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Lychee

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Hasta 6 años Archives - CINE Y EDUCACIÓN

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Películas recomendadas para estudiantes de hasta 6 años

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Propoño que nos movamos e xoguemos coas películas.

1. Facede equipos ou podedes xogar individualmente, por turnos.

2. Podedes empregar as tarxetas de películas que vos deixo.

- Imprimilas e mumeralas por detrás

- Facer vós as vosas propias tarxetas, con título e nº

- Utilizar as tarxetas na pantalla do ordenador ou tablet e segundo o número que se diga contar directamente sobre ela.

- Si tedes as tarxetas feitas ou impresas poñédelas sobre a mesa cara abaixo, que se vexan só os números.

- Si empregades as tarxetas directamente na pantalla, só as pode ver a persona ou equipo que interpreta.

-A persona xogadora que lle toca interpretar a película, sin falar, ponse de pé frente aos xogadores que teñen que adiviñar. Estos empregan dados, bolas de bingo, papeliños numerados,... para saber que tarxeta hai que coller.

- Segundo o número que saia, o que interpreta colle a tarxeta, miraa e deixaa na mesa novamente sin que se vexa.

- O que adiviñe é ao que lle toca interpretar e consigue un punto.

- As tarxetas que xa saíron podémolas apartar.

- Cada se consigan 10 puntos conseguides un premio que debedes acordar antes de empezar a xogar: non facer a limpeza un día, non fregar, elexir o programa de televisión, elexir a actividade física a facer,...., xa sabedes, todo na casa!

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Propoño que nos movamos e xoguemos coas películas. 1. Facede equipos ou podedes xogar individualmente, por turnos. 2. Podedes empregar as tarxetas de películas que vos deixo. - Imprimilas e mumeralas por detrás - Facer vós as vosas propias tarxetas, con título e nº - Utilizar as tarxetas na pantalla do ordenador ou tablet e segundo o número que se diga contar directamente sobre ela.

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Pink Panther is an Olympic Athlete! | 35 Min Compilation | Pink Panther and Pals

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Clasicos Disney -  Las olimpiadas de Mickey

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Dibujos Infantiles. Tina y los Fieltronitos: Juegos Olímpicos.

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🏅 POCOYÓ en ESPAÑOL - Pocoyolimpiadas [1x40] | CARICATURAS y DIBUJOS ANIMADOS para niños

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Asier e Martina

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Las Tres Mellizas   76 El Mundo Del Cine

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Primeira proxección

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Retrocedamos en el tiempo hasta aquel mayo de 1896. La Carrera de San Jerónimo es por entonces una de las vías más distinguidas de la capital. Una calle repleta de cafés, tiendas y hoteles, paseo obligado de la burguesía madrileña al caer la tarde. Son las fiestas de San Isidro y la ciudad entera bulle de alegría y ganas de diversión. Multitud de forasteros, apodados cariñosamente "isidros", han llegado a Madrid para disfrutar de los bailes al son del organillo, asistir a las corridas de toros, beber el agua del pozo del Patrón o degustar los deliciosos churros que ofrecen las casetas de la Pradera. Pero hay un forastero que no se divierte. La responsabilidad de su misión le tiene muy preocupado. Es el francés Alexandre Promio, enviado especial de los hermanos Lumière para dar a conocer en España el cinematógrafo, su aparato de proyección de fotografía animada que apenas veinte semanas antes, el 28 de diciembre de 1895, se ha presentado en París con gran éxito.

Escucha Sucedió Una Noche (15/5/2016): 120 años de la primera proyeción de cine en España en Play SER

Promio es un joven de 25 años de enormes bigotones que viste como un dandy y posee un gran don de gentes, virtud ésta que le ayudará a conquistar a muchos personajes influyentes que a la postre facilitarán su tarea. Lo primero que hace al llegar a Madrid es presentar sus credenciales al Marqués de Reversaux, embajador francés en España, que le aconseja el lugar adecuado para su demostración.

Se trata de un local situado en los bajos del Hotel Rusia, en la mencionada Carrera de San Jerónimo. Un espacio amplio que anteriormente había albergado un negocio de máquinas tragaperras y de juguetes mecánicos para niños. Alexandre Promio alquila el local y hace situar en él un patio de butacas de unas veinte filas de sillas corrientes dejando a la entrada un pequeño espacio, a modo de vestíbulo, donde el público esperará su turno para sentarse. No demasiado tiempo, ya que está previsto que las sesiones se sucedan cada quince o veinte minutos. La sala es tapizada con cortinas negras y a espaldas de la puerta de entrada se coloca la pequeña pantalla de tela blanca.

El enviado de los Lumière conoce la importancia de la publicidad para el éxito de su lanzamiento y sabe que para ello debe ganarse a la prensa. Como hacen hoy en día las distribuidoras de películas, Promio organiza el 13 de mayo un pase privado para periodistas y personalidades que con sus comentarios se encargarán de calentar el ambiente para la presentación oficial. En realidad no era la primera muestra de imágenes en movimiento que veían los cronistas. Meses atrás se habían ofrecido demostraciones públicas del Kinetoscopio, un invento patentado por Edison que tenía el inconveniente de ser una máquina de uso individual. En ella el espectador, aplicando su ojo a un ocular, veía una sucesión de fotografías que, al pasar rápidamente, parecían moverse.

En cambio sí se podían ver colectivamente y proyectadas en una pantalla las imágenes del Animatógrafo, otro sistema parecido al cine pero con mayores imperfecciones que pocos días antes había sido presentado en el Circo Parish por un tal Mr. Rousby. Lo cierto es que pronto el éxito del invento de los hermanos Lumière hará caer en el olvido esos otros aparatos.

Al día siguiente, el mismo 14 de mayo de la inauguración, el diario La Iberia publica una entusiástica descripción del invento: "El cinematógrafo es la fotografía animada. Sobre un telón blanco se proyectan los cuadros, viéndose reproducidos los movimientos de las personas, el paso de los carruajes, la llegada de un tren y la ondulación de las aguas del mar, pero de una manera tan notable y con una perfección tal que no cabe más allá. Todos los cuadros arrancaron unánimes aplausos y aunque todos ellos son de gran mérito, causan mayor admiración: El derribo de un muro, la llegada de un tren a la estación (éste es maravilloso), el paseo por mar y la Avenida de los Campos Elíseos. Diez son los cuadros que se exhiben en esta sección. Las representaciones de anoche fueron de convite, asistiendo los embajadores de Francia y Austria y otras muchas personas distinguidas."

Poco antes de las diez de la mañana, hora en la que estaba previsto el inicio de las proyecciones, la gente hace cola ante el edificio de la Carrera de San Jerónimo. El precio de la entrada es de una peseta, bastante caro para la época, ya que cualquier espectáculo teatral de entonces venía a costar la mitad. Los pases, de unos quince minutos de duración, se celebraban de 10 a 2 de la mañana, de 3 a 7 de la tarde y de 9 a 11 de la noche. El embajador francés, que ya había asistido a la sesión privada, regresa acompañado de un grupo de alumnas del colegio de San Luís de los Franceses. Una de estas alumnas, Paz Salcedo, publicaría años después en la revista "Primer Plano" un relato que rememoraba aquella sesión, según lo recoge el historiador del cine Fernando Méndez-Leite: "Recuerdo la algazara que se produjo al ver andar a los hombres muy deprisa, muy deprisa, entre la horripilante oscilación que dañaba la vista; el susto que nos producía el ver que se nos echaban encima los caballos de los "fiacres" y de los ómnibus y que a todas, instintivamente, nos obligaba a echarnos hacia atrás en las sillas, creyendo que nos atropellaban; y por último, el palmoteo y la nueva algazara que se armó en "El regador regado", al ver salir agua de verdad de la manga de aquel inocente jardinero, y las risotadas cuando el chico que le había pisado la manga levantó el pie y le puso como una sopa."

En los días siguientes Promio sigue mostrando el cine a los madrileños a razón de veinte sesiones diarias. El local está siempre abarrotado de gente. Al tercer día la familia real en pleno acude a presenciar el espectáculo y la Regente María Cristina queda tan encantada que personalmente se acerca a felicitar al operador de los Lumière en nombre de toda la familia. Orgulloso y satisfecho, Alexandre Promio informa a sus patronos de Lyon de los éxitos de su misión, y éstos le encargan que ruede una serie de vistas locales para incrementar la atracción del público y de paso enriquecer los programas de la compañía Lumière que ya se exhiben por toda Europa.

Las primeras imágenes las filma Promio en Barcelona, en concreto una panorámica titulada "Plaza del Puerto de Barcelona", que es por derecho la primera película rodada en nuestro país, aunque por su baja calidad no es incluida en el catálogo Lumière. Sí lo son en cambio las vistas madrileñas que el operador filma a continuación en los primeros días de junio. Son pequeñas películas de apenas uno o dos minutos de duración con títulos como "Llegada de los toreros", "Ciclistas militares", "Salida de las alumnas del Colegio de San Luís de los Franceses" o "Puerta del Sol".

Uno de estos rodajes provoca un pequeño incidente en Palacio. El enviado de los Lumière había solicitado rodar una serie de películas con la Guardia Real como protagonista. Promio filma varias vistas en los campos de ejercicio pero cuando pide al intendente que haga funcionar unas piezas de artillería para registrar el momento, éste se niega en rotundo. El operador acude entonces a la Reina, sabedor de la buena impresión que le ha causado días atrás, y ésta da la orden de disparar los cañones para el cine, dejando a su oficial en evidencia ante toda la tropa.

El espectáculo de Alexandre Promio en los bajos del Hotel Rusia se mantuvo en Madrid hasta el 19 de junio. A partir de entonces el cinematógrafo dejó de ser una curiosidad para convertirse en un negocio de empresarios emprendedores que solicitaban equipos a la casa Lumière. Como en Francia, como en Inglaterra y como en casi toda Europa, el cine había llegado a España y estaba aquí para quedarse. Los precios bajaron considerablemente. De la peseta inicial se pasó a los cinco o diez céntimos para la entrada general y un real para la entrada de preferencia. También cambiaron los locales y el tipo de público que asistía a ellos. Aunque la presentación en sociedad del invento había tenido lugar en un salón aristocrático, pronto el cine descendió de las alturas para instalarse en barracas, casetas de feria, salones de variedades, frontones o simples pisos donde se improvisaban diminutos patios de butacas con unas cuantas sillas. Las salas estables, lo que hoy conocemos como cines, aún tardarían bastantes años en llegar.

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Retrocedamos en el tiempo hasta aquel mayo de 1896. La Carrera de San Jerónimo es por entonces una de las vías más distinguidas de la capital. Una calle repleta de cafés, tiendas y hoteles, paseo obligado de la burguesía madrileña al caer la tarde.

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1928_plane crazy (los viejos cortos de disney, dibujos animados)

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La Magia de la Animacion (Detras de camaras)

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Enrique Martínez

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© Enrique Martínez-Salanova Sánchez

El cine de animación

La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computerizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene Deitch, "animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona."

Mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo), en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por segundo).

Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Mas tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por ordenador, la forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.

En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel, es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado es que el animador tiene el control total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes. En el futuro, el abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en investigaciones científicas, en la generación de gráficos y recursos para la educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele suceder, las aplicaciones aun están por llegar.

Diversos tipos de animación

Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.

Dibujo animado

Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador , pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.

Stop motion

Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion , en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación "fotograma a fotograma" o "cuadro a cuadro", cuyo iniciador fue Animación de recortes ( Segundo de Chomón con su llamado "paso de manivela". Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama cutout animation).

En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los ordenadores facilitan la tarea.

Stop trick (literalmente "truco de parar")

Tipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.

Georges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el mecanismo. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al ver a un ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había sucedido es que el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la cámara y había sido reemplazado por el coche fúnebre cuando ésta siguió rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo, podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès paraba la cámara. Luego le decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la película completa, parecía que la chica había desaparecido tras el gesto del mago.

Esta técnica no debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de lo rodado fotograma a fotograma.

Recambio de piezas

La técnica de " recambio de piezas", " replacement animation" (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas -con una sonrisa, triste, enfadada...- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir un gran cantidad de piezas, en torno a las 20.

Puppertoons

El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet -marioneta- y cartoons -dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.

Film directo

Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.

Pixilación

Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre le celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora. Neighbours Ver McLaren

Rotoscopía

Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.

Animación flash

Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

Animación en 3D

Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora "interpreta" la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.

Foto-realidad

Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy , en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.

Animación motion capture y performance capture

La "Performance Capture" es un avance recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la "Motion Capture", el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador. Ver cine siglo XXI.

La prehistoria de la animación. La animación antes del cine (Ver:Pre-cine)

En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen, la especie humana ha intentado representar la ilusión del movimiento, en las pinturas rupestres, o en el arte egipcio y griego, o las sombras chinescas. Sin embargo, fue Anthonasius Kircher el que en 1640 inventó la Linterna mágica, con la que proyectaba diversas fases de un movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba de forma mecánica.

En 1824, Peter Mark Roget descubrió el "el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el Principio de Persistencia de la Visión", fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo y taumatropo. Primer juguete óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos.

En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) estableció que una impresión luminosa recibida sobre la retina persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10 por segundo dan la ilusión del movimiento (el descubrimiento del principio de persistencia de las impresiones retinianas se remonta al siglo II.).

Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro, inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. Simon Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó Stroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamó Phenakistoscopio . Estos fueron los primeros instrumentos capaces de crear la impresión de una imagen que se movía realmente.

Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento.

En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el Lo aplicó al Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida. "teatro praxinoscópico" en el a través de una combinación de espejos se movían tenues figuras luminosas. P ermitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años antes de la primera sesión pública de cine, hasta finales del siglo XIX. Las representaciones se hacían en el Museo Grévin de París con películas que duraban unos 10 min. y en las que empleaba ya las bases de la moderna animación, dibujando los personajes sobre papeles transparentes para evitar la repetición de fondos.

James Stuart Blackton

Segundo de Chomón
Emile Cohl
George Méliès

Cecil Hopworth

Charles Bowers , y los dibujos de Harry Fisher

Wladislaw Starewicz

Pat Sullivan y Otto Messmer

Los pioneros de la animación cinematográfica

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó Stuart Blackton, norteamericano, Segundo de Chomón , español, y Emile Cohl, francés. El hotel eléctrico, 1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas

1875-1941 ), ilustrador y periodista, rodó en 1900 dibujos de rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio de trucos de sustitución. En un cortometraje la técnica del . A ese film le siguió otro, The enchanted drawing, una de las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizaba 1906 realizó , por algunos considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas. En Humorous Phases of Funny Faces Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó stop motion e se introdujo la animación de objetos en tres dimensiones The Magic Fountain Pen ,1909, en el que una pluma animada con vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph.

(1871-1929) . El gran invento de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes. Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir de este descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la "cámara 16", que filmaba imagen por imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo Segundo de Chomón El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado

1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo y una versión de Emile Cohl . Fue dibujante de cómics. Desde La casa encantada de este último, e imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, realizó Fausto con muñecos. Fantasmagorie ( La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética. Combinó personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los , y de regreso a Francia, en 1918, Snookums . También hizo Los pies niquelados (1910-1911), , filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Los alegres microbios La lámpara que humea Las cerillas animadas,

Billy Bitzer , (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando, en The Sculptor's Nightmare . Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, conmsiderado el primer director de fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación que hicieron avanzar el lenguaje cinematográfico.

George Méliès (1861-1938) . Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma.

, en el RU. dirigió Cecil Hopworth (1874-1953) The Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos son suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt (1907), Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser (1910), plagados de efectos de animación.

Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron cuatro años. inspirado en su historieta Jersey Skeeters (1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -Ver documental animado- y The dream of a rarebit friend (1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas. Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas.

fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales del dibujo animado. En 1903 creó la . Fundó unos estudios y produjo varias películas, entre las que destaca que fue una revolución en la realización de dibujos animados y que se ha mantenido hasta la era de la informática. El John serie Little Johnny and His Teddy Bears Colonel Heeza liar's african hunt (1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetato trasparentes superpuestas ( Cel-Systems), atribuido a Bray y también a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company. En 1919cel systems es dirigió el primer animado bicromático The Debut of Thomas Cat Randolph Bray (1879-1978) , pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso comercial.

El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado en 1910 por . Poco después, influidos por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía Paramount Pictures, John King, contrató a dos dibujantes de cómics, George Herriman para una de las principales cabeceras de Hearst, el New York Journal, pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en que se realizaron varios cortos, de unos tres minutos de duración, acerca del personaje Pat Sullivan y Otto Messmer para que realizaran una película protagonizada por un personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su primera película fue Feline Follies (1918).

Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna , 1 890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, que creó la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz , en 1912), una obra maestra del Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en Francia en 1927 La venganza del camarógrafo ( stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. La cigale et la fourmi y La reine des papillons.

El canadiense Raoul Barre f undó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers , llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en Mutt and Jeff (en español Benitín y Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928.

En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón , la primera película íntegramente animada española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.

Félix el gato

El Gato Félix y los dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920 y se mantuvieron hasta 1930 con una breve resurrección en 1936. Félix el gato no superó los avatares que en el cine se sucedieron con la revolución del color y el sonido y fue superado por la factura de otros estudios, como Disney , pues no pudo competir con Mickey Mouse.

Los orígenes de Félix son cuestionados. Pat Sullivan, caricaturista y empresario de cine de origen australiano y el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado ser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Muchos historiadores, sin embargo, incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivan quien plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920. Paramount Pictures distribuyó las primeras películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winkler distribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en que Educational Pictures asumió el control de la distribución de los cortos. En 1928, Education dejó de sacar los dibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidos por First National Pictures. Copley Pictures lo distribuyó desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en 1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos tiempos desapareció durante el breve paso del gato por el color y el sonido.

Felix el gato, la primera imagen que fue difundida por una emisora de televisión

La consolidación del cine de animación en todo el mundo

El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-ruso-finlandés cortometrajes experimentales abstractos , como Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Rhythmus 21 (1921). Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.

, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como El británico Lotte Reiniger Kapten Grogg, de Anson Dyer, realizó J Víctor Bergdahl. Three Little Pigs ohn Bull's Animated Sketchbook (1920), (1922) y Little Red Riding Hood Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie (1923).

Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.

En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.

En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 . Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de rodó , 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 sonora, , primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou ( Momotarou ( Kujira, La ballena Lotte Reiniger. En 1952 remake de El hueso del pulpo Kenzo Masaoka realizó Chikara to onna no yo no naka, La ballena. Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés El Chico Durazno). El Portero). También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani ( El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen ( La guerra de monos y cangrejos ) El mundo del poder y de las mujeres

fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. desarrolada por Mickey Mouse Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano,

En los mismos tiempos, los hermanos (1939), en el que utilizaron el , donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Gulliver's Travels Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas. rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Blancanieves y los siete enanitos Los Fleischer realizaron animaciones educativas: (1923) y (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Einstein Theory of Relativity Darwin's Theory of Evolution The Song Car-Tunes Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell ( Los viajes de Gulliver, Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron

, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Paul Terry Terrytoons. Aesop's Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner's Time (1928),el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942).

, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el la serie de Walter Lantz Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización. Pájaro Loco. En 1924 produjo

En 1925, Willis O'Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.

El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).

, de T he Brave Tin Soldier Hans Christian Andersen, para sus Jack and the Beanstalk Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Don Quixote Warner (hasta 1940). Fue el creador de (1933), (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), (1935), The Three Bears (1936), Ali Baba The Frog Pond (1938) y otros.

Las . En 1934, se hizo la primera , firmado por Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Sinking in the Bathtub . Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat , primer éxito de , dentro de las Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Porky Pig Merrie Melodies Looney Tunes , cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin .

En 1932, el checo uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto Berthold Bartosch realizó L'Idée , L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial. La idea , un corto eminentemente político, radical y revolucionario , que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo . Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado , y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue

, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie donde combina la geometría con la música . Hizo películas en colores en 1936. Colaboró en la realización de Oskar Fischinger Muratti Marches on y Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica. Composition in Blue, Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta,

En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre , inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.

En Rusia, en 1934, l mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como "el Disney de Rusia". La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son (1934), (1936) y (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. E La cigarra y la hormiga La llave dorada. Los tres mosqueteros , que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver

En 1935, admirador de , realizó técnica la heredaría En Len Lye, neozelandés, Oskar Fischinger Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión. Color Box , una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su Norman McLaren.Más tarde realizó con el mismo sistema (1936), Kaleidoscopio (1937) y Rainbow Dance (1938). Trade Tatoo

En 1936, 1937. en español. (1947) y Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky . Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Robert Clampett continuó con el personaje de Porky , y creó al canario Tweety , The Night Watchman , 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Chuck Jones debutó con , un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny , junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Sniffles , que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde ad Luck Blackie Red Hot Riding Hood King Size Canary B (1949).

En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero , que hizo en colaboración con K-Hito.

En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film En 1941 habían realizado Variations , a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.

, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por , contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del George Pal Steven Spielberg y Puppetoons recambio de piezas George Lucas. En 1940 inició la serie de los (ver arriba).

En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

Cámara multiplano

Rotoscopio inicial de Fleischer

Figura rotoscopiada

Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl.

Lotte Reiniger

Seitarou Kitayama

Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor

El pájaro loco

Berthold Bartosch, L'Idée

Puppetoons

Len Lye. Free Radicals Lye

Len Lye. El film directo

"El neozelandés Len Lye es un artista que escapa a la catalogación dentro de las vanguardias de comienzos del siglo pasado y que sin embargo participó en ellas con su obra pictórica, escultórica y cinematográfica. Pintura, esculturas cinéticas y películas animadas fueron los soportes elegidos por este "nuevo salvaje" (fascinado por el arte primitivo y aborigen) para plasmar la esencia del movimiento.".

(De la Web del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona)

Su película de 1935, A colour box, un anuncio de embalaje barato, fue el primer filme directo proyectado ante una audiencia. En Free Radicals Lye utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión. El resultado es un danzante patrón de líneas y marcas, tan dramático como el rayo en el cielo nocturno. En 2008, esta película fue incluída en el United States National Film Registry.

Lye experimentó con las posibilidades del cine directo hasta el final de su vida. En varios filmes utilizó un diverso rango de tintes, plantillas, aerógrafos, rotuladores, sellos, peines e instrumentos de cirugía, para crear imágenes y texturas sobre el celuloide. En Color Cry, emplearía el método del fotograma combinado con varias plantillas y materiales para crear patrones abstractos.

Pinocho

Blancanieves

Peter Pan

Fantasía

La dama y el vagabundo

El libro de la selva

Unicorn in the Garden

1 001 Arabian Knights

Correcaminos

Mr. Magoo

Piolin

El gato silvestre
El punto y la línea
La pantera rosa

Huckleberry Hound

Charlie Brown Christmas

Yantra

Allures

Samadhi

Petit Soldat

Les Jeux de anges

The Battle of Kerzhenets

Surogat

Nino Pagot

Astro Boy

El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial

Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.

Estados Unidos

En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, (1950), (1951), (1953), y Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: La Cenicienta Saludos, amigos (1943) y Alicia en el país de las maravillas Peter Pan La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos inolvidables. El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados.

. Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar , de , de United Productions of America (UPA) John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943, y Chuck Jones , comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles. cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden En el mismo año hicieron Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los The Tell-Tale Heart, a la CBS. El primer y último largometraje fue 1 001 Arabian Knights Terrytoons , que cerró ese año las puertas.

fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de btuvo un Oscar por su cortometraje . En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron en un Chuck Jones y Looney Tunes y The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como(Road Runner) Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es "estilo UPA", que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Friz Freleng What´s Opera Doc? , de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos cartoon que parodia la de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a Fantasía La pantera rosa Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.

, en 1948, en la . Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Tex Avery Chilly-Willy The Penguin y Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men Droopy The Dog (1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound , con la que ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como , y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo.

En 1950 nace la serie de los , que logró veinte años de éxito mundial para el animador , quienen 1969 comenzó la secuela Peanuts Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown y sus amigos. (1965), Charlie Brown Christmas Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.

El término del prefijo bras como; Catalog (1961) de yantra proviene del sánscrito, John Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma. yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra , otras o

En 1961, . Realiza Jordan Belson, representante de la Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.

Canadá

El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.

Francia

En 1947, el cortometraje , de (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 1963 el ruso 1964, el polaco Petit Soldat Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Alexandre Alexeieff hace en Francia Jeannot l'intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), (1985), y famosas series como Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges Aladino y la lámpara maravillosa Joë chez les abeilles , que transformó y amplió en 1979 en Paul Grimault, La pastora y el deshollinador Le roi et l'oiseau . En Le nez , inspirada en Gogol. En .

Checoslovaquia

En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. En 1950, , animación de títeres contra el abuso del alcohol. , en 1977. Un animador de marionetas, Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó "estilo checo" de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este. Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán , y en 1953, Un vaso de más Karel Zeman,realizó Inspiración (1947), (1951), El rey Lavra (1953), El tesoro de la isla de los pájaros (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo , inspirada en Julio Verne. En 1959, Viaje a la prehistoria , imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, La invención diabólica La última broma (1964), Jardín (1968), Baron Munchausen (1982) y Historia de una locura y Aprendiz de brujo Jan Svankmajer hizo Dimensiones del diálogo Diario de Leonardo (1988).

Rusia

50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a El caballito jorobadito , una de las obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Miyasaki. Snegurochka (1952), (1955), La liebre valiente (1959) y muchos otros. En más de La aventura de Burattino (1952) y The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), Lev Atamanov realizó The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es La bella y la bestia The Battle of Kerzhenets ( Secha pri Kerzhentse) , 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. La reina de las nieves

Yugoslavia

La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando" (Dusan Vukotic ). En 1956, con , de que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961 El robot juguetón Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó , primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar.

Polonia

Antes de En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación en la obra surrealista son dos de las películas de Ambos salieron del país, uno, Jan Lenica y de Érase una vez. , mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guión en escenas . En 1958 realizaron y Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997). La casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto Los rinocerontes Jan Lenica, que trabajó durante tres años para realizar Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia. Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas.

Italia

(1984), , de (de de L'ultimo sciuscia ). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Antón Domeneghini.(Información de Miradas audiovisuales https://www.eictv.co.cu/miradas) Menenio e i petrolieri (1961), (1962), Le Papillon (1973), Il racconto della giungla (1974), Il nano e la strega Scandalosa Gilda (1964) y Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra Pulcinella I fratelli Dinamite Nino Pagot) y La rosa di Bagdad,

Japón

En 1947, , con títeres. En 1959, y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés (1977). Información de Miradas audiovisuales Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo https://www.eictv.co.cu/miradas) Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste , modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Yoji Kuri: Blackjack, Locus, Face, Samurai Amor, The Eggs Discovery of Zero, The Chair Memory, Midnight Parasite Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego , son cortos de este año, seguidos por (1965), (1966), (1967), (1969) y

España

el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. la animación española nació , del programa televisivo 1, 2, 3. La familia Telerín , de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta

Ver McLaren

Neighbours
Pas de deux

Notes on a triangle 1966

La calabaza Ruperta

La familia Telerín

El estilo checo

Garbancito de la Mancha. Cine español de la posguerra

Dirigida por Arturo Moreno y producida en los estudios barceloneses de Balet y Blay, en 1945, es el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país (es la primera película que vi en mi vida). El guión está basado en el cuento de un falangista muy conocido, Jaime Parera , y la historia posee un mensaje subliminal notable favorable al franquismo (las arengas contra los malvados se hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguaje muy parecido al del régimen).

Sin embargo, el hecho de su realización supone un hito en el dibujo de animación y en el equilibrio con el sonido, impensable con los medios que se tenían en la España de la posguerra. Entre dibujantes, animadores y técnicos, hubo varios represaliados por el franquismo por sus sospechas de republicanismo.

Dalí con Disney en Destino , 1946

E n 1945, y dibujos animados. El proyecto, titulado Dalí conoció a Walt Disney y firmó un contrato para un cortometraje de animación de pocos minutos de duración que debía combinar ballet o por diversos Destino, quedó entonces truncad problemas, entre ellos la crisis económica que siguió al final de la II Guerra Mundial . Se ha rescatado y completado recientemente con el centenar largo de escenas, dibujos y pinturas conservadas y siguiendo las instrucciones y los esbozos del artista.

Es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia y Chronos , que se sirve de las imágenes y del simbolismo de Dalí para indagar en la naturaleza de las relaciones humanas.

Dalí adaptó la técnica de escritura automática a la pintura, una forma de creación particularmente apropiada para la animación, ya que permite mezclar y ensamblar libremente imágenes salidas directamente del inconsciente. En el filme se mezclan bailarinas, jugadores de béisbol, hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y la Torre de Babel, no sigue una trama lógica, y deja gran parte del argumento en manos de la imaginación del espectador. Dalí siempre decía: " Si lo entendéis, he fracasado " .

La animación hasta 1980

La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión, trasladándose a otros canales de distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los cines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y se especializó, fundamentalmente en los festivales de cine y el la televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine.

. William Hanna y Joseph Barbera, ambos hijos de inmigrantes libaneses, trabajaron juntos por primera vez en el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939, cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barbera introdujo la animación limitada, popularizada por UPA (United Productions of America), como un método para reducir el costo de producción. Esto contrajo una reducción en la calidad de la animación. Se especializaron en la animación para televisión por la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas más características son estrenaron uno de sus personajes más populares: Hanna-Barbera Scooby Doo, que se transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más vistos de toda la historia. Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show , The Yogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los Supersónicos, y especialmente Los Picapiedra. En 1969,

, una empresa norteamericana, produjo teleseries basadas protagonizadas por personajes famosos del cómic y de la literatura: Filmation Flash Gordon , Tarzán , el Zorro , Batman y Robin , entre otros.

A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground, abrió el camino a la animación para adultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de la rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo. Realizó la primera adaptación de Ralph Bakshi. El Señor de los Anillos (1978), con técnicas de rotoscopia, y películas como Cool World (1993) que mezcla imagen real con dibujos animados. También creó animaciones para adultos como Fritz el gato (1972) basado en el personaje de Robert Crumb.

Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. En 1965, el dibujante de historietas , exploración en un mundo absurdo, lleno de humor, dentro de la llamada De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Nedeljko Dragic dirigió su primer corto, Elegía Jan Svankmajer, que trabaja con muñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de sus largometrajes son Neco z Alenky ( Alice, 1988, basado en "Alicia en el país de las maravillas", de Lewis Carroll, Faust ( Fausto, 1994) y en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005). Ha influido mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Gilliam. Escuela de Zagreb. Dragic continuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease (1969), (1970) y La puerta , de 1972, que obtuvo una nominación al Oscar. Tup Tup

En Japón es de destacar Osamu Tezuka, pionero del cómic actual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ( Astroboy). Más tarde Janguru Taitei ( Kimba el león blanco), que rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi ( La princesa caballero).

En Europa occidental se hicieron películas los logros fueron más puntuales: películas como (1984), que cierra su filmografía. Yellow Submarine ( Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se puede , seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), (1972), Ave María (1979) y El lago mágico La fábula del zar Saltán René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo El submarino amarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje de animación cuyos personajes principales representan a The Beatles. La original estética de los dibujos, con colorido y estética entre naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz Edelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Hace una panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandos de Dalí, los bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En Francia continuó el ruso para concebir series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y DVD.

En 1965 realizó su primer largometraje animado, parodia de los Su personaje más famoso, es el Signor Rossi, protagonista de siete cortometrajes animados, y del que se llegaron a realizar tres películas: West and Soda , El Sr. Rossi busca la felicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr. Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo, 1976, un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música clásica a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizo Mammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas. En la actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con la técnica del flash. western americanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde parodiaba el género de superhombres.

ejercitó de manera conjunta la direccion de películas de animación y la pintura, en un desbordante universo en el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primera película de animación, en el estudio de , René Laloux El rey y el pájaro Paul Grimault, realizó uno de los mejores animados de todos los tiempos, inspirado en Andersen. Paul Grimault, Les dents du singe ( Los dientes del mono ), un cortometraje escrito y dibujado por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour Cheverny, de la que era director. Con el grafista Roland Topor hizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Les escargots ( Los caracoles, 1965), y La planète sauvage ( Planeta salvaje, 1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de Cannes. Con el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps ( Los amos del tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje Comment Wang Fo fut sauvé ( Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometraje Gandahar ( Caza para Gandahar, 1988). En 1979,

En el cine de animación canadiense, además dentro de la continuación de las actividades del (1979, nominado al Oscar y , en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde (1986). (Obtenida en Miradas audiovisuales National Film Board of Canada y de Frederic Back,una de las leyendas delcine de animación canadiense, consiguió su primer gran éxito internacional con http://www.eictv.co.cu/miradas) Abracadabra Norman Mclaren, en 1970, (1970), seguido de Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973), (1974), Illusion Tout Rien Crac, 1983, que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de la animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street he Metamorphosis of Mr. Samsa T (1977) y Le tigre et le renard

En 1975, (1990). En 1980, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro de marionetas, realizó El fin del cielo . En la década de los 80 realizó animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos , considerada una de las mejores película de animación jamás realizada.

En , protagonizada por la familia Telerín, de España, se realizó en 1965 Francisco Maciá, quien junto a Cruz Delgado y La leyenda del unicornio José Luis Moro se convirtieron en los puntales de la animación española, junto a Maite Ruiz de Austri, la autora de (1995) y El mago de los sueños (2001).

Los Picapiedra

Ralph Bakshi, El Señor de los anillos

Yellow Submarine

Bruno Bozzetto

La planète sauvage

Crac

El mago de los sueños

El cine de animación en occidente en las últimas décadas

El cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de acero logró además que muchos animadores de los países del este pasaran por todo el mundo aportando su experiencia.

continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como y(y su decadencia, al mismo tiempo que crecía una pequeña entidad, Disney ( The little mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements La bella y la bestia Beauty and the Beast , 1991) , de Trousdale y Wise, y Pixar, de John Lasseter que de ser una desconocida empresa infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la más importante productora de animación del mundo, con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., etc. En La Sirenita , 1991 Pixar y Disney unieron fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation Studios y cedió el control de su estudio de animación a los directores creativos de Pixar.

L´Homme qui plantait des arbres , con el que ganó abundantes internacionales y el Oscar al mejor cortometraje de animación del año; después hizo Le Fleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue nominado al Oscar.

Brad Bird, un animador educado en la serie Los Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro ( The iron giant), película que está a la altura de las mejores películas de dibujos animados. Está ambientada en en plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del espacio, un relato lleno de ternura basado en un relato que que el poeta Ted Hughes escribió para consolar a sus hijos de la muerte de su madre. es una película independiente hecha con pocos medios para lo que el cine de animación suele utilizar.

) de basada en un poema de iene todos los elementos característicos del cine de Burton. El guión y los derechos estaban desde hacía años en manos de la Disney, por lo que Burton volvió a la compañía para poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudación y fue muy criticada en su momento, actualmente es una película de culto. Mástarde hizo, en 2005 y con el mismo sistema, en su rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su cortometraje, Pesadilla antes de Navidad ( Tim Burton's The Nightmare Before Christmas, 1993 Frankenweenie, el cual habrá de adaptar en un filme "3-D" acompañado de la técnica "stop-motion". Henry Selick, está Tim Burton, que había trabajado con Disney . Fue producida por él mismo, está realizada con muñecos de látex y t La novia cadáver, Tim Burton's Corpse Bride. El estilo de Burton es de influencias góticas, llenas de romance y fantasía. En ocasiones relatan las vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se logran sentir en concordia con su estatus social. Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las Maravillas, adaptación de la novela infantil y contará con la técnica "3-D" y "Performance Capture"

realizó varios cortometrajes y dos largometrajes de cierto interés, Bill Plympton Me casé con un extraño ( I married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001). Bill Plympton es un frenético humorista, que realiza sus dibujos de forma muy artesanal, de gran expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y gamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia.

En Francia, Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le sedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980) es un largometraje realizado con papel blanco recortado y blondas de pasteles. Su infancia en Guinea, Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y Kirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a la fama. Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur & Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la inmigración y la integración entre culturas.

es un animador francés influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los dibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el productor de Sylvain Chomet Las Trillizas de Belleville, con los que trabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dame et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió varios premios y estuvo nominado al Oscar y al César. En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuó con la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene mayor influencia de la cámara que de la animación, y está basado sobre el mimo y la interpretación de los personajes.

, aunque nació en parís, trabajó muchos años como animador en Los Ángeles y Tokio y trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994, dirigió las series de dibujos animados Pascal Morelli The busy world of Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para France Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002 Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de Wallace y Gromit, por ejemplo Chicken Run Wallace y Gromit: la maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, .

Siguiendo la tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la vida de los hombres, que reúne cinco cuentos de varios libros conocidos, divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en varios animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek.

Como animador cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas) en 1974 como director de dibujos animados. Creó las series de animados Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el humorista argentino Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.

La animación japonesa en los últimos tiempos

Tras Para llevar a dibujo animado la historieta de , se unieron dos directores, Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre van unidos el cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dos facetas, el "shojo manga", o relato romántico para el público femenino, y el "mecha", o historia de robots, por lo general repleta de escenas de lucha y devastación. Es frecuente que cuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (los llamados manga), tenga presente su adaptación a dibujos animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje. y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegó de la mano de Osamu Tezuka, high-tech. Metrópolis Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, y que ha logrado un gran reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el responsable de la moda del manga y el anime con la producción Dragonball (1986-1989).

El anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayor complejidad, p or la sencillez de su trazo, la estructura narrativa lineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, lo que hace el proceso de elaboración relativamente rápido, que los convierte en productos baratos en los mercados internacionales. Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con la empresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudio francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).

Hayao Miyazaki

El camino del cine digital actual de animación

Toy Story , la primera película realizada totalmente por ordenador, en 1995, la produjo Disney y la realizó la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito comercial que dio vía libre a todo un mundo de posibilidades creativas.

Hormigaz , Antz, (1998), la segunda película por ordenador, se realizó en los estudios Dreamworks, fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos en el cine de animación.

Los dibujos animados, compiten en las últimas décadas entre esos grandes estudios, por una parte Disney-Pixar (que se unen y se desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a la mejor película de animación en marzo de este año y Dreamworks, con grandes éxitos de taquilla como Shrek y Shrek 2, que se ha convertido en la cinta animada más taquillera de la historia.

Mientras tanto otros estudio han iniciado su carrera por los dibujos animados: Fox, La edad del hielo y sus secuelas, Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron y Warner, The Polar Express, de Robert Zemeckis.

Pixar/Disney

La industria española del dibujo animado

Cruz Delgado fue ilustrador de historietas infantiles y realizó experimentos por su cuenta en el campo del dibujo animado. Trabajó en Estudios Moro y Belvision de Bruselas. En España fundó en 1963 una productora dedicada exclusivamente a la producción de películas de dibujos animados, siendo la primera de ellas el cortometraje titulado El gato con botas, premiada en el Certamen Internacional de Cine de Gijón en 1964 y en Gottwaldov (Checoslovaquia) en 1965. En 1968, para Televisión Española, realizó una serie de trece episodios sobre su personajes " Molécula". Realizó varios largometrajes, Mágica aventura, 1973, El desván de la Fantasía,1978, con el ilustrador José Ramón Sánchez, Los viajes de Gulliver, 1983, Los cuatro músicos de Bremen, 1988. Sin embargo, su aportación principal al cine de animación está en la serie que para televisión en 1978, coprodujo con José Javier Romagosa, 39 episodios sobre la obra de Miguel de CervantesDon Quijote de La Mancha .

Se pueden añadir a la lista dos filmes rodados en Cataluña, y otros dos rodados en el País Vasco, Peraustrinia 2004 (1989), de Ángel García, una ingeniosa película sobre lo tranquila pero a la vez aburrida que puede ser una vida sin el toque mágico del azar, y Despertaferro, el grito del fuego (1990), de Jordi Amorós, en torno a la odisea de Llúria, un niño de doce años fascinado con la historia de los almogávares, dos gemelos que viven en el pueblo ballenero de San Juan, y La leyenda del viento del norte (1992), de Carlos Varela y Maite Ruiz de Austri, las aventuras de

Es esperanzador el futuro para los creadores que trabajan e investigan el cine digital, que cuentan con una demanda creciente. Son film de muy buena calidad técnica, realizados por una nueva generación de animadores. Desde El bosque animado, 2001, de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez, hasta Pérez, el ratoncito de tus sueños (2006), una coproducción hispanoargentina de Juan Pablo Buscarini, Nocturna (2007), de Adrià García; y El Cid, la leyenda (2003) y Donkey Xote (2007), ambas de José Pozo.

es un estudio de animación por ordenador fundado en 1987, situado en La Coruña, España, como un estudio de diseño gráfico. Su primer largometraje por ordenador fue Dygra Films El bosque animado, 2001, El sueño de una noche de San Juan, 2005, Espíritu del bosque, secuela de El bosque animado, 2008, Noche de paz, estimada para diciembre de 2009, El asno de oro, para 2011 y En busca de Oniria, estimada para 2012.

, tras trabajar durante años en series de animación para televisión, se incorporó en 2000 al grupo Jose Pozo (2007) y Pérez, el ratoncito de tus sueños (2008). La crisis carnívora (2008),Forma Animada con Misión en Mocland, una aventura superespacial (2008), de Juan manuel Suárez. Kandor Moon realizó (2008), yLa dama y la muerte El lince perdido , seleccionada para los Oscars 2010 en la categoría de mejor cortometraje de animación. Dygra, hizo en 2008 la segunda parte deEl bosque animado , que lleva por títuloEl espíritu del bosque (2008), Filmax para el diseño y desarrollo artístico de varios proyectos. Asumió en 2003 el guión y dirección de El Cid, La Leyenda y dirigióDonkey Xote, en 2007. Filmax hizo Nocturna y Donkey Xote

D ibujos animados con personajes para niños que se difunden por todo el mundo son T Pocoyó ( Planet 51 , 2009, de Jorge Blanco, en coproducción con RU, un éxito internacional que puede competir con Pixar. iene como protagonista a un astronauta estadounidense que aterriza en un planeta plagado de alienígenas con un estilo de vida semejante al de la década de los años cincuenta del siglo pasado. Zinkia ) , Bernard y S . Un éxito en todo el mundo ha sidoally McKay

Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron para realizar Chico y Rita , en 2010, dibujos animados para adultos, g anadora del premio Goya al mejor filme de animación, que narra la historia del pianista Chico y la cantante Rita, dos personalidades volcánicas que protagonizan una destructiva relación sentimental. La música juega un papel decisivo en el desarrollo de la trama. y forma parte de la historia de un modo muy íntimo, con Bebo, y piezas de Cole Porter, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Chano Pozo.

Animación para televisión

Aunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del mercado.

Los Simpsom , realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es Matt Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en 1987. Se consolidó como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la cultura occidental y sus valores.

South Park es una serie distribuida por Warner Bros. y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un lenguaje desenfadado.

El documental animado

Sheila M. Sofian define el documental de animación como "toda película animada que parte de materiales de no ficción".

recrea el ataque de un submarino alemán a un lujoso crucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que no se habían registrado imágenes documentales.

Algunos ejemplos cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton, 1983) sobre un hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza grabaciones de gente y locaciones reales como bases. Grave of the fireflies (Isao Takahata, 1988) basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka y que narra, su experiencia infantil en los bombardeos de la segunda guerra, basado en hechos reales y personales. El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que recreaba testimonios de supuestos abducidos por extraterrestres.

Vals con Bashir , 2008, de Goldman, recupera en clave autobiográfica, la matanza sucedida en los campos de refugiados palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen, sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión en la historia de la contracultura americana. Ver cine siglo XXI

Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar los casos de personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los recuerdos de esos falsos culpables, en clave de pesadilla.

El hundimiento del Lusitania (1918)

Persépolis (2007)

Vals con Bashir (2008)

Cine artesanal animado en el siglo XXI

Arrugas

España. 2011. 80 min.

PREMIOS

MÚSICA . Serge Besset

PREMIOS

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Enrique Martínez-Salanova Sánchez - All Rights Reserved

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Iniciación a la historia del cine de animación

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El fantástico mundo de los libros voladores

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El lápiz mágico de Malala

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Helena Cortesina es una de nuestras primeras cineastas.

1. Las pioneras

Helena Cortesina (1904-1984) En 1920 comenzó como actriz y en 1925 rodaba el primer largo dirigido por una mujer en nuestro país, que se exhibió a lo largo de varios años: La Flor de España o la leyenda de un torero.

Rosario Pi (1899-1967) Cofundadora de Star Films, productora de las obras de Perojo o Neville, en 1935 estrena El gato montés, primera cinta sonora dirigida por una española. Sus denuncias del machismo tardarían años en volver a verse en cine. Incomprendida por republicanos, que la consideraban cercana al Régimen, y por franquistas, que censuraban sus ideas poco femeninas, en 1938 dirige Molinos de viento, que no llegó a estrenarse.

Ana Mariscal (1923-1995) actriz, directora y productora, fue una gran estrella en los 40 y 50. En 1955 escribe y dirige la comedia Segundo López, aventurero urbano, con Tony Leblanc; una digna opera prima con influencias del neorrealismo italiano. De la decena de películas que dirigió, todas muy diferentes, destacan Con la vida hicieron fuego (1959), un drama bélico, y El camino (1963), basada en la novela de Miguel Delibes.

Margarita Alexandre (1923-2015). Después de la guerra llegaría a actuar en diez películas. En el rodaje de Puebla de las mujeres (Antonio del Amo, 1953) conoce al crítico Rafael Torrecilla, con quien funda su propia productora. En esa década dirige y produce Cristo (1953); La ciudad perdida (1954) y La Gata (1955), que fue la primera película rodada en Cinemascope con capital íntegramente español.

2. Josefina Molina (1936)

Directora de cine y de escena, guionista, realizadora y novelista. En 1969 se convierte en la primera mujer con título de directora/realizadora por la Escuela Oficial de Cine. Bregada en las series de la TV pública, en 1973 estrena su primer largo, Vera, un cuento cruel, adaptación de una historia de Auguste Villiers. Su siguiente película es ya un clásico de nuestro cine por su original propuesta a medio camino entre la ficción y el documental: Función de noche, de fuerte carga feminista, cuenta la crisis de una mujer de 45 años narrada por su protagonista real, la actriz Lola Herrera, quien detecta paralelismos entre su vida y la de Carmen Sotillos, el personaje de Delibes a quien encarna cada día en la adaptación teatral de Cinco horas con Mario. La cinta conserva todo su interés como estudio de una generación, la de la posguerra, que en el momento del rodaje construía nuevas formas de convivir.

Otro largo que brilla en su escasa y exquisita filmografía es Esquilache (1988), adaptación de la obra de Buero Vallejo Un soñador para un pueblo. La película acumuló diez candidaturas a los Goya. Molina, confundadora y presidenta de honor de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), recibió el Goya de Honor en el año 2011.

3. Pilar Miró (1940-1997)

Estudia Periodismo y Derecho y se gradúa en la Escuela Oficial de Cine, donde también fue profesora. Dirigió cine, televisión, teatro y ópera. Entre 1982 y 1985 fue Directora General de Cinematografía, y entre 1986 y 1989 de RTVE. Como directora de cine, dejó una obra personalísima que ha envejecido de manera desigual, pero contiene algunas perlas entre las que aquí destacaremos dos: El crimen de Cuenca y El perro del hortelano.

Basada en hechos reales de principios del siglo XX, la primera es un durísimo alegato contra la tortura, y también la única película española prohibida en democracia. La cinta estuvo secuestrada durante año y medio, y su realizadora fue objeto de un proceso ¡militar! que tuvo repercusión internacional. El Supremo autorizó el estreno en 1981; causó un gran impacto en la sociedad española y resultó un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo una película sobrecogedora y necesaria, con una factura técnica e interpretativa de primer orden.

En 1996, un año antes de fallecer por infarto, Miró ganó dos premios Goya (dirección y guión adaptado) de los siete que consiguió su versión del clásico de Lope El perro del hortelano; la película respeta el libreto original; su hábil trasposición de los recursos narrativos del teatro al lenguaje cinematográfico y la calidad de sus interpretaciones la hace muy recomendable para cualquiera, y básica para estudiantes del bachillerato de Humanidades.

4. Patricia Ferreira (1958)

Se licenció en Ciencias de la Imagen y Periodismo y comenzó como crítica y periodista en TVE, RNE y Fotogramas. Trabajó en televisión como realizadora y guionista y en 2000 se estrena como directora: Sé quién eres se presentó en el festival de Berlín y le valió la nominación al Goya a la mejor dirección novel. En esta combinación eficaz de thriller psicológico y político, con una trama sorprendente narrada con inteligencia, melancolía y dureza, brilla especialmente la dirección de actores, una constante en los trabajos de Ferreira. Dos años después estrena El alquimista impaciente, primera adaptación de las aventuras del sargento Bevilacqua y la cabo Chamorro, los personajes de las novelas de Lorenzo Silva.

Su siguiente largo, Para que no me olvides, es un drama electrizante que resulta perfecto para estudiantes que se inician en el género; la reivindicación de los mayores, dentro y fuera de la familia (Fernando Fernán Gómez interpreta aquí uno de sus últimos papeles) es quizá el mejor y más emotivo acierto de esta película.

En 2012 estrenó Los niños salvajes, ganadora de la Biznaga de Oro en el festival de Málaga. A través de una narrativa sencilla y directa plantea el debate sobre los muros de incomunicación entre padres, hijos y profesores, y la necesidad de una educación de calidad. La integración natural del catalán y el castellano sería otro valor a añadir desde el punto de vista educativo.

Ha rodado también documentales y cortometrajes comprometidos con causas humanitarias. Desde el año 2001 es docente de Dirección en la Escuela de cine de Madrid (ECAM). Fue miembro de la Junta directiva de la Academia de cine entre 2009 y 2015 y desde el año 2006 forma parte de la de CIMA, asociación de la que es cofundadora. Su último trabajo para cine es la comedia dramática Thi Mai, rumbo a Vietnam.

5. Isabel Coixet (1960)

Es de las directoras más valorados fuera de España, sin distinción de género, y la única fémina del grupo de realizadores con cinco o más nominaciones a un Goya en Dirección. Su filmografía podrá gustar más o menos, pero el consenso en cuanto a la calidad de su factura y su dirección de actores es prácticamente unánime. Empezó en publicidad, terreno al que sigue aportando su creatividad. Con su primera película, Demasiado viejo para morir joven (1988) estuvo nominada a la Dirección Novel en los Goya de 1990.

Coixet se ha especializado en adaptar relatos y novelas. No resulta fácil destacar un par de cintas para iniciarse en la obra de esta estajanovista de nuestro cine, que opera su propia cámara, tiene su propia productora y desde 2003 filma una película al año y a veces dos. Ha rodado cintas de época y aventuras ( A los que aman, Nadie quiere la noche), thriller ( Mi otro yo), comedia ( Aprendiendo a conducir) documentales ( Viaje al corazón de la tortura, Esperando al juez Garzón) y sobre todo, drama, siempre a través de protagonistas femeninas que toman sus propias decisiones con mejor o peor fortuna. Mi vida sin mí fue su primer gran éxito internacional; una durísima reflexión sobre la perspectiva de la muerte que sembró el terreno para la sensacional La vida secreta de las palabras, otro drama impecable sobre las secuelas de la guerra y el poder redentor de los sentimientos, ganador de cuatro Goya, entre ellos el de Mejor Película. Nadie quiere la noche transcurre en Groenlandia en 1908 y cuenta la historia del forzoso entendimiento entre la audaz Josephine Peary, personaje histórico que se embarca en un peligroso viaje, y una humilde mujer inuit. La cinta ganó cuatro Goyas.

Su último largo, La librería, Mejor Película de 2017, es un drama, pero también una obra tierna, bonita y quizá la más asequible para un público que se esté educando en el lenguaje audiovisual; el amor por la literatura que transmite, la sensibilidad de sus planteamientos y el respeto por la coherencia de sus personajes hacen de ella una película especialmente recomendable para ese colectivo sin edad que son los devoradores de libros.

6. Dunia Ayaso (1961-2014)

Prematuramente desaparecida, fue la mitad del tándem Ayaso-Sabroso; su unión personal y creativa cimentó una almodovariana etiqueta de "petardas" que ejemplifica el espíritu lúdico que impregnó Madrid en los 90. Ayaso y Sabroso reinventaban con humor los lugares comunes del género que se les pusiera por delante. En 1994 estrenaron Fea, que más adelante se consideró primera parte de una trilogía gamberra formada por esta cinta, por la exitosa comedia coral Perdona bonita pero Lucas me quería a mí (1997), y El grito en el cielo, un fracaso de taquilla que frena momentáneamente su carrera. Dunia sigue escribiendo y dirigiendo espectáculos variopintos con un indiscutible sello de autoría hasta que El Deseo produce Descongélate (2003), una comedia con elementos de humor negro que anticipaba la transición a otros géneros, materializada en Los años desnudos (2008), ya más cerca del drama, y en La isla interior. La de Ayaso fue una carrera particular que merece la pena repasar. Uno de los premios del Festival de Málaga lleva su nombre.

7. Gracia Querejeta (1962)

Estudió Historia Antigua en la Complutense. Es hija del difunto productor Elías Querejeta, uno de los últimos "productores-autores" de nuestro cine. Sus películas más significativas descansan sobre un conflicto pasado que estalla, por la razón que sea, en la vida de unos personajes, casi siempre mujeres o chicos jóvenes, con relaciones afectivas muy potentes, generalmente mal resueltas. Empezó como auxiliar de dirección en Dulces horas (1981), de Carlos Saura. Después de varios cortos, estrena Una estación de pase, Premio Especial del Jurado en la Seminci, que narra con sensibilidad el final de un verano a través de los ojos de un chico que descubre su entorno, se mete donde no le llaman y accede a la madurez. En 1996 adapta la novela de Javier Marías Todas las almas en El último viaje de Robert Rylands, y en 1999 estrena Cuando vuelvas a mi lado. En 2004 estrena Héctor: Mejor Película en el Festival de Málaga, la historia de un chaval de 16 años a quien la vida obliga a tomar decisiones importantes demasiado pronto. Más adelante, Siete mesas de billar francés (2007), después vinieron 15 años y un día (Mejor Película en Málaga), muy recomendable para espectadores de la edad del co-protagonista, con ese abuelo de carne y hueso que encarna el siempre correcto Tito Valverde, y Felices 140, su último largo estrenado.

8. María Ripoll (1964)

Es una de los pocos directores españoles que han superado el millón de espectadores en salas. Su comedia Ahora o nunca, con Dani Rovira y María Valverde, convirtió a Ripoll en la directora española más taquillera de todos los tiempos.

Estudió Cine en la Politécnica de Cataluña y en La Fémis. Como ayudante de dirección colaboró con directores como Agustí Villaronga o Bigas Luna. Completó su formación en el American Film Institute y en la UCLA. Rueda algunos cortos y en 1998 dirige su primer largo, Lluvia en los zapatos, una comedia romántica con toques de género fantástico rodada en Londres, con Penélope Cruz, por la que fue nominada al Goya en Dirección Novel. En 2001 dirige la comedia Tortilla Soup en Estados Unidos y, de vuelta en España, estrena el thriller Utopía (2003) y la peculiar Tu vida en 65′ (2006), basada en una obra de Albert Espinosa, que aborda la muerte y el amor desde un humor inteligente. En 2014 dirige el que hasta ahora es su único drama, Rastros de sándalo, que gana varios premios internacionales, y en 2016 estrena su última comedia, No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas.

La obra de María Ripoll contiene otra cinta muy recomendable: Cromosoma Cinco, un mediometraje documental que sigue la historia de superación de una familia desde el nacimiento de Andrea, una preciosa niña aquejada de un extraño síndrome.

9. Iciar Bollain (1967)

Directora, productora y guionista, fue primero actriz. Con 16 años protagonizó la icónica El sur, de Victor Erice (1983). En 1991 funda la productora La Iguana, y bajo ese paraguas dirige sus propios guiones; en 1995, año en que también publica un libro sobre Ken Loach, debuta en la dirección con Hola, ¿estás sola?, la historia de iniciación a la vida adulta de dos amigas de veinte años; pero siguió actuando en cintas como Tierra y libertad, de Ken Loach, o Leo, de José Luis Borau.

Las películas de Bollaín abordan historias de rebeldía u oposición a contextos y situaciones injustas o indignas para sus personajes. Su segundo largo, Flores de otro mundo (1999) es una gran película. Desde el punto de vista educativo su valor es incuestionable: la trama, localizada en un pueblo castellano en los años de la burbuja inmobiliaria, aborda varias claves tanto de la historia de España como de nuestra evolución sociocultural.

Inmigración, xenofobia, sexismo, vida rural, se acometen desde un punto de vista integrador y con una intención pedagógica reconocida que Bollaín mantiene con éxito a lo largo de su obra posterior. La imprescindible Te doy mis ojos (2003) cuenta la historia de cómo Pilar, víctima de violencia de género, se libera de las cadenas que la atan a esa vida de maltrato. La cinta arrasó en la XVIII edición de los Goya y ganó cerca de 40 premios internacionales. Su siguiente largo, Mataharis, es otra historia de mujeres que parece género negro y es mucho más; con su talento para reflejar lo cotidiano sin retórica, hurga en las vidas, a veces trágicas, a veces emocionantes, de tres detectives privadas que intentan conciliar sus trabajos con sus vidas personales.

En También la lluvia (2010), una película dentro de una película, Bollaín se atreve con una producción "grande", con exteriores espectaculares, para seguir apostando por la búsqueda de la dignidad y la justicia social; imperialismo, colonialismo y la infinita avidez de las multinacionales en el contexto de la Guerra del Agua de Cochabamba (Bolivia) en abril de 2000. Solo un año después rueda en Nepal Katmandú, un espejo en el cielo, el periplo de una profesora catalana empeñada en importar sus métodos a una escuela de allí. Su siguiente largo, En tierra extraña (2014), es un documental sobre los jóvenes españoles que han emigrado tras la crisis. Y el último, El olivo, es otra historia de David contra Goliath contada en clave de roadmovie con conciencia ecologista.

10. Carla Simón, Paula Ortiz, Leticia Dolera y Mar Coll

Estas tres directoras, con una o dos películas a sus espaldas, han demostrado ya una solvencia y un talento que invitan a cualquier aficionado a seguir sus futuras trayectorias.

Paula Ortiz (1979) es licenciada en Filología Hispánica y doctora en Teoría de Escritura de Guión de Cine. Estudió Dirección en la Universidad de Nueva York donde, además de varios cortos, empieza el guion de su primer largo, De tu ventana a la mía. La cinta, que fue candidata al Goya a la Dirección Novel, es un drama femenino y feminista que narra tres historias entrecruzadas en tres épocas convulsas, con una poética puesta en escena. Paula combina su trabajo audiovisual con una sólida carrera académica; fue investigadora y profesora de la Universidad de Zaragoza y ha publicado dos libros y muchos artículos de investigación sobre guion y narrativa. En 2015 adaptó en La novia Bodas de sangre, de Federico García Lorca, con aplauso casi unánime de la crítica. Versos, canciones, paisajes preciosistas y una gran dirección artística y de vestuario transmiten las interioridades de una mujer dividida entre el deber y la pasión.

Leticia Dolera (1981) es una celebrity comprometida con la defensa de los derechos de las mujeres y la lucha contra la violencia de género. Como actriz, ha intervenido en cerca de veinte películas, entre ellas las de su amiga Paula Ortiz. Dirigió cuatro cortos antes de estrenar su hasta ahora única película como directora, que también protagoniza, Requisitos para ser una persona normal: una comedia romántica rodada con profesionalidad y cariño que sorprende por la naturalidad de los actores y la ternura que envuelve a la historia, por la que estuvo nominada al Goya a la Dirección Novel.

Mar Coll (1981) se graduó en dirección en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). Su primer largo, Tres dies amb la família (2009), mejor dirección en el Festival de Málaga y Goya a la Dirección Novel, narra las relaciones y conflictos de un clan de la burguesía catalana, especialmente los de sus mujeres. En la segunda, Tots volem el millor per a ella (2013) vuelve a mostrar su fascinación por los personajes femeninos, esta vez a través de la compleja figura de una mujer que sufre las secuelas de un accidente. Ambas narran con contención, desde el respeto y sin artificios, intensos conflictos con la familia como eje.

Con el guion de su opera prima Verano de 1993, Carla Simón (1986) participó en el Talent Campus de la Berlinale y otros programas internacionales de desarrollo. La Academia seleccionó esta película, rodada en catalán, para representar a España en los Oscar. Carla ganó el Goya a la Mejor Dirección Novel, y entre otros premios nacionales e internacionales obtuvo, precisamente, el Dunia Ayaso que entrega la SGAE en el Festival de Málaga. El jurado reconoció el valor de "un retrato veraz y sutil de la infancia, que muestra un profundo equilibrio en el tratamiento de los personajes femeninos".

Eloísa Villar (Madrid, 1975) es periodista y documentalista. Desde el año 2000 trabaja en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, donde ha desempeñado diversas tareas, primero en sus publicaciones periódicas, después en el departamento de Comunicación y en los últimos años en el de Archivo y Documentación.

Es madre de dos cinéfilos de 13 y 11 años.

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Diez directoras españolas que deberías conocer... y alguna más - Alfabetización audiovisual en las aulas

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1. Las pioneras Helena Cortesina (1904-1984) En 1920 comenzó como actriz y en 1925 rodaba el primer largo dirigido por una mujer en nuestro país, que se exhibió a lo largo de varios años: La Flor de España o la leyenda de un torero.

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Podes facelo

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Estámosche moi alagados pola grande cantidade de empresas interesadas en nós, mais somos un proxecto sen ningún tipo de interese económico, só pretendemos a divulgación da nosa lingua e o noso cinema. Así e todo, moitas grazas

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Estámosche moi alagados pola grande cantidade de empresas interesadas en nós, mais somos un proxecto sen ningún tipo de interese económico, só pretendemos a divulgación da nosa lingua e o noso cinema. Así e todo, moitas grazas

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Galicia no cine

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¿Quién no se ha preguntado nunca, viendo una película, donde estarán esa playa o esos prados o en qué ciudad se habrá rodado? Sabed que cada vez con más frecuencia la respuesta está en Galicia.

Hasta los años 90 el número de películas rodadas en Galicia era más bien pequeño y, fundamentalmente, por directores autóctonos, pero a partir del año 2000 hubo un boom de localizaciones gallegas en la industria cinematográfica española.

Escenarios naturales y urbanos, industriales y monumentales, pero también edificios históricos han servido de plató a renombrados directores y conocidas películas de los últimos años. Sobre las más de 200 películas rodadas en Galicia desde 1916 podéis obtener una completa información en Rodado en Galicia.

Lo que sigue a continuación es una muestra de algunos de los más de cincuenta largometrajes que se filmaron, total o parcialmente en Galicia, en la primera década del siglo XXI, y de las localizaciones y escenarios que los hicieron posibles.

Pradolongo (2008), de Ignacio Vilar.

El director Paco Plaza eligió los montes de A Fonsagrada y Sarria para ambientar (2004). La película cuenta una leyenda gallega: la de Manuel Blanco Romasanta, conocido como el "hombre lobo de Allariz", al que en 1850 la judicatura absolvió de sus horrendos crímenes por aducir licantropía.

Alejandro Amenábar también estableció en Galicia el plató del rodaje de Mar Adentro (2004), basada en la historial real de Ramón Sampedro, el tetrapléjico gallego al que se le negó judicialmente el derecho a morir y murió asistido por un grupo de amigos. La playa de As Furnas de Porto do Son, en la ría de Muros, donde se produjo el fatal accidente de Sampedro, protagoniza algunas de las escenas más bellas y memorables de esta película protagonizada por Javier Bardem.

Pradolongo (2008), del cineasta gallego Ignacio Vilar, nos reconcilió con la naturaleza y la forma de vida del rural gallego, a través de una historia de amistad e iniciación rodada en varios municipios de la comarca de Valdeorras: Petín, A Rúa, A Veiga, O Barco, Carballeda y Vilamartín.

Los lunes al sol (2002), de Fernando León de Aranoa.

En un entorno urbano de declive social, ambientado en el barrio marinero de Bouzas, en Vigo, se desarrolla (2001). Su director, Gonzalo Tapia, eligió Vigo y no Avilés, su ciudad natal, seducido, precisamente, por "la pujanza de la industria audiovisual en Galicia".

En Los lunes al sol (2002), Fernando León de Aranoa retrata el ambiente deprimido de un barrio obrero de Vigo para reflejar la decadencia de una ciudad portuaria en la que la crisis de la industria naval conduce a la precariedad laboral y al desarraigo a sus protagonistas. La estampa de Vigo más reconocible es la que se obtiene desde la ría, a bordo del barco de pasaje en el que conversan sus dos protagonistas, Luis Tosar y Javier Bardem.

Santiago de Compostela es fácilmente reconocible en cada una de las escenas del thriller Trece campanadas (2002), versión cinematográfica de la novela de Suso de Toro, que dirigió el gallego Xavier Villaverde. La película nos lleva por la plazas de O Toural y de Cervantes, la rúa Nova, el Centro Galego de Arte Contemporáneo, la iglesia de San Agustín o el Hospital Xeral.

En 2005 llegó , de Gerardo Herrero, una historia con el telón de fondo del narcotráfico de los capos gallegos en los años 80, rodada en Pontevedra, Vigo, Vilanova de Arousa, Tui y Santa María de Oia. En ella se reconocen exteriores como la Audiencia Provincial, el Pazo Baión, la Diputación Provincial, o el propio puerto de Vigo.

Ourense protagonizó Los girasoles ciegos (2008), ambientada en la posguerra española. Su director, José Luis Cuerda, decidió que el urbanismo del centro histórico de Ourense no ha sufrido grandes cambios desde los años 40, por lo que trasladó el escenario de la novela original, que era Madrid, y por cuarta vez en su carrera como director apostó por Galicia para un rodaje. En esta ocasión, para contar el drama de un hombre que para evitar la represión franquista vive escondido en un hueco en el dormitorio de su casa.

Hotel Danubio (2003), de Antonio Giménez Rico.

Los interiores de Divertimento (2000), de José García Hernández, fueron rodados íntegramente en el teatro Jofre de Ferrol, una de las joyas de la arquitectura gallega del XIX. Ubicado en el céntrico barrio de A Madalena, destaca por su impecable acústica y su decoración clasicista.

Gran parte de la trama de Hotel Danubio (2003), de Antonio Giménez Rico, se desarrolla en ese hotel imaginario cuya fachada es el balneario de Caldelas de Tui. Cuenta con escenas de ambiente nocturno rodadas en el Teatro Principal y en la Sala Yago de Santiago de Compostela. En este melodrama ambientado en los años 50, entre un escritor fracasado y una cantante de revista musical, aparecen también los acantilados de la costa de Ortegal.

Varias escenas de (2004), del cineasta coruñés Héctor Carré se rodaron en los pazos de Torrecedeira (Santiago) y de Cotón (Negreira). Asimismo, se filmaron parajes de los montes de San Andrés de Teixido, Cariño y la propia ciudad de Santiago.

El menor de los males (2007). El pazo de Ponte Maceira es el escenario donde se rodó íntegramente esta película del salmantino Antonio Hernández. Está ubicado entre las localidades de Negreira y Bertamiráns, a las afueras de Santiago de Compostela, en un idílico paraje a orillas del río Tambre.

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¿Quién no se ha preguntado nunca, viendo una película, donde estarán esa playa o esos prados o en qué ciudad se habrá rodado? Sabed que cada vez con más frecuencia la respuesta está en Galicia.

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OUFF | Festival de Cine Internacional de Ourense

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Jon Garaño, un dos directores do filme, e o actor Vicente Vergara presentan a película esta noite na gala de clausura "La trinchera infinita", unha das películas do ano, será o filme de clausura da 24 edición do Ourense Film Festival. A cinta, dirixida por Aitor Arregi, Jon Garaño e Jose Mari Goenaga, chega [...]

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Home - OUFF | Festival de Cine Internacional de Ourense

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Jon Garaño, un dos directores do filme, e o actor Vicente Vergara presentan a película esta noite na gala de clausura "La trinchera infinita", unha das películas do ano, será o filme de clausura da 24 edición do Ourense Film Festival. A cinta, dirixida por Aitor Arregi, Jon Garaño e Jose Mari Goenaga, chega [...]

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A historia de Nelson Mandela

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En esta página encontrará varios audiovisuales que explican aparatos, procedimientos, inventores o experimentos relacionados con la tecnología de la imagen del precine y del cine de los primeros tiempos.

Otros recursos:

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En esta página encontrará varios audiovisuales que explican aparatos, procedimientos, inventores o experimentos relacionados con la tecnología de la imagen del precine y del cine de los primeros tiempos.

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Genial escena de la película Una noche en la ópera

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Buster Keaton in The Goat 1921 Colorized silent movie COLOR/ COLOUR

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El gordo y el flaco   Guerra de pasteles - Cine Mudo

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Cans é un festival de curtametraxes de producción galega, onde a música tamén xoga un papel moi relevante.

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Vía XIV Festival Internacional de Cortos de Verín

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O Festival Internacional de Curtas Vía XIV terá lugar do 30 ó 8 de Novembro do 2019 en Verín

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Organizan: Asociación Cultural e Cinematográfica Novos Cinemas // Matriuska Este sitio usa cookies para mellorar os nosos servizos e a experiencia de navegación. Se continúas navegando entendemos aceptas a nosa Política de cookies Aceptar + INFO

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El festival Internacional de Cine de Tui, Play-Doc, presentará en premiere española la película más reciente de Bruce Weber, Nice Girls Don't Stay for Breakfast, protagonizada por el mítico actor Robert Mitchum.

Bruce Weber estará presente en la decimoquinta edición de Play-Doc, que se celebrará del 3 al 7 de abril en Tui (Galicia), para

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El festival Internacional de Cine de Tui, Play-Doc, presentará en premiere española la película más reciente de Bruce Weber, Nice Girls Don't Stay for Breakfast, protagonizada por el mítico actor Robert Mitchum.

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MÁIS DE 18.000 PERSOAS NO FESTIVAL 30/09/2019 -
Unhas 18.400 persoas pasaron polo 12º Festival Internacional de Curtametraxes de Bueu desde súa inauguración o 6 de setembro ata o domingo día 15, xornada en que se pechou a ruta das Tapas 5 Estrelas. Esta nova marca, que supera en 3.000 asistentes a acadada o ano pasado, débese principalmente ao incremento nas proxeccións, xa [...]

'CADOUL DE CRACIUN', ÁNFORA DE OURO 15/09/2019 -
O filme romanés 'Cadoul de Crăciun' proclamouse a pasada noite gañador do 12º Festival Internacional de Curtametraxes de Bueu (Pontevedra) ao facerse coa Ánfora de Ouro, dotada con 2.000 euros. O alcalde accidental, Julio Villanueva, fíxolle entrega do premio a Bogdan Mureșanu, director desta historia que nos sitúa ante a represión de Ceaușescu en clave [...]

ACTIVIDADES PARA NENOS E GALA 13/09/2019 -
Cineastas internacionais e profesionais galegos daranse cita na Gala de Clausura que porá mañá punto e final a un intenso FICBUEU 2019. Destacados intérpretes como Xulio Abonjo, María Vázquez ou Cris Iglesias, e directores multipremiados como Andrés Goteira, Khris Cembe ou David Fidalgo mesturaranse co público nunha concorrida cerimonia de entrega de premios, se ben [...]

O Festival Internacional de Curtametraxes de Bueu nace en 2008 coma un espazo de difusión da cultura cinematográfica en formato curto, para abrir unha fiestra cara ese cinema local e internacional de calidade a cotío vetado ao gran público. Este ano, o FICBUEU celebra a súa duodécima edición cunha intensa e coidada programación. O Centro Social do Mar acollerá un cento de proxeccións entre o 6 e o 14 de setembro, pero tamén haberá múltiples actividades paralelas das que gozar.

Consulta aquí toda a información do festival

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FICBUEU - Festival Internacional de Curtametraxes de Bueu | 2018

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