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Leitura crítica de imagem: Descrever e interpretar

1) Reúnam-se em duplas.

2) Cada dupla deve escolher uma imagem das colunas ao lado.

3) Após escolher as fotografias, as duplas devem observar os elementos que compõem a imagem escolhida e responder às seguintes questões (a ideia é observar com cuidado e atenção, conversem sobre a imagem e registrem suas impressões em um mapa/carta):

O que você percebe na imagem ?

O que está acontecendo?

De que assunto ela trata?

Quais os objetos pricipais que você identifica na imagem?

Existem pessoas na imagem? O que elas estão fazendo? Como estão vestidas, quais são suas expressões?

Que história você acha que essa imagem está contando? O que você acha que aconteceu antes ou depois do momento capturado?

Qual é a primeira impressão que a imagem te causa?

O que a imagem te lembra? Que sentimentos ela te provoca?

O que essa imagem parece representar ou quer comunicar?

O que está em destaque na imagem? Há algo que chame mais atenção do que o resto?

O que a expressão pode revelar?

Se você fosse o fotógrafo, qual nome você daria para essa imagem e por quê?

Finalização: Após o exercício de descrição e interpretação, as duplas irão compartilhar suas observações com a turma.

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Vertical 12 [Série Marcados], 1981 Claudia Andujar

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A história nada romântica por trás do beijo no fim da Segunda Guerra

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Reproduzida como símbolo de amor e esperança, a verdadeira narrativa da cena é, no mínimo, decepcionante

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Foto histórica que mostra beijo não consensual no fim da Segunda Guerra Mundial vira pivô de debate nos EUA

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A imagem, conhecida popularmente como ‘O beijo’, foi alvo de um memorando interno que pedia o banimento de exposição nas instalações do Departamento de Assuntos de Veteranos dos EUA. O secretário Denis McDonough revogou o documento, que viralizou nas redes sociais.

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EVANDRO TEIXEIRA: Uma câmera CONTRA A DITADURA | ENTREVISTA | Sobreposição | Episódio Extra

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A trajetória de Evandro Teixeira, fotógrafo que registrou ditaduras

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Referência no fotojornalismo, Teixeira captou momentos emblemáticos da política e da cultura. Em nova exposição, seus registros das ditaduras no Chile e no Brasil ganham destaque

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A fotógrafa e artista plástica Alice Brill morreu no dia 29 de junho de 2013. Ela tinha 14 anos quando veio da Alemanha para o Brasil, fugindo do nazismo. Em sua obra de notável diversidade temática, destacam-se os conjuntos em que retratou a cidade de São Paulo em processo de modernização sob vários ângulos, como se buscasse compor um painel exaustivo. Foi também uma talentosa retratista, com olhar especialmente lírico para a infância.

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Alice Brill: imagens para anticartões-postais

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Ao longo da década de 1950, a Editora Melhoramentos lançou uma série de álbuns exaltando partes do território nacional. Isto é o Rio de Janeiro! (1955), Isto é a Bahia! (c. 1953) e Isto é

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Tomaz Klotzel | 21ª Bienal de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil

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Por Beatriz Lourenço Atualizado em 12 ago 2024, 18h19 - Publicado em 12 ago 2024, 09h00

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Ventura Profana profetiza a vida de corpos dissidentes através da arte

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Com exposição em cartaz no MASP, multiartista reflete sobre universo da arte contemporânea, religiosidade e até bancada evangélica

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“Catherine Opie: o gênero do retrato” no MASP - Arte Que Acontece

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A fotógrafa, que aborda questões de gênero e legitima novas subjetividades na sociedade contemporânea, ganha sua primeira individual no Brasil.

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A fotografia traz como elemento central uma escultura de uma embarcação feita de açúcar que é equilibrada sobre a cabeça de um homem cuja identidade não é possível de ser vista completamente. A imagem parece justapor a história da diáspora negra ao material que foi o próprio algoz para a população afro-brasileira: o açúcar.

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Tiago Sant’Ana alia arte e história para focar no colonialismo e suas marcas

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A obra do fotógrafo é marcada, segundo Giselle Beiguelman, pela atualização da violência no presente

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No meu trabalho, utilizo de símbolos e materiais do dia a dia em busca de uma refundação das narrativas que cercam as manifestações do povo.

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CONHEÇA A OBRA DO ARTISTA PLÁSTICO MULAMBÖ

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PROJETO AFRO É UMA PLATAFORMA AFRO-BRASILEIRA DE MAPEAMENTO E DIFUSÃO DE ARTISTAS NEGROS/AS/ES.

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Victor Lacerda, do Alma Preta Jornalismo

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Lente negra: Lázaro Roberto captou a ‘reafricanização de Salvador’, embalada por Gil; agora, corre para salvar 30 mil fotos

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Lázaro Roberto captou a ‘reafricanização de Salvador’, embalada por Gil; agora, corre para salvar 30 mil fotos

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O fotógrafo Lázaro Roberto e seu sobrinho, o historiador José Carlos Ferreira, guardam um acervo de cerca de 30 mil fotogramas numa casa do bairro da Fazenda Grande do Retiro, em Salvador. Prestes a completar 30 anos, o Arquivo Fotográfico Zumvi surgiu da vontade de dar maior visibilidade a fotógrafos ligados a movimentos de valorização da cultura negra. "Eu percebi que só tinha pessoas brancas fotografando. Não via negro fotografando. Foi daí que surgiu o Zumvi, pra gente discutir nossas experiências como coletivo de fotógrafos e com o objetivo de fazer imagens da cultura afro-brasileira", comenta o fotógrafo.

ZUM conversou com Lázaro Roberto sobre a carreira, a relação da fotografia com o movimento negro e os desafios para manter um arquivo como o Zumvi sem apoio institucional.
Como surgiram na sua vida a fotografia e o ativismo no movimento negro? Algum veio antes ou aconteceram juntos?
Lázaro Roberto: O que surgiu primeiro na minha vida foi o teatro. Fui um jovem de periferia. E, nos anos 1960, chegou aqui onde eu moro, no bairro da Fazenda Grande, um padre italiano chamado Paulo Maria Tonucci. No início dos anos 1970 ele já tinha formado um grupo de jovens na igreja, mas queria fundar um grupo de jovens do bairro que não tivesse um comprometimento com a igreja. Eu entrei nesse grupo, que se chamava Grupo Experimental de Artes da Fazenda Grande. Foi ali que eu vi pela primeira vez uma pequena exposição de fotografia com o tema cangaço, de um fotógrafo [e cineasta] chamado Antônio Olavo. E a partir dali a fotografia não saiu mais da minha cabeça.

Na verdade, o grupo era de teatro e nós tínhamos um cara da escola de teatro chamado Godi [Antônio Jorge Victor dos Santos Godi, professor, ator e antropólogo] que passava a experiência de teatro pra gente. E foi o Godi que me apresentou ao movimento negro. Ele trazia muita gente de outras áreas da arte para fazer roda de conversa, para meter a mão na massa, dar experiência pra gente. Nesse grupo de teatro havia muitas pessoas politizadas, porque esse padre era um progressista, naquela época, de ditadura militar, até meio comunista. Nós não éramos jovens alienados, éramos jovens que discutiam a conjuntura política, a situação do país.

E no final dos anos 1970, quando o movimento negro estoura em São Paulo, aqui a gente já estava discutindo essas questões também. Foi aí que eu conheci muita gente. Numa época de ditadura militar, a gente se reunia pra mostrar que estávamos fazendo cultura e também discutindo a questão do racismo. Eu sempre digo que o discurso teórico do movimento negro eu vim constatar na prática com a fotografia quando eu, nos anos 1980, consigo uma máquina fotográfica. Fui trabalhar com o padre Paulo numa gráfica e pedi a ele pra comprar uma máquina pra mim na Itália. Ele me trouxe uma Minolta. Foi aí que comecei a ter as minhas primeiras experiências com a fotografia. Aquela era uma época muito difícil, a gente não tinha muita informação. Comecei lendo alguns livros, pedindo um toque aqui e ali. E depois de uns três anos já estava dominando a técnica.

Eu percebi logo de cara que a fotografia é uma arte muito cara. E quem sempre a gente via com máquina fotográfica eram pessoas brancas. Tanto é que quando eu saia dando os primeiros passos na fotografia, registrando as festas populares aqui em Salvador, as pessoas do meu bairro diziam "você virou turista?". Eu não dizia nada. Mas você percebe que era um instrumento que estava na mão de pessoas brancas. E eu, ousadamente, fui fotografando. Não tinha a pretensão de ser um fotógrafo documentarista, nem sabia o que era isso. Eu dizia assim: fotografar hoje para o amanhã. E comecei a fotografar em preto e branco, sempre gostei da fotografia em preto e branco. Mesmo sem muita condição eu fotografava e pagava pra revelar, fazia uma cópia de contato e ficava por ali. No final dos anos 1980 fiz um curso de fotografia no Senac e foi aí que me profissionalizei. Aprendi a revelar, a copiar.

Na minha vida veio primeiro o teatro, com o teatro eu conheci a fotografia e logo depois o movimento negro. Sempre digo que a minha fotografia me ajudou a ter uma consciência racial. A Bahia é um estado eminentemente negro. E aquelas questões do movimento negro que a gente discutia, quando você parte pra rua você vê quem é que está jogado na rua, você vê a polícia preta que bate nos pretos. A gente vai vendo isso no dia a dia. Onde é que moram as pessoas negras, onde é que moram as pessoas brancas.
Ser negro foi um obstáculo para se tornar fotógrafo?
LR: Acho que ser negro sempre foi um grande obstáculo na minha carreira fotográfica. Eu poderia ter desistido na minha trajetória porque as dificuldades foram muito grandes. Aqui em Salvador a gente percebe que tem famílias que dominam a fotografia. Eu tive pouquíssimas exposições, faz muitos anos que não exponho. Mas dentro de tanta dificuldade, de tanto não, de tantas coisas que apareceram pra eu desistir, eu não desisti. Posso dizer que a minha fotografia é uma fotografia de resistência negra.
Como surgiu o Zumvi Arquivo Fotográfico?
LR: O Zumvi surgiu da minha experiência como fotógrafo. Em 1989, depois de ter feito o curso no Senac, me juntei a alguns amigos e fundamos uma espécie de coletivo de fotógrafos pra gente discutir sobre uma fotografia negra. Como já disse, eu percebi que só tinha pessoas brancas fotografando. Não via negro fotografando. Foi daí que surgiu o Zumvi, pra gente discutir nossas experiências como coletivo de fotógrafos e com o objetivo de fazer imagens da cultura afro-brasileira. Eu estava trabalhando com o padre Paulo em um espaço na Ribeira, um casarão ligado à igreja, e consegui sala, mesa, cadeira. Ali foi o começo de tudo. O banheiro eu transformei em laboratório e a gente foi revelando os filmes. Um amigo nosso doou um ampliador e a gente foi fazendo ampliações. Fizemos um pequeno folder pra distribuir para os movimentos sociais. Muita gente nos visitava e nos chamava para fazer trabalhos em troca de nos dar uma lata de filme, uma caixa de papel. Foi assim que o Zumvi surgiu no começo de 1990.

O nome Zumvi, que muita gente pergunta, veio de uma tentativa de criar uma palavra fotográfica: "zum", da lente zoom, e o "vi" do olho. Ficou Zumvi. Depois que soube que em espanhol Zumbi dos Palmares se escreve assim, porque o "vi" tem som de "bi". Vim saber isso bem depois. Muita gente troca, bota zumbi ao invés de "zumvi". Foi assim que surgiu essa entidade, com o objetivo de fazer imagens da cultura afro-brasileira, de congregar fotógrafos. E o material que tem no Zumvi não é só de Lázaro, é das pessoas que passaram pelo Zumvi. Tem o trabalho de cinco ou seis fotógrafos, com suas trajetórias. Como o Jônatas Conceição, que não era um fotógrafo profissional, mas era responsável pelo jornal do MNU [Movimento Negro Unificado] e que faleceu em 2006. Ele deixou cerca de 1.600 fotogramas, fortalecendo muito o registro fotográfico de uma coisa que já vinha acontecendo.
Como é lidar com um arquivo tão extenso e importante sem apoio institucional?
LR: Pois é, esse é o grande problema. Há muito tempo que estou nessa luta de preservar esse acervo. Fotografar foi e é difícil, mas preservar é muito mais. Pelo menos é isso que eu observo. Há quase 10 anos eu venho numa luta, buscando apoio. E a gente tem tido a maior dificuldade. Embora hoje, aqui em Salvador, existam pessoas da minha época, inclusive do movimento negro, que ocupam cargos de poder. Mas acho que isso é uma coisa nacional, das pessoas não cuidarem das suas memórias. Parece que memória é uma coisa que fica lá atrás, fica no campo do esquecimento. Há dez anos eu estava sozinho nessa luta, mas hoje estou com meu sobrinho José Carlos, que é historiador. Temos conseguido algumas coisas, alguns apoios nestes últimos anos. Mas a gente precisa de tudo: de espaço, de fazer catalogação, higienização... tudo. Pra mim é a pior parte, porque se não tomar cuidado você acaba perdendo esse acervo. Essa é uma das minhas grandes preocupações. Uma decepção com o Estado, com pessoas que sabem onde está esse acervo, que poderiam ajudar e que não ajudam.
Do acervo atual do Zumvi, quais séries ou imagens você destacaria?
LR: Como eu disse, sou fotógrafo documentarista. Nessa trajetória fiz muita documentação, que é o que eu gosto de fazer. O acervo é cheio de documentação que precisa de pesquisadores. Este também é um grande problema, a gente não encontra pesquisadores pra fazer essas pesquisas. Eu não sou etnólogo, sou só fotógrafo. Eu faço algumas pesquisas, que às vezes terminam e outras ficam quase terminadas. E aí a gente corre atrás de pesquisadores que queiram continuar. Mas o pesquisador só se interessa se a gente ganhar um edital ou se tiver grana pra pagar pra ele. Pra arregaçar as mangas, ir lá pro campo fazer, eles não têm interesse. Isso é um grande problema.

Mas eu destacaria algumas dessas documentações. Como a estética negra masculina e feminina, que eu faço desde que comecei a fotografar. Tenho desde o ferro de espichar das minhas irmãs até a influência dos blocos afros na cabeça dessas mulheres de Salvador. E também desses meninos escrevendo na cabeça o que quiserem. Tem também o acervo dos blocos afros e afoxés, um material muito bom. Tem uma documentação sobre o quilombo Ilha de Maré. Um trabalho sobre cestaria que deságua na Feira de São Joaquim. Tem a introdução da música reggae aqui em Salvador no começo dos anos 1980, com a morte de Bob Marley e os bares reggae no Pelourinho e nas periferias. Temos também o trabalho de quatro fotógrafos sobre a vinda de Nelson Mandela a Salvador em 1991. No ano passado ele fez 100 anos e a gente não conseguiu montar uma exposição sobre Mandela aqui em Salvador.

São várias temáticas pra se fazer trabalhos, para exposições. Mas a gente sempre esbarra na dificuldade de não conseguir apoio para fazer essas coisas. O que a gente espera é que isso mude, que a gente consiga fazer exposições, botar esse trabalho dentro das escolas. Este é um dos objetivos do Zumvi. ///
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Mais informações sobre o Arquivo Fotógrafico Zumvi

Lázaro Roberto é fotógrafo e arte-educador. Em 1990 foi cofundador do Zumvi Arquivo Fotográfico. Ganhou em 1995 o prêmio Clementina de Jesus dedicado a pessoas que se destacam na afirmação social do povo negro. Participou da exposição Memórias de Resistências Negras (2018), do Festival Valongo (Santos, 2018) e do Festival Transatlântico de Fotografia (Salvador, 2019).

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Arquivo Zumvi guarda a memória da cultura e dos movimentos negros baianos desde os anos 1970 - ZUM

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O fotógrafo Lázaro Roberto e seu sobrinho, o historiador José Carlos Ferreira, guardam um acervo de cerca de 30 mil fotogramas numa casa do bairro da Fazenda Grande do Retiro, em Salvador. Prestes a completar 30 anos, o Arquivo Fotográfico Zumvi surgiu da vontade de dar maior visibilidade a fotógrafos ligados a movimentos de valorização ...

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Claudia Andujar Marcados São Paulo, Cosacnaify, 2009. 21 x 23.2 x 1.6 cm 156p. Yanomami significa “ser humano”, sabia a fotógrafa Claudia Andujar quando foi acompanhar alguns médicos em…

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Exposição no Instituto Moreira Salles de São Paulo é ocasião para entrar em contato com a obra de Claudia Andujar e com a cultura e a luta dos Yanomami

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Marcados para Viver: Claudia Andujar e a luta pelos direitos dos Yanomami

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Exposição mostra trabalho de Claudia Andujar sobre povo Yanomami

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A história nada romântica por trás do beijo no fim da Segunda Guerra

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Reproduzida como símbolo de amor e esperança, a verdadeira narrativa da cena é, no mínimo, decepcionante

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Leandro Machado - Da BBC News Brasil em São Paulo

04/12/2019 22h27

Em entrevista à BBC News Brasil, o fotógrafo Tuca Vieira conta como registrou uma imagem que viraria símbolo da desigualdade entre pobres e ricos no Brasil.

No início de 2004, o fotógrafo Tuca Vieira, que trabalhava no jornal Folha de S.Paulo, recebeu a tarefa de fotografar alguns pontos da capital paulista para um caderno especial sobre o aniversário de 450 anos da cidade, comemorado em 25 de janeiro.

Um dos locais escolhidos foi o encontro entre Paraisópolis, segunda maior favela do município, e o rico bairro do Morumbi.

Tuca não imaginava, mas a imagem que ele fez naquele dia viraria um retrato e símbolo da desigualdade no Brasil. De um lado, um prédio luxuoso, com quadras de tênis e piscinas na varanda dos apartamentos; do outro, centenas de barracos de alvenaria se espremendo em uma geografia típica de uma favela brasileira. No meio, um muro separando os cenários, como se fossem duas cidades diferentes.

A fotografia rodou o mundo e foi exposta no tradicional museu Tate Modern, em Londres. Até hoje, ela é utilizada para ilustrar textos e reportagens sobre as desigualdades econômica e social.

Ainda que Vieira reconheça a imagem como "resultado de uma busca de uma vida inteira", ele diz também que ela representa uma "atualidade insuportável".

"É muito triste constatar a atualidade dessa fotografia e saber que daqui a 15 anos ela vai continuar atual. Eu gostaria que ela deixasse de ser um retrato do Brasil em algum momento", afirmou à BBC News Brasil.

Nessa semana, a foto voltou a ser compartilhada depois que nove jovens morreram em um baile funk que toma as vielas de Paraisópolis semanalmente.

As mortes ocorreram durante uma operação da Polícia Militar. Segundo a corporação, os agentes entrataram no local para perseguir supostos criminosos. Por outro, vídeos publicados na internet mostram policiais agredindo jovens rendidos em becos da favela. Nos dias seguintes, os policiais foram afastados da rua, e o episódio está sendo investigado.

Em entrevista à BBC News Brasil, o fotógrafo Tuca Vieira, mestre em arquitetura e urbanismo pela Universidade de São Paulo (USP) e autor de inúmeras séries sobre cidades do mundo, contou como sua fotografia de Paraisópolis ficou famosa e o que faz dela um retrato da desigualdade entre ricos e pobres no Brasil.

Hoje com 45 anos, Vieira tem uma série de trabalhos sobre arquitetura e urbanismo na capital paulista e outras cidades do mundo.

Confirma os trechos da entrevista.
BBC News Brasil - Como essa foto surgiu?
Tuca Vieira - Eu trabalhava na Folha na época. Era aniversário de São Paulo, que estava fazendo 450 anos. Fiz um voo de helicóptero para fotografar vários lugares da cidade para um caderno especial.

A Marlene Bergamo, uma fotógrafa muito importante, estava editando esse caderno. Ela me sugeriu esse lugar, dizendo que tinha essa situação interessante. Eu mesmo não tinha ideia do que era.
BBC News Brasil - Era uma reportagem sobre Paraisópolis?
Vieira - Era uma matéria sobre habitação. O caderno era dividido em temas: habitação, segurança, saúde. A foto foi publicada no caderno, grande. Depois me disseram que o Otávio Frias (ex-diretor de Redação da Folha, morto em 2018) pediu para publicar na capa do jornal. Foi uma coisa muita rara: a mesma foto sair duas vezes na mesma edição.
BBC News Brasil - Suponho que você não imaginava que ela ganharia essa repercussão e que viraria uma imagem tão simbólica da desigualdade no Brasil... Como a foto cresceu e ficou famosa?
Vieira - Ela foi descoberta por uma publicação inglesa de urbanismo, chamada Urban Age. Uma vez que caiu na mão desses ingleses, ela ficou conhecida no mundo.
BBC News Brasil - Mas no dia em que ela foi publicada na Folha, a foto teve essa repercussão toda? As pessoas comentaram?
Vieira - Sim, teve uma grande repercussão. Mas quando ela caiu na mãos dos estrangeiros, ganhou uma nova interpretação. O estrangeiro olha para essa foto e não acredita nela. A gente se choca um pouco menos. Então, essa dimensão que ela teve começou quando houve uma circulação fora do país.
BBC News Brasil - O que ela significou para sua carreira?
Vieira - Curiosamente, ela é um motivo de orgulho, pois eu consegui denunciar uma situação que, para mim, era e ainda é a mais importante do Brasil: a desigualdade social. Então, fiquei muito orgulhoso.

Mas, ao mesmo tempo, há uma contradição: eu gostaria de jamais ter feito essa foto.
BBC News Brasil - Por quê?
Vieira - Porque eu gostaria que essa situação não existisse.
BBC News Brasil - Você já escreveu que essa foto "enche um pouco o saco". Por quê?
Vieira - Escrevi isso faz tempo. Sempre fui um fotógrafo de cidades, de arquitetura, de questões sociais. Coloco essa foto não como uma exceção na minha carreira, mas como o resultado de uma busca de uma vida inteira. Ela parecia ser mais importante do que todo o resto do meu trabalho. Na época, eu não queria ser marcado por uma foto.

Hoje, acho que criei uma série de outros trabalhos importantes e ela já não me enche o saco como antes.
BBC News Brasil - Há um texto interessante sobre você na internet em que fala: 'Esse é o cara que fez aquela foto'.
Vieira - Não era só por uma questão de vaidade. Foram anos para chegar a essa foto. Não foi um golpe de sorte. Há fotógrafos que acertaram uma foto na vida e foi isso. Nunca achei que fosse o caso.

Ela é um ponto alto de uma busca.
BBC News Brasil - A foto foi feita em 2004, quando havia um otimismo em relação à ascensão social dos mais pobres, principalmente por meio do consumo. Por outro lado, sua foto mostrava que o problema era mais complexo. Nessa semana, ela ressurgiu nas redes sociais depois de um episódio de violência. O que você sente olhando pra ela hoje?
Vieira - Quinze anos depois, essa foto é de uma atualidade insuportável.

Ela é do início do governo Lula. Havia esperança de que a desigualdade poderia diminuir e, de fato, ela diminuiu um pouco.

Mas, o que a gente nota hoje é que a desigualdade brasileira é ancestral e tem raízes muito profundas. É muito triste constatar a atualidade dessa fotografia e saber que daqui a 15 anos ela vai continuar atual. Eu gostaria que ela deixasse de ser um retrato do Brasil em algum momento.

Depois do que aconteceu em Paraisópolis nessa semana, olhei para a foto e me perguntei: quem a polícia está defendendo? De qual lado ela está? Fica muito claro que ela está protegendo um lado só.
BBC News Brasil - Houve alguma reação por parte dos moradores da comunidade e do prédio quando a foto foi publicada?
Vieira - O pessoal da favela adorou. As pessoas ficaram muito felizes com a notoriedade que a foto deu para a favela, pois ela mostrava a dificuldade da vida deles. Fui convidado para dar palestras e workshops na comunidade. Até hoje sou amigo do pessoal.

Do lado do prédio, eu realmente não sei. Sempre quis ir lá, visitar os moradores.
BBC News Brasil - Você tentou entrar no prédio?
Vieira - Nunca tentei, mas já sondei a possibilidade. E imagino que eles não gostem muito, porque a foto colocou eles como vilões da história, digamos assim.

Há uma curiosidade ali: o prédio das varandas é anterior à favela. A comunidade cresceu depois.

Outra história interessante, que eu gostaria muito de contar, é que as pessoas que trabalham nesses prédios do Morumbi moram em Paraisópolis. O porteiro, a faxineira...

A leitura rasa e fria da foto mostra um efeito simbólico: o muro que divide o pobre do rico. Mas se você olhar com mais cuidado, vai ver que os ricos, bilionários, a elite financeira do país, não são as pessoas que moram naquele prédio dos anos 70.

Essas pessoas ficaram marcadas pela foto, mas elas não correspondem exatamente o que a imagem simboliza.
BBC News Brasil - Tem outro contraste interessante: as ruas de Paraisópolis têm uma vida fervente, gente andando, comércio cheio, motos, funk nos carros, cultos nas igrejas. Parece uma cidade à parte. Já o Morumbi é o contrário: ruas vazias, muros altos, as pessoas dentro de casa, dezenas de mansões abandonadas com placas de 'aluga-se'...
Vieira - Isso é interessante, porque eu tirei a foto de helicóptero, distante. A foto é bonita esteticamente falando, ela é harmônica, agradável de ver. Mas é uma ilustração.

A realidade do chão é outra. O massacre (morte dos 9 jovens) que ocorreu ali é uma prova disso.
BBC News Brasil - Por outro lado, Paraisópolis e Morumbi são inseparáveis. Impossível falar de um sem lembrar do outro. Na sua opinião, como o Morumbi entra em Paraisópolis?
Vieira - Faz tempo que não vou lá. O que sei, do ponto de vista do Morumbi, é que Paraisópolis é um lugar indesejado.
BBC News Brasil - Aquele prédio mostra o luxo, a ostentação da riqueza. Anos depois, com ascensão da chamada classe C, surgiu nos bairros pobres uma vertente de funk chamada curiosamente de 'ostentação': garotos, em sua maioria pobres, que saem de uma certa invisibilidade por meio do consumo, valorizando esse poder da compra. Você acha que essas duas coisas conversam?
Vieira - Esse talvez seja o ponto de encontro desses dois lados. À medida em que vivemos em um país capitalista, cujo valor das pessoas é avaliado pelo que elas têm, é natural que o objeto de consumo seja uma forma de ascensão social. E isso ocorre com o pobre e com o rico. Os desejos são parecidos.

Talvez, se o rapaz da favela tiver oportunidade, ela vai querer morar lá no prédio com piscina também.
BBC News Brasil - Nas suas andanças como fotógrafo em São Paulo e outras cidades, você chegou a encontrar alguma imagem parecida com aquela de Paraisópolis?
Vieira - Honestamente, nunca encontrei algo com tanta clareza e evidência. A realidade é que o rico, na medida do possível, vai querer se afastar do pobre. Normalmente, as duas classes se separam uma da outra.

Um caso como esse, de um muro separando como um poder simbólico, é raro. O muro é uma construção arquitetônica, mas ele é uma metáfora mais clara da ideia de separação e de intolerância.

O Rio de Janeiro tem mais essa situação, do morro e do asfalto. Em São Paulo é mais raro.
BBC News Brasil - Você já comentou que as pessoas acreditavam que a foto era uma montagem de Photoshop...
Vieira - Não é só uma dificuldade de acreditar na veracidade da foto, mas é difícil de aceitar a existência dessa situação.
BBC News Brasil - Ela passa um sentimento de derrota, não?
Vieira - Exato, como chegamos nesse ponto, não é? Um país rico, uma cidade rica, e essa situação? É uma espécie de derrota da humanidade permitir uma coisa dessas.
BBC News Brasil - Você imagina quantas vezes ela foi compartilhada?
Vieira - Não dá para saber exatamente. Mas ela circula bastante em livros acadêmicos, de fotografia, de urbanismo, provas de vestibular. Isso oficialmente. Já na internet não dá para saber. Há uma grande apropriação (da imagem), e eu adoro. O objetivo do fotógrafo é esse: quero que as pessoas falem dessa situação e do Brasil.
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'Quem a polícia defende? De que lado está?', questiona autor de foto símbolo da desigualdade no Brasil [04/12/2019]

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No início de 2004, o fotógrafo Tuca Vieira, que trabalhava no jornal Folha de S.Paulo, recebeu a tarefa de fotografar alguns pontos da capital paulista para um caderno especial sobre o aniversário de 450 anos da cidade, comemorado em 2

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Retratistas do Morro Exposção Online 2020

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Foto: Ana Lages, com direção de Priscila Rezende /Photo: Ana Lages, with direction of Priscila Rezende

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7 fotos impressionantes que surpreenderam o mundo

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Dizem que uma imagem vale mais que mil palavras. Isso soa verdadeiro para as fotos nesta lista, que contam histórias de sofrimento e esperança.

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Highlighting the photographs of four-time Pulitzer prize winner Carol Guzy, and efforts to preserve her archive.

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Quem é o autor?

É possível saber quando a foto foi tirada?

Qual o contexto histórico?

Onde a imagem foi capturada?

O que você acha que a pessoa fotógrafa queria dizer?

A que tipo de campo fotografico a imagem pertence? Ex: É um retrato, fotografia de paisagem ...etc.

Qual o ponto de vista da câmera?

A imagem tem textos, palavras ou números?

Qual técnica fotográfica utilizada para construir a imagem? É uma imagem digital ou analógica?