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Histoire de la musique : Petite Histoire de la Musique Classique

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Les grandes périodes de l’Histoire de la Musique (Moyen-Âge, Renaissance, Baroque, Classique, 19ème et 20ème siècle) avec des extraits musicaux.

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CLASSIQUE
1756-1791

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Mozart : Top 5 de ses morceaux les plus célèbres

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Mozart et musique classique sont forcément liés dans l’esprit du public. Le film Amadeus l’a immortalisé. Opéras, concertos et symphonies témoignent de

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Désigner les notes avec des syllabes plutôt qu'avec des lettres

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Désigner les notes avec des syllabes plutôt qu'avec des lettres

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BAROQUE 1632 - 1687

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Fils de Lorenzo di Maldo Lulli et de Catarina del Sera, dans une famille de meuniers. Remarqué vers 1645 par Roger de Lorraine, duc de Guise, il est placé en 1646 comme garçon de chambre chez Mademoiselle de Montpensier (nièce du duc et cousine de Louis XIV), à la cour.

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MOYEN AGE

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Musicien et poète, il a joui d'une grande popularité.

Originaire de Champagne (ou de Machaut dans les Ardennes ?), on ne sait rien des 20 premières années de sa vie, sinon qu'il est clericus.

Vers 1323 il est au service de Jean de Luxembourg, roi de Bohême et devient son secrétaire.

Il le suit dans ses nombreux voyages et campagnes (Russie, Pologne, Italie, Allemage).

En 1254, il écrit Bone pastor Guillaume, Bone pastor qui pastores pour l'élection de Guillaume de Trèves à l'archevêché de Reims.

Chanoine à Verdun en 1330, et Arras en 1332, il reçoit un canonicat à Reims en 1335, où il semble avoir été obligé à résidence par le pape.

Guillaume de Machaut, Messe de Notre-Dame, " Gloria ", Ensemble Organum.

En 1346, Jean de Luxembourg meurt à la bataille de Crécy. Il est alors au service d'autres maisons princières : Bonne de Luxembourg (fille de Jean de Luxembourg), Charles II de Navarre, Jean de Berry, Charles de Normandie.

On le désigne comme le premier grand compositeur français (musique religieuse et profane), il fut aussi un des plus grands poètes du temps.

Son oeuvre est bien conservée. On y trouve des écrits de circonstance, les dits (destinés à ses protecteurs), des Ballades, virelais, rondeaux, motets, et autres pièces poétiques.

On lui attribue l'ajout d'une quatrième voix dans les motets, et la première messe complète à 4 voix ( Messe de Notre-Dame).

Les œuvres

Narratives

La fontaine amoureuse

La prise d'Alexandrie

Le confort d'ami

Le dit de la fleur de lis

Le dit de la harpe

Le dit de la marguerite

Le dit de la rose

Le dit de l'alerion

Le dit du cerf blanc

Le dit du cheval

Le dit du lyon

Le dit du vergier

Le jugement dou roy de Behaigne

Le jugement du roi de Navarre

Le livre du voir dit

Le remede de Fortune

Musicales

La messe Nostre Dame

42 ballades

11 complaintes

Hoquet David

19 lais

La louange des dames

23 motets

22 rondeaux

33 virelais

Chanson royale insérée dans le Remède de fortune

Bibliographie

Discographie

Guillaume de Machaut
Le vray remède d'amour
Ballades, Rondeaux, Virelais, Motets
Ensemble Gilles Binchois
Dominique Vellard dir.
Harmonic 8825
Cantus 9625
Enregistré en octobre 1988

Anne-Marie Lablaude (soprano) ; Brigitte Lesne (mezzo-soprano, harpe, tambourin) ; Dominique Vellard (tenor, luth) ; Emmanuel Bonnardot (bariton, viéle) ; Jean-Paul Racodon (récitation) ; Pierre Hamon (flûtes) ; Randall Cook (viéle) ;

1. Poem: Je Guillaumes ; 2. Virelai: Dame, vostre doulz viaire ; 3. Motet: Amours qui ha le pouoir / Faus samblant m'a deceu ; 4. Virelai: Je vivroie liement ; 5. Rondeau: Ce qui soustient moy ; 6. Poem: La, firent mains divers acors ; 7. Ballade: Dame se vous m'estes lonteinne ; 8. Ballade: Je ne cuit pas ; 9. Rondeau: Doulz viaire gracieus ; 10. Motet: Christe, qui lux es / Veni creator spiritus ; 11. Poem: Qui des couleurs ; 12. Rondeau: Puisqu'en oubli ; 13. Ballade: Dame ne regardes pas ; 14. Ballade: Doulz amis ; 15. Poem: Long sont mi jour ; 16. Complainte: Tels rit au main ; 17. Virelai: Liement me deport ; 18. Poem: Dès quon porroit ; 19. Ballade: De toutes flours ; 20. Poem: Mon cuer, ma suer ; 21. Motet: Felix virgo / Inviolata genitrix Poem: A Dieu mon tres-dous cuer

Jean-Marc Warszawski
Révision 16 mars 2010

© Musicologie.org 2018.

Musicologie.org, 56 rue de la Fédération, 93100 Montreuil ☎ 06 06 61 73 41

ISNN 2269-9910

Mardi 10 Avril, 2018

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Notice sur Guillaume de Machaut (vers 1300-1377), biographie, œuvres

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Léonard de Vinci, né le 14 avril 1452 - 02 mai 1519

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RENAISSANCE

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24h avec… Léonard de Vinci : Léonard musicien (3/9)

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Tous les instruments électroniques inventés au 20e siècle

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Tous les instruments électroniques inventés au 20e siècle

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120 Years of Electronic Music* explores the history and development of electronic musical instruments from around 1880 onwards. This project defines 'Electronic Musical Instrument' as an instruments that generate sounds from a purely electronic source rather than electro-mechanically or electro-acoustically (However the boundaries of this definition do become blurred with, say, Tone Wheel Generators and tape manipulation of the Musique Concrète era).

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Simon Crab - 120 Years of Electronic Music

The focus of this project is in exploring the main themes of electronic instrument design and development previous to 1970 - and therefore isn't intended as an exhaustive list of recent commercial synthesisers or software packages. As well as creating a free, encyclopaedic, pedagogical resource on the History of Electronic Music (and an interesting list for Synthesiser Geeks) my main interest is to expose and explore musical, cultural and political narratives within the historical structure and to analyse the successes and failures of the electronic music 'project', for example;

Modes of interaction for performers and composers: Atonality and just intonation as a theme in instrument design.

The ideas put forward in Ferruccio Busoni's 'Sketch of a New Aesthetic of Music' (1907) inspired a generation of composers to explore micro-tonal and varied intonation and Hermann von Helmholtz's 'On the Sensations of Tone' (1863) provided an understanding of the physics of sound suggesting the possibility of creating an unlimited palette of tones and shapes beyond the restriction of traditional instrumentation. This lead directly to the design of several new instrument; Thaddeus Cahill's Telharmonium (1897) and Jörg Mager's Sphäraphon (1920s) amongst many other, that explored new forms of interaction freeing the composer and musician from the 'tyranny' of the fixed tempered Piano keyboard (which at the beginning of electronic music instrument design was a fairly recent standard). Though this experiment was ultimately doomed due to commercial pressure on instrument designers to provide simulations of existing instruments on a fixed tempered scale for popular music, the concept survived into the 1960s in 'serious' experimental music with the era of the Electronic Music Studio; GRM, Milan, WDR, Columbia-Princeton Electronic Music Center etc. and even Moog (in the original instruments) and Buchla's modular synthesisers. More recently interest in atonality and non-manual control has re-surfaced with software synthesis and audio computer languages.

New composition tools: Musician-free composition

As well as developing new physical interface models another channel of exploration was to use electronic musical instruments to free the composer from problems associated with performers and performance; removing the musician from the process of musical production allowing the composer to create pure unadulterated music concepts. When this was first proposed - first proposed in Russia in the 1930s by Avraamov and later Hanert's ' Electric Orchestra' (1945), Percy Grainger's ' Free Music Machine' (1948) and Murzin's ANS Synthesiser ) this concept was considered extreme, utopian and unachievable and met considerably hostility from traditionalists This goal has mostly been achieved through digital software but what has been the effect on composition?

An exploration of the dichotomy between radical culture and radical social change: the role of the avant-garde in political movements

After the 1917 Bolshevik revolution in Russia, a utopian avant-garde movement inspired by Futurism and Anarchistic ideas developed which included radical new music and performance. New, atonal, music was written, new types of theatre evolved and new instruments invented to bring about this utopian age; Arseney Avraamov conducted a huge symphony of sirens involving warships, factory hooters and artillery and proposed the destruction of all pianos to free music of fixed tonation. It was proposed that a new scientific culture replace the old archaic cultural order- brought about by new electronic instruments and scientific investigations into audio and visual perception (this period is covered in some detail in Andrei Smirnov's excellent book ' Sounds In Z '). The Bolshevik government, traditionalists at heart and worried at their lack of control of this anarchic movement, suppressed it replacing it with manageable propaganda based culture of uplifting, popular socialist realism; many of the former avant-garde were murdered, imprisoned or sidelined for the rest of their lives.

Similarly, in the early period of Nazi Germany (1933 onwards), Hitler's government made moves to embrace Futurism and Modernism (for example; Marinetti's Berlin Futurist Exhibition of 1934, Sponsored by Goebbels and the Nazi Kdf organisation and the final Berlin Bauhaus before it's exile to the USA). Modernism was a key component of Fascism and early National Socialism; technology was promoted as a National Socialist principle; the Volkswagen ('Peoples Car'), Autobahn's, Film, Mass-entertainment (Controlled through the Kdf 'Strength through joy' organisation) and electronic music; the first every electronic music orchestra ' Das Orchester der Zukunft' at the Nazi-sponsored Berlin IFA in 1933. Again, this avant-garde movement was finally suppressed in favour of conservative fascist popular culture during the late 1930s.

'120 Years Of Electronic Music' is an ongoing web project initiated in 1995 by the author and musician simon.crab@gmail.com . The project is completely non-commercial and self-funded. The aim is to make the information available on a free/open source basis i.e. you can use content in any way as long as the content owners are credited and it would be courteous if you could acknowledge the source by linking or referring to the site.

Simon Crab, Hastings, UK. 2023
*The name: '120 Years of Electronic Music' project was begun in 1996; considering electronic music started around 1880 this was quite an accurate title for the time. Almost twenty years later it's a bit out of date but it's become something a bit of a brand-name and hard to change

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The history of electronic musical instruments from 1800 to 2019

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L'orgue

Avec l'avènement de l'électricité, l'orgue voit d'abord ses soufflets manuels remplacés par des ventilateurs à la fin du 19e siècle, puis l'introduction des commandes électriques assurant la transmission de la console vers le système électropneumatique Barker, permettant ainsi d'éloigner la console de l'instrument.

Le piano quart de ton

Piano quart de ton d'August Förster

En coopération avec le compositeur et théoricien tchèque Alois Haba, August Förster construisit la première version d'un piano à queue à quarts de ton en 1923. Ce piano à queue était composé de deux mécanismes complets, de construction traditionnelle et à accord chromatique, empilés l'un sur l'autre, qui étaient accordés à un quart de ton d'écart.

Un clavier spécial à plusieurs niveaux permettait de jouer les 170 degrés de l'échelle de cet instrument.

En 1928, August Förster a également construit un piano droit à quarts de ton pour le compositeur Ivan Wyschnegradsky.

Voici quelques œuvres écrites pour piano quart de ton :

En fait, Charles Ives n'avait pas attendu l'existence de cet instrument pour composer de la musique pour piano en quart de ton, qui était alors exécutée par 2 pianos accordés avec ¼ de ton d'écart.

Instruments électromécaniques

Le telharmonium ou dynamophone

Le telharmonium a été inventé par l'américain Thaddeus Cahill en 1896. C'était un instrument révolutionnaire, produisant des sons nouveaux générés par un imposant système électromécanique, utilisant des roues phoniques. Les amplificateurs électroniques et les haut-parleurs n'existant pas encore à l'époque, la musique générée par l'instrument était destinée à être diffusée par le réseau téléphonique.

Le telharmonium 2 réalisé en 1906 était un énorme instrument de 20 mètres de long et pesant 200 tonnes.

Présentation du telharmonium dans une revue
scientifique de 1907 (cliquez sur l'image pour l'agrandir)

Son principe était le suivant :

Chaque roue phonique est constituée d'une roue crantée qui tourne devant une bobine et un aimant faisant office de micro, générant ainsi un signal dont la fréquence dépend de la vitesse de rotation et du nombre de crans. L'amplification électronique n'existant pas, il fallait utiliser des cylindres très massifs afin de générer un courant suffisant pour alimenter les lignes téléphoniques, ce qui explique la taille et le poids de l'instrument.

Le principe des roues phoniques sera repris plus tard dans la conception de l'orgue Hammond qui lui, bénéficiera de l'amplification électronique.

L'orgue Hammond

(Musée de la musique de Paris)

Le premier orgue Hammond a été conçu et construit en 1935 par Laurens Hammond et John Hanert. Il utilise la technologie directement issue du telharmonium de Cahill de 1900, mais à une échelle beaucoup plus réduite. Comme pour le telharmonium, les sons sont générés par des roues phoniques.

L'ensemble générateur de sons est composé d'un moteur synchrone connecté à un train d'engrenages qui entraîne une série de roues phoniques, tournant chacune devant une bobine et un aimant faisant office de micro.

L'année 1955 voit la naissance du B3, doté de deux claviers superposés de 61 touches chacun, d'un pédalier de 25 notes, d'effets de vibrato et d'un système de percussions, qui sera commercialisé jusqu'en 1975.

En 1960, il est équipé de haut-parleurs rotatifs (cabine Leslie).

Laurens Hammond a également breveté un dispositif de réverbération électromécanique utilisant la torsion d'un ressort hélicoïdal. Cette " chambre à écho " à ressorts a été plus tard largement utilisée dans d'autres instruments électroniques.

Après 1975, les générateurs à roues phoniques sont remplacés par des systèmes électroniques à transistors, puis par de l'électronique numérique.

L'orgue Hammond est surtout devenu très populaire avec le jazz, et en particulier dans les années 1950 avec Jimmy Smith, puis avec Rhoda Scott.

Ecoutez :

Pour en savoir plus, voyez l'article de Pianoweb.fr.

Instruments électroniques

Le thérémine ou terminvox

Sur cet instrument inventé en 1919 par le russe Lev Sergueïevitch Termen, connu sous le nom de " Léon Theremin ", le musicien contrôle la hauteur et l'intensité de la note en modifiant la position de ses mains par rapport aux antennes.

Léon Theremin jouant son propre instrument.

Le principe du thérémine est basé sur un oscillateur dont la fréquence d'oscillation dépend des valeurs des composants L et C, et dans lequel la valeur du condensateur C est modifiée par le corps humain.

En fait, les fréquences audibles (de 20 à 20 000Hz) sur un thérémine sont obtenues par le battement de 2 oscillateurs à haute fréquence, l'un fixe, l'autre piloté à l'aide des antennes par l'instrumentiste.

Le thérémine est peu utilisé dans la musique classique qui lui a préféré les ondes Martenot, mais il est resté très populaire en Asie. Il a par ailleurs été utilisé au cinéma, en particulier dans les films de science-fiction, et dans de nombreuses musiques populaires, telles que " Good vibration " des Beach Boys ou Cyber de Zazie.

Quelques compositeurs contemporains se sont essayés au thérémine, tels que Christopher Tarnow avec sa Sonate pour thérémine et piano (2013) ou Kalevi Aho avec son concerto pour thérémine et orchestre de chambre "Acht Jahreszeiten" (Huit saisons) (2011).

Le rhythmicon

Le rhythmicon, appelé aussi polyrhythmophone, a été inventé par Léon Theremin, sur commande du compositeur américain Henry Cowell. Ce dernier lui demande de réaliser un instrument à clavier lui permettant de produire et de paramétrer simultanément seize rythmes périodiques. C'est ainsi qu'est née la première boite à rythme de l'histoire de la musique.

Démonstration du rhythmicon
de Léon Theremin.

Pour créer des rythmes, le rhythmicon utilise des capteurs photoélectriques placés derrière des disques troués laissant passer des faisceaux de lumière.

A partir d'un clavier, on peut produire 16 rythmes différents, chaque touche jouant un son en boucle, aussi longtemps que la touche est activée.

Une première touche étant ajustée par un levier à un rythme de base, les autres touches jouent des multiples de ce rythme, permettant ainsi de créer une polyrythmie.

L'instrument est équipé de 2 disques : l'un correspondant aux rythmes, l'autre à la hauteur du son associé à chaque rythme.

Henry Cowell, le commanditaire du rhythmicon, écrivit deux œuvres pour cet instrument : " Rhythmicana " (1931) (renommé plus tard " Concerto pour Rhythmicon et Orchestre ") et " Musique pour violon et Rhythmicon " (1932).

Le rhythmicon, après un oubli de 25 ans, a été redécouvert dans les années 1950 par le producteur Joe Meek qui l'utilisa dans plusieurs enregistrements. Il a aussi été utilisé pour des effets sonores dans certains films des années 1950 et 1960.

Le trautonium

Oskar Sala au trautonium en 1935

Le trautonium, inventé par l'Allemand Friedrich Trautwein en 1930, est un instrument de musique électronique dont les sons sont produits par des oscillateurs à tubes électroniques alimentant un haut-parleur. Le timbre du trautonium est commandé par un jeu de boutons-poussoirs affectant les harmoniques supérieurs.

La hauteur du son est contrôlée par un fil d'acier tendu sur une barre en acier où l'on a indiqué les intervalles de la gamme : on modifie la fréquence soit en touchant le fil, ce qui permet de faire des glissandos, soit par des touches permettant de jouer des notes préréglées.

C'est grâce à cet instrument qu'Hitchcock a pu créer la bande-son de son film, " Les Oiseaux ".

Outre Oskar Sala dans la musique de film, cet instrument a inspiré Paul Hindemith ( concertino pour trautonium et cordes en 1931, 7 pièces pour 3 trautoniums) et son élève Harald Genzmer (deux concertos pour trautonium, 1939, 1952).

Le Trautonium est fondé sur le même principe que les Ondes Martenot mais il n'eut pas le même succès sans doute à cause de ses plus nombreux réglages, entrainant une sonorité moins bien définie, et une mise en œuvre plus difficile.

Les Ondes Martenot

Ondes Martenot de 1930 et palme de 1947 (Musée de la musique de Paris)

Les ondes Martenot ont été inventées par Maurice Martenot (1898-1980) en 1928.

C'est l'un des premiers instruments électriques, et le seul de cette période à avoir suscité un aussi vaste répertoire et à être pratiqué encore aujourd'hui.

Son répertoire compte des centaines d'œuvres de Varèse, Messiaen, Honegger, Milhaud, Boulez, Jolivet, Dutilleux, Martinu...

Les ondes Martenot sont également très utilisées dans la chanson et la musique de film.

La " palme " située à côté du clavier est un diffuseur (haut-parleur) qui peut s'utiliser seul ou en combinaison avec un diffuseur principal.

Le son des Ondes Martenot est produit par des oscillateurs et filtres électroniques d'abord à lampes puis, après 1975, à transistors.

Comme dans le cas du thérémine, les fréquences audibles sont obtenues par le battement de 2 oscillateurs à haute fréquence, l'un à fréquence fixe, l'autre à fréquence variable piloté par l'instrumentiste. La fréquence obtenue ainsi est la différence des 2 hautes fréquences.

L'instrumentiste règle l'intensité du son (la nuance) avec une touche située dans le tiroir à sa gauche, et la fréquence du son (la hauteur) soit au clavier, soit avec une bague associée à un ruban qui longe le clavier et qu'il fait coulisser pour obtenir la note désirée.

Sur les premiers modèles, le clavier était fictif et servait de repère visuel pour le musicien jouant uniquement " à la bague ".

Le jeu au ruban (ou à la bague), à la main droite, permet de jouer sur la hauteur de la note sans aucune discontinuité des graves à l'aigu, permettant ainsi tous les glissandos.

La touche d'intensité de la main gauche, grâce à sa grande plage dynamique, permet toutes les nuances du pianississimo au fortississimo, ainsi que différents staccatos et modes d'attaque.

Le tiroir comprend également des boutons transpositeurs permettant au clavier de 6 octaves de couvrir jusqu'à 9 octaves, ainsi que des commandes permettant de sélectionner les timbres et les diffuseurs, et de régler les balances.

Le clavier, mobile latéralement, permet un vibrato contrôlé par oscillations du poignet ou du bras, mais aussi les micro-intervalles jusqu'au demi-ton.

Les diffuseurs (nom donné aux haut-parleurs) sont au nombre de 3 :

Le diffuseur " principal" (haut parleur traditionnel)

Le diffuseur " résonance", palme en forme de flamme, dont les cordes, placées sur une caisse de résonance et accordées, permettent au son de se prolonger en vibrant par sympathie.

Le diffuseur " métallique", haut-parleur dont la membrane est remplacée par un gong en métal, provoquant un halo sonore métallique de hauteur précise.

Plus récemment, en 1980, on a remplacé la palme du diffuseur " résonance " par un système à ressorts qui permet le même résultat mais avec plus de puissance.

Cette vidéo de Thomas Bloch montre les possibilités de l'instrument :

Voir aussi la page consacrée aux Ondes Martenot sur le site de Thomas Bloch.

Voici quelques œuvres pour ondes Martenot, choisies parmi le vaste répertoire de cet instrument :

L'ondioline

Inventée par le français Georges Jenny en 1941, l'ondioline est un précurseur des synthétiseurs.

L'ondioline, comme les ondes Martenot utilise des circuits électroniques à lampes, mais au lieu d'utiliser des oscillateurs à haute fréquence, il utilise des multivibrateurs dont la caractéristique est de produire des signaux carrés. Ceux-ci, riches en harmoniques, permettent, après un filtrage approprié, de produire une très grande variété de sons, et d'imiter ainsi le timbre d'un grand nombre d'instruments traditionnels. Une quinzaine de curseurs agissant sur des filtres électroniques permet de synthétiser le son voulu.

Le clavier s'inspire de celui des ondes Martenot : Il est suspendu sur des ressorts, permettant au joueur d'introduire un vibrato naturel en déplaçant le clavier latéralement avec la main qui joue.

L'intensité du son est réglée par le clavier qui est sensible à la pression, ainsi que par un levier commandé au genou.

Une commande par ruban permet aussi de produire des effets de percussion.

L'ondioline a été essentiellement utilisée dans la musique de variété et dans la musique de film. Charles Trenet l'a utilisée en 1951 dans sa chanson " L'âme des Poètes ".

Le clavioline, inventé par Constant Martin en 1947, est une évolution de l'ondioline.

Les synthétiseurs

Il existe diverses façons de synthétiser le son, mais on peut distinguer deux types principaux de synthétiseurs :

-Les synthétiseurs analogiques.

-Les synthétiseurs numériques.

Les synthétiseurs analogiques sont apparus dans les années 1960. Ils sont basés sur des signaux analogiques produits par des oscillateurs, puis traités par différents circuits électroniques.

Ces signaux peuvent être sinusoïdaux, triangulaires, carrés ou en dent de scie.

Deux types de synthèse peuvent être utilisés :

La synthèse additive qui consiste à ajouter des signaux simples pour créer un son complexe.

La synthèse soustractive, qui consiste à filtrer (à trier en quelques sorte) les nombreuses harmoniques que présentent des signaux triangulaires ou carrés pour obtenir le son désiré.

Un synthétiseur analogique est donc composé de différents modules dont :

-Des oscillateurs

-Des filtres

-Des modulateurs

-Des amplificateurs

Robert MOOG a été l'inventeur du premier synthétiseur modulaire.
Les modules d'un synthétiseur analogique
Les synthétiseurs numériques sont apparus dans les années 1980. Ils utilisent des ordinateurs ou des microprocesseurs, et traitent des signaux codés sous forme de nombres. Un signal analogique est ainsi représenté par une suite de nombres qui vont bénéficier du traitement informatique pour créer des sons parfaitement propres (sans bruit) et d'une grande dynamique. Le résultat du traitement numérique est ensuite converti en signal analogique pour être amplifié et diffusé par des haut-parleurs.

Un synthétiseur numérique peut créer lui-même ses sons ou utiliser une banque de sons échantillonnés, toujours sous forme numérique.

Synthétiseurs analogiques (Musée de la musique Paris)
Les synthétiseurs analogiques, apparus en 1964, permettent de produire une grande variété de sonorités et de renouveler ainsi le langage musical.

Série 900 de 1965 (Musée de la musique Paris)
Ce synthétiseur analogique de Robert Moog est le premier à posséder un grand nombre d'oscillateurs. Il comprend 18 modules de différentes catégories : Oscillateurs, filtres, amplificateurs, modulateurs.

Synthétiseur de percussions de 1971
(Musée de la musique Paris)

Ce prototype de Robert Moog, fondé sur des procédés de synthèse analogique, est l'un des premiers synthétiseurs de percussions.

Synclavier de 1979 (Musée de la musique Paris)
Le synclavier, créé en 1978, est l'un des premiers modèles de workstation, c'est-à-dire un synthétiseur numérique piloté par un ordinateur, regroupant synthétiseur numérique, séquenceur et échantillonneur.

Le studio de musique électroacoustique

La musique électroacoustique a pour origine la musique concrète conceptualisée en France par Pierre Schaeffer en 1948 et la musique électronique développée au début des années 1951 à Cologne.

(Voir la page consacrée à la musique électro-acoustique, dans le chapitre consacré à la musique contemporaine)

Les premières années de la musique électroacoustique, appelée aussi musique acousmatique, voient la naissance de nombreux studios :

A Paris : En 1948, naissance du groupe de musique concrète, devenu en 1958 le groupe de Recherche Musicale (GRM).

A Cologne : création en 1951 du Studio für Elektronische Musik (Studio de musique électronique).

A New York: création en 1952 du Studio privé de Louis et Bebe Barron, avec le " Project of Music for Magnetic Tape " (musique pour bande magnétique)

A Tokyo: création en 1954 du Studio de musique électronique de la radio NHK

A Milan: création en 1955 du Studio de phonologie musicale.

La musique électroacoustique évoluera dans les années suivantes en particulier avec le développement de l'informatique.

Le studio du GRM (Groupe de Recherche Musicale) à Paris

En 1948, au studio d'essai de la RTF, l'ingénieur Pierre Schaeffer conçoit la musique concrète, diffusée par haut-parleurs et composée à partir de bruits et de sons préenregistrés.

En 1951, il fonde avec Pierre Henry et l'ingénieur Jacques Poullin, le groupe de musique concrète, devenu en 1958 le groupe de Recherche Musicale (GRM).

Le studio de musique électroacoustique du GRM, basé dans les bâtiments de la RTF (Radiodiffusion-Télévision Française) à Paris, est conçu autour des théories sonores de Pierre Schaeffer, qu'il décrira en 1966 dans son livre " Traité des Objets Musicaux ".

En 1960 François Bayle rejoint Pierre Schaeffer et le Groupe de Recherches Musicales lors de la création du Service de la Recherche de la RTF. En 1966, François Bayle devient responsable du GRM qui sera intégré en 1975 à l'Institut National de l'Audiovisuel. Il y crée l'Acousmonium, orchestre de haut-parleurs associé à des instruments de pilotage performants permettant de régler finement la spatialisation des sons. Il assurera la direction de ce département jusqu'en 1997.

GRM: synthétiseur de Francis Coupigny (1967) (Musée de la musique de Paris) Conçu à la demande de Pierre Schaeffer en 1967, cet " instrument " comportait une console de mixage, un lecteur-enregistreur de bandes multipistes, un système d'amplification et un synthétiseur analogique modulaire, programmable par matrices à fiches.

La conception du studio était strictement basée sur les théories de Pierre Schaeffer et était entièrement centrée sur l'enregistrement, l'édition et la manipulation de bandes magnétiques.

A cette fin, de nouveaux instruments à bandes magnétiques ont été créés et intégrés dans le studio, tels que le phonogène et le morphophone.

Le phonogène était un instrument à bande magnétique à plusieurs têtes conçu par Jacques Poullin. Trois versions de l'instrument ont été créées :

Phonogène chromatique

Le phonogène chromatique. Une bande en boucle est déroulée par 12 poulies de diamètres différents ou de vitesse variable, chaque poulie correspondant à une vitesse de défilement de la bande, sélectionnées par un petit clavier d'une octave, permettant ainsi 12 degrés de transposition chromatique.

Le phonogène à coulisse réalise les transpositions en faisant varier la vitesse de la bande au moyen d'un levier.

Le phonogène universel permet la transposition du son sans en modifier la durée et vice-versa, grâce à une tête magnétique rotative appelée "régulateur temporel de Springer ".

Le Morphophone était un mécanisme de boucle de retard à bande magnétique (système d'écho), réalisé dans les années 60 par Abraham Moles et Jacques Poullin.

Il était conçu pour construire des formes complexes par la répétition et l'accumulation d'événements par le biais de retards, de filtrage et de rétroaction.

Il se composait d'un disque rotatif de 50 cm de diamètre, sur lequel était collée une bande magnétique, entouré de 12 têtes magnétiques : une d'enregistrement, une d'effacement et dix de lecture.

Un son pouvant durer jusqu'à 4 secondes était enregistré sur la boucle magnétique et les dix têtes de lecture pouvaient lire les informations avec différents retards, selon leur position (réglable) autour du disque.

Le son de chaque tête était traité par un amplificateur et un filtre passe-bande, et pouvait modifier l'enregistrement original par des boucles de rétroaction.

Le GRM attira un grand nombre de compositeurs d'avant-garde célèbres tels qu'Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varèse, Iannis Xenakis, Michel Philippot, et Arthur Honegger.

Voici quelques œuvres produites au GRM de 1951 à 1953 :

Le studio de la WDR à Cologne.

Le Studio de musique électronique de la radio de Cologne (Westdeutscher Rundfunk - WDR) a été fondé par les compositeurs Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer, et Herbert Eimert sur la base des idées de Meyer-Eppler décrites dans son livre de 1949 : " Production de son électrique : Musique électronique et voix synthétiques ". Le studio invente ainsi la " musique électronique ", utilisant le son synthétisé par voie électronique, en opposition avec la " musique concrète " de Pierre Schaeffer au GRM à Paris, qui utilise l'enregistrement de sons existants.

Le studio de la WDR est considéré comme le père de tous les studios de musique électronique. Il est rapidement devenu un lieu de rencontre pour de nombreux compositeurs d'avant-garde, mais c'est surtout Karlheinz Stockhausen, arrivé à la WDR en 1953 avant d'en devenir le directeur en 1962, qui en est la figure la plus marquante. Ses œuvres telles que " Gesang der Jünglinge " (Chant des adolescents) et " Kontakte " en 1960 et " Hymnen " en 1967, sont devenues des références dans l'histoire de la musique électronique.

Vue du studio WDR montrant un magnétophone 4 pistes et un ensemble de générateurs d'onde et de filtres

L'équipement du studio comprenait un Trautonium modifié selon les spécifications de Meyer-Eppler et un Melochord d'Harald Bode.

En plus de ces instruments, le studio comprenait également

Des générateurs de bruit et de signaux sinusoïdaux, rectangulaires et en dents de scie.

Des magnétophones mono, stéréo et 4 pistes et un enregistreur à vitesse variable à tête magnétique rotative, de type " Springer ".

Des filtres audio

Un générateur d'impulsions

Des haut-parleurs rotatifs pour l'enregistrement des sons spatiaux

Des chambres d'écho et de réverbération. La chambre de réverbération était une grande salle vide où les sons émis par les haut-parleurs étaient ré-enregistrés avec l'ambiance de la pièce.

L'équipement de l'atelier a été mis à jour suivant les spécifications de Stockhausen au début des années 1970 pour y inclure des synthétiseurs modulaires de l'époque.

On trouvera une histoire détaillée du studio de la WDR sur Wikipedia.

Le studio de phonologie à Milan

Le Studio Di Fonologia a été fondé en 1955 par les compositeurs Luciano Berio et Bruno Maderna à Milan avec la Radio Télévision Italienne (RAI). Son concept dépassait les choix de la Musique Electronique et de la Musique Concrète en faisant coexister ensemble les sons naturels et les sons purement électroniques.

L'équipement matériel du studio de Milan était composé de :

neuf générateurs d'ondes sinusoïdales

un générateur de bruit blanc

un générateur d'impulsions

une version modifiée d'Ondes Martenot

un ensemble de magnétophones mono, stéréo et quatre pistes.

L'existence de neuf générateurs d'ondes sinusoïdales présentait l'avantage sur le studio de Cologne, de permettre aux compositeurs d'ajuster certains paramètres en temps réel.

Le studio de phonologie a été fermé le 28 février 1983.

Quelques œuvres réalisées au studio :

Traitement du son en temps réel

Salle informatique de l'IRCAM en 1989

A partir de 1960, l'informatique joue un rôle croissant dans les techniques de composition. Et les années 1970 voient l'explosion de la musique électronique avec le traitement du son en temps réel.

Des normes nouvelles permettent aux différents éléments de la production sonore de communiquer entre eux, telles la norme MIDI (Musical Instrument Digital Interface ) inventée en 1983, ou la norme SDIF (Sound Description Interchange Format) développée avec la participation de l'IRCAM.

L'IRCAM

En 1969, Pierre Boulez crée l'Institut de recherche et coordination acoustique / musique (IRCAM), consacré à la science de la musique et du son et à la création musicale électroacoustique.

On y trouve, entre autres, une salle à jauge et acoustique variable (espace de projection), des studios, une chambre anéchoïque et une médiathèque.

Mesure de rayonnement acoustique dans la chambre anéchoïque.

L'IRCAM est à la fois un centre de recherche musicale, et un centre culturel pour la musique contemporaine. Les compositeurs y trouvent des stages de formation à l'informatique musicale ainsi qu'une assistance technique pour réaliser des parties de leur musique, en utilisant par exemple des programmes de composition assistée par ordinateur. Ce fut le cas entre autres pour les compositeurs de musique spectrale Tristan Murail et Kaija Saariaho.

Voici deux exemples de composition réalisée à l'IRCAM :

Voir aussi : le site de l'IRCAM

Autres studios de musique expérimentale

Le studio du GMEB (Groupe de musique expérimentale de Bourges)

Le GMEB a été fondé en 1970 et a développé des outils tels que le Gmebogosse (1972) et le Gmebaphone (1973), instrument de diffusion-interprétation électroacoustique devenu Cybernéphone,qui font date dans l'histoire de la lutherie électroacoustique.

En 1994, le GMEB prend le nom d'Institut International de musique électroacoustique de Bourges ( IMEB) et est labellisé en 1997 " Centre National de Création Musicale ", jusqu'à sa disparition en 2011.

Le studio du GMEM (Groupe de Musique Expérimentale de Marseille)

Le GMEM a été fondé en 1972 à Marseille par un collectif de compositeurs dont Georges Boeuf, Michel Redolfi et Marcel Frémiot. On y fait entre autres des recherches sur la synthèse des micro-sons.

Jean-Claude Risset y a composé des musiques acousmatiques.

Le GMEM a été labellisé en 1997 " Centre National de Création Musicale ".

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Tous les instruments électroniques inventés au 20e siècle sont ici :
120 Years of Electronic Music

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Les instruments de musique du 20ème siècle

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L'orgue Avec l'avènement de l'électricité, l'orgue voit d'abord ses soufflets manuels remplacés par des ventilateurs à la fin du 19e siècle, puis l'introduction des commandes électriques assurant la transmission de la console vers le système électropneumatique Barker, permettant ainsi d'éloigner la console de l'instrument.

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Dans les coulisses de l’orchestre national du Capitole - Vidéo Dailymotion

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L’Orchestre national du Capitole de Toulouse (ONCT) était en concert vendredi 5 octobre au théâtre Olympe-de-Gouges de Montauban. Immersion dans les coulisses de la représentation, lors de l’installation sur scène avec les techniciens de l’ONCT.

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Les différents métiers liés à un orchestre classique

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Les différents métiers liés à un orchestre classique

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Section Technicien Supérieur STS des métiers de l'audiovisuel Lycée Jean Rostand Roubaix

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Métiers de l'ombre de l'Orchestre National de Lille

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Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

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Snarky Puppy Stage Changeover - Time Lapse -

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Snarky Puppy Stage Changeover - Time Lapse -

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Snarky Puppy Stage Changeover - Time Lapse - Bluesfest, AUS

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Muse - Time Lapse Video Of The 2nd Law Stage

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Muse - Time Lapse Video Of The 2nd Law Stage

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Muse - Time Lapse Video Of The 2nd Law Stage

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Rammstein - Europe Stadium Tour (Time Lapse)

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repérage au sol type des instruments & praticables

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Plan de scène type trio

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JARDIN/COUR COMMENT SE REPÉRER SUR SCÈNE ? Digression musicale #15

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Visite  virtuelle PLATEAU Philharmonie de Paris

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Visite  virtuelle PLATEAU Philharmonie de Paris

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QCM plateau de concert musique classique & jazz

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QCM plateau de concert musique classique & jazz

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Backstage @ Download Festival (Bring Me The Horizon)

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Elles sont indispensables, de préférence sur mesure.
Les cellules ciliées:
elles permettent le codage de l'intensité de la stimulation sonore en un message nerveux électrique, qui est ensuite véhiculé au cerveau par les fibres du nerf auditif.Elles n’ont pas la capacité de se régénérer.

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Infographie musicale

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Pre 1900s 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970 1980 1990 2000 Jump Blues Electric Blues Boogie woogie Blues Emo No Wave Gothic Rock New German Wave Post Punk Noise Rock Dark Wave Industrial Rock 2 Tone New Wave Alternative Country Gothabilly Country Pop Rockabilly Western Swing Country

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Watch the development of rock music unfold and listen to it's musical influence over the past century.

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jazz, blues, fanfare,setc...

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Visite virtuelle Transmusicales de Rennes

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Visite virtuelle Transmusicales de Rennes

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Une ballade immersive dans les Transmusicales de Rennes en réalité virtuelle VR 360

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Ballade immersive dans le festival des transmusicales de Rennes en réalité virtuelle VR 360 au parc exposition de Saint Jacques, l'Ubu, l'étage, le liberté

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Visite virtuelle de l’Auditorium de Radio France 

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Visite virtuelle de l’Auditorium de Radio France 

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Visite virtuelle à 360° de l'Auditorium | Maison de la Radio

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Découvrez l'Auditorium de la Maison de la radio à travers une visite virtuelle à 360 degrés. Explorez cette salle à l'esthétique et à l'acoustique remarquables comme si vous y étiez, à l'aide de votre mobile, tablette, ordinateur.

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Visite virtuelle d'une scène de résidence

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Visite virtuelle d'une scène de résidence

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Espace Résidence | Virtual tour generated by Panotour

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Visite virtuelle salles de concert "Le Tetris" au Havre

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Visite virtuelle salles de concert "Le Tetris" au Havre

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Stagecraft 101 - Basic Stage Terms For Musicians, Actors, and Techs.

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avec Mezerg

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avec un orchestre Philarmonique...

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KATICA ILLÉNYI - Once Upon a Time in the West  - Theremin

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Un des premier instruments électroniques

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QCM plateau de concert musiques amplifiées

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QCM plateau de concert musiques amplifiées

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Régisseur d'orchestre, un métier enseigné au CFA de l'Opéra

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sur cadre à roulettes

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ou praticable sur roulettes

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Quelques termes anglais employés sur scène

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 Le plateau d'un concert symphonique ou philharmonique

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 Le plateau d'un concert symphonique ou philharmonique

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il n’y a aucune distinction réelle entre un orchestre philharmonique et un orchestre symphonique. Les deux désignent un ensemble de taille équivalente, regroupant les mêmes instruments et jouant les mêmes répertoires.

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L'orchestre de chambre (environ 30 musiciens) est organisé autour du quintette des cordes frottées . Il est dirigé par un chef d'orchestre. Il n'est pas rare d'y trouver le cas échéant pour compléter la structure de base : cors, trompettes, parfois des timbales...

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La formation la plus traditionnelle emploie quatre sections instrumentales, appelées aussi pupitres :
-les saxophones :
-les trompettes,
-la section rythmique : piano (ou orgue), contrebasse (ou guitare basse) et batterie, complétée souvent par la guitare et parfois par diverses percussions.
-On y retrouve également un ou plusieurs chanteurs .

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Brève histoire des musiques amplifiées

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Brève histoire des musiques amplifiées

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L'orchestre baroque

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Un orchestre d'harmonie (ou harmonie) est un ensemble musical regroupant la famille des bois, la famille des cuivres et la famille des percussions, ainsi que la contrebasse à cordes, voire, le violoncelle. Il peut également inclure à l'occasion des instruments particuliers (piano, clavier, guitare, guitare basse, célesta, harpe, etc.) et même la voix.

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Exemple de 2 scènes, qui jouent en alternance.

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Backstage