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La música puede cambiar totalmente el contenido emocional de una misma escena. Una escena romántica puede verse convertida en una escena de intriga o cómica según la música de fondo que se utilice.

Además, la utilización de la música sirve para aportar y modificar en la historia los tiempos de la acción en virtud de su carga emocional. Incluso puede organizar saltos emocionales, anticipando o rememorando acontecimientos.

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Apocalypse now, es una película dirigida por Francis Ford Coppola estrenada en 1979 que habla sobre un capitán de la marina de Estados Unidos que es enviado a Camboya durante la Guerra en Vietnam, por una misión peligrosa la cual consiste en matar a un alto mando que se ha vuelto loco y se ha convertido en unDios para una tribu.

En este fragmento de la película se oye el el ruido de fondo de los helicópteros y la cabalagata de las walkyrias de Wagner como modo de exasperación del enemigo.

La función del sonido en este caso es de forma expresiva y hace que se aumente la sensación de realidad de una imagen, a su vez t ransmite más información dándole un mayor valor a la imagen y creando ambiente.

El sonido utilizado en este caso es un sonido no diegético, ya que la fuente del sonido no está representada en el espacio de la imagen, sino que está añadida en la postproducción.

En conclusión, el sonido da ritmo a la imagen, da mayor expresividad a la imagen y crea climas emocionales.

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La música de los títulos sirve frecuentemente para situar al público en el ambiente de la pieza. En este caso, en la serie American Horror Story creada y producida por Ryan Murphy y Bad Falchuk para FX la música es esencial para el entendimiento de la serie.

La banda sonora de Charlie Clouser utilizada para la serie se presenta desde sus títulos como una banda sonora original y muy modulada al miedo y que siempre se mantiene con base en la ficción. Aunque de por si, ésta ya tiene mucha carga dramática y de horror la banda sonora ayuda a darle un mayor dramatismo a la imagen.

La utilización de la música en películas o series de horror tiene una gran carga en cuanto a la transmisión de las sensaciones y los acontecimientos. Es por ello que el sonido es fundamentales, ya que crea tensión y expectación en los acontecimientos.

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American Horror Story Coven Finale Review

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Jessica Lange American Horror Story Asylum

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American Horror Story: Opening Credits of all 3 seasons (HD)

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So, which one is your favorite? Gotta say mine is Asylum!

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Hace referencia al hecho de que todo lo que aparece en pantalla supeditado según la voluntad del director o realizador.

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Submarine es una película británica de tinte tragicómico estrenada en el año 2010, basada en el libro homónimo de 2008 de Joe Dunthorne, la cual cuenta la historia de Oliver Tate, muchacho de 15 años, que está enamorado de su compañera de clase Jordana. Cuando Jordana descubre que le gusta a Oliver comienzan una relación el fin de poner celoso a su ex novio. El plan de Jordana falla. La relación entre Oliver y Jordana crece, pero en el momento se entera que la madre de su novia posee un tumor cerebral y que puede terminar con su vida descubre que la Jordana que ama representa un riesgo emocional debido a su situación sentimental.

La puesta en escena de esta película está muy cuidada, creando que el punto principal de la película sea Jordana. En casi todas las escenas del film la protagonista lleva algo de color rojo que hace que llame la atención del público, incluso cuando no se le ve. Lo más característico es su chubasquero rojo.

Cuando ella no está, o existe alguna elemento que obstruye la visión de ésta el realizador colocaba cuidadosamente algún objeto que tratase que los espectadores miraran consciente o inconscientemente a ella. Por ejemplo, en la escena que se muestra debajo, su caja de lápices es de color rojo y por si esta podía ser bloqueada por alguna elemento de la imagen el director hizo que la actriz encendiera y apagara un mechero para llamar la atención del espectador sobre ella y darle la importancia que se pretendía.

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THE GRAND HOTEL BUDAPEST de Wes Anderson

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THE GRAND HOTEL BUDAPEST de Wes Anderson

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El gran hotel Budapest es una comedia triste y nostálgica, exagerada y melancólica, con una fina capa de humor negro que trata sobre la historia de Gustave, conserje de un hotel de entreguerras, que entabla una gran amistad con el botones del lugar, al que convierte en su protegido. Todo transcurre con normalidad hasta que en el hotel se produce un robo de una valiosa pintura renacentista. Gustave intenta encontrarla al tiempo que en el hotel se produce una gran disputa familiar por una enorme fortuna.

Es muy importante la puesta en escena del film así como los giros dramáticos perfectamente hilados de una escena a otra que ayudan a crear ese mundo fantástico y personal del director.

Como se puede observar en la imagen, los fondos no pasan a un segundo plano sino que cogen gran importancia. El film destaca por la sobresaturación del color, así como la utilización de unos exagerados movimientos de cámara, dándole un tono superlativo. La cámara, por lo general, suele estar en un punto fijo, es desde éste donde se mueve de un lado a otro, de izquierda a derecha o de arriba hacia abajo. La cámara siempre está allí y son los personajes los que por lo general entran para que su lente los capte y no al revés.

La iluminación utilizada es de gran importancia, ya que es estilizada y artificiosa dándole una mayor importancia a los objetos de la escena. Así como la utilización de colores llamativos y vibrantes.

Cabe destacar la banda sonora creada por Alexander Desplat, que ambienta de la mejor de las maneras la época que se retrata, así como la progresión dramática y narrativa de la historia.

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Las vírgenes suicidas es una película dirigida por Sofia Coppola basada en la novela de Jeffrey Eugenides que trata sobre la historia de las hermanas Lisbon y el recuerdo de un grupo de adultos que intentan resolver el misterio que para ellos supuso en su adolescencia el suicidio de las cinco rubias y guapas hermanas del barrio. A través de documentos que guardaron como tesoros, objetos de aquellas chicas a las que adoraban desde la distancia y entrevistas a personas que estuvieron en contacto con ellas.
La puesta en escena de la película está minuciosamente pensada y es de gran importancia para el entendimiento final de la historia. La iluminación y colorido divide la historia en tres diferentes formas de verla:

1. El mundo de las hermanas Lisbon en el que predominan los colores cálidos. Estos colores reflejan la fragilidad, la niñez, y la virginidad. Sus vestimentas también se encuentran entre esa gama de colores pastel y en su mayoría son vestidos lo que nos remiten a esa idea.

2. El exterior al mundo de estas hermanas es de colores fríos. Los padres de las hermanas usan en sus vetsimentas los mismos colores que sus hijas pero mucho más intensos.

3. La película está narrada desde el punto de vista de unos chicos, por lo que cuando se narra desde su punto de vista las escenas toman colores opuestos a los de las hermanas, debido a la ingenuidad e idealización de los chicos a las chicas. El color predominante en sus vestimentas son el azul, verde y rojo.

Por último, como se muestra en la imagen, en la escena de la fiesta final, tras el suicido de las hermanas, se realiza una fiesta, en la cual los asistentes acuden con mascaras debido a la contaminación. Esta escena está filmada con un filtro verde y lo relacionamos con la ruptura de la niñez y del mundo perfecto e ideológico que existían cuando las hermanas vivían. Es decir, luego del acontecimiento del suicidio, para los chicos, la adolescencia ahora aparece como podrida, sucia y no con colores cálidos como ocurría cuando ellas estaban vivas.

En conclusión, en dicha película cobra gran importancia el color y filtros utilizados para la grabación, así como los colores de la vestimenta y decorado, que sitúan al espectador en los diferentes puntos de vista desde los que se narra la historia. Además, dicha puesta en escena tiene un papel importante, ya que ayuda en la narración de la misma y tiene una gran carga en cuanto a la transmisión de las sensaciones y los acontecimientos.

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Los Otros es una película del director español Amenabar que cuenta la historia de Grace, mujer que vive sola en un aislado caserón victoriano en la que educa a sus hijos dentro de rígidas normas. Los niños sufren una extraña enfermedad en la que no pueden recibir directamente la luz del día. El estricto orden que la protagonista impone se ve desafiado por circunstancias que ocurren en la casa.

La película carece de tiempo o espacio, pero la ubicación precisa de la historia se ubica en Inglaterra de 1945. El espacio físico ayuda a localizar a los personajes en un lugar especifico. En el film predominan los escenarios en interiores cerrados, con habitaciones que dan la sensación de ser estrechas debido a la carencia de luz. Además, en las tomas en exterior debido a la puesta escena se perciben como espacios claustrofóbicos. En la escena que se muestra en la imagen, el jardín está invadido por una densa niebla que da un aspecto lúgubre y desolado produciendo la sensación de encierro.

Es importante destacar el uso de los espacios dentro del thriller, ya que éstos generan expectativa y provocan sensaciones de angustia, suspenso y terror. Al igual que la escenografía y decorados, el vestuario cumple un papel de contextualización muy importante dentro de la película, ya que permite visualizar una época.

La iluminación afecta la percepción de las cosas dependiendo su calidad, dirección, fuente y color. En general, en la película predominan colores fríos, ligeros tonos azulado y blanquecino que hacen que sea difícil ubicar los acontecimientos en el día o la noche ya que la mayor parte del tiempo se permanece dentro de la casa.

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La escena pertenece a la película Training Day (Día de entrenamiento) del director Antoine Fuqua. La película trata sobre las diferentes peleas que existen en las diferentes zonas urbanas de los Estados Unidos; peleas entre residentes, traficantes de droga que se protegen a unos a otros. Estas tiene sus víctimas y sus verdugos. Jake Hoyt, un joven policía recién asignado a narcóticos, comienza sus rondas a las órdenes de Alonzo, un agente de narcóticos con 13 años de experiencia cuyos discutibles métodos hacen difusa la línea entre la legalidad y la corrupción.
En dicha escena el personaje principal está sentado en una mesa sobre la que hay cerveza, latas de coca-cola, cigarros, cartas y armas. Frente a él se encuentran los brazos de dos hombres. Uno de ellos está sentado mientras que el otro está de pie con uno de sus brazos extendidos sobre la mesa. Al parecer, este brazo extendido está distribuyendo algo. El elemento principal de la imagen es el personaje principal que está sentado solo en un lado de la mesa, ya que el resto de los elementos encuadran al personaje. La dirección de la mirada de este es muy importante, ya que hace que primeramente nos fijemos en lo que mira (persona de la derecha) y luego en el resto de la escena para entenderla. El resto de objetos atrapan la atención tras fijarnos en el elemento dominante.

La situación de la cámara es más baja que la del sujeto.Este ángulo ayuda a acentuar la expresividad de la escena.

En el contexto de la película, la situación del personaje es perfecta, ya que agudiza un sentimiento de intimidación, y sin posibles medios de escape. Al igual, la colocación del resto de objetos y d ella cámara es impecable, creando mayor sensación de intimidación y dejando al personaje en un posición sumisa.

Los colores predominantes en la escena son el rojo, que hace que el espectador sin darse cuenta piense en sangre o cosas relacionadas. La iluminación tiene gran importancia, ya que hace que la escena exprese un aspecto amenazante, además de crear sobras en los objetos creando curiosidad y misterio, da una especie de tensión emocional como usted anticipa lo que vendrá.

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True Detective es una serie de televisión estadounidense de género policíaco que sigue un formato de antología, en la que en cada temporada cuenta una historia diferente y tiene un elenco de personajes diferentes.

La serie muestra un modelo más formalista de lo común. True Detective sigue el modelo de las teorías formalistas, en las que prevalece el hecho de mostrar una imagen que ha sido ordenada a la voluntad del director, es decir, en la que prevalezca la forma sobre el contenido. En True Detective podemos ver una cierta tendencia a mostrar los detalles y no basarse simplemente en mostrar la imagen tal cual está ocurriendo. Si el director quiere mostrarnos algo utilizará todo tipo de técnicas para hacerlo, manipulará esa realidad para darnos a entender lo que él quiere.
En la serie abundan los planos sin ningún tipo de angulación donde el espectador se puede involucrar más con el personaje. Sin embargo, hay algunas angulaciones, tanto para resaltar la fuerza o el poder de un personaje como para empequeñecer la imagen o hundirla en el suelo. El director ha cuidado con mucho detalle el encuadre ya que ayuda a embellecer la imagen y a darle un sentido a la obra. El realizador juega con distintos encuadres para crear metáforas y explicar conceptos.

La iluminación ha sido un elemento básico en la serie, ya ha se ha utilizado para embellecer la imagen o expresar conceptos como luces muy oscuras, duras y contrastadas que se relacionan con estado anímico de los protagonistas. También han utilizado el recurso de la iluminación para diferenciar épocas. En cuanto color no juega un papel decisivo en la obra, ya que no se aprecia colores dominantes sobre otros, ni colores relacionándose con personajes. Aunque no es común el uso de filtros en este tipo de series, podemos apreciar que en True Detective utilizan de vez en cuando el uso de un filtro más amarillento para dar calidez a algunas escenas que representan el pasado (como se puede observar en la imagen).

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Maria Antonieta es una película biográfica dirigida por Sofia Coppola que trata sobre el compromiso matrimonial entre Luis XVI y María Antonieta que sirve para sellar una alianza entre Francia y Austria. La ingenua princesa austríaca abandona Viena para instalarse en la opulenta, sofisticada y libertina corte francesa, donde la joven se rebela contra el aislamiento que representa la corte de Versalles y se convierte en la reina más incomprendida de Francia.

Como ya he comentado en el caso de "Las vírgenes suicidas", la iluminación es de gran importancia en las películas de la directora. La iluminación utilizada es principalmente de relleno, mediante esta iluminación uniforme, la escena parece más brillante y suave, con muy pocas sombras.

La realizadora ha sobrecargado las escenas con un estilo barroco, además de utilizar colores pasteles como el azul, rosa, amarillo,etc que ayudan a transmitir el mensaje de la historia.

Dicha iluminación y colores transmiten e l punto de vista de una adolescente que se adentra en un mundo extraño y en el que el espectador puede vivir en el universo íntimo y paralelo a la realidad de la vida que hay fuera de la corte en el que vive la protagonista.

El vestuario es de gran importancia en la película, ya que transmite un escenario digno de un mundo de caramelo y postres, dando origen a una gama de tonos pasteles que desafían el aspecto lúgubre del pasado huyendo del cliché del tono sepia normalmente utilizado en muchísimas películas y que transportan al espectador a épocas antiguas. La película destaca porque abrió otra manera de mostrar el siglo XVIII mediante una iluminación coloresun vestuario que desborda frescura, luz, juventud y al mismo tiempo modernidad.

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Amélie es una película del director francés Jean-Pierre Jeunet que cuenta la historia de una joven, que en su infancia es víctima de una serie de casualidades y tragedias familiares tan cómicas y extravagantes que hacen se refugie en un mundo interior de imaginación y en el que su objetivo en la vida es arreglar la vida de los demás.

La puesta en escena de la película está muy elaborada y ha hecho que el film se convierta en una obra maestra. Dicha puesta en escena se caracteriza por lo pictórica y surrealista.

La localización de parte de la película se realiza en el barrio de Montmatre de Paris en el que director quiso que nos adentramos en un mundo antiguo, bohemio, clásico e irreal. Además, en la postproducción tuvieron que ser eliminados digitalmente algunos elementos del barrio que eran demasiado reales y no se ajustaban a la extraña imaginación que se quiere transmitir de la protagonista.

Como en otros casos, la banda hace que nos sumerjamos en cierta manera de la forma más creativa y mágica en una nueva forma de ver París; coloreada, vitalista, fantasiosa e infantil.

Lo más llamativo de la puesta en escena de la película es el uso del color: en cada escenario predomina un color en concreto en función de los sentimientos predominantes de Amélie. Por ejemplo, la casa de Amélie es roja denotando el amor que esta tiene en el interior para repartir con la gente, su vestimenta suele ser roja y además las escenas en las que aparecen con su amante suelen tener tonos rojizos. En cambio, en el exterior observamos sobre todo el verde (esperanza) y en los momentos tristes se tiñen de color azul (nostalgia).