrema lucidez a la hora de escribir, supusieron también un tormento durante toda su vida.

En su época universitaria intentó quitarse la vida y fue tratada con electrochoques. Siempre se pensó que se curó, pero no fue así. Su vida fue un continuo tormento que reflejó en sus obras, especialmente en la poesía, en la que siempre se descubren matices para catalogar la desesperación, cuestionarse el papel impuesto a la mujer y parecer obsesionada por las emociones violentas y por la muerte.

Un matrimonio turbulento y corto en el tiempo tampoco contribuyó a su estabilidad a pesar de tener dos hijos, y su vida terminó de forma cruel, a la edad de 30 años, por su desorden emocional, quitándose la vida abriendo la llave del gas mientras estaban sus dos hijos pequeños en casa.

Escritora prolífica, especialmente en los últimos años, y con la aparición de libros de poemas suyos de manera póstuma, fue la primer poeta a la que se le concedió el premio Pulitzer a título póstumo, en 1982, por su obra recogida en ' Poemas completos '.

Sylvia Plath, conocida como Sivvy familiarmente, nació en la ciudad de Boston, Massachusetts (Estados Unidos) el 27 de octubre de 1932. Era hija de los maestros de ascendencia alemana Otto Emil Plath, profesor universitario de alemán y biología en la Universidad de Boston y especializado en el mundo de las abejas, y Aurelia Schober, profesora de inglés y alemán.

Con el nacimiento, en 1935, del hermano menor de Sylvia, llamado Warren, la familia Plath se trasladó a la localidad costera de Withdrop, donde la pequeña Sivvy, de apariencia frágil aunque siempre sensible e inteligente, comenzó a escribir poesía. La inseguridad fue amplificada cuando en 1940 falleció su padre a causa de una diabetes que nunca quiso tratarse y que derivó en la amputación de una pierna y después en una fulminante embolia pulmonar.

Algunos de los poemas más vitales de Sylvia, incluido el conocido ' Papi ', se refieren a la relación problemática que mantuvo con su padre autoritario y sus sentimientos de traición cuando murió, aunque también hacen referencia a la figura de su madre, a la que siempre echó en cara que nunca llorara en público por la muerte de su padre. Tras su repentino fallecimiento, las circunstancias financieras obligaron a la familia Plath a mudarse a la ciudad de Wellesley, donde Aurelia Plath dio clases de Secretaría en la Universidad de Boston.

El talento de Sylvia Plath, que sufrió habituales depresiones y varios desórdenes mentales desde su adolescencia, siguió desarrollándose y sobresaliendo sobre el resto. En el instituto publicó su primer texto, un relato corto titulado ' And summer will not come again', que vio la luz en la revista ' Seventeen'. ' Sunday at the mintons', publicado en 1952 durante su etapa universitaria en la revista ' Mademoiselle ', fue su primera historia galardonada.

Durante sus años antes de la universidad Plath comenzó a sufrir los síntomas de una depresión severa. En su diario, escribió: "Es como si mi vida estuviese mágicamente manejada por dos corrientes eléctricas: alegre, positiva y desesperantemente negativa; lo que esté corriendo en este momento domina mi vida, la inunda". Esta descripción elocuente del trastorno bipolar, también conocido como depresión maníaca, es una enfermedad muy grave para la que no hubo medicamentos realmente efectivos disponibles durante la vida de Plath.

En agosto de 1953, a la edad de 20 años, Plath intentó suicidarse tragando pastillas para dormir. Sobrevivió al intento y fue hospitalizada, recibiendo tratamiento con terapia de electrochoque. Sus experiencias de colapso y recuperación se convirtieron más tarde en ficción para su única novela publicada, ' La campana de cristal '.

Tras recuperarse, Plath regresó al Smith College para obtener su título. Dada su inteligencia y tenacidad, consiguió una beca Fulbright para estudiar en la Universidad de Cambridge, en Inglaterra, y fue allí donde conoció al poeta Ted Hughes. Ambos se casaron en 1956. Tuvieron dos hijos, Frieda, nacida en 1960, y Nicholas, nacido en 1962, y su luna de miel la pasaron en España.

El primer título publicado por Sylvia Plath fue el poemario ' El Coloso' (1960). Su principal libro es su novela ' La campana de cristal ', de carácter autobiográfico y firmada con el seudónimo de Victoria Lucas. Poco tiempo después de la aparición de este libro, Sylvia, poeta y novelista de gran sensibilidad y rica imaginación, se convirtió en un icono feminista al cuestionar todas las normas, usos y costumbres establecidos para la mujeres.

' La campana de cristal ' es su obra más representativa y novela semiautobiográfica, que refleja las características psicológicas de la autora. Narra la vida de la joven Esther Greenwood, alter ego de Sylvia Plath. A través de un monólogo interior expresa la inestabilidad emocional siempre colindando con la depresión de la protagonista, que mantendrá una lucha continua en su intento por adaptarse a la vida y siembre con una visión no exenta de cinismo y una gran calidad estilística.

Sylvia Plath se suicidó el 11 de febrero de 1963 en Londres. El punto final trágico a su vida lo hizo poniendo su cabeza en el horno y abriendo la llave del gas, con el desayuno preparado para sus dos hijos pequeños que estaban en casa. En los últimos años han salido a la luz escritos de los días previos que clarifican los porqués de aquel desenlace, consecuencia de las depresiones que arrastró durante toda su vida.

Está demostrado que el 8 de febrero de 1963 Sylvia Plath escribió a su marido, Ted Hughes, con el que había comenzado los trámites para la separación. Hasta ahora se pensaba que aquella carta era una nota de suicidio, pero no lo era. Lo que la carta ponía era la decisión de Plath de marcharse a París y abandonar a Hughes para no volver a verle jamás. Ella había supuesto que la carta no llegaría antes del sábado, pero Hughes la recibió el viernes por la tarde.

Hughes, al leer la carta, fue a la casa de su aún esposa y se desató una fuerte discusión, en el curso de la cual, según los documentos ahora conocidos, Sylvia arrancó la carta de las manos de su esposo y la arrojó al fuego.

En 2010 apareció un poema de Hughes (1930-1998) titulado ' Última carta', que rememora los días anteriores al suicidio de su esposa Sylvia. Su publicación causó un gran impacto porque el texto aborda lo que sucedió durante los tres días previos al suicidio de Plath en febrero de 1963. Se pensaba que la poeta había enviado una nota de suicidio que había llegado antes de tiempo, pero no había evitado el trágico final. Sin embargo, fue ese último cara a cara el que Hughes convirtió en el poema ' Última carta '.

La otra gran novedad descubierta recientemente es que al día siguiente de recibir la carta, el sábado, Plath telefoneó a Hughes a su casa, pero quien descolgó el teléfono fue su amante, Susan Alliston. Cuando ella le pasó el teléfono, según un diario de Alliston que el poeta guardó entre sus papeles, Hughes le dijo: "Take it easy, Sylvia", algo así como "tranquila, Sylvia".

Sylvia Plath está enterrada en el cementerio de la iglesia de Santo Tomás de la localidad británica de Heptonstall. Tenía 30 años de edad en el momento de su muerte, y su depresión crónica, su inestabilidad emocional y el engaño amoroso de Hughes con Assia Guttman, la esposa del poeta David Wevill, acrecentaron una vulnerabilidad que llevó a la muerte a la joven Sylvia. Curiosamente, Assia también se suicidó en el año 1969.

De manera póstuma aparecieron los libros de poemas ' Ariel' (1965), uno de los títulos clave en su bibliografía, ' Cruzando el Agua' (1971) y ' Árboles invernales' (1972). En 1977 se publicó una colección de cuentos, fragmentos de sus diarios y ensayos titulada ' La caja De los deseos ' (1977).

En el año 1982 se le otorgó el Premio Pulitzer por su obra poética recogida en ' Poemas completos' y un año después aparecieron sus ' Diarios' (1982). También ha sido publicado un libro de relatos titulado ' Johnny Panic y la biblia de sueños '.

Aunque durante mucho tiempo se consideró que sus repetidas depresiones e intentos de suicidio se debieron a la muerte de su padre cuando ella contaba con ocho años, pérdida que nunca logró superar, en la actualidad se cree que padecía trastorno bipolar, una patología psiquiátrica que actualmente se trata con medicación.

De hecho, su hijo Nicholas Hughes Plath fue un hombre solitario; se refugió en la privacidad de Alaska como profesor de Ciencias del Mar en la Universidad de Alaska. Maníaco depresivo y solitario, nunca se casó ni tuvo hijos, y el 16 de marzo de 2009 se suicidó ahorcándose en su casa de Alaska. Su otra hija, Frieda, es una excelente escritora y columnista de la prensa británica, aunque también sufre trastornos depresivos.

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Sylvia Plath, la escritora que mejor plasmó sus luchas internas y sus depresiones

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Más información Sylvia Plath fue, desde niña, una persona brillante, aunque también frágil e insegura. Marcada por una estricta educación y por la influencia de su padre, destacó siempre en los estudios y publicó su primer poema con ocho años.

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Virginia Wolf. Gran Bretaña. . Trastorno bipolar. una escritora atormentada. Virginia Woolf creía que era necesario que cada vez hubiera más mujeres que escribieran, "Sería una lástima terrible que las mujeres escribieran como los hombres, o vivieran como los hombres

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Virginia Wolf. Gran Bretaña. . Trastorno bipolar. una escritora atormentada. Virginia Woolf creía que era necesario que cada vez hubiera más mujeres que escribieran, "Sería una lástima terrible que las mujeres escribieran como los hombres, o vivieran como los hombres

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Virginia Woolf, la escritora que defendió la independencia intelectual y económica de las mujeres

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La autora británica se ha convertido en un mito de la literatura y del feminismo. Pero la vida de Virginia Woolf estuvo marcada por la inestabilidad emocional y por varios intentos de suicidio. Al final, la autora acabó con su sufrimiento en 1941, tras arrojarse a las aguas del río Ouse.

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 Lary León. Lo importante es nuestra esencia no nuestras circunstancias, así que si la vida te da limones, pues eso, ¡haz limonada! nació en Guadalajara, sin brazos y sin una pierna. Eso no ha sido un obstáculo para prácticamente nada en su vida. Es licenciada en Ciencias de la Información, ha publicado diferentes libros y en la actualidad, trabaja como gerente de la Fundación Atresmedia. De ella es la siguiente reflexión: «deberíamos estar orgullosos de nuestras diferencias. Porque, en el fondo, ¿Qué es ser normal? ¿Y qué es ser diferente?

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 Lary León. Lo importante es nuestra esencia no nuestras circunstancias, así que si la vida te da limones, pues eso, ¡haz limonada! nació en Guadalajara, sin brazos y sin una pierna. Eso no ha sido un obstáculo para prácticamente nada en su vida. Es licenciada en Ciencias de la Información, ha publicado diferentes libros y en la actualidad, trabaja como gerente de la Fundación Atresmedia. De ella es la siguiente reflexión: «deberíamos estar orgullosos de nuestras diferencias. Porque, en el fondo, ¿Qué es ser normal? ¿Y qué es ser diferente?

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"LA SONRISA DE UNA SIRENA". ACTITUD POSITIVA QUE INSPIRA Y ROMPE MOLDES.

GERENTE DE LA FUNDACIÓN ATRESMEDIA. PERIODISTA Y ESCRITORA.

Lo importante es nuestra esencia no nuestras circunstancias, así que si la vida te da limones, pues eso, ¡haz limonada!

Lary León es una autentica experta en "darle la vuelta a la tortilla" a la adversidad y transformarla en oportunidad; Su sonrisa y su energía no deja indiferente a nadie.

En otra vida fue una sirena y con carisma natural surfea las olas de la vida con su sonrisa contagiosa y su capacidad de demostrarnos que más allá de los estándares, hay mil maneras de hacer las cosas.

Para Lary todo, "o casi todo", es posible. Con su optimismo nos lleva a fijarnos más en lo que tenemos que en lo que nos falta.

Lary León comparte una auténtica Historia de Vida. Su magia nos hace ver que la clave para que nuestros sueños se cumplan está en nosotros mismos, en nuestra actitud ante la vida.

Lary es periodista y actualmente gerente de la Fundación Atresmedia en la que trabaja para niños y jóvenes. Su voz ha sonado en radio, en tele, ha sido reportera, es una viajera incansable y enamorada de África y de la India.

Además es presentadora y moderadora de eventos. Su naturalidad a la hora de trasmitir ideas y su voz inspiran y dejan huella.

Escritora solidaria escribió junto a Javier Bergado el libro autobiográfico: "LARY EL TESÓN DE UNA SIRENA", también es autora de "MÁS DE 150 JUEGOS PARA DIVERTIRSE DENTRO Y FUERA DEL HOSPITAL" y "EL CORAZÓN DE YUNO" y ha escrito cuentos como "LA SONRISA DE LA SIRENA", entre otros.

En todas sus conferencias, libros o proyectos hay siempre un denominador común: la positividad.

A través de su perseverancia y su tesón, se ha convertido en una auténtica todoterreno que ha sabido aprovechar al máximo todas sus cualidades.

Convencida de que todos venimos a este mundo con una misión y un talento que disfrutar y compartir, su misión es tan simple como contagiar con su sonrisa y ayudar a los demás.

Su sonrisa y su tesón han recibido numerosos premios y reconocimientos como el Premio Talento de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión, en el 2017 entre otros. Premio Mujer Líder 2014, Mujer TOP 100 en el 2015 o el Premio Sonrisa de Oro y el Premio especial Dependencia y Sociedad de la Fundación Caser.

¡Cuidado, la actitud es altamente contagiosa!.

La teoría del TPT (Talento, Pasión y Tenacidad).

La Sonrisa de una Sirena. Una auténtica Historia de Vida.

La pera limonera. Exprimir, Trasformar e Inspirar.

La actitud que Alivia (Ámbito sanitario).

EL TESÓN DE UNA SIRENA.

¿A quién no le gusta tener una habilidad especial, destacar en algo que le distingue y ser reconocido por ello? Sin embargo, ¿por qué existe esa tendencia común a disimular las pequeñas taras o defectos...? ¿Existe realmente el defecto? Tener "defectos" (físicos, intelectuales, morales...) ¿es malo? ¿O tan sólo es una oportunidad, una dificultad que superar? ¿Es el juicio social lo que realmente nos preocupa? ¿Qué es ser normal y qué es ser diferente? Cuando la vida de alguien cambia y se expone a circunstancias inesperadas, cuesta confiar en que haya otras maneras de hacer las cosas, otros caminos para seguir siendo útiles. El amor, el tesón y la imaginación son las armas que utiliza Lary, una sirena muy especial que es capaz de demostrar que ser "diferente" fortalece y enriquece, no sólo a uno mismo sino a todo el que está alrededor.

MÁS DE 150 JUEGOS PARA DIVERTIRSE DENTRO Y FUERA DEL HOSPITAL.

Para Lary León, uno de los mejores regalos que les podemos hacer a los más pequeños es "darles la capacidad de saber animarse, de tener una actitud positiva ante la adversidad".

En este libro Lary ha seleccionado y creado retos para desarrollar la imaginación, para reír, expresar emociones, juegos de destreza, con música y sonidos, con números y palabras o ideas para relajarse. Para todas las edades, sin límite de participantes, con muy poco material pero mucha imaginación, se puede conseguir que las horas pasen sin darse cuenta y de una manera más divertida.

Los derechos de autor y parte de los beneficios de Más 150 juegos para divertirse dentro y fuera del hospital se destinan íntegramente al área de Humanización de Hospitales Infantiles de la Fundación ATRESMEDIA, que tiene como objetivo potenciar la humanización en la atención pediátrica.

EL CORAZÓN DE YUNO.

Todo empezó con la llamada desesperada de un padre maliense para salvar a su hijo de seis meses. El bebé necesitaba una operación de corazón para poder vivir y en Mali no tenían opción.

El pediatra Antonio Cepillo estaba al otro lado del teléfono. Una persona con un corazón de oro, pero además un excelente pediatra sensible y comprometido. No dudó en poner la maquinaria en marcha para que Younousa (el pequeño YUNO) tuviera una oportunidad y pudiera venir a España para operarse. Y así fue como entre Lary León y él consiguieron que el corazón de Yuno volviera a latir con fuerza. Por eso, los beneficios de este cuento irán destinados a la Asociación de Cardiopatías Congénitas Cor Barcelona (ACCCB) que, de la mano del Doctor Raúl Abella (jefe de cirugía cardiovascular pediátrica que operó al pequeño Younousa), tiene como objetivo formar a especialistas de diferentes disciplinas venidos de países con pocos recursos para que puedan atender y dar una mayor calidad de vida a los niños con algún tipo de problema de corazón.

LA SONRISA DE LA SIRENA.

Con este cuento Lary cuenta con delicadeza y humor lo enriquecedor que es ser diferente y muestra a los niños con naturalidad la discapacidad.

Una colección, avalada por la Asociación Española de Pediatría que cuenta con once narraciones desplegables en las que los autores (consagrados profesionales en diferentes materias) han tratado de enriquecer la imaginación de los niños, como en los cuentos tradicionales, y a la vez promover valores y hábitos para un crecimiento saludable y un mejor conocimiento del mundo que les rodea. Además de Lary, colboran con esta colección: Jorge Blass, Javier Callejo, Iván Carabaño Aguado, Chema Contreras, Susi Díaz, Lary León, Carmen Martínez González, Beatriz Muñoz, Tacha Romero, Pedro Santamaría Gargamala y Pepe Viyuela.

CUENTOS PARA SER FELICES POR NARICES - ANDROID JUNIOR 3.0

Con mucha delicadeza y a la vez de una manera original y divertida Lary explica a los más pequeños el valor de la Compasión y los sentimientos Esta colección de cuentos a favor de la Fundación Theodora y escrita por diferentes personalidades, nace empujado por una actitud: querer ser felices pase lo que pase.

Porque sí. Por narices. Porque una actitud positiva ayuda a encontrar motivos para sonreír en momentos que puede que no sean tan buenos. Además, se comparte y se contagia. Y así lo creen también un grupo de amigos, como la chef Carme Ruscalleda, el empresario gastronómico José Gómez (Joselito), el ilusionista Jorge Blass, la periodista Lary León, el músico Santi Balmes, la deportista Teresa Perales, la actriz Toni Acosta y el periodista Toni Garrido que se han unido a nosotros para compartir su experiencia y reflexiones acerca de qué sentimos, cómo lo canalizamos y, sobre todo cómo lo compartimos para
ser simplemente eso, felices. Felices ¡por narices!.

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Lary León

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Lary León, el tesón de una sirena. Historia inspiracional. BCC Speakers.

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Lary León es una autentica experta en "darle la vuelta a la tortilla" a la adversidad y transformarla en oportunidad; Su sonrisa y su energía no deja indiferente a nadie. En otra vida fue una sirena y con carisma natural surfea las olas de la vida con su sonrisa contagiosa y su capacidad de demostrarnos que más allá de los estándares, hay mil maneras de hacer las cosas.

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Nuria del Saz, periodista escritora Sevillana «Cada vez tengo más claro que la discapacidad está en la mente de quienes te juzgan por tus capacidades»

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Nuria del Saz, periodista escritora Sevillana «Cada vez tengo más claro que la discapacidad está en la mente de quienes te juzgan por tus capacidades»

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Nuria del Saz nació un 29 de septiembre de 1974 en Sevilla. Licenciada en Ciencias de la Información y escritora, comienza su andadura en los medios de comunicación a los 14 años en la emisora "Onda Total" que ella misma había creado. Un año antes de terminar la carrera de periodismo comienza a presentar informativos en Canal Sur TV, tarea que compagina con otras actividades relacionadas con los medios, bien en la radio, bien acudiendo a mesas redondas, tertulias o como presentadora de actos para distintas organizaciones.

En su haber varios galardones por su trayectoria profesional. En 2005 recibe uno de los "Premios Clara Campoamor", en 2006 el premio "Periodismo Joven" del Club Internacional de Prensa de Madrid, en 2008 la ONCE la homenajea por su compromiso con la igualdad y en 2012 es galardonada por la Asociación de Personas con Discapacidad El Saliente de Almería.

Como escritora, en 2006 saca su primer poemario "Alma Atrapada" y en 2011 el segundo "Paraíso Intimo". En 2013 cambia de género y escribe su primera novela "A Ciegas en Manhattan", en el que relata sus aventuras a ciegas por la costa este de los Estados Unidos.

Persona cercana y amable me ha concedido esta entrevista que ahora tengo el gusto de compartir con todos vosotros.
1. Leo en tu web que con 14 años hiciste tu primer programa de radio. ¿Qué mueve a una niña a hacer radio?
Supongo que el deseo de emular a los locutores de verdad a los que escuchaba desde casa y con los que aprendía a la vez que me divertía mucho. Eran unos tiempos estupendos en la radiodifusión española. La época dorada de Antena 3 Radio, una gran actividad creativa en las radios locales, más cercanas al oyente... Ganas de expresarme, pasarlo bien.
2. ¿El periodista nace o se hace? De no ser periodista, ¿qué te hubiese gustado ser?
Creo que hay personas que llevamos en la sangre la comunicación, esa mediación entre los hechos, lo que ocurre en cualquier lugar y las personas que desean conocer esa información. Me habría gustado ser maestra. Es una profesión a la que le tengo una gran admiración.
3. La eterna duda, ¿prensa, radio o televisión?
Me quedo con la radio y la televisión.
4. Con las nuevas tecnologías muchos blogueros se sienten periodistas por un rato. ¿Crees que existe un intrusismo real en tu profesión? ¿Hasta que punto afecta a los periodistas?
El intrusismo es notorio y palpable. Hay blogueros que hacen trabajos estupendos, pero no es periodismo. Cuando escribo en mi blog, y yo soy periodista, no considero que esté haciendo periodismo, sino una comunicación diferente. Ni el tono, ni el estilo es periodístico.
5. ¿Piensas que has tenido que demostrar más que otros profesionales por tu discapacidad?
Sin duda. Siempre te cuestionan tus capacidades por el mero hecho de tener una discapacidad o una manera diferente de funcionar, en mi caso por leer con síntesis de voz y usar bastón para orientarme y caminar. Con los años cada vez tengo más claro que la discapacidad está en la mente de quienes te juzgan por tus capacidades. Son "incapaces" de ponerse en tus zapatos, de tratarte con naturalidad, algo invisible les impide ser naturales y tratarte como a un igual en derechos. Por supuesto después cada persona tiene su diversidad, su necesidad especial, por así decirlo.

6. Eres una persona activa en Internet (web propia o twitter) ¿Cómo se adaptan tus dispositivos (ordenador, teléfono, tablet, etc.) a tu discapacidad visual?
Uso lectores de pantalla como Jaws si uso Windows y Voiceover para los dispositivos de Apple. La tecnología no es complicada de usar hoy en día en este sentido. Aunque la accesibilidad de Internet y las webs es una lucha diaria. Los desarrolladores web y de las APPs deberían crear sin perder de vista que muchos millones de usuarios en el mundo, un diez por ciento de la población, tendrán dificultades para usar sus herramientas si no las hacen accesibles.
7. Después de dos poemarios, en tu primera novela "A ciegas en Manhattan" cuentas tus peripecias por esa ciudad. ¿Cómo ve Manhattan una invidente?
La ve, asiste a ella, con todos sus sentidos, exceptuando el de la visión. ¡Así que imagínate qué cantidad de información se puede obtener! Sensaciones de todo tipo y lo paradójico es que quienes ven se las pierden casi todas! Porque se quedan en la contemplación visual. Así que si quieren descubir otro Nueva York, otro Estados Unidos,les sugiero que se lean mi libro (sonrisa).
8. Periodista y escritora, ¿Qué proyectos de futuro tiene Nuria del Saz?
Estoy escribiendo otro libro de poemas. Sin prisa, pero sin pausa. Será un poemario muy muy especial en todos los sentidos, donde trataré de unir vivencias personales y ajenas, versos y pinceladas de prosa. Ya veremos cómo sale al final. Pretendo mimarlo mucho. Y luego tengo muchas ideas dándome vueltas pero no termino de concretar.
9. Al documentarme para la entrevista he leido repetidamente que eres la primera presentadora invidente del mundo. ¿Preguntamos demasiado sobre tu discapacidad?
Sí (sonrisa) siempre y mucho. Estoy demasiado implicada en el tema como para tomar distancia y decidir si es normal o no. Supongo que sí, que es por lo que me hice conocida en su día y que lo más sencillo es nombrarme y ponerle la coletilla, la etiqueta de la primera presentadora ciega de televisión. Y como es verdad no me importa, más aún cuando hoy en día los profesionales se desviven por hacerse un hueco, encontrar su marca personal. A mí ya me la pusieron!
10. ¿Qué pregunta te hubiese gustado responder? ¿me la respondes?
¡Me tengo muy vista a mí misma como para pensar encima en una pregunta sobre mí de interés para los lectores! ja ja.

- Nombre completo: Nuria del Saz Gaitán.

- Lugar de nacimiento: Sevilla.

- Fecha de nacimiento: Un bonito día de septiembre, 29, 1974.

- Una ciudad: Nueva York.

- Un libro: Alguno de John Irving.

- Una canción: Phantom of the Opera.

- Una película: No soy muy cinéfila como para elegir una en concreto... todas las que se me ocurren son de mis años adolescentes, la última que he visto, Ocho Apellidos Vascos y me gustó.

- Un actor o actriz: Ni idea.

- Rasgo principal de mi carácter: Soy enérgica.

- Mi principal defecto: Me cuestiono mucho.

- En mi tiempo libre me gusta: Leer, escribir, pasear.

- Mi sueño dorado: Vivir en Nueva York un tiempo.

- Mi escritor favorito: John Irving.

- Mi músico/cantante favorito: No soy muy fan de nadie en concreto, me gustan canciones, cantantes, pero no tengo uno favorito por sobre todas las cosas. Te podría decir Luis Miguel.

- Mi deporte favorito: Para practicarlo, patinar.

- Mi comida preferida: Un gazpacho rico rico.

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Nuria del Saz: "Cada vez tengo más claro que la discapacidad está en la mente de quienes te juzgan por tus capacidades" - Entrevistas a Personas Interesantes

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Nuria del Saz nació un 29 de septiembre de 1974 en Sevilla. Licenciada en Ciencias de la Información y escritora, comienza su andadura en los medios de comunicación a los 14 años en la emisora "Onda Total" que ella misma había creado.

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Las mujeres con discapacidad sufren una doble discriminación por motivo de género y de discapacidad Es importante romper con las barreras del entorno y respetar a cada mujer.

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Las mujeres con discapacidad sufren una doble discriminación por motivo de género y de discapacidad Es importante romper con las barreras del entorno y respetar a cada mujer.

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Mujeres escritoras es el título de la cita on line organizada por Plena inclusión CV desde el área de mujer e igualdad de género de la Federación. Una cita en la que hemos conocido iniciativas de mujeres inspiradoras.

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Las mujeres con discapacidad sufren una doble discriminación por motivo de género y de discapacidad. Es importante seguir  rompiendo con las barreras del entorno.  CITA CON MUJERES ESCRITORAS

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Las mujeres con discapacidad sufren una doble discriminación por motivo de género y de discapacidad. Es importante seguir  rompiendo con las barreras del entorno.  CITA CON MUJERES ESCRITORAS

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Mujeres escritoras es el título de la cita on line organizada por Plena inclusión CV desde el área de mujer e igualdad de género de la Federación. Una cita en la que hemos conocido iniciativas de mujeres inspiradoras.

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¿Sabías que hay más de 6,000 compositoras en la "International Enciclopaedia of Women Composers"?

Las mujeres han inspirado grandes obras musicales. Y reinas de la historia han promovido este arte, como Isabel I e Isabel II.

Sin embargo, en la cultura universal, la mujer no ha tenido un papel a la par que el hombre. Y esto se ha debido a que a lo largo de la historia, a la mujer no se le permitía acceder a la educación y a las profesiones definidas para hombres. Las mujeres solo estaban destinadas a estar en casa cuidando de sus hijos. No podían estudiar, educarse, ni trabajar. Su papel era el entorno familiar.

La religión, la economía, y la política han moldeado el rol del hombre y la mujer en la sociedad. Por ejemplo, "en el Libro de Samuel, se puede leer que 'la voz de la mujer es una provocación sexual', y fue suficiente para... que se les silenciara.". ( Sound and Sweet Airs, pg1.)

De ahí en adelante, podemos ver en la historia a sacerdotes que recomendaban que no saliera ningún sonido de la boca de monjas, "que sus labios se muevan, pero los oídos de otros no oigan" ( Sound and Sweet Airs, pg1.).
La mujer no debía expresar sus emociones, pensamientos y sentimientos.
Y aún así, una y otra vez, han existido mujeres que han luchado o ignorado las ideologías de su tiempo. Mujeres decididas a hacer música, a expresarse, y a moverse en un mundo masculino. Mujeres que fueron sujetas (incluyendo sus obras) a escrutinios y objeciones solo por ser mujeres. Pero que aún así, han compuesto.

Contémosles a nuestros hijos también la historia de estas mujeres y escuchemos sus obras.

De las siguientes diez mujeres, solo escuchamos la historia y una obra de las primeras ocho en el podcast.

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Grandes compositoras de la historia | Mujeres en la música clásica

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Mujeres en la música clásica: algunas de las compositoras que hicieron historia al desafiar el rol de la mujer, su vida y su magnífica obra musical.

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Lucía Caruso nació en Mendoza, Argentina, y desde los cuatro años improvisaba e inventaba melodías con sus instrumentos de juguete, y hasta dirigía orquestas de ositos de peluche.

"A los 12 decidí que la música sería mi carrera", dice la ahora compositora, pianista y directora de la orquesta Manhattan Camerata en Nueva York.

A esa misma edad, Lucía se encaminó en lo que se convertiría su pasión de vida. Ella escribió el guión de una película bíblica, inspirada por los " biblical spectaculars " de los años 60 como Ben Hur, King of Kings y Quo Vadis, y con la ayuda de su padre lo produjo.

En todo lo que es la industria del cine, las mujeres que componen para películas son apenas entre un 2 y 3%.

"Los actores éramos todos niños compañeros del colegio. Los adultos y profesores nos ayudaban a conseguir materiales, disfraces etc. Y nos llevaban al camino a las montañas de los Andes a filmar todos los sábados."

Lucía se inspiró en el compositor de cine Miklós Rózsa, y creó la música para su película con un sintetizador.

"Fue algo casero y modesto... pero fue el gran empuje que me incentivó a hacer música de cine".

De niña, Lucía nunca pensó que la carrera que había elegido era una dominada principalmente por hombres.

"En cine, en todo lo que es la industria del cine, las mujeres que componen para películas son apenas entre un 2 y 3%", resaltó durante una entrevista con Noticias ONU. Es decir, de cada cien compositores, solo dos o tres son mujeres.

La terrible desigualdad de género en la industria de la música

La de Lucía, fue una cifra que impactó a los participantes de una sala de conferencias llena de mujeres que trabajan en la industria de la música, quienes se dieron cita recientemente en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York para discutir y concienciar sobre los desafíos que enfrentan.

Impulsada por la embajada de Perú ante las Naciones Unidas y el Foro Internacional de las Mujeres, la reunión resaltó preocupantes estadísticas que en pleno 2019 continúan siendo "lo normal" dentro de las disqueras, los conciertos y los festivales de música, y las orquestas de música clásica, así como en otras instancias musicales.

"La discriminación, el acoso sexual, la escasez de oportunidades para el progreso profesional, la brecha salarial, la falta de visibilidad, es algo muy común en la industria de la música, y por supuesto, nos enfrentamos a los prejuicios comunes que existen contra las mujeres", asegura Neeta Ragoowansi, abogada y miembro de la ONG " Women in Music" (Mujeres en la música), una organización que invita específicamente a discutir y solucionar estos desafíos.

"Hay que hablar sobre esto, porque mucha gente no se da cuenta. Ellos ven a las mujeres en la portada de las revistas: ' Pero si están Beyonce, Rihanna, Britney Spears... Hay muchas mujeres en la música'". Hay que revisar las estadísticas y darse cuenta de que esto no es cierto", dice.

La verdad es que, según cifras recogidas por varias organizaciones y medios de comunicación, a través de todas las regiones, la división de género en la industria de la música es alrededor de un 70% hombres y un 30% mujeres.

Por ejemplo, en Estados Unidos, s olo el 15% de las discográficas son propiedad mayoritaria de mujeres; en Canadá, apenas el 6% de los productores reconocidos lo son y sólo un 7% del personal de ventas y desarrollo de la industria son mujeres; en Europa, las compositoras registradas suman apenas un 20% del total.

Además, de la lista de las 600 canciones más populares entre 2012 y 2017, s olo el 22% fueron interpretadas por mujeres, y el 12% creadas por compositoras.

En 2018, "Women in Music" reveló una cifra aún más impactante entre las mujeres que trabajan en la música clásica. Solo 76 de los 1445 conciertos ofrecidos el año pasado por grandes orquestas de música clásica incluyeron al menos una pieza compuesta por mujeres. Y de entre todas las obras que se tocaron (más de 3500), sólo el 2,3% fueron hechas por compositoras.

Jane Merryl, no es ajena a esta realidad, que ha vivido por décadas desde que comenzó su carrera como compositora, productora y cantante.

A través de los años, he sido víctima de sexismo, de tener un salario inferior que el de mis compañeros, me ha costado poner mi nombre en mis composiciones, entre otros desafíos, que he experimentado solo por ser mujer.

"A través de los años, he sido víctima de sexismo, de tener un salario inferior que el de mis compañeros, me ha costado poner mi nombre en mis composiciones, entre otros desafíos, que he experimentado solo por ser mujer", lamenta, explicando que para poder triunfar en su carrera ha tenido que bajar la cabeza y seguir trabajando en muchas áreas diferentes.

Jane hizo estudios superiores de música en reconocidas instituciones como la Universidad de Boston, Juilliard y Berklee. Ha trabajado en la composición de música para radio y televisión, ha sido profesora, artista de cabaré y hasta nominada a un Premio Grammy a la mejor canción de Jazz, entre otras cosas.

"Cuando tenía 14 años estaba audicionando para la Orquesta Sinfónica de Boston 'Los pops', y me dijeron que tenía que tocar como un hombre y hacerme valer como un hombre. La verdad es que seguimos viviendo en un mundo patriarcal y a pesar de que como mujeres seamos capaces, tenemos que serlo en muchos aspectos para ser reconocidas y aceptadas", dijo.

Para Jane, el problema radica en que en las posiciones de poder en la industria los hombres sigan siendo mayoría: "las mujeres no tocamos un instrumento mejor o peor, lo hacemos diferente, y a veces ellos no entienden cómo recibir una energía diferente ".

Actualmente en los Estados Unidos, donde creció Jane, de las veinte orquestas clásicas más reconocidas, sólo una es dirigida por una mujer.

Una discriminación que no es nueva

"Si tú dices, bueno, cítame compositores en la música clásica, ¿qué se te viene a la mente? Todo el mundo va a pensar Mozart, Schubert ¿verdad? Es lo primero que te viene a la cabeza, ¿por qué?", se pregunta Verónica Sabbag, diplomática de la Unión Europea y fundadora de la ONG " United Voices 4 Peace", que se traduce como voces unidas por la paz.

Verónica recuerda con cierto disgusto aquella vez que escuchó cuando en un programa de radio pidieron a sus oyentes que llamaran y dieran el nombre de una mujer compositora famosa de música clásica. " La gente no era capaz de citarla. Al nivel de Mozart no se nos ocurre nadie ", dice.

La diplomática no está sola en esta pregunta. Al hacer una búsqueda rápida en línea sobre mujeres compositoras lo que se encuentra principalmente son artículos de ONG´s y museos intentando resaltar el legado de las mujeres que han sido invisibles en la historia de la música.

"Nosotras hemos estado informándonos y, por ejemplo, la hermana de Mozart era una música estupenda, l o que pasa es que no tuvo la oportunidad de vivir de, ni de concentrarse en eso. Cuando tenía que marcharse para las giras, pues no la dejaban. Su padre no la dejaba. Entonces, las oportunidades han sido muy diferentes", asegura Verónica.

Grandes compositoras como Hildegarda de Bingen (1098-1179), una monja alemana de la edad media, que al ser la primera y única mujer autorizada por su iglesia para predicar, escribió obras musicales completas para su convento, que compartió en numerosas giras religiosas y templos; así como Francesca Caccini (1587-1641), quien habría sido la primera mujer italiana en escribir una ópera que fuera interpretada exitosamente, y aun así se asumió que sus composiciones eran de su padre; y muchas otras, han quedado en el olvido, y poco a poco han sido "desenterradas" por historiadores, investigadores y músicos a través de los años.

La misma Clara Schumman (1819-1896), una de las compositoras alemanas más famosas de la era romántica, desconocía a sus predecesoras, y alguna vez escribió: "Una mujer no debe desear componer, nadie lo ha logrado, ¿por qué yo debería poder? ". La compositora y pianista se hizo famosa en gran parte gracias al apoyo de su esposo, Robert Schumman, también músico y que apostó por su talento, algo que era especialmente fundamental en aquella época.

Una historia que parece no cambiar

En pleno siglo XXI, la cantidad de mujeres compositoras ha crecido exponencialmente, pero siguen siendo poco conocidas.

"Es un tema social muy grave, sinceramente, la falta de representación de las mujeres, la falta de igualdad y es un tema que nos toca directa o indirectamente, a cada uno nos toca de manera diferente, pero a todos nos toca. Yo no conozco ninguna cultura que no tenga música", afirma Verónica.

Junto a su ONG, la diplomática trabajó en un importante proyecto de la Oficina del Alto Comisionado de la ONU para los derechos humanos en el marco de la celebración del 70 Aniversario de la Declaración Universal.

Diez composiciones, escritas por mujeres e inspiradas en la lucha por los derechos humanos fueron elegidas para ser interpretadas en un concierto de Gala en el Teatro Argentina, en Roma, Italia, a finales de 2018.

Recibimos más de 500 partituras, de cientos de países. Entonces, el problema no es que las mujeres no están ahí, las mujeres están allí. ¿Si están allí entonces porque no son conocidas?

" Global Women in Music for Human Rights, donde hicimos un llamado a las mujeres compositoras para que enviaran sus trabajos. Recibimos más de 500 partituras, de cientos de países. Entonces, el problema no es que las mujeres no están ahí, las mujeres están allí. ¿Si están allí entonces porque no son conocidas?", dice.

Para Lucia Caruso, el problema radica a veces en la misma ignorancia sobre la existencia de esta discriminación, incluso por parte de las mismas mujeres. Ella lo ha visto especialmente reflejado en su trabajo como compositora para películas.

"Al principio no me daba cuenta, era chica, era niña. Me empecé a dar cuenta cuando inicié a hacer música de cine porque comencé a ir a festivales, y las mujeres no se enteran de que no hay mujeres compositoras de películas ".

Lucia resalta que en la industria del cine en los últimos años se ha impulsado que haya cada vez más mujeres directoras, por ejemplo. El hecho de que ya haya un Oscar ganado por una mujer, y otras más nominadas por categorías generalmente dominadas por hombres como cinematografía y producción, es una señal de avance, pero no es suficiente.

" Hacen un big deal (le dan mucha importancia) por ejemplo con Wonder Woman, la última película de la Mujer Maravilla que salió, porque la directora es mujer Patty Jenkins, al igual que las productoras, la cinematografía y las primeras escenas, que son solo con mujeres durante 17 minutos, ¿pero el compositor de la música de la película?, es un hombre", resalta.

Lucía asegura que hasta tuvo la oportunidad de preguntarles a varias directoras sobre si se habían dado cuenta de la falta de representación de las mujeres en la composición de la música para el cine.

" No yo nunca pensé en eso, dicen, no se me había ocurrido. A la gente ni siquiera se le ocurre".

Los problemas y las posibles soluciones

Verónica Sabbag asegura que el sector de la música refleja de manera casi extrema los problemas sistémicos que tienen las mujeres en la sociedad en general.

"El problema de la igualdad de género, ese es el problema general, y en la música se aprecia más esa diferencia", dice, y compara el problema con el que ha existido a lo largo de los años en los programas de mantenimiento de la paz de la ONU, con la falta de mujeres en las filas de los cascos azules, por ejemplo.

"La cuestión de las mujeres, la paz y la seguridad es un tema que ya ha llegado al Consejo de Seguridad, pero en realidad es un principio, ¿por qué no mujeres en la música? A través de esta problemática que es aún más extrema, podemos hablar de problemas sistémicos, representatividad, liderazgo, diferencias de sueldo, diferencias de oportunidades", expresa.

También es necesario abordar los problemas culturales y el modelo de democracia que se ha desarrollado, donde e l poder de decisión continúa estando en manos de los hombres.

Es una cosa que hay que abordar, que no solo concierne a las mujeres sino también a los hombres, concierne a todo el mundo porque hay un problema de representatividad, entonces nuestra democracia es imperfecta.

"Esa es una cosa que hay que abordar, que no solo concierne a las mujeres sino también a los hombres, concierne a todo el mundo porque hay un problema de representatividad, entonces nuestra democracia es imperfecta", dice.

Pero ¿qué se puede hacer en la industria de la música para hacerla más justa con las mujeres? Las activistas tienen varias ideas. Una de ellas, introducir cuotas en todas las instancias.

"Hemos visto que cuando una mujer está en la junta directiva no hay diferencia, cuando hay dos mujeres quizás una apoya el punto de la otra, pero cuando hay tres ya comienzan a tener una voz bastante importante y allí ya tienen una influencia en las decisiones. Por eso hablamos del 30%, nosotras pensamos que es una cuota aceptable. Lo ideal es el 50%, pero vamos a dejar la idea para más allá y empecemos con algo", explica Verónica.

Las cuotas también se pueden aplicar a la presencia en orquestas, en la música que se escucha en la radio, a la cantidad de mujeres que participan en festivales de música, y así.

"Otra solución de la que hemos hablado se llaman las audiciones a ciegas, eso significa que hay una cortina y una serie de plataformas en el teatro para que cuando entre una mujer no se distinga su género por la manera de caminar o si lleva tacones o no. Se hace detrás de una cortina de manera que se valore la música y la manera de tocar y no tanto el género o incluso la presencia física de la persona que está delante de ellos", dice.

Para la diplomática, estas medidas son un "granito de arena" en una gran montaña que junto a otras activistas tienen la ambición de construir.

" Había una parte de la población callada y aceptando el statu quo, pero esas voces ya se están comenzando a escuchar ", dice.

El ejemplo de "Forte"

A pesar de que aún no se refleja fuertemente en la industria, en los últimos años se han consolidado muchas propuestas de mujeres músicas que, cansadas de quedarse fuera, han impulsado iniciativas y buscado otros escenarios. También han surgido documentales y movimientos al respecto. En uno de ellos, Lucía es la protagonista.

"Yo tuve la suerte de ser elegida para una película que se llama Forte, que quiere decir Fuerte y se trata de la vida de tres mujeres que han hecho un cambio en la música. Una de ellas es una gran violinista que se está haciendo muy famosa, que está siguiendo la ruta tradicional para llegar a lo que digamos es el top de la música clásica. La otra es también una excelente violinista que tocó para la reina de Inglaterra y estudió en una escuela para grandes talentos, pero tuvo que elegir entre seguir una carrera y tener hijos. Entonces ahí está, el eterno dilema de una mujer en el tema de la música. ¿Qué hago, o tengo los hijos o hago una familia, o tengo éxito?, y después ella redefine lo que es el éxito que no es lo mismo para todos. Y luego vengo yo, que creé la música transclásica", explica.

Entonces ahí está, el eterno dilema de una mujer en el tema de la música. ¿Qué hago, o tengo los hijos o hago una familia, o tengo éxito?

Lucía patentó el nombre de música "transclásica", que se basa en técnicas de la música clásica, pero mezcla elementos culturales de todo el mundo a través de diferentes instrumentos y sonidos.

"Es hora de cambiar, no solamente como mujeres, sino que en la era de la música tiene que haber un cambio ya. Cuando la gente habla de música clásica te quedas con los maestros del siglo XIX, del siglo XVIII, y ya estamos en una era distinta con una historia distinta con una nueva cultura, están pasando cosas nuevas, una de ellas es el tema de las mujeres y la necesidad de más representación"

Lucía además tuvo la oportunidad de componer la música para el documental, hecho por David Donelly y producido por Anastasia Boudanoque. En el filme también son protagonistas las violinistasEldbjørg Hemsing de Noruega y Tatiana Berman de Rusia.

"En la película se proyecta el hecho de que yo estoy escribiendo desde la primera nota, hasta el día que grabamos con la orquesta entera, todo está dentro del documental. Esta película va a cambiar la vida de muchas mujeres en la música. Esta es la era para hacerlo ", dice.

Tanto Netta, como Jane y Lucía, han tenido que enfrentar los retos de la discriminación de género en la industria de la música, pero todas coinciden en lo mismo: también se necesita de la ayuda de los hombres para hacer un cambio.

"El tema es que los hombres se incorporen, no sólo las mujeres haciendo cosas por las mujeres, que los hombres nos ayuden y que lo sientan así, que no se sientan menos, sino que sientan que nos simplemente nos están dando un luga r, eso no es sentirse menos", dice Lucía, poniendo como ejemplo a su propio esposo, con quien creó su Orquesta Manhattan Camerata. "Él me dijo vos dirigís la orquesta, yo me encargo de otras cosas".

Mujeres de todo el mundo poco a poco están haciendo de la desigualdad de género en la música un problema cada vez más evidente. Algo que se ha presenciado en grandes eventos como los Premios Grammy de 2019, donde hubo una alta representación femenina y algunas artistas hablaron públicamente sobre la problemática.

En el ámbito de la música clásica y la composición para películas, la subrepresentación continúa siendo un poco más extrema, pero Lucía asegura que la unión hará la fuerza.

"Si quieren tener una familia, téngala, se llevan al niño a cuestas, van a los ensayos con los niños y les enseñan música. No es un impedimento tener una familia o hacer lo que todas las mujeres hacen; las niñas podemos hacer muchas cosas a la vez. Juntas tenemos que hacer el cambio".

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Mujeres en la música, silenciadas por la desigualdad de género

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Las diferencias entre hombres y mujeres en la industria musical son abismales, especialmente en el ámbito de la música clásica. Discriminadas, subrepresentadas, con sueldos injustos, las mujeres artistas y compositoras quieren salir de la sombra en la que han estado y a la que han sido sometidas desde siempre.

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Te presentamos a las mujeres que ha sobresalido de manera prominente, su talento y estilo las ha llevado lejos

Por mucho tiempo, la música en el mundo ha sido dominada por grandes figuras masculinas que han sabido hacer de su profesión una trayectoria llena de éxitos y triunfos, y hoy son tomados como referentes e incluso sus canciones no pueden faltar en tu playlist para mostrarte como un culto conocedor de la música.

Pero si volteamos por un momento al siglo pasado, podemos descubrir grandes joyas que con el tiempo se han ausentado de la radio e incluso de la industria musical. Entreguemos un poco de nuestro tiempo para revisar el catálogo de las mujeres que hicieron toda una renovación y evolución musical, y hoy se han convertido en grandes artistas de culto, pues así como Bob Dylan, David Bowie, John Lennon, Michael Jackson o Elvis Presley; también existen mujeres que ha sido admiradas por su talento e incursión a diversos terrenos musicales.

Si nos introducimos un poco en el tema, hay que hojear la historia para ubicarnos en 1959, cuando empezaban a surgir una nueva ola de grandes artistas solistas y bandas en Europa y Estados Unidos. La aparición de The Supremes fue uno de los grandes hitos de la musical universal, se trataba de un grupo conformado sólo por mujeres que cantaban al swing de sus melodías pop-soul tan únicas, que fue una de las agrupaciones en los Estados Unidos de mayor éxito y fama, con un toque de la fiebre beatle. Su influencia en muchas artistas es evidente, tanto así que la revista Rolling Stone posicionó a The Supremes en el lugar número 96 en la lista de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

Hay que mencionar que antes y después de The Supremes, aparecieron mujeres que alcanzaron la fama y popularidad musical, muchas de ellas abandonaron este mundo a temprana edad, pero dejaron un amplio legado que ha influenciado a las generaciones que vinieron en los últimos 20 o 40 años e incluso algunas siguen vigentes. Por eso, te presentamos a las mujeres que ha sobresalido de manera prominente, su talento y estilo las ha llevado lejos y hoy conforman los grandes estándares de la música nivel mundial.

1. Édith Piaf (1915 - 1963)

La mujer que le dio color y sentido a la música francesa; Piaf fungió un papel importante en el desarrollo musical de su país. Su voz al interpretar "Je Ne Regrette Rien" o "Le Vie En Rose" son el claro ejemplo del potencial artístico, que hoy es fundamental para muchos cantantes. Su incursión en la actuación le otorgó un espacio único en su su trayectoria, pero su faceta de cantautora fue lo que la llevó a convertirse en una de las cantantes francesas más importantes en el mundo.

2. Ella Fitzgerald (1917 - 1996)

Fue una cantante estadounidense de jazz que experimentó con una diversidad de sonido que embelleció el alma de la época de 1932. Inspirada por Duke Ellington y Johnny Merce, ganó 13 premios Grammy, y en 1967 recibió el gran reconocimiento por la industria con el Grammy a la trayectoria artística; obtuvo también la Medalla Nacional de las Artes. Hoy es considerada una de las mujeres más sobresalientes del siglo XX, no por nada se le conoce como La Reina del Jazz.

3. Rosetta Tharpe (1915 - 1973)

Tharpe fue una pionera en la música góspel en la década de los 30. Su virtuosa manera de ejecutar la guitarra y su impulso por refrescar la escena de la música estadounidense, la llevó a desatarse de su etapa religiosa para manifestar todo su potencial rocanrolero en los escenarios y poder girar con el legendario Muddy Waters. La Madrina del Rock -como se le conoce- influenció a grandes estrellas de la música, como Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard y Eric Clapton.

4. Delia Derbyshire (1937 - 2001)

Es considerada la pionera de la música electrónica y gran referente para muchos artistas posteriores a ella. Sus proyectos desarrollados en radio, televisión y cine pusieron su trabajo en manos de la BBC londinense que trasmitía la famosa serie de ficción Doctor Who, en la cual Derbyshire fue la encargada de realizar el tema musical de dicha serie; aunque no fue en lo único que aportó, ya que realizó más de 200 trabajos en televisión. Hoy es una de las figuras de culto más influyentes que desarrolló el sonido esencial de la música electrónica.

5. Aretha Franklin (1942 - )

Una de las artistas de mayor reconocimiento en el mundo, con una voz tan única y espectacular desafío sus cuerdas vocales para interpretar "Respect"; una canción que la vincula con Otis Redding y que impactó en aquellos años. Hoy es considerada como una de las máximas figuras del soul y se ganó el sobrenombre de La Reina del Soul. En 1987 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll, siendo la primera mujer en integrarlo. La prestigiosa revista Rolling Stone la posicionó en el puesto número nueve en la lista de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

6. Tina Turner (1939 - )

Una de las mujeres más sobresalientes de la música y su legado ha servido de inspiración para muchos artistas posteriores, su voz al momento de interpretar "Proud Mary" o "What's Love Got To Do With It", desprenden una gran magia y naturalidad. Tina ocupa un lugar bien merecido en el mundo de la música como una mujer que llevó su vida personal y artística muy lejos de casa; su talento para cantar, bailar, componer y actuar le otorgaron un plus en su carrera, vendió más de 220 millones de discos. Considerada La Reina del Rock, la revista Rolling Stone le otorgó en el puesto número 63 en la lista de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

7. Janis Joplin (1943 - 1970)

La cantante estadounidense de rock-blues Janis Joplin, fue conocida por su característica voz y la rudeza que demostraba en el escenario; su imagen y talento la posicionó como una de las mujeres más influyentes en el terreno musical y artístico del siglo XX. Fue símbolo femenino de la contracultura de los años 60; en 1999 fue elegida como la tercera mejor artista femenina del rock en la lista "100 Greatest Women in RockN'Roll" realizada por VH1. En 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto número 46 de los "100 mejores artistas de todos los tiempos". En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

8. Patti Smith (1946 - )

Esta cantautora y poeta estadounidense ha logrado llevar sus letras a un territorio literario, y con ello sus canciones se han consagrado como un repertorio de culto para los conocedores de la buena música. La Madre del Punk -como se le suele nombrar- ha publicado diversos libros, en su álbum más conocido Horse, incluye su tema "Because The Night", escrito en coautoria con Bruce Springsteen, que le dio cierto aire espiritual lleno de madurez e intelectualidad. Nombrada en 2005 Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y dos años más tarde ingresó al Salón de la Fama del Rock And Roll. Algunas figuras de la música como Shirley Manson, Keel, Morrisey, PJ Harvey, Michael Stipe e incluso la agrupación irlandesa U2, han declarado que Patti ha sido su fuente de inspiración e influencia para ellos. La revista Rolling Stone le dio el puesto número 47 en el conteo de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

9. Joni Mitchell (1959 - )

La cantautora canadiense Joni Mitchell no sólo es conocida por influir en el arte musical, también por su faceta de artista plástica y productora. Con más de 20 discos publicados, puede considerarse como uno de los pilares fundamentales de la música universal. Con el pasar de los años Joni se convirtió en una de las mujeres más influyentes del siglo XX, y es gran referente en artistas como Thurston Moore, Sheryl Crow, Elvis Costello, Prince, Roger Waters, Robert Plant, Janet Jackson, entre otros. En 1997 ingresó al Salón de la Fama del Rock And Roll. En 2002 recibió La Orden de Canadá y el Premio Grammy a la Carrera Artística. Ocupa el lugar número 62 en la lista de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".

10. Madonna (1958 - )

Madonna, nombrada La Reina del Pop, es una de las máximas figuras del pop en inglés que revolucionó la música en la década de los 80 y 90. Entre sus álbumes destacan: Like A Virgin (1984), Like A Prayer (1989), Erótica (1992), Bedtime Stories (1994), Music (2000) y Hard Candy (2008). En su trayectoria ha ganado más de cinco premios Grammy y un Globo de Oro como Mejor Actriz en la película Evita de 1996. En 2008 la revista Billboard puso a Madonna en el puesto número 2 en Billboard Hot 100 All-Time Top Artists.

11. Björk (1965 - )

Con más de 40 años en el mundo musical, la cantante, actriz, productora y escritora Björk, se ha consagrado como una mujer multifacética que ha explorado diversos terrenos del arte, inspirando a fotógrafos y diseñadores de moda con su propuesta e imagen que la ha caracterizado en toda su trayectoria. Ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo; ganadora de cuatro Premios Brit. Considerada una de las figuras femeninas más influyentes de la música, en 2010 ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música. La cadena de televisión de VH1 le dio el lugar número 29 en su lista de "Las 100 mujeres más grandes en la música".

Hoy, el gran legado musical que atesora la sociedad se le debe también a ellas; hay que reconocer su trayectoria y disciplina por realizar un formidable camino que inspiró e influyó en artistas que llegaron para quedarse, ya que son parte importante de la música contemporánea. Mujeres como Sarah Vaughan, considerada como una de las cantantes más importantes e influyentes del jazz; Nina Simone, destacada pianista y compositora estadounidense; Etta James, una de las grandes voces del rhythm & blues; Dusty Springfield, una de las artistas británicas más destacadas del pop-soul; Bonnie Raitt, guitarrista y compositora de rock y blues; Dolly Parton, una de las mejores artistas de la música country; Labelle, un grupo conformado por Nona Hendryx, Patti LaBelle y Sarah Dash; o Lucinda Williams, cantautora estadounidense, una de las mejores compositoras por la revista TIME en 2002.

Por otra parte, se encuentran Cher, Anne Wilson, Annie Lennox, Joan Jett, Suzi Quatro, PJ Harvey, M.I.A, Carole King, Liz Phair, Janet Jackson, Linda Ronstadt, Cindy Lauper, Whitney Houston; en un terreno más actual, artistas como Christina Aguilera, Pink, Sia, Britney Spears, Adele, Amy Winehouse, Rihanna, Taylor Swift, Lana del Rey, Lady Gaga, o Gwen Stefani. Todas ellas y las que están por venir continuarán nutriendo de sonidos, letras y estilo el lenguaje de dios que es la música.

En la historia de la música también existen leyendas absurdas y retorcidas que los fanáticos del rock han creado, por eso te las compartimos aquí para que las conozcas.

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El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), ubicado en Córdoba, ha inaugurado este jueves la primera exposición realizada en España de la pintora, académica, poeta y escritora libanesa, Etel Adnan (Beirut, 1925), cuya obra pictórica fue descubierta cuando tenía 87 años, y que hoy es una de las más cotizadas del arte contemporáneo.

Prueba de la cotización de la obra de la artista libanesa es que, en estos momentos, solo hay dos museos en el mundo con una retrospectiva de Adnan: el Guggenheim de Nueva York y el C3A. Lo ha contado este jueves el comisario de esta exposición, el exdirector artístico del C3A Álvaro Rodríguez Fominaya, que se ha marchado de Córdoba como llegó, situando a la ciudad en el mapa del arte contemporáneo a nivel mundial.

La muestra Etel Adnan. Tras la línea del horizonte, que estará abierta al público desde el 12 de noviembre al 28 de febrero de 2022, ha sido realizada en coproducción con TEA (Tenerife Espacio de las Artes). Se ha estado trabajando en ella durante dos años, recopilando fondos de la artista hasta lograr una retrospectiva que, por tamaño, es incluso mayor que la que se expone en Nueva York.

Concretamente, la exposición recorre, a través de sesenta y una obras, una amplia selección desde los años 60 del pasado siglo y se centra en los trabajos que ha realizado en las últimas dos décadas. Se muestran todos los medios en los que produce la creadora, se incluye por igual, pintura, dibujo, leporellos, cerámicas y textiles, a los que Adnan se aproxima de manera singular, construyendo un corpus de obras que puede leerse de manera autónoma entre sí.

Además sus películas en super-8 pueden verse como parte de la instalación Motion en la exhibición. Esta es una de las muestras internacionales más extensas sobre la influyente artista, que ha tenido retrospectivas e individuales recientemente en museos como Solomon R. Guggenheim (Nueva York), Zentrum Paul Klee (Berna) o Serpentine Gallery (Londres). La exposición en Córdoba se ha concebido estrechamente con la artista.

El estilo de Etel Adnan ha evolucionado desde las primeras épocas más cercanas a la abstracción geométrica más pura, pasando por su acercamiento al paisaje en los años 70 sin abandonar la abstracción, dando a sus óleos un carácter luminoso y orgánico. En relación a su producción literaria, entre sus libros más emblemáticos se encuentra "Viaje a Mount Tamalpais", en relación al territorio y al paisaje.

Etel Adnan es hija de una madre griega, cristiana y de un padre sirio musulmán, creció hablando griego y turco. Fue educada en un colegio francés y es en éste idioma con el que comienza a escribir sus primeros trabajos literarios. Estudió Filosofía en la Universidad de la Sorbona (París) y luego realiza una estancia en Harvard (Cambridge). Durante dos décadas da clases en la Universidad de California, pero en los años 70 regresa a Beirut donde comparte estudio con Simone Fattal. Abandona Líbano con el estallido de la guerra civil y tras un breve período en California, se instala en París ciudad en la que vive en la actualidad.

Su novela "Sitt Marie Rose" de 1977, fue galardonada con el Premio France- Pays Arabes y publicada en más de 10 idiomas. Sus obra pictórica adquirió gran prestigio y difusión tras su inclusión en la Documenta de 2012. Adnan ha recibido numerosos premios por su contribución a la cultura, incluyendo, en 2014, el más alto honor cultural de Francia, "Ordre de Chevalier des Arts et des Lettres" (Orden de Caballero de las Artes y Letras).

Sobre la exposición

Etel Adnan inicia su obra pictórica tras su llegada a California en los años 50 del pasado siglo, durante su estancia como profesora del Dominican College (San Rafael, California). Durante este período también se interesa por la fotografía del grupo f/64 y en especial por los prototípicos de paisajes norteamericanos de Ansel Adams. En la muestra del C3A se puede ver una amplia selección de sus reciente paisajes cósmicos realizados en los últimos años.

Adnan comienza a producir textiles tras un viaje a Túnez en 1965. Al regresar a California participa en clases con Ida Grae, con quien profundiza en diversas técnicas de tejido. De los textiles que se presentan en la exposición del C3A, la obra "Acrobaties Printaniéres" pertenece a este período entre 1967 y 1970. Durante la última década Adnan ha ampliado su léxico con el trabajo mediante murales cerámicos, recibiendo varios encargos de carácter monumental de arte público.

Etel Adnan se encuentra por primera vez con los leporellos en San Francisco en los años 60, a través de Rick Barton, quien había conocido esta técnica en China en los años 40. En sus primeros leporellos Adnan trabaja con textos árabes de otros poetas como Badr-Shakir o al-Sayyab, para más tarde incorporar poetas franceses y norteamericanos. Para Adnan la noción de traducción se convierte en instrumental a la hora de trabajar en este medio.

En la exposición del C3A se pueden ver además diez dibujos de diversos períodos, comenzando en 1990 con una serie dedicada a la montaña de Sainte Victoire, en la que se enfrenta al dibujo con una enorme libertad temática, desde el paisaje urbano al bodegón. La artista también experimenta con grafito, tinta china o pastel.

Además, este jueves se estrena el nuevo proyecto para la fachada mediática del edificio que alberga al C3A y que será creación de la artista Marisa González (Bilbao, 1943). La obra de la artista vasca se titula Luz hasta el final de la vida y se podrá contemplar desde el 11 de noviembre hasta el 30 de enero de 2022.

Las obras que se muestran en la fachada mediática son encargos realizados a los artistas invitados por el C3A. La fachada está en funcionamiento todas las noches desde la caída del sol hasta medianoche. Luz hasta el final de la vida es una sucesión de imágenes en movimiento hacia las que avanzamos. La artista nos sumerge en un vórtice que nos lleva a reflexionar sobre el lugar. Un paisaje "no-paisaje" de la hipervelocidad, un espacio hacia el que nos movemos sin destino específico. Este desplazamiento en el que centramos la visión en el punto focal central se transforma en un hipnótico viaje unidireccional, un road trip psicodélico de tamaño XXL.

Esta visión de la arqueología de la percepción nos lleva a relacionarlo con los discos rotatorios de Anémic Cinéma de Marcel Duchamp pero, más allá de esto, se genera una conexión con un determinado estrato de la historia del arte, Marisa González se interesa por las posibilidades de una nueva tecnología con la que todavía no había trabajado. Esta es una relación primitiva con la programación de luces LED, un test de la posibilidad de una nueva serie de trabajo.

Marisa González se aproxima a la tecnología como medio para expandir su léxico. La artista ha desarrollado un corpus en el que investiga sobre la relación entre el género, lo social, la identidad y el cuerpo en conexión con los nuevos medios.

Marisa González

Marisa González (Bilbao, 1943) es licenciada en Música por el Conservatorio de Bilbao y licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1971), MFA por la School of the Art del Art Institute de Chicago (1973) y BFA por la Corcoran School of the Arts & Design de Washington D.C. (1976). Ejerce la docencia esporádicamente entre otros en el Taller de Arte Actual del Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el Máster en Comunicación de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Creadora multidisciplinar, es una de las artistas pioneras en la aplicación de las nuevas tecnologías en la creación.

Publica artículos, dirige talleres, conferencias, seminarios y congresos sobre Nuevas Tecnologías, Arte y Género. Ha realizado más de 60 exposiciones individuales y 150 colectivas. En 2015 fue objeto de una muestra retrospectiva en Tabacalera (Madrid) en 2015 y el Centro Gallego de Ararte Contemporáneo CGAC (2016). Con el proyecto Ellas filipina s participa en La Bienal de Venecia de Arquitectura en el Pabellón Central en 2012. Otros proyectos suyos son: La Central Nu clear de Lemoniz, (2004) en el Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos (CAB); La Fábrica en la Fundación Telefónica de Madrid (2000) y Sala Rekalde de Bilbao (2001); 2019 Galería Freijo de Madrid; Sala Amós Salvador, Logroño (2019).

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El C3A de Córdoba, primer centro de España que expone una retrospectiva de Etel Adnan

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Del 18 de junio hasta el 24 de octubre 2021

Sala T3. Comisaria: Yolanda Torrubia.

"¿Tienen que estar desnudas las mujeres para conseguir entrar en el Museo Metropolitano de Arte?"

El colectivo Guerrilla Girls se formó en 1985 en Nueva York como un grupo anónimo de artistas de acción feminista. Conocidas por utilizar máscaras de gorilas para ocultar su rostro, se identifican con el nombre de mujeres artistas fallecidas como Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein o Georgia O¿Keeffe, entre otras, omitiendo así su identidad real al mundo y reivindicando los logros de aquellas mujeres.

Con más de 35 años de existencia, este colectivo ha producido multitud de pósteres, libros, pegatinas, proyectos de dibujo, ediciones gráficas y revistas sobre el sexismo y la discriminación de las mujeres en el mundo de las artes visuales, del cine y de la cultura en general. Portfolio Compleat recoge todo este repertorio que se apropia del lenguaje visual del marketing publicitario para transmitir sus mensajes de una forma directa.

· Revisita la exposición y lee el contenido de los carteles en castellano en este interactivo.

· Descargue cartelas aquí.

· Descargue hoja de sala aquí.

· Álbum en Flickr.

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Guerrilla Girls. Porfolio completo - Exposición - Centro de Creación Contemporánea de Andalucía

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Del 18 de junio hasta el 24 de octubre 2021 Sala T3. Comisaria: Yolanda Torrubia. "¿Tienen que estar desnudas las mujeres para conseguir entrar en el Museo Metropolitano de Arte?" El colectivo Guerrilla Girls se formó en 1985 en Nueva York como un grupo anónimo de artistas de acción feminista.

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Guerrilla Girls: Art and Feminism / Guerrilla Girls: Arte y Feminismo

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En 1985 el MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York celebró una exposición de arte contemporáneo titulada An Internacional Survey of Painting and Sculpture. De los 169 artistas que participaron en ella, sólo 13 eran mujeres. Delante del museo se manifestaba un extraño grupo contra esta desigualdad: eran mujeres, llevaban máscaras de simios y se hacían llamar Guerrilla Girls. Compartían un sentimiento de frustración al comprobar que a finales de siglo las diferencias entre los sexos persistían y las mujeres artistas continuaban sin tener un verdadero reconocimiento.

Pero ¿quiénes formaban este peculiar grupo? Sus nombres se desconocen pues eran anónimas, pero sabemos que lo constituían mujeres de diferentes edades y procedencias étnicas; no sólo artistas (pintoras, escritoras, directoras de cine...), sino también comisarias de exposiciones e historiadoras del arte. Ocultaban sus rostros con máscaras de simios inspiradas en el personaje de King Kong, que utilizaban como símbolo de dominio masculino, y en sus intervenciones públicas utilizaban como pseudónimo los nombres de artistas fallecidas como Frida Kahlo, Eva Hesse o Lee Krasner, reivindicando así los logros que aquellas habían conseguido. Con estos disfraces también pretendían emular a la gran Marlen Dietrich, que había llevado un disfraz de gorila en "La Venus rubia", provocando el pánico de los espectadores en los años treinta.

Eran feministas y su modus operandi consistía en mostrar al público la discriminación que vivían las mujeres artistas, acusando directamente a las instituciones que mantenían tal discriminación. Sus mensajes plagados de ironía, sus declaraciones provocadoras y el misterio que rodeaba su identidad oculta, contribuyeron a atraer la atención y despertar interés hacia el grupo.

A esa primera manifestación ante el MOMA se sucedieron otras acciones de protesta en las se propusieron poner en evidencia a todo el mercado artístico. Así, hicieron responsables a coleccionistas, críticos y propietarios de galerías del desequilibrio entre sexos existente en el mundo del arte, y sus primeras obras gráficas fueron carteles que, colocados en las calles del Soho, hacían patente el silenciamiento que sufrían las mujeres artistas. Crearon anuncios para autobuses y desplegables para revistas, pretendían llegar a todas partes y utilizaron las técnicas que tenían a su alcance para lograrlo.

En 1989 colocaron un cartel frente al Metropolitan Museum de Nueva York que decía:
¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Met. Museum? Menos del 5% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos.
El cartel contenía una reproducción de la "Gran Odalisca" de Ingres, imagen archiconocida dentro de la tradición iconográfica del desnudo femenino. Su elección supone una crítica hacia el estereotipo de la mujer como objeto de deseo. Además, la odalisca de las Guerrilla Girls no se contenta con ser relegada a mero sujeto pasivo, sino que se subleva ante esta situación y lo hace colocándose, como sus creadoras, una máscara de gorila.

En uno de sus carteles más irónicos enumeran una serie de "ventajas" que atribuyen a la condición de ser mujer artista. Entre ellas: Trabajar sin la presión del éxito; tener la oportunidad de escoger entre tu carrera y la maternidad; ver tus ideas reflejadas en el trabajo de otros; estar segura de que cualquier tipo de arte que hagas será catalogado como femenino; ser incluida en versiones revisadas de la historia del arte; etc.

Sus protestas también se centraron en la discriminación racial, y se implicaron en otros temas como el aborto, la violación, la pobreza o la guerra del Golfo, colaborando para ello con otros grupos como el Act Up. Escribieron dos libros, dieron conferencias en museos y escuelas de todo el mundo, enviaron miles de cartas de denuncia y crearon premios ficticios que revelaban los mecanismos subyacentes en el mercado del arte. Su propuesta fue difundida por todo el mundo e imitada por otras que también se hacían llamar Guerrilla Girls.

Lo que en suma pretendían conseguir era que el arte de museos y galerías mostrara por fin una imagen real de la historia y del actual panorama cultural, y dejara de ser un inventario de contribuciones masculinas. No reivindicaban que el 50% de los artistas expuestos fueran mujeres o miembros de minorías, pero criticaban que la cifra real fuese inferior al 10%. Además, entendían el arte como reflejo de la experiencia personal y social, por lo que las obras de mujeres y de artistas pertenecientes a alguna minoría debían ser por lógica distintas a las de sus colegas masculinos. Opusieron resistencia al lenguaje de la crítica artística rebatiendo el modelo patriarcal con la figura del "genio" y tradujeron la palabra latina "genius" por testículos, motivo que entendían podía explicar el que se utilizara tan poco para describir a las mujeres.

En 1999 el colectivo, que ya había crecido considerablemente, decidió establecerse como Guerrilla Girls Inc., pero sólo un año más tarde empezó a disgregarse: el grupo de performers y el comando online se establecieron por su cuenta, lo que terminó desencadenando un desagradable proceso judicial entre las diferentes partes. Estos últimos sucesos no deberían ensombrecer la labor de denuncia y crítica social emprendida por el grupo durante más de una década. Su activismo fue una alternativa a otras formas de feminismo que se estaban desarrollando en ese momento. Las Guerrilla Girls no fueron las primeras ni las únicas en reivindicar unos derechos que continuaban siendo negados a las mujeres, pero sí fue original y única la forma en que se propusieron combatir esta discriminación: con ingenio, descaro y sobre todo mucha ironía.

http://www.guerrillagirls.com (Página web oficial de Guerrilla Girls Inc.)

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GUERRILLA GIRLS. La conciencia del mundo del arte

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Ocultaban sus rostros con máscaras de simios inspiradas en el personaje de King Kong, que utilizaban como símbolo de dominio masculino, y en sus intervenciones públicas utilizaban como pseudónimo los nombres de artistas fallecidas como Frida Kahlo, Eva Hesse o Lee Krasner, reivindicando así los logros que aquellas habían conseguido.

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¿Hasta qué punto los niños y las niñas de corta edad han incorporado ya a su perspectiva los esquemas de género que existen en el mundo adulto? Cuando nos propusimos hacer esta investigación, que fue publicada en la revista Frontiers in Psychology, queríamos averiguar en qué medida los niños y niñas de entre 4 y 9 años asociaban atributos y profesiones a los hombres y a las mujeres de forma diferenciada.

Aplicamos un diseño de investigación similar al utilizado en otros trabajos previos realizados con muestras infantiles en múltiples países. En una primera fase, se presentaban a los participantes distintos estímulos visuales (fotografías de adultos y niños desconocidos) a los que debían identificar como una persona que era muy inteligente, muy presumida o muy cuidadosa (entre otros atributos).

En la segunda parte de la investigación se introducían distintas profesiones (como policía o florista), que habitualmente aparecen asociadas a uno u otro sexo, y les pedíamos que indicaran en qué medida les parecía que debían ser trabajos realizados solo por los hombres, solo por las mujeres o por los dos tipos de personas.

Los resultados obtenidos nos confirman que los niños y niñas de entre 4 y 9 años que participaron en este estudio tenían interiorizados de forma generalizada los esquemas de género, y los aplicaban de forma clara cuando debían asignar atributos personales o roles profesionales.

Imagen cedida por la autora.

No obstante, estos resultados generales presentan matices y cursos evolutivos diferentes en el grupo de los niños y de las niñas, así como en relación a la masculinidad y la feminidad, siguiendo la línea de múltiples trabajos previos realizados en esta área.

Por un lado, niños y niñas tienden a percibir y hacer propios con mayor rapidez los roles correspondientes a su grupo. Así, por ejemplo, los chicos asocian antes y con más fuerza la inteligencia a los varones, mientras que, por su parte, las niñas tenían un sesgo mayor y más temprano que sus compañeros, según el cual se asociaba la amabilidad a las mujeres.

El desarrollo de estos roles parece estar asociado al proceso de construcción de una identidad propia, que está en parte influida por el grupo (hombre/mujer) en el que se ubican.

La incorporación de determinados roles de género en edades tan tempranas (por ejemplo, asociando la agresividad a la masculinidad y el ser presumidas a las mujeres), de forma paralela al desarrollo de la identidad de género, tendrá sin duda consecuencias evidentes en los niños, al constreñir su desarrollo de forma temprana y promover unas expectativas en muchos casos dañinas.

Género y profesiones

Respecto a la aplicación de los esquemas de género al análisis de las profesiones, hay que destacar que una parte relevante de los participantes consideró que las profesiones expuestas debían ser ocupadas de forma indistinta por hombres y mujeres.

No obstante, los datos muestran la aplicación de una cantidad no desdeñable de estereotipos de género tradicionales a la hora de realizar la asignación de profesiones.

Como ocurría en la tarea sobre atributos personales, se observó una mayor estereotipación de las profesiones masculinas que de las femeninas, constatando de nuevo la aparición de una asimetría de género (mayor rigidez en el ámbito de la masculinidad).

Prestigio social frente a un menor estatus

Por otro lado, como ocurre en la realidad, las profesiones con mayor prestigio social son las que se asociaron con mayor frecuencia a los hombres, frente a las que perciben menos sueldo y tienen menos estatus, en cuyo caso fueron más comunes las respuestas flexibles.

En el grupo de los más jóvenes los esquemas de género tradicionales parecían estar ya incorporados (tanto para los atributos masculinos como para los femeninos, tal y como ocurre en otros estudios previos). Sin embargo, la aplicación de los mismos como expectativas ante personas desconocidas aumentó significativamente con la edad para los roles masculinos, mientras que en el caso de los femeninos se mantuvo estable.

Respecto a las profesiones, la estereotipación de género fue más importante en el grupo de participantes más jóvenes y se redujo en los cursos posteriores, aunque persistieron las respuestas sesgadas en el grupo de los mayores.

Cuidado con los mensajes

Puesto que sabemos que el desarrollo de los intereses vocacionales se forja en la etapa de la educación primaria, debemos prestar especial atención a los mensajes que se envían desde todos los ambientes de desarrollo en relación a estos temas. El objetivo es promover un entorno libre de prejuicios y que permita a niñas y niños dedicarse a aquello que más les guste, independientemente de su sexo.

De modo general, los resultados de esta investigación nos enseñan por primera vez en una muestra infantil española que los avances realizados en las últimas décadas en materia de igualdad de género parecen no ser suficiente, pues persisten esquemas de género que limitan el desarrollo infantil y condicionan las expectativas vocacionales de unas y otros.

Aunque aparentemente las sociedades son cada vez más igualitarias, niñas y niños siguen presenciando en sus contextos de desarrollo numerosas situaciones en las que esta igualdad no es real.

Estas vivencias incluyen experiencias con personas en el núcleo familiar (distribución desigual de las tareas domésticas), infrarrepresentación de las mujeres en los libros de texto, reproducción de roles tradicionales en los medios de comunicación, distribución desigual de la atención y el uso del espacio en los centros educativos, etc.

Todos estos ambientes parecen seguir promoviendo entre los más jóvenes, aún sin ser conscientes de ello, un aprendizaje del mundo como un lugar habitado por dos grupos de personas que tienen diferentes características (la inteligencia, la agresividad, los cuidados) y que deben aspirar a distintos tipos de profesiones en el mundo adulto.

Algunas medidas importantes

Partiendo de estos hallazgos y otros estudios similares que presentan conclusiones parecidas, proponemos en este artículo distintas medidas que pueden implementarse en los contextos de desarrollo para promover una sociedad más libre y flexible respecto a las categorías identitarias de hombre y mujer.

Estas recomendaciones incluyen, por ejemplo, evitar los contextos segregados (colegios o actividades diferentes para niños y niñas), la eliminación de mensajes que defiendan las diferencias entre los hombres y las mujeres o la promoción entre el alumnado de un análisis crítico de los mensajes sexistas, más o menos explícitos, a los que niñas y niños están expuestos desde que nacen.

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Los niños y las niñas interiorizan los roles de género desde los 4 años

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¿Hasta qué punto los niños y las niñas de corta edad han incorporado ya a su perspectiva los esquemas de género que existen en el mundo adulto? Cuando nos propusimos hacer esta investigación, que fue publicada en la revista Frontiers in Psychology , queríamos averiguar en qué medida los niños y niñas de entre 4 y 9 años asociaban atributos y profesiones a los hombres y a las mujeres de forma diferenciada.

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