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In questo periodo storico si sviluppa il Romanticismo, iniziato in Germania per poi estendersi in tutta Europa. La differenza con il Rinascimento è che l'uomo era considerato l'unità di misura del mondo e della natura, mentre nel Romanticismo l'uomo diventa una parte della natura, possiamo definirlo "un granello di sabbia nell'universo".
La natura filosofica a cui si fa riferimento è il Panteismo, ovvero "tutto è Dio".
In quest'epoca viene utilizzato molto il concetto di Sublime, ovvero delle sensazioni che invadono l'animo dell'uomo di fronte a  fenomeni grandiosi come una tempesta o un eruzione vulcanica.

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In questo dipinto è molto evidente la piccolezza dell'uomo considereto minuscolo rispetto al paesaggio, che copre quasi l'intero dipinto lasciando l'uomo quasi impossibile da vedere. Il cielo che invade il quadro è raffigurato con colori potenti, l'uomo avverte il senso della propria limitatezza nei confronti dell'universo.

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Quest'opera è stata dipinta tra il 1818/19 ed è oggi conservata al Louvre, Parigi. Questo dipinto è ispirato ad un evento accaduto realmente nel 1816, la nave francese Medusa affondò al largo delle coste africane. A bordo c’erano 150 naufraghi, ma dopo essere stati in balia delle onde per più giorni, solo 15 si salvarono. Per dipingere le persone decedute nel dipinto, per vari giorni studia il corpo senza vita e fa qualche visita agli obitori; infatti quando fu esposta a Parigi nel 1819 fece molto scalpore per il macabro realismo del soggetto. L’episodio mostra il momento in cui i naufraghi vedono in lontananza una nave che potrebbe finalmente salvarli. In primo piano troviamo un vecchio che sostiene il corpo senza vita del figlio, in secondo piano abbiamo un gruppo di superstiti che si sbracciano per farsi notare dalla nave che hanno visto. In mezzo tra questi due gruppi di persone c’è un ragazzo che funge da raccordo tra la desolazione del padre nel vedere il figlio morto, e la speranza dei naufraghi di salvarsi la vita. Per quanto riguarda il cielo in tempesta, crea dei bagliori che mettono in risalto i corpi nudi e la zattera, le figure modellate con perfezione anatomica e forza plastica, richiamano la statuaria antica, e quindi la pittura di Michelangelo e Caravaggio. Ci sono molti contrasti di luce e ombra, che accentuano la drammaticità del momento, i colori sono cupi con qualche dettaglio rosso. Gli elementi compositivi sono disposti su 2 impianti piramidali, culminanti rispettivamente nell’albero della vela, e nel naufrago che sventola il cencio; la composizione è dinamica per i movimenti ascensionali dei naufraghi verso destra. Gericault racconta questo evento con uno stile epico, che rende la Zattera un’allegoria universale della sofferenza umana; rappresenta i caratteri tipici del Romanticismo essendo un’icona, la piccolezza dell’uomo di fronte alla potenza della natura, e i sentimenti contrastanti come disperazione e speranza.

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Nel dipinto è rappresentata la lotta delle varie classi sociali, guidata da una figura femminile dell’epoca (allegoria della libertà), che ricorda la Venere di Milo. Lei tiene in una mano la bandiera francese e nell’altra un fucile. La composizione è un chiaro riferimento alla Zattera della medusa di Gericault, infatti la posizione in cui si trova la donna richiama quella del naufrago che sventola il cencio, con un impianto piramidale e dinamismo creato dalle figure. La differenza però è che nella zattera della medusa le figure sono di spalle invece in questa c’è una visione frontale. L’autore pone l’opera sotto un aspetto simbolico per evitare che il nudo della donna risulti volgare, visto che era permesso solo nelle opere mitologiche.

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L'autore è chiamato il pittore della luce che lui considera emanazione dello spirito divino, ha una particolare resa della realtà, crea delle atmosfere dove la realtà si fonde con il sogno. E’ un precursore dell’impressionismo per la sua particolare resa della realtà. Nei suoi dipinti la natura ha un ruolo attivo, fa uso del concetto di sublime come concezione della paura per ciò che è indefinito.
Turner sceglie di raffigurare proprio il momento in cui la Tèmèraire, immersa nella luce intensa di un tramonto infuocato, solca lentamente e silenziosamente le acque del Tamigi, trainata da un rimorchiatore, in attesa di essere distrutta.

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Ci sono diversi livelli di lettura di questo quadro, il più conosciuto è quello sentimentale perché ritrae l’attimo del bacio e della passione, però allo stesso tempo anche la paura di essere scoperti. Un secondo livello di lettura può essere il riferimento a fatti storici, come il patriarca che saluta la sua amata prima di partire per una battaglia. Il 3 livello è la celebrazione dell'alleanza tra Francia e Italia, attraverso i vestiti dei due innamorati ricordano le rispettive bandiere.
Ad oggi però sono conosciute 4 versione del bacio di Hayez.