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Il Parco Güell (in catalano Parc Güell e Park Güell nella sua denominazione originale) è un parco pubblico di 17,18 ettari con giardini ed elementi architettonici situato nella parte superiore della città di Barcellona, sul versante meridionale del Monte Carmelo.

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Il Tempio Espiatorio della Sacra Famiglia (in spagnolo Templo Expiatorio de la Sagrada Familia; in catalano Temple Expiatori de la Sagrada Família) è una basilica minore spagnola di culto cattolico che si trova a Barcellona, capoluogo della Catalogna. Universalmente noto come Sagrada Familia, è un'opera architettonica il cui principale autore è Antoni Gaudí, che nel 1883 subentrò ai lavori di costruzione iniziati un anno prima e ne cambiò lo stile da neogotico a liberty, movimento che a Barcellona e dintorni era noto come modernismo catalano. La vastità del progetto e il suo stile caratteristico ne hanno fatto uno dei principali simboli della città. Secondo i dati del 2011 è il monumento più visitato in Spagna con 4,5 milioni di visitatori all'anno.

I lavori iniziarono nel 1882, senza una procedura logistica, sotto il regno di Alfonso XII di Spagna. L'edificio venne iniziato in stile neogotico, ma quando Gaudi subentrò come progettista dell'opera nel 1883, all'età di 31 anni, fu ridisegnato completamente. Gaudì lavorò alla chiesa dedicandovi interamente gli ultimi 15 anni della sua vita. Secondo gli auspici del comitato promotore, l'opera potrebbe essere completata, nella migliore delle ipotesi, per il 2026, a 144 anni dalla posa della prima pietra e a 100 anni dalla morte di Gaudì; tuttavia il procedere dei lavori è discontinuo e dipende in larga parte dall'afflusso delle donazioni. A causa della pandemia da COVID-19 e alla conseguente interruzione dei lavori, si stima il termine dei lavori per il 2028. Al 2022 si stima che i lavori attuati per la costruzione della chiesa ammontino all'80% circa dell'intera costruzione. Come accaduto per altri progetti di architetture religiose destinati a durare uno o più secoli, la chiesa è stata consacrata ancora prima di essere conclusa, il 7 novembre 2010 da papa Benedetto XVI, che l'ha elevata al rango di basilica minore.

Progetto del 1877 di Francisco de Paula del Villar y Lozano per la Sagrada Familia.

Il progetto fu affidato all'architetto Francisco de Paula del Villar y Lozano, che iniziò l'opera in stile neogotico scartando l'idea di Bocabella di una replica del Santuario di Loreto (che si suppone essere la casa di Giuseppe e Maria a Nazaret). Il progetto di Villar consisteva in una chiesa a tre navate con gli elementi tipici dello stile neogotico come i contrafforti esterni.

La prima pietra fu posta il 19 marzo 1882 (giorno di San Giuseppe), con la presenza del vescovo di Barcellona José María Urquinaona. Gaudí partecipò alla cerimonia perché in precedenza aveva lavorato come assistente a diversi progetti di Villar, non potendo immaginare che sarebbe diventato l'architetto dell'opera.

Nel 1883 Villar si dimise a causa di disaccordi con Joan Martorell, un architetto consulente di Bocabella. Il progetto fu inizialmente offerto allo stesso Martorell, che rifiutando indicò il nome di un giovane architetto trentunenne, Antoni Gaudí, già assistente di Martorell nella realizzazione di diversi edifici ma che non aveva ancora realizzato grandi opere. Gaudí quando assunse la responsabilità del progetto lo modificò interamente, anche se nel proseguire la costruzione della cripta mantenne quanto già costruito. Gaudí lavorò al progetto per oltre 40 anni, dedicando completamente a questa impresa gli ultimi 15 anni della propria vita. Questa dedizione così intensa, oltre all'enormità dell'opera, deriva anche dal fatto che Gaudí definiva molti dettagli man mano che la costruzione avanzava; per lui la presenza personale in cantiere era di fondamentale importanza. Considerava infatti quest'opera come quella della sua vita, seguendola in ogni minimo passaggio.

Con l'innalzarsi della costruzione lo stile divenne via via sempre più fantastico, con quattro torri affusolate che ricordano i termitai o i gocciolanti castelli di sabbia dei bambini. Si tratta di forme ereditate dell' architettura neogotica, secondo i cui canoni la chiesa era stata inizialmente concepita: ciononostante, traevano la loro ispirazione dalle forme naturali.

Le torri sono coronate da cuspidi di forma geometrica alte 115 m, rivestite di ceramiche dai colori vivaci, che furono probabilmente influenzate dal cubismo (vennero concluse attorno al 1920). Vi si ammirano anche un gran numero di decorazioni elaborate che vengono ricondotte allo stile dell' Art Nouveau.

Dal 1895 la responsabilità della gestione del progetto è stata affidata alla Junta Constructora del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (Consiglio per la costruzione del Tempio espiatorio della Sacra Famiglia), una fondazione ecclesiastica creata per promuovere la costruzione della chiesa attraverso le donazioni e le iniziative pubbliche e private. L'attuale presidente è il cardinale arcivescovo di Barcellona, Lluís Martínez Sistach. Per la diffusione dei suoi lavori il consiglio pubblica nel 1867 la rivista "El Propagador de la Devoción a San José" che nel 1948 cambia nome nel Templo (Temple, in Catalano). Nel 2001 il consiglio ha ricevuto l'onorificenza Creu de Sant Jordi assegnato dalla Generalitat de Catalunya.

Nel giugno 1926, ben prima che venisse completata la costruzione dell'edificio, Gaudí morì improvvisamente in un incidente, travolto da un tram mentre passeggiava per Barcellona. Durante la sua vita Gaudí riuscì a realizzare soltanto la facciata della Natività (con le sculture di Carles Mani, Llorenç Matamala e Joan Matamala e i disegni di Ricard Opisso) completando solamente una delle torri, quella di San Barnaba. Alla sua morte il suo assistente Domènec Sugrañes assunse la responsabilità dell'opera (dal 1926 al 1936), portando a compimento le tre torri incomplete della facciata della Natività.

Il 20 luglio del 1936, due giorni dopo la rivolta militare che portò la guerra civile spagnola, gruppi anticlericali incendiarono la cripta, distruggendo gran parte del laboratorio in cui Gaudí aveva lavorato e dove si trovavano schizzi, appunti e mappe (compresi numerosi modelli in scala, fondamentali per l'architetto). Secondo quanto riferisce George Orwell in Omaggio alla Catalogna, gli anarchici catalani non bruciarono questa chiesa in quanto opera d'arte. Gaudí non lasciò ulteriori progetti e i lavori della chiesa proseguirono in modo sporadico per numerosi anni. Solo in seguito al recupero e al restauro dei grandi modelli originali del laboratorio, basandosi su foto dell'epoca, è stato possibile ricostruire buona parte del progetto originale.

Gaudí, comprendendo che i lavori sarebbero andati avanti decenni (o secoli) dopo la propria morte, invece di esaurire le risorse allora disponibili impostando tutto il gigantesco perimetro, preferì completare alcune sezioni dell'edificio in altezza (specie nell' abside), come per lasciare una testimonianza precisa dell'idea originale ai suoi successori.

Dal 1944 hanno portato avanti i lavori gli architetti Francesc Quintana, Isidre Puig i Boada, Lluís Bonet i Garí e Francesc Cardoner, che ne ha assunto la direzione nel 1983. Le sculture di Jaume Busquets e del controverso ma possente Josep Subirachs decorano le fantastiche facciate.

Gaudí mostra la Sagrada Familia al nunzio del Vaticano, Francesco Ragonesi (1915). In quella occasione monsignor Ragonesi definì Gaudí come "il Dante dell'architettura".[7]

La costruzione della chiesa dipende dai finanziamenti provenienti dalle donazioni all'associazione e i lavori procedono lentamente, anche a causa delle difficoltà del progetto.

La posizione che assume la Sagrada Familia nel tessuto urbano di Barcellona è la questione che negli anni ha suscitato le maggiori polemiche. Quando l'opera ebbe inizio, la zona era principalmente agricola, ma già nei primi del Novecento, grazie al rapido sviluppo urbano, la chiesa venne inglobata nella città. Nel 1905 Gaudí realizzò un progetto per comprendere la Sacra Famiglia nel Piano Jaussely (piano urbanistico che andava a estendere il piano Cerdà con i nuovi municipi). Il progetto prevedeva di inserire la Chiesa in un giardino a forma di stella a otto punte, in modo da fornire una prospettiva ottimale in tutta l'area circostante. Visto l'eccessivo costo del terreno si decise di optare per una stella a quattro punte, che permetteva un'ottima visione in tutti i suoi vertici. Il progetto di Gaudí tuttavia non fu realizzato e nel 1975 il consiglio comunale decise di realizzare quattro piazze con giardini in ogni angolo del tempio, in modo da formare una croce. Anche questo progetto è incompleto perché per realizzare le due piazze mancanti dovrebbero essere abbattuti alcuni edifici.

Altri edifici (principalmente condomini costruiti durante la speculazione edilizia del franchismo) dovranno essere abbattuti per far posto alla scalinata principale, di fronte alla facciata della Gloria.

Nel 2008, nel corso di una vertenza tra municipio di Barcellona e Patronato della basilica sull'opportunità di non scavare tunnel sotterranei nelle vicinanze dell'edificio per non metterne a rischio la stabilità, è rimbalzata nella stampa la notizia che la Sagrada Família non avrebbe avuto una concessione amministrativa e che quindi sarebbe risultata, almeno formalmente, un'opera abusiva. Il Patronato ha ricordato tuttavia che i lavori iniziarono in perfetta legalità, dato che la competenza amministrativa spettava comunque a Sant Martí de Provençals, all'epoca ancora non unita a Barcellona, e che inoltre vi è stato oltre un secolo di silenzio-assenso. Il 3 marzo 2010 l' arcivescovo di Barcellona annunciò la consacrazione dell'edificio, dopo 127 anni dall'inizio dei lavori. Anche se non conclusa, la chiesa venne consacrata da papa Benedetto XVI il 7 novembre dello stesso anno, nel corso della sua visita a Santiago di Compostela e Barcellona. In questa cerimonia, il papa ha dichiarato questa chiesa Basilica Minore, la nona della città.

Il 19 aprile 2011 un piromane - subito arrestato - appiccò un incendio all'interno della cripta della navata centrale della basilica, provocando l'immediata evacuazione dei turisti presenti all'interno della chiesa, circa 1500, e l'intossicazione di 4 persone. Il rogo ha annerito 40 metri di parete, ma ha risparmiato le opere di Gaudí.

Il progetto è basato sulle versioni ricostruite dei progetti e dei modelli perduti (un incendio nel 1936, appiccato durante la guerra civile spagnola dai repubblicani all'atelier di Gaudí, distrusse molte tavole progettuali del celebre architetto), sullo studio della porzione dell'edificio realizzata personalmente da Gaudí e su adattamenti moderni.

Quando Gaudí prese in mano la direzione dei lavori della Sagrada Familia, soltanto la cripta era stata realizzata. Il nuovo architetto, anche se intendeva cambiare il progetto della chiesa, decise di non stravolgere quello che già era stato costruito; egli modificò soltanto i capitelli, passando da uno stile corinzio a uno ispirato alle forme vegetali. Il progetto di Gaudí evolve da uno stile (prima bozza) neogotico a uno naturalista, organico, adattato alla natura. Una delle sue fonti d'ispirazione fu la grotta del Salnitre a Collbató (nella provincia di Barcellona), così come la montagna di Montserrat. L'architetto di Reus era del parere che l'architettura gotica fosse imperfetta, perché le sue forme rettilinee e i suoi sistemi di pilastri e contrafforti non riflettevano le leggi della natura, cosa che invece fanno le forme geometriche rigate, quali il paraboloide iperbolico, l' iperboloide, l' elicoide e il conoide.

Le superfici rigate sono ottenute in genere dal movimento di una retta chiamata generatrice lungo tre coniche, dette direttrici. Gaudí riscontrò che in natura erano presenti numerosi esempi, come i giunchi, le canne e le ossa; affermò inoltre che non esisteva struttura migliore che il tronco di un albero o lo scheletro umano. Queste forme, funzionali ed estetiche, furono usate da Gaudí con grande saggezza, sapendo adattare il linguaggio della natura alle forme strutturali dell'architettura. L'architetto ha assimilato la forma elicoidale al movimento e quella iperboloidale alla luce. Gaudí nel corso degli anni cambiò la concezione che aveva della Sagrada Familia, e le interruzioni dell'opera dovute alla mancanza di risorse economiche gli diedero tempo per cercare nuove soluzioni strutturali. Riuscì in questo modo a sfruttare le sperimentazioni fatte in altri progetti per incorporare nella Chiesa le sue innovazioni più riuscite: la cripta della Colonia Güell e le gallerie e i viadotti di Parco Güell lo aiutarono ad adottare nuove soluzioni architettoniche, basate su iperboloidi e paraboloidi. Allo stesso modo, le torri della Sagrada Familia sono state ispirate dal progetto mai realizzato delle Missioni Cattoliche Francescane di Tangeri (1892), commissionato dal Marchese di Comillas..

Per Gaudí un elemento chiave nel suo modo di concepire la struttura era l' arco parabolico o catenario, che usò come elemento più appropriato per sopportare le pressioni. Mediante le simulazioni polifunicolari (metodo sperimentale) determinò la forma migliore che la struttura potesse avere per resistere alla pressione degli archi e delle volte, applicandola prima nella cripta della Colonia Güell e dopo nella Sagrada Familia. La simulazione consisteva nella costruzione di un modello in scala costituito da corde intrecciate con piccoli sacchi di juta sospesi che simulavano i pesi; in tal modo determinava le forze funicolari e quindi la forma della struttura. Partendo dallo stato dei carichi, simulati con i sacchi di juta, determinò sperimentalmente la forma idonea della struttura - che denominò "stereostatica" -: essa riproduceva la struttura ideale per lavorare in trazione e, ribaltandola, quella più adatta per lavorare in compressione..

Gaudí progettò l'interno della Sagrada Familia come se fosse la struttura di un bosco, con colonne a forma di alberi che vanno a dividersi in modo da formare dei rami che sostengono la struttura a volte iperboloidi intrecciate. Le colonne sono inclinate in modo da ricevere al meglio la pressione perpendicolare alla loro sezione, e sono realizzate a forma elicoidale a doppia elica, come i rami e i tronchi degli alberi. L'unione di questi accorgimenti impiegati nel formare le colonne (inclinazione, forma elicoidale, ramificazione in varie colonne più piccole) permette di sostenere semplicemente il peso delle volte senza utilizzare i contrafforti esterni..

La pianta della chiesa fu progettata a croce latina, con l' altare maggiore sopra la cripta circondato da sette cappelle absidali, un transetto a tre navate con i portali della Natività e della Passione, nel senso longitudinale il corpo centrale di cinque navate con il portale della Gloria. La pianta ha una dimensione di 110 × 80 metri e la zona edificata avrà una superficie totale di 4500 m ². La capacità sarà di 14000 persone.

Progetto delle Missioni Cattoliche Francescane di Tangeri, che servì da modello a Gaudí per le torri della Sagrada Familia.

Il complesso include un chiostro che circonderà la chiesa, progettato sia per permettere lo svolgersi di processioni, sia per isolare il tempio dall'esterno. Ai lati del presbiterio sorgeranno le sacrestie e, fra queste, la cappella dell'Assunzione, e ai lati dell'ingresso principale le grandi cappelle circolari del Battesimo e della Penitenza. All'interno, la chiesa disporrà di trifori, o gallerie per i cantori. Il tempio avrà diciotto torri: quattro per ciascuna delle tre facciate per un totale di dodici che rappresentano gli apostoli, al centro la torre- cupola dedicata a Gesù, alta 170 metri, e intorno ad essa altre quattro torri dedicate agli evangelisti, nonché un'ulteriore torre-cupola sopra l'abside dedicata alla Vergine. Le torri hanno un profilo parabolico, con una scala a chiocciola al loro interno; è stato proposto di installarvi delle campane tubolari, azionate dalla forza del vento.

Le guglie degli evangelisti saranno sormontate da sculture dei loro simboli tradizionali: un angelo, un bue, un' aquila e un leone. La guglia della Madonna, completata nel 2021, è sormontata da una grande stella a dodici punte, che simboleggia la Stella del Mattino, mentre quella centrale del Cristo, che sarà innalzata sulla base della cupola sovrastante la navata centrale, sarà sormontata da una grande croce a sei bracci, alta 15 metri. L'altezza totale dell'edificio sarà tuttavia inferiore di mezzo metro rispetto a quella del Montjuïc, poiché Gaudí riteneva che la sua creazione non dovesse superare quella di Dio. I pinnacoli della navata invece sono sormontati da sculture (opera di Etsurō Sotoo) raffiguranti fasci di spighe di grano su cui si erge un' ostia, o grappoli d' uva su cui si erge un calice, a rappresentare l' eucaristia nelle due specie del pane e del vino.

La chiesa avrà tre grandi facciate, due delle quali già realizzate. La facciata della Natività, che presenta un aspetto neogotico, fu realizzata con le sculture previste da Gaudí e realizzate da J. Busquets. La facciata della Passione, che colpisce in modo particolare per i suoi personaggi sottili, emaciati, tormentati, dalle forme inquietanti, opera controversa dello scultore contemporaneo Josep Subirachs; questa facciata è molto interessante anche per la presenza di numeri che sommati per linee, colonne e diagonali danno come risultato sempre "33", gli anni di Cristo. Da ultima la facciata della Gloria, non ancora realizzata.

Vicino alla chiesa, Gaudí costruì vari edifici: la casa del cappellano (costruita nel 1887 e modificata nel 1906 e nel 1912) un semplice edificio di mattoni cui furono affiancati altri vani destinati al lavoro di Gaudí (un'officina per i modelli, un laboratorio di fotografia e un archivio per i documenti) e la scuola della Sagrada Familia (1909) piccolo edificio realizzato per i figli degli operai che lavoravano nel cantiere dell'opera.

Gaudí concepì una complessa iconografia che basò unicamente sulla condizione della chiesa cattolica e sul culto religioso, per questo adattò tutti gli elementi architettonici ai riti liturgici. Per realizzarlo s'ispirò principalmente all'"Anno liturgico" di Prosper Guéranger, raccolta di tutti i culti e delle festività religiose nel corso dell'anno, così come al Messale Romano e al cerimoniale dei vescovi. Per Gaudí, la Sagrada Familia era un inno di lode a Dio e ogni pietra era una strofa. L'esterno del Tempio, rappresenta la Chiesa attraverso gli Apostoli, gli Evangelisti, la vergine Maria e Gesù, la cui torre principale simboleggia il trionfo della Chiesa, l'interno si riferisce alla Chiesa universale e il transetto alla Gerusalemme Celeste, simbolo mistico della pace.

Gaudí ha disegnato personalmente molte delle sculture della Sagrada Familia, applicando un curioso metodo di lavoro ideato per l'opera: in primo luogo faceva uno studio profondo dell'anatomia della figura, concentrandosi sulle articolazioni (per questo motivo studiò con attenzione lo scheletro umano); a volte si serviva di bambole confezionate con fili metallici per provare la postura adeguata della scultura da eseguire. In secondo luogo realizzava fotografie dei modelli, utilizzando numerosi specchi per simulare le molteplici prospettive. E poi realizzava dei calchi di gesso, sia di persone sia di animali (in un'occasione ha dovuto sollevare un asino per non farlo muovere). Su questi stampi realizzava delle correzioni alle proporzioni per ottenere una perfetta visione della scultura in base all'ubicazione che essa aveva nell'Opera (più grande quanto più in alto si trova), e infine la scolpiva sulla pietra. I temi di tutta la decorazione includono parole della liturgia. Le torri sono decorate con parole come " Hosanna", " Excelsis", e " Sanctus"; la grande porta della facciata della Passione riproduce parole della Bibbia in svariate lingue, compreso il catalano; è previsto che la facciata della Gloria venga decorata con parole tratte dal Credo degli apostoli.

Aree specifiche del santuario saranno designate a rappresentare vari concetti religiosi come santi, virtù, peccati e concetti secolari come le regioni della Spagna; presumibilmente ognuno avrà delle decorazioni corrispondenti.

La modellazione al computer si è resa utile per dare forma a vari elementi, come i pilastri interni della chiesa. Infatti grazie all'uso di questi programmi e di determinati macchinari si possono finalmente realizzare pezzi identici fra loro, così come Gaudí li aveva concepiti.

Il 7 novembre 2010, con una messa solenne presieduta dal papa Benedetto XVI, è stata consacrata la navata centrale caratterizzata da colonne che ricordano enormi alberi ramificati e un soffitto che sembra composto da giganteschi girasoli, e il transetto, compreso il coro e il rosone che gli darà luce. Con il completamento di queste parti, il progetto passa alla fase successiva per la costruzione della cupola centrale sulla quale verrà innalzata la grande guglia centrale del Cristo.

Il 6 ottobre 2012, con una messa solenne presieduta dal cardinale ed arcivescovo di Barcellona Lluís Martínez Sistach, è stata posta all'esterno una statua raffigurante San Bruno.

L'intero edificio è alto 172 metri.

Iniziata nel 1882 su progetto di Francisco del Villar quando Gaudi prese in carico la opera, il 3 novembre 1883, trasformò i pilastri aggiungendo i capitelli con motivi naturalisti, inoltre elevò la volta e circondò la cripta di un fossato per ottenere un'illuminazione e una ventilazione diretta. La Prima opera di Gaudí per la Sagrada Familia fu la cappella di San Giuseppe, costruita tra il 1884 e 1885, data della celebrazione della prima messa. I lavori per la cripta si prolungarono fino al 1891.

La cripta ha sette cappelle dedicate alla Sacra Famiglia di Gesù: San Giuseppe, il Sacro Cuore, l' immacolata Concezione, San Gioacchino, Sant'Anna, San Giovanni e la cappella di Santa Elisabetta e San Zaccaria. Le cappelle sono disposte in forma semicircolare, di fronte alla quale sono situate altre cinque cappelle in linea retta: quella centrale è dedicata alla Sacra Famiglia (che ospita l'altare), affiancata a quelle dedicate alla Nostra Signora del Carmelo (dove è sepolto Gaudí), a Gesù Cristo, alla Vergine di Montserrat e al Cristo Santo (dove è sepolto Josep Maria Bocabella).

L'altare è presieduto da un bassorilievo della Sacra Famiglia, progettata da Josep Llimona. Notevole anche la chiave della volta centrale con un rilievo policromo dedicato all' Annunciazione, opera di Joan Flotats, così come l'immagine di San Giuseppe di Maximí Sala Sánchez, nell'omonima cappella. La cripta è circondata da un mosaico romano "opus tesselatum", in cui sono rappresentati la vite e grano, simboli dell' eucaristia. Le acquasantiere della cripta sono realizzate con delle grandi conchiglie ( Tridacna gigas) delle Filippine, fornite a Gaudí dal marchese di Comillas, proprietario della Compañía Trasatlántica Española. Alcuni dei lampadari della cripta Gaudí li realizzò con le proprie mani, perché il medico gli raccomando del lavoro manuale per combattere i reumatismi. Lo scultore Carles Mani ritoccò i capitelli e realizzò un modello di Cristo su misura per la Cripta.

La cripta della Sagrada Familia, insieme al laboratorio di costruzione, subì danni rilevanti il 20 luglio del 1936 nell'attentato incendiario di cui fu oggetto insieme con altre chiese di Barcellona nella guerra civile spagnola. Quest'attacco distrusse e danneggiò per sempre alcuni dei modelli, piani e documenti del progetto originario di Gaudí e per questo i lavori a oggi non rispecchiano del tutto il progetto originale. Nella stessa occasione è stata profanata la tomba del fondatore della chiesa, Josep Maria Bocabella, ma per fortuna non quella di Gaudí come poterono controllare i suoi discepoli aprendo la tomba nel 1939.

Dal 1930 la Cripta è utilizzata come chiesa parrocchiale fino alla fine dei lavori. È anche la sede di un' arcipretura, che include le chiese di Barcellona dello Spirito Santo, dell'Immacolata Concezione, del Cuore di Maria, di Nostra Signora del Rosario, di San Olegario e di San Tommaso d'Aquino. Il suo primo parroco fu Gil Parés che fece un gran lavoro sociale e fu anche il promotore della scuola della Sagrada Familia; morì assassinato durante la guerra civile e fu in seguito sepolto nella cripta della chiesa. Dal 1993 il parroco è Lluís Bonet i Armengol figlio dell'architetto discepolo di Gaudí Lluís Bonet i Garí e fratello dell'architetto direttore dei lavori fino al 2012 Jordi Bonet i Armengol.

Tra il 2007 e il 2009 nella cripta furono eseguiti dei lavori di recupero per collocare nuove fondazioni, perché quelle progettate da Villar non erano sufficienti per le modifiche successive apportate da Gaudí, che raddoppio l'altezza dell'edificio. Il pavimento a mosaico e le finestre installate nella cripta sono stati ricollocati senza subire variazioni.

Il 19 aprile 2011 è stato appiccato un nuovo incendio nella cripta, causato da un assistente della parrocchia, che ha distrutto tutta la sacrestia. Anche se il danno è stato notevole, non ha interessato nessuno degli elementi di valore storico, come ad esempio le finestre originali di Gaudí. I 1500 turisti, che in quel momento erano nella struttura, furono evacuati dalle autorità, che riportarono la normalità in poco tempo, arrestando il colpevole dopo pochi minuti.

Cappella di Nostra Signora del Carmelo, con la tomba di Gaudí.

Cappella del Santo Cristo, con la tomba di Bocabella.

Sacra Famiglia, di Josep Llimona.

Annunciazione, di Joan Flotats.

L' abside occupa la testa della Chiesa, tra la facciata della Natività e della Passione. Al centro è situata la cappella dell' Assunta e ai lati ha due sagrestie interconnesse dal chiostro, che circonda l'intero edificio. Gaudí dedica l'abside alla Vergine Maria, della quale era grande devoto. Il progetto contiene sette cappelle absidali dedicate ai dolori e alle gioie di San Giuseppe, secondo la volontà del fondatore Josep Maria Bocabella. D'ispirazione gotica è situata sopra la cripta e ne segue la medesima struttura. È stata realizzata tra il 1891 e 1893.

La cappella dell'Assunta, della quale Gaudí disegnò un dettagliato progetto, ha la forma di una lettiera di pietra, evocando quella con cui si porta in processione la Virgen de Agosto della Cattedrale di Gerona. L'architetto s'ispirò al lavoro di Lluís Bonifaç di Girona, riproducendo nella cappella anche i dettagli come i tendaggi, la corona, i pilastri e gli angeli. La cappella sarà sormontata da una lanterna di 30 metri d'altezza culminata da una corona ai cui lati saranno presenti quattro angeli e l'iscrizione Salve, Regina, Mater misericordiae in onore della Vergine della Misericordia, patrona di Reus (la città natale di Gaudí). All'interno della cupola figurerà la Santissima Trinità e l'incoronazione di Maria circondata da angeli (evocando la Nostra Signora degli Angeli) nella galleria ci saranno dodici angeli (per le dodici stelle della corona della Vergine) con i frutti dello Spirito Santo. Sotto la galleria ci saranno la dormizione della Vergine, la morte di San Giuseppe, la presentazione di Maria al Tempio con San Gioacchino e sant'Anna e le nozze di Cana. Nei portali saranno invocati i santi di Barcellona San Rocco e San Giuseppe Oriol.

Le cappelle hanno un'altezza di 35 metri, su una base di 18 x 18. Sono composte da dodici facce con finestre triangolari, coperto da una cupola decorata con un mosaico e sormontata dalla figura di un vendemmiatore e un agnello (simboli di Gesù Cristo) e le invocazioni dell'Apocalisse: Benedictio, Claritas, Sapientia, Gratiarum actio, Onore, Virtus e Fortitudo. Nell'estate del 2011 si è iniziata la costruzione della sacrestia vicino alla facciata della Passione, gettando le basi si è dovuto demolire parte del vecchio edificio parrocchiale.

L'abside contiene varie decorazioni scultoree, dove sono le statue dei santi che hanno fondato ordini religiosi ( San Antonio abate, San Benedetto da Norcia, Santa Scolastica, San Bruno, San Francesco di Assisi, Santa Chiara, San Bernardo di Chiaravalle e di Santa Teresa di Gesù), con l' Anagramma di Gesù (l'iniziale del suo nome circondato da una corona di spine), della Vergine (la sua iniziale con la corona di regina del Cielo e della Terra) e di San Giuseppe (la sua iniziale accompagnata da narcisi, i fiori che evocano purezza e castità). Inoltre, ci sono numerosi elementi della natura quali erbe, soprattutto grano, simbolo dell' eucaristia, e animali (serpente, camaleonte, lumaca, lucertola, rana, salamandra, ecc), che fungono da gargolla.

Sulle alte inferriate delle cappelle dell'abside s'ergono decorazione floreale che si ispirano all' antifona del Piccolo Ufficio della Beata Vergine Maria: cedro, palma, cipresso, cannella, rosa, verde oliva e balsamo. Le lanterne delle cappelle hanno i simboli delle antifone dell'ultima settimana di Avvento, noto come " antifone O ".

O Sapientia: saggezza, con un leone e un agnello simbolo dell'unione di forza e mansuetudine.

O Adonai: invocazione ebraica di Dio (corona ducale e scettro).

O Radix Jesse: asta di Iesse

O Clavis David: chiave come segno di dominio

O Oriens: sole come símbolo di giustizia.

O Rex Gentium: pietra angolare (pietra con il símbolo di Gesù Cristo e corona reale).

O Emmanuel rex: re e legislatore (abito regale, spada e tavole della Legge).

Facciata della Natività

I portali sono separati da due colonne, quella di Giuseppe fra il portale della Speranza e della Carità e quella di Maria tra il portale della Carità e quello della Fede. Le basi delle due colonne sono delle tartarughe (una di mare e una di terra) come simbolo dell'immutabilità della Chiesa e della forza della tradizione. Il fusto delle colonne s'innalza a spirale, mentre i capitelli sono in forma di foglie di palma, da cui emergono grappoli di datteri coperti da neve (perché la nascita di Gesù avviene in inverno), cui si appoggiano quattro angeli con trombe (due per colonna) che annunciano la nascita di Cristo. In contrasto con le tartarughe, ad ambo i lati sono presenti due camaleonti simboli di cambiamento. Nel progetto originale questa facciata doveva essere policroma: oltre all' archivolto dei tre portali, tutte le statue dovevano essere dipinte, sia le figure umane, sia quelle vegetali sia quelle animali. Tuttavia tale decorazione non fu realizzata. La curiosità di questa facciata è che Gaudì utilizzò come modelli per i ritratti dei suoi personaggi dei calchi in gesso di cittadini barcellonesi o di cadaveri che giacevano nell' obitorio locale; questo per garantire l'unicità ad ogni singola scultura.

Gaudí, essendo consapevole di non poter completare l'opera, decise di costruire completamente questa facciata per dare un'idea globale della struttura e delle decorazioni piuttosto che continuare la costruzione nella sua interezza e in maniera lineare. Gaudí scelse di costruire questa facciata verticalmente per dare un esempio di come sarebbero dovuti continuare i lavori. Scelse questa facciata perché, secondo il suo parere, poteva essere la più attraente per il pubblico, incoraggiando così la continuazione dell'opera dopo la sua morte; le sue parole furono:

Portale della Carità

È il maggiore dei tre, ed è dedicato a Gesù. Vuole simboleggiare la porta d'ingresso di Betlemme (a forma di grotta) e sviluppa una serie di scene sulla Natività di Gesù: l'Annunciazione, l'Adorazione dei Magi, l'Adorazione dei pastori e l'Incoronazione di Maria, le due adorazioni sono opera di Joaquim Ros i Bofarull (1981-1982). Al centro del portale si trova la stella cometa disposta in verticale e nella volta, si trovano i segni zodiacali, nella posizione in cui sono la notte di Natale. All'interno del portale sono presenti gli angeli musicisti (con strumenti classici quali arpa, fagotto, violino, e popolari quali chitarra, tamburello e armonica), l' agnello come simbolo d'innocenza, il cane di fedeltà e cinquantanove grani del rosario che circondano la vetrata. Sull' architrave della porta c'è l'iscrizione Gloria in excelsis Deo et in terra pax hominibus bonae voluntatis

Al centro del portale di Gesù è presente il grande pilastro con l' Albero di Jesse, la genealogia di Cristo, alla base del quale c'è il serpente che ha in bocca una mela, simbolo del peccato originale e sopra il capitello si trova il gruppo della Natività, opera di Jaume Busquets (1958). Ai lati è presente il coro degli angeli bambini, distrutto durante la guerra civile, in seguito rifatto da Etsurō Sotoo. Gli Angeli sostengono una scritta che dice: Jesus est natus. Venite, adoremus, Al cui messaggio gli uccelli vanno ai piedi della culla, come descritto nel Villancico (canto popolare natalizio) catalano el cant dels ocells'

Il portico culmina con l'Albero della Vita, che rappresenta il trionfo della vita e l'eredità di Gesù. Qui troviamo il simbolo di Gesù con il cristogramma JHS, una croce greca, con le lettere greche alfa e omega, come simbolo del principio e la fine. Questa è circondata da angeli incensieri e angeli portatori di pane e vino, simbolo dell'eucaristia. Sopra l'anagramma si trova un pellicano, simbolo cristiano primitivo, che rappresenta anch'esso l'eucaristia, con un uovo simbolo dell'origine e della pienezza della vita e della natura, verso l'alto si alzano due scale che richiamano l'ascensione a Dio. Qui si trovano l'immagine dell'incoronazione della Vergine e un cipresso che simboleggia la vita eterna con un gruppo di colombe che rappresentano la purezza dei fedeli che vengono a Dio. Infine, troviamo una rappresentazione della Santissima Trinità, con la lettera tau, iniziale del nome di Dio in greco (Theos), la X di Gesù (con la lettera Chi, iniziale di Cristo in greco) e la colomba dello Spirito Santo.

Portale della Speranza

Il portale è dedicato a San Giuseppe, sono presenti le scene dello Sposalizio tra Maria e Giuseppe, la famiglia di Gesù (con San Gioacchino e Santa Anna), il saggio e il Gesù bambino (con Gesù che porta in mano una colomba, simbolo di morte e umiltà), la strage degli innocenti, la fuga in Egitto e la barca di San Giuseppe, in cui il santo è il timoniere che guida la chiesa cattolica (in questa statua il volto di Giuseppe corrisponde a quello di Gaudí, omaggio voluto dai lavoratori della Sagrada Familia dopo la sua morte). Si possono osservare i numerosi strumenti che ricordano il lavoro di Giuseppe (una sega, un martello, uno scalpello, una piazza, un cacciavite, un martello, un'ascia), animali domestici come oche, anatre e oche selvatiche che richiamano la fauna del Nilo facendo memoria del periodo trascorso in Egitto dopo la fuga, così come la flora ( papiro, loto, ninfee, viti, ecc.) Il portico è sormontato da un grande pinnacolo simile alle rocce di Montserrat (precisamente il Cavall Bernat), con l'iscrizione latina Salva nos.

Portale della Fede

Dedicata alla Vergine Maria, vediamo le seguenti scene: l'Immacolata Concezione, in cui la Vergine appare su una lampada a tre bracci, con riferimento alla Santa Trinità, la Visita della Madonna alla cugina Elisabetta, la Presentazione di Gesù al tempio, dove il bambino Gesù appare tra le braccia del sacerdote Simeone e al suo lato, appare la profetessa Anna, che riconosce Gesù come il Messia. Si possono vedere inoltre le scene in cui Gesù lavora come falegname e Gesù che predica nel tempio, tra le figure di San Giovanni Battista e San Zaccaria. Sono presenti anche la raffigurazione del Cuore di Gesù, coperto di spine e api, la Divina Provvidenza, che ha le sembianze di una mano con un occhio che tutto vede, l' uva e le Spighe che simboleggiano l'eucaristia, e Flora della Palestina, soprattutto foglie di palma, simbolo del martirio.

La facciata della Passione fu iniziata nel 1954 secondo i disegni e le spiegazioni che Gaudí aveva lasciato. Le torri furono terminate nel 1976 e da allora si è lavorato alla decorazione scultorea. Gaudí progettò questa facciata durante la convalescenza dalla febbre maltese a Puigcerdà nel 1911. Dedicata alla passione di Gesù, intende riflettere la sofferenza di Cristo nella sua crocifissione, come riscatto dei peccati degli uomini. Gaudí concepì pertanto una facciata più austera e semplificata, senza ornamenti, in cui si distingue la nudità della pietra, in modo da somigliare a uno scheletro, ridotta alle semplici linee delle sue ossa. Include solo le sculture del ciclo della Passione di Gesù di Josep Maria Subirachs, che ideò una serie semplice e schematica, con forme angolari che causano un effetto drammatico. Subirachs realizzò la sua opera tra il 1987 e il 2009.

Gaudí stesso descrisse la sua concezione della facciata della Passione in questo modo:

Orientata verso ponente (sud-ovest), la facciata è sostenuta da sei grandi pilastri obliqui che ricordano tronchi di sequoia, su cui è posto un grande frontone a forma di piramide composta da diciotto colonne a forma di osso e sormontata da una grande croce con una corona di spine e tre angeli adoranti. Le torri sono dedicate agli apostoli Giacomo il Minore, San Tommaso, San Filippo e San Bartolomeo.

La facciata della Passione, come quello della natività, presenta tre portali dedicati rispettivamente alla Fede, alla Speranza e alla Carità, con porte in bronzo create da Subirachs. Il portico centrale, della Carità, presenta due porte dedicate al Vangelo, con i testi dei libri che raccontano gli ultimi giorni di Gesù, separati da una bifora con le lettere greche alfa e omega come simbolo del principio e la fine. La porta è alta 5,28 metri e larga 2,82 e pesa 6500 chili. Quella di sinistra presenta i passaggi concernenti la Passione del Vangelo di Matteo e quella di destra quelli di Giovanni. Nel loro insieme, presentano un totale di circa 10000 lettere, alcune delle quali vengono fatte risaltare in bronzo dorato, come la frase "Che cos'è la verità?" nel contesto in cui Gesù di fronte a Pilato rispose alla sua affermazione che egli è venuto a "testimoniare la verità "(Gv 18, 38).

Di fronte alle Porte del Vangelo si trova la colonna della Flagellazione, che sostituisce la croce originariamente prevista da Gaudí; per questo motivo Subirachs divise la colonna in quattro blocchi, che simboleggiano le quattro parti della croce. La colonna è alta cinque metri ed è realizzato in marmo travertino. Altri dettagli delle colonne sono i nodi della corda, che simboleggiano le torture sofferte da Gesù, il fossile di palma nana nel blocco di marmo, simbolo del martirio e della resurrezione, la canna che i soldati danno a Gesù invece dello scettro reale, simbolo delle derisioni subite dal Redentore. I tre scalini simboleggiano i tre giorni che trascorreranno fino alla risurrezione.

Nel portico della Fede è presente la Porta dei Getsemani, di 4.41 metri di altezza per 2,40 di larghezza, dedicata alla preghiera di Gesù nell' Orto degli Ulivi. Raffigura Gesù che prega, mentre i discepoli dormono e in alto a sinistra appare il cielo di notte con la luna piena come un presagio di morte. Nella parte inferiore s'incontra un poliedro preceduto dall'incisione dalla Malinconia di Albrecht Dürer, con l'iscrizione "Gesù avanzandosi un poco si prostrò con la faccia a terra e pregava dicendo: "Padre mio, se è possibile passi da me questo calice! Però non come voglio io, ma come vuoi tu!"" (Matteo 26, 39)

Il portico della Speranza ospita la Porta dell'Incoronazione di spine, di 5 metri di altezza e 2,40 di larghezza. Qui Gesù è raffigurato deriso con indosso la corona di spine, il mantello e bastone, come scherno per la sua condizione di re, ed è presente la frase: "E i soldati, intrecciata una corona di spine, gliela posero sul capo e gli misero addosso un mantello di porpora; quindi gli venivano davanti e gli dicevano "Salve, re dei Giudei" e gli davano schiaffi" (Giovanni 19: 2). In un'altra scena si vede Gesù condotto davanti a Erode e Ponzio Pilato, che si trovano di fronte simmetricamente, come se si vedessero allo specchio, con una citazione dalla Divina Commedia di Dante e un poema di Salvador Espriu, La pell de Brau (La pelle del toro).

Il ciclo scultoreo della Passione è distribuito in tre livelli, in ordine ascendente a formare una S, per riprodurre il Calvario di Gesù.

Dettaglio della porta dell'incoronazione di spine con un'iscrizione della Divina Commedia di Dante:
"'l mio disir dee aver fine
in questo miro e angelico templo
che solo amore e luce ha per confine" (Paradiso, Canto XXVIII)

Il livello inferiore contiene le scene della notte antecedente alla crocifissione di Gesù. L'Ultima Cena mostra Gesù con i dodici apostoli e il momento in cui Giuda lo tradirà, con l'iscrizione "Quello che devi fare, fallo al più presto" (Giovanni 13, 27). Pietro e i soldati, quando Pietro taglia l'orecchio a Malco, il servo del sommo sacerdote. Il bacio di Giuda, dove le figure sono rozzamente scolpite a suggerire una visione notturna; dietro Giuda si erge il serpente che simboleggia il diavolo. La Negazione di Pietro contiene tre figure femminili che rappresentano le tre volte che Pietro rinnegò Gesù, insieme con un gallo che annuncia l'alba, dove l'apostolo è avvolto in una coperta come simbolo della sua codardia. Accanto a questa scena si trova un labirinto, che simboleggia l'imperscrutabilità del disegno divino, insieme alla rappresentazione del cammino di Gesù verso il Calvario. In esse, L'uomo Gesù è rappresentato con la corona di spine, sorvegliata da due soldati e con la figura di un Pilato titubante sul da farsi; ai piedi del Nazareno la pietra è inclinata, a rappresentare il terremoto che sta per verificarsi. Accanto a questa scena c'è una colonna con l'aquila romana e la scritta "Tiberio, imperatore di Roma". L'ultima scena di questo livello è il Processo di Gesù, in cui Pilato si lava le mani assistito da tre servi, un soldato e la figura di Procula, moglie di Pilato, lontana dalla scena dopo aver fallito nel suo intento di intercedere per il prigioniero, per quello che aveva visto in sogno (Matteo 27, 19).[54]

Giunti al gruppo dei Soldati che si giocano a dadi le vesti di Gesù si incontra un piccolo mosaico con la legenda Dulce lignum ("Dolce legno"), dell'inno Crux fidelis di Venanzio Fortunato: Dulce lignum, dulces clavos, Dulce pondus sustinet ("Oh dolce legno, dolci chiodi che sostenevano un così dolce peso!").

Livello Medio: rappresenta il Calvario di Gesù. Cominciando dalle Tre Marie e Simone di Cirene, che aiuta Gesù con la croce, circondato dalla Vergine, da Maria Maddalena e da Maria di Cleofa.La Veronica mostra il volto di Gesù scolpito in negativo sul tessuto con il quale la donna gli asciugò il sudore; la figura della Veronica non ha volto per non togliere attenzione all'immagine di Gesù. Qui Subirachs rende omaggio a Gaudí, donando alla figura dell'Evangelista, che si trova alla sinistra, le sembianze dell'architetto, così come la forma dei caschi dei soldati evoca i camini della Casa Milà. Il ciclo si chiude con Il soldato Longino, che tira la sua lancia contro Gesù, convertendosi subito dopo al cristianesimo.[55]

Livello superiore: morte e sepoltura di Gesù. Il livello comincia con I soldati che si giocano a dadi le vesti di Gesù. La scena principale del portale è La Crocifissione, con Gesù appeso alla croce (a quattro braccia come quelle tipiche di Gaudí, ma con la particolarità di essere posta in orizzontale e realizzata in ferro), e la I della trave centrale dipinta in rosso, simbolo dell'inscrizione INRI. Nella scena appaiono di nuovo le tre Marie, San Giovanni e un teschio, simbolo della morte (e del Golgota), e una luna, che rappresenta la notte. Il velo strappato è una struttura bronzea che rappresenta il velo del tempio di Gerusalemme, che si lacera alla morte di Gesù. La sepoltura, infine, raffigura Giuseppe di Arimatea e Nicodemo che depositano il corpo di Gesù nella tomba, insieme con la Vergine Maria e un uovo simbolo di resurrezione. L'effigie di Nicodemo ha le sembianze dello scultore Subirachs.[56]

In cima al portico sarà presente un frontone, dove saranno collocati i patriarchi biblici e i profeti, e due figure di animali, l'agnello del sacrificio di Abramo e il Leone di Giuda, il vincitore della morte. Questa parte è in costruzione. Nel 2005 sono terminati i muri, dove sono scritti i nomi dei patriarchi e dei profeti (opera disegnata da Subirachs e scolpita dal suo assistente Bruno Gallart); si attende di finire il colonnato e la cimasa del frontone, così da poter collocare le figure del leone e dell'agnello scolpite da Subirachs. Inizialmente i profeti e patriarchi dovevano essere delle immagini, ma lo scultore ha scelto di realizzare un muro con i nomi per evitare di sovraccaricare la parte anteriore della facciata della Passione e per non distogliere l'attenzione dal ciclo della Passione di Gesù raffigurata in basso. Così, queste figure bibliche sono state rappresentate da Subirachs con i loro nomi e simboli corrispondenti nella forma di arabesco, inseriti in un bassorilievo di 36 metri di lunghezza e 5,5 di altezza..

Al livello superiore è situata la Resurrezione di Gesù, che ha la forma di una grande finestra panoramica composta di quindici finestre, opera di Joan Vila i Grau; sopra si incontra Lo Spirito Santo, scultura di Subirachs ispirata a una colomba di forma astratta, collocata nel 2001. Al termine si trova L'ascensione di Gesù, sul ponte tra le torri di San Bartolomeo e di San Tommaso, a 60 metri di altezza, opera di Subirachs in bronzo collocata nel 2005.

La facciata della Gloria è quella principale della chiesa, e per questo sarà anche quella più grande, che darà accesso alla navata centrale. I lavori sono iniziati nel 2002. L'opera è dedicata alla gloria celeste di Gesù e rappresenta il cammino verso l'alto e quindi verso Dio. Vi sono rappresentate la Morte, il Giudizio Finale e la Gloria ma anche l' Inferno per chi si discosta dai dettami di Dio. Gaudí abbozzò soltanto le linee generali di questa facciata, perché era cosciente che non l'avrebbe realizzata, quindi pensò di lasciare libertà di esecuzione agli architetti che avrebbero continuato la sua opera.

Per accedere al Portico della Gloria ci sarà una grande scalinata con una terrazza, dove si collocherà il Monumento al Fuoco e all'Acqua, con un grande sostegno per torce (tipo braciere) con il fuoco, a rappresentare la colonna di fuoco che guidò il popolo eletto, e un dispensatore di acqua, con un getto da 20 metri di altezza che si dividerà in quattro cascate, per simboleggiare i fiumi del paradiso terrestre e le sorgenti di acqua viva dell' Apocalisse.

Ci saranno anche sette porte dedicate ai sacramenti e alle richieste del Padre Nostro:

La facciata si completerà con una grande nuvola illuminata che conterrà le grandi lettere del Credo (Credo in unum Deum Patrem Omnipotentem, creatorem coeli et terrae), collocata sopra sedici grandi lanterne disposte in ordine crescente: le sette inferiori rappresentano i sette giorni della creazione mentre le nove superiori le gerarchie angeliche. Le torri, le più alte dei tre lati, saranno dedicate a San Pietro, San Paolo, Sant'Andrea e Giacomo il Maggiore.

Il 22 aprile del 2007 si pose una scultura di San Giorgio sulla balaustra del Jubé (sul lato interno della facciata della Gloria), in coincidenza con il 550º anniversario della proclamazione del santo come patrono della Catalogna e nel contesto della celebrazione del 125º anniversario del posizionamento della prima pietra del tempio. Opera di Subirachs, la statua è di bronzo, tre metri di altezza, e si ispira al San Giorgio di Donatello.

Inoltre, tra il 2008 e il 2012 sono state installate le porte della facciata della gloria, realizzati in bronzo da Subirachs con l'aiuto dello scultore Bruno Gallart, con le iscrizioni del Padre Nostro. La porta principale, composto da due lastre di bronzo del peso di due tonnellate ciascuno, presenta il secondo paragrafo di questa preghiera ("Dacci oggi il nostro pane quotidiano") in cinquanta lingue diverse.

Gaudì progettò un tempio che si elevava in verticale in modo che fosse visibile da qualsiasi punto di Barcellona e fosse riconoscibile rispetto agli altri edifici. Il motivo per cui dotò la Sagrada Famiglia di 18 torri fu per dedicarle ai dodici apostoli, ai quattro evangelisti, a Gesù e alla Vergine Maria. Le altezze sono diverse, in senso ascendente ci sono: le torri esterne della facciata della natività (98,40 metri) e quella centrale (107 m), le torri esterne della facciata della Passione (107,40 m) e il nucleo centrale (112,20 m), le torri della facciata della Gloria (112,50 m) e quella centrale (120 m), la torre dedicata alla Vergine (127,50 m), agli evangelisti (135 m) e a Gesù (172,5 m).

Le torri hanno un profilo parabolico e sono realizzate con diverse soluzioni costruttive a seconda del tipo. Le torri degli apostoli sono sormontate da pinnacoli con mosaici veneziani, uno scudo con una croce e numerose sfere bianche, che ricordano la mitra vescovile; sono presenti anche l' anello vescovile, il pastorale e la lettera iniziale di ogni apostolo. Inoltre ci sono diverse iscrizioni come , Excelsis e il Trisagion Sanctus, Sanctus, Sanctus, ripetuto tre volte in onore della Santa Trinità. La scritta in onore del Padre è in giallo, simbolo dalla luce; quella del Figlio in rosso, simbolo del martirio, e quella dello Spirito Santo in arancione, simbolo della sintesi delle altre due. Sembra che Gaudì per i pinnacoli delle torri si sia ispirato agli steli della pianta Petrosedum sediforme. Su ogni torre è scritto il nome in latino dell'apostolo a cui è dedicata, seguito dalla parola Apostolus e da una statua a lui dedicata. Inoltre, ogni apostolo è legato a una costellazione zodiacale, secondo la corrispondenza stabilita da Beda il Venerabile nell'VIII secolo: San Pietro sarebbe l' Ariete, il Toro Sant'Andrea e così via.

La torri agiscono da campanili, e la Sagrada Familia contiene un totale di 84 campane tra comuni e tubolari. Sulla facciata della Natività ci sono campane tubolari a percussione, sulla facciata della Passione campane tubolari a corpo risonante, sulla facciata della Gloria campane sintonizzate sulle note mi, sol e do. Gaudì compì complessi studi di acustica per raggiungere una perfetta sonorità. All'interno delle torri si trova una scala a chiocciola anch'essa ispirata a un elemento naturale, un tipo di lumaca marina chiamata Turritella communis.

Le torri degli evangelisti sono sormontate dalle statue delle figure allegoriche che li rappresentano nell'iconografia cristiana ( Tetramorfo): San Giovanni, l' aquila; San Marco, il leone; San Matteo l' angelo; e San Luca il toro. Nel 2014 si era inizialmente annunciato che le statue, ciascuna alta sette metri, sarebbero state realizzate dallo scultore argentino di origine catalana Juan Carlos Pallarols; tuttavia, successivamente il lavoro è stato affidato allo scultore spagnolo Xavier Medina-Campeny, le cui opere sono state collocate in cima alle quattro torri nel corso del 2023. Inoltre, su queste torri sono presenti i doccioni in granito, alti quattro metri, che sono già stati costruiti da Etsuro Sotoo, con varie forme che simboleggiano gli evangelisti: quello di Giovanni presenta sette pergamene, in quanto scrittore dell' Apocalisse; quello di Matteo ha la forma di una borsa di denaro, con riferimento al suo lavoro di esattore delle tasse; quello di Marco ha la forma di un lenzuolo, con riferimento al racconto, presente solo nel suo Vangelo, del giovane che seguì i soldati coperto solo da un lenzuolo e che scoperto fuggì nudo, la notte dell'arresto di Gesù; infine Luca è simboleggiato dalla borsa di un medico con gli strumenti. Ogni torre avrà due luci per illuminare la strada e la torre di Gesù. Inoltre, sono collegate ai segni dello zodiaco, ai quattro elementi e alle quattro fasi del percorso della conoscenza:

La torre di Maria si trova sull'abside, ed è sormontata da una stella a dodici punte inaugurata l'8 dicembre 2021. Infine, la torre di Gesù sarà sormontata da una grande croce con sei braccia, di 15 metri; nella sua parte centrale includerà un agnello, con l'iscrizione Tu solus Sanctus, Tu solus Dominus, Tu solus Altissimus e le parole amen e Hallelujah. Ciascuno dei quattro bracci della croce avrà un potente fascio di luce che sarà visibile a grande distanza. All'interno, la torre di Gesù sarà divisa in tre piani, che simboleggiano la frase relativa a Cristo " Io sono la Via, la Verità e la Vita ".

Nell' abside, ai lati della cattedra, si trova l' organo a canne, costruito nel 2010 dalla ditta organaria spagnola Blancafort Orgueners des Montserrat con lo scopo di accompagnare le liturgie. Esso fa parte di un progetto di dotare la basilica di un più grande strumento, con 8000 canne da collocarsi in sei diversi punti della chiesa.

Lo strumento è a trasmissione elettronica, e possiede 1492 canne per un totale di 29 registri. Il materiale fonico diviso in due corpi aventi la facciata principale, verso il presbiterio, composta da canne dell'ordine di 8' e la facciata posteriore, verso il deambulatorio, composta da canne dell'ordine di 16'. La consolle, mobile indipendente, è situata generalmente sulla destra del presbiterio ha due tastiere di 56 note ciascuna ed una pedaliera concava di 30; i registri e gli accoppiamenti sono azionati da pulsanti di forma circolare disposti su più file ai lati dei manuali. L'organo dispone di un'interfaccia MIDI che gli permette di suonare da solo senza bisogno di un organista.

Nel 1987 il gruppo musicale britannico The Alan Parsons Project ha dedicato una canzone alla Sagrada Família nell'album , ispirato all'architetto catalano.

Il 10° film della serie anime dei Pokémon, intitolato L'Ascesa di Darkrai, ha luogo nella città fittizia di Alamos, ideata dal regista Kunihiko Yuyama sulla base di Barcellona. Ad Alamos sorgono le Torri SpazioTempo, strutture religiose graficamente ispirate alla Sagrada Família. Inoltre, l'architetto fittizio che realizzò le Torri si chiama ゴーディ (Gaudí, seppur tradotto in Occidente come Godey), e suo nipote si chiama Tonio, due riferimenti diretti al vero architetto Antoni Gaudì.

Nel film Lupin III - Un diamante per sempre la trama ruota attorno alla Sagrada Família.

La Sagrada Família fa parte delle ambientazioni dove si sviluppa la storia di Dan Brown Origin del 2017.

1. ^ Prenota i biglietti e le visite guidate per la Sagrada Família Barcelona , su sagradafamilia-tickets.com. URL consultato il 21 ottobre 2023.

2. ^ Elisabetta Rosaspina, Barcellona: Gaudí? Un "palazzinaro" - Il cantiere della Sagrada Familia non vanta concessioni edilizie né autorizzazioni , in Corriere della Sera, Madrid, 9-10 aprile 2008. URL consultato il 21 ottobre 2023.

3. ^ A novembre il Papa sarà a Santiago de Compostela e a Barcellona , su zenit.org, 3 marzo 2010. URL consultato il 5 ottobre 2013 (archiviato dall'url originale il 12 giugno 2010).

4. Le altre sono: la ^ Cattedrale di Barcellona, Santa Maria del Mar, la Basilica della Merced, Santa Maria del Pi, la Basilica di San José Oriol, la Basilica della Concepción, il Tempio espiatorio del Sagrado Corazón e la Basilica de los Santos Justo y Pastor.

5. ^ () Temple i Parròquia de la Sagrada Família , su sagradafamiliabcn.org. URL consultato il 5 ottobre 2013 (archiviato dall'url originale il 6 ottobre 2013).

6. ^ Temple, in Junta Constructora de la Sagrada Familia, Barcelona, luglio-agosto 2011.

7. ^ Il San Francesco è il lavoro di Garcia Montserrat Rius, installato nel 2002, la Santa Chiara è dello stesso autore, collocato nel 2004, la Santa Teresa è stato eseguito da Andrés Gallego de Montiel e benedetta nel 2004, il San Bruno e San Bernardo sono state fatte da Garcia Rius anche nel 2012, e di San Benito è stata fatta da Manuel Cusachs nel 2013. Restano da eseguire le statue di Sant'Antonio e Santa Scolastica.

8. ^ Josep Maria Tarragona, La escultura de San Jorge , su antonigaudi.org, 4 dicembre 2006. URL consultato il 9 gennaio 2013 (archiviato dall'url originale il 15 ottobre 2012).

9. ^ () Jordi Coll i Grifoll, Junta Constructora de la Sagrada Familia, in Temple, Barcelona, septiembre-octubre 2012, p. 9.

10. ^ Orfebre argentino trabaja en torres de la Sagrada Familia

11. ^ La Sagrada Família corona le torri degli evangelisti Matteo e Giovanni , su catalunyareligio.cat.

12. ^ Jordi Faulí i Oller, Junta Constructora de la Sagrada Familia, in Temple, Barcelona, noviembre-diciembre 2012, p. 5.

13. ^ Basilica della Sagrada Familia di Barcelona (Spagna) , su xoomer.virgilio.it, lapaginadellorgano.it. URL consultato il 16 febbraio 2014.

Josep A. Aragonès, Jordi Bonet i Armengol, Tate Cabré, Rossend Casanova, Maria Antonietta Crippa, Jordi Faulì, Daniel Giralt-Miracle, Joan Rigol, Gaudì. La Sagrada Familia, Jaca Book, 2010-2011, ISBN 978-88-16-60459-9.

Juan Eduardo Cirlot, Gaudí: introduzione alla sua architettura, Triangle Postals, 2007, ISBN 978-84-89815-95-7.

Maria Antonietta Crippa, Gaudí, Köln, Taschen, 2007, ISBN 978-3-8228-2519-8.

Alessandro Cruciani e Piero Lucca, Barcellona, in GUIDA D'EUROPA, Spagna Portogallo, Milano, Touring Club Italiano, 1975.

María José Gómez Gimeno, La Sagrada Familia, Mundo Flip Ediciones, 2006, ISBN 84-933983-4-9.

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Il Tempio Espiatorio della Sacra Famiglia (in spagnolo Templo Expiatorio de la Sagrada Familia; in catalano Temple Expiatori de la Sagrada Família) è una basilica minore spagnola di culto cattolico che si trova a Barcellona, capoluogo della Catalogna.

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Puerta del Sol

Localizzazione

Stato

Spagna

Città

Madrid

Informazioni generali

Tipo

piazza

Collegamenti

Intersezioni

calle Mayor, Calle del Correo, Madrid, calle de Carretas, Calle de Espoz y Mina, Madrid, carrera de San Jerónimo, Calle de Alcalá, street of Montera, Calle del Carmen, Calle de Preciados e Calle del Arenal

Trasporti

Sol

Mappa

La Puerta del Sol è una delle piazze più importanti e famose di Madrid. Rappresenta il km 0 della rete stradale della Spagna ed è il centro delle celebrazioni nazionali la notte del 31 dicembre con il famoso orologio che batte i 12 rintocchi (le campanadas).

Sin dalla nascita della capitale spagnola, la piazza è stata il salotto di città e la culla prima di ogni attività commerciale, culturale, amministrativa di Madrid, di cui oggi rappresenta un simbolo noto agli occhi del mondo anche per aspetti più profani, come la grande insegna luminosa dello sherry che domina l'intera piazza.

Plaza de Puerta del Sol, cuore di Madrid: il Palazzo delle poste e la statua di Carlo III

Puerta del Sol è tra i luoghi più antichi di Madrid: nacque già nel XV secolo, contestualmente alla fondazione della nuova capitale di Spagna, che subentrò a Toledo. Originariamente, vi sorsero degli edifici governativi, che ne fecero il punto focale della vita cittadina madrilena, eretti attorno alla famosa porta esistente fin dal XII secolo, al di là della quale vi erano villaggi agricoli in crescente espansione. Puerta del Sol assunse al ruolo di centro della vita cittadina sempre di più nei secoli a venire, affermandosi come il luogo d'incontro preferito dei madrileni. Nel Settecento vi si innalzarono edifici di grande imponenza ed eleganza, tra cui spicca il Palazzo delle Poste, grandiosa costruzione che ancor oggi svetta sulla piazza, oggi sede del governo della Comunità autonoma di Madrid. Per i numerosi turisti, Puerta del Sol è un punto di riferimento fondamentale nelle visite alla capitale spagnola, non solo per le sue bellezze artistiche ma soprattutto per la sua preminente centralità; la movida madrileña verte senz'altro su Puerta del Sol, la zona notturna più viva del centro storico, che di solito, giunta sera, si spopola a favore delle aree più vivaci e meno turistiche.

Luoghi d'interesse

Chilometro zero delle strade di Spagna, a Puerta del Sol

Dominata, come tutte le maggiori piazze madrilene, da moderne e potenti fontane dal getto spettacolare, e dotata di siepi ordinate, la Plaza de Puerta del Sol è circondata e intrisa di alcuni dei più conosciuti e fortemente tipici simboli associati a Madrid e alla Spagna nel mondo intero. Tra questi, indubbiamente, vi è il palazzo nobiliare sul cui terrazzo era montata la gigantesca insegna luminosa di Tio Pepe, un'icona commerciale, quasi, per le genti della capitale, usata per pubblicizzare una qualità di sherry; essa è stata restaurata nel 2011 per tornare visibile tre anni dopo. La grande piazza, di inconsueta forma allungata, è inoltre dominata dal Palazzo delle Poste; il suo orologio, il 31 dicembre, scandisce il rito delle 12 campanadas. Famosa è pure la grande statua di Carlo III di Spagna, oltre naturalmente alla porta stessa.

Il rito delle campanadas

Un suggestivo rito scandisce l'arrivo del nuovo anno a Puerta del Sol. Poco prima della mezzanotte, un enorme carillon scende dall'orologio del Palazzo delle Poste, successivamente vengono scanditi prima i cuartos (4 doppi rintocchi), poi le campanadas, cioè un rintocco ogni 3 secondi nel quale va mangiato un chicco d'uva e alla fine si accende l'insegna luminosa Feliz XXXX che dà il via al nuovo anno.

Dal 1962 tale rito è trasmesso in diretta tv prima da TVE poi dalle altre reti, ma solo dagli anni '90 esso prevede anche dei conduttori; nel 1997 è stato condotto per TVE da Raffaella Carrà, chiamata all'ultimo minuto ad affiancare uno dei conduttori storici dell'evento, Ramón García.

Per festeggiare il 2019, per la prima volta l'orologio, dopo aver scandito i rintocchi per la penisola e le Baleari, è stato riportato indietro di un'ora per celebrare l'arrivo del nuovo anno nelle Canarie.

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Puerta del Sol Localizzazione Stato Spagna Città Madrid Informazioni generali Tipo piazza Collegamenti Intersezioni calle Mayor, Calle del Correo, Madrid, calle de Carretas, Calle de Espoz y Mina, Madrid, carrera de San Jerónimo, Calle de Alcalá, street of Montera, Calle del Carmen, Calle de Preciados e Calle del Arenal Trasporti Sol Mappa La Puerta del Sol è una delle piazze più importanti e famose di Madrid.

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Il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía è un museo d'arte moderna ed arte contemporanea di Madrid, dedicato a tutta la produzione artistica dall'inizio del Novecento ad oggi.

Inaugurato l'11 settembre 1992 dai reali di Spagna, ha sede nell'antico Ospedale generale di Madrid, edificio settecentesco originariamente eretto per volere di Carlo III.

Tra il 1980 ed il 1988 gli architetti José Luis Iniguez de Onsoño ed Antonio Velasquez de Castro hanno curato il restauro ed il ripensamento degli spazi della struttura, conferendogli l'attuale aspetto. Un ampliamento della superficie espositiva di 8000 m ², costato 97 milioni di euro e progettato dall'architetto francese Jean Nouvel, è stato inaugurato nell'ottobre del 2005. Altre sedi per esposizioni temporanee del museo sono il Palacio de Velázquez ed il Palacio de Cristal.

La grande attrazione del museo è la di Pablo Picasso. Il Reina Sofía possiede inoltre opere di Salvador Dalí, Juan Gris, Joan Miró, Julio González, Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Jorge Oteiza, José Luis Gutiérrez Solana, Pablo Gargallo, Pierre Bonnard, Vassily Kandinsky, Georges Braque, Joseph Beuys, René Magritte, Wolf Vostell, Nam June Paik, Mark Rothko, Roy Lichtenstein, Francis Bacon, Lucio Fontana, Pablo Palazuelo, Pablo Gargallo, Joan Rebull, Luis Gordillo, Jorge Oteiza, José Luis Gutiérrez Solana, Elena Asins, Francisco Bores e altri artisti significativi.

Il museo presenta anche una libreria specializzata in arte, con una collezione di oltre 100.000 libri, 1.000 video e 3.500 registrazioni.

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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

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Il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía è un museo d'arte moderna ed arte contemporanea di Madrid, dedicato a tutta la produzione artistica dall'inizio del Novecento ad oggi. Inaugurato l'11 settembre 1992 dai reali di Spagna, ha sede nell'antico Ospedale generale di Madrid, edificio settecentesco originariamente eretto per volere di Carlo III.

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Il Museo del Prado è uno dei musei più importanti del mondo e si trova a Madrid in Spagna. Vi sono esposte opere dei maggiori artisti italiani, spagnoli e fiamminghi, fra cui Beato Angelico, Andrea Mantegna, Raffaello Sanzio, Hieronymus Bosch, Rogier van der Weyden, Bruegel il Vecchio, El Greco, Pieter Paul Rubens, Tiziano, Caravaggio, Diego Velázquez, Rembrandt, Francisco Goya.

Il Museo del Prado, insieme al Museo Thyssen-Bornemisza e al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, formano il Triangolo d'oro dell'arte di Madrid, iscritto nella Lista del Patrimonio dell'umanità dell'UNESCO nel 2021.

L'edificio che ospita il Museo del Prado fu voluto da Carlo III di Spagna, come il Gabinete de Historia Natural, insieme ad una serie di istituzioni di carattere scientifico situate nel progetto di riurbanizzazione chiamato Salón del Prado. A tal fine, Carlo III poté fare affidamento su uno dei suoi architetti preferiti, Juan de Villanueva, autore, oltre che della sede del Museo, del vicino giardino botanico.

Il progetto architettonico della pinacoteca attuale venne approvato nel 1786 da Carlo III, rivelandosi il culmine della carriera di Villanueva ed uno dei vertici del neoclassicismo spagnolo, benché, data la lunga durata delle opere e delle successive modifiche, il risultato definitivo si allontanerebbe abbastanza dal disegno iniziale.

Sebbene la costruzione si svolga durante i regni di Carlo III e Carlo IV, al suo completamento, all'inizio del XIX secolo, la venuta delle truppe francesi in Spagna e la successiva guerra di indipendenza lasciarono tracce pesanti nell'edificio, che era destinato a fini militari (caserma della cavalleria), arrivando quasi alla distruzione totale. Solo grazie all'interesse manifestato da Ferdinando VII e, soprattutto, della sua seconda moglie Maria Isabella di Braganza a partire dal 1818 inizia il suo recupero della struttura sulla base di nuovi disegni proprio del Villanueva, sostituito alla morte dal suo discepolo Antonio López Aguado.

La prima denominazione del museo, Museo Real de Pinturas, venne attribuita il 19 novembre 1819, mettendo in mostra alcune delle migliori opere della Collezione Reale Spagnola, trasferite dai vari siti reali. Il salone ovale (l'attuale Sala di Velázquez), che a quel tempo aveva un balcone da cui si poteva vedere la galleria della scultura del piano sottostante, verrà battezzato, in seguito, in riconoscimento al suo lavoro. In questo periodo il museo conta 3 sale e 311 quadri, tuttavia negli anni successivi si aggiungeranno nuove sale ed opere d'arte, rendendolo indipendente dall'aggregazione con i fondi del polemico Museo de la Trinidad, creato a partire da opere d'arte sequestrate in virtù della Ley de Desamortización di Mendizábal (1836) e fuso con il Prado nel 1974.

Descrizione dell'edificio di Villanueva

Pianta dell'edificio di Villanueva

Vista originale della facciata nord del Museo del Prado (Entrata al Museo reale dal lato di San Jerónimo, di Fernando Brambila)

L'edificio è composto da un corpo centrale, fiancheggiato da gallerie allungate che finiscono in baldacchini quadrati, il suo interno ospita le rotonde. Il corpo centrale si distingue in una costruzione di sei colonne in ordine tuscanico, una trabeazione, una cornice ed un attico.

Le due gallerie laterali si estendono per due piani: quello inferiore con finestroni profondi ed allungati che finiscono in un arco a mezzo punto e quello superiore costituito da una galleria di colonne ioniche (oggi esiste un terzo piano ricavato, opera posteriore).

La facciata nord ha un portico con colonne ioniche sovrastate da una trabeazione. Questa facciata corrisponde alla seconda pianta dell'edificio. Quando questo venne costruito, la prima pianta si trovava, da questo lato, sotto il livello del terreno, che a quell'epoca scendeva in una piccola costa fino alla passeggiata del Prado. Più tardi il dislivello venne distrutto fino a ridurlo alla stessa altezza del suolo reale del monumento, per cui fu necessario costruire una scalinata per l'accesso (1882).

La facciata sud (che dà sulla piazza di Murillo, di fronte al giardino botanico) ha un'anticamera di accesso all'interno ed una loggia, o galleria, con sei colonne di ordine corinzio sulle quali poggia una trabeazione. L'interno dell'edificio si sviluppa nelle sue sale centrali. Nella parte nord c'è una rotonda con otto colonne ioniche, la cui volta è decorata a cassettoni.

All'esterno, sulla facciata che dà sul Paseo del Prado, si trova la Porta di Velázquez, con un frontone di ordine dorico che incorpora il rilievo dell'attico, le statue ed i medaglioni allegorici del re Fernando VII protettore delle scienze, delle arti e della tecnica. Di fronte a questa porta si trova la statua di Velázquez, opera dello scultore Aniceto Marinas. Il piedistallo, di Vicente Lampérez, riporta la dedica a "Gli artisti spagnoli, per iniziativa del Círculo de Bellas Artes, 1899". Questo monumento venne inaugurato il 14 giugno dello stesso anno, alla presenza della reina regente e di Alfonso XIII. Fu una cerimonia molto commovente, durante la quale si rese omaggio e riconoscimento al grande pittore Velázquez ed alla pittura spagnola. Oltre ai re, accorsero alla celebrazione:

I pittori Jean Paul Laurens e Crolus Durand come delegati di Francia, i quali depositarono corone e nastri con i colori francesi, si cui si poteva leggere: Au grand Velázquez, les peintres français.

Gli ambasciatori di Austria e Germania.

Mr. Poyter, direttore della Royal Academy e Royal Gallery di Londra.

Mariano Benlliure in nome degli artisti di Roma.

Rappresentanza dell'Accademia delle belle arti e della Giunta di Siviglia.

Associazione degli scrittori ed artisti.

Scuola di belle arti di Madrid, Barcellona e Valladolid.

Società di architettura, Giunta, Deputazione e Circolo delle belle arti di Madrid.

Pedro Berruguete

Jerónimo Cósida

Juan Martín Cabezalero

Juan Vicente Macip

Francisco Goya

Jusepe de Ribera

El Greco

Luis de Morales

Murillo

Bartolomé González y Serrano

Retrato ecuestre de la reina Margarita

Diego Velázquez

Beato Angelico

Andrea del Sarto

Antonello da Messina

Giovanni Bellini

Bonifacio Veronese

Adorazione dei pastori, 1540-1545

Sandro Botticelli

Annibale Carracci

Correggio

Federico Barocci

Caravaggio

Artemisia Gentileschi

Luca Giordano

Corrado Giaquinto

Allegoria della Giustizia e della Pace, 1753-1754

Pentecoste, 1740 circa

Pietà, 1756

La Pietà (Daniele Crespi)

Daniele Crespi

Giulio Romano

Lorenzo Lotto

Andrea Mantegna

Parmigianino

Raffaello Sanzio

Tiziano Vecellio

Paolo Veronese

Madonna dei Re Cattolici, pittura del 1491-1493; Ferdinando II e il principe Giovanni alla destra della Madonna e Isabella alla sinistra

Sconosciuto

Hans Memling

Dieric Bouts

Hieronymus Bosch

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn

Bruegel il Vecchio

Robert Campin

Gerard David

Joachim Patinir

Pieter Paul Rubens

Rogier van der Weyden

Antoon van Dyck

Albrecht Dürer

Il museo ospita, oltre alle collezioni permanenti, anche mostre temporanee con opere conservate nei suoi depositi o ottenute col prestito intermuseale. Nell'ottobre 2020 è stata aperta la mostra temporanea Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931) curata da Carlos G. Navarro. Tra le opere esposte il Nudo di donna di Aurelia Navarro Moreno, pittrice spagnola che nel 1923 si chiuse in convento.

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Il Museo del Prado è uno dei musei più importanti del mondo e si trova a Madrid in Spagna. Vi sono esposte opere dei maggiori artisti italiani, spagnoli e fiamminghi, fra cui Beato Angelico, Andrea Mantegna, Raffaello Sanzio, Hieronymus Bosch, Rogier van der Weyden, Bruegel il Vecchio, El Greco, Pieter Paul Rubens, Tiziano, Caravaggio, Diego Velázquez, Rembrandt, Francisco Goya.

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"Sappi, o Sancio, che un uomo non è da più di altro uomo, quando non fa più di un altro"

( M. de Cervantes, da Don Chisciotte della Mancia, parte prima cap. XVIII)

È universalmente noto per essere l'autore del romanzo Don Chisciotte della Mancia, uno dei capolavori della letteratura mondiale di ogni tempo. In quest'opera, pubblicata in due volumi nel 1605 e nel 1615, l'autore prende di mira con l'arma della satira e dell' ironia i romanzi cavallereschi e la società del suo tempo. Nel romanzo, Cervantes contrappone all'allampanato cavaliere, maniaco di avventure e di gloria, la figura del suo pingue e umanissimo scudiero, incapace d'innalzarsi al di sopra della piatta realtà.

La sua influenza sulla letteratura spagnola è stata tale che lo spagnolo è stato definito come la lingua di Cervantes e a lui è stato dedicato l' Istituto di lingua e cultura spagnola.

Nato nel 1547 ad Alcalá de Henares da una famiglia modesta; figlio di Rodrigo e di Leonor de Cortinas, Miguel è il quarto di sette figli. La sua famiglia è costretta a viaggiare, a causa degli scarsi guadagni del padre, da un paese all'altro, finché nel 1568 egli si trova a Madrid dove frequenta il collegio "El Estudio" diretto da Juan López de Hoyos.

Nel 1570 Cervantes si sposta in Italia per evitare la condanna al taglio della mano destra e a dieci anni d'esilio perché accusato di aver ferito un certo Antonio de Segura. In Italia presta sul principio servizio come cortigiano, anche presso la corte degli Acquaviva, nel Ducato di Atri in Abruzzo.

Sempre nel 1570 si arruola nella compagnia comandata da Diego de Urbina, capitano del reggimento di fanteria di Miguel de Moncada, che allora serviva sotto Marc'Antonio Colonna: al figlio di quest'ultimo, Ascanio (divenuto poi cardinale), dedicherà La Galatea.

Nel mese di settembre del 1571 s'imbarca come soldato sulla galea Marquesa che fa parte della flotta della Lega Santa che sconfiggerà quella turca nella battaglia di Lepanto il 7 ottobre dello stesso anno. Nella battaglia rimane ferito da un'archibugiata e perde per sempre l'uso della mano sinistra. Viene ricoverato per alcuni mesi all'ospedale di Messina. Nel 1572 e 1573 è attivo militarmente tra la Tunisia e la Grecia.

Nel 1575 parte da Napoli per la Spagna con alcune lettere di raccomandazione che dovrebbero procurargli il comando di una compagnia. Ma la galea Sol sulla quale viaggia viene assalita dal rinnegato Arnaut Mami ed egli è catturato dai pirati e tenuto in cattività per cinque anni fino al pagamento di un suo riscatto, ad opera delle missioni dei trinitari, fondate da San Giovanni de Matha. È il 24 ottobre del 1580.

Negli anni di prigionia conosce Antonio Veneziano e ne diviene amico, tanto che nel 1579, gli dedicherà un'epistola in dodici ottave, opera che Cervantes reputerà di un certo valore, tanto che quasi settanta versi saranno reinseriti nella commedia El trato de Argel, che narra della prigionia in Algeri. Che l'amicizia sia stata venata di ammirazione da parte di Cervantes, lo si deduce dalla novella "El amante liberal", in cui l'autore narra di un prigioniero siciliano che sapeva magnificare, nel ricordo, la bellezza della sua donna esprimendosi con versi sublimi; probabilmente si trattava della "Celia", l'opera più famosa di Veneziano.

Finalmente liberato con l'aiuto della famiglia, Cervantes ritorna in Spagna, dove l'attende un duro periodo di umiliazioni e ristrettezze economiche. Nel 1584 sposa Catalina de Salazar y Palacios e vive ad Esquivias, nell'attuale provincia di Toledo; qui pubblica La Galatea e nel 1586 si separa dalla moglie: il suo matrimonio, senza figli, si suppone infelice. Si trasferisce poi in Andalusia nel 1587 e qui si occupa delle provvigioni per la Armada invencible e successivamente lavora come percettore di imposte. La requisizione di un carico di cereali e di beni della curia in Andalusia gli valgono quello stesso anno ben due scomuniche. Dal 1597 viene coinvolto in una bancarotta fraudolenta ed incarcerato. Successivamente, nel 1602, verrà arrestato una seconda volta a Siviglia per illeciti amministrativi, ma in questo caso riacquisterà poco dopo la libertà. Negli anni immediatamente successivi è a Valladolid insieme alle due sorelle e alla figlia Isabella, nata da una relazione con una certa Anna de Rojas.

Nel 1605 Cervantes subisce una nuova vertenza giudiziaria: viene infatti trovato nelle vicinanze della sua casa il cadavere del cavaliere Gaspar de Ezpeleta e i sospetti cadono sullo scrittore, che viene imprigionato e subito prosciolto. Il dubbio che la morte del cavaliere sia in qualche modo riconducibile alla moralità delle due sorelle e della figlia vena di tristezza i suoi ultimi anni.

Nel 1606 per seguire la corte di Filippo III di Spagna si trasferisce a Madrid e, malgrado gli stenti che non l'abbandonano mai, si dedica ad un'intensa attività e scrive in pochi anni gran parte e forse il meglio della sua produzione.

Cervantes si spegne nel 1616 e riceverà sepoltura nel Convento dei Trinitari Scalzi a Madrid. L'ubicazione della sua tomba verrà perduta negli anni successivi, tanto da far ipotizzare lo spostamento dei suoi resti in una fossa comune. Soltanto nel 2015, dopo anni di ricerche e finanziamenti sostenuti dallo storico Fernando de Prado, è stato possibile rinvenire i resti di Cervantes, giacenti nel convento medesimo dietro un muro. La tomba è stata spostata nella chiesa di San Ildefonso, edificio adiacente al Convento dei Trinitari Scalzi.

Cervantes non fu un umanista e nemmeno un letterato di successo. Egli scrisse nelle condizioni più sfavorevoli, rubando tempo per i suoi studi ai quali si dedicava con gioia e dai quali sperava di ricavare denaro e gloria. Il suo atteggiamento di fronte alle maggiori polemiche letterarie dell'epoca, come quella sul teatro e sul culteranismo, fu di indifferenza e la sua preferenza per i generi popolari, come il teatro o la novellistica, denotano che egli cercava soprattutto vantaggi economici, vantaggi che comunque non raggiunse nemmeno con la pubblicazione della prima parte del "Don Chisciotte", che ebbe un certo successo.

L'inserimento dello scrittore nell'ambiente letterario del suo tempo si può ricollegare alla sua prima produzione poetica, non copiosa, ma interessante, come El viaje del Parnaso, un poemetto giovanile che Cervantes pubblicò nel 1614 con una Adjunta al Parnaso in prosa.

Altro e forse maggiore valore documentario hanno le composizioni poetiche brevi, nate per lo più da motivi occasionali che, nonostante il severo giudizio che espresse lo stesso autore e la critica, sono tuttavia soffuse di umorismo e di vivacità interpretativa.

Queste liriche non sarebbero indicative della letterarietà dell'ispirazione cervantina, se non si ritrovassero anche e in maniera più vistosa nella novella pastorale "Galatea" gli stessi elementi.

Alla prima attività letteraria è da ricollegare anche una parte della sua copiosa produzione teatrale, dal momento che due delle sue tragedie, El cerco de Numancia e El trato de Argel si possono datare al 1583 circa.

La vera carriera letteraria di Cervantes inizia con , che fu pubblicata nel 1585, ma venne scritta in gran parte nel 1582 ed è considerata la sua opera giovanile più impegnativa. In essa si riconoscono alcuni tratti distintivi della scrittura di Cervantes, soprattutto nella fusione operata tra i temi tipici della poesia pastorale con altri elementi, come alcune avventure e le peregrinazioni compiute dai personaggi, caratteristici invece del romanzo ellenistico.

Il romanzo El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, il capolavoro di Cervantes, venne pubblicato in due tempi, la prima parte nel 1605 e la seconda nel 1615, dopo l'apparizione di una prosecuzione apocrifa ad opera di Alonso Fernández de Avellaneda.

Del 1615 è anche la sua più lunga composizione poetica, Ocho comedias y ocho entremeses, che comprende Pedro de Urdemalas, considerata da alcuni la migliore opera teatrale del Cervantes, e l'intermezzo El retablo de las maravillas, uno dei suoi più riusciti quadri popolareschi. Tutte le commedie vantano traduzioni italiane, ma solo una di esse, La entretenida, è stata tradotta in versi, nel 2007 con il titolo La spassosa, da David Baiocchi e Marco Ottaiano.

Postuma risulta l'opera Los trabajos de Persiles y Sigismunda, la cui dedica è datata 19 aprile 1616 e che venne pubblicata nel 1617.

La formazione culturale di Cervantes si svolse nella fase di passaggio dal XVI secolo al XVII secolo in pieno clima rinascimentale e il passaggio dal rinascimento al barocco trovò in lui un interprete profondamente radicato nei problemi dell'uomo di quel tempo.

Nell'opera di Cervantes si coglie la necessità di scoprire il sogno, la fantasia, l'ignoto, la follia, l' istinto per portare alla luce la coscienza umana.

Nelle opere di Cervantes si coglie il desiderio di condizioni esistenziali diverse in cui l' uomo, libero dai rapporti sociali prestabiliti possa essere libero e realizzare la propria individualità. Don Chisciotte, il folle ed idealista cavaliere mancego e Sancho il suo realista scudiero sono espressioni diverse ma non contrastanti di questa esigenza che diviene il tema centrale di tutto il romanzo.

Cervantes conosceva gli scrittori contemporanei spagnoli e inoltre Aristotele, Platone e Orazio . Egli cercò di adattare il suo stile alle esigenze estetiche dell'epoca rinascimentale anche se spesso si nota nelle sue opere una ricerca personale e libera di concetti, di mondi e di sentimenti dove la letteratura si fonde con la spregiudicatezza d'invenzione e d'intuizioni.

La prosa di Cervantes cambia spesso per passare da periodi simmetrici e complessi ad altri più immediati dove il discorso si fa più semplice, diretto e familiare.

Nella lettura del Don Chisciotte si può cogliere il disagio di vivere che vagheggia un mondo mai esplorato ma sempre sognato.

Allo scrittore è stato intitolato il cratere Cervantes, sulla superficie di Mercurio. Il giorno della sua morte, che condivide con William Shakespeare e Inca Garcilaso de la Vega, è stato designato dall' UNESCO come Giornata mondiale del libro e del diritto d'autore. Compare nelle monete da 50, 20 e 10 centesimi di euro spagnoli.

Exequias de la reina Isabel de Valois.

A Pedro Padilla

A la muerte de Fernando de Herrera

A la Austriada de Juan Rufo

Al túmulo del rey Felipe II

Ocho comedias y ocho entremeses nuevos nunca representados (1615)

Comedia llamada trato de Argel

Comedia del cerco de Numancia, imitazione delle tragedie classiche, pubblicata solo nel XVIII secolo

Nicola Zingarelli, Il mercato di Monfregoso, dramma giocoso per musica, Milano, G. Battista Bianchi.

Giovanni Claudio Pasquini (1695-1763), Don Chisciotte in corte della Duchessa, opera; Antonio Caldara; libretto: Gio. Claudio Pasquini, s.l.

Saro Lombardo (a cura di), Don Chisciotte o Il tramonto della cavalleria, riduzione teatrale dal romanzo di Miguel de Cervantes Saavedra, Roma Istituto tecnico commerciale di Stato V. Gioberti, 1992

Vincenzo Cuomo, Gennaro Duccilli, Don Chisciotte della Mancha - Regia Gennaro Duccilli

Gino Tagliapietra, Tre pezzi [per pianoforte]. Armonie di campane, Don Chisciotte, scherzo barbaro, Venezia, E. Sanzin e C., 1911

Paisiello, Giovanni (1740-1816), Sinfonia Del Sigr. Giovanni Paesielli per L'Autunno 1770, musica manoscritta, copia di vari copisti, 18/f

Francesco Bartolomeo Conti (1681-1732), Don Chisciotte in Sierra Morena: entree, partitura, Accademia del '700 Italiano, 1992

Don Chisciotte: balletto in un prologo e tre atti, coreografia di Rudolf Nureyev, musica di Ludwig Minkus (arrangiamento e adattamento di John Lanchberry), Milano, Edizioni del Teatro alla Scala, 2003

Fernando Arrabal, Uno schiavo chiamato Cervantes, Milano, Spirali, 1996

Mario Socrate, Prologhi al Don Chisciotte, Venezia - Padova, Marsilio, 1974

Miguel de Unamuno, Commento al Don Chisciotte, prologo dell'autore, traduzione dallo spagnolo e note di G. Beccari, Lanciano, R. Carabba, 19..

Miguel de Unamuno, Commento alla vita di Don Chisciotte (Vida de Don Quijote y Sancho), 2. ed, Milano, Corbaccio, 1935

Gesualdo Bufalino, Dizionario dei personaggi di romanzo: da Don Chisciotte all'Innominabile, Milano, A. Mondadori, 1989. ISBN 88-04-31997-6

Jean Canavaggio, Cervantes, Roma, Lucarini, 1981

Joelle Wintrebert, Rapimento sull'astronave. Gli ultimi giorni di Pompei. Don Chisciotte a fumetti: racconto di fantascienza: dossier, Torino, SEI, 1990

Livio Jannattoni, Trilussa al Don Chisciotte, 1956 in L'Urbe, n. 5, Roma, Palombi, 1956

Olivier Weber, Il Barbaresco (Flammarion, 2011)

Isidoro Del Lungo, Un don Chisciotte del secolo 16.; Un gentiluomo erudito del secolo 17.; I corrispondenti fiorentini del Muratori, in Nuova Antologia, 15 ottobre 1880

Riccardo Campa, La destrezza e l'inganno: saggio sul Don Chisciotte di Miguel de Cervantes Saavedra, Edizione Art'è 2001, Roma, Il Veltro Editrice, 2002 ISBN 88-85015-43-3

Miguel de Cervantes , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Miguel de Cervantes , in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Opere di Miguel de Cervantes , su Liber Liber.

Opere di Miguel de Cervantes / Miguel de Cervantes (altra versione) / Miguel de Cervantes (altra versione) / Miguel de Cervantes (altra versione) / Miguel de Cervantes (altra versione) , su openMLOL, Horizons Unlimited srl.

(EN) Opere di Miguel de Cervantes , su Open Library, Internet Archive.

Miguel de Cervantes , su Last.fm, CBS Interactive.

(EN) Miguel de Cervantes , su AllMusic, All Media Network.

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(EN) Miguel de Cervantes / Miguel de Cervantes (altra versione) , su Internet Broadway Database, The Broadway League.

(DE, EN) Miguel de Cervantes , su filmportal.de.

Ejemplares: edizione complanare del testo spagnolo e delle due prime versioni in italiano. [collegamento interrotto] Edizione del testo originale (Madrid, Juan de la Cuesta 1613), la versione di Guglielmo Alessandro de Novilieri Clavelli (Venezia, Barezzo Barezzi, 1626) e la versione di Donato Fontana (Milano, Bartolomeo Vallo e Alberto Besozzo, 1627).

(ES) Instituto Cervantes , su cervantes.es. URL consultato il 12 novembre 2004 (archiviato dall'url originale il 12 novembre 2004).

Pagina della Biblioteca virtual Miguel de Cervantes non funziona al 20 ago 2005

(ES) Proyecto Cervantes 2001 , su csdl.tamu.edu.

(EN) Cervantes Society of America , su h-net.org.

(EN) Cervantes and Don Quixote , su donquichote.org.

Opere di Cervantes: testo con corcondanze e liste di frequenza

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"Sappi, o Sancio, che un uomo non è da più di altro uomo, quando non fa più di un altro" ( M. de Cervantes, da Don Chisciotte della Mancia , parte prima cap. XVIII) È universalmente noto per essere l'autore del romanzo Don Chisciotte della Mancia, uno dei capolavori della letteratura mondiale di ogni tempo.

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Figlio di un orefice e orologiaio, Joan Miró cominciò a disegnare dall'età di 8 anni. Su consiglio del padre, Miró intraprese studi commerciali ma in parallelo frequentò lezioni private di disegno; dal 1910 al 1911 lavorò come contabile in una drogheria, finché un esaurimento nervoso non lo convinse a dedicarsi all'arte a tempo pieno.

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La Plaza Mayor è una delle piazze principali di Madrid e si trova situata al centro della capitale spagnola.

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La Rambla è un viale di Barcellona lungo un chilometro e quattrocento metri che collega Plaça de Catalunya con il .

La Rambla è uno dei luoghi più emblematici della città, frequentatissimo tutto l'anno sia da turisti sia dagli abitanti del luogo, e ha nomi diversi nei suoi diversi tratti, per cui a volte è chiamata al plurale Les Rambles in catalano e Las Ramblas in castigliano. La parola rambla deriva dall' arabo raml (sabbia) e designa, come in altre città spagnole, una strada ricavata da un corso d'acqua asciutto, interrato o coperto.

Nel bene e nel male le Ramblas riassumono la vivacità e l'originalità di Barcellona. Se da un lato sono animate da artisti di strada, caffè e bancarelle, d'altro canto sono prese di mira dai borseggiatori e di notte si trasformano in un viale a luci rosse.

I cinque viali che compongono la Rambla, da nord a sud, sono così chiamati:

Anche la via che prosegue oltre Plaça Catalunya, attraversando l'Eixample, fino all' Avinguda Diagonal ha il nome di Rambla: Rambla de Catalunya. La passeggiata che prosegue la Rambla, oltre il monumento a Colombo, prende il nome di Rambla de Mar.

L'attentato dell'agosto 2017

Alle 16.45 del 17 agosto 2017, La Rambla ha subito un grave attentato, rivendicato dall' ISIS. Un furgone Fiat Talento l'ha percorsa per 600 m da Plaça de Catalunya, all'altezza di Carrer Bonsuccès, fino al mercato de La Boqueria, investendo i passanti e provocando 16 morti e circa 130 feriti. Le nazionalità delle persone coinvolte sono 35.

Galleria d'immagini

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La Rambla è un viale di Barcellona lungo un chilometro e quattrocento metri che collega Plaça de Catalunya con il . La Rambla è uno dei luoghi più emblematici della città, frequentatissimo tutto l'anno sia da turisti sia dagli abitanti del luogo, e ha nomi diversi nei suoi diversi tratti, per cui a volte è chiamata al plurale Les Rambles in catalano e Las Ramblas in castigliano.

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Corso di Pamplona

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Pamplona
comune

( EU) Iruñea
( ES) Pamplona

Pamplona - Veduta

Plaza de Castillo

Localizzazione

Stato

Spagna

Comunità autonoma

Navarra

Amministrazione

Alcalde

Joseba Asiron (EH Bildu) dal 28-12-2023

Territorio

Coordinate

42°49′00.12″N 1°39′00″W ﻿ / ﻿ 42.8167°N 1.65°W

Altitudine

450 m s.l.m.

Superficie

23,55 km²

Abitanti

205 762 (2023)

Densità

8 737,24 ab./ km²

Comuni confinanti

Ansoáin, Aranguren, Barañain, Berrioplano, Berriozar, Burlada, Cizur, Egüés, Ezcabarte, Galar, Olza, Orcoyen, Villava, Zizur Mayor

Altre informazioni

Lingue

spagnolo, basco

Fuso orario

UTC+1

Patrono

Saturnino di Tolosa, san Firmino di Amiens

Comarca

Cuenca de Pamplona

Cartografia

Sito istituzionale

Pamplona (in castigliano) o Iruñea (in basco; talvolta anche Iruña) è un comune spagnolo di 205 762 abitanti (2023), capoluogo della comunità autonoma della Navarra.

È situata a 407 km a nord-est di Madrid e a 50 km del confine con la Francia. È la prima grande città spagnola lungo il Camino Francés del Cammino di Santiago di Compostela.

Fondata da Pompeo nel 75 a.C. come accampamento militare, con il tempo crebbe e divenne la città di Pompaelo, da cui deriva il nome. Ebbe un periodo di splendore nell'epoca imperiale di Roma, ma subì poi diverse invasioni barbariche che la distrussero. Nel 466 fu presa dai Visigoti che vi si installarono ma non seppero resistere agli Arabi agli inizi dell' VIII secolo. Gli Arabi non vi si installarono abitualmente preferendo la città di Tudela.

Nel 778 Carlo Magno nel corso di una spedizione contro Saragozza, in mano ai Musulmani, distrusse le mura della città. Alla metà del IX secolo si consolidò un consistente nucleo di cristiani che si contrapponevano ai Musulmani e la dinastia Jimena nel X secolo rafforzò questo movimento religioso, politico e sociale creando il Regno di Pamplona come si chiamerà nei secoli successivi fino al 1164 quando prese il titolo di Regno di Navarra agganciandosi alla Navarra per meglio fronteggiare l'espansionismo ricorrente della Castiglia. A Pamplona si rafforzò intanto il potere del Vescovo poiché il re, come era uso a quei tempi, aveva una corte itinerante ed i vescovi amministrarono la città fino al 1323. Nei secoli XI- XII si ebbe il ripopolamento che determinò però la nascita di tre distinti agglomerati urbani, che combatterono fra di loro, frenando lo sviluppo della città finché con il privilegio de la Union, concesso dal re Carlo III di Navarra, il Nobile, nel 1423 la città fu unificata e nel 1426 divenne la capitale del regno di Navarra e tale rimase fino al 1512, quando venne assorbita nel regno di Spagna che si costituì definitivamente nel 1516 con Carlo V. Prima però ci fu un periodo di crisi politica che scosse la Navarra nel XV secolo con guerre civili; chi ne approfittò fu la Castiglia che la invase; il re Giovanni III di Navarra e la regina Caterina di Navarra abbandonarono il regno e si rifugiarono in Francia. In questa guerra combatté dalla parte dei Castigliani anche Ignazio di Loyola che fu ferito in un luogo dove oggi sorge una cappella, nei pressi del Palazzo di Navarra; da quel momento Ignazio di Loyola cambiò vita e fondò l'Ordine della Compagnia di Gesù.

Con la conquista da parte del regno di Castiglia, Pamplona assunse le funzioni di piazza fortificata per far fronte alle continue minacce d'invasione che venivano dalla vicina Francia. Tra i secoli XVI- XVIII si succedettero lavori di fortificazioni allo scopo di fare di Pamplona un bastione inespugnabile. In sostituzione della monarchia fu nominato un viceré che amministrò la Navarra con l'aiuto del Consejo de Navarra suprema istanza giudiziale, la Camara de Comptos, corte dei conti e le Cortes de Navarra che continueranno a riunirsi fino al 1828.

Fino al XX secolo la città rimase chiusa entro le sue mura che furono in parte aperte a partire dal 1905, per permettere via via l'espansione della città. Verso la metà del secolo, iniziò ad industrializzarsi determinando correnti d'immigrazione con la necessità di far sorgere nuovi quartieri. Le zone dove sorgevano le fortificazioni furono trasformate in parchi e la città assunse l'aspetto attuale di città moderna che conserva però una parte delle sue vestigia di epoca medioevale, con i resti delle mura e le chiese di san Saturnino e san Nicola. La cattedrale è gotica. Altri rilevanti edifici civili sono la Corte dei conti ( Cámara de Comptos, XIV secolo), il Comune e il palazzo della Provincia ( Ayuntamiento e Palacio Provincial, sec. XIX).

Pamplona presenta un grande contrasto tra la città moderna, con grandi viali e molto verde, e la città medioevale, con i suoi vicoli, piazzette e monumenti antichi. E tuttavia, a differenza di altre città che tengono separate la città antica e quella moderna, a Pamplona tradizione e modernità si coniugano in maniera ammirevole nelle stesse zone. Questo è particolarmente evidente nella zona delle lunghe mura, ricostruite nei secoli XVI e XVIII, che abbracciano la città correndo in parte lungo il fiume Arga. Costeggiandole si passa attraverso bei giardini moderni e grandi viali, e si incontrano anche i monumenti più antichi della città, il tutto tenuto insieme in straordinaria armonia. La città, un tempo interamente cinta da mura, si estende oggi nella valle del fiume Arga, e forma con i municipi vicini un continuum urbano che ospita 250.000 abitanti, la metà della popolazione della Comunità Autonoma della Navarra.

A Pamplona San Josemaría Escrivá de Balaguer ha fondato l' Università di Navarra nel 1952.

Lo stemma cittadino è composto da uno scudo appuntito con campo azzurro, al cui centro campeggiano un leone argentato voltato verso destra e, sopra di esso, una corona reale dorata. Il bordo dello scudo è di colore rosso ed ornato da otto catene d'oro, simbolo del Regno di Navarra fin dal 1212. A sormontare lo stemma, nuovamente una corona di colore oro, questa volta ducale.

L'adozione dello stemma cittadino si può far risalire al 1423, quando il re Carlo III di Navarra concesse alla città di Pamplona il cosiddetto "privilegio di unione" ( Privilegio de la Unión), unificando diversi borghi in un unico centro abitato.

Monumenti e luoghi d'interesse

Los Sanfermines, Fiestas de San Fermín

Monumento all'Encierro

Los Sanfermines o Las fiestas de San Fermín sono le feste che Pamplona celebra tra il 6 e il 14 luglio in onore di San Firmino di Amiens, compatrono di Navarra e patrono dell' arcidiocesi di Pamplona e Tudela.

Secondo la tradizione Firmino, figlio del senatore Firmus, governatore di Pamplona nel III secolo, si convertì al Cristianesimo e fu battezzato da San Saturnino nel luogo che oggi si chiama popolarmente Pocico de San Cernin. Firmino fu ordinato sacerdote a Tolosa, in Francia, poi tornò a Pamplona come vescovo e morì decapitato ad Amiens, dove era andato a predicare, il 25 settembre del 303. Patrono delle confraternite dei barcaioli, dei vinai e dei fornai, da molto tempo San Firmino viene ricordato con una festa che dura 204 ore.

Le feste cominciano con il lancio del chupinazo (razzo) dal balcone del consiglio della città a mezzogiorno del 6 luglio e finiscono a mezzanotte del 14 luglio. Una delle attività più famose del Sanfermines è l', la famosa corsa dei tori, che corrono tra la folla fino all'arena delle corride. Le corse avvengono tra il 7 e il 14 di luglio e cominciano alle otto, con una durata media di tre, quattro minuti.

Attraverso i secoli la lunga festa di San Firmino tanto cara ad Hemingway e di cui i tori sono l'elemento più caratteristico, continua ad avere per protagonista la strada, che è il suo vero luogo, dove convivono armonicamente le cerimonie religiose con quelle profane, le cerimonie pubbliche con il tumulto popolare, il culto arcaico del toro con il mangiare e il bere.

In questi anni gli animalisti hanno duramente contestato la festa a causa del maltrattamento dei tori durante le corride. Per protesta si sono svolte delle manifestazioni con animalisti svestiti che sfilano per le strade della città.

Oltre alle feste di San Firmino, universalmente conosciute, che attirano a Pamplona gente da ogni parte del mondo, ci sono anche altre festività come in ogni città della Spagna, di carattere religioso e civile nello stesso tempo: la Settimana Santa, il 29 novembre la festa di San Saturnino patrono della città, il 5 gennaio il corteo per le vie della città dei tre Re Magi accompagnati dai loro seguiti reali.

Lo scalo ferroviario principale della città è la stazione di Pamplona.

La locale squadra di calcio è l' Osasuna, che gioca allo Stadio El Sadar.

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Pamplona comune ( EU) Iruñea( ES) Pamplona Plaza de Castillo Localizzazione Stato Spagna Comunità autonoma Navarra Amministrazione Alcalde Joseba Asiron (EH Bildu) dal 28-12-2023 Territorio Coordinate 42°49′00.12″N 1°39′00″W ﻿ / ﻿ 42.8167°N 1.65°W Altitudine 450 m s.l.m.

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Paella e Sangria

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PAELLA E SANGRIA | Scuola di cucina Roma - Tuchef

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Il flamenco è una forma di musica e di danza di origine andalusa, formata da un canto all'apparenza stonato (cante), dalla musica e dal ballo (baile), nato alla fine del Settecento, il flamenco non nasce come una forma di spettacolo, ma come un'esigenza di sfogare gioie e dolori in un linguaggio intimo e privato. Si cantava senza l'accompagnamento della chitarra, avvalendosi soltanto di supporti ritmici corporali, come il battito dei piedi sul terreno, delle mani oppure delle nocche sul tavolo. Oggi invece è una forma di spettacolo a tutti gli effetti.

Il flamenco trova le sue origini in Spagna, ma con il passare dei secoli è arrivato in Italia, oggi curato e pubblicizzato principalmente da associazioni pubblicitarie chiamate Peñas Flamencas.

Il flamenco si sviluppa tra le province di: Siviglia, Cadice, Jerez e Cordova. Nella fase iniziale, il flamenco si mostra come uno sfogo emozionale della minoranza gitana in Andalusia. Uno dei primi documenti scritti sul flamenco si trova in una delle Cartas Marruecas di Cadalso ( 1774), dove la musica flamenca viene esplicitamente attribuita ai gitani. L'uso della parola "flamenco" per indicare un tipo di canto o di danza non venne tuttavia documentato prima del XIX secolo.

Verso la metà dell' Ottocento iniziarono a diffondersi per tutta la Spagna e massivamente in Andalusia i cafés cantantes, locali notturni dove agli spettacoli di varietà venne presto affiancato il flamenco. In tutta la Spagna nacquero 63 cafés cantantes, distribuiti così: 12 a Siviglia, 5 a Jerez, 3 a Cadice, 11 a Cartagena, 4 a Puerto Santa María, 5 a Malaga, 1 a Granada, 18 a Madrid, 1 a Barcellona, 1 a Cordova, 1 a Bilbao e 1 a La Unión.

Dall'esperienza dei cafés cantantes, il flamenco esce rinnovato e il canto della famiglia/comunità diviene il canto di un interprete professionista. Uno dei personaggi più rilevanti nella storia dei cafés cantantes fu quello di Silverio Franconetti, quando nella seconda metà del 1800 aprì il suo locale. Silverio apprese il cante dai gitani e divenne il primo cantaor andaluso, in virtù delle sue capacità espressive. Rese il cante più soave e melodico rispetto all'originale forma di cante crudo e tragico. Lo impose al pubblico senza il contorno coreografico o teatrale, ma questi tentativi di popolarizzazione furono la conseguenza della naturalizzazione del cante. Con la diffusione dei cafés cantantes iniziò l'età d'oro del flamenco.

Il cante flamenco si differenzia dal canto come espressione operistica e dalla canción che connota espressioni sonore popolari e popolareggianti. Il cante flamenco è caratterizzato dal lamento, dalla carica emozionale e dall'intensità espressiva non conciliabile con la voce di un cantante accademico. Non tutte le voci sono adatte al cante, la voce giusta deve possedere qualità ben differenti rispetto ad un canto melodico. Una voce roca, gutturale e con una capacità emissiva particolare è l'ideale, infatti la voce più adatta è quella con un registro medio grave e un tono velato e rude. Per riuscire ad ottenere questo tipo di voce, i cantaores ricorrono spesso agli alcolici.

Durante il periodo dei cafés cantantes fecero la loro comparsa per la prima volta i cantaores peyos, ovvero i cantaores non gitani. Per i cantaores gitani il cante non era un' arte per dare spettacolo all'interno dei cafés, pertanto si riunivano nelle case o nei bar e cantavano per il gusto di farlo, per poter sfogare gioie e dolori in un linguaggio intimo e privato, caratteristica emozionale conservata anche dai ballerini durante il baile. Il pubblico prediligeva un canto più limpido rispetto alle voci roche dei gitani, ecco perché il cante originario dovette perdere alcuni dei suoi aspetti più duri e caratteristici. L'incontro sul palco di queste due varietà di cantaores gitani e payos fece nascere una competizione che diede l'impulso decisivo allo sviluppo degli stili del flamenco conosciuti oggi. Un cantaor che canta bene la maggior parte dei palos è detto "enciclopedico", ed è una figura di gran rispetto nell'ambiente.

Il cante è seguito da un pubblico particolare, il quale non sempre coincide con quello del baile. È un'arte molto seguita in Spagna e, come per i balli, si divide in singoli stili. Il cante non è però un canto popolare, ma è l'espressione dei singoli individui che grazie alle loro capacità interpretative hanno creato un modo diverso di cantare, per lo più influenzato dalle diversità musicali che nel corso dei secoli si sono intrecciate in Andalusia. Per l'appunto molti musicologi si sono soffermati sugli aspetti musicali del cante flamenco, evidenziando una forte influenza di musica orientale. Inoltre, molti sono gli stili del cante flamenco e si differenziano per compás, letras e palos.

Esiste nel cante una serie di suoni corrispondenti ad una sillaba o a parte di essa, che vengono utilizzati con funzione ritimica o espressiva. Il quejío è un lamento formato da un lungo e ripetuto "ay", che precede e intercala l'improvvisazione del cantaor. Conferisce un tratto drammatico al canto, ed è uno dei momenti di massima espressione del palo. I quejíos più naturali sono nella siguiriya e nel . Esistono altri tipi caratteristici di glossolalie, come quello delle alegrias. Vi sono poi i vibratos che come la glossolalia servono a dare carattere al cante. Possono essere realizzati con la bocca, semplicemente aggiungendo il suono all'ultima vocale della precedente parola, oppure possono essere di tipo gutturale o nasale, passando da un processo che trasforma le () in . I vibratos e la glossolalia sono gli accorgimenti tecnici propri di una voce con la capacità di scaturire emozioni forti di convinzione o tristezza.

I flamencologi hanno individuato diverse differenziazioni dei cantes, valutandoli sulla base di criteri etnici, sociali, musicali e geografici. In gergo sono chiamati palos, e ne esistono 4 diversi gruppi.

1. Cantes flamencos básicos (Canti Flamenco basici); questo gruppo include la tonà, la siguiriya, la soleà e il tango flamenco.

2. Cantes flamencos emparentados con los básicos o influidos por ellos (Canti Flamenco imparentanti o influenzati dai canti basici); questo gruppo include la siguiriya (liviana e serrana), con la soleá (polo, buleria, caña, alboreá e romance), cantes influenzati dalla soleá (cantiñas gitane, alegria, romeras, mirabras, caracoles) e canti imparentanti con la toná, come la saetas.

3. Cantes flamencos derivados del fandango andaluz (Canti Flamenco derivati dal fandango andaluso); questo gruppo comprende i fandangos locali (Huelva, Alosno, Valverde) e i canti di levante e di malaga (taranto, taranta, cartagenera, minera, granaina, jabera e malagueña).

4. Cantes folklóricos aflamencados (Canti popolari del flamenco); in questo gruppo rientrano i canti che hanno origine dal folclore andaluso, (peteneras, sevillanas, nanas, villancicos, campanilleros, bambas, trilleras, pajaronas, temporeras, marianas), i canti dal folclore galiziano e asturiano (farruca e garrotìn) e i canti di origine ispanoamericana (guajiras, colombias, habaneras, milongas, vidalitas e rumbas).

Il compás è la sequenza ritmica che caratterizza i diversi tipi di palos. Il compás è essenziale nel flamenco perché permette di individuare i palos immediatamente ed è la base per le variazioni musicali o coreutiche dei cantaor, bailaor e tocaor. Viene "tenuto" con le palmas (battito delle mani), le quali possono essere sorde, quindi realizzate creando un vuoto d'aria, oppure possono essere semplici, eseguite battendo le dita della mano nella concavità dell'altra. Saper tenere il ritmo delle palmas non è affatto facile: per chi nasce nell'ambiente, il ritmo viene per lo più per istinto; infatti nell'ambiente è mal visto chi tenta di tenere il tempo senza saperlo fare, talché chi lo fa si dice che pecchi di presunzione. Le palmas possono essere suonate segnando gli accenti di ogni compás, oppure vengono marcati i tempi intermedi o il controtempo. Oltre alle palmas ci sono altri modi per tenere il ritmo, uno di questi sono i pitos, vale a dire quel suono ottenuto facendo schioccare il medio con il pollice (un semplice schiocco di dita). Il palmo della mano battuto sulla gamba è un altro modo, come lo sono le nocche delle mani battute sul tavolo, il battere di un bastone o dei piedi sul pavimento e l'uso delle nacchere.

La copla, frazionata in copla andalusa e copla flamenca, è una composizione poetica breve, impiegata come testo nelle canzoni popolari. Nella copla andalusa le canzoni sono generalmente seguite da strumenti che comprendono chitarre, violini, tamburelli, nacchere e campane. Nella copla flamenca invece, nata all'epoca dei cafés cantantes, prevale per l'aspetto musicale il riferimento al mondo gitano, con la trattazione specifica di temi come la morte o la sofferenza. La copla flamenca è caratterizzata da un linguaggio più schietto e dalla presenza di parole in lingua caló. Tuttavia questo aspetto non attribuisce in modo sicuro la paternità gitana, infatti le coplas interamente scritte in caló sono spesso creazioni artificiose. La copla flamenca è stata oggetto di studi di vario tipo e, fin dal XIX secolo, le coplas erano raccolte in antologie che ne illustrano le tematiche, pertanto i temi come l'amore erano i più utilizzati. Si hanno anche coplas bilingue, quindi con traduzioni in lingua straniera, nonostante sia difficile tradurle.

La lingua della copla è lo spagnolo degli andalusi. Una tematica affrontata molto di rado è quella sociale, dovuto alla scarsa coscienza sociale del sottoproletariato andaluso. La copla cantata viene suddivisa in tercios; questo si verifica prettamente nelle forme originali di canto gitano, ossia un canto non sillabico dove la strofa e la melodia non combaciano. Le struttura metrica della copla può essere in strofe di due versi, in strofe di tre e quattro versi e strofe di cinque versi. La prima strofa tratta versi in rima, dove il primo verso è spesso un quinario, mentre la seconda varia dalle nove, dieci o undici sillabe. La seconda struttura è quella più utilizzata, con una rima assonante nel primo e nel terzo verso, mentre quasi tutta la famiglia dei fandangos utilizza la strofa di cinque versi, dove nel caso del fandango si verifica la ripetizione del primo verso in terza posizione o l'anticipazione del terzo verso in prima posizione.

La chitarra inizialmente poteva dare al cantaor solo due toni, il mi e il la, ed era suonata solo con il dito pollice. Si passò poi al capotasto, attrezzo adattabile al manico della chitarra per dare al cantaor il giusto equilibrio per la voce. All'interno di una rappresentazione tipica di flamenco, il ruolo del chitarrista o tocaor è quello di predisporre un "tappeto sonoro" ( compás) per il cantante, che lo sostenga nella libertà e ortodossia interpretativa delle strofe, dette letras, intervallando il canto con degli assoli melodici, detti falsetas, per dargli pause di respiro. Nel caso in cui ci sia un ballerino ( bailaor), la chitarra deve accompagnarne adeguatamente i suoni ritmici, con particolare attenzione quando viene eseguita una escobilla, che è il suono prodotto prevalentemente con le percussioni dei piedi. A seconda del palo esistono tre tipi di scansione ritmica: il compás di dodici, di quattro (detto compás binario) o di tre tempi (detto compás ternario). Il compás di dodici tempi è una delle scansioni più frequenti per i canti fondamentali come la soleá, la siguiriya e la bulería.

La prima comparsa della chitarra si ha a Siviglia nel 1847 e originariamente fu usata per accompagnare il cante e il baile, inoltre contribuirono alla diffusione dello strumento in modo determinante artisti come Paco de Lucía, il quale fece della chitarra anche uno strumento solista.

Il baile flamenco nasce come danza individuale, ma con i Cafès Cantantes le coreografie vennero eseguite da gruppi di persone o a coppia. Il palco dove si esibivano gli artisti era di legno e lo spettacolo era accompagnato da un chitarrista e uno o più cantaores, tre o quattro bailaoras (ballerine) e due bailaores (ballerini). È una danza astratta che non racconta storie ma stati d'animo. Durante l'interpretazione i ballerini possono passare dalla tristezza alla gioia in poco tempo, ma le diverse emozioni sono ben individuabili al pubblico se l'interprete ha la capacità di trasmetterle, difatti l'aspetto più importante del baile è la capacità di interpretazione e solo dopo viene la tecnica. Inoltre, il ruolo del pubblico è fondamentale per la giusta atmosfera, più ridotto è l'ambiente dove si svolge lo spettacolo e più aumenta la comunicazione fra interprete e pubblico. Il bailaor guarda dritto davanti a sé con atteggiamento di sfida e provocazione, suscitando allo stesso tempo sicurezza e convinzione. Il baile è la danza Europea che possiede più delle altre il potere dell'isolamento del ballerino dal mondo che lo circonda. Il flamenco è una danza con movimenti rivolti verso il basso, introversa, in opposizione con la leggerezza e l'elevazione della danza classica. La tecnica del baile flamenco è complessa e richiede anni di studio per essere eseguita in modo corretto. Prima di tutto i movimenti dei piedi sono di vario tipo; il punteado consiste in passettini e intrecci dei piedi, eseguiti senza far rumore. I desplantes sono una serie di colpi eseguiti con forza e utilizzati per concludere una sequenza di passi. Lo zapateado si esegue con la percussione del suolo utilizzando diverse parti della scarpa come il tacco, le punte o la pianta. Quando è di breve durata lo zapateado viene detto redoble, mentre la combinazione di passi più estesa viene chiamata escobilla. La llamada sono una serie di colpi di zapateado con cui il bailaor chiama il cante o una falseta.

La storia del baile va di pari passo con quella dei palos del flamenco e la storia e la letteratura forniscono numerose informazioni sulla diffusione della danza in tutta la penisola spagnola. Come si ricava dalle testimonianze, era parte integrante della quotidianità andalusa. Le danze erano eseguite con il tipico strumento a percussione chiamato castañuelas (nacchere) e costituivano gran divertimento e intrattenimento per il popolo. Nel XVIII secolo comparve il fandango, una danza di coppia che mimava il corteggiamento amoroso. Ogni coppia uomo e donna suonava le nacchere e compiva gesti lascivi, per poi terminare la danza in un sospiro, espressione dell'estasi del piacere. Già nel XIX secolo il fandango non venne più eseguito perché considerato troppo sensuale e venne rimpiazzato da altri stili, come dalla buleria e la sevillana. I balli della scuola bolera vennero introdotti nei saloni dell'aristocrazia e il contatto con un pubblico diverso rese possibile l'avvicinamento della danza classica al mondo del flamenco, sviluppando degli spettacoli più coreografici rispetto ai precedenti. Diventano importanti le scenografie, le luci e i costumi, ma proprio per questo il vero senso del baile viene perso. Le prime rappresentazioni del Ballet Flamenco avvengono fra il 1914 e il 1919, ma non si può del tutto ufficializzarlo prima del 1929. Nel frattempo, venivano insegnati i nuovi stili della scuola bolera e nei quartieri come Triana, venivano eseguiti altri tipi di danza all'interno di taverne e bottiglierie. Le danze che venivano eseguite erano molto diverse dalla scuola bolera e molte di esse erano accompagnate da nacchere, tamburelli e chitarre. Il baile come il cante, si ritrovò profondamente rinnovato dall'esperienza dei Cafès, e infatti dopo di essi si ha una maggiore distinzione fra il baile maschile e il baile femminile. Nel corso del tempo è diventata una vera e propria professione, ed è intorno alla metà degli anni '50 che i ballerini trovano nei tablao una vera e propria palestra artistica, in voga ancora oggi.

I ballerini di flamenco sono prima di tutto interpreti poiché il flamenco non indica semplicemente una particolare forma di canto o di danza, ma nasce come manifestazione artistica di un gruppo marginale della società Andalusa. In questa danza l'aspetto che più conta è l'intensità delle espressioni, infatti la sua bellezza non è data dall'estetica, ma dalla forza interpretativa, dalla sincerità espressiva e la generosità dell'interprete. Esiste una parola in cui è racchiuso questo significato, ed è "duende", ossia letteralmente spirito, stato emozionale e di rapimento. I movimenti del corpo variano, ed alcuni più di altri sono tipicamente femminili, come le ondulazioni del busto e delle anche o i movimenti delle braccia e delle mani, detti braceo. Gli atteggiamenti maschili sono invece sobri e limitati, mantengono i fianchi fermi e ballano con impeto e un'estetica plastica.

Il ballo si arricchì di pari passo con l'estetica e all'intensità delle espressione si aggiunsero i colori dei costumi. Ogni colore ha una valenza simbolica differente. Il nero, il rosso e il fucsia erano i colori più utilizzati per i vestiti, mentre il giallo era considerato il colore della cattiva sorte, quindi venne escluso. Nel XIX secolo il vestito caratteristico era inteso come un vestito popolare semplicemente decorato per l'occasione. Dopo il 1929, grazie all'esposizione iberoamericana tenuta a Siviglia, il vestito diventa un elemento distintivo. Durante gli anni ha subito varie trasformazioni, rompendo ogni tanto la tradizione. Oggi è possibile scegliere tra vestiti di varie forme e colori, questo anche per quanto riguarda la parte maschile, principalmente costituita da camicia e pantalone stretto. Il vestito può essere più o meno lungo e avere anche una "coda" (Bata de Cola). L'ampiezza della gonna varia a seconda del tipo di Palos che viene interpretato. Nella Buleria, uno degli stili più difficili, soprattutto per quanto riguarda il tempo musicale, la gonna è molto ampia e infatti accompagna il movimento delle braccia o una serie di piedi. Nel Tientos dove il ritmo è lento, la gonna non è uno degli elementi principali, quindi è stretta dalla vita fino a sopra le ginocchia e successivamente si apre in una stoffa più ampia. Le scarpe da ballo femminili possono essere in pelle o scamosciate e di vari colori, simili alle "scarpe Cuccarini". Gli uomini invece utilizzano lo "zapatos" il tipico stivaletto con il tacco, e quest'ultimo può variare fra i 3 e i 6 centimetri, mentre il tacco della scarpa femminile varia fra i 4 e 5 centimetri. Per i modelli professionali la suola è cucita a mano, inoltre sia le scarpe femminili, sia quelle maschili, hanno sotto il tacco e sotto la punta della scarpa dei chiodi, i quali hanno la funzione di rendere la scarpa un vero e proprio strumento a percussione.

Gli accessori che completano il vestito variano anche questi in base al tipo di palos eseguito. Lo stile classico di una donna comprende capelli raccolti, una rosa tra i capelli e un paio di orecchini (non sono sempre necessari). Il manton è un altro accessorio di accompagnamento, antico antenato del velo delle donne iberiche e arabe. Oggi il manton è di diverse dimensioni e colori, con stoffa ricamata o semplice. Le nacchere o castañuelas, hanno la stessa funzione delle scarpe, quindi tengono il ritmo e accompagnano la musica. Sono uno strumento a percussione e consistono in due dischi costruiti con una cavità interna, uniti da un laccio che viene legato alle dita della mano. Secondo la maniera spagnola, il laccio viene applicato al pollice, mentre secondo la maniera italiana, il laccio va al dito medio. Il ventaglio è un altro accessorio molto in voga, ha origini molto più antiche del flamenco, ma in questo ballo è impiegato come strumento di sensualità e comunicazione.

Silverio Franconetti; Nato a Siviglia nel 1831, morto nel 1889 a Siviglia. Figlio di un italiano di Roma e di una spagnola. Fin da piccolo mostrò interesse per il cante e desiderava portare sul palco il cante gitano. Riuscì nel suo intento e grazie alla sua perseveranza nacque a Siviglia il Cafes Cantante più famoso dell'epoca. Fu un grande interprete della siguiriya.

Carmen Linares; Nata a Linares nel 1951. Il suo vero nome è Carmen Pacheco Rodriguez, si trasferì a Madrid nel 1965 dove fece una lunga gavetta nei tablaos della città. Incide il suo primo disco nel 1971, ed è attualmente considerata la più interessante voce femminile contemporanea.

Antonio Mairena; Nato nel 1909, morto nel 1983 a Siviglia. Il vero nome era Antonio Cruz Garcìa; inizia la sua carriera con il nome di El niño de Rafael. Il padre era una grande appassionato del cante e Antonio lo seguiva ad ogni manifestazione, così all'età di 11 anni iniziò a cantare e solo quattro anni più tardi vinse il primo di una lunga serie di premi. Il suo stile di esecuzione ha fatto di lui una figura dominante nel cante. Fu un grande studioso di cantes ormai dimenticati e che grazie a lui sono arrivati fino a noi nella loro forma più pura.

Manuel Torre; Nato a Jerez de la Frontera nel 1878, morto nel 1933 a Siviglia. Il suo vero nome era Manuel Soto Loreto. Era un uomo burbero, che nonostante godesse di una buona ammirazione grazie al suo talento, morì solo. Cantava bene pressoché tutti gli stili, ma il suo forte era la siguiriya.

Nel 1956 ha luogo il primo concorso di Cante Jondo di Cordova. Il concorso è la prima di una lunga seria di iniziative che porteranno il flamenco nelle università, nei libri e in televisione. Lo spirito del flamenco si è tuttavia conservato anche nel periodo della sua massima commercializzazione.

Durante il periodo pasquale, nelle principali città dell'Andalusia viene festeggiata la "Feria de Abril". Vengono indossati i tipici vestiti tradizionali sia da uomini sia da donne, il tutto accompagnato dalla chitarra spagnola.

La "Feria di Malaga", detta anche festa dell'estate, oltre ad essere un evento legato al flamenco è festa a sfondo religioso. Si svolge nel periodo tra il 10 e il 20 agosto in diversi punti della città, con canti, balli, vestiti della tradizione gitana e molto cibo.

Peñas Flamencas

Il termine "Peñas Flamencas" si traduce in italiano come "circolo di appassionati di flamenco". Sono associazioni in piena regola, con un amministratore eletto dai soci, e con una organizzazione dei programmi e delle quote. In Spagna le sedi sono di vario tipo. Gli appassionati si incontrano per parlare dei vari artisti e per assistere a spettacoli. Queste associazioni svolgono una funzione divulgativa importantissima, organizzando concerti, raccolte di materiale per l'approfondimento del flamenco, produzione di dischi e salvaguardano il cante al fine di mantenerlo puro. In Europa queste organizzazioni sono numerose per lo più in Germania e Francia, ma anche in Italia la Peña Flamenca più vecchia risale al 1992. Le Peñas Flamencas contribuiscono maggiormente alla divulgazione del flamenco rispetto alle attuali forme di pubblicità, organizzando viaggi studio in Spagna.

1. Coral Arte Flamenco, Storia e origini del flamenco, https://web.archive.org/web/20170920141502/http://coralarteflamenco.org/storia-e-origini-del-flamenco/

2. Erika Tifatino, Recensito quotidiano di cultura e spettacolo, "Sentimenti e delicatezza del flamenco", http://www.recensito.net/archivio/43-noticias-de-espana/7728-sentimenti-e-delicatezza-del-flamenco.html

3. Paolo Savino, Paolo Savino Danza, Il Flamenco e la sua storia, 2016, http://www.paolasavinodanza.it/il-flamenco-e-la-sua-storia/

4. Paolo Savino, Paolo Savino Danza, Chi sono i Gitani?, http://www.paolasavinodanza.it/chi-sono-i-gitani/

5. Paolo Savino, Paolo Savino Danza, Cos'è il Flamenco?, 2016, http://www.paolasavinodanza.it/cosa-e-il-flamenco/

6. Evelyn Baleani, Hola Spagna, L'arte del flamenco, 2011, http://www.holaspagna.it/2011/01/larte-del-flamenco/

7. Tierra un portale dedicato interamente alla Spagna, Il Flamenco, una danza della tradizione spagnola, 2012 ht tps://www.tierra.it/il-flamenco.html

8. Ginevra Trevisan, Spagna, Il Flamenco, http://www.spagna.cc/flamenco.html

9. Rivoli Giovani, Flamenco, il fuego della Spagna, 2015, http://www.rivoligiovani.it/flamenco-il-fuego-della-spagna/

10. Daniele Pellicciotta, Affittavacanze-Spagna.it, Traje de Flamenca- L'Andalusia addosso, 2016 https://www.affittivacanze-spagna.it/Andalusia/articoli/traje-de-flamenca-vestito-tradizionale-andaluso

11. Vivi Andalucia, Feria di Malaga: Cos'è, come si svolge dove dormire, 2017, https://www.viviandalucia.com/malaga/feria-malaga-agosto/

12. Daniel Gàja e Jana Drdàckà, Carmilla letteratura immaginario e cultura d'opposizione, Che cos'è il flamenco, 2005, https://www.carmillaonline.com/2005/05/23/che-cos-il-flamenco/

13. Nadia Candelori e Elisa Fiandrotti Diaz. "Il Flamenco", 1998, Xenia Edizioni.

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Il flamenco è una forma di musica e di danza di origine andalusa, formata da un canto all'apparenza stonato (cante), dalla musica e dal ballo (baile), nato alla fine del Settecento, il flamenco non nasce come una forma di spettacolo, ma come un'esigenza di sfogare gioie e dolori in un linguaggio intimo e privato.

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Corrida

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Édouard Manet, Corrida

La corrida o corrida de toros è un tipo di tauromachia di antica provenienza. Corse, lotte o cacce con tori o altri bovini si organizzavano già presso gli antichi Greci, gli Etruschi e i Romani: per esempio un tipo di corrida definito giostra dei tori era popolare nello Stato pontificio e si svolgeva anche nel celebre sferisterio di Macerata; inoltre vi era la Caccia ai Tori in Campo San Polo a Venezia. Questa manifestazione è attualmente praticata prevalentemente in Spagna e in diversi Paesi dell' America latina come Messico, Perù, Venezuela, Ecuador, Colombia, Costa Rica, Panama, Bolivia e anche nel sud della Francia. In Portogallo si celebra in maniera leggermente diversa rispetto alla Spagna.

Mentre in italiano con il termine corrida ci si riferisce sia al singolo evento sia più genericamente allo spettacolo tauromachico inteso come attività, in maniera decontestualizzata (per esempio in espressioni quali amare, odiare la c.; il mondo della c.; essere favorevoli, contrari alla c.), in spagnolo il termine corrida (sottintendendo de toros) indica esclusivamente il singolo incontro o evento (analogamente a quanto accade in italiano col termine partita per il calcio: la c. del tale giorno; una bella, brutta c.), mentre per riferirsi all'attività in sé si utilizzano altre definizioni, come Tauromaquia, Fiesta Nacional, Fiesta de los Toros o, più spesso, semplicemente Los Toros.

Nel 1567 San Pio V aveva decretato con la bolla De salutis gregis dominici che chi partecipava alle corride incorreva automaticamente (latae sententiae) nella pena della scomunica. La bolla venne ritirata da Clemente VIII con il documento Suspectus numerus (12 gennaio 1597).

Corrida a Benavente in onore di Filippo il Bello, 1506

Le prime gare con i tori in Spagna risalgono a circa l'800 dopo Cristo e si hanno notizie documentate di feste con tauromachie a Cuéllar ( Segovia) nell'anno 1215 ma la corrida più simile a come la si conosce oggi risale al XIV secolo ed era praticata solo dai nobili a cavallo, che fieramente davano sfoggio della loro abilità affrontando i tori per una questione di prestigio e di onore, con servitori pronti ad assisterli in qualsiasi momento. Nel 1542 la città di Barcellona omaggiava il principe Filippo, futuro Filippo II di Spagna con "luminarias, danzas, máscaras y juegos de toros".

Real Cedula per proibire la corrida

La prima scuola di tauromachia fu fondata a Siviglia nel 1670 e venne ufficializzata, solo nel 1830 con regio decreto da Ferdinando VII. I Borbone di Francia disprezzavano questo spettacolo cruento così lontano dall'eleganza e dalla grazia della corte di Versailles. Nel 1723 Filippo V la proibì per quasi venticinque anni, ma Ferdinando VI, il suo successore, la concesse di nuovo ai propri sudditi. Era l'epoca dei Lumi e la stragrande maggioranza dei nobili, degli aristocratici e degli intellettuali si opponeva alle corride e ne chiedeva apertamente l'abolizione in nome del trionfo della ragione e della civiltà.

Francisco Goya, Tauromachia

Fu allora il popolo ad impossessarsi della festa, i nobili cavalieri furono rimpiazzati dai picadores con la funzione di frenare le cariche dell'animale senza ucciderlo, come invece facevano i nobili, mentre i loro assistenti e i servitori di un tempo si trasformarono nei toreri appiedati che arpionavano, combattevano ed uccidevano l'animale con la spada. Era nata la corrida come la conosciamo oggi. Nel 1805 Carlo IV emise la Real Cedula che vietava formalmente la corrida, ma di fatto questo editto non ebbe alcuna efficacia.

Sotto Franco ci fu una sorta di sottacere riguardo alle corride, per non dare un'idea violenta della Spagna all'estero. Negli anni '60 ci fu invece un periodo di grande popolarità per la corrida. I romanzi di Ibáñez ed Hemingway alimentarono il mito della corrida e del torero, così come i ruoli svolti da star del cinema quali Sophia Loren, Ava Gardner, Gina Lollobrigida e Lucia Bosè in film che parlavano di toreri.

I famosi toreri Joselito e Belmonte (anni venti-trenta)

Le regole sono più o meno definite anche se vi possono essere varie differenze da caso e caso. In genere in una corrida ci sono tre toreri e sei tori che si alternano.

I tori utilizzati per una corrida provengono tutti da allevamenti specializzati ( ganaderías), di cui la maggior parte si concentra nelle regioni dell' Andalusia e dell' Estremadura, le zone della Spagna a più forte tradizione taurina.

Generalmente in una corrida tutti i tori derivano dal medesimo allevamento. Fanno eccezione le corridas concurso (corride concorso), in cui ogni toro rappresenta un allevamento diverso, e dove i vari allevamenti concorrono in una gara per un premio, che viene assegnato all'allevamento che ha portato il toro migliore per aspetto e comportamento.

All'inizio della corrida tutte le persone che verranno coinvolte escono nell'arena, sfilando in un corteo ( paseillo) davanti al pubblico. Entrano per primi due alguaciles o alguacilillos, araldi a cavallo in costume del XVII secolo, i quali chiedono simbolicamente al presidente, unico giudice della corrida, le chiavi della porta da dove usciranno i tori. Poi i tre toreri, seguiti dalle rispettive cuadrillas composte da due picadores a cavallo, tre banderilleros e dagli incaricati di ritirare il corpo del toro dopo che questo sarà stato sacrificato. Ogni faena (con uno dei sei tori) è poi suddivisa in tre parti, i cosiddetti tercios.

Nella prima parte ( tercio de varas) il toro esce dalla porta del toril, recando sul dorso l' arpón de divisa, un nastro con i colori dell'allevamento, fissato a un arpioncino che gli è stato appena conficcato nel garrese. Solitamente il toro compie un giro completo dell'arena dirigendosi alla sua destra, alla ricerca di una via d'uscita o per misurare lo spazio in cui si trova. Se il bovino appena uscito compie il giro verso sinistra, si dice che il toro ha salido contrario. Il torero ne studia le mosse per determinarne le capacità fisiche, la rapidità dei riflessi, la direzione preferita nell'attacco e via dicendo. Per provocare le cariche ( embestida) del toro egli utilizza il capote, un grande drappo di tela irrigidita e appesantita da bagni in gomma liquida. Questo drappo ha solitamente un colore rosa acceso sulla faccia esterna e giallo su quella interna. È il turno quindi dei che a cavallo contengono l'assalto del toro con una picca mentre l'animale tenta di rovesciare il pesante cavallo bardato, a volte riuscendoci. Il cavallo indossa il peto, o caparazón, una sorta di armatura trapuntata che protegge ventre e arti, e anche il picador indossa parastinchi e calzature pesantemente imbottite.

Nel colpire il toro, il picador utilizza la vara de picar o puya, una picca costituita da un manico in legno di frassino lungo 280 cm e una punta in acciaio forgiata a piramide a tre lati, fornita alla base di un arresto anch'esso metallico (fino agli anni Settanta un disco, oggi in forma di sbarretta trasversale) che ha la funzione di impedire la penetrazione del manico nelle carni dell'animale. La legge spagnola 4 aprile 1991 n. 10 o Ley Nacional Taurina che regola le corride prevede che il toro venga colpito con quest'arma alla base del morrillo, cioè nel muscolo del collo, almeno due volte. Alcuni tori continuano tuttavia a caricare cavallo e cavaliere dopo aver ricevuto anche cinque o sei puyazos (cioè colpi di puya o vara de picar); in questi casi in genere il picador rovescia la vara e simula il colpo colpendo il toro con il manico di quest'ultima, per non debilitarlo oltre il dovuto prima del tempo. Il compito del picador è quello di mettere il toro in condizioni di inferiorità, costringendolo a tenere la testa abbassata.

A questo punto i peones si occupano, con i capotes, di distrarre il bovino, consentendo l'uscita di scena a cavalli e cavalieri.

Il tercio de varas ha un duplice obiettivo: valutare e valorizzare la reale bravura del toro e ridurne la forza e l'ardore.

Ora inizia la seconda fase in cui i tre banderilleros, o in alcuni casi il torero stesso, provocano le cariche del toro esclusivamente con i movimenti del proprio corpo e infilzano tre paia di banderillas nel dorso del toro, in una zona situata un po' più indietro rispetto a quella colpita dai puyazos.

Le banderillas sono asticciole lignee lunghe 70 cm, coperte da nastri colorati di carta crespa e terminanti con un arpioncino in acciaio, lungo 6 cm e largo 4. La punta della banderilla non è fissata direttamente sul palo di legno, bensì è attaccata a un cilindretto corto, collegato con una breve cordicella al palo stesso e alloggiato all'interno di una cavità. Quando la banderilla viene conficcata sul dorso del toro e inizia a oscillare, la punta si sfila dal palo di legno in modo che l'asta colorata, anziché restare ritta, penzoli lateralmente, trattenuta soltanto dalla cordicella.

Nelle corride che non prevedono l'uccisione dell'animale, come per esempio quelle comiche, si utilizzano a volte banderillas speciali, dalla punta molto piccola e con il palo a sezione molto ridotta, che offrono un effetto scenografico simile a quello delle banderillas vere ma riducendo quasi a zero i danni sull'animale; al contrario, nelle corride con messa a morte, sui tori che hanno rifiutato l'incontro con il picador si utilizzano aste con una punta di dimensioni maggiori del solito, in modo che sostituiscano almeno parzialmente l'effetto della vara de picar. Queste banderillas hanno la carta ornamentale di colore nero e sono considerate un grande disonore per l'allevatore del toro che le riceve.

Esistono inoltre banderillas speciali per occasioni particolari, con il palo di legno di lunghezza più corta, fino alle cosiddette rose, praticamente prive di palo e con l'ornamento di carta in forma di fiore. Collocare banderillas di questo tipo è molto più rischioso in quanto richiede che il torero si avvicini molto di più alle corna dell'animale. Si usano comunque molto raramente.

Le punte non penetrano in profondità nel muscolo del toro e, al contrario della vara de picar, producono ferite tutt'altro che gravi; al contrario, la loro funzione è quella di correggere eventuali difetti che il toro ha evidenziato oppure quella di rivitalizzare il toro dopo l'impegnativa prova alla picca.

La Ley taurina prevede che al toro vengano conficcate nel dorso, a due a due, sei banderillas; tuttavia, se il bovino ha ricevuto molti colpi di vara, il presidente può decidere di limitarne il numero a quattro.

Quando il toro ha sul dorso le banderillas e comincia a dare segni di cedimento (i bovini, a differenza dei cavalli, hanno uno scatto fulmineo ma una resistenza molto limitata, e accumulano acido lattico con molta facilità), ha inizio la fase saliente e più famosa della lidia. Il torero depone l'ampio e pesante capote e lo sostituisce con la muleta, un drappo più piccolo di flanella scarlatta, avvolto intorno a una gruccia lignea che lo mantiene disteso in modo da poterlo impugnare con una sola mano. Nell'altra, nascosta dietro la schiena, impugna una spada da lidia, ovvero una spada finta da ornamento senza lama e punta acuminata che il matador utilizzerà anche più volte per sorreggere la muleta.

Durante la faena de muleta le cariche del toro si fanno sempre più morbide e pausate, sempre con la testa abbassata. Il torero dà prova durante questo tercio di tutto il suo coraggio, avvicinandosi sempre di più al toro e cercando di abbellire e collegare ogni incontro a quello successivo.

La Ley taurina prevede che il torero uccida il toro entro il decimo minuto del tercio de muleta: se così non avviene, ovvero se il torero ha vibrato il colpo a vuoto, o raggiungendo il toro in un punto non vitale, dall'alto degli spalti viene suonato uno squillo di tromba per avvertire l'uomo che deve affrettarsi ( aviso).

Se entro il tredicesimo minuto il toro è ancora vivo, viene suonato un secondo avviso: il torero, a questo punto, usa di solito un estoque de descabellar, una spada più piccola con una sbarretta trasversale in prossimità della punta, per dare al toro, spesso già ferito a morte, il colpo di grazia. Ovviamente un'uccisione di questo tipo è molto meno "gradita" agli spettatori di quanto non accada quando il torero uccide il quadrupede al primo colpo.

Se il torero non dovesse ucciderlo nemmeno questa volta, allo scadere del quindicesimo minuto suona il terzo avviso: il torero ha fallito e il toro, moribondo ma vivo, verrà finito con un pugnale da uno dei peones. Il verrà fischiato.

A seconda del comportamento del torero e della qualità del toro, il presidente, su richiesta del pubblico, può offrire al torero un giro di trionfo tutt'intorno all'arena ( vuelta al ruedo), una o le due orecchie del toro o, come massimo onore, la coda, che vengono tagliate una volta che l'animale è stato ucciso. Infine il toro viene trascinato fuori dall'arena per essere macellato.

Anche per il toro sono previsti dei "premi": se esso ha lottato con onore, il suo corpo sarà trascinato fuori dall'arena molto lentamente, tra gli applausi della folla.

Se il toro ha combattuto in maniera esemplare, il presidente può accordare che il suo corpo venga trascinato in un giro di trionfo tutt'intorno all'arena ( vuelta al ruedo), prima di essere portato in macelleria.

Se il comportamento del toro in combattimento è giudicato eccezionale, può succedere che si decida di salvargli la vita per farne un riproduttore, cosicché tramandi le sue caratteristiche alle generazioni successive; un tempo questo evento era rarissimo, ma oggi avviene con sempre maggiore frequenza. Questo premio è definito indulto (grazia) e costituisce il massimo premio per il toro. In questo caso, la stoccata è soltanto simulata. La Ley taurina impone che essa venga eseguita con una banderilla a cui viene di solito spezzata la punta; alcuni toreri, come Enrique Ponce, preferiscono tuttavia simulare il colpo mortale a mani nude.

Il toro viene poi fatto rientrare nei corrales con l'ausilio dei capotes, o, se questo non dovesse bastare, guidato da una mandria di buoi, spesso tenuti nei recinti delle arene proprio per questo scopo. In casi eccezionali, come quello del famoso Belador, toro graziato nell'arena di Las Ventas di Madrid su richiesta del torero Ortega Cano, può essere necessario l'intervento di un cane da pastore.

Cure dopo l'eventuale indulto

Il toro indultado diventa oggetto di tempestive cure veterinarie, volte a farlo guarire e recuperare il più in fretta possibile per farne un riproduttore ( semental).

Una prima cura viene realizzata dallo staff medico dell'arena sempre presente all'interno dei corrales, i recinti dove gli animali vengono portati qualche ora prima della rappresentazione, anche per prestare soccorso ai toreri eventualmente feriti. Prestare i primi soccorsi all'animale è un'operazione molto difficile: il toro è ancora molto scosso e nervoso e occorre quindi immobilizzarlo con funi all'interno di un cassone. Dopodiché le ferite vengono lavate con abbondante soluzione disinfettante e un chirurgo veterinario provvede alla rimozione degli arpioncini delle banderillas rimasti nella carne con un bisturi affilato. L'asta lignea viene di solito recisa con un troncarami.

In seguito, dopo aver anestetizzato il toro, un chirurgo esperto provvede all'esame delle ferite (quelle provocate dai puyazos sono spesso molto profonde e abbastanza gravi), alla rasatura del pelo in prossimità delle stesse e all'inserimento di sonde per il drenaggio e lo scolo dei liquidi, quindi le aperture vengono suturate.

Se il toro supera i primi due-tre giorni, che sono i più critici, può dirsi di solito fuori pericolo. Tuttavia, la gravità delle ferite dovute ai puyazos, che talvolta arrivano a lesionare il polmone e la pleura, fa sì che molti tori muoiano proprio nei primi giorni dopo l' indulto. In seguito quelli che sopravvivono non sembrano manifestare particolare paura o aggressività nei confronti degli esseri umani.

Il presidente espone sul palco presidencial fazzoletti di diverso colore per decidere quale premio spetti al torero: un orecchio, due orecchie o la coda. Nel caso in cui il toro non venga ritenuto capace di combattere, il presidente, mostrando un fazzoletto verde, ne può chiedere il cambio.

Allo stesso modo, un fazzoletto azzurro accorda al toro ormai morto la vuelta al ruedo, mentre un fazzoletto arancione, esposto ovviamente prima che il torero vibri il colpo con la spada, decreta che l'animale è meritevole dell' indulto. Quest'ultimo è spesso richiesto prima dal pubblico, che manifesta la sua volontà agitando fazzoletti bianchi.

Scena di un recortador durante il III concurso nacional de recortes (Valencia, 2008).

Oltre che la tradizionale corrida a pié, cioè con il torero che affronta il toro a piedi, ne esiste anche una che prevede che il torero monti a cavallo, privo di protezioni. Quest'ultimo tipo è detta rejoneo.

Esistono anche manifestazioni non cruente di tauromachia, ad esempio lo spettacolo dei recortes, che consiste nell'affrontare il toro a mani nude, provocandolo alla carica per poi evitarlo all'ultimo istante tramite una schivata o un salto.

Dopo la rituale uccisione nell'arena, le carcasse dei tori che hanno combattuto la corrida vengono trasferite in un reparto macelleria all'interno dell'arena stessa dove vengono scuoiate, disossate e sezionate fino a trasformarle in un prodotto pronto per il consumo. Sulla reale qualità di questa carne le opinioni sono discordanti: mentre da un lato alcuni esaltano la sua naturalità dovuta all'allevamento completamente biologico, altri evidenziano difetti come la durezza (si tratta in genere di animali di almeno 4 anni d'età in luogo dei consueti 2 anni del tipico bovino adulto commerciale), il dissanguamento solo parziale dovuto alle modalità di uccisione, nonché la necessità di un periodo di frollatura come per la selvaggina. La carne de lidia gode comunque tuttora di considerazione quale ingrediente essenziale in numerose specialità culinarie spagnole, specie andaluse; la produzione di questa carne costituisce poco meno dell'1,5% dell'intera produzione carnea bovina nazionale.

Le associazioni animaliste considerano la corrida una tortura legalizzata inflitta al toro senza alcuno scopo.

Il gruppo musicale ska punk spagnolo Ska-P ha inserito nell'album Planeta Eskoria del 2000 la canzone Vergüenza e nell'album Lágrimas y gozos del 2008 la canzone Wild Spain, nella quale dichiara i propri sentimenti nei confronti del matador. La band ska punk italiana Punkreas ha inserito nell'album Paranoia e potere del 1995 la canzone Acà Toro in cui prende posizione contro la corrida. Il rapper Caparezza, contrario alla corrida, ha inserito nell'album Habemus Capa del 2006 la canzone Dalla parte del toro, così come Renato Zero con il brano Il toro nell'album La coscienza di Zero. Il cantautore francese Francis Cabrel nell'album Samedi Soir Sur La Terre canta la canzone La Corrida, rappresentandone l'evento dal punto di vista del toro.

Il cantautore ed ex leader degli Smiths, Morrissey, da sempre in prima linea a difesa dei diritti degli animali, nel 2014 ha pubblicato il brano The Bullfighter Dies, in cui esulta della morte del torero e gioisce per la salvezza del toro, delineando un vero e proprio manifesto per l'abolizione della corrida.

Il 28 luglio 2010 il parlamento catalano ha messo fuori legge le corride a partire dal 2012, approvando una iniziativa popolare firmata da oltre 180.000 cittadini ma il 21 ottobre 2016 il Tribunale Costituzionale ha annullato la legge catalana per vulnerare le competenze dello Stato sostenendo che la corrida de toros fa parte del "patrimonio culturale" e deve essere garantito e preservato.

Il 12 novembre 2013, la tauromachia, tutto ciò che la compone, così come il suo patrimonio, le tradizioni e la cultura legate al toro, nonché gli eventi artistici e culturali, comprese le corride, sono stati protetti e dichiarati patrimonio culturale attraverso la legge 18/2013.

Nel 1932 Ernest Hemingway scrisse Morte nel pomeriggio, libro interamente centrato sulla corrida e sulla realtà multiforme che ad essa si accompagna. Hemingway tornò sull'argomento corrida con il romanzo Un'estate pericolosa scritto tra il 1959 e il 1960 e pubblicato postumo; nel libro viene descritta la sfida tra due matador, Antonio Ordóñez e Luis Miguel Dominguín. Altri riferimenti alla corrida si ritrovano in Fiesta e Per chi suona la campana.

In italiano esistono due libri che raccontano il mondo della corrida mescolando finzione e realtà. Nel 1955 Max David pubblicò Volapié, lodato dallo stesso Hemingway. Al 2011 risale invece l'uscita di Il toro non sbaglia mai di Matteo Nucci, storia dell'incontro fra un torero fallito e un italiano appassionato attraverso cui viene spiegata ogni fase della corrida e i suoi significati. Un'ampia bibliografia correda il libro che è anche un percorso nella letteratura, nel cinema e nell'arte ispirati alla tauromachia.

In Antropologia il Toro è una delle rappresentazioni di Dioniso, nella tradizione contadina Dioniso viene chiamano anche "NATO DA UNA VACCA", "CON FORMA DI TORO", nelle antiche comunità con riti Dionisiaci si sacrificava un toro facendolo a pezzi e mangiando le sue carni e bevendo il suo sangue. In Antropologia Dioniso rappresenta il mito della

"Resurrezione del Dio ucciso."

"Il poeta Nonno narra che Zeus in forma di serpente visita Semele ed essa gli partorì un fanciullo con due corna Zagreo, ossia Dioniso. Il fanciullo era appena nato quando salì al trono di suo padre Zeus e imitò il grande Dio brandendo le folgori nella manina. I Titani traditori, con le facce imbiancate di gesso, lo assalirono con dei pugnali mentre stava guardandosi allo specchio. Per un certo tempo gli riuscì di sfuggire ai loro assalti prendendo la forma successivamente di ZEUS, CRONO, di un giovane, di un LEONE, di un CAVALLO e di un SERPENTE, alla fine sotto forma di TORO fu fatto a pezzi dai pugnali omicidi dei suoi nemici." Per questo la corrida si può considerare un rito Dionisiaco.

Galleria d'immagini

Tercio de varas: il picador su un cavallo bardato e bendato ferisce la groppa del toro con una picca.

Tercio de banderillas: il banderillero infilza le banderillas sulla groppa del toro.

Tercio de muleta: il matador infilza la sua spada nel toro.

Tercio de muleta: il toro colpito a morte si accascia al suolo.

Il toro morto viene trascinato via dall'arena.

1. ^ Arte y espectáculo en los viajes de Felipe II: (1542-1592)

2. ^ "È incredibile il desiderio di ammazzare animali che dimostra questa nazione. Questo popolaccio è di una ferocia incredibile"

3. Cfr. J. R. Caballero de la Calle, ^ Producción de carne de toro de lidia, E.U. Ingeniería Técnica Agrícola de Ciudad Real, Universidad de Castilla-La Mancha.

4. ^ Bullfighting Ethics: The 'Morality' of Killing , su fiskeharrison.wordpress.com (archiviato dall'url originale il 23 dicembre 2014).

5. ^ Spagna, storico no alle corride - La Catalogna le abolisce dal 2012 , in repubblica.it, 28 luglio 2010. URL consultato il 28 luglio 2010.

6. ^ L'incantesimo del torero gitano, E il torero matò la morte prendendola per le corna

J. Delgado, La tauromaquía ó arte de torear, Cadice 1796, Madrid 1804

F. Montes, Tauromaquía completa ó sea arte de torear en plaza tanto á pié como á caballo, Madrid 1836

Uno al sesgo (pseud.), El arte de ver los toros. Guía del espectador, Barcellona 1929.

F. Javier Pizarro Gomez, Arte y espectáculo en los viajes de Felipe II: (1542-1592), Encuentro, 06/apr/1999

V. Ribezzo, M. Ardesi, La corrida. Storia della tauromachia dalle origini a oggi. (2016) Cosmopolis (e-book)

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La corrida o corrida de toros è un tipo di tauromachia di antica provenienza. Corse, lotte o cacce con tori o altri bovini si organizzavano già presso gli antichi Greci, gli Etruschi e i Romani: per esempio un tipo di corrida definito giostra dei tori era popolare nello Stato pontificio e si svolgeva anche nel celebre sferisterio di Macerata; inoltre vi era la Caccia ai Tori in Campo San Polo a Venezia.

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Lorca

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Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca ( IPA: [feðeˈɾiko ðel saˈɣɾaðo koɾaˈθon ðe xeˈsus ɣarˈθi.a ˈlorka] ) ( Fuente Vaqueros, 5 giugno 1898 - Víznar, 19 agosto 1936) è stato un poeta, drammaturgo e regista teatrale spagnolo, figura di spicco della cosiddetta generazione del '27, un gruppo di scrittori che affrontò le avanguardie artistiche europee con risultati eccellenti, tanto che la prima metà del Novecento viene definita la Edad de Plata della letteratura spagnola.

Sostenitore dichiarato delle forze repubblicane durante la guerra civile spagnola, fu catturato a Granada, dove si trovava ad alloggiare in casa di amici, e fucilato da uno squadrone della milizia franchista. Il suo corpo fu poi gettato "in un burrone ad alcuni chilometri alla destra di Fuentegrande".

García Lorca nacque a Fuente Vaqueros, nella provincia di Granada (in Andalusia), il 5 giugno del 1898, figlio di Federico García Rodríguez ( 1859- 1945), un ricco possidente terriero, e di Vicenta Lorca Romero ( 1870- 1959), un'insegnante, seconda moglie del padre, dalla fragile e cagionevole salute, al punto che ad allattare il figlio non sarà lei stessa, ma una balia, moglie del capataz del padre, e che tuttavia eserciterà una profonda influenza nella formazione artistica del figlio: lascia infatti presto l'insegnamento per dedicarsi all'educazione del piccolo Federico, al quale trasmette la sua passione per il pianoforte e la musica:

"Canticchiava le canzoni popolari ancor prima di saper parlare e si entusiasmava sentendo suonare una chitarra"

La madre gli trasmetterà altresì quella coscienza profonda della realtà degli indigenti e quel rispetto per il loro dolore che García Lorca riverserà all'interno della propria opera letteraria.

Federico trascorre un'infanzia intellettualmente felice ma fisicamente afflitta da malattie nell'ambiente sereno e agreste della casa patriarcale di Fuente Vaqueros fino al 1909, quando la famiglia, che nel frattempo si era accresciuta di altri tre figli - Francisco, Conchita e Isabel, mentre un quarto, Luis, morì all'età di soli due anni per polmonite - si trasferisce a Granada.

A Granada frequenta il "Colegio del Sagrado Corazón", che era diretto da un cugino di sua madre, e nel 1914 si iscrive all' Università, frequentando dapprima la facoltà di giurisprudenza (non già per personale aspirazione, ma per seguire i desiderî paterni) per poi passare a quella di lettere. Conosce i quartieri gitani della città, che entreranno a far parte della sua poesia, come dimostra il suo Romancero del 1928.

Incontra per la prima volta in questo periodo il letterato Melchor Fernández Almagro e il giurista Fernando de los Ríos, futuro Ministro de Instrucción Pública durante il periodo denominato Seconda Repubblica Spagnola: entrambi (e in special modo il secondo) aiuteranno in modo concreto la carriera del giovane Federico. Inizia nel frattempo lo studio del pianoforte sotto la guida del maestro Antonio Segura e diventa un abile esecutore del repertorio classico e di quello del folclore andaluso. Con il musicista granadino Manuel de Falla, con cui stringe un'intensa amicizia, collabora all'organizzazione della prima Fiesta del Cante jondo (13 - 14 giugno 1922).

Gli interessi che segnano il periodo formativo spirituale del poeta sono la letteratura, la musica e l' arte che apprende dal professor Martín Domínguez Berrueta che sarà suo compagno nel viaggio di studio in Castiglia, dal quale nascerà la raccolta in prosa Impresiones y paisajes ( Impressioni e paesaggi)

L'ingresso alla Residencia de Estudiantes

Nel 1919 il poeta si trasferisce a Madrid per proseguire gli studi universitari e, grazie all'interessamento di Fernando de los Ríos, ottiene l'ingresso nella prestigiosa Residencia de Estudiantes, confidenzialmente chiamata dai suoi ospiti "la resi", che era considerata il luogo della nuova cultura e delle giovani promesse del '27.

All'Università stringe amicizia con Luis Buñuel e Salvador Dalí, così come con molti altri personaggi di grande rilievo della storia spagnola. Tra questi, Gregorio Martínez Sierra, il Direttore del Teatro Eslava, dietro invito del quale García Lorca scriverà, la sua opera teatrale d'esordio, Il maleficio della farfalla.

Nella Residencia García Lorca rimane nove anni (fino al 1928), tranne i soggiorni estivi alla Huerta de San Vicente, la casa di campagna, e alcuni viaggi a Barcellona e a Cadaqués ospite del pittore Salvador Dalí, a cui lo lega un rapporto di stima e amicizia che coinvolgerà presto anche la sfera sentimentale.

È di questo periodo (1919-1920) la pubblicazione del Libro de poemas, la preparazione delle raccolte Canciones e Poema del Cante jondo ( Poema del Canto profondo), al quale fa seguito il dramma teatrale El maleficio de la maríposa (Il maleficio della farfalla, che fu un fallimento: fu rappresentata una sola volta, e in seguito allo scarso successo García Lorca decise di non farla pubblicare) nel 1920 e nel 1927 il dramma storico Mariana Pineda per il quale Salvador Dalí disegna la scenografia.

Seguiranno le prose d'impronta surrealista Santa Lucía y san Lázaro, Nadadora sumeringa ( La nuotatrice sommersa) e Suicidio en Alejandría, gli atti teatrali El paseo de Buster Keaton ( La passeggiata di Buster Keaton) e La doncella, el marinero y el estudiante ( La ragazza, il marinaio e lo studente), oltre le raccolte poetiche Primer romancero gitano, Oda a Salvador Dalí e un gran numero di articoli, composizioni, pubblicazioni varie, senza contare le letture in casa di amici, le conferenze e la preparazione della rivista granadina "Gallo" e la mostra di disegni a Barcellona.

Le lettere inviate in questo periodo da Lorca agli amici più intimi, confermano che l'attività febbrile improntata ai contatti e alle relazioni sociali che il poeta in quel momento vive nasconde in realtà una intima sofferenza e ricorrenti pensieri di morte, malessere su cui molto incide il non poter vivere serenamente la propria omosessualità. Al critico catalano Sebastià Gasch, in una lettera datata 1928, confessa la sua dolorosa condizione interiore:

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"Estoy atravesando una gran crisis "sentimental" (así es) de la que espero salir curado"

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"Sto attraversando una grave crisi "sentimentale" (è così) dalla quale spero di uscire curato."

Il conflitto con la cerchia intima di parenti e amici raggiunge il suo apice allorché i due surrealisti Dalí e Buñuel collaborano alla realizzazione del film Un chien andalou, che García Lorca legge come un attacco nei suoi confronti. Allo stesso tempo, la sua passione, acuta ma ricambiata per lo scultore Emilio Aladrén, giunge a una svolta di grande dolore per García Lorca nel momento in cui Aladrén inizia la propria relazione con la donna che ne diverrà moglie.

Fernando de los Ríos, il suo amico protettore, venuto a conoscenza dello stato conflittuale del giovane García Lorca gli concede una borsa di studio e nella primavera del 1929 il poeta lascia la Spagna e si reca negli Stati Uniti.

L'esperienza statunitense, che dura fino alla primavera del 1930, sarà fondamentale per il poeta, e darà come risultato una delle produzioni lorchiane più riuscite, Poeta en Nueva York, incentrata su quanto García Lorca osserva con il suo sguardo partecipe e attento: una società di troppo accesi contrasti tra poveri e ricchi, emarginati e classi dominanti, connotata da razzismo. Si rafforza in García Lorca il convincimento della necessità di un Mondo nettamente più equo, non discriminante.

A New York, il poeta frequenta i corsi alla Columbia University, trascorre le vacanze estive, invitato dall'amico Philip Cummings, sulle rive del lago Edem Mills e, poi, presso la casa del critico letterario Ángel del Río e alla fattoria del poeta Federico de Onís nel Newburg.

Al rientro nella metropoli alla fine dell'estate rivede alcuni amici spagnoli tra i quali León Felipe, Andrés Segovia, Dámaso Alonso e il torero Ignacio Sánchez Mejías, che si trovava a New York con la famosa cantante La Argentinita, ma il 5 marzo del 1930, dietro invito della Institucíon hispanocubana de Cultura, García Lorca parte per Cuba.

L'esperienza a Cuba

Il periodo trascorso a Cuba è un periodo felice. Il poeta stringe nuove amicizie tra gli scrittori locali, tiene conferenze, recita poesie, partecipa a feste e collabora alle riviste letterarie dell' isola, "Musicalia" e "Revista de Avance", sulla quale pubblica la prosa surrealistica Degollacíon del Bautista (Decapitazione del Battista).

Sempre a Cuba inizia a scrivere i drammi teatrali El público e Así que pasen cinco años ( Finché trascorreranno cinque anni) e l'interesse maturato per i motivi e i ritmi afrocubani lo aiuteranno a comporre la famosa lirica Son de negros en Cuba che risulta essere un canto d' amore per l'anima negra d'America.

Nel luglio del 1930 il poeta rientra in Spagna che, dopo la caduta della dittatura di Primo de Rivera, sta vivendo una fase di intensa vita democratica e culturale.

Nel 1931, con l'aiuto di Fernando de los Ríos, che nel frattempo è diventato Ministro della Pubblica istruzione, García Lorca, con attori e interpreti selezionati dall' Istituto Escuela di Madrid con il suo progetto di Museo Pedagocico, realizza il progetto di un teatro popolare ambulante, chiamato La Barraca che, girando per i villaggi, rappresenta il repertorio classico spagnolo.

Conosce in questi anni Rafael Rodríguez Rapún, segretario de La Barraca e studente d' ingegneria a Madrid, che sarà l'amore profondo dei suoi drammi e delle sue poesie e al quale dedicherà, benché non esplicitamente, i Sonetti dell'amor oscuro, pubblicati postumi.

García Lorca, che è l'ideatore, il regista e l'animatore della piccola troupe teatrale, vestito con una semplice tuta azzurra a significare ogni rifiuto di divismo, porta in giro negli ambienti rurali e universitari il suo teatro che riscuote grande successo e che svolge senza interruzione la sua attività fino all'aprile del 1936, a pochi mesi dallo scoppio della guerra civile.

È durante questo tour con La Barraca, che García Lorca scrive le sue opere di teatro più note, e denominate 'trilogia rurale': Bodas de sangre, e La casa di Bernarda Alba.

Alla morte dell'amico banderillero e torero Ignacio Sánchez Mejías avvenuta il 13 agosto del 1934 (dopo che era stato ferito da un toro due giorni prima), il poeta dedica il famoso Llanto (Compianto) e negli anni successivi pubblica Seis poemas galegos (Sei poesie galiziane), progetta la raccolta poetica del Diván del Tamarit e porta a conclusione le opere teatrali Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores (Donna Rosita nubile o Il linguaggio dei fiori).

All'inizio del 1936 pubblica Bodas de sangre ( Nozze di sangue); il 19 giugno porta a termine La casa de Bernarda Alba dopo aver contribuito, nel febbraio dello stesso anno, insieme a Rafael Alberti e a Bergamín, a fondare l'"Associazione degli intellettuali antifascisti".

Stanno intanto precipitando gli eventi politici. Tuttavia, García Lorca rifiuta la possibilità di asilo offertagli da Colombia e Messico, i cui ambasciatori prevedono il rischio che il poeta possa esser vittima di un attentato a causa del suo ruolo di funzionario della Repubblica. Dopo aver respinto le offerte, il 13 luglio decide di tornare a Granada, nella casa della Huerta de San Vicente, per trascorrervi l'estate e tornare a trovare il padre.

Rilascia un'ultima intervista, al "Sol" di Madrid, in cui c'è una eco delle motivazioni che l'avevano spinto a rifiutare quelle offerte di vita fuori dalla Spagna appena menzionate, ed in cui tuttavia García Lorca chiarisce e ribadisce la propria avversione verso le posizioni di estremismo nazionalistico, tipiche di quella destra che prenderà da lì a poco il potere, instaurando la dittatura:

" Io sono uno Spagnolo integrale e mi sarebbe impossibile vivere fuori dai miei limiti geografici; però odio chi è Spagnolo per essere Spagnolo e nient'altro, io sono fratello di tutti e trovo esecrando l'uomo che si sacrifica per una idea nazionalista, astratta, per il solo fatto di amare la propria Patria con la benda sugli occhi. Il Cinese buono lo sento più prossimo dello spagnolo malvagio. Canto la Spagna e la sento fino al midollo, ma prima viene che sono uomo del Mondo e fratello di tutti. Per questo non credo alla frontiera politica."

L'arresto e la fucilazione

Il 16 agosto 1936, il sindaco socialista di Granada (cognato del poeta) viene fucilato. Lorca, che si era rifugiato in casa dell'amico poeta falangista Luis Rosales Camacho, viene arrestato lo stesso giorno dall'ex rappresentante della CEDA, Ramón Ruiz Alonso, .

Numerosi si levano gli interventi a suo favore, soprattutto da parte dei fratelli Rosales e del maestro de Falla; ma nonostante la promessa fatta allo stesso Luis Rosales che García Lorca sarebbe stato rimesso in libertà "se non ci sono denunce contro di lui", il governatore José Valdés Guzmán, con l'appoggio del generale Queipo de Llano, dà ordine, segretamente, di procedere all' esecuzione: a notte fonda, Federico García Lorca è condotto a Víznar, presso Granada, e all' alba del 19 agosto del 1936 viene fucilato sulla strada vicino alla Fuente grande, lungo il cammino che va da Víznar a Alfacar. Il suo corpo non venne mai ritrovato. La sua uccisione provoca riprovazione mondiale: molti intellettuali esprimeranno parole di sdegno, tra le quali spiccano quelle dell'amico Pablo Neruda.

Un documento della polizia franchista del 9 luglio 1965, ritrovato nel 2015, indicava le ragioni dell'esecuzione: " massone appartenente alla loggia Alhambra", "praticava l' omosessualità e altre aberrazioni".

Il mancato ritrovamento del corpo di Lorca, tuttavia, accende un'intensa controversia circa i dettagli di questa esecuzione. Controversia ancora adesso tutt'altro che risolta.

Il 29 ottobre 2009, sotto la spinta del governo andaluso, sul sito individuato, iniziarono i lavori di scavo con l'obiettivo di individuare gli eventuali resti del poeta; questi avrebbero dovuto interessare un'area di circa 200 metri quadrati per una durata di circa due mesi.

Assieme ai resti di García Lorca era atteso il rinvenimento di quelli di almeno altre tre persone: i banderilleros anarchici Joaquín Arcollas e Francisco Galadí e il maestro repubblicano Dioscoro Galindo. Secondo le autorità della regione autonoma dell' Andalusia, sarebbero stati sepolti nella stessa zona e forse nella stessa fossa comune anche l'ispettore fiscale Fermín Roldán e il restauratore di mobili Manuel Cobo. Nel 2011 però il governo dell'Andalusia ha interrotto le ricerche per mancanza di fondi. Infine, il 19 settembre 2012, il Tribunale di Granada ha archiviato la richiesta di esumazione, interrompendo con ciò ogni attività di ricerca.

La dittatura di Franco, instauratasi, impone il bando sulle sue opere, bando in parte rotto nel 1953, quando un Obras completas - pesantemente censurata - viene fatto pubblicare. Quell'edizione tra l'altro non include i suoi ultimi Sonetos del amor oscuro, scritti nel novembre del 1935 e recitati unicamente per gli amici intimi. Quei sonetti, di tema omosessuale, saranno addirittura pubblicati solo a partire dall'anno 1983.

Con la morte di Franco nel 1975, García Lorca ha potuto finalmente e giustamente tornare ad essere quell'esponente importantissimo della vita culturale e politica del proprio Paese.

Nel 1986, la traduzione in lingua inglese fatta dal cantante e autore Leonard Cohen della poesia di García Lorca "Pequeño vals vienés", e musicata dallo stesso Cohen, raggiunge il primo posto all'interno della classifica dei dischi più venduti in Spagna.

L'opera poetica

Pur esistendo importanti edizioni dell'opera completa di Lorca non si ha ancora un testo definitivo che metta fine ai dubbi e agli interrogativi nati intorno ai libri annunciati e mai pubblicati e non si è ancora risolta la questione della genesi di alcune raccolte importanti.
Si può comunque dire che la produzione che conosciamo, insieme ai materiali inediti recentemente trovati, è sufficiente ad offrirci una chiara testimonianza della corrispondenza dell'uomo con la sua poesia.

In un primo tempo Lorca manifesta il suo talento come espressione orale seguendo lo stile della tradizione giullaresca. Il poeta infatti recita, legge, interpreta i suoi versi e le sue pièce teatrali davanti agli amici e agli studenti dell'università prima ancora che siano raccolte e stampate.

Ma García Lorca, pur essendo un artista geniale ed esuberante, mantiene verso la sua attività creativa un atteggiamento severo chiedendo ad essa due condizioni essenziali: amor y disciplina.

Nella raccolta di prose Impresiones y paisajes che esce nel 1918 dopo il viaggio in Castiglia e Andalusia, García Lorca afferma le sue grandi doti d'intuizione e di fantasia. La raccolta è densa di impressioni liriche, di note musicali, annotazioni critiche e realistiche intorno alla vita, la religione, l'arte e la poesia.

Nel Libro de poemas, composto dal 1918 al 1920, Lorca documenta il suo grande amore per il canto e la vita. Dialoga con il paesaggio e con gli animali con il tono modernista di un Rubén Darío o un Juan Ramón Jiménez facendo affiorare le sue inquietudini sotto forma di nostalgia, di abbandoni, di angosce e di protesta ponendosi domande di natura esistenziale:

Che cosa racchiudo in me
in questi momenti di tristezza?
Ahi, chi taglia i miei boschi
dorati e fioriti!
Che cosa leggo nello specchio
d'argento commosso
che l'aurora mi offre
sull'acqua del fiume?.

In questi versi sembra di sentire il sottofondo musicale che, modulando la pena del cuore, riflette la situazione d'incertezza vissuta e il suo distacco dalla fase dell' adolescenza.

Un momento di grande rilevanza per la vita artistica di Federico Garcia Lorca è l'incontro con il compositore Manuel De Falla avvenuto nel 1920. Grazie alla sua figura Lorca si avvicina al Cante Jondo, che mescolandosi con la sua poesia da origine alle raccolte delle Canciones Españiolas Antiguas, armonizzate al pianoforte proprio dallo stesso Lorca.

Il periodo che va dal 1921 al 1924 rappresenta un momento molto creativo e di grande entusiasmo anche se molte delle opere prodotte vedranno la luce solo anni dopo.

Il Poema del Cante jondo, scritto tra il 1921 e il 1922 uscirà solamente dieci anni dopo. In esso vi sono tutti i motivi del mondo andaluso ritmati sulle modalità musicali del cante jondo a cui il poeta aveva lavorato con il maestro de Falla in occasione della celebrazione della prima Fiesta del Cante jondo al quale Lorca aveva dedicato, nel 1922, la conferenza Importancia histórica y artística del primitivo canto andaluz llamado "cante jondo".

Il libro vuole essere un'interpretazione poetica dei significati legati a questo canto primitivo che esplode nella ripetizione ossessiva di suoni e di ritmi popolari, come nelle canzoni della , la , la , la , la , accompagnate dal suono della chitarra:

Primeras Canciones, Suites - Canciones

In Primeras Canciones ma soprattutto in Canciones, il poeta, su variazioni di tipo musicale espresse con un linguaggio cifrato, dimostra tutta la sua abilità nel cogliere il mondo della tenerezza infantile.

Manca in queste liriche ogni traccia di eloquenza e si nota una maggiore rapidità di sguardo e di sintesi che riesce a cogliere l'immagine di un paesaggio che sembra sospeso tra il sogno e la realtà:

Albero albero
secco e verde.

La ragazza dal bel volto
sta raccogliendo olive.
Il vento, corteggiatore di torri,
la prende per la cintura.

In questi versi i colori, i suoni del mondo gitano vengono rappresentati attraverso una luce particolare che anima gli oggetti.

Così nella breve poesia Caracola ( Conchiglia) in cui il poeta, attraverso gli echi e i ritmi interiori, rivive il tempo lieto della fantasia e dell' infanzia:

Il successo popolare di Lorca avviene nel 1928 con Romancero gitano che descrive il sentimento di fatalità, di mistero e di dolore del mondo andaluso.

L'opera è composta da diciotto liriche e comprende quattro nuclei tematici: quello del mondo umano nel quale i gitani lottano contro la Guardia Civil; quello del mondo celeste rappresentato dai di iconografia religiosa; quello delle forze oscure e per ultimo quello della realtà di matrice storico- letteraria.

Ad accomunare questi quattro mondi vi è la figura dei gitani con il loro carattere fiero e il loro primitivismo pagano verso i quali Lorca sente di possedere una componente comune che lo rende partecipe della loro sofferenza e della loro ribellione.

Il si distingue per la ripetizione del verso spagnolo tradizionale (l'estribillo popular) e per le audaci metafore.
Richiamando e facendo proprio, innovandolo, l'uso del romance come forma di scrittura ed impostazione per la sua opera. In esso la parola poetica riesce a cogliere, armonicamente con il linguaggio e la psicologia del mondo gitano, l'oggetto in una dimensione mitica:

In Romancero, attraverso il vento, i colori, i riferimenti simbolici, è presente tutto l' universo emotivo del giovane García Lorca che, con una poesia diretta, fa vibrare la terra d' Andalusia.

La "nueva manera espiritualista"

In seguito al Romancero gitano, accolto con tanto favore popolare ma disapprovato da Salvador Dalí e da Luis Buñuel per l'eccessivo lirismo tradizionalista, vi è un breve periodo nel quale va situata l'esperienza delle prose poetiche di carattere surrealista, tra le quali Oda a Salvador Dalí, insieme ad alcune bozze teatrali nelle quali il poeta cerca di superare l'elemento biografico senza però mai aderire completamente al movimento surrealista.

Nell'ode all'amico Salvador Dalí, Lorca oppone all'estetica del "fiore asettico della radice quadrata" l'immagine della rosa quotidiana come suo ideale di bellezza e di vita:

"Ma anche la rosa del giardino dove vivi.
Sempre la rosa, sempre, nord e sud di noi stessi!"

e lo invita a non scordare l'importanza del sentimento d' amore e la sua verità umana:

Da Poeta en Nueva York ai Sonetos del amor oscuro

Il libro Poeta en Nueva York, composto tra il 1929 e il 1930 ma pubblicato postumo nel 1940, e che alcuni identificano come la sua opera più compiuta, comprende dieci gruppi di liriche, tra cui l' Ode a Walt Whitman e le composizioni nate nel periodo cubano, e costituisce un superamento della poetica precedente, arricchita di ardite immagini surrealiste.

Poeta en Nueva York è una raccolta poetica di gran complessità letteraria dovuta all'elaborazione del linguaggio poetico e alla molteplicità di prospettive contenute nei due temi essenziali che la compongono: la città e il poeta. Attraverso il tema della città Lorca esprime il sentimento di protesta contro la civiltà moderna e la metropoli nella quale identifica il simbolo dell'angoscia e dell'alienazione umana. Nel 1931 New York gli era apparsa come:

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"Interpretación personal, abstración impersonal, sin lugar ni tiempo dentro de aquella ciudad mundo. Un símbolo patético: sufrimiento."

()

"Interpretazione personale, astrazione impersonale, senza luogo né tempo in quella città-mondo. Un simbolo patetico: sofferenza."

Il poeta descrive infatti la città nordamericana come meccanismo stritolante e implacabile, alle cui vittime García Lorca guarda con occhio commosso e sensibile. In particolare, poesie come New York oficina y denuncia o Panorama ciego de New York riflettono la sua incendiata critica nei confronti della disumanizzazione, del mancato rispetto nei confronti della natura e dell'emarginazione dei diseredati, che in Romancero gitano erano appunto rappresentati dai gitani, mentre in queste libro sono soprattutto la comunità nera:

(esF. G. Lorca)

"Yo creo que el ser de Granada me inclina a la comprensión simpática de los perseguidos. Del gitano, del negro, del judío..., del morisco, que todos llevamos dentro."

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"Io credo che il fatto di essere di Granada mi spinga all'umana comprensione dei perseguitati. Del gitano, del negro, dell'ebreo..., del moro, che noi tutti ci portiamo dentro."

L'altro tema, legato alla propria storia personale, elabora un sentimento di nostalgia del passato e della felicità perduta:

()

"Era mi voz antigua
ignorante de los densos jugos amargos.
La adivino lamiendo mis pies
bajo los frágiles helechos mojados.

¡Ay voz antigua de mi amor,
ay voz de mi verdad,
ay voz de mi abierto costado,
cuando todas las rosas manaban de mi lengua
y el césped no conocía la impasible dentadura del caballo!"

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"Era la mia voce antica
ignara dei densi succhi amari.
La sento lambire i miei piedi
sotto le fragili felci bagnate.

Ahi, voce antica del mio amore,
ahi, voce della mia verità,
ahi, voce del mio aperto costato,
quando tutte le rose nascevano dalla mia lingua
e il prato non conosceva l'impassibile dentatura del cavallo!."

( F. G. Lorca, Poemas del lago Edem Mills, Poema doble del algo lago Edema, a Eduardo Ugarte)

A causa della complessa storia editoriale del manoscritto, dello stato originale dello stesso e delle sue posteriori manipolazioni, è difficile sapere fino a che punto la struttura attuale corrisponde alle intenzioni del poeta. Ad ogni modo, all'interno dell'opera si possono constatare due strutture: una esterna e una interna. La prima è contraddistinta dai titoli delle diverse sezioni, che presentano questa raccolta come la cronaca poetica del viaggio a New York e all'Avana: il viaggio trattato nelle sezioni coincide approssimativamente con quello intrapreso da García Lorca nel periodo tra il 1929 e il 1930, con l'arrivo a New York, il trasferimento nelle campagne del Vermont, il ritorno in città e il viaggio all'Avana; mentre gran parte degli aspetti fondamentali della seconda appaiono in alcune epigrafi.

Le sezioni sono dunque intitolate come segue:

Poemas de la soledad en Columbia University

Sono forse i poemi più intimisti di tutta l'opera, che paragonano l'amarezza della sua vita nella metropoli con la felicità della sua infanzia ( 1910 (Intermedio)). Esprime inoltre la sua delusione per una rottura amorosa ( Tu infancia en Menton).

Dedicata ad Ángel del Río. In questa sezione mostra la sua solidarietà con i neri d'America, denunciandone la situazione sociale e rivendicando la loro identità, di cui elogia la vitalità e la purezza primigenia.

Dedicata a Rafael Rodríguez Rapún. Questa è la sezione più descrittiva della città nordamericana in cui il poeta esprime l'impressione che gli provocò il vivere nella grande metropoli, la società meccanizzata ed industrializzata e la disumanizzazione dell'economia capitalista.

Dedicata a Eduardo Ugarte. Il poeta scrive durante la sua permanenza nel Vermont e qui è accentuata la sua depressione a causa della solitudine e del clima della montagna.

En la cabana del Farmer (Campo de Newburg)

Dedicato a Concha Méndez y Manuel Altolaguirre. Scritto durante la sua permanenza in campagna, nell'estate del 1929: le poesie di questa sezione alludono a fatti e persone che il poeta conobbe durante le vacanze.

Introducción a la muerte (Poemas de la soledad en Vermont)

Sezione dedicata a Rafael Sánchez Ventura nella quale appaiono nuovamente le tematiche della morte e della solitudine, soffermandosi in particolare sulle conseguenze di quest'ultima.

Dedicata ad Antonio Hernández Soriano. I poemi di questa sezione sono stati scritti al ritorno del poeta a New York dopo le vacanze, con l'intento di denunciare la mancanza di solidarietà del sistema capitalista americano e la sua mancanza di etica, tematiche evidenziate in particolar modo nel poema Nueva York (Oficina y denuncia).

Dedicata ad Armando Guibert, in questa sezione compaiono due poesie: Grito hacia Roma e Oda a Walt Whitman. In queste l'autore mette a confronto e denuncia la mancanza di amore da parte della Chiesa, rispetto all'amore puro e autentico personificato in Walt Whitman.

Huida de Nueva York (Dos valses hacia la civilización)

Le poesie di questa sezione hanno un tono più allegro rispetto alle altre: questo è in parte dovuto all'ispirazione che il poeta trae dalla musicalità del valzer, il cui ritmo cerca di essere riprodurre con l'uso del ritornello, e in parte potrebbe essere dovuto alla partenza dalla metropoli.

Questa sezione, dedicata a Fernando Ortiz, presenta un unico componimento: Son de negros en Cuba, in cui si mantiene un tono allegro e si nota un maggior ottimismo nei confronti della vita.

Come spiegato dall'autore stesso in una conferenza, la creazione di questa struttura esterna ha lo scopo di rendere l'opera più accessibile e comprensibile al grande pubblico. Nella stessa, l'autore allude anche alla volontà di trasmettere l'immagine stereotipata del viaggiatore che si sente perso nella grande città e cerca sollievo in campagna, provando felicità nel lasciare la metropoli e nel giungere a Cuba, sebbene anche la campagna si riveli differente dal luogo idilliaco da lui immaginato.

Con le cinque epigrafi presenti nell'opera, che instaurano un dialogo con Cernuda, Guillén, Aleixandre, Garcilaso e Espronceda, Lorca introduce il secondo tema della raccolta: l'infelicità amorosa. Ecco l'elenco:

Nella prima sezione, descrive come l'amore passi dalla furia per l'abbandono all'oblio.

L'epigrafe, in apertura di Tu infancia en Menton, rimanda a Guillén: il poeta, addolorato per l'amore tradito, sembra voltarsi al passato, sebbene non rinunci a cercare una felicità pur sapendo che non potrà avere la purezza della prima volta.

In apertura alla terza sezione, l'epigrafe da Aleixandre ripete il dolore di un amore infranto.

La citazione da Garcilaso apre il Poema doble del lago Eden.

La citazione da Espronceda si legge nell'incipit di Luna y panorama de los insectos (Poema de amor) e sembra alludere al valore della libertà che sprezza la morte.

Le epigrafi lasciano intravedere un mondo complesso e una ricchezza di significati che non possono essere racchiusi in un'interpretazione univoca, rendendo così El poeta en Nueva York una delle opere più complesse dell'autore.

Seis poemas gallegos è un'opera doppiamente unica nel panorama garcíalorchiano: è in galiziano, lingua differente da quella del poeta, e non vi sono altri esempi in tal senso all'interno della sua produzione letteraria. È per questo particolarmente interessante conoscere come è nata.

Lorca visita per la prima volta la Galizia nel 1916, in occasione di un viaggio di studi organizzato da uno dei suoi professori: visita Santiago de Compostela, A Coruña, Lugo, Betanzos e Ferrol. Nella Residencia de Estudiantes di Madrid conosce il musicologo galiziano Jesús Bal y Gay, con l'aiuto del quale si avvicina al folclore musicale di quella terra, in un periodo durante il quale García Lorca sta anche leggendo con grande passione i "cancioneiros galego-portugueses" ed autori galiziani come Rosalía de Castro, Curros Enríquez, Eduardo Pondal, Amado Carballo e Manuel António.

Nell'agosto del 1932, effettua un terzo viaggio in Galizia, viaggio legato al giro di spettacoli che la sua compagnia teatrale, "La Barraca", sta effettuando in varie città e villaggi della regione, e in novembre tiene una serie di conferenze con Xosé Filgueira Valverde, e pubblica nella rivista Yunque di Lugo il primo dei suoi "poemas galegos": Madrigal â cibdá de Santiago, scritto con l'aiuto di Francisco Lamas e Luís Manteiga.

Nel 1933, Lorca incontra Eduardo Blanco Amor, all'epoca corrispondente del quotidiano argentino La Nación; il giornalista si dà da fare affinché Lorca venga conosciuto in Argentina, tanto che, quando Lorca percorre il Paese sudamericano, riceve una calorosa accoglienza da parte della popolazione, soprattutto quella di origine galiziana. Come ringraziamento, Lorca scrive Cántiga do neno da tenda, e una volta tornato in Spagna manterrà con Blanco Amor una forte relazione di amicizia, il quale trascorrerà varie volte il proprio tempo nella casa di Lorca a Fuente Vaqueros. È sempre grazie all'aiuto di Blanco Amor che Federico García Lorca riesce a pubblicare le sue composizioni in galiziano con il libro Seis poemas galegos del 1935, per i tipi dell' editorial Nós: le poesie sono composizioni che da un lato posseggono le stesse caratteristiche di spontaneità di quelle contenute in Canciones, il libro di Lorca del ( 1927), ma che allo stesso tempo, hanno ritmi propri della tradizione letteraria della Galizia. Quanto alla difficoltà di García Lorca di scrivere in una lingua differente dalla propria, due sono le versioni succedutesi nel corso degli anni: quella di Ernesto Guerra da Cal, che nell'ultimo periodo della propria vita sostenne di essere l'autore della trasposizione in galiziano, affermazione che trovò appoggio da parte di Xosé Luís Franco Grande, e quella, contrapposta, di Eduardo Blanco Amor, secondo la quale le poesie erano sotto tutti i punti di vista da attribuirsi a García Lorca. È quest'ultima tesi quella che ha trovato riscontro nelle indagini successive condotte da vari studiosi.

Llanto por Ignacio Sánchez Mejías

In seguito alla morte dell'amico torero caduto nell' arena, García Lorca scrive il Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935), in quattro parti.

Il componimento, dopo l'irrompente inizio della prima parte ("La cogida y la muerte" - Il cozzo e la morte -, introdotta e scandita dalle famose "cinco de la tarde" che suonano in tutti gli orologi del mondo), prende via via un tono più pacato (nella seconda parte, "La sangre derramada" - Il sangue versato - e nella terza parte "Cuerpo presente" - Corpo presente) -, e cede alla fine all' elegia e al rimpianto per l'amico morto levandosi a ricordarne la grandezza al di là della morte (nella quarta e ultima parte "Alma ausente" -Anima assente -, che così termina):

()

"Yo canto para luego tu perfil y tu gracia.
La madurez insigne de tu conocimiento.
Tu apetencia de muerte y el gusto de su boca.
La tristeza que tuvo tu valiente alegría.

Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos."

()

"Io canto per dopo il tuo profilo e la tua grazia.
La nobile maturità della tua conoscenza.
Il tuo appetito di morte e il gusto della sua bocca.
La tristezza che ebbe la tua coraggiosa allegria.

Passerà molto tempo prima che nasca, se nasce,
un andaluso così illustre, così ricco d'avventura.
Io canto la sua eleganza con parole che gemono
e ricordo una brezza triste fra gli olivi."

Il Diván del Tamarit, scritto fra il 1932 eil 1934 e pubblicato postumo nel 1940, rappresenta la fine del lungo monologo interiore per chiudersi nel silenzio del dramma personale con versi ormai privi di ogni scuola o maniera nei quali il poeta cerca la sua verità interiore.

CASIDA DEL PIANTO

Ho chiuso la mia finestra
perché non voglio udire il pianto,
ma dietro i grigi muri
altro non s'ode che il pianto.
Vi sono pochissimi angeli che cantano,
pochissimi cani che abbaiano;
mille violini entrano nella palma della mia mano.
Ma il pianto è un cane immenso,
il pianto è un angelo immenso,
il pianto è un violino immenso,
le lacrime imbavagliano il vento.
E altro non s'ode che il pianto.

Il 17 marzo 1984 verranno pubblicati gli undici Sonetti dell'amore oscuro sul giornale "ABC" che costituiscono il documento della passione privata omosessuale espressi attraverso la forma classica del sonetto.

I sonetti verranno commentati dal poeta Vicente Aleixandre, che nel 1937 ne aveva ascoltato le prime composizioni, come "prodigio di passione, di entusiasmo, di felicità, di tormento, puro e ardente monumento all'amore... ."

()

"Noche arriba los dos con luna llena,
yo me puse a llorar y tú reías.
Tu desdén era un dios, las quejas mías
momentos y palomas en cadena.

Noche abajo los dos. Cristal de pena,
llorabas tú por hondas lejanías.
Mi dolor era un grupo de agonías
sobre tu débil corazón de arena.

La aurora nos unió sobre la cama,
las bocas puestas sobre el chorro helado
de una sangre sin fin que se derrama.

Y el sol entró por el balcón cerrado
y el coral de la vida abrió su rama
sobre mi corazón amortajado."

()

"Notte alta noi due con luna piena.
Io ruppi in pianto mentre tu ridevi.
Il tuo scherno era un dio,
le mie lagnanze momenti e poi colombe senza fine.

Notte bassa noi due. Specchio di pena,
piangevi tu in remote lontananze.
Il mio dolore era un groppo d'agonie
sopra il tuo debole cuore di sabbia.

L'aurora ci congiunse sopra il letto,
le bocche contro il gelido fluire
di uno sbocco di sangue senza fine.

E il sole entrò filtrando dal balcone,
e aprì il corallo i rami della vita
sopra il mio cuore avvolto nel sudario."

( Garcia Lorca, Noche del amor insomne)

L'opera teatrale

Francisco Umbral nel suo saggio Lorca, poeta maldito pubblicato nel 1978 scrive: "... tutta la drammaturgia di Lorca altro non è che la rappresentazione della sua radicale e personale tragicità interiore".

L' opera teatrale di Lorca è infatti la drammatica rappresentazione del conflitto ontologico personale dell'autore vissuta attraverso personaggi che denunciano le sue stesse inquietudini e tentano di ribellarsi agli stessi pregiudizi.

Il tema del sogno e dell'evasione che assumerà un ruolo fondamentale nella successiva drammaturgia lorchiana, è affrontato nell'ingenuo dramma giovanile El maleficio de la mariposa un dramma in versi sull'impossibile amore tra uno scarafaggio e una farfalla, che non è però accolto affatto bene dal pubblico e che spiegherebbe il perché Lorca abbia poi sempre dichiarato che è Mariana Pineda, del 1927, il suo primo copione per il teatro.

Anche in quest'ultima opera, comunque, è dominante il tema del desiderio di libertà nel quale Mariana identifica l'amore e la persona amata.

La zapatera prodigiosa ( La calzolaia meravigliosa) e El amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín sono due deliziose commedie ritagliate dal teatro di burattini che Lorca amava in modo particolare, e che, insieme a Los títeres de cachiporra ( I burattini di legno) e Retablillo de don Cristóbal ( Teatrino di don Cristóbal), portano avanti il dialogo intimo del poeta tra lirismo e dramma.

Queste commedie da farsa, come annunciano i sottotitoli, si muovono al ritmo dei ballet con infinita grazia e rappresentano, con il tema predominante dell'evasione dal grigiore della realtà quotidiana, una variante letteraria che si risolve in felice tragicommedia.

Le opere più mature

Bodas de sangre, , La casa de Bernarda Alba sono opere che rivelano un Lorca maturo e maggiormente attento ai problemi sociali.

Nella prima tragedia, Bodas de sangre, la promessa sposa fugge il giorno delle nozze con l'amante Leonardo; in , la protagonista da cui l'opera prende il nome rifiuta il suo stato di sterilità e uccide il marito, simbolo dell' egoismo maschile; nella terza Adela, la figlia minore di Bernarda Alba, preferisce il suicidio alla rinuncia all'amore e intorno a lei si crea il silenzio, quello stesso silenzio che pesa sul personaggio femminile di Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores, il dramma che venne rappresentato nel 1935.

Rosita è una giovane zitella che vive immersa nella solitudine e nel rimpianto dell'amore mancato, ferma con la fantasia alla promessa d'amore naufragata con gli anni e la lontananza.

La surrealista Así que pasen cinco años ( 1930- 1931), come dice il sottotitolo "Leyenda del tiempo", è un' allegoria del tempo dove risalta il contrasto tra l'ansia di amare e la mancata realizzazione del sentimento.

El público, composto nel 1930 e il frammento Comedia sin título ( Commedia senza titolo) del 1936 rimasero inedite fino agli anni ottanta e affrontano, l'una, il tema dell' omosessualità, l'altra, della funzione dell' arte e della rivoluzione sociale.

Lorca si apre ad un teatro simbolico e surreale che viene definito "impossibile" e "irrappresentabile" per il suo tempo e la morale corrente, e nel quale anticipa, con coraggio, temi di grande attualità.

Teatro, prefazione e traduzione di Vittorio Bodini, Einaudi, Torino 1952

Tutte le poesie, a cura di Carlo Bo, Garzanti, Milano, 1975

Poesie inedite, a cura di Claudio Rendina, Newton Compton, Roma 1977

Poesie e canzoni, saggio introduttivo di Michele Straniero; traduzione di Carlo Bo, quarta di copertina di Luigi Granetto Lato Side, 1981

Il pubblico - Commedia senza titolo, a cura di Raoul Precht, Garzanti, Milano 1993

Tutto il teatro di Federico García Lorca, traduzione di Elena Clementelli. Newton Compton, Roma, 1993

Poesie, trad. N. von Prellwitz, Rizzoli, Milano, 1994.

Lettere americane, a cura di Gabriele Morelli, Marsilio, Venezia 1994

Un cuore colmo di poesia. Lettere 1918-1936, a cura di Raoul Precht, Rosellina Archinto, Milano 1996

Poesie erotiche, a cura di Piero Menarini, TEA, Milano 2000. ISBN 88-7818-793-3

Lasciate le mie ali al loro posto: lettere agli amici e ai familiari, a cura di Francesca De Cesare, Passigli, Firenze 2008. ISBN 978-88-368-1097-0

Sotto altre lune e altri venti, a cura di Maria Cristina Assumma, Nova Delphi Libri, Roma 2010. ISBN 978-88-905149-0-6

Sonetti dell'amore oscuro, traduzione di M. Socrate, Collana I grandi libri, Milano, Garzanti, 2017, ISBN 978-88-11-81158-9.

La casa di Bernarda, traduzione di Giulia Molinari, Lepisma, Roma, 2017, ISBN 978-88-7537-272-9

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Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca ( IPA: [feðeˈɾiko ðel saˈɣɾaðo koɾaˈθon ðe xeˈsus ɣarˈθi.a ˈlorka] ) ( Fuente Vaqueros, 5 giugno 1898 - Víznar, 19 agosto 1936) è stato un poeta, drammaturgo e regista teatrale spagnolo, figura di spicco della cosiddetta generazione del '27, un gruppo di scrittori che affrontò le avanguardie artistiche europee con risultati eccellenti, tanto che la prima metà del Novecento viene definita la Edad de Plata della letteratura spagnola.

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Picasso

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Pablo Picasso nel 1962 Premio Stalin per la pace 1950
Premio Lenin per la pace 1962

Pablo Ruiz y Picasso, semplicemente noto come Pablo Picasso ( Malaga, 25 ottobre 1881 - Mougins, 8 aprile 1973), è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo, tra i più influenti del XX secolo.

Snodo cruciale tra la tradizione ottocentesca e l' arte contemporanea, Picasso è stato un artista innovativo e poliedrico, che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell'arte per esser stato il fondatore, insieme a Georges Braque, del Cubismo. Dopo aver trascorso una gioventù burrascosa, ben espressa nei quadri dei cosiddetti periodi blu e rosa, a partire dagli anni venti del Novecento conobbe una rapidissima fama; tra le sue opere universalmente conosciute vi sono Les demoiselles d'Avignon (1907) e (1937).

Pablo Picasso nacque a Malaga, nel sud dell' Andalusia, il 25 ottobre 1881, in Plaza de la Merced. Era il primogenito di Don José Ruiz y Blasco (1838-1913), pittore di modesta levatura che lavorava come insegnante di disegno alla Scuola delle Belle Arti e conservatore del Museo della città, e Maria Picasso y López de Oñate (1855-1939), donna di origine genovese con il cui cognome, Picasso, secondo del pittore secondo la legge spagnola, diverrà conosciuto. Al giovane Pablo, in ogni caso, furono imposti numerosissimi nomi, tutti in onore a vari santi e parenti: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, dei quali gli ultimi due tratti dal padre e dalla madre, ai sensi della regola del "doppio cognome" vigente in Spagna.

La scrittrice Gertrude Stein ricorda la famiglia di Picasso con queste parole:

A Malaga e A Coruña

Picasso rivelò precocemente uno spiccato talento artistico: secondo la madre, le sue prime parole furono "piz, piz", abbreviazione di lápiz, che in spagnolo significa " matita". La formazione del giovane Pablo avvenne sotto la guida del padre Don José, che valorizzò il precoce talento del figlio introducendolo all'esercizio della pittura e allo studio dei grandi maestri. Picasso si avviò al mestiere di pittore durante il proprio apprendistato presso il padre, realizzando già nel 1888-89 il suo primo dipinto, Il picador: ne seguirono molti altri, tutti caratterizzati da un'eccezionale abilità tecnica che si dice abbia spinto uno sbalordito Don José, ormai superato dal giovane allievo, a rinunciare alla tavolozza e ai pennelli.

Nel 1891 la famiglia di Picasso si trasferì a A Coruña, in Galizia, dove Don José aveva accettato l'impiego più redditizio di insegnante nella scuola d'arte locale, l'Istituto da Guarda. "Sebbene mio padre fosse disperato, per me il viaggio a A Coruña era come una festa": Pablo, a differenza del padre, ricorderà con molta gioia il soggiorno quadriennale nella città galiziana, dove ebbe modo di perfezionare le proprie doti artistiche frequentando, a partire dal 1892, i corsi di disegno della Scuola di Belle Arti. Picasso, in questo stesso periodo, diede prova del suo talento anche attraverso l'ideazione e la raffigurazione di riviste con nomi puramente di fantasia, quali La torre de Hercules, La Coruna, e Azul y Blanco.

Ramon Casas, Ritratto di Pablo Picasso (1900); olio su tela, 69 × 44,5 cm, Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Intanto, la madre María ebbe altre due figlie: Dolores (detta Lola) nel 1884, e Concepción (detta Conchita) nel 1887, destinata a morire nel 1895 di tubercolosi, a soli sette anni di età. Nell'ottobre dello stesso anno, inoltre, Don José venne nominato professore a La Llotja, e la famiglia Ruiz si trasferì a Barcellona, proprio nello stesso periodo nel quale l'ingegner Ildefons Cerdà stava realizzando l' Eixample. Pablo approdò insomma in una metropoli ricca di suggestioni culturali, animata dai nuovi fermenti del Modernismo catalano e da una sostanziale "indipendenza politica, stabilità economica e prosperità artistica".

Nel 1896, riconoscendo il suo talento, con l'aiuto del padre Picasso aprì un atelier a Calle de la Plata. Da questo studio, condiviso con l'amico Manuel Pallarès, uscirono diversi quadri che conobbero tutti una calda accoglienza: L'enfant de choeur (1896), La prima comunione (1895-96) e Scienza e carità (1897), guadagnandosi con quest'ultima tela anche una menzione d'onore alla mostra nazionale di Belle Arti a Madrid e, successivamente, un premio a Malaga. Incoraggiato sia dal successo ottenuto, sia soprattutto dai crescenti attriti con il padre, che lo voleva a Monaco di Baviera (a suo giudizio, "città dove si studia seriamente la pittura senza occuparsi delle mode come il pointillisme e tutto il resto"), Picasso decise di imprimere un più decisivo impulso alla propria formazione artistica trasferendosi a Madrid. Nella città madrilena il giovane pittore venne rapidamente ammesso ai corsi dell'Accademia Reale San Fernando, e visitò assiduamente il museo del Prado, dove venne a contatto con le opere di Velázquez, El Greco, Zurbarán e Goya. La permanenza madrilena di Picasso, tuttavia, si protrasse per un solo, duro inverno, dopo il quale venne colto da un feroce attacco di scarlattina che lo costrinse, nella primavera del 1898, a trascorrere ben otto mesi a Horta de Ebro presso i genitori di Pallarès, per poi finalmente fare ritorno a Barcellona.

L' Els Quatre Gats ("i quattro gatti") era un locale aperto nel 1897 nella modernista Casa Martí, sul modello dei cabaret parigini. Il gestore della taverna era Pere Romeu che, sedotto dall'atmosfera di Le Chat noir a Parigi, decise di imitarne il concept di birreria al contempo frequentata da artisti e intellettuali. La sua idea fu vincente, tanto che Els Quatre Gats divenne rapidamente uno dei ritrovi preferiti della "Rinascenza catalana", ospitando un cospicuo numero di artisti, politicanti, poeti e vagabondi che diffondevano la musica di Wagner, il pensiero di Nietzsche, l'arte dello Jugendstil e dei Preraffaelliti inglesi.

Tra la scapigliata barcellonese che bazzicava per Els Quatre Gats vi era anche un giovane Picasso che, nel pieno delle sue tendenze ribelli, a partire dal 1897 cominciò a frequentare assiduamente la taverna, divenendo rapidamente uno dei membri maggiormente in vista. Qui, oltre ad ascoltare le lunghe riunioni di artisti come Ramon Casas, Miquel Utrillo e Santiago Rusiñol, si legò di stretta amicizia con Carlos Casagemas, un poeta e buon pittore figlio di un diplomatico; nella sala delle rappresentazioni teatrali della taverna, addirittura, si inaugurò nel febbraio 1900 la sua prima mostra personale, con l'esposizione di diversi suoi disegni (perlopiù ritratti di amici). Come riferito da Sabartés, la generazione artistica catalana voleva "che il pubblico sapesse che un altro artista oltre a Casas disegnava, che Casas non era il ritrattista di tutti e che le sue mostre non rappresentavano la sola arte esistente [...] ]". "Noi volevamo soprattutto [...] far arrabbiare il pubblico", avrebbe poi aggiunto.

La bohème di Parigi

Frattanto, Picasso maturò il desiderio di andare a Parigi, incoraggiato dal contagioso entusiasmo dei suoi amici dell' Els Quatre Gats che ne decantavano lo status di capitale delle arti e delle mode. Fu per questo motivo che, malgrado un iniziale interesse a visitare Londra per studiare i Preraffaelliti, Pablo nel 1900 si recò nella Ville Lumière, nel pieno del fermento per l'appena inaugurata Esposizione Universale, dove tra l'altro era esposto un suo dipinto, nelle collezioni del padiglione della Spagna.

Il giovane Pablo, in compagnia dell'amico Carlos Casagemas, arrivò nella capitale francese in una brumosa mattina d'autunno di fine settembre 1900, alla Gare d'Orsay, indossando grosse scarpe e un feltro da moschettiere e trasportando con sé un cavalletto, una tavolozza e una scatola di colori. Picasso fu entusiasta di Parigi, non frequentata da "pittori locali" che dipingono "quadri idioti" (a differenza di Barcellona), bensì segnata da una grandiosa abbondanza di stimoli artistici, animati dalle mostre retrospettive su Delacroix, Courbet e Ingres, dalla gigantesca collezione del museo del Louvre, e dalle strade brulicanti di botteghe e gallerie. In una lettera datata 25 ottobre 1900, data del suo diciannovesimo compleanno, Picasso descrive a un suo amico catalano la vita che conduce nella capitale francese, le sue intenzioni di esporre al Salon, la vita notturna trascorsa tra i caffè-concerto e i teatri:

Il soggiorno francese di Picasso, tuttavia, non fu di lunga durata. L'amico Casagemas, infatti, aveva vissuto un amore tragico e non ricambiato con Germaine Gargallo, una bella ragazza in cerca di fortuna, e Pablo si affrettò a ritornare insieme con lui a Malaga, sperando che la mitezza del clima iberico potesse giovargli; i due arrivarono in Andalusia il 30 dicembre del 1900.

Picasso fu totalmente deluso dall'infelice esito del Capodanno a Malaga: nessuno dei suoi parenti, dallo zio Salvador a don José, parve felice di rivederlo, e soprattutto Casagemas non trovò ristoro nei caldi raggi del sole mediterraneo, affogando la propria disperazione negli alcolici, per poi fare nuovamente ritorno a Parigi. Fu per questo motivo che Picasso, in un accesso di scoraggiamento, decise nel 1901 di recarsi per una seconda volta a Madrid, dove ebbe l'idea di fondare insieme all'amico anarchico Francisco de Asís Soler una rivista intitolata Arte Joven [Arte giovane]. Il primo numero di questa pubblicazione, che si proponeva di instaurare a Madrid il movimento modernista catalano, venne pubblicato il 10 marzo 1901; ma la rivista morì dopo cinque numeri, e per questo motivo Picasso ritornò nuovamente a Barcellona.

Fu proprio in questo periodo, inoltre, che Pablo decise di adottare il cognome materno - Picasso - come nome d'arte, forse perché era meno comune di Ruiz, ma soprattutto per ribadire la propria indipendenza artistica nei confronti del padre. In ogni caso, egli spiegò la propria scelta in questi termini:

Ambroise Vollard fotografato davanti all'opera Evocación, realizzata da Picasso nel 1901.

Quand'era ancora in Spagna, Picasso fu colto da un grave lutto: l'amico Casagemas, reso folle dalla consapevolezza dei tradimenti messi in atto dall'amata Germaine, proprio il 17 febbraio 1901 si uccise con un colpo di pistola alla tempia destra, mentre stava cenando a Parigi in un ristorante di Boulevard de Clichy. Pablo, rimanendo profondamente scosso dalla tragica notizia, incominciò a tormentarsi e per colmare il proprio vuoto tornò ossessivamente sul dramma di Carlos, in quadri malinconici e inquieti che fanno ricorso a un impianto monocromatico azzurro. È l'inizio del cosiddetto periodo blu, che si protrasse dal 1901 al 1904.

Dopo il trapasso di Carlos, Picasso si recò di nuovo a Parigi, stavolta in compagnia di Jaume Andreu Bonsons, altro habitué dell'Els Quatre Gats. In quest'occasione il giovanissimo Pablo venne prontamente notato da un disinvolto mercante d'arte, Ambroise Vollard, già amico di Degas, Sisley, Pissarro e Cézanne; fu nella galleria di Vollard, al civico 37 di rue Laffitte, che il ventenne Picasso ebbe la soddisfazione di esporre ben sessantaquattro suoi dipinti, tra raffigurazioni di corride, scene di costume e di vita notturna.

La mostra, tuttavia, non fu un successo ("non vi fu nel pubblico accoglienza migliore per l'artista", affermò Vollard), e Picasso - segnato da sofferenze e dalle pressanti condizioni economiche - da questo momento in poi fece continuamente la spola tra Parigi e Barcellona. Si trattò di un lasso di tempo di afflizione e depressione nel quale Picasso approfondì e sviluppò i temi del periodo blu, che culminarono nella primavera del 1903 con la realizzazione de La Vita, opera di difficile interpretazione (per via della simbologia lasciata volutamente oscura) che pare alluda all'impotenza creativa che affliggeva l'artista in quel periodo.

Nell'aprile 1904 Picasso si recò per la quarta volta a Parigi e vi si stabilì definitivamente, affittando per quindici franchi mensili una vecchia fabbrica di Montmartre riconvertita nel 1889 in atelier per artisti: era il Bateau-Lavoir al civico 13 di rue Ravignan (soprannome coniato da Max Jacob in riferimento alla curiosa sagoma della costruzione, mentre tra i locali era nota come la "casa del Cacciatore di pellicce").

Grazie alla carismatica presenza di Picasso, lo studio di rue Ravignan fu frequentato assiduamente da diverse personalità di spicco. Di là dai vari esponenti della colonia catalana a Parigi, al Bateau-Lavoir l'artista incontrò Fernande Olivier, una giovane fanciulla di proverbiale bellezza che stette al suo fianco per i sette anni successivi; ma della pittoresca bande à Picasso, come venne rapidamente soprannominata, facevano parte anche André Derain, Maurice Denis, Max Jacob, André Salmon e l'inseparabile Guillaume Apollinaire, del quale godette l'amicizia per il comune interesse nella poesia (tanto che Picasso scrisse sulla porta dello studio "qui si incontrano i poeti").

Nonostante la cronica carenza di soldi, e il perenne stato di indigenza, questo fu per Picasso un periodo assai felice. Insieme con gli altri componenti della bande l'artista andaluso si dilettava a frequentare i cabaret di Montmartre, con una speciale predilezione per Au Lapin Agile, che accettava anche quadri come forma di pagamento; si dilettavano a "fare Degas" (cercando di imitare il suo temperamento collerico) e si abbandonavano occasionalmente ai folli piaceri dell' oppio. Si respirava, in ogni caso, un'aria di allegria e di spensieratezza: fu per questo motivo che i blu di Picasso incominciarono gradualmente a perdere d'intensità, sino a divenire di una tenue tonalità rosata. Questo periodo è definito periodo rosa dagli storici dell'arte.

Les demoiselles d'Avignon

Nel frattempo, Picasso si recò nell'estate 1905 nei Paesi Bassi, per fare visita all'amico Schilperoort che viveva a Schooredam. Esattamente un anno dopo, in compagnia di Fernande, visitò un villaggio spagnolo incastonato lungo i Pirenei, Gósol, dove venne a contatto con la statuaria iberica preromana, che non badava né alle proporzioni, né alla prospettiva e all'armonia; si trattò di una scoperta assai feconda, in quanto presagì la nascita di un nuovo concetto estetico, il cubismo.

Fu così che, nella primavera del 1907, nacque un'opera colossale, destinata a inaugurare la stagione cubista di Picasso: si tratta de Les demoiselles d'Avignon. Il soggetto dell'opera è l'interno di un bordello barcellonese nel quale figurano cinque donne nude, realizzate però con un linguaggio clamorosamente innovativo: le forme e i volumi del dipinto, infatti, sono scomposti, e le singole figure sono costruite secondo il criterio della visione simultanea da più lati, presentando in questo modo un aspetto che ignora qualsiasi legge anatomica.

Les demoiselles d'Avignon suscitò scandalo ed espose l'artista all'incomprensione: nessuno, da Leo Stein e Matisse all'amico Apollinaire, riusciva a comprendere il senso della nuova strada intrapresa da Picasso.

Henri Rousseau, Autoritratto, 1903.

Era da qualche anno che al Salon des Independants venivano esposti i dipinti di un piccolo uomo di nome Henri Rousseau, soprannominato da Apollinaire "il Doganiere" per via del suo precedente lavoro di impiegato del dazio. Picasso conosceva e apprezzava le opere di Rousseau dal 1906, rimanendone affascinato per la pregnante tensione onirica e per l' ingenuismo quasi folclorico.

Fu per questo motivo che, nel novembre 1909, Picasso decise di organizzare al Bateau-Lavoir un leggendario banchetto in onore del Doganiere, invitando oltre alla bande à Picasso anche Leo e Gertrude Stein. La festa, in un clima di bonaria allegria e sfrenata convivialità, culminò quando Apollinaire in preda ai fumi dell'alcol recitò una poesia-burla teoricamente improvvisata (ma in realtà accuratamente preparata):

Rousseau ne fu estremamente lusingato, tanto che alla fine della serata - con immenso candore e orgoglio - confidò a Picasso: "Tu e io siamo i due più grandi pittori del mondo, tu nel genere egiziano e io in quello moderno". Quest'evento fu di grande importanza sia per il Doganiere sia per Picasso: se Rousseau vide finalmente consacrata la propria fama, per Picasso si chiuse definitivamente tutto un periodo di vita.

Altri due eventi, infine, segnarono in questo periodo la carriera artistica di Picasso: innanzitutto il breve soggiorno presso La Rue-des-Bois, un paesino tra la foresta di Hallatte e il fiume Hoise, dove eseguì dipinti dal sapore cezanniano, e poi il sodalizio con Georges Braque. I paesaggi di Braque, infatti, presentavano notevoli affinità con le opere picassiane, tanto che Matisse li stigmatizzò in quanto "composte da piccoli cubi"; successivamente, anche il critico Louis Vauxcelles - riprendendo il tagliente commento matissiano - parlò di "bizzarrie cubiste". Fu così che venne coniato il termine "cubismo", a indicare quella corrente pittorica della quale Picasso sarà uno dei principali animatori.

Juan Gris, La tenda del sole, 1914.

Dopo un'ulteriore vacanza a Horta de Ebro nell'estate 1909, Picasso una volta ritornato a Parigi decise di allontanarsi dal pur pittoresco squallore di Montmartre e di affittare - insieme con Fernarde e il loro gatto siamese - un appartamento al numero 11 di boulevard de Clichy, nei pressi di place Pigalle. Qui si dedicò con assoluta e piena dedizione ai propri quadri cubisti, dando vita a opere quali La femme assise (1909) e Ragazza con mandolino (1910) e i ritratti effigianti Georges Braque (1909), Ambroise Vollard (1909-10) e Daniel-Heinrich Kahnweiler (1910). Con queste tele Picasso, meditando sulla lezione di Cézanne, intendeva studiare il rapporto tra forma e spazio mediante il trattamento schematico dei piani e la scomposizione dei volumi: da queste premesse prese forma una fase che i critici d'arte definiranno " cubismo analitico ".

Nel frattempo, nonostante i dissidi iniziali, il cubismo incominciò a riscuotere consensi, soprattutto grazie alla pubblicazione di diversi saggi ( Du Cubisme e Les peintres cubistes fra tutti) e all'azione divulgatrice di Kahnweiler, fiero sostenitore dell'arte d'avanguardia che organizzò mostre internazionali a Monaco, Colonia, e Berlino. Picasso, insomma, vide finalmente la propria fama consolidarsi, ma malgrado ciò questi non furono anni assai felici: ai sospetti che volevano l'artista essere l'autore del furto della Gioconda nell'agosto 1911, si aggiunsero dei gravi problemi di salute e alcuni contrasti con Fernande, che lo lasciò nel 1912. Picasso avrebbe poi intrecciato un'altra relazione sentimentale con Eva Gouel, destinata a morire precocemente di tubercolosi nel 1915, lasciando il pittore nello sconforto.

Ma se le vicende private di Picasso erano piuttosto burrascose, lo stesso non si può dire per quelle artistiche. Picasso e Braque, infatti, scettici dei primi esiti cubisti, approdarono al cosiddetto cubismo sintetico, caratterizzato da un ammorbidimento del rigore geometrico delle forme del cubismo analitico, e dall'impiego pressoché sistematico dei papier collé e dei .

La prima guerra mondiale colse Picasso mentre era in vacanza ad Avignone; furono anni difficili, in quanto egli dovette separarsi dai suoi numerosissimi amici francesi, tutti mobilitati per lo scoppio del conflitto. Fu così che i vari componenti della bande à Picasso si smembrarono: se Braque e Derain vennero entrambi arruolati sotto le armi, Apollinaire partì volontariamente per il fronte (morirà nel 1918), mentre Gertrude Stein e Kahnweiler, appena sorpresi dalla tragedia bellica, si rifugiarono rispettivamente in Inghilterra e in Italia.

Picasso, essendo cittadino spagnolo, rimase invece a Parigi: fu qui che conobbe un giovane Jean Cocteau, che coinvolse l'artista nella realizzazione di sipari, scene e costumi per Parade, il balletto che stava realizzando per la famosa compagnia dei Balletti russi di Sergej Pavlovič Djagilev. Il 17 febbraio 1917 i due partirono alla volta di Roma, dove la compagnia stava dando le prove per il balletto; nell'Urbe Picasso ebbe l'opportunità di conoscere i futuristi e gli artisti della Secessione e di venire a contatto con l'arte rinascimentale e classica, e fu anche a Napoli (dove si accostò all'arte pompeiana e alla tradizione iconografica della maschera di Pulcinella), Firenze e Milano. Nel frattempo, si invaghì di una delle ballerine del Balletto, Ol'ga Khochlova, figlia di un colonnello dell'esercito imperiale russo, con la quale si sposò. Il matrimonio, celebrato il 17 luglio 1918 nella chiesa russa di Parigi, fu anche coronato nel febbraio 1921 dalla nascita di un figlio maschio, Paulo.

La commedia dell'arte e la pittura italiana avvicinarono Picasso a una nuova svolta stilistica, verso il cosiddetto "periodo neoclassico": echi di quest'esperienza sono riscontrabili nei quadri della prima metà degli anni venti, caratterizzati da immagini sintetiche, rese volumetriche monumentali e composizioni molto equilibrate (degni di nota, in tal senso, La lettura della lettera e Il flauto di Pan).

Sogni e menzogne di Franco

Negli anni successivi, Picasso incominciò a godere di una solidissima notorietà: numerosissime furono le esposizioni tra il 1930 e il 1939 (quando, sotto il regime di Hitler, l'artista cominciò a essere denigrato come fautore di un'" arte degenerata"). Tra le esposizioni degne di nota, vi furono quelle a New York, Parigi, e in Inghilterra e Spagna.

Otto Abetz, nazista: "[in riferimento a Guernica] È lei che ha fatto questo orrore, maestro?"
Pablo Picasso: "No, è opera vostra!"

Nel frattempo, nel 1934, Picasso fece ritorno in Spagna, e questo nuovo contatto con la terra nativa vivificò in lui le sue vecchie passioni, quali la corrida, la lotta coi galli e le tradizioni popolari. Il clima politico che si respirava in Spagna, tuttavia, non era più quello della sua gioventù: dal luglio del 1936 al marzo del 1939, infatti, la Spagna fu teatro di una sanguinosa guerra civile che vide scontrarsi le truppe fedeli al governo repubblicano con le milizie nazionaliste di Francisco Franco, il quale sarebbe riuscito a imporre alla Spagna un regime dittatoriale ispirato al fascismo, durato fino al 1975.

Picasso, che per un periodo fu anche direttore, in absentia, del Museo del Prado (dal 1936 al 1939), fu intimamente scosso dalla tragedia patria, e denunciò spietatamente la sollevazione militare di Franco nel 1937 incidendo un pamphlet intitolato Sogni e menzogne di Franco ( Sueños y mentiras de Franco), dove il generale diventa un mostro senza vita e umanità che compie azioni grottesche e raccapriccianti.

Fuggito prudentemente dalla Spagna nel 1936 a causa della guerra civile, ritornò in Francia dove venne incaricato, nel 1937, della realizzazione di una sua grande opera per rappresentare la Seconda Repubblica Spagnola al posto di onore del Padiglione Spagnolo nell' Esposizione Universale di Parigi del 1937. L'ispirazione per l'opera arrivò nell'aprile del 1937 quando venne colto dalla notizia dello sterminio della popolazione della città di Guernica, cinicamente rasa al suolo dalla furia distruttrice di un bombardamento aereo nazista, inteso come un semplice esperimento terroristico.

Picasso non volle mai entrare nella disputa della guerra civile allora combattuta in Spagna da Francisco Franco anche se la sua arte era considerata dal fascismo come "arte degenerata", ma venne drammaticamente turbato dal feroce crimine verso l'umanità e assorbito nella volontà di denunciare le atrocità belliche a tutto il mondo, così che velocemente stese Guernica, un'opera presentata al mondo nell'Esposizione Universale di Parigi e destinata a diventare un'icona del '900. Ricorrendo a un monocromo giocato esclusivamente sui toni del grigio, eco delle foto in bianco e nero che documentavano la tragedia, Picasso racconta la drammaticità del bombardamento raffigurando una stanza nella quale figurano volti deformi, corpi sfatti e cavalli moribondi, restituendoci una delle opere che meglio incarnano il suo impegno morale e civile.

I mesi successivi alla redazione di Guernica furono assai intensi: nell'autunno 1937 Picasso visitò a Berna Paul Klee, e l'anno successivo stette per qualche mese a Mougins in compagnia del poeta surrealista Paul Éluard, che si guadagnò le simpatie del maestro andaluso con la pubblicazione della lirica Vittoria di Guernica.

Nel frattempo, Picasso incominciò a essere afflitto sia dai numerosi attacchi di sciatica sia dall'imminenza della seconda guerra mondiale: giudicando ormai inutile rimanere a Parigi, città dove non si faceva che parlare del conflitto incombente, decise di trasferirsi a Royan, cittadina situata nel dipartimento della Charente Marittima che venne poi occupata dall'esercito nazista. Picasso decise di allontanarsi da Royan quando si seppe della stipula del secondo armistizio di Compiègne: non trovando altri motivi per proseguire quello che sostanzialmente era un esilio volontario, l'artista fece ritorno nella Parigi occupata. Le milizie naziste non infastidirono né molestarono Picasso, malgrado fosse "il più degenerato degli artisti"; l'unico divieto che gli venne imposto fu quello di esporre le sue opere al pubblico.

Nel 1945, quando finalmente terminò il conflitto, Picasso sentì l'improvviso bisogno di evadere da Parigi, dove si sentiva oppresso, e di lasciarsi la guerra alle spalle: fu così che si ritrovò ad Antibes, rinomato centro turistico delle Alpi Marittime francesi. In questa cittadina l'artista, ormai universalmente acclamato, si sentì pervaso da un arcadico senso di joie de vivre, che si riflette pure nelle opere realizzate in questo periodo: degna di nota è Pastorale, dove un fauno e una ninfa danzanti, realizzati con colori festosi e solari, diventano emblemi del desiderio di vita, libertà, e amore. Successivamente, Picasso si trasferì nella città di Vallauris dove venne avviato alla modellazione della ceramica, coltivando una fruttuosa collaborazione con il laboratorio di Suzanne Ramié.

Ciò malgrado, Picasso non trascurò affatto l'arte grafica: tra le opere di maggiore respiro realizzate a Vallauris vi è infatti il monumentale quadro La Guerra e la Pace, sempre per accusare la guerra e la violenza.

Rimase inoltre distante dal movimento indipendentista catalano, benché durante gli anni giovanili esprimesse un generale supporto e amicizia a numerosi dei suoi attivisti. Nessun movimento politico sembrava coinvolgerlo in grande misura, ciò nonostante si iscrisse al partito comunista francese. Dopo la seconda guerra mondiale Picasso si reiscrisse al partito comunista francese e partecipò a una conferenza internazionale per la pace in Polonia. Le critiche del partito rivolte a un suo ritratto di Stalin ritenuto insufficientemente realistico raffreddarono tuttavia il suo impegno politico, anche se rimase membro del partito fino alla sua morte.

Nel 1949, recandosi a Roma per l'assemblea della presidenza mondiale del movimento dei Partigiani della pace, in una celebre colazione ritrasse con uno schizzo a matita il volto "splendente" di Rita Pisano (anch'ella presente in quell'occasione, e componente di spicco del comitato dei pacifisti), e lo intitolò La jeune fille de Calabre. L'opera è oggi conservata nella collezione privata che apparteneva a Carlo Muscetta.

Durante i suoi soggiorni romani frequenta l' Osteria Fratelli Menghi, intorno alla quale si ritrovano tutti gli artisti di Roma, pittori, poeti, ma anche attori, registi e sceneggiatori.

In seguito, Picasso si dedicò con assoluta dedizione alla rivisitazione dell'immenso patrimonio artistico dell'Occidente; fu così che nacquero Las Meninas, esplicitamente desunto dal celebre dipinto di Velázquez, Le donne di Algeri (in un confronto diretto con la tela di Delacroix), e personali interpretazioni di opere di diversi altri artisti tra i quali Cranach, Poussin, Rembrandt, David, e Courbet. Serbò in particolare una speciale predilezione per la Colazione sull'erba di Manet, sulla quale plasmò diversi disegni e varianti dipinte. A testimonianza del suo valore artistico, nel 1963 venne istituito a Barcellona il Museo Picasso, con dipinti, sculture e opere grafiche picassiane donate da Jaime Sabartés; lo stesso artista donerà poi alla città catalana circa mille opere tra disegni, incisioni e dipinti.

Pablo Picasso muore a Mougins l'8 aprile 1973, stroncato da un edema polmonare acuto, alla veneranda età di 91 anni. Fu sepolto nel parco del castello di Vauvenargues, nel sud della Francia.

Nel 2003 viene inaugurato a Malaga, sua città natale, il Museo Picasso, che raccoglie in esposizione permanente oltre 200 opere dell'artista spagnolo.

Partendo dal 1901 lo stile pittorico di Picasso incominciò a presentare tratti originali e nuove soluzioni artistiche; in quell'anno, infatti, ha inizio il cosiddetto "periodo blu", che si protrae sino alla primavera del 1904. Questa fase artistica picassiana, come già accennato, scaturì in seguito alla morte suicida dell'amico Carlos Casagemas, come affermato dallo stesso maestro andaluso:

I dipinti appartenenti al periodo blu sono dominati da toni freddi e spenti, affidati all'utilizzo monocromatico del colore blu, in tutte le sue sfumature possibili: Picasso scelse il blu, colore allo stesso tempo bello e spietato, in ragione della sua forza espressiva, ma soprattutto per la sua pregnante valenza psicologica, che consente di trascendere dalle naturalistiche descrizioni. È in questo modo che Picasso, colorando le proprie opere di blu e riducendo al minimo gli elementi decorativi, denuncia la progressiva decadenza del mondo intorno a sé, trattando temi quali la miseria, la malattia, la vecchiaia, e l'infermità.

Le opere del periodo blu "rivelano una malinconia sottile e poetica e una malcelata inquietudine personale" (RestaurArs) e sono popolate da personaggi senza speranza, perlopiù poveri ed emarginati: esiliati, disperati, arlecchini, detenuti e mendicanti sono figure che Picasso indaga impietosamente, caricandole di una matrice patetica e di un alone di mistero e di tristezza.

A partire dalla tarda primavera del 1904 fino al 1906, Picasso smise di usare il blu, considerandolo freddo e impersonale, e adottò una tavolozza composta da gradazioni più calde e delicate, dando così inizio a quello che i critici definiscono periodo rosa. Il colore qui impiegato, come si può facilmente dedurre, è il rosa nelle sue sfumature più tenere e chiare, che danno vita a un'atmosfera ingenua, fanciullesca, quasi dolcificata, enfatizzata dalla morbidezza e dall'eleganza del disegno.

Il passaggio dal periodo blu a quello rosa non interessa solo l'apparato cromatico, reso con tinte pastello, diafane, sospese, ma coinvolge anche i motivi. L'atmosfera decadente del periodo blu, infatti, qui cede il posto al mondo del circo, popolato da agili acrobati, bambini, pagliacci corpulenti, equilibristi vestiti in guaina arlecchina e fragili ballerine; si viene così a creare un mondo dall'atmosfera idilliaca, sospesa tra realtà e fantasia, in linea con la tensione onirica delle opere naïf di Henri Rousseau, che Picasso avrebbe poi conosciuto e apprezzato. Il maestro andaluso, in questo modo, intendeva esprimere una visione maggiormente ottimistica del mondo, libera della componente tragica del periodo blu, ma ancora carica di un senso di infinita malinconia, come notato dalla Stein:

Pablo Picasso in una foto di Paolo Monti del 1953 in occasione della mostra organizzata a Palazzo Reale a Milano.

Per superare ogni forma tradizionale di rappresentazione del mondo, sino ad allora ritratto rispettando le dinamiche della visione ottica umana, al principio del Novecento, Picasso - meditando sulle ricerche artistiche di Cézanne, Gauguin, Van Gogh e Manet, che pure tentarono di abbandonare le norme accademiche - ideò un nuovo modo di dipingere, cristallizzato nella definizione di " cubismo ".

Quello cubista è stato un modo di dipingere totalmente inedito e originale. Picasso e Braque, infatti, dipingono oggetti della realtà quotidiana (chitarre, violini, boccali, frutta) frammentandoli in diverse schegge di realtà, viste tutte da angolazioni diverse, e poi finalmente sovrapposte in un nuovo ordine. Questo per mostrare lo scorrere del tempo e le diverse sensazioni e percezioni che si hanno di fronte a uno stesso oggetto in due momenti diversi, facendo riferimento alle teorie del filosofo francese Henri Bergson.

In questo modo si giunge a una rappresentazione delle cose nella loro interezza, in profonda antitesi con la pittura tradizionale, che avrebbe dipinto lo stesso oggetto frontalmente, trattando in questo modo una sola dimensione. Nel 1954 Picasso espose nella Mostra del disegno e dell'incisione contemporanea insieme con Ibrahim Kodra, Modigliani, Rouault e Dufy a Chiavari.

L'impegno politico

A partire dagli ultimi anni della Seconda Guerra mondiale, a seguito della liberazione di Parigi in particolare, Picasso non nascose la sua vicinanza ideologica al comunismo.

Il 24 ottobre 1944 annuncia la sua adesione al Partito Comunista Francese.

Nel 1953, alla morte di Stalin, il poeta Louis Aragon chiese all'artista un disegno per la prima pagina delle Lettres françaises e Picasso gli consegnò lo schizzo "Alla tua salute Stalin!", realizzato nel 1949 in occasione del compleanno del leader comunista; il disegno scatenerà una polemica in seno al Partito Comunista e segnerà il distacco definitivo di Picasso dal partito.

Importante è l'impegno di Picasso per il movimento pacifista: è infatti dovuta a lui la diffusione della colomba come simbolo internazionale della pace, già presente con questo stesso significato nel dipinto di del '37.

Van Renoir tot Picasso, regia di Paul Haesaerts (1948)

Bezoek aan Picasso, regia di Paul Haesaerts (1949)

, regia di Luciano Emmer (1954)

Il mistero Picasso (Le Mystère Picasso), regia di Henri-Georges Clouzot (1960)

, regia di Charles Eames e Ray Eames (1967)

Picasso, regia di Edward Quinn (1969)

Picasso: The Man and His Work, regia di Edward Quinn (1976)

Picasso: A Painter's Diary, regia di Perry Miller Adato (1980)

Guernica - Pablo Picasso und die Politik, regia di Klaus Figge e Gert Kairat (1981)

Le Cantique des créature: Pablo Picasso pintor, regia di Frédéric Rossif (1982)

Picasso, regia di Didier Baussy (1985)

O Picasso, regia di Gilles Carle e Camille Coudari (1985)

Pablo Picasso: Réminiscences, regia di Fabienne Strouve (1989)

, regia di Sharon Maguire (1994)

Matisse-Picasso, regia di Philippe Kohly (2002)

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Pablo Ruiz y Picasso, semplicemente noto come Pablo Picasso ( Malaga, 25 ottobre 1881 - Mougins, 8 aprile 1973), è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo, tra i più influenti del XX secolo.

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Goya

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Francisco José de Goya y Lucientes ( Fuendetodos, 30 marzo 1746 - Bordeaux, 16 aprile 1828) è stato un pittore e incisore spagnolo.

Considerato il pioniere dell' arte moderna, è stato uno dei più grandi pittori spagnoli vissuti tra la fine del XVIII secolo e dell'inizio del XIX. I suoi dipinti, i suoi disegni e le sue incisioni riflettevano gli sconvolgimenti storici in corso e influenzarono i più importanti pittori coevi e del secolo successivo. Goya è spesso indicato come l'ultimo degli antichi maestri e il primo dei moderni.

Nato in una famiglia della classe media nel 1746 in Aragona, fu allievo di pittura fin dall'età di 14 anni di José Luzán y Martínez, successivamente si trasferì a Madrid per studiare con Anton Raphael Mengs. Nel 1786 divenne pittore di corte della corona spagnola e questa prima parte della sua carriera fu caratterizzata dai numerosi ritratti di appartenenti all'aristocrazia e alla famiglia reale spagnola, oltre che dalla produzione di arazzi in stile rococò per il palazzo reale.

Nel 1793 soffrì di una grave malattia mai diagnosticata che lo lasciò sordo, dopodiché il suo lavoro divenne progressivamente più cupo e pessimista. I suoi successivi dipinti sembrano riflettere una visione desolante dell'esistenza, che contrasta con la sua strepitosa scalata sociale: nel 1799, infatti, divenne Primer Pintor de Cámara (Primo Pittore di Corte), il grado più alto per un pittore di corte spagnolo. Alla fine del 1799, su incarico di Godoy, completò la sua Maja desnuda, un nudo straordinariamente audace per l'epoca e chiaramente ispirato allo stile di Diego Velázquez. All'inizio del XIX secolo dipinse La famiglia di Carlo IV, anche qui influenzato da Velázquez.

Nel 1807, Napoleone guidò la Grande Armata nella guerra peninsulare contro la Spagna. Durante il conflitto Goya rimase a Madrid e, sebbene non abbia mai espresso in pubblico i suoi pensieri, sembra che questi fatti lo abbiano colpito profondamente, come si può desumere da alcuni suoi lavori come I disastri della guerra, Il 2 maggio 1808, Il 3 maggio 1808. Altre opere della sua maturità includono un'ampia varietà di dipinti riguardanti la follia, i manicomi, le streghe, le creature fantastiche e la corruzione religiosa e politica, che suggeriscono che temesse per la propria salute mentale e fisica.

Il suo periodo più tardo culmina con le Pitture nere del 1819-1823, realizzate nella Quinta del Sordo, la sua casa alla periferia di Madrid dove visse, disilluso dagli sviluppi politici e sociali in Spagna, in una situazione di quasi isolamento. Alla fine, nel 1824, Goya decise di abbandonare la Spagna per ritirarsi nella città francese di Bordeaux dove completò la sua serie La Tauromaquia e una serie di altre tele importanti.

Verso la fine della sua vita un lo lasciò paralizzato sul lato destro. Morì e fu sepolto il 16 aprile 1828 all'età di 82 anni. Il suo corpo fu successivamente traslato nella Chiesa di Sant'Antonio della Florida a Madrid.

Casa natale del pittore a Fuendetodos

Francisco de Goya y Lucientes nacque a Fuendetodos, una desolata cittadina rurale situata nei pressi di Saragozza (nell' Aragona), presso la quale i genitori si erano insediati in quel periodo per motivi ignoti, il 30 marzo del 1746. Il padre, José Benito de Goya Franque, era un maestro doratore di lontane origini basche (gli avi paterni del pittore erano infatti originari di Zerain) e si segnalava soprattutto per i suoi lavori per la basilica di Nostra Signora del Pilar, mentre la madre, Gracia de Lucientes y Salvador, apparteneva invece a una famiglia decaduta della piccola nobiltà aragonese. Da quest'unione, legittimata nel 1736 con le nozze, Francisco Goya Amio nacque come quartogenito: suoi fratelli erano Rita (n. 1737), Tomás (n. 1739), destinato a seguire le orme paterne, Jacinta (n. 1743), Mariano (n. 1750) e Camilo (n. 1753).

Nel 1749 la famiglia Goya y Lucientes si trasferì per motivi di lavoro a Saragozza, dove qualche anno prima aveva comprato una casa. Qui il giovane Francisco poté frequentare gratuitamente il collegio delle Scuole Pie dei Padri scolopi, compiendo un iter scolastico abbastanza regolare ma non particolarmente brillante: malgrado potesse leggere, scrivere e contare senza troppe difficoltà, il giovane Goya sembrava "non interessarsi affatto alle questioni teologiche e filosofiche, tanto che anche la sua carriera di pittore fu senza pretese: Goya non era affatto un teorico d'arte", per dirla con le parole di Robert Hughes. Fu proprio nel collegio, tuttavia, che Goya conobbe Martín Zapater, con il quale stabilì un rapporto di reciproca stima e di amicizia destinato a perdurare profondamente, come ci è testimoniato dalla fitta corrispondenza epistolare che li tenne legati per tutta la vita.

Nel frattempo il giovane Goya manifestò una precoce vocazione per il disegno e per la pittura. Il padre, intuendone le inclinazioni e le potenzialità, collocò il figlio presso la bottega del pittore locale José Luzán y Martínez, condiscepolo del Solimena ed emulo di Luca Giordano e Pietro da Cortona, dal quale trasse "una grande facilità di mano, una grande rapidità di esecuzione e un certo gusto per la decorazione e per l'armonia del colore" ( Pietro D'Achiardi). Nell' atelier del Luzán, uomo attento e coscienzioso verso gli allievi, Goya trovò molti compagni (fra cui Francisco Bayeu) e compì grandi e rapidi progressi, apprendendo i rudimenti del disegno e copiando le stampe dei maestri del rinascimento e del barocco italiano.

Compiuti i diciassette anni Goya, spinto dalla volontà di dipingere autonomamente, si trasferì a Madrid al seguito del condiscepolo Francisco Bayeu. Madrid all'epoca era una città ricca di fermenti artistici, grazie all'illuminato regno di Carlo III di Spagna, che vi aveva accentrato artisti di grande nome, primi fra tutti il neoclassico Anton Raphael Mengs e il tedoforo del rococò Giovan Battista Tiepolo, entrambi attivi nel cantiere del Palacio Real.

A Madrid, dove giunse nel 1763, Goya si divise tra un'intensa attività di studio e gli svaghi e le frequentazioni concesse da una grande città. Nella città madrilena Goya trascorreva il tempo nelle osterie a bere e a suonare o cantando serenate alle belle fanciulle locali: fu anche coinvolto in diverse risse e per dare prova della sua audacia non esitò a entrare in una cuadrilla di toreri, così da sperimentare le emozioni dell'arena. Ciò malgrado, questi furono anni estremamente formativi per il pittore, nonostante la bocciatura al concorso per l'Accademia di Belle Arti (dove tentò invano di iscriversi): a Madrid, infatti, Goya poté ampliare i propri orizzonti figurativi e cominciare a formare personali orientamenti di gusto, in primo luogo a contatto con i cantieri di Tiepolo e Mengs e con le tele di Corrado Giaquinto. Un secondo tentativo di entrare all'Accademia nel gennaio 1766 ebbe ancora una volta un cattivo esito a causa della migliore prestazione di Ramón Bayeu, fratello di Francisco, che nel 1767 verrà nominato pittore di camera del re. Per dirla con le parole di Silvia Borghesi, "i due fratelli Bayeau, che oggi conosciamo e di cui parliamo soltanto in virtù di Goya, al loro tempo gli fecero mangiare la polvere per un buon tratto di strada".

Francisco Goya, Annibale vincitore che rimira per la prima volta dalle Alpi l'Italia

Alla morte del Tiepolo, nel 1770, Goya decise di allontanarsi da Madrid e di recarsi a proprie spese a Roma, epicentro di quel classicismo che costituiva il modello di riferimento di tutta la cultura accademica del tempo. Un tempo non si sapevano molti dettagli su questo soggiorno, anche perché all'epoca Goya era un semisconosciuto: i suoi primi biografi arrivarono persino a teorizzare che giunse in Italia al seguito di una banda di toreri o di un diplomatico russo. La scoperta del Cuaderno Italiano da parte dello studioso spagnolo Arturo Ansón Navarro, tuttavia, ci ha consentito di sapere che l'artista soggiornò nel Bel Paese dal marzo-aprile 1770 fino al giugno 1771, per un totale di quattordici mesi. Dopo aver risalito la costa sino ad Antibes, dunque, Goya avrebbe fatto affrettatamente sosta a Torino, Milano e Pavia, per poi prendere un traghetto da Genova a Civitavecchia e finalmente arrivare a Roma. Fu un soggiorno assai fecondo: come osservato da Pietro D'Achiardi, la Città Eterna "in quel momento era veramente un grande centro artistico e l'atmosfera satura di cultura, di arte e di lusso, costituivano un ambiente unico in Europa, di fronte al quale Saragozza e Madrid dovettero sembrare assai provinciali al giovane artista. Le grandi processioni religiose, le feste carnevalesche, la varietà dei tipi e dei costumi insieme coi monumenti del passato, offrivano agli artisti una visione incomparabile e una sorgente inesauribile di ispirazione".

A Roma Goya si accostò alla nutrita colonia degli spagnoli e soggiornò presso la casa del pittore polacco Taddeo Kuntz; qui conobbe anche Giovan Battista Piranesi, incisore veneto al culmine della sua fama, che lasciò un'impronta profonda sulla fantasia del pittore aragonese. Nell'Urbe Goya si avvicinò anche alle opere di Hubert Robert e Johann Heinrich Füssli, presenze oscure nel secolo dei Lumi che, nell'opporsi ai solenni ideali estetici del neoclassicismo, già preludevano al romanticismo. Ispirandosi anche alla pittura magica e visionaria del seicentesco Salvator Rosa, Goya sarebbe stato immensamente debitore ai vari esponenti della fronda preromantica, i quali esercitarono un'influenza della quale non si vedono immediatamente le conseguenze, ma che riemergerà violentemente in alcune soluzioni estreme della maturità.

Altrettanto significative per il giovane artista furono le stanze di Raffaello, la volta carraccesca di palazzo Farnese e, soprattutto, la pala dell'altare maggiore della Chiesa della Santissima Trinità degli Spagnoli, eseguita da Giaquinto, pittore che aveva già potuto ammirare de visu in Spagna; tra gli artisti espressamente ricordati nel Cuaderno, in ogni caso, vi sono anche Bernini, Veronese, Reni, Guercino, Maratta, Algardi e Rubens. L'ultimo atto compiuto da Goya in Italia fu quello di inviare la grande tela di Annibale vincitore che rimira per la prima volta dalle Alpi l'Italia al concorso tenutosi nel 1771 all'Accademia di Parma con l'intento di consolidare la propria fama, non riuscendo tuttavia a vincere (pur ottenendo un rispettabile secondo posto). Dopo un atto criminoso (rapì una ragazza di Trastevere, rinchiusa dai parenti in un convento, e fu per questo perseguitato dalla polizia), con l'aiuto economico dell'ambasciatore spagnolo fece ritorno a Saragozza nel giugno 1771.

Dopo il rimpatrio, Goya, forte del credito acquisito con il viaggio in Italia, ricevette la commissione di decorare a fresco la basilica di Nostra Signora del Pilar a Saragozza, cui seguirono altre committenze altrettanto prestigiose con le quali riuscì a consolidare la propria notorietà. Nel frattempo il pittore si sposò con Josefa, la sorella di Francisco Bayeu. Le nozze, celebrate il 25 luglio 1773 e coronate dalla nascita di Antonio Juan Ramon Carlos nel 1774, non si rivelarono tuttavia molto felici; Josefa, infatti, era notoriamente di sgradevole aspetto ed ebbe poca o nulla influenza sulla vita affettiva del Goya, costellata da numerose amanti.

Anno cruciale per il Goya fu proprio il 1774 quando, grazie all'interessamento di Francisco Bayeu (che, tra l'altro, gli era ormai cognato), venne chiamato a Madrid dal Mengs, allora soprintendente alle Belle Arti, con l'incarico di eseguire i cartoni per la fabbrica reale degli arazzi di Santa Barbara. La manifattura degli arazzi era sino ad allora svolta seguendo l'iconografia fiamminga, ed era intenzione del Mengs ingaggiare giovani spagnoli in grado di sapervi impiegare la maniera locale. Goya, tra il 1774 e il 1792 produsse ben sessantatré cartoni: il loro successo fu sfolgorante ed essi assicurarono al pittore un prestigio sempre crescente, anche tra le classi aristocratiche.

Grazie alla notorietà acquisita con gli arazzi, Goya nel 1780 venne accolto "de mérito" nella Real Academia de San Fernando, realizzando come saggio d'ingresso un Cristo crocifisso prettamente accademico (Goya, probabilmente, si accostò alla tradizione per non esporsi a rischi non necessari, considerando che a quel concorso era già stato bocciato due volte). Dopo esser entrato all'Accademia, parallelamente alla fabbricazione di arazzi Goya produsse anche numerosi dipinti a olio, per lo più ritratti dei vari nobili della corte madrilena, eseguiti sempre con grande penetrazione psicologica. Speciale menzione merita, in tal senso, il Ritratto dei duchi di Osuna con i figli.

Nel frattempo la notorietà raggiunta dal Goya iniziò a essere accompagnata dai riconoscimenti ufficiali. È del 1786 la nomina a pintor del rey da parte del nuovo re, Carlo IV; si tratta di una carica già assegnata illo tempore a Ramón Bayeu, proprio quel pittore che anni addietro entrò in Accademia al posto suo. In virtù di questa qualifica Goya poté finalmente coronare le proprie ambizioni di partecipare alla vita mondana della corte spagnola, appagando così la sua indole focosa e determinata: la sua presenza, infatti, era ormai divenuta indispensabile nei ricevimenti e nelle varie riunioni galanti. Arrivò persino a comprarsi una carrozza per sfrecciare per le strade di Madrid, e all'amico Zapater confidò di aver assistito a un concerto per il re con un'orchestra con più di cento strumenti musicali, affermando addirittura: "colui che desidera qualcosa da me mi cerca, e io mi faccio desiderare di più, e se non è un personaggio di alta posizione sociale, o con raccomandazioni di qualche amico, non farò più nulla a nessuno".

Neanche i turbolenti avvenimenti politici di quel tempo riuscirono a incrinare la fama di Goya, ormai al culmine della sua carriera. Carlo IV, infatti, era universalmente considerato un sovrano inetto, giudicato dalla stessa corte come "un re idiota" incapace di tenere a freno l'intrigante moglie, Maria Luisa di Borbone-Parma. Mentre i vari amici e protettori di Goya venivano spodestati dai loro ruoli, privati del potere e allontanati dalla corte, il pittore aragonese mantenne la sua carica di pintor del rey, continuando così a servire il re. Goya, tuttavia, non aveva fiducia nel governo del nuovo monarca, che in poco tempo finì infatti per soggiacere a uno degli amanti della regina, il primo ministro Manuel Godoy. Anche le opere di questo periodo riflettono il disincanto di Goya verso il nuovo governo e, con tono ironico e graffiante, denunciano la decadenza dell' ancien régime.

Sentendosi ormai oppresso da questa situazione, per un certo periodo Goya decise di allontanarsi dalla corte e di soggiornare in Andalusia. A Siviglia, tuttavia, venne colto da una feroce malattia che lo costrinse a riparare a Cadice, ospite dell'amico Sebastián Martinez. Non è nota la diagnosi di questa malattia, anche se in una lettera di Zapater indirizzata al Bayeau si fa esplicita menzione di un male "per scarsa riflessione", il che ha lasciato supporre che si tratti di sifilide o, persino, di un'intossicazione da piombo contenuto nei pigmenti di colore (Goya, infatti, era solito inumidire i pennelli con la bocca). Le conseguenze di quest'infermità, in ogni caso, furono devastanti: costretto a letto da una brutale paralisi, il pittore fu funestato da feroci emicranie, disturbi visivi e vertigini e il suo stato di salute si fece talmente grave che si temette persino per la sua vita. Pur riuscendo a rimettersi in salute (anche se dopo una lunga convalescenza), Goya fu colto da un'irrimediabile sordità, dalla quale non sarebbe guarito per il resto della sua vita.

Seppur la malattia del 1792-1793 non gli vietò permanentemente l'uso dei pennelli, la sua arte subì un mutamento stilistico e tematico: ne riparleremo più approfonditamente nel paragrafo Stile e temi. Per il momento basti sapere che, abbandonati i toni gioiosi delle pitture precedenti, Goya produsse numerosi quadri di piccolo formato, i cosiddetti cuadritos, dove sono raffigurati eventi agghiaccianti come naufragi o interni di manicomio. Intanto, morto nel 1795 il cognato Francisco Bayeau, Goya ne ereditò la posizione di direttore di pittura all'Accademia. Nel frattempo non trascurò piaceri meno intellettuali, intrecciando una relazione sentimentale clandestina con María Teresa Cayetana de Silva, trentatreenne duchessa d'Alba, una delle donne più affascinanti e ricche di Spagna, seconda per prestigio solo alla regina. Travolto dal fascino seduttivo della donna, Goya trascorse con lei licenziose avventure, infuocate dall'amore e dalla passione: "Non c'era in lei un capello che non emanasse fascino", avrebbe affermato il pittore, autore tra l'altro di due ritratti della stessa duchessa d'Alba.

La brutalità dell'uomo

Francisco Goya, Il sonno della ragione genera mostri (1797 circa); penna e inchiostro su carta, 23 × 15,5 cm, museo del Prado, Madrid

Negli anni 1800 e successivi Goya lavorò instancabilmente, eseguendo una cospicua mole di ritratti raffiguranti amici, parenti, nobili: a essere immortalati dal pennello del pittore aragonese furono Sebastián Martinez, l'amico che lo ospitò durante gli anni della malattia, il cognato Francisco Bayeau in un ritratto post mortem, il poeta Juan Meléndez Valdés, l'ambasciatore francese in Spagna Ferdinand Guillemardet e, ancora, la moglie Josefa e l'amico d'infanzia Martín Zapater. L'opera che più tenne impegnato Goya in questi anni, tuttavia, fu la monumentale raccolta dei , un ciclo di ottanta incisioni che ritraggono, con un'ironia caustica e tagliente, "la censura degli errori e dei vizi umani, delle stravaganze e follie comuni a tutte le società civili", nella prospettiva di mettere in ridicolo le bassezze diffuse nella Spagna del tempo.

La prima edizione dei Capricci venne messa in vendita lunedì 6 febbraio 1799 in un negozio di profumi e liquori di calle Desengaño. Malgrado Goya avesse annunciato pubblicamente che ogni riferimento a persone esistenti o a fatti realmente accaduti fosse puramente casuale (cosa, ovviamente, non vera), la raccolta incontrò l'ostilità dell'Accademia e dell' Inquisizione che, a causa dei contenuti apertamente blasfemi, l'8 agosto ritirò l'opera dalla circolazione. La fama di Goya come incisore, effettivamente, sarebbe stata soprattutto postuma. Tra i Capricci più famosi, in ogni caso, vi è certamente Il sonno della ragione genera mostri, ormai assurto a status di icona.

Nel 1799, grazie all'interessamento del potente amico Gaspar Melchor de Jovellanos, Goya venne nominato Primero Pintor de Cámera e, in virtù di questa qualifica, nel 1801 eseguì il ritratto di Manuel Godoy, per celebrare il titolo di generalissimo ottenuto da quest'ultimo con la vittoria sul Portogallo. Nell'inventario dei beni appartenenti al Godoy qualche anno dopo sarebbero state menzionate La maja vestida e La maja desnuda, ritratti gemelli dei quali si ignora la committenza, ma che certamente furono eseguiti dal Goya tra il 1800 e il 1803.

I disastri della guerra

Nel frattempo, l'intera Spagna venne colta da una grande instabilità geopolitica che, ovviamente, coinvolse anche il Goya. Sul trono spagnolo, infatti, era stato imposto Giuseppe Bonaparte, fratello di Napoleone: benché il popolo spagnolo non fosse nuovo a monarchi stranieri, questo evento suscitò una grandissima indignazione, che sarebbe poi culminata nella rivolta popolare antinapoleonica del 2 maggio 1808 e con la guerra d'indipendenza, conclusasi nel 1814 con il ritorno sul trono iberico di Ferdinando VII. Le conseguenze del conflitto, tuttavia, furono catastrofiche: le truppe napoleoniche, infatti, si resero colpevoli di brutali violenze sulla popolazione civile. Durante gli anni tremendi della guerra d'indipendenza Goya avrebbe disperatamente denunciato queste atrocità dipingendo , il ciclo dei Disastri della guerra, Il tribunale dell'Inquisizione, La sepoltura della sardina, La processione dei flagellanti (opere dove il pittore aragonese "fissa l'uomo come si fissa una farfalla, con uno spillo, cogliendolo, per lo più, nei suoi momenti di follia o malvagità", per usare le parole del critico Max Klinger). Il dramma della rivolta antinapoleonica, poi, sarebbe emerso con particolare violenza ne Il 2 maggio 1808 e Il 3 maggio 1808, opere realizzate dopo la restaurazione della monarchia legittima dei Borbone nella prospettiva di celebrare le gloriose azioni del popolo madrileno, insorto contro le truppe francesi proprio in quei due giorni.

Nel 1819 Goya, decaduto dai propri privilegi e allontanatosi dalla corte in seguito al feroce assolutismo di Ferdinando VII, si ritirò presso una casa di campagna alla periferia di Madrid, lungo la riva del fiume Manzanarre, insieme alla compagna Leocadia Zorrilla, incontrata nel 1805 al matrimonio del figlio Javier. Si trattava di un luogo denso di emozionanti ricordi, siccome era proprio lungo le rive del Manzanarre che, in gioventù, diede inizio alla sua carriera di pittore lavorando ai cartoni per la manifattura reale degli arazzi di Santa Barbara. Il luogo, battezzato dai locali Quinta del Sordo ( quinta, in spagnolo, significa proprio casa di campagna), si rivelò invece essere una fucina di ossessioni. Goya, infatti, decorò le pareti della casa con immagini spaventose, a pittura su muro: sono le cosiddette pinturas negras ( Pitture nere). Ricaduto nella malattia fra il 1819 e il 1820, Goya rischiò quasi la morte, sfuggendovi solo grazie alle affettuose e competenti cure del dottor Arrieta, cui dedicò un dipinto.

Appena concluso il ciclo delle pinturas negras, Goya, approfittando dell'amnistia concessa da Ferdinando VII per le epurazioni generali, decise di allontanarsi dal paese. Per farlo chiese l'autorizzazione per recarsi all'estero, con il pretesto di recarsi alla sede termale di Plombières per alcune cure; ottenutala, lasciò immediatamente la Spagna e si recò invece a Bordeaux, sede di un nutrito gruppo di emigrati spagnoli fuggiti dalla patria per sottrarsi alla persecuzione monarchica. Dopo un soggiorno di tre mesi a Parigi, dove visitò il Louvre e il Salon e si accostò alle "nuove" opere di Ingres e Delacroix, Goya fece nuovamente ritorno a Bordeaux, dove venne raggiunto anche da Leocadia. A Bordeaux Goya si insediò presso una casa sul Cours de Tourny e qui concluse serenamente i propri anni, sperimentando nuove tecniche litografiche e dedicandosi all'insegnamento con la piccola figlia Maria Rosario, vera e propria enfant prodige. Colto il 2 aprile 1828 da una paralisi, Goya sarebbe morto la notte tra il 15 e il 16 aprile, alla veneranda età di ottantadue anni.

L'affresco della cupola di San Antonio de la Florida

Le spoglie di Goya patirono inquietudini e traversie adeguate a quelle del loro proprietario. Il pittore fu sepolto in un primo tempo a Bordeaux, nel cimitero della Chartreuse, nella tomba di amici spagnoli dove già riposava il suo consuocero. Più di cinquant'anni dopo, nel 1880, il console di Spagna a Bordeaux, Pereyra, capitò davanti alla sua tomba, trovandola indecorosamente abbandonata e iniziò a sollecitare il governo spagnolo a riportare in patria le ossa del glorioso connazionale. Il console e i suoi amici dovettero brigare fino al 1888, quando finalmente si poté procedere all'esumazione per il trasferimento. Si scoprì però, con l'occasione, che allo scheletro mancava la testa (di cui non si seppe mai più nulla). Il progetto di traslazione ricadde perciò nelle panie burocratiche, dove rimase fino al 1899, quando le celebrazioni per il terzo centenario della nascita di Velázquez riattivarono il progetto di rimpatrio di quanto restava di Goya, che nel 1900 fu tumulato con Juan Meléndez Valdés, Leandro Fernández de Moratín e Juan Donoso Cortés in un apposito monumento nel cimitero sacramentale di San Isidro, a Madrid. Finalmente, nel 1919, i resti di Goya trovarono riposo in un luogo a lui assai più caro e familiare, ai piedi dell'altare della cappella di San Antonio de la Florida, di cui aveva affrescato la cupola nel 1798.

La versatilità dell'estro creativo di Goya fa sì che egli sia un artista difficilmente inseribile entro i ristretti orizzonti di una definita corrente artistica. I quadri di Goya, infatti, risentono congiuntamente delle sue aspirazioni illuministe-razionali e di impulsi irrazionalistici già romantici. L'artista è ben consapevole di questo suo dualismo tra sentimento e ragione e si propone così di superare il perfezionismo tipico dello stile neoclassico e di raffigurare scene tratte dalla realtà quotidiana o dalla sua immaginifica fantasia, aprendo così la strada al Realismo e al Romanticismo. È in questo modo che Goya matura uno stile molto autonomo e originale, svincolato dagli schematismi accademici e animato da una grande libertà d'espressione e da un linguaggio grintoso, pieno di vigore, sottilmente ironico.

Dopo le timide e sfortunate comparse a Madrid negli esordi, Goya ebbe modo di valutare per la prima volta i suoi orientamenti stilistici nel 1771 quando, tornato dall'Italia, affrescò la certosa di Aula Dei, nei pressi di Saragozza, con le Storie della Vergine. In quest'opera - la prima significativa del pittore aragonese - egli si mostra assai sensibile alle pitture di Corrado Giaquinto, impiegando una tavolozza vivace, ariosa, acquerellata e una certa uniformità tra le impaginazioni, tutte modellate sugli archetipi classici ma vivificate grazie alla disinvoltura della pennellata. Gli affreschi di Aula Dei sono tutt'altro che acerbi e marginali, anzi, vi si avverte già quella potenza drammatica che culminerà nella Quinta del Sordo; essi, tuttavia, sono "una prova lontana anni luce dal Goya maturo; se avesse seguitato a dipingere in quel modo non sarebbe mai entrato nei libri di storia dell'arte, ma è vero che sono uno spartiacque: qui è il massimo che Goya faccia entro la tradizione assimilata", come osservato da Silvia Borghesi.

Indizi palesi di mutamenti stilistici si avvertono nel 1774, quando Goya iniziò a collaborare con la fabbrica reale degli arazzi di Santa Barbara, autentica palestra pittorica nella quale l'artista poté sperimentare nuovi linguaggi creativi sotto una copertura innocua, liberando così inibizioni e stabilendo una sorta di "griglia pittorica di base" alla quale rimase fedele per il resto della sua vita. In queste opere il Goya impiega uno stile sciolto, vitale, all'insegna della modernità, eppure molto sobrio (caratteristica, d'altronde, congeniale alle esigenze di fabbricazione degli arazzi, che richiedevano giocoforza forme semplificate e stilizzate). Il fulcro tematico di questi arazzi è invece quello del "majismo", desunto dai majos e dalle majas del folclore spagnolo e dai loro pittoreschi passatempi, capricciosamente ripresi anche dalle classi aristocratiche. Questa predilezione per le figure del popolo, d'altronde, era conforme alla destinazione finale degli arazzi, atti a ornare le sontuose dimore dei regnanti spagnoli, i quali ovviamente preferivano temi piacevoli, distensivi, proprio come quelli proposti dal majismo. È interessante, in tal senso, riportare il giudizio di Juan J. Luna, secondo il quale la maniera goyesca negli arazzi è "eminentemente pintoresca y colorista, poblada por majos y manolas y por todo tipo de gentes de rompe y rasga, chisperos, vendedores ambulantes, muchahos y niños, que se divierten, bailan o juegan en ambientes campestres, evocadores del Madrid del último cuarto del XVIII". Notevole, infine, anche l'indagine luministica condotta da Goya negli arazzi, che si concentra su una luce che, disintegrando i volumi in particelle molecolari, definisce lo spazio per effusione atmosferica, senza ricorrere alla prospettiva per descrivere la disposizione reciproca degli oggetti.

Un totale cambiamento di stili e temi si ebbe con la misteriosa malattia del 1792-1793, doloroso spartiacque dell'esistenza di Goya. Questo drastico mutamento tematico, oltre che dalle drammatiche vicende personali, gli fu imposto anche dal grande sconvolgimento politico sofferto in quegli anni dall'Europa, segnata dall'ascesa al trono di Carlo IV, uomo inetto subentrato al ben più illuminato Carlo III, e dagli eventi legati alla Rivoluzione Francese e alla successiva epopea napoleonica. Ebbene, nel 1792 Goya abbandonò i toni distesi della gioventù e approdò a uno stile onirico, visionario, facendosi interprete della parte "nera", dannata, dolorosa dell'essere umano e rendendola con "chiaroveggenza di sonnambulo" (José Ortega y Gasset). Interessante l'accostamento operato dal critico Jean Starobinski tra la figura di Goya e quella di Beethoven:

Questa "maniera scura", per così dire, trovò la sua prima espressione nei cuadritos, undici piccoli dipinti dove Goya si accosta ad "un'arte intima, in cui però la violenza e la tragedia [trovano] un'espressione tanto possente", come osservato da Pierre Gassier. Goya in queste sperimentazioni tratta un'ampia rosa di soggetti, scegliendo di raffigurare scene di naufragio, interni di manicomio, incendi, assalti di briganti, persone ottenebrate e, generalmente, eventi brutali e tragici, tradendo la presenza di una lacerazione spirituale destinata a non rimarginarsi. In tal senso i cuadritos preludono i Capricci, opere in cui Goya inizia a riconoscere la progressiva abdicazione del raziocinio illuminista in favore delle istintuali e violente pulsioni dell'animo umano. Per dirla con le parole di Silvia Borghesi, in questo stadio "Goya ci appare come l'ultimo pittore del Settecento, egli getta ancora il guanto di sfida alla ragione nel terreno dell'irrazionale, corteggia l'incubo minaccioso, lo aizza con gesti da torero, ma è ancora padrone dell'arena".

Prendendo consapevolezza della potenza delle virulente forze dell'inconscio e degli istinti, Goya traccia una strada che verrà seguita da numerosi artisti, come Ensor, Munch e Bacon e persino da letterati e filosofi (si pensi a Poe, Freud, Baudelaire). La visione onirica e suggestiva dei Capricci avrebbe poi lasciato il posto alla materia cronachistica, grottesca dei Disastri della guerra, ciclo dove l'occhio indagatore di Goya si sofferma sulle barbarie perpetrate durante la guerra d'Indipendenza, denunciandone il perverso dilagare della violenza ai danni di soldati catturati e del popolo inerme. Questa visione decisamente pessimistica dell'uomo, accompagnata da una scrupolosa indagine sul lato oscuro della ragione, avrebbe poi trovato il suo culmine nelle Pitture Nere, dove l'oggetto della spietata attenzione di Goya è il grande e cosmico trionfo del male e la sostanziale incapacità dell'uomo di intervenire sull'esito del proprio fato, inevitabilmente destinato a rivelarsi tragico.

È significativo ricordare che queste opere sorgono da un'interferenza tra ragione e follia, che in quanto tale non vede Goya allinearsi con una sola delle due facce della medaglia. Goya, infatti, capisce che eros e thanatos sono aspetti unilaterali dell'esistenza umana, che li comprende e sintetizza entrambi, e per questo motivo sono ineliminabili e, anzi, persino legati tra di loro da una continuità dialettica. Goya, in tal senso, si mostra sedotto sia dalla parte buona sia da quella malvagia dell'essere umano: è in questa prospettiva che egli intuisce che non conviene eliminare la parte "nera" e aberrante dell'uomo che, anzi, può anche esercitare un fascino segreto e irresistibile, senza tuttavia finire schiavo del culto illuminista della ragione.

Di seguito è riportato un elenco parziale delle opere di Francisco Goya:

Il presente dipinto (olio su tela), conosciuto sotto la denominazione di Bagno di Susanna

Davide e Betsabea,[35] 1769-70, olio su tela, 123 x 79 cm. collezione privata

L'aquilone, 1777-1778, olio su tela, 269 × 285 cm, museo del Prado, Madrid

Luis Gonzaga, 1798, olio su tela, 261 × 160 cm, Museo di Saragozza, Saragozza

Caprichos, 1799, ciclo di acqueforti

Visione fantastica, 1819-23, museo del Prado, Madrid

Fonti utilizzate nella voce

Pietro D'Achiardi, GOYA y LUCIENTES, Francisco José , in Enciclopedia Italiana, Treccani, 1933.

Silvia Borghesi, Giovanna Rocchi, Goya, collana I Classici dell'Arte, vol. 5, Rizzoli, 2003.

(EN) Robert Hughes, Goya, New York, Alfred A. Knopf, 2004, ISBN 978-0-394-58028-9.

Maurizia Tazartes, Goya. Nuova edizione, Giunti, ISBN 8809798104.

Giuliano Serafini, Goya, collana Vita d'artista, Giunti, 2004, ISBN 8809034295.

Renato Barilli, L'alba del contemporaneo: l'arte europea da Füssli a Delacroix, Feltrinelli, 1996, ISBN 9788807102028.

Ulteriori letture

Yves Bonnefoy, Goya, le pitture nere, traduzione di Alessia Piovanello, Saggi. Arti e lettere, Roma, Donzelli, 2006, pp. XIV - 226, ISBN 978-88-6036-067-0.

Valeriano Bozal; Concepción Lomba, Goya e il mondo moderno, Catalogo della mostra, Palazzo Reale di Milano, Rcs MediaGroup, Skira, 17 marzo - 27 giugno 2010, p. 352.

Goya y Lucientes, Francisco José , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Pietro D'Achiardi, GOYA y LUCIENTES, Francisco José , in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana, 1933.

(ES) Francisco Goya , in Diccionario biográfico español, Real Academia de la Historia.

Opere di Francisco Goya / Francisco Goya (altra versione) / Francisco Goya (altra versione) / Francisco Goya (altra versione) , su MLOL, Horizons Unlimited.

(EN) Opere di Francisco Goya , su Open Library, Internet Archive.

(EN) Opere riguardanti Francisco Goya , su Open Library, Internet Archive.

Goya's Zoomable Paintings , su elrelojdesol.com.

Web Gallery of Art , su wga.hu.

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Francisco José de Goya y Lucientes ( Fuendetodos, 30 marzo 1746 - Bordeaux, 16 aprile 1828) è stato un pittore e incisore spagnolo. Considerato il pioniere dell' arte moderna, è stato uno dei più grandi pittori spagnoli vissuti tra la fine del XVIII secolo e dell'inizio del XIX.

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Descrizione Granada

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Granada
comune

Localizzazione

Stato

Spagna

Comunità autonoma

Andalusia

Provincia

Granada

Territorio

Coordinate

37°11′N 3°36′W ﻿ / ﻿ Coordinate: 37°11′N 3°36′W ﻿ / ﻿

Altitudine

690 m s.l.m.

Superficie

88,02 km²

Abitanti

237 540 (2014)

Densità

2 698,7 ab./ km²

Comuni confinanti

Armilla, Atarfe, Beas de Granada, Cenes de la Vega, Churriana de la Vega, Dúdar, Huétor de Santillán, Huétor Vega, Jun, Maracena, Ogíjares, Pinos Genil, Pulianas, Santa Fe, Vegas del Genil, Víznar, La Zubia

Altre informazioni

Cod. postale

18001-18015

Prefisso

(+34)958

Fuso orario
UTC+1

Codice INE

18087

Targa

GR

Nome abitanti

granadini (granadinos)

Patrono
Maria Addolorata

Cartografia

Sito istituzionale

La città si trova nella parte orientale dell'Andalusia nel Sistema Bético, ai piedi della Sierra Nevada, sita sulla confluenza di due fiumi: il Darro, affluente del Genil, e il Genil medesimo.

Nonostante la vicinanza al mare e lo scorrere tra le sue mura del fiume Darro, il clima è secco e continentale. La pioggia è rara e le alte montagne della Sierra Nevada impediscono che il mare mitighi il clima. Per questo in inverno le temperature scendono spesso sotto lo zero e d' estate superano quasi sempre i trenta gradi. C'è anche una grande escursione termica tra il giorno e la notte, spesso anche con una differenza di quindici gradi. Le ore di sole durante l'anno sono 2662.

Nel secolo XI gli Ziridi spostarono la capitale da Medina Elvira ("Città Elvira") a Medina Garnata. L'etimología del toponimo è ancora dibattuta e potrebbe provenire tanto dall' arabo ( Gar-anat, "Collina dei pellegrini"), quanto dal latino ( granatum, " melagrana ").

Il suo periodo migliore fu quello successivo al periodo in cui al-Andalus (Spagna islamica) fu dapprima un Emirato e poi Califfato omayyade, con sede a Cordova. Con i reinos de taifas la città - che ospitava una ricca e attiva comunità ebraica, stanziata soprattutto nel quartiere Realejo, tanto da far chiamare la città Granada degli ebrei - fu governata dal 1013 in modo progressivamente indipendente dagli Ziridi, una dinastia fondata da Zāwī ibn Zīrī, un berbero giunto dal Nordafrica per partecipare alle guerre innescate in al-Andalus dal crollo del Califfato

Durante il dominio islamico, Granada è stata una delle maggiori città commerciali per lo scambio di pietre preziose, pelli, armi e polveri da sparo. Alcuni di questi oggetti venivano anche dall'Estremo Oriente come la Cina e la Mongolia, anche se i primi importatori di oggetti provenienti da questi territori furono gli antichi romani, nel loro periodo di grande prosperità.

Nel corso della dominazione almoravide e almohade, Granada perse la sua indipendenza, costretta a piegarsi al volere dei signori venuti dal Maghreb, ma recuperò il proprio ruolo quando, nel 1238, Muḥammad ibn Yūsufu ibn Nāẓar (o Naṣr) entrò nella città dalla Puerta de Elvira per occupare il Palazzo del Gallo del Vento e legare la sorte della sua dinastia nasride al Sultanato di Granada. I Nasridi dettero alla città venti sultani, fino alla sua caduta nel gennaio del 1492.

I Nasridi trasformarono la loro capitale in uno dei centri più brillanti dell'intera Penisola Iberica, tanto sotto il profilo economico e sociale quanto sotto quello prettamente culturale. Fu l'ultimo reame ad essere "riconquistato" dai cristiani che, per un lungo periodo, le consentirono di sopravvivere, sia pure in uno stato di sostanziale infeudamento, alla corona di Castiglia, fino a quando, nel 1492, Isabella di Castiglia e Ferdinando d'Aragona costrinsero alla resa e all'esilio l'ultimo Sultano Abū ʿAbd Allāh (il " Boabdil" delle cronache cristiane dell'epoca).

C'è una località chiamata "Sospiro del moro" da dove, prima di procedere verso la costa, si vede per l'ultima volta il panorama della città, e qui secondo la tradizione si fermò Boabdil a rimpiangere il suo perduto regno. Secondo la tradizione, la madre di quest'ultimo lo rimproverò dicendogli: "Piangi come una donna perché non hai saputo difendere il tuo regno come un uomo"

Il fatto che i "Cattolicissimi" re avessero deciso di eleggere come propria sede reale a Granada proprio il palazzo dei sultani dell' Alhambra (dall' arabo al-Ḥamrāʾ, ossia "la Rossa", a causa forse del colore rosato delle strutture murarie o, forse, del colore rossiccio della barba del primo sultano) lo preservò dalla devastante damnatio memoriae dei vincitori. Oggi l' Alhambra è considerata uno dei Patrimoni dell'Umanità. Carlo V edificò anche un suo palazzo nel mezzo dell' Alhambra, che non fu però terminato.

Alla fine del XVI secolo, con Filippo II al potere, scoppiò la sanguinaria ribellione dei moriscos (musulmani convertiti al cristianesimo) e fu costretto a intervenire il fratellastro di Filippo II, don Giovanni d'Austria, vincitore di Lepanto, che operò una repressione durissima: il capo degli insorti Abén Humeya (1520-1569), il cui nome cristiano era Fernando de Córdoba y Válor mentre quello arabo era Muḥammad ibn Umayya, fu tradito e assassinato da Abén Abó (Ibn ˁAbbād o Ibn ʿAbbās) che, a sua volta, fu decapitato dai cristiani che esposero la sua testa sulla Porta Reale. I moriscos vennero definitivamente espulsi dal suo regno da Filippo III e ci fu un periodo di grave crisi dell'economia nazionale (originata dallo sfacelo del settore agricolo). Nei secoli XVII secolo e XVIII secolo vi fu invece un periodo di grande splendore dovuto all'oro e all'argento delle Americhe e vennero avviate e completate le costruzioni delle grandi opere del Barocco e del periodo successivo

Nei secoli seguenti, Granada non fu più al centro della vita culturale del paese fino a quando, nel 1829, giunse in città Washington Irving, il quale dimorò all'Alhambra e scrisse I racconti dell'Alhambra che attrassero molti scrittori, artisti e viaggiatori romantici come Alexandre Dumas, Honoré Daumier, Delacroix ed altri. Nel 1889 si iniziò il restauro dell'Alhambra che fu aperta al pubblico con Alfonso XIII. Da allora Granada ha accresciuto la sua fama con Federico García Lorca, Salvador Dalí, Andrés Segovia e Manuel de Falla, che vi dimorarono contemporaneamente, facendo diventare la città andalusa uno dei maggiori centri mondiali della letteratura e della musica

Monumenti e luoghi d'interesse

Granada è anche una delle città spagnole più visitata dai turisti per i suoi monumenti, le sue feste, per i locali caratteristici dei gitani nelle grotte del Sacromonte dove si canta e si ballano il flamenco e la zambra gitana.

Il monumento più celebre è l' Alhambra, fu costruita nel quattordicesimo secolo da Muhammad Ibn Nasr che è composta di tre parti: Alcazaba (dall' arabo al-Qaṣaba, "residenza fortificata"), Casa Reale o Alcazar (dall' arabo al-Qaṣr, "il Palazzo") con i giardini ed Alhambra alta o Quartiere degli Artigiani del Popolo, la cui estensione è di 104.000 metri quadrati. La fortezza era fiancheggiata da ben trecento torri, quattro delle quali sono ancor oggi porte d'ingresso al recinto, due strade pressoché parallele attraversavano la città delle quali solo una si è conservata.

Interessanti sono diverse sale con le caratteristiche decorazioni geometriche arabescate, sia del palazzo pubblico (Mexuar) sia di quello privato (Diwan o Serraglio), anche se alcune sono un po' trasformate dai re cristiani. Caratteristici i cortili, uno dei quali detto " cortile dei mirti", per le piante di mirto che delimitano l'interno pieno di acqua, e un altro, al centro dell' harem, detto "dei leoni" per la fontana centrale la cui vasca è sorretta da dodici leoni.

Altri edifici ospitano i bagni con diverse stanze, e poi cortili, giardini, fontanelle, piccole canalette in cui scorre l'acqua, rendono unico questo complesso. L'Alhambra è stata candidata dalla Spagna al concorso per l'elezione delle 7 meraviglie del mondo moderno nel 2007. Comprende anche il Palazzo di Carlo V.

Il Generalife (dall'arabo Jannat al-ʿArīf, "Giardino del sovrintendente") non è solo una villa di ricreazione, ma anche un insieme di giardini, orti, allevamento di bestiame e tenuta di caccia per i sultani e i loro ospiti. Costruito verso il 1315 vicino all'Alhambra, in una posizione più elevata, si estende fino alle montagne.

Palazzo della Madraza. Fondata nel 1349 dal sultano Yusuf I, la Madraza è stata la prima università di Granada, oltre che una delle più antiche in assoluto di tutta l'Europa. Il nome "Madraza" fa riferimento alla Medersa, significato islamico di scuola o università. Dedicata allo studio delle scienze matematiche, teologiche e della giurisprudenza, aveva anche spazi dedicati al culto e sale di preghiera. Nel XV secolo, quando il sultanato di Granada fu conquistato dai Re Cattolici, la Madraza diventò il primo Palazzo Comunale della città cristiana. Di questo periodo si conserva ancora il Salone dei Cavalieri XXIV, completato con uno dei più begli esempi di armatura in legno di stile mudejar. Successivamente, il suo aspetto si modificò radicalmente assumendo le prerogative tipiche dell'arte barocca del tempo. Nel XIX secolo, l'antica sala di preghiera islamica fu ritrovata sotto la decorazione barocca. Grazie al restauro di questi elementi originali, come il mihrab, si possono ancora apprezzare le forme dell'arte nasride. Tra il 2006 e il 2011 sono stati inoltre condotti degli scavi archeologici che consentono al visitatore di ammirare alcuni resti dei periodi ziride e nasride (XI-XIII secoli).

Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di Granada. Nel XV secolo la Compagnia di Gesù fondò uno dei primi spazi di studio e discussione teologica della nuova città cristiana di Granada. Questo edificio, conosciuto all'epoca con il nome di "Scuola di San Paolo", diventò nuova sede per l'Università di Granada nel 1769, dopo l'espulsione dei Gesuiti dal Regno di Spagna ordinata dal re Carlo III. Dell'antico edificio si distaccano per la loro eleganza la facciata in stile barocco, l'antico teatro rinascimentale o "paraninfo" ed il giardino botanico, uno dei primi e più belli di tutto il paese. La disposizione claustrale dei pati, propria della scuola gesuitica, si conserva ancora come nel XVI secolo. Nell'attuale facoltà di giurisprudenza, grandi personalità della politica e della cultura spagnola si sono laureate in queste aule che ancora li ricordano.

L'Ospedale Reale di Granada. Questo edificio è, senza ombra di dubbio, il più bell'esempio di architettura ospedaliera spagnola dato nel periodo rinascimentale. Fondato nel 1504 dai Re Cattolici, è stato terminato solo grazie all'impegno e ai finanziamenti da parte dall'Imperatore Carlo V, che lo inaugurò nel dicembre del 1526 durante la sua visita alla città. Oggi l'Ospedale Reale ospita i Servizi Centrali e il Rettorato dell'Università di Granada. Nel piano superiore si trova la biblioteca universitaria, uno degli spazi più impressionanti della città, decorato in stile gotico e mudejar. Il piano inferiore si usa come spazio espositivo e per concerti. L'edificio si distingue anche per la bellezza dei quattro lati, soprattutto quelli rinascimentali, e per l'aspetto di fortezza medievale osservato dai giardini circondanti all'edificio.

Recinto del Carbone, Costruiti agli inizi del XIV secolo, è un edificio arabo giunto a noi pressoché immutato. Nel corso dei secoli è stato adibito a locanda e a deposito di merci varie, in particolare di carbone, da cui il nome.

I Bagni Arabi, Noti anche come Bagni di Noce si trovano nella carrera del Darro, di fronte al ponte del Cadi. Risalgono all'XI secolo e sono probabilmente i bagni arabi meglio conservati di tutta la Spagna. Come tutti gli hammam, presentano un vestibolo cui fanno seguito diverse sale dotate di acqua fredda, tiepida e calda. La sala più grande è quella provvista di acqua tiepida che presenta una pianta regolare ed è circondata da portici e archi moreschi con capitelli romani e visigoti; evidentemente si era fatto ricorso a materiale prelevato da costruzioni precedenti. Le volte presentano dei suggestivi lucernari a forma di stella ottagonale che lasciano filtrare la luce.

Cattedrale di Granada, è una delle maggiori opere in stile rinascimentale spagnolo. Comprende la Cappella Reale di Granada, adiacente all'edificio, nella cui cripta sono conservati i resti dei Re Cattolici Ferdinando e Isabella, di Giovanna la Pazza (doña Juana la Loca), di Filippo il Bello e dell'infante Miguel. Venne eretta nel 1506 su ordine dei Re Cattolici che volevano in tal modo riposare nella città che avevano conquistato. L'edificio, gotico, presenta una notevole uniformità stilistica. L'interno, a singola navata su cui si aprono numerose cappelle laterali, presenta un'imponente cancellata che delimita i due doppi mausolei, da un lato Isabella di Castiglia e il marito Ferdinando di Aragona, e dall'altro la loro figlia, Giovanna la Pazza con il marito Filippo il Bello. Notevole è il retablo che adorna la Cappella Maggiore. Nella sacristia è collocato il museo della Cappella Reale ricco di opere d'arte di inestimabile valore.

Sacromonte, al di sopra dell'Albaicín si trova il Sacromonte, quartiere in cui sono scavate numerose grotte in passato abitate dai gitani. All'inizio del XVII secolo venne fondata un'abbazia dopo che in alcune grotte furono scoperte delle reliquie di alcuni martiri, tra cui San Cecilio, Santo Patrono della città. In seguito il rinvenimento si rivelò un falso. L'abbazia conserva in un piccolo museo alcune opere d'arte come manoscritti, dipinti, sculture e molto altro ancora. Lo splendido panorama che si gode dalla piazzetta antistante rende il luogo meritevole di un'escursione.

Monastero di San Girolamo, Alla costruzione di questo luogo di culto, iniziata nel 1496, presero parte Jacopo Torni e, in un secondo tempo, Diego de Siloé. Il monastero è provvisto di un grande chiostro, completato nel 1519, circondato da colonne e da archi a tutto sesto al piano inferiore e da archi ribassati a quello superiore. Numerosi aranci ornano il chiostro come l'esterno dell'edificio. Sempre sul chiostro si aprono numerosi portali platereschi e rinascimentali. La chiesa del Monastero presenta una maestosa facciata plateresca, opera del Siloè, mentre al suo interno, nella cappella Maggiore, si può ammirare un prezioso retablo raffigurante santi e scene della vita della Vergine e di Gesù. Ai lati del retablo sono collocate le statue del Gran Capitano e della moglie in preghiera. Carlo V aveva infatti concesso al Gran Capitano la cappella per inumarvi la famiglia.

Certosa dell'Assunzione, costruita nel XVI-XVII secolo, rappresenta forse uno degli esempi più mirabili di barocco andaluso.

Chiesa di San Giovanni di Dio, È una delle chiese più belle di Granada e venne realizzata tra il 1737 e il 1759. La facciata, incastonata tra due torri che si ergono ai lati, è costituita da due corpi, uno inferiore in stile corinzio e l'altro superiore composto che contiene la statua di San Giovanni di Dio. La chiesa presenta una pianta a croce latina con quattro cappelle laterali e una cappella Maggiore. Questa, dorata, rappresenta il trionfo del Barocco.

Chiesa di Sant'Anna, costruita nel XVI secolo in stile mudéjar. All'esterno presenta un elegante portale plateresco mentre all'interno conserva un soffitto a cassettoni.

Convento di Santa Isabel la Real

Puerta Real La piazza centrale della città.

Plaza San Nicolas

Il Museo Archeologico di Granada ha sede nella Casa del Castril, uno dei più bei palazzi rinascimentali della città, nella carrera del Darro. Presenta una facciata plateresca e una bella scala coperta con un soffitto a cassettoni. In diverse sale sono esposti i resti archeologici di Granada e della provincia, dai primi popoli che vissero in questa zona fino alla dominazione araba.

Università

La città è servita dall' Aeroporto di Granada, situato a circa 20 km a ovest della città. Lo scalo ferroviario più importante è la Stazione di Granada.

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Granada comune Localizzazione Stato Spagna Comunità autonoma Andalusia Provincia Granada Territorio Coordinate 37°11′N 3°36′W ﻿ / ﻿ Coordinate: 37°11′N 3°36′W ﻿ / ﻿ Altitudine 690 m s.l.m.

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Granada

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Descrizione Cordoba

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Cordova
comune

( ES) Córdoba

Il ponte romano e la moschea-cattedrale

Localizzazione

Stato

Spagna

Comunità autonoma

Andalusia

Provincia

Cordova

Territorio

Coordinate

37°53′N 4°46′W ﻿ / ﻿ Coordinate: 37°53′N 4°46′W ﻿ / ﻿

Altitudine

120 m s.l.m.

Superficie

1 255,24 km²

Abitanti

326 609 (2016)

Densità

260,2 ab./ km²

Comuni confinanti

Adamuz, Almodóvar del Río, Bujalance, Cañete de las Torres, La Carlota, El Carpio, Castro del Río, Espejo, Fernán-Núñez, Guadalcázar, Montemayor, Obejo, La Rambla, La Victoria, Villafranca de Córdoba, Villaviciosa de Córdoba

Altre informazioni

Cod. postale

14001 - 14014

Prefisso

(+34) 957

Fuso orario
UTC+1

Codice INE

14021

Targa

CO

Nome abitanti

cordovani[1]

Cartografia

Sito istituzionale

Cordova (: ; in spagnolo Córdoba; in latino Cordŭba) è un comune spagnolo di 326.609 abitanti situato nella comunità autonoma dell' Andalusia, sulla riva del Guadalquivir e ai piedi della Sierra Morena. Fu la capitale dell' Spagna musulmana. Durante l' epoca d'oro islamica, Cordova fu trasformata in un centro mondiale di istruzione e apprendimento, producendo importanti filosofi e scienziati come Averroè e Abu al-Qasim al-Zahrawi, e divenne la città più grande di Europa, superando Costantinopoli. Fu conquistata dal Regno di Castiglia tramite la Reconquista cristiana nel 1236.

I reperti archeologici preistorici trovati risalgono al paleolitico chelleano e le stratificazioni si susseguono senza interruzione fino all'epoca storica. Nell'epoca dei metalli la vicinanza dei giacimenti di rame, piombo argentifero ed anche ferro favorì che fosse zona di commercio e d'imbarco grazie alla grande arteria fluviale. Nell' età del bronzo e all'inizio di quella del ferro si ritiene che Cordova fosse la "capitale politica" del sud della Spagna, infatti, secondo i primi storici, qui i capi delle varie tribù celebravano le loro assemblee e riunioni. Le prime notizie storiche di Cordova risalgono all'epoca cartaginese e citano i cordovani che seguirono Annibale nella spedizione contro Roma. I Romani la conquistarono nel 206 a.C. e circa trent'anni dopo il pretore Marco Claudio Marcello la edificò secondo le usanze romane, le diede il nome di Cordŭba e la fece capitale dell'Hispania Ulterior. La vita culturale di Cordova raggiunse un notevole sviluppo e quando i Romani la dichiararono Colonia Patrizia si ebbero diverse unioni fra le famiglie locali e quelle patrizie romane. Nel 45 a.C., durante la guerra civile tra Cesare e Pompeo, la città, che parteggiava per Gneo Pompeo Magno, venne assediata e poi presa dall'esercito di Gaio Giulio Cesare.

La città non subì l'invasione barbarica e rimase romana sotto l'egida di Bisanzio fino a quando l'ultimo invasore visigoto ariano Leovigildo la conquistò alla fine del VI secolo d.C. e si fece cristiano. Quando nel 756 d.C. gli Arabi entrarono a Cordova trovarono una capitale monumentale e bella con una cattedrale dedicata a San Vincenzo di Saragozza, le fortificazioni migliori di tutto il sud della Spagna. La trovarono anche contornata da molti cenobi e monasteri. Nel 1236 Cordoba fu riconquistata dai cristiani spagnoli. L'ultimo re dei Visigoti Rodrigo morì nella battaglia del Guadalete contro gli Arabi e suo cugino Pelagio fuggì sui monti delle Asturie da dove partì la Reconquista contro i musulmani invasori che finirà solo nel 1492 con la loro cacciata definitiva dalla Spagna.

Dopo un cinquantennio di dominazione dell'impero arabo di Damasco un membro della dinastia degli Omayyadi di nome ʿAbd al-Raḥmān b. Muʿāwiya scampato alla strage Abbasidi giunse a Cordova dove fondò il califfato di Cordova, un regno che durerà circa due secoli e mezzo, e sul quale regneranno i suoi successori, uno dei quali ʿAbd al-Raḥmān III si proclamerà califfo nel 928 e trasformerà la città nella grande capitale del mondo di quel tempo. Nel X secolo Cordova superò il mezzo milione di abitanti che raggiungeranno il milione alla fine dello stesso secolo.

Nei secoli undicesimo e dodicesimo la città decadde in seguito alle invasioni degli Almoravidi e degli Almohadi e del disfacimento del califfato, divenendo un centro secondario. È però solo nel 1236 che Domenico Munoz dos Hermanas, capostipite della famiglia De Cordoba, riuscì a conquistare la città per conto del re cattolico Ferdinando III di Castiglia, ciò che le ridiede una funzione strategica per la lotta contro i Nasridi del sultanato di Granada.

Nella città antica vi sono importanti resti architettonici di quando Cordova era la prospera capitale dell' Emirato di al-Andalus, poi trasformatosi in Califfato fino alla sua caduta alla fine del terzo decennio dell'XI secolo.

Il significato etimologico del nome della città è sempre stato molto discusso e non esiste attualmente un'ipotesi accettata da tutti. La prima versione conosciuta del nome è "Corduba", utilizzata tra la fondazione romana della città e il I secolo a.C., ma considerata ancora più antica. Siccome la prima attestazione di Cordova in testi antichi fa riferimento a un insediamento commerciale fenicio nelle vicinanze della attuale città, si è ipotizzata un'origine semitica del toponimo. In questo modo, secondo alcuni esso verrebbe da Qorteba, dal significato di "mulino dell'olio", oppure, secondo altri, da Qart-tuba ("buona città"). Altre etimologie fanno riferimento all'esistenza di un insediamento iberico anteriore all'arrivo dei fenici: considerando che il suffisso "-uba" era ampiamente diffuso nella Spagna romana col significato di collina oppure fiume, considerato Oba un antico nome del fiume Guadalquivir, allora Qart-Oba significherebbe "città dell'Oba".

Le grandi mura che cingevano la città, delle quali restano solo alcuni tratti e alcuni portali.

Il ponte romano, e la relativa fortificazione all'estremità del ponte sul Guadalquivir.

La Puerta del Puente.

Il mausoleo romano di Cordova.

Madinat al-Zahra', è stata una residenza califfale omayyade tra il X e l'XI secolo. Il sito archeologico, a circa 5 km a ovest di Cordova, è stato dichiarato dall'UNESCO patrimonio dell'umanità.

La Torre della Malmuerta, torre ottagonale il cui nome deriva dall'uccisione della moglie infedele da parte di un nobile della città, evento su cui si basò Lope de Vega per la sua opera I commendatori di Cordova.

L'Alcazar dei Re Cattolici fatto costruire da Alfonso XI nel 1328, arricchito con giardini, fontane, bagni e serbatoi per l'acqua dalla dinastia dei Trastamaras; fu poi modificato dai re cattolici, che ne fecero la loro residenza. Anche l'Inquisizione vi ebbe sede, dal 1400 al 1821.

La Grande Moschea, di forma rettangolare e cinta da un alto muro, attualmente Cattedrale di Cordova, è il più importante monumento musulmano di Spagna.

I bagni califfali.

La Torre di Calahorra, che ospita il Museo Storico della città.

La piccola sinagoga, unica sinagoga spagnola rimasta assieme alle due di Toledo.

La , l'antico quartiere ebraico dal dedalo di vie strettissime, retrostante la Mezquita, dove nacque Maimonide.

Il suggestivo vicolo dei Fiori.

I patios delle vecchie case del centro storico, arricchiti da fontane, mosaici e alberi.

Le chiese di San Lorenzo, della Maddalena, di San Gaetano, di San Paolo, di Santa Marina, di Sant'Andrea, di San Michele.

Il palazzo della Deputazione, già monastero delle Mercedi.

Il monastero di San Gerolamo.

La Plaza del Potro.

Il Museo municipale taurino, dedicato agli oggetti delle corride e ai toreri cordovani.

Plaza de la Corredera.

Cristo de los Faroles, crocifisso situato nella plaza de los Capuchinos, illuminato da otto lanterne.

A diretto contatto con la città, nel fiume Guadalquivir (tra il ponte romano e il ponte di San Rafael), è situata la piccola riserva naturale di Sotos de la Albolafia, dove nidificano oltre cento specie di uccelli.

Piatti tipici sono il (una zuppa fredda di pomodoro), la minestra di malmones, le uova alla como salgan, gli asparagi alla cazuela, lo stufato di coda di toro ( rabo de toro), il flamenquin (involtino di carne fritto) e il cordovano (con aggiunta di uovo sodo). Vi sono inoltre un'infinita varietà di (piccole porzioni di pietanze, una sorta di antipasto) e la (frittata di uova e patate). La regione di Cordova produce anche vini di buona qualità secchi e di buona gradazione, soprattutto nelle zone di Montilla e Moriles: le più accreditate qualità sono fino, ammontillado, oloroso e Pedro Ximenes. Da non perdere è la cata del vino, in maggio dove si ha la possibilità di assaggiare i vini tipici della regione.

Sentitissima come in tutta l'Andalusia è la Semana Santa, la settimana di Pasqua durante la quale le vie della città sono attraversate dalle processioni delle varie hermandades ( confraternite). A maggio è quindi la volta del Festival dei cortili ( Festival de los Patios) e della festa de Las Cruces che si celebra ai primi del mese e in occasione della quale vengono poste delle croci composte di fiori in varie piazze della città, attorno alle quali si raduna la gente suonando musiche tipiche.

La festa di Cordova per eccellenza è però quella della Madonna della Salute, che si celebra dal 25 al 31 maggio, in cui si mangia nelle casetas e popolata da persone in costume tipico e musica.

La città è un sito Patrimonio dell'umanità UNESCO.

Nel 2010 la zecca spagnola ha dedicato una moneta commemorativa da 2 euro alla Grande Moschea di Cordova.

Gemellaggi

Cordova è gemellata con:

Nel dicembre del 2003 è stato sottoscritto un protocollo di collaborazione commerciale, culturale e istituzionale con la città di Marcianise (CE).

1. ^ , in Treccani.it - Vocabolario Treccani on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana. URL consultato il 29 dicembre 2016.

2. ^ Simon Barton, A History of Spain , Macmillan International Higher Education, 30 giugno 2009, pp. 44-5, ISBN 978-1-137-01347-7.

3. ^ https://books.google.co.uk/books?id=qVYT4Kraym0C&pg=PA448&lpg=PA448&dq=cordoba+surpassed+and+constantinople&source=bl&ots=GB7--TK_9o&sig=ACfU3U3ZnnLyQXKuyaLJTGZmNwqcEnB5fg&hl=en&sa=X&ved=2ahUKEwj4p_bi5-fkAhUGHcAKHZ9oD1QQ6AEwFXoECAcQAQ#v=onepage&q=cordoba%20surpassed%20and%20constantinople&f=false

4. ^ () Manuel González Llana, Crónica de la provincia de Córdoba http://books.google.es/books?id=CTxyRcG6qqMC&source=gbs_navlinks_s, Rubio y Compañía, 1867.

5. ^ () Luis María Ramírez y de las Casa-Deza, Indicador cordobés, ó sea Manual histórico-topográfico de la ciudad de Córdoba http://books.google.es/books?id=YAoIAAAAQAAJ&source=gbs_navlinks_s, Imprenta, librería y litografía del Diario de Córdoba, 1867.

6. ^ () Francisco Villar, Indoeuropeos y no indoeuropeos en la Hispania prerromana http://books.google.es/books?id=G7zC8UCvmo0C&source=gbs_navlinks_s, Universidad de Salamanca, 2000.

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Cordova comune ( ES) Córdoba Il ponte romano e la moschea-cattedrale Localizzazione Stato Spagna Comunità autonoma Andalusia Provincia Cordova Territorio Coordinate 37°53′N 4°46′W ﻿ / ﻿ Coordinate: 37°53′N 4°46′W ﻿ / ﻿ Altitudine 120 m s.l.m.

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Cordoba

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Descrizione Siviglia

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Siviglia
comune

( ES) Sevilla

Siviglia - Veduta

Foto aerea di Siviglia

Localizzazione

Stato

Spagna

Comunità autonoma

Andalusia

Provincia

Siviglia

Amministrazione

Alcalde

Antonio Muñoz Martínez (PSOE) dal 3 gennaio 2022

Territorio

Coordinate

37°26′48″N 6°05′00″W ﻿ / ﻿

Altitudine

7 m s.l.m.

Superficie

140,6 km²

Abitanti

688 711 (1º gennaio 2018)

Densità

4 898,37 ab./ km²

Comuni confinanti

Alcalá de Guadaíra, La Algaba, Camas, Carmona, Dos Hermanas, Gelves, La Rinconada, Salteras, San Juan de Aznalfarache, Santiponce, Tomares

Altre informazioni

Cod. postale

41000-41099

Prefisso

95

Fuso orario

UTC+1

Codice INE

41091

Targa

SE

Nome abitanti

sivigliani (sevillanos)

Patrono

Ferdinando III di Castiglia

Cartografia

Sito istituzionale

Siviglia (in spagnolo Sevilla) è una città della Spagna di origine ibero-punica. Situata nella parte sud-occidentale della penisola iberica, nell' Andalusia di cui è capoluogo, la città sorge sulle rive del fiume Guadalquivir. Con 688 711 abitanti è la quarta città della Spagna per popolazione. La sua area metropolitana conta 1 508 605 abitanti.

Considerata il centro artistico, culturale, finanziario, economico e sociale della Spagna meridionale, è una città di notevole interesse turistico, grazie ai numerosi monumenti, piazze, giardini e alla fervente vita notturna. In particolare la Giralda, la Cattedrale, l' Alcázar e l' Archivio delle Indie sono stati dichiarati patrimonio dell'umanità dall' UNESCO nel 1987.

Siviglia sorge nelle fertili pianure del fiume Guadalquivir a circa s.l.m., nel sud ovest della penisola iberica.

Il clima della città è di tipo mediterraneo con influenze oceaniche caratterizzato da inverni miti ed estati calde. La temperatura media annuale è di circa : quindi la città è una delle più calde d'Europa. Il mese più freddo dell'anno è gennaio con temperature che di norma variano dai 5 °C ai 15 °C. La temperatura più bassa mai registrata fu -10,5 °C e risale al 12 febbraio 1956.
Le estati sono calde, secche e ventilate. In luglio, il mese più caldo, non è raro che si registrino temperature massime di 40 °C e minime di 25 °C. La temperatura più alta mai registrata fu 47.4 °C, che è la temperatura più elevata mai registrata in Spagna.
Le precipitazioni sono all'anno e sono concentrate tra ottobre e aprile, con punte in dicembre.
In media ogni anno ci sono 65 giorni di pioggia.

Il nome della città proviene dal nome indigeno tartessiano Spal o Ispal, dal significato di "terra pianeggiante". Dopo la conquista, i Romani latinizzarono il nome in Hispalis, che in epoca andalusa variò in Ishbiliya (dall' arabo أشبيليّة), dovuto alla sostituzione della "p" (fonema inesistente in arabo) con "b" e della "a" tonica con "i" (fenomeno caratteristico dell'arabo ispanico conosciuto come Imāla), da cui deriva la forma attuale Sevilla.

Furono i Tartessi i primi a fondare un insediamento nella zona dell'odierna Siviglia, intorno all' VIII secolo a.C., chiamandolo Ispal. Fenici e Greci allacciarono rapporti commerciali con i Tartessi che oltre alla città avevano occupato una parte del sud della Spagna. Di questa popolazione è giunto fino a noi il Tesoro del Carambolo trovato nei dintorni della città nel 1958 ed ora tenuto in una cassaforte del Museo Archeologico.
Nel III secolo a.C. i cartaginesi occuparono per un breve periodo la zona ma durante la seconda guerra punica le legioni di Scipione l'Africano giunsero alle porte della città e sconfissero l'esercito cartaginese guidato da Asdrubale nel 206 a.C.

Il vincitore Scipione decise allora di fondare una città in cui tenere le truppe e la chiamò Italica, che si trovava a pochi chilometri da Ispal, che sotto dominio romano venne chiamata Hispalis. Questi due nuclei conobbero epoche di grande splendore e nel 45 a.C. Giulio Cesare concesse a Hispalis il rango di colonia romana, facendone una delle città più importanti della Spagna.
Durante il II secolo d.C. subì varie invasioni da parte dei mori, che furono respinte sempre dall'esercito romano. In questo periodo si diffuse il Cristianesimo nella penisola iberica. Nel 287 d.C. vennero martirizzate le sorelle Santa Giusta e Ruffina, le quali si rifiutarono di fare un'offerta durante un rito pagano, dichiarando la loro fede cristiana; sono oggi le patrone della città.
Nonostante l'importanza di Hispalis in epoca romana oggi a Siviglia ci sono pochissime testimonianze di questo periodo, fatta eccezione per dei resti di un antico acquedotto, a differenza di Italica di cui rimangono tuttora grandi resti del passato romano.

La Torre del Oro

In seguito alla caduta dell'impero romano si susseguirono le invasioni di vandali, svevi e visigoti. I vandali di Gunderico entrarono e saccheggiarono Siviglia nel 426. Lo stesso Gunderico morì in città due anni più tardi e il suo successore, il figlio Genserico, decise di abbandonare la Spagna per dirigersi alla conquista dell' Africa lasciando Hispalis in mano ai visigoti. Sotto il dominio di questi ultimi, nel VI e VII secolo Siviglia tornò ad essere un importante centro culturale dell'Occidente.

Nel 712 Musa ibn Nusayr con un esercito di 18 000 uomini attraversò lo stretto di Gibilterra conquistando la città e tutta l'Andalusia giungendo fino a Toledo. Sotto il dominio arabo la città venne chiamata Ishbīliya (in arabo: إشبيلية‎, Ishbīliya) e anche il fiume, che in epoca romana si chiamava Betis, venne chiamato Wādī al-kabīr (fiume grande), vocaboli dai quali derivano le loro denominazioni attuali. Anche se all'inizio della dominazione araba il centro del potere venne stabilito a Cordova ( Califfato di Cordova) Siviglia acquistò sempre più importanza e nel 1147 con l'arrivo della dinastia degli Almohadi al potere venne scelta come capitale. A quest'ultimo periodo del dominio islamico si devono la costruzione di monumenti come la Giralda, la Torre dell'Oro, l' Alcazar e le mura della Macarena.

Nel 1248, dopo due anni di assedio, Ferdinando III di Castiglia conquistò Siviglia annettendola al mondo cristiano. I musulmani vennero costretti ad abbandonare la città e parallelamente venne ripopolata da migliaia di castigliani. Le numerose moschee vennero convertite in chiese cristiane e se ne costruirono di nuove in tutta la città. Ferdinando III decise inoltre di spostare la corte del Regno di Castiglia nell'Alcazar, la fortezza araba, che divenne così la prima residenza reale. Il re visse a Siviglia fino alla sua morte avvenuta nel 1252 e da allora venne considerato dai sivigliani come il patrono protettore della città. Anche il figlio Alfonso X il Saggio fece fiorire la città grazie al suo regno tollerante e pacifico. Sotto il regno di Pietro I di Castiglia (1350-1369) la città si ingrandì in maniera straordinaria e nel 1401 venne iniziata la costruzione della cattedrale nel luogo in cui sorgeva la moschea. Nel XV secolo i Re Cattolici, con il decreto dell'Alhambra, decisero di espellere gli ebrei dal regno e designarono Siviglia come sede dell' Inquisizione.

Dipinto raffigurante il "Porto delle Indie" di Siviglia nel XVI secolo

Con la scoperta dell'America Siviglia raggiunse l'apice della sua storia dato che vi si stabilì la Casa de Contratación, l'organismo commerciale che deteneva il monopolio delle merci delle colonie americane Giunte a bordo di poderosi bastimenti alla foce del Guadalquivir dopo la traversata atlantica, le navi risalivano il fiume raggiungendo l'immenso scalo della città. In questo periodo Siviglia divenne la città più ricca e cosmopolita della Spagna, monarchia che nel 1519, essendo stato incoronato Carlo V a imperatore del Sacro Romano Impero, divenne di fatto la più potente di tutta Europa. Nel Siglo de Oro Siviglia raggiunse i 150 000 abitanti, fu terminata la cattedrale e fondata l'università.

Tre fatti importanti segnarono il XVII secolo quali la Grande peste del 1649, che ridusse di metà la popolazione cittadina, l'illuminazione delle zone più importanti della città con lampade ad olio e l'impantanamento del Guadalquivir che dal 1680 non fu più navigabile, determinando il trasferimento della flotta delle Indie e della Casa de Contratación nel porto di Cadice agli inizi del XVIII secolo. Questo fu l'inizio del tramonto per la città che mantenne solo qualche monopolio commerciale come quello del tabacco per il quale venne edificata un'immensa fabbrica ora sede dell'università.

In occasione dell'Esposizione Iberoamericana del 1929 furono realizzate ex novo vaste aree urbane, tra cui la Plaza de España

La storia più recente della città è stata caratterizzata da due grandi esposizioni. Nel 1929 fu organizzata l' Esposizione iberoamericana, voluta per potenziare l'economia andalusa, per la quale la fisionomia di Siviglia cambiò con la creazione del Parco Maria Luisa in cui furono costruite diverse opere della cosiddetta architettura regionalista. Poco dopo, nel febbraio del 1936, la città cadde subito in mano ai franchisti all'inizio della Guerra civile spagnola. La repressione nei primi due anni fu violentissima e si calcola che morirono circa 3 000 persone dal 1936 al 1937.

Nel 1992 ci fu l' Esposizione Universale (EXPO) con cui la città ha acquisito un nuovo profilo urbano nella zona a sud del fiume. Furono creati palazzi in stile avanguardista per ospitare le esposizioni sull'Isola della Certosa che fu collegata al centro da un nuovo ponte, ora uno dei simboli della Siviglia moderna, il ponte dell'Alamillo. La maggior parte delle installazioni utilizzate dall'EXPO sono state convertite per altri usi e alcune sono state utilizzate per un parco tecnologico. Sempre in occasione dell'Esposizione fu costruita la nuova stazione ferroviaria di Santa Justa e fu inaugurata la tratta dell' alta velocità per Madrid.

Nel 1999 Siviglia ha ospitato i mondiali di atletica. Attualmente la città è coinvolta in un grande processo di trasformazione urbana. L'area monumentale del centro storico è stata dichiarata area pedonale e da ottobre 2007 la mobilità si completa con una linea di metro in superficie ( MetroCentro) che collega le stazioni della Metropolitana di Prado de San Sebastián e Puerta de Jerez, con Avenida Constitución e la Plaza Nueva. Nel 2009 è stata inaugurata la Linea 1 della Metropolitana, con un percorso di 18 km e 22 stazioni tra Ciudad Expo ed Olivar de Quintos.

NO8DO è il motto e il logotipo del comune di Siviglia e consiste in una matassa (in castigliano madeja) di filo, che per la sua forma assomiglia molto al numero otto, preceduto dalla sillaba "NO" e seguito dalla sillaba "DO", entrambe scritte in stampatello maiuscolo. Si forma quindi il rebus "NO8DO" che si legge "NO-MADEJA-DO": questa è l'espressione fonetica sivigliana della frase "No me ha dejado" ("Non mi ha abbandonato").

Tradizionalmente è legata al re Alfonso X, che nel 1283 avrebbe riconosciuto alla città il diritto di fregiarsene nello stemma perché vi aveva trovato rifugio e protezione, quando l' anno precedente il regno era rimasto coinvolto in una guerra dinastica che avrebbe successivamente sancito il diritto del figlio Sancho IV alla corona.

Secondo altre teorie, il significato sarebbe da ricondurre al "nodo", in allusione al nodo gordiano di Alessandro Magno.

Questo simbolo figura al centro della bandiera della città di Siviglia, esposta sui palazzi comunali.

Monumenti e luoghi d'interesse

Le piazze sulle quali si affacciano i monumenti principali della città sono la Plaza de la Virgen de los Reyes e Plaza del Triunfo.

Anticamente un minareto, oggi la Giralda è la torre campanaria della cattedrale

La Giralda è l'antico minareto della moschea divenuto poi la torre campanaria della cattedrale ed ora è il monumento simbolo di Siviglia. Da questa torre in epoca moresca il muezzin chiamava i fedeli alla preghiera e molto probabilmente veniva anche utilizzata come osservatorio astronomico.

La sua costruzione iniziò nel 1171 e si concluse nel 1198, opera dell'architetto Aben Baso (Ahmad ibn Baso). Nel corso del tempo la struttura subì numerosi cambiamenti e rappresenta uno dei migliori esempi dello stile mudéjar della Spagna.

Raggiunge ora l'altezza di 103 metri e per questo motivo la sua presenza nella città è costante apparendo dagli angoli più imprevisti. In cima si trova un coronamento rappresentante il Trionfo della Fede che viene chiamato Giraldillo.

Verso la Cattedrale, vista della Giralda

Il Patio de los Naranjos nella Cattedrale

La e la terza del mondo cristiano dopo Cattedrale di Siviglia, per ampiezza dell'aula, è la più grande della Spagna San Pietro a Roma e Saint Paul a Londra [Saint Paul non è il secondo edificio religioso per dimensione] e ciò rispecchia bene l'ambizione e l'entusiasmo di coloro che ne seguirono la costruzione verso la fine del XIV secolo quando la città era una delle più importanti d' Europa. Fu costruita dove sorgeva la grande moschea di cui rimangono solo la Giralda e il Patio de los Naranjos (Cortile degli aranci) che corrispondeva all'antico patio delle abluzioni.

La pianta è un rettangolo di 126,18 metri di lunghezza per 83,60 di larghezza divisa in cinque navate ed è alta 30,48. Il suo punto più alto raggiunge però i 56 metri. Dal 2005 fa parte del libro dei Guinness dei primati per la sua enorme estensione spaziale. Anche se fu terminata nel 1506 ci vollero quattro secoli per darle l'aspetto attuale.

La facciata principale si trova lungo Avenida de la Constitución e all'esterno la chiesa è circondata dalle gradinate, ovvero delle scalinate collegate tra loro da catene, che furono costruite per servire da punto di assunzione di braccianti durante il XIV secolo.

L'interno è impressionante data la grandiosità dell'edificio. Nella navata centrale dietro il coro spicca la Cappella Maggiore, chiusa da una magnifica inferriata in ferro dorato, all'interno della quale si trova l'immenso retablo della "Virgen de la Sede". Sempre all'interno del tempio ha sede il mausoleo di Cristoforo Colombo, sotto il grande orologio ottocentesco, ed è esposto l'autentico Giraldillo della Giralda.

Un ex-collegio di gesuiti, affacciato sulla stessa piazza dove si trova la Giralda, ospita la chiesa dell'incarnazione, costruita in stile rinascimentale negli anni 1565-1579 su progetto di Bartolomé de Bustamante. Internamente, un retablo primoseicentesco di Juan Martínez Montañés ospita una Sagrada Familia scolpita da Juan de Roelas. Lo stesso Montañés, unitamente a Francisco Pacheco del Rio, è autore delle statue che, nella parte bassa del retablo, raffigurano i santi Ignazio di Loyola e Francesco Borgia (1610). Nella cripta della chiesa trovano posto alcune sepolture rinascimentali, realizzate dagli artisti Pace Gaggini e Antonio Maria Aprile, provenienti da Genova.

Basilica della Macarena.

Chiesa di Santa Marina, nel quartiere della Macarena, edificio dotato di portale e campanile in stile mudejar (XIV secolo).

Chiesa di San Gil, nel quartiere della Macarena, edificio ricostruito nel Seicento sulla base di una precedente chiesa del Duecento, della quale si conservano ancora l'abside e alcuni ornamenti del Trecento. Il campanile, già al servizio della chiesa originaria, è un vecchio minareto: la vecchia chiesa fu infatti costruita in sostituzione di una moschea, resti della quale sono ancora osservabili all'interno dell'attuale edificio religioso.

Chiesa dell'Hospital de la Sangre, costruita nel 1560 nel quartiere della Macarena, all'interno della quale trova posto un retablo del 1601.

Certosa di Santa Maria de las Cuevas.

Chiesa della Maddalena.

Chiesa del Divino Salvatore, con patio degli aranci.

Chiesa di Santa María la Blanca, nel Barrio de Santa Cruz. Ricostruita nel periodo barocco in sostituzione di una precedente sinagoga, nelle navate riccamente decorate a stucco ospita un'Ultima Cena di Bartolomé Esteban Murillo e una Pieta di Luís de Várgas (1564).

Capilla del Seminario (1506), in stile gotico, edificio ad aula internamente decorato da azulejos e da una copertura ad artesonado. La cappella ospita un polittico, realizzato da Alejo Fernández nel 1520.

Chiesa di Santa Anna, nel quartiere di Triana. Realizzata nel 1280 in stile gotico-mudejar, è introdotta da un portale in stile romanico. Internamente, la Capilla Mayor ospita un retablo realizzato attorno alla metà del XVI secolo. Di qualche decennio anteriore è la Vergine della Rosa realizzata da Alejo Fernández nella zona del coro. Tra le opere conservate nelle cappelle della navata di destra si menzionano un sacrofago in ceramica, eseguito nel 1503 dall'artista di Pisa Francesco Nicoloso, e un polittico in onore di Santa Caterina, realizzato nel 1153 da Hernando de Sturmio. Alla scuola di quest'ultimo è attribuita anche la maggior parte delle tele che si trovano nelle cappelle della navata di sinistra.

Chiesa della Carità, introdotta da una facciata decorata ad azulejos, all'interno della quale si conservano un pulpito e un retablo scolpiti da Pedro Roldán, oltre a numerose opere pittoriche di Bartolomé Esteban Murillo (1671-1674) e di Juan de Valdés Leal (1670-1671). Quest'ultimo è anche autore del dipinto che, nella sala capitolare, ritrae colui che ispirò l'opera Miguel Mañara, sepolto nella cripta della chiesa. La sala capitolare ospita anche dipinti di Francisco de Zurbarán e del già citato Murillo.

Capilla de San José, edificio in stile barocco lungo la Calle de las Sierpes.

Iglesia omnium Sanctorum (1356), chiesa gotica introdotta da un portale che presenta elementi mudejar, stesso stile che caratterizza l'adiacente campanile.

Convento di San Clemente el Real, fondato da San Fernando III di Castiglia a partire da un preesistente palazzo reale degli Almohadi. La chiesa conventuale, realizzata nel 1632, ospita dipinti di Juan de Valdés Leal (nel coro) e di suo figlio Lucas Valdés (sulle pareti della navata), oltre a una raffigurazione di San Giovanni Battista frutto della cooperazione fra gli artisti Núñez Delgado e Francisco Pacheco del Rio. Il retablo dell'altare maggiore, eseguito tra il 1639 e il 1647, è di Francisco Dionisio de Ribas.

Chiesa di Santa Catalina (XIV secolo), costruita sulla base di una precedente moschea della quale conserva una torre e alcuni archi. Internamente conserva una Flagellazione di Cristo, opera realizzata da Peeter de Kempeneer.

Chiesa del Convento de Santa Isabel (XVI secolo), in stile rinascimentale, introdotta da una facciata recante un altorilievo Seicentesco realizzato da Andrés de Ocampo sul tema della Visitazione della Beata Vergine Maria. Internamente, la chiesa ospita un retablo maggiore del 1625, opera di Juan de Mesa, autore anche del Cristo de la Misericordia (1623) conservato nei pressi del coro, dove trovano posto anche un San Giovanni di Juan Martínez Montañés e un quadro di Juan de Roelas.

Chiesa di Santa Paula (XIV secolo), in stile gotico-mudejar ma rimaneggiata con elementi barocchi. Esternamente ospita un Seicentesco portale, realizzato in ceramica da Francesco Nicoloso e dotato di elementi scolpiti in rilievo da Pedro Millán. Internamente, si presenta con una navata parzialmente decorata ad azulejos, coperta da un soffitto in stile mudejar, ai lati della quale si aprono alcune cappelle dotate di altari progettati da Alonso Cano e di statue di Juan Martínez Montañés. Il coro ospita opere di Francisco de Zurbarán (una Disputa) e di Bartolomé Esteban Murillo (un'Immacolata), mentre a destra della Capilla Mayor si trovano gotiche sepolture Cinquecentesche dei marchesi di Montemayor.

Chiesa de la Anunciacion.

Chiesa di San Lorenzo.

Il Patio de las doncellas, all'interno delle Reales Alcázares

I Reales Alcázares (le fortezze reali) vengono chiamati così, al plurale, perché costituiscono un insieme architettonico che va dal primo Alcázar arabo ( al-Qasr) ai successivi ampliamenti di cortili e palazzi che furono costruiti dai monarchi successivi. Dell'Alcázar restaurato dagli Almohadi nel XII secolo rimane solo una parte delle mura, il Patio del Yeso e quello de la Montería. La struttura che si può vedere adesso è in gran parte dovuta alla ristrutturazione di Pietro I di Castiglia. Oltre alle stupende sale, stanze e cortili dei palazzi ci sono anche dei magnifici giardini che sono un bell'esempio di un'arte in cui gli andalusi sono grandi maestri.

L'edificio dell'Archivio delle Indie si affaccia su Plaza del Triunfo e fu realizzato tra il 1584 e il 1598 in stile rinascimentale con pianta quadrata, due piani ed un patio centrale con portici. Il progetto fu di Juan de Herrera e inizialmente era stato costruito per ospitare la Borsa dei Commercianti in modo da decongestionare l'intensa attività commerciale che si svolgeva a Siviglia in seguito alla scoperta dell'America. Per volontà di Carlo III fu convertito in sede dell'Archivio delle Indie nel 1785 per raccogliere i documenti legati ai possedimenti spagnoli d'oltremare. Rappresenta oggi uno degli archivi più importanti del mondo con milioni di documenti preziosissimi.

Questa piazza, a nord della Cattedrale in fondo alla Avenida de la Constitución, da molti anni svolge la funzione di centro principale della città. Si deve la sua forma attuale ai lavori della prima metà del XVI secolo, quando furono costruiti il Municipio e la Fontana con la statua del Dio Mercurio. La piazza, durante il Medioevo, era centro di scambi commerciali e fu il luogo dove vennero fatte le prime corride.
Il Municipio fu costruito tra il 1527 e il 1534 sotto la direzione di Diego de Riano, in stile rinascimentale.

Dalla Plaza de San Francisco parte la Calle de las Sierpes, una delle vie più frequentate vie di Siviglia per la presenza di numerosi negozi e bar all'aperto. Lungo la strada si trova il palazzo del Banco ispanoamericano, costruito laddove un tempo si trovava il carcere nel quale Miguel de Cervantes iniziò a scrivere il

Attorno al nucleo di Siviglia monumentale si trovano i quartieri di Santa Cruz ed El Arenal che conservano tuttora l'aspetto dell'epoca moresca con vie strette e tortuose, piazzette irregolari e case basse con ampi ed eleganti patios.

Entrando nello specifico del Barrio de Santa Cruz, nel XV secolo vi furono costruite diverse piazze che si aprono in mezzo al labirinto di vie. Una di queste piazze, Plaza de los Venerables, prende il nome dall'Ospedale de los Venerables Sacerdotes, uno dei palazzi barocchi più interessanti della città, costruito tra il 1675 e il 1695. In calle de Santa Teresa al numero 8 si trova la casa, oggi museo, in cui il pittore Murillo trascorse gli ultimi anni della sua vita.

Nell'omonima piazza si trova la Casa de Pilatos, il più sontuoso palazzo di Siviglia costruito agli inizi del XVI secolo, residenza dei duchi di Medinaceli. L'idea era quella di realizzare una copia del Pretorio del procuratore della Giudea, Ponzio Pilato, dato che l'edificio era stato fortemente voluto da Don Fadrique, di ritorno dal suo viaggio in Terra Santa.

Il palazzo è un insieme di stili architettonici diversi che vanno dal rinascimentale allo stile mudéjar, tipico dell'Andalusia.

La plaza de toros di Siviglia è uno dei luoghi più prestigiosi della tauromachia. Fu costruita nel XVIII secolo e restaurata verso la metà del XIX secolo. Dopo quella di Ronda, è la più antica del mondo e anche una delle più grandi con una capienza di 12 500 posti. Al suo interno è ospitato un museo che ripercorre la storia taurina di Siviglia che è antica e illustre, avendo la sua arena ospitato i più grandi toreri di tutti i tempi. Le corride iniziano durante le festività pasquali e durano fino al mese di ottobre.

La Torre del Oro è, assieme alla Giralda, il monumento più emblematico di Siviglia; si tratta di un'antica torre di sorveglianza sulle sponde del Guadalquivir. Fu costruita dagli Almohadi nei primi anni del XIII secolo per controllare la navigazione sul fiume e sembra che il suo nome derivi dal fatto che un tempo era ricoperta di maioliche dorate.

La torre possiede una pianta dodecagonale costituita da due corpi, uno in pietra e uno in mattoni. Il coronamento venne aggiunto solo nel 1760. Attualmente la torre ospita il Museo Navale.

La Real Fábrica de Tabacos, oggi sede del rettorato dell'università sivigliana

In centro, la piazza di Porta Jerez, che una volta era l'uscita dalle mura cittadine, è ora una bella piazza nelle vicinanze della quale si trova l' Hotel Alfonso XIII, il più lussuoso di Siviglia, costruito nel 1929 in stile neomudéjar.

Non lontano dalla piazza è anche il palazzo San Telmo, sede del seminario arcidiocesano e della locale Università Pontificia. Costruito tra il 1682 e il 1796, è dotato di una facciata principale in stile barocco, aperta da un portale churrigueresco realizzato da Leonardo de Figueroa nel 1734.

Dietro Porta Jerez si trova anche l'enorme edificio dell' Università di Siviglia che una volta era la Reale Fabbrica di Tabacco, costruita quando Siviglia aveva il monopolio dell'elaborazione del tabacco. L'edificio è stato concepito come se fosse una cittadella, con una zona residenziale, una industriale, un fosso che la circondava con relativo ponte levatoio e un carcere.

Plaza de España è un'enorme piazza a forma di semicerchio con un diametro di 200 metri che culmina in due alte torri alle estremità, raccordate da edifici posti lungo metà del perimentro della piazza. Queste architetture vennero realizzate in occasione dell' Esposizione iberoamericana del 1929. Al centro della spianata c'è un canale navigabile, e tutta la piazza è circondata da portici sormontati da balaustre al di sotto delle quali ci sono delle panchine decorate con maioliche che raffigurano le 54 provincie spagnole. L'ampiezza e la sua particolare disposizione la rendono una delle piazze più caratteristiche della città.

Plaza de América si trova nella zona del parco dove sono stati costruiti la maggior parte dei padiglioni espositivi del '29. La piazza è un ampio spazio immerso nel verde, con al centro una grande fontana circondata da tre padiglioni, dove oggi sono ospitati dei musei.

Metropol Parasol de la Encarnación, detto comunemente setas (funghi)

Puerta de la Macarena (1713-1795), nell'omonimo quartiere, costruita in un tratto di mura romane intervallate da torri del periodo arabo. La porta è decorata ad azulejos.

Hospital de las Cinco Llagas (1546-1613), detto anche Hospital de la Sangre, costruito in stile rinascimentale non lontano dalla Puerta de la Macarena.

Calle Pureza a Triana.

Caños de Carmona (resti di un acquedotto romano-almohadi).

Il più bel parco di Siviglia nasce dalla donazione, fatta alla città nel 1893, di metà dei giardini del Palazzo San Telmo, che erano di proprietà della principessa Maria Luisa. In seguito, il parco subì enormi cambiamenti per l' Esposizione iberoamericana del 1929 in quanto si decise di sistemare i padiglioni dell'Esposizione nel parco. L'ingegnere francese Forestier fu incaricato di progettare i giardini mentre Aníbal González progettò buona parte degli edifici espositivi e soprattutto le piazze di Spagna e d'America.

A sud del barrio de Santa Cruz si trovano i Giardini di Murillo, che facevano parte degli orti dei Reales Alcázares, e furono donati alla città nel 1911.

Siviglia è conosciuta per le sue celebrazioni della Settimana Santa ( Semana Santa) quando 59 confraternite sfilano in una serie di cortei dalla periferia della città fino alla Cattedrale, dove si tiene la Via Crucis; un terzo della popolazione partecipa attivamente ai riti. In particolare occorre menzionare le figure dei "penitenti", i cosiddetti Nazarenos, che sfilano incappucciati di bianco e nero.

Nella città si svolge inoltre ogni anno la singolare festa della Feria de Abril nel periodo fine aprile inizio maggio. Tale festa coinvolge tutta la popolazione locale con danze rigorosamente in costume tipico, banchetti e festeggiamenti che si svolgono all'interno delle casetas, tipiche abitazioni temporanee dove i "proprietari" accolgono i loro ospiti. Le casetas ricoprono un intero quartiere della città tanto da essere identificate da vie e relativi numeri tipici. Questa festa esprime l'animo della città, allegra, legata alle tradizioni, accogliente ed organizzata. Durante questa festa vengono indossati i costumi tradizionali e si ballano le Sevillanas, ballo folcloristico tipico della città. All'inizio e alla fine dei festeggiamenti ci sono fuochi d'artificio.

La Danza de los Seies, tradizionalmente eseguita all'interno della Cattedrale in occasione del Corpus Domini, viene eseguita da una decina di giovani in antichi costumi. Durante il ballo, i danzatori suonano le nacchere e intonano un canto risalente agli inizi del XVI secolo.

Le annotazioni di Cristoforo Colombo sulla sua copia de Il Milione di Marco Polo

L' Archivo General de Indias conserva i documenti del Consiglio delle Indie: ha perciò un ruolo importante per la ricostruzione della storia delle Americhe dall'arrivo degli Europei alla fine del colonialismo.

L'' Institución Colombina, comprende la Biblioteca Capitular, la Biblioteca Colombina, gli archivi della cattedrale, l'archivio e la biblioteca arcivescovili. Essa conserva, fra l'altro, la copia de di Marco Polo appartenuta a Cristoforo Colombo e da lui annotata a margine.

L' Università di Siviglia è stata fondata nel 1505. Nel 1997 è stata fondata una seconda università pubblica, la Universitat Pablo de Olavide.

L' Ateneo de Sevilla è la locale società scientifica e letteraria, di cui furono membri anche Federico García Lorca e Rafael Alberti.

Il Barrio de Santa Cruz è uno dei quartieri più pittoreschi e famosi di Siviglia. Si trova in pieno centro ed è la zona della città che più di tutte ha mantenuto la sua struttura moresca. In seguito all'espulsione degli arabi, qui si installò la comunità ebraica, una delle più grandi di Spagna, ai tempi di Ferdinando III. Il quartiere è un dedalo di viuzze strette e tranquille sulle quali si affacciano splendide abitazioni con facciate bianche e ocra ricoperte da edere e fiori.

Sulla sponda opposta del fiume rispetto alla Cattedrale, sorge il quartiere di Triana, uno dei più amati dai sivigliani, quartiere che è stato per secoli legato al fiume ed al mare.

Altro famoso quartiere è quello della Macarena, che prende il nome da una Basilica ove è custodita la venerata immagine della Vergine Speranza Macarena, che viene portata in processione per la città, in mezzo al fervore popolare, durante le festività pasquali.

La città e le sue zone limitrofe sono servite dalle linee di autobus gestite da TUSSAM (Transportes Urbanos de Sevilla) che opera anche una linea tranviaria urbana aperta nel 2007, El Metrocentro Tranvia: formata al momento da sole cinque fermate, è allo studio un futuro ampliamento [senza fonte].

Nell'aprile 2009 è stata aperta la prima delle quattro linee della metropolitana di Siviglia, anche se con quasi 28 mesi di ritardo sull'apertura prevista: i lavori subirono ritardi per varie ragioni tra cui il rinvenimento di alcuni reperti archeologici e le difficoltà tecniche dovute al passaggio del fiume Guadalquivir a profondità sufficiente per evitare infiltrazioni d'acqua.

La Stazione di Sevilla-Santa Justa è collegata alla rete dell' alta velocità spagnola (AVE), gestita da Renfe, ed è centro della rete suburbana delle Cercanías.

A Siviglia c'è inoltre Sevici, una rete di biciclette pubbliche, affiancata da una rete di corsie riservate ai cicli, contraddistinte da segnaletica orizzontale verde, tuttora in espansione.

La città è infine servita dall' aeroporto San Pablo, situato 12 km a nord-est della città, che nel 2007 ha avuto un traffico di 4,5 milioni di passeggeri. Attualmente è uno degli aeroporti più importanti di tutta l'Andalusia.

Sede del municipio di Siviglia nel centro storico della città. Facciata plateresca del XVI secolo su Plaza de San Francisco

L'aula Colombo (salón Colón), sala consiliare dal 2007

Siviglia è gemellata con:

Due sono le squadre di calcio che giocano nel più importante campionato di calcio spagnolo, il Real Betis e il Sevilla FC.

La squadra di pallacanestro, il Club Baloncesto Sevilla, ha assaggiato due volte le finali del massimo campionato spagnolo, la ACB, in gran parte dominato da Barcellona e Real Madrid.

Galleria d'immagini

Alessandro Cruciani e Piero Lucca, Siviglia, in Guida d'Europa: Spagna, Portogallo, Milano, Touring Club Italiano, 1975.

Sito ufficiale , su sevilla.org.

Siviglia , in Dizionario di storia, Istituto dell'Enciclopedia Italiana, 2010.

(EN) Siviglia , su Enciclopedia Britannica, Encyclopædia Britannica, Inc.

(EN) Siviglia , in Catholic Encyclopedia, Robert Appleton Company.

Siviglia Fotos , su travel-impressions.de. URL consultato il 15 luglio 2005 (archiviato dall'url originale l'11 maggio 2005).

(ES) Foto Galleria di Siviglia , su retratoiberico.com (archiviato dall'url originale il 12 ottobre 2008).

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Siviglia comune ( ES) Sevilla Foto aerea di Siviglia Localizzazione Stato Spagna Comunità autonoma Andalusia Provincia Siviglia Amministrazione Alcalde Antonio Muñoz Martínez (PSOE) dal 3 gennaio 2022 Territorio Coordinate 37°26′48″N 6°05′00″W ﻿ / ﻿ Altitudine 7 m s.l.m.

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Siviglia

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Valencia

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La Rambla

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Descrizione Barcellona

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Barcellona (pron. "Barcellóna"; in catalano Barcelona [bəɾs̙əˈlonə] e in spagnolo Barcelona [baɾθeˈlona] ) è una città della Spagna di 1 636 732 abitanti ( area metropolitana istituzionale: 3 239 337 abitanti), capoluogo della Catalogna, una comunità autonoma della parte orientale dello Stato, oltre che dell' omonima provincia e della comarca del Barcelonès: soprannominata Ciutat Comtal o Ciudad Condal (Città dei Conti), è la seconda città della Spagna per numero di abitanti dopo la capitale Madrid.

Nel 1992 fu sede dei Giochi Olimpici estivi. Nel 2004 vi si è tenuto per la prima volta assoluta il Forum Universale delle Culture, la città ha ospitato l' Esposizione internazionale del 1888 e quella del 1929, ed è la sede fissa del Mobile World Congress e dell' Unione per il Mediterraneo; forte del turismo, del porto e della vicinanza alla Francia (160 km da Le Perthus), la città è il secondo maggior centro industriale e finanziario della Spagna dopo Madrid, nonché il maggior porto commerciale e turistico e uno dei maggiori d' Europa.

La posizione di Barcellona tra la " Serra di Collserola" (la cui quota massima è di 516,2 metri) e il mar Mediterraneo favorisce scarse escursioni termiche giornaliere, in media di circa 7 °C in tutte le stagioni, e un tasso di umidità particolarmente alto in estate e autunno. Perciò è raro avere temperature estreme: di media si registrano 5 gelate ogni inverno e non più di dieci giorni con massima superiore ai 30 °C. Ma questo cambia subito nei quartieri alti e le borgate vicine alle vallate prelitoranee. Nella comarca del Vallès le ghiacciate superano i 30 giorni annui e i 25 giorni per le massime superiori ai 30 °C d'estate. Tuttavia tali massime non superiori ai 30 °C per molti giorni d'estate vengono accompagnate da un forte disagio causato dall'alta umidità media con forte afa, xafogor in catalano. Al contrario d'inverno, pur essendo di media le temperature non eccessivamente basse, predominano venti di maestrale e non di rado tramontana che aumentano il freddo percepito: fredor in catalano.

Le piogge mediamente ammontano ai 620 mm. annuali e sono presenti durante tutti i dodici mesi dell'anno, con massimi tra settembre e novembre e un minimo estivo in luglio. I temporali di agosto fanno sì che le precipitazioni estive siano localmente abbondanti: in certi anni ( 1977, 1987, 1995, 2002, 2005, 2011) questo mese ha registrato valori pluviometrici davvero ragguardevoli, come i 220 mm misurati durante un violento nubifragio la notte fra il 31 di luglio e il 1º di agosto del 2002. In media si registrano 25 giorni di temporale, soprattutto ad agosto e settembre (cinque ciascuno).

I dati sono forniti dalla stazione meteorologica di Barcellona.

Secondo la leggenda, a fondare la città di Barcellona fu il cartaginese Amilcare Barca, padre di Annibale. In realtà l'esistenza di una Barcellona punica non si è mai potuta provare, così come sembra non avere molto più fondamento la nascita e lo sviluppo di un insediamento greco nelle immediate vicinanze della città. È probabile che i primi abitanti di Barcino, fondata intorno al 300 a.C., fossero delle genti di origine ibera.

Successivamente i Romani riorganizzarono la città come un castrum (un campo militare), situato sul monte Tàber, una collina dove oggi sorgono da una parte il municipio e dall'altra la sede della Generalitat de Catalunya (Plaça de Sant Jaume). La città fu battezzata dai Romani con il nome di Colonia Iulia Augusta Faventia Paterna Barcino. L'organizzazione antica delle strade è ancora visibile nelle cartine del centro storico e nelle mura romane rimaste in piedi. Si ritiene che Barcino avesse anche un anfiteatro, probabilmente ubicato nei pressi della Basilica di Santa Maria del Mar.

La città fu poi conquistata dai Visigoti nel V secolo, dai Mori nell' VIII secolo, dai Franchi, guidati da Ludovico il Pio, nell'anno 801. Questi ultimi ne fecero la capitale della contea di Barcellona. Fu poi saccheggiata dal hajib omayyade Almanzor nel 985.

A partire dal X secolo Barcellona visse un lungo periodo di prosperità che continuò anche quando, nel 1137, per un gioco di alleanze, il conte divenne re di Aragona, e la città il centro più rappresentativo del reame e capitale del Principato di Catalogna. Barcellona divenne uno dei maggiori porti del Mar Mediterraneo (i suoi mercanti e armatori rivaleggiavano con i genovesi); il centro si arricchì di sontuosi edifici gotici e, tra il XIII e il XIV secolo, due nuove cinte murarie ne fortificarono il cuore medievale.

L' industrializzazione dell' Ottocento proseguì in tutto il Novecento risollevando l'economia, e la città tornò a essere un importante centro commerciale, politico e culturale. Testimoni ne sono le due Esposizioni Universali organizzate nel 1888 e nel 1929. Nella seconda metà del XIX secolo il progetto di abbattere le antiche mura medievali fece spazio a l'Estensione (in catalano Eixample) che allargò i confini della città fino a inglobare i paesini della vicina periferia. Fu il caso di Gràcia, Sarrià, Horta, Sant Gervasi de Cassoles, Les Corts, Sants, Sant Andreu de Palomar e Sant Martí de Provençals.

Durante la guerra civile Barcellona si schierò dalla parte della Repubblica. Più precisamente, il forte e radicato movimento anarchico della città diede impulso a massicce collettivizzazioni e a diffuse esperienze di autogestione nell'industria e nei servizi pubblici. Durante la guerra, la città fu bombardata in diverse occasioni principalmente dall' Aviazione Legionaria italiana, ma anche dalla Legione Condor, nazista, al servizio del generale Franco. Ci furono 385 bombardamenti, i quali causarono 2.750 morti. La città fu occupata il 26 gennaio 1939 dall'Esercito franchista. Il regime abolì le istituzioni politiche autonome e vietò l'uso della lingua catalana. Durante i 36 anni della dittatura, Barcellona visse un periodo di trasformazione sociale e culturale. La forte immigrazione (essenzialmente dal sud della Spagna) iniettò nel substrato cittadino un gran numero di abitanti di lingua spagnola, riducendo l'impatto del catalano. Il 14 aprile del 1943 fu fondato il Museo di storia di Barcellona dallo storico Agustí Duran y Sanpere.

Nel 1987 un' autobomba dei separatisti baschi dell' ETA esplose all'Hipercor e uccise 21 persone. Il 17 agosto 2017, circa alle ore 17:00, la città di Barcellona è stata teatro di un attacco terroristico rivendicato dall' Stato Islamico: un furgone guidato da un jihadista si lanciò contro i pedoni su La Rambla, uccidendo 14 persone sul momento e ferendone oltre 100, una dei quali morì in seguito portando così a 15 il totale delle vittime dell'attentato (oltre al terrorista); altri attacchi si verificarono in altre località della Catalogna. Il Primo Ministero della Spagna, Mariano Rajoy, definì l'attentato un "attacco Jihādista" e l' Amaq News Agency ne attribuì la responsabilità, seppur indiretta, allo Stato Islamico dell'Iraq e del Levante (ISIS).

Monumenti e luoghi d'interesse

A Barcellona esistono vari punti di interesse dichiarati Patrimoni dell'umanità dall' UNESCO:

A Barcellona si ha la possibilità, percorrendo a piedi le strade, di trovare tracce della sua storia millenaria, dalle rovine romane e della città medievale fino ad arrivare ai quartieri del modernismo catalano, con i suoi edifici caratteristici, i suoi isolati quadrati, i suoi viali alberati e le sue strade larghe. La città antica sorge pressoché in pianura, mentre i quartieri più recenti acquisiscono maggiore pendenza man mano che ci si avvicina alla catena di colline retrostante.

Alcuni esempi del modernismo sono gli edifici del Quadrat d'Or nel quartiere dell' Eixample, le opere di Antoni Gaudí e il Palau de la Música Catalana di Lluís Domènech i Montaner, dichiarato nel 1997 patrimonio dell'umanità dall'UNESCO e situato nel quartiere di Sant Pere, accanto a Via Laietana. Non meno importanti sono i contributi architettonici, sempre d'impianto modernistico, di Josep Puig i Cadafalch.

All'interno del Barri Gòtic (in catalano) o Barrio Gotico (in spagnolo), nella Ciutat Vella, da notare è la bellissima Cattedrale di Sant'Eulalia, dedicata alla patrona della città. La cattedrale è liberamente visitabile in alcune ore del giorno, altrimenti l'entrata è a pagamento e comprende non solo la chiesa ma anche i musei annessi all'interno dei palazzi collegati a essa, tra cui il Palau del Lloctinent che fa da sfondo alla Plaça del Rei. Sempre nel Barri Gòtic si trova un'altra chiesa degna di nota: Santa Maria del Pi, mentre Santa Maria del Mar si trova nel .

Tra i luoghi di maggior attrazione si ricorda il viale , situato tra Plaça de Catalunya, centro della città moderna, e il Porto Antico. La strada, sia di giorno he di notte, è colma di gente e lungo il suo marciapiede centrale si possono trovare giornalai, fiorai, venditori di uccelli, artisti di strada, caffetterie, ristoranti e negozi. In prossimità del porto è frequente incontrare bancarelle dove si esercitano e lavorano pittori e disegnatori. Passeggiando lungo Les Rambles si possono ammirare vari edifici di interesse come il Palazzo della Virreina, il colorato Mercato della Boqueria e il famoso Gran Teatre del Liceu, in cui vengono rappresentati opere e balletti. Anche le strade laterali sono caratteristiche; una di queste, molto breve, conduce alla Plaça Reial, una piazza con palme ed edifici i cui portici ospitano birrerie e ristoranti e nella quale, durante il fine settimana, si riuniscono collezionisti di francobolli e monete.

Barcellona è la città dove ha vissuto e lavorato l'architetto Antoni Gaudí, le cui opere attraggono ogni anno molti turisti da tutto il mondo. La più nota è la chiesa della Sagrada Família, il cui nome completo in catalano è Temple Expiatori de la Sagrada Família (Tempio espiatorio della Sacra Famiglia), che Gaudí lasciò largamente incompiuta e che è tuttora in costruzione dal 1882. In base ai moderni mezzi e materiali si prevede che verrà ultimata intorno al 2026. I lavori per la sua costruzione sono unicamente finanziati dalle offerte dei fedeli e dalle entrate derivanti dalla vendita ai visitatori del biglietto di ingresso. La facciata della Natività era già stata completata prima della morte del progettista; recentemente è stata terminata quella della Passione e otto delle dodici torri previste (corrispondenti agli apostoli). Rimane inoltre da completare la facciata della navata centrale, quella rappresentante la Gloria.

Per godere di un panorama su tutta la città si può salire a Montjuïc, il piccolo monte situato vicino al porto, sulla cima del quale si trova il Castell de Montjuïc, un'antica fortezza militare che serviva per vigilare l'entrata a Barcellona dal mare. Questo luogo è noto ai catalani per via della fucilazione da parte della polizia franchista, nel 1940, di Lluís Companys i Jover, presidente della Generalitat de Catalunya, oggi considerato eroe nazionale catalano. Oltre al già menzionato Museo nazionale d'arte della Catalogna (MNAC), il Montjuïc ospita anche lo stadio olimpico Lluís Companys, progettato dall'architetto italiano Vittorio Gregotti e sede fino al 2009 delle partite casalinghe della seconda squadra di calcio della città, l' Espanyol, il palazzo dello sport ( Palau Sant Jordi, in onore del Santo patrono della Catalogna), disegnato da Arata Isozaki, e le piscine. Domina il paesaggio la torre delle comunicazioni, progettata da Santiago Calatrava e costruita per le Olimpiadi del 1992. Sempre al Montjuïc si trova inoltre il giardino botanico, che dispone di una collezione unica di cactus, e il Teatre Grec costruito in occasione dell' Expo 1929.

Un altro luogo dal quale si può godere di una bellissima vista su Barcellona è la montagna del Tibidabo, situata nell'entroterra nella parte più alta della città. Si può raggiungere la sommità in automobile, autobus, tram e funicolare. Sul Tibidabo si trovano una chiesa e un parco divertimenti di antiche origini, e anche qui è presente, a breve distanza, un'antenna delle telecomunicazioni d'autore, disegnata da Norman Foster.

Una delle principali attrattive di Barcellona negli ultimi anni sono state le sue spiagge. Grazie alla rigenerazione del litorale attuata nel 1992, per le Olimpiadi, Barcellona può contare su otto spiagge che si estendono per più di 4,2 km. Le spiagge sono centrali, collegate con il centro storico, situate a pochi minuti dalla città e sono interamente attrezzate con i più importanti servizi: docce, vigilanza, pronto soccorso, rastrelliere per biciclette, wi-fi gratuito e, in alcuni casi, cabine-spogliatoio e servizio di noleggio di amache, lettini e ombrelloni. Le spiagge sono sottoposte a pulizia ogni giorno durante tutto l'anno e vantano tutte la bandiera azzurra dell'Unione Europea. Secondo i dati del comune di Barcellona, ogni anno le spiagge di Barcellona ricevono più di sette milioni di bagnanti. Anche se la maggior parte di questi bagnanti si concentra nei mesi estivi tra maggio e settembre, i cittadini e i turisti possono usufruirne per tutto l'anno, essendo attrezzate per giocare a tennis, pallavolo e altri sport. Nella spiaggia di Sant Sebastià, vicino all' Hotel Arts, sono situati un moderno centro di talassoterapia municipale e il centro polisportivo marittimo, dotato di piscine con acqua di mare che permettono di utilizzare i servizi sportivi tutto l'anno. Le otto spiagge sono, da ovest a est: Sant Sebastià (parzialmente naturista), Barceloneta, Somorrostro, Nova Icària, Bogatell, Mar Bella (naturista), Nova Mar Bella e Llevant. Tra la spiaggia di Somorrostro e quella di Nova Icària si trova la struttura del Port Olímpic, mentre a est della spiaggia del Llevant si trova lo Zoo marino ( Zoo Marí).

La Monumental de Barcelona

La Plaça de toros Monumental di Barcellona fu inaugurata nel 1914 con il nome di El Sport e ribattezzata La Monumental nel 1916. È situata tra la Gran Via e il Carrer Marina nel distretto dell' Eixample. Con una capienza di 19.582 spettatori, è stata l'ultima plaza ancora attiva a Barcellona, dopo la chiusura della Plaza de El Torin e las Arenas.

All'interno della Monumental si trova il Museo Taurino di Barcellona, dove sono esposte carte di famosi toreri, teste di celebri tori, documenti storici e oggetti relazionati con la tauromachia.

Nel 2010 il parlamento catalano ha approvato una legge, entrata in vigore il 1º gennaio 2012, che vieta la corrida in tutta la Catalogna, rendendo così inutilizzabile, a tale scopo, la Monumental. Tale legge è stata dichiarata incostituzionale e quindi annullata dalla Corte Costituzionale il 20 ottobre 2016

La zona più commerciale della città è situata nel suo centro storico: le vie Portaferrissa, Pelai, La Rambla, Portal de l'Àngel e Plaça de Catalunya, dove piccoli negozi convivono con i grandi magazzini e le grandi catene di distribuzione.

I negozi di articoli di si trovano nei vicoli del quartiere di El Born che ha acquisito popolarità sin dalla fine degli anni novanta. Altre importanti zone commerciali della città sono il Carrer Gran de Gràcia, o Carrer de Sants, e i centri commerciali come L'Illa, La Maquinista, Les Glòries o Diagonal Mar.

Gli articoli di occasione o di seconda mano si possono trovare nel Mercat dels Encants, nella Plaça de les Glòries Catalanes, che apre tutti i lunedì, mercoledì, venerdì e sabati e nel mercato di Sant Antoni dove ogni domenica mattina diverse bancarelle vendono libri, dischi, francobolli e moltissimi altri articoli per collezionisti.

Barcellona ha ospitato le Olimpiadi del 1992. Molte delle installazioni sportive utilizzate si trovano sulla montagna di Montjuïc: lo Stadio Olimpico Lluís Companys, il museo Olimpico, il Palacio Sant Jordi, le piscine Picornell e la Piscina municipale di Montjuïc. Lontano dalla montagna si trovano le installazioni del FC Barcelona, tra le quali il Camp Nou, il Palau Blaugrana (Palazzo Azulgrana), il Mini Estadi e il Museo del FC Barcelona. Nel nord della città si trova il velodromo di Horta, le installazioni del Tennis della Teixonera e il padiglione della Vall d'Hebron. Per ultimo, il quartiere della Vila Olímpica, dove furono alloggiati gli atleti, oggi accoglie numerose spiagge, ristoranti e zone di divertimento.

La popolazione di Barcellona ammontava a 1.620.809 persone al 1º gennaio 2017.

La regione di maggior provenienza degli stranieri è l'Europa, con le comunità più importanti provenienti da Italia (26.676 nel 2016 e 36.276 nel 2019) e Francia (13.506 nel 2016 e 16.940 nel 2019). In particolar modo, la comunità italiana costituiva al 2019 ben il 2,2% della popolazione cittadina. Numerosi sono anche gli immigrati dall' America latina, soprattutto da Bolivia, Colombia, Ecuador e Perù. Sin dagli anni '90 molti latinoamericani si sono insediati infatti soprattutto nella parte settentrionale della città.

Barcellona è stata per molti secoli centro di diffusione culturale. Per esempio, è stata il primo centro di produzione di vignette a fumetti della Spagna, davanti a Valencia e Madrid. Attualmente le manifestazioni culturali sono molto numerose e molte di esse si svolgono all'aria aperta grazie al clima mite tipicamente mediterraneo.

L'attuale stato della città risente delle sistemazioni attuate nella seconda metà del XIX secolo a opera dell'ingegnere Ildefons Cerdà i Sunyer, che organizzò la griglia urbana ortogonalmente, con l'eccezione di due strade diagonali. I lotti sono tutti quadrati e uguali, con gli angoli smussati per favorire la circolazione veicolare.

La città ha una lunga e ricca storia architettonica, cominciando dagli antichi resti dell'insediamento romano, del quale rimangono solo alcuni resti archeologici. Tra questi vi sono le colonne del tempio di Augusto, conservate nell'edificio del Centre Excursionista de Catalunya, i resti di Barcino nel sottosuolo della città (integrati dentro il Museo di Storia di Barcellona) e le antiche mura. Tra le testimonianze dell'architettura romanica, di rilievo sono la chiesa di Sant Pau del Camp o la cappella de Marcús.

Del periodo medievale si conservano numerosi edifici, specialmente le numerose opere gotiche del centro storico, concentrate nel Barri Gòtic: la Catedral de la Santa Creu i Santa Eulàlia, la Basilica di Santa Maria del Mar, caratterizzata dalla sua austerità e armonia nelle dimensioni che la rendono una delle opere più rilevanti del gotico catalano, o anche il Drassanes uno dei pochi esempi di cantiere navale gotico ancora esistente in Europa. Sempre di epoca medievale gli edifici come il Saló del Tinell, il Palau del Lloctinent o il Palau de la Generalitat. Risaltano anche i palazzi di importanti e ricche famiglie della città costruite attorno a un cortile come quello che attualmente ospita il museo Picasso.

Dopo un periodo poco rilevante architettonicamente, dovuto all'impedimento che le mura rappresentavano per lo sviluppo della città, e alla penuria economica in cui essa versava a seguito della guerra di successione, si riuscirono a realizzare alcune opere importanti grazie ai terreni ottenuti dalla Chiesa mediante la Desamortización di Mendizábal. Questi terreni permisero di edificare la Plaça Reial e la notabile costruzione in acciaio del mercato della Boqueria. Anni dopo, un nuovo movimento architettonico prese forza a Barcellona, grazie anche a un momento di grande ricchezza ed espansione della città oltre le mura: il Modernismo.

Barcellona è conosciuta come capitale del modernismo [senza fonte], per la grande quantità e qualità delle opere architettoniche che conserva, gioielli come l' Hospital de la Santa Creu i Sant Pau o il Palau de la Música Catalana, di Lluís Domènech y Montaner, o il Palau Macaya e la Fàbrica Casaramona di Josep Puig i Cadafalch, ma senza dubbio l'architetto modernista più conosciuto è Antoni Gaudí, la cui opera più importante è la Sagrada Família, che Gaudí ha lasciato incompiuto e che ancora oggi è in fase di completamento grazie alle donazioni dei privati e dei visitatori. L'ultimazione di questo tempio, consacrato da papa Benedetto XVI nel 2010, è prevista per il 2026. Altre opere di Gaudí sono il Parc Güell, la Casa Milà, conosciuta anche come La Pedrera, e la Casa Batlló.

Nel periodo "post-olimpico" la città ha continuato uno sviluppo architettonico notevole, costruendo edifici come il MACBA di Richard Meier, la Torre Glòries, di Jean Nouvel, e i progetti di una nuova stazione ferroviaria La Sagrera e la Torre del Triangle Ferroviario di Frank Gehry. Altri progetti, come l'edificio del Forum di Jacques Herzog e Pierre de Meuron sono stati sviluppati in occasione del Forum Universale delle Culture.

Tra le prestigiose Università e Scuole superiori cittadine vi sono:

Tutte queste istituzioni offrono una moltitudine di indirizzi di studio oltre a master, dottorati e scuole di perfezionamento, inoltre molti di questi istituti gestiscono centri di ricerca e sviluppo.

I principali quotidiani cittadini sono La Vanguardia e El Periódico de Catalunya, stampati sia in catalano sia in castigliano. I quotidiani El Punt Avui (nato dall'unione di e ) e sono invece stampati in catalano. Vengono prodotti a Barcellona, in castigliano, anche lo ed El Mundo Deportivo, i due principali quotidiani sportivi. Esistono inoltre un grande numero di pubblicazioni meno conosciute ma che hanno una buona diffusione in città.

Altri quotidiani di diffusione nazionale come e pubblicano edizioni speciali in catalano per Barcellona. Le pubblicazioni gratuite come , , e sono tutte bilingue. Le principali emittenti radiofoniche sono Catalunya Ràdio, RAC 1, RAC 105 e . Tra le varie emittenti televisive locali, vi sono la Barcelona Televisió (BTV), che è di proprietà della municipalità, e la 8TV del Grupo Godó, proprietario anche de La Vanguardia. La sede della Televisió de Catalunya, si trova a Sant Joan Despí, nell'area metropolitana di Barcellona.

L' Avinguda del Paral·lel si distingue per la grande concentrazione di teatri, tra i quali l' Apollo e El Molino, tuttavia l'offerta è minore rispetto a qualche decennio fa per la chiusura di alcune strutture storiche. I teatri più prestigiosi della città attualmente sono il Gran Teatre del Liceu, dove vengono realizzati per lo più spettacoli di lirica, il Teatre Nacional de Catalunya, con tre sale dove vengono rappresentati i grandi classici, e il Teatre Lliure, con proposte più di avanguardia. Nei distretti dell' Eixample e della Ciutat Vella si trovano molti teatri tra i quali il Condal, il Poliorama, il Romea, il Victoria ed El Mercat de les Flors, che offrono spettacoli musicali, commedie e teatro sperimentale.

In città vi sono numerose sale e multisale cinematografiche che proiettano ogni tipo di film: commerciali, in lingua originale, europei e d'autore. I film d'autore ed europei si trovano soprattutto alla Filmoteca de la Generalitat de Catalunya e cinema come il Verdi, nel distretto di Gracia.

Nei distretti dell' Eixample, e soprattutto nella Ciutat Vella, c'è una grande quantità di locali che offrono musica jazz per un pubblico ridotto, ma esistono anche locali di più ampia capienza come il Luz de Gas, il Razzmatazz, il Jamboree de la Plaza Real o la Sala Bikini, dove ogni settimana suonano artisti pop e rock. Barcellona è il centro nevralgico della Spagna dopo Ibiza per quanto riguarda la musica elettronica, soprattutto per la musica , , progressive, e a partire dal Café del Mar.

L' Orchestra di Chitarre di Barcellona ( Orquesta de Guitarras de Barcelona) è un' orchestra di 25 componenti di chitarristi classici con sede a Barcellona. Il repertorio dell'orchestra spazia dal barocco alle composizioni contemporanee, con una forte concentrazione sulla musica spagnola.. Nei quasi trent'anni dalla sua fondazione, l'orchestra ha effettuato numerose tournée in tutto il mondo. È considerata un esempio dei gruppi del suo tipo.

La città è dal 1984 divisa in dieci distretti, e ogni distretto al suo interno è diviso a sua volta in numerosi quartieri e zone statistiche.

Ancora oggi il porto di Barcellona è uno dei motori economici della città, si è trasformato negli ultimi anni in uno dei più grandi porti del Mediterraneo per tonnellaggio di mercanzie e numero di container permettendo di esportare la produzione industriale e importare i materiali primi o semilavorati. È anche il primo porto del Mediterraneo e il quinto nel mondo per numero di navi da crociera, dalle sue banchine passano fino a due milioni di passeggeri all'anno.

All'aeroporto del Prat, che nel 2008 ha visto un numero di passeggeri superiore ai 30 milioni, situandosi al secondo posto in Spagna per traffico aereo, è appena stato inaugurato il nuovo terminal che permetterà di raggiungere i 40 milioni di passeggeri. Questa infrastruttura ha permesso lo sviluppo di una potente industria turistica che genera grandi benefici per la città anche se recentemente si è discusso del bisogno di orientare la politica dell'aeroporto verso i voli intercontinentali e non verso i "low cost", attraendo così allo stesso tempo un pubblico con un profilo economico più elevato e grandi società multinazionali.

Nei primi mesi del 2008 è stata inaugurata anche la linea ferroviaria ad alta velocità tra Madrid e Barcellona. La linea dell'alta velocità sarà prolungata fino alla frontiera francese, dove potrà connettersi con l'attuale rete ferroviaria francese. Questa linea è costruita per permettere un uso misto, sia per treni passeggeri sia per treni merci, permettendo così una connessione ferroviaria rapida ai passeggeri e un traffico mercantile con il resto d'Europa delle merci giunte nel porto.

Una delle principali porte di accesso a Barcellona è l' Aeroporto El Prat, situato a 10 km a sud-ovest dalla città. È il secondo aeroporto della Spagna, con un traffico di 47.284.500 passeggeri nel 2017. Nella struttura operano le principali compagnie aeree del mondo, con voli diretti a tutte le maggiori città d' Europa e a molte degli altri continenti. Un intero padiglione dell'aeroporto è destinato al cosiddetto "Ponte Aereo", che unisce Barcellona e Madrid con voli ogni 20 minuti nelle ore di punta. Il 16 giugno 2009 è stato inaugurato il nuovo terminal 1 dell'aeroporto, che permette l'atterraggio degli A380. Altri aeroporti utilizzati per raggiungere Barcellona, specialmente dalle compagnie low cost, sono l' Aeroporto di Gerona e l' Aeroporto di Reus, a poco più di un'ora dalla città. In città ha sede la compagnia aerea Volotea.

Un importante accesso alla città, specialmente per le merci, è il Porto di Barcellona, uno dei più importanti del Mediterraneo, sia per il trasporto merci sia per quello passeggeri. Si trova nelle vicinanze del centro cittadino ed è stato modificato per consentire l'accesso alle navi da crociera. La città conta tre porti minori, il Port Vell, il Port Olímpic e il Port de Sant Adrià, che ospitano imbarcazioni private di media e piccola taglia.

Barcellona dispone di una fitta rete di autostrade, le principali sono la AP7, che comincia ad Almería, passa da Valencia, Barcellona e continua per Perpignano, la A-2 che comincia a Madrid, passa da Saragozza, Barcellona e continua fino alla Francia e infine la AP-2, che scorre parallela alla A-2 tra Saragozza e Barcellona. Sia la AP2 sia la AP7 sono gestite da imprese concessionarie.

La rete ferroviaria ha il suo centro nella stazione di Sants, da dove partono i treni a lunga percorrenza che uniscono la città con tutto il continente. L'attuale rete spagnola ha i binari a scartamento largo, incompatibili con lo scartamento ferroviario standard utilizzato in Europa, per questo motivo la nuova rete ferroviaria ad alta velocità utilizzerà lo standard europeo. Attualmente è terminata la prima fase delle opere di ristrutturazione della stazione di Sants con il rinnovamento dei binari per consentire l'arrivo dei treni ad Alta velocità ( AVE), la città è capolinea della linea Madrid-Zaragoza, che in futuro verrà prolungata fino a Parigi, passando da Gerona, Figueres e Perpignano.

Lista delle principali stazioni ferroviarie di Barcellona

Per muoversi tra le città dell' area metropolitana di Barcellona esistono due reti di trasporto ferroviario. Una è il servizio di Rodalies de Catalunya della Renfe, con una rete di sette linee e circa 123 milioni di passeggeri l'anno; negli ultimi anni questo servizio è peggiorato notevolmente per il sovraffollamento, per i mancati investimenti e per la cattiva pianificazione delle opere legate all'arrivo dell' AVE in città. L'altra rete principale ferroviaria cittadina è fornita dalla Ferrocarrils de la Generalitat de Catalunya, un servizio di treni suburbani operato e costruito dal governo della Generalitat de Catalunya. Per risolvere i problemi delle linee di cercanias, a partire dal 2010 il governo autonomo catalano ha preso in gestione tutte le linee di Cercanías della Catalogna. La rete ha cambiato allora al nome catalano Rodalies.

Trasporto pubblico in città

Nel 2004 l'amministrazione locale, quella metropolitana e quella autonoma hanno reintrodotto il servizio tramviario pubblico, specialmente per collegare le città periferiche dell' area metropolitana. Sono state create le reti Trambaix e Trambesòs, che attualmente sono in fase di espansione. A Barcellona era già attiva sin dal 1901 la piccola linea chiamata Tramvia Blau, che sale lungo la Avinguda Tibidabo.

Gli autobus urbani sono un mezzo di trasporto efficiente, sono 1.070 e percorrono 103 linee.

Il servizio diurno è completato da un servizio di autobus notturni chiamati "Nitbus", che supplisce alla sospensione notturna della maggior parte dei servizi di trasporto pubblici.

Tutti i suddetti mezzi di trasporto sono integrati, con uguali tariffe e con la possibilità di usufruire per un tempo limitato dell'intera rete pagando un unico biglietto.

Il bus turistico è un servizio di trasporto pubblico cittadino che ha una flotta di autobus a due piani scoperti. Le diverse linee hanno come stazioni i principali punti di interesse turistico della città e a bordo vi è un'audioguida. Questo servizio non è integrato nel sistema di trasporto urbano e funziona con biglietti validi per un giorno.

Il taxi è uno dei mezzi di trasporti più comodi della città, con tariffe al di sotto della maggior parte delle altre città europee. Molto comodi per il trasporto dall'aeroporto alla città e viceversa, soprattutto per gruppi e famiglie numerose (6-8 persone) o per spostamenti molto presto al mattino per il rientro all'aeroporto. Esiste la possibilità di prenotare in anticipo, potendo scegliere il tipo di taxi (numero di persone, seggiolini per bambini o necessità speciali per persone disabili).

I colori dei taxi di Barcellona, neri con le porte gialle, sono caratteristici e inconfondibili.

È frequente in città spostarsi in bicicletta, di cui si può usufruire anche nella stagione invernale in virtù della conformazione del terreno e del clima mite. La municipalità ha predisposto un efficiente servizio di bike sharing diffuso in tutta la città con il nome di .

L'alta densità demografica di Barcellona, come in qualsiasi altra metropoli europea, rende il traffico cittadino particolarmente intasato, malgrado l'ottima organizzazione urbanistica che favorisce un buon scorrimento della circolazione. Dal maggio 2005, il comune ha inaugurato le aree verdi di parcheggio e ha ampliato quelle azzurre a pagamento nei distretti più centrali. Molti cittadini usano le motociclette; Barcellona è la città europea con la più alta densità di moto in rapporto al numero di abitanti.

A Barcellona sono presenti quattro diversi livelli di amministrazione politica con diverse responsabilità e competenze:

L'Amministrazione Generale dello Stato si occupa di questioni come la sicurezza esterna (Corpo Nazionale di Polizia ed Esercito), la Giustizia, la gestione dei porti, degli aeroporti di interesse nazionale, dei treni a lungo percorso e delle coste. Queste competenze sono coordinate dal Delegato del Governo in Catalogna e il subdelegato del governo di Barcellona, che sono designati dal Governo spagnolo, e hanno sede nella delegazione del Governo. Attualmente il Corpo Nazionale di Polizia ha solo alcune competenze come l'emissione delle carte d'identità o la lotta contro il terrorismo, visto che il resto delle competenze sono state trasferite ai Mossos d'Esquadra, polizia autonoma della Generalitat.

La Generalitat (governo Autonomo della Catalogna) e la sede dei suoi organi sono a Barcellona: il Parlamento della Catalogna è situato nel Parco della Cittadella e il Palazzo della Generalitat de Catalunya, sede della Presidenza e dal Governo della Generalitat, è situato nella Plaça de Sant Jaume. La Generalitat viene eletta a suffragio universale in elezioni che si svolgono ogni quattro anni in tutta la Catalogna, e ha grandi competenze sulla gestione della regione autonoma, dall'educazione ai problemi sociali, ai trasporti, alla politica economica, al commercio, ecc. È anche responsabile della costruzione di infrastrutture come ospedali, scuole, università e residenze per la terza età.

Il Deputazione di Barcellona è il consiglio provinciale di Barcellona, un organismo con minore potere politico in quanto non eletto dai cittadini. Attualmente presiede il patronato che si occupa del mantenimento del parco del monte di Collserola, e anche di altri parchi ed edifici pubblici in città e nel resto della Provincia di Barcellona. Gestisce anche alcuni musei e un'ampia rete di biblioteche pubbliche gestite assieme ai municipi.

Il Consiglio comarcale del Barcellonese è l'organismo con minori poteri in città. Sebbene non nato a tal fine ma nell'ambito di una generale ripartizione della Catalogna in territori più estesi della spezzettatissima rete dei comuni spagnoli, questo consiglio di concertazione fra Barcellona e quattro comuni confinanti ha sempre più preso il profilo di un'assemblea di pianificazione delle politiche pubbliche dell'area metropolitana del capoluogo catalano.

Il Comune di Barcellona è l'organismo con maggiori competenze e funzioni pubbliche in città, visto che regola la vita quotidiana dei cittadini tramite importanti questioni come: la pianificazione urbanistica, i trasporti, la gestione della sicurezza cittadina tramite la Guardia Urbana, il mantenimento delle strade e dei giardini. È responsabile anche della costruzione di infrastrutture municipali come asili, polisportivi, biblioteche, ecc. Il governo del comune di Barcellona è scelto per suffragio universale ogni quattro anni. Il potere del municipio si struttura in due livelli, dato che la città è divisa amministrativamente in dieci distretti. Esiste un livello di competenze gestito direttamente dal sindaco di Barcellona e dal suo staff di governo, che si occupa delle questioni generali e importanti per tutta la città. D'altra parte esiste un altro livello di competenze delegate ai distretti. Ogni distretto ha il suo centro politico e amministrativo che funziona come un ente politico autonomo.

Barcellona ha ospitato numerosi eventi sportivi di rilevanza internazionale, come le Olimpiadi del 1992 e alcune partite del campionato del mondo 1982. Sulle strade cittadine si svolgono una grande quantità di competizioni sportive, tra cui diverse maratone. La città è sede di tre club delle principali leghe calcistiche nazionali: il pluri-titolato Futbol Club Barcelona, che gioca nello stadio Camp Nou, situato nel nord-ovest della città, l' Espanyol, il cui stadio è il Cornellà-El Prat (fino al luglio 2009 giocava le partite interne allo Stadio Olimpico Lluís Companys), e le meno note CE Europa e Unió Esportiva Sant Andreu, che gioca al Narcís Sala.

Di grande livello internazionale è anche la prima squadra del Futbol Club Barcelona Bàsquet, che fa parte della sezione cestistica del Futbol Club Barcelona e disputa gli incontri casalinghi nel capiente Palau Blaugrana. Barcellona ha anche una squadra ad alto livello nella pallamano. Il FC Barcelona Handbol gioca le gare interne al Palau Blaugrana. Fuori città, ma sempre nella Provincia di Barcelona, vi sono altri impianti sportivi importanti come il Circuito di Catalogna, dove si disputano i Gran Premi di Formula 1 e del motomondiale.

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Barcellona (pron. "Barcellóna"; in catalano Barcelona [bəɾs̙əˈlonə] e in spagnolo Barcelona [baɾθeˈlona] ) è una città della Spagna di 1 636 732 abitanti ( area metropolitana istituzionale: 3 239 337 abitanti), capoluogo della Catalogna, una comunità autonoma della parte orientale dello Stato, oltre che dell' omonima provincia e della comarca del Barcelonès: soprannominata Ciutat Comtal o Ciudad Condal (Città dei Conti), è la seconda città della Spagna per numero di abitanti dopo la capitale Madrid.

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Barcellona

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Piazza Mayor

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Descrizione madrid

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Madrid
Capitale

( ES) Madrid

Madrid - Veduta

Vista panoramica di Madrid

Localizzazione

Stato

Spagna

Comunità autonoma

Madrid

Provincia

Non presente

Amministrazione

Alcalde

José Luis Martínez-Almeida (PP) dal 15-6-2019

Territorio

Coordinate

40°30′00″N 3°40′24″W ﻿ / ﻿

Altitudine

667 m s.l.m.

Superficie

604,3[1] km²

Abitanti

3 280 782[2] (2022)

Densità

5 429,06 ab./ km²

Comuni confinanti

Alcobendas, Alcorcón, Colmenar Viejo, Coslada, Getafe, Hoyo de Manzanares, Leganés, Majadahonda, Paracuellos de Jarama, Pozuelo de Alarcón, Rivas-Vaciamadrid, Las Rozas de Madrid, San Fernando de Henares, San Sebastián de los Reyes, Torrelodones, Tres Cantos

Altre informazioni

Lingue

spagnolo

Cod. postale

28001-28081

Prefisso

91

Fuso orario

UTC+1

Codice INE

28079

Targa

M

Nome abitanti

madrileni (madrileños)

Patrono

Isidoro l'Agricoltore, Virgen de la Almudena

Cartografia

Madrid - Mappa

Sito istituzionale

Madrid (in italiano : in spagnolo : ) è la capitale e la città più popolosa della Spagna; si tratta del secondo comune più popoloso nell'Unione europea, dopo Berlino, e la sua area metropolitana è la sesta più popolosa d'Europa dopo Mosca, Istanbul, Londra, la Ruhr e Parigi: l'area comunale si estende su un totale di mentre la popolazione della municipalità è di 3 280 782 abitanti, ma la popolazione dell' area metropolitana (agglomerato urbano e suburbano metropolitano) è calcolata infatti in 7,5 milioni.

Oltre che capitale del Paese, è anche sede del governo e residenza del monarca spagnolo, ed è il centro politico della Spagna; la conurbazione di Madrid è la quarta col maggiore PIL nell' Unione europea e la sua influenza nella politica, nell'educazione, nella scienza e nelle arti contribuisce al suo status di una delle principali città globali del mondo; grazie al suo rendimento economico, all'elevato standard di vita e alle dimensioni del suo mercato, Madrid è considerata il maggiore centro finanziario del Sud Europa; ospita le direzioni della grande maggioranza delle più importanti società spagnole; è la città più visitata della Spagna, la quarta più turistica del continente; ed è la decima città più vivibile al mondo, secondo la rivista , nel suo indice del 2010; inoltre, è stata classificata tra le 12 città europee più verdi nel 2010.

Nonostante possieda infrastrutture moderne, ha conservato quasi inalterato l'aspetto originario di molte strade e di molti quartieri storici. Nel suo patrimonio culturale troviamo il Palazzo reale di Madrid, il parco del Retiro, la Biblioteca nazionale di Spagna e tre importanti musei: il Museo del Prado, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía e il Museo Thyssen-Bornemisza.

Geografia fisica

La città è situata sul corso del fiume Manzanarre nella meseta meridionale ai piedi del Sistema Centrale. Nel centro del paese vi è la Comunità di Madrid (che comprende la città di Madrid, il suo agglomerato urbano e si estende ai sobborghi e ai villaggi), delimitata dalle Comunità autonome di Castiglia e León e Castiglia-La Mancia.

Idrografia

Uscendo dalla città di Madrid, il fiume entra nella parte orientale della città di Getafe, dove riceve le acque del torrente Culebro, per sfociare poco dopo nel Jarama, nelle vicinanze di Rivas-Vaciamadrid.

Oltre al Manzanarre esistono altri piccoli fiumi nella città di Madrid e nei suoi dintorni, come il Moraleja, il Vega, il Valdelamasa e il Viñuelas, che sfociano direttamente nel Jarama o come il torrente Cedrón, che sfocia nel Guadarrama.

Origine del nome

Ci sono diverse teorie sull'origine del nome di "Madrid".

Secondo una leggenda la città sarebbe stata fondata dal mitico re etrusco Ocno (detto anche Bianore), con il nome di Metragirta o Mantua Carpetana.

Altri sostengono che il nome originale della città era "Ursaria" ("terra degli orsi" in latino), a causa dell'elevato numero di questi animali che sono stati trovati nell'adiacente foresta, che, insieme con il corbezzolo ( Madroño in spagnolo), sono l'emblema della città dal Medioevo.

Il nome registrato più antico della città è di epoca andalusa, مجريط Maǧrīţ (AFI [maʤriːtˁ]), che in castigliano antico divenne Magerit ([maʤeˈɾit]). Deriverebbe dal nome di una fortezza costruita sul fiume Manzanarre, nel IX secolo, e significa "luogo di abbondante acqua..." Se la forma è corretta, potrebbe essere un toponimo celtico da "Ritu" (guado) e un primo elemento, forse "Mageto", derivazione di "Magos" ("campo" in irlandese, ma anche "luogo" in bretone), o "Matu" (orso), che potrebbe spiegare la traduzione latina "Ursaria".

Tuttavia, è ormai diffusa la credenza che l'origine del nome attuale della città risalga al II secolo a.C., periodo in cui l' Impero romano si stabilì con un insediamento sulle rive del fiume Manzanarre. Il nome dato a questo primo villaggio era "Matrice" (con riferimento al fiume che attraversava l'insediamento). Nel corso del V secolo d.C. la penisola iberica subì l'invasione dei visigoti che presero il controllo di "Matrice". Nel VII secolo gli arabi cambiarono il nome in "Mayrit" o "Maǧrit" (che si pronunciano allo stesso modo), dal termine arabo ميرا "Mayra" (acqua come "albero" o "datore di vita") e il suffisso ibero-romano "it" che significa "luogo". Il moderno nome "Madrid" è l'evoluzione del mozarabico "Matrit".

In italiano storico si trova anche la forma Madride.

Medioevo ed Età Moderna

Il periodo esatto in cui è stata fondata Madrid rimane ignoto. Il sito nel quale sorge la moderna Madrid è abitato fin dalla preistoria. In epoca romana il territorio apparteneva alla diocesi di Complutum (l'attuale Alcalá de Henares) e già in questo periodo esisteva un piccolo nucleo abitativo. Quando gli Arabi invasero la Penisola iberica all'inizio dell' VIII secolo Madrid non era altro che un piccolo villaggio visigoto, scoperto e confermato dai ritrovamenti archeologici. Gli Arabi lo fortificarono e gli diedero il nome di "Mayrit" o "Maǧrit". Tuttavia le origini della città moderna risalgono al 852, quando Muhammad I ordinò la costruzione di una piccola residenza reale nel medesimo luogo in cui oggi sorge il Palazzo reale. Intorno a questo palazzo fu costruita una piccola cittadella, la al-Mudaina. La cittadella venne conquistata nel 1083 dal re Alfonso VI di León e Castiglia che, nella sua avanzata verso Toledo (conquistata due anni dopo), fece riconsacrare la moschea della città nella chiesa della Vergine di Almudena. Parte degli ebrei sefarditi e dei Mori continueranno a vivere in città, finché non verranno definitivamente espulsi alla fine del XV secolo. Nel 1268 una grave epidemia uccise quasi tutti i suoi abitanti (all'epoca non più di 3 000) rendendola quasi disabitata. Dopo lo scoppio di un grande incendio, Enrico III di Castiglia (1379-1406), che fece ricostruire la città, decise di stabilirsi al di fuori delle mura fortificate a El Pardo. L'ingresso trionfale di Ferdinando II d'Aragona e Isabella di Castiglia a Madrid annunciò la fine del conflitto tra Castiglia e Aragona e l'inizio dell'influenza del Rinascimento in Spagna.

Il successore di Carlo V, Filippo II decise di spostare la corte a Madrid il 12 febbraio 1561. Questo avvenimento sarebbe stato decisivo per la storia della città. Eccetto un breve periodo tra il 1601 e il 1606, quando la corte fu spostata a Valladolid, Madrid sarebbe stata la capitale fino ad oggi. Una famosa espressione recitava: " solo Madrid è la corte", e se letta al contrario: " Madrid è solo la corte". Fin da quando Madrid divenne capitale, la popolazione iniziò a crescere notevolmente. Alla burocrazia regia e alla corte si aggiunsero diseredati e gente in cerca di fortuna proveniente da tutto l' Impero spagnolo. Nel 1625 Filippo IV abbatté le vecchie mura cittadine e ne edificò di nuove che limiteranno l'espansione della città fino al loro abbattimento nel XIX secolo.

All'inizio del XVIII secolo ascese al trono di Spagna la dinastia Borbone dopo l'estinzione del ramo spagnolo degli Asburgo, con la successiva guerra fra i sostenitori del pretendente al trono francese e quelli di Carlo d'Asburgo. I nuovi sovrani francesi vollero equiparare Madrid alle altre grandi capitali europee. Dopo che l'Alcázar andò distrutto in un incendio nel 1734 si costruì nello stesso sito l'attuale Palazzo reale che fu ultimato nel 1755. Ebbe un ruolo particolarmente importante nello sviluppo della città Carlo III, ricordato come il "Rey Alcalde" (Re Sindaco). La realizzazione del paseo del Prado è probabilmente l'opera più importante del periodo e quella che trova ancor oggi maggior testimonianza nella città. Vanno ricordati anche il paseo de Recoletos, le fontane di Nettuno, Cibele e di Apollo, il Real Jardín Botánico, il Real Observatorio Astronómico o il Palazzo Villanueva, inizialmente destinato ad ospitare il Real Gabinete de Historia Natural, ma che poi divenne sede del noto Museo del Prado.

L'Ensanche e l'Era Industriale

A Madrid ebbe luogo il sollevamento popolare contro le truppe d'occupazione francesi del 2 maggio 1808 che segnò l'inizio della guerra d'indipendenza. Giuseppe Bonaparte, nominato dal fratello Imperatore re di Spagna, realizzò diverse opere nella città, con frequenti distruzioni di edifici, fra cui diversi conventi, per far posto a piazze o per consentire l'ampliamento o l'apertura di nuove strade. Durante il XIX secolo, la popolazione continuò a crescere. Nel 1860 si abbatté la cinta muraria eretta da Filippo IV e la città poté finalmente espandersi in principio ordinatamente, grazie al piano Castro e alla realizzazione di grandi opere di risanamento ( ensanches) che frutteranno grandi affari facendo la fortuna del marchese José de Salamanca y Mayol, da cui prese nome il nuovo quartiere sorto ad est di quello che sarebbe diventato l'asse viario centrale della capitale, il Paseo de la Castellana, prolungamento del Paseo del Prado. Fu realizzato un moderno sistema di raccoglimento delle acque e la città fu raggiunta dalla ferrovia che avrebbe fatto di Madrid il fulcro della rete nazionale. Nel primo trentennio del XX secolo la popolazione sfiorò il milione di abitanti. Nuovi quartieri come Ventas, Tetuán o el Carmen si popolarono del crescente proletariato urbano mentre nei quartieri sorti dall'"ensanche" ottocentesco si installava la ricca borghesia cittadina. Fra gli anni 1910 e 1930 si inaugurò in tre tratti la Gran Via al fine di decongestionare il centro storico. Nel 1919 re Alfonso XIII inaugurò la metropolitana. A nord-ovest del Palazzo reale, su alcuni terreni ceduti dal sovrano, si formò la Ciudad Universitaria.

Seconda Repubblica e Guerra Civile

La vittoria repubblicana a Madrid e nella maggior parte dei capoluoghi di provincia provocò la caduta della monarchia e la proclamazione della repubblica due giorni dopo, il 14 aprile 1931. Madrid fu direttamente coinvolta nella Guerra Civile fra il novembre 1936 e il gennaio 1937: la città subì allora un terribile attacco concentrico da parte dei nazionalisti, sventato dai repubblicani e dalle brigate internazionali. Franco fece un altro tentativo per prendere Madrid nel gennaio-febbraio del 1937, ma fallì di nuovo. In maggio il governo si mosse per riconquistare Segovia, costringendo Franco a togliere truppe dal fronte di Madrid per fermarne l'avanzata. Ai primi di luglio il governo lanciò una forte controffensiva nell'area di Madrid, che i nazionalisti respinsero con difficoltà. Nel marzo 1937 ci fu un altro tentativo di isolare Madrid. Dopo una rapida avanzata dei nazionalisti e delle truppe italiane, i repubblicani contrattaccarono, aiutati dai carri armati e dagli aerei di fabbricazione sovietica e col valoroso (sebbene numericamente poco rilevante) apporto dei garibaldini italiani delle brigate internazionali; nonostante le maggiori perdite repubblicane e il termine della battaglia per esaurimento delle energie di entrambi i contendenti, gli italiani subirono una dura battuta d'arresto, brillantemente sfruttata dalla propaganda fino ad ingigantirne gli effetti sul morale. Il 28 marzo 1939, infine, Madrid cadde nelle mani dei nazionalisti.

Dittatura di Franco

A guerra finita, la città riprese il suo sviluppo ricostruendo quanto andato distrutto durante la guerra. Migliaia di spagnoli emigrarono da ogni parte del paese verso la città. A partire dal 1948 Madrid annesse gradualmente i municipi limitrofi passando dai 66 km² originari ai 607 km² attuali, guadagnando così 300 000 nuovi abitanti. A causa della tumultuosa crescita demografica, in pochi anni sorsero sterminati quartieri dormitorio spesso carenti di infrastrutture e servizi. Il centro fu anch'esso interessato dalla speculazione, favorendo l'abbattimento di edifici storici per far posto ad altri costruiti seguendo stilemi moderni. In alcuni casi le nuove costruzioni ebbero un marcato carattere politico, portando avanti il concetto franchista di "Madrid Imperial", come nella zona di Moncloa, dove si realizzarono l' Arco de la Victoria ed il Ministerio del Aire, in uno stile neoherreriano, o la Casa Sindical, più tardi, con uno stile già distanziato dal tradizionalismo. Il piano regolatore, approvato nel 1963, iniziò a decentralizzare la popolazione di Madrid verso i municipi limitrofi. Nel 1973 si inaugurarono i primi tratti della M-30, il primo anello di circonvallazione della città.

Democrazia

Il Palazzo di Cibele, chiamato fino a qualche anno fa "Palazzo delle Comunicazioni" poiché originariamente destinato a sede delle poste e telecomunicazioni, è oggi sito municipale dell'intera città, centro culturale, nonché sede di rassegne d'arte. Con la sua monumentalità che spicca sulla piazza di cui recentemente ha assunto anch'esso il nome, è diventato icona e simbolo della città, contraddistinguendosi come l'immagine di Madrid nel mondo, per simboleggiare regalità, tradizione e modernità al tempo stesso.[18][19][20][21]

Terrorismo

Gli attentati dell'11 marzo 2004, localmente conosciuti come 11-M o M-11, furono una serie di attacchi terroristici di matrice islamica coordinati al sistema di treni locali a Madrid (Spagna), che uccisero 191 persone (177 delle quali morte immediatamente negli attentati) e provocarono 2 057 feriti.

Evoluzione demografica

Evoluzione demografica di Madrid dal 1842

Fra il censimento del 1887 ed il precedente il comune cresce in termini perché incorpora La Alameda. Così come cresce tra il censimento del 1950 e il precedente perché incorpora Aravaca, Barajas de Madrid, Canillas, Canillejas, Carabanchel Alto, Carabanchel Bajo, Chamartín de la Rosa, Fuencarral, Hortaleza, El Pardo, Vallecas y Vicálvaro, mentre nel censimento del 1960 ha già incorporato Villaverde.

La popolazione di Madrid ha subito un brusco aumento da quando la città è diventata capitale della Spagna. Questo aumento è stato particolarmente significativo durante il XX secolo, a causa della grande quantità di immigrati, nazionali e, verso la fine del secolo, stranieri, che si sono riversati in città.

A partire dagli anni settanta, la città di Madrid ha cominciato a perdere popolazione, tendenza che si è invertita all'inizio del XXI secolo grazie al forte aumento dell'immigrazione.

Secondo l'istituto di statistica spagnolo nel 2004 Madrid aveva 3 099 834 abitanti, con un aumento di 161 111 unità rispetto all'ultimo censimento nazionale tenutosi nel 2001. Se si considera l' area metropolitana la popolazione arriva a 5 603 285 abitanti.

Etnie e minoranze straniere

Secondo il censimento del 2008 la popolazione straniera di Madrid è di 547 282 abitanti su un totale di 3 238 191, quindi il 16,9% dell'intera popolazione, rispetto ai circa 35 000 censiti nel 1988. I distretti con maggiore presenza di immigrati sono Usera con il 28,37%, Centro con il 26,87%, Carabanchel con il 22,72% e Tetuán con il 21,54%. Di contro, i distretti con minore presenza di immigrati sono Fuencarral-El Pardo con il 9,27%, Retiro con il 9,64%, Chamartín con l'11,74% e San Blas-Canillejas con il 13,43%.

Monumenti e luoghi d'interesse

Tra i luoghi da visitare ricordiamo il Museo del Prado, il Museo Thyssen-Bornemisza, il Centro d' arte della regina Sofía (dove si trova il famoso di Pablo Picasso), il Palacio Real, la Puerta del Sol, in cui è situata la placca del chilometro zero (utilizzata per il calcolo delle distanze nello Stato spagnolo) ed in cui i madrileni si riuniscono ogni fine anno per aspettare il nuovo anno mangiando un chicco di uva per ognuno dei dodici rintocchi della mezzanotte, la vicina Plaza Mayor (in cui tutti i week-end si svolge il mercatino numismatico e, nel periodo natalizio, quello dei presepi), il Parco del Retiro, e nelle vicinanze il Monastero dell'Escorial, Santa Cruz del Valle de los Caídos e le città di Toledo, Segovia, Avila e Aranjuez. Da segnalare, soprattutto ai turisti italiani, la piccola chiesa dedicata a san Nicola di Bari, nei pressi di Plaza Mayor.

Il nucleo urbano originario situato all'interno delle antiche mura non subì modificazioni significative fino alla metà dell' Ottocento, periodo nel quale si demolirono case e conventi per creare nuove strade e piazze.

All'inizio del Novecento la città conservava comunque ancora buona parte dell'aspetto della vecchia città.

Negli ultimi anni la popolazione è in diminuzione, soprattutto a causa dell'aumento dei prezzi delle case.

Madrid è servita dall' aeroporto internazionale di Barajas e, nonostante abbia una popolazione di circa 3 milioni di abitanti, ha una delle più sviluppate reti di metropolitana del mondo, con dodici linee.

Luoghi da vedere

Edifici e monumenti

Vi sono numerosi palazzi e grattacieli del XX secolo, specialmente nel distretto finanziario:

Tra il 2004 e il 2008 è stato edificato il complesso Cuatro Torres Business Area che ospita:

Musei e gallerie

Zone commerciali

Madrid offre molte aree dal carattere spiccatamente commerciale; esistono inoltre zone riservate a marchi di lusso, come le vie Preciados/Carmen e Serrano/Goya, nonché l'iconica Gran Via.

Parchi e giardini

Istruzione

La Comunità autonoma di Madrid è sede di sei università pubbliche. Di queste, quattro hanno facoltà nell'area metropolitana della città:

L'istruzione artistica è assicurata dal Real Conservatorio Superior de Música de Madrid e dalla Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Nei ventun distretti in cui è divisa la città di Madrid ci sono 520 asili (98 pubblici e 422 privati), 235 scuole elementari, 106 istituti secondari, 309 collegi privati e 24 scuole straniere

L'Instituto San Isidro, fondato dai gesuiti nel 1566, è considerato la scuola più antica della Spagna e vi ha studiato una parte importante della classe dirigente e intellettuale del Paese.

A Madrid ha sede il CSIC Consejo Superior de Investigaciones Científicas - Consiglio Superiore di Investigazioni Scientifiche.

In città hanno sede anche le diverse Accademie nazionali ( Academias nacionales), come la Real Academia Española, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando e la Reale accademia delle scienze esatte, fisiche e naturali.

Nella capitale spagnola hanno sede anche l' Osservatorio astronomico nazionale, l'Observatorio Geofísico Central, e l'Instituto Geográfico Nacional.

Biblioteche

Nella capitale spagnola, si trova la sede della Biblioteca nazionale di Spagna.

Teatri e musica

A Madrid hanno sede il Teatro Real ( opera) e il Teatro de la Zarzuela ( zarzuela).

Le maggiori orchestre sinfoniche in città sono l' Orquesta Nacional de España e l' Orchestra Sinfonica di Madrid.

Fra i teatri di prosa si segnala il Teatro Calderón.

Madrid è particolarmente conosciuta per la sua vita notturna, o movida madrileña (per la quale si adoperò molto il defunto sindaco Galván), e per le sue discoteche, che sono fiorite ovunque dopo la morte di Francisco Franco. Fino a poco tempo fa, non era strano per i madrileños ballare tutta la notte, fare colazione con chocolate y churros, tornare a casa, farsi una doccia ed andare al lavoro.

Altre zone di interesse sono il quartiere Malasaña, con un pubblico alternativo di giovani, e il quartiere Lavapiés, una zona multietnica. Malasaña è il tipico quartiere del centro di Madrid, dove si trova la celebre " Gran Via", autentico cuore della Movida; questa zona è caratterizzata per l'intensa vita notturna: le strade si riempiono di persone dirette ai tanti bar e pub, oppure semplicemente per scorrazzare in giro con i " botellón ", la tipica bevanda alcolica che i giovani spagnoli consumano in luoghi pubblici, tra musica, balli e divertimento. Piuttosto che grandi discoteche, nella Malasaña vi sono piccoli locali dedicati alla musica live ed in particolare ai generi rock, punk, reggae e ska.

Infine altra zona di movida notturna è il quartiere Chueca, quartiere alla moda, ricco di locali, ristoranti e discoteche gay. La popolazione LGBT vi si è insediata pochi anni fa e ha trasformato il quartiere da una zona degradata ad una zona alla moda. I madrileni affermano che i residenti hanno di gran lunga preferito le piume alle siringhe ( tener pluma in spagnolo significa essere effeminato). Sono stati rimodernati numerosi edifici con conseguente aumento dei prezzi. Inoltre, anche grazie alle politiche del governo Zapatero, quali l'allargamento del matrimonio anche a coppie formate da partner dello stesso sesso, Madrid si sta trasformando in un vero polo di attrazione per gay, lesbiche e transgender di tutta Europa. Non sono pochi gli italiani che la scelgono come residenza proprio per questo motivo.

Feste locali

il 15 maggio ci sono le feste di sant'Isidoro (San Isidro), patrono di Madrid.

Il 9 novembre ci sono le feste della Vergine dell'Almudena, patrona di Madrid.

Il 15 maggio si tengono corride nell'arena monumentale di Las Ventas.

I piatti più famosi della cucina madrilena sono i seguenti:

Geografia antropica

Suddivisioni amministrative

La municipalità di Madrid, gestita in maniera centralizzata dall' Ayuntamiento de Madrid, è ripartita amministrativamente in 21 distretti i quali non godono di personalità giuridica e non hanno reali poteri di governo, limitandosi ad una funzione consultiva. La suddivisione dei distretti in barrios (quartieri) ha unicamente un carattere statistico:

1. Centro: Palacio, Embajadores, Cortes, Justicia, Universidad, Sol.

2. Arganzuela: Imperial, Acacias, Chopera, Legazpi, Delicias, Moguer, Atocha.

3. Retiro: Pacífico, Adelfas, La Estrella, Ibiza, Los Jerónimos, Niño Jesús.

4. Salamanca: Recoletos, Goya, Fuente del Berro, Guindalera, Lista, Castellana.

5. Chamartín: El Viso, Prosperidad, Ciudad Jardín, Hispanoamérica, Nueva España, Pza. Castilla.

6. Tetuán: Bellas Vistas, Cuatro Caminos, Castillejos, Almenara, Valdeacederas, Berruguete.

7. Chamberí: Gaztambide, Arapiles, Trafalgar, Almagro, Vallehermoso, Ríos Rosas.

8. Fuencarral-El Pardo: El Pardo, Fuentelarreina, Peñagrande, Barrio del Pilar, La Paz, Valverde, Mirasierra, El Goloso.

9. Moncloa-Aravaca: Casa de Campo, Argüelles, Ciudad Universitaria, Valdezarza, Valdemarín, El Plantío, Aravaca.

10. Latina: Los Cármenes, Puerta del Ángel, Lucero, Aluche, Las Águilas, Campamento, Cuatro Vientos.

11. Carabanchel: Comillas, Opañel, San Isidro, Vista Alegre, Puerta Bonita, Buenavista, Abrantes.

12. Usera: Orcasitas, Orcasur, San Fermín, Almendrales, Moscardó, Zofio, Pradolongo.

13. Puente de Vallecas: Entrevías, San Diego, Palomeras Bajas, Palomeras Sureste, Portazgo, Numancia.

14. Moratalaz: Pavones, Horcajo, Marroquina, Media Legua, Fontarrón, Vinateros.

15. Ciudad Lineal: Ventas, Pueblo Nuevo, Quintana, La Concepción, San Pascual, San Juan Bautista, Colina, Atalaya, Costillares.

16. Hortaleza: Palomas, Valdefuentes, Canillas, Pinar del Rey, Apóstol Santiago, Piovera.

17. Villaverde: San Andrés, San Cristóbal, Butarque, Los Rosales, Los Ángeles

18. Villa de Vallecas: Casco Histórico de Vallecas, Santa Eugenia

19. Vicálvaro: Casco Histórico de Vicálvaro, Ambroz

20. San Blas-Canillejas: Simancas, Hellín, Amposta, Arcos, Rosas, Rejas, Canillejas,

21. Barajas: Alameda de Osuna, Aeropuerto, Casco Histórico de Barajas, Timón, Corralejos

Madrid ha conosciuto un grande sviluppo economico da quando fu scelta come capitale del regno alla metà del XVI secolo. Alla funzione amministrativa che svolse in quel periodo, accentuata dal carattere centralista del governo dei Borbone, si unì un grande sviluppo industriale a partire dalla metà del XX secolo, soprattutto nei settori chimico e metallurgico e altri settori connessi con i consumi urbani di tecnologie avanzate, come la meccanica di precisione, l'elettronica e la chimica farmaceutica.

Negli ultimi anni, alle tradizionali attività amministrative e finanziarie si sono unite altre attività legate al turismo, alla cultura ed al divertimento; il culmine di ciò si ebbe quando Madrid venne nominata capitale europea della cultura. È al 4º posto tra le città più visitate d' Europa.

Di grande importanza anche il mercato all'aria aperta di El Rastro.

Infrastrutture e trasporti

Madrid ha una serie di tangenziali a forma di anello:

M-30, tangenziale all'interno del comune di Madrid, lunga 32,5 km, ad una distanza media di 5,17 km da Puerta del Sol.

M-40, tangenziale lunga 62 km, ad una distanza media di 10,07 km da Puerta del Sol.

M-45, tangenziale costruita tra la M-40 e M-50.

M-50, tangenziale lunga 85 km, ad una distanza media di 13,5 km da Puerta del Sol.

Vi sono anche 9 autostrade radiali che partono da Madrid:

Posta al centro della Penisola iberica, Madrid è anche il principale nodo ferroviario della Spagna, collegata mediante le linee ad alta velocità alle città più importanti, come Barcellona e Siviglia.

Le stazioni principali sono Atocha e Chamartín, da cui partono sia treni di alta velocità ( AVE) che Intercity verso tutti i capoluoghi della Spagna.

La città è servita da tre aeroporti:

Mobilità urbana

Madrid è servita da diverse reti di trasporto pubblico complementari che presentano molte stazioni intermodali.

Metropolitana

La metropolitana di Madrid è la terza rete metropolitana più lunga in Europa, dopo quelle di Londra e Mosca, con una lunghezza di 294 km.

È composta da 12 linee principali, un collegamento () tra le stazioni Ópera e Príncipe Pío e 3 linee tranviarie che prendono il nome di Metro ligero.

È costituita da dieci linee per un totale di 578 km e più di 90 stazioni.

Madrid è servita da una fitta rete di autobus urbani (di colore blu), interurbani (di colore verde) e speciali (di colore giallo). La rete è gestita dalla Empresa Municipal de Transportes de Madrid, anche conosciuta come EMT, ed è operativa 24 ore al giorno tutti i giorni dell'anno.

Biciclette

Dal 2014 è attivo il servizio di noleggio di biciclette BiciMAD, gestito dalla Empresa Municipal de Transportes de Madrid.

È inoltre presente il servizio di bike sharing privato Mobike.

Car sharing

Sono attivi cinque servizi di car sharing freefloating con veicoli elettrici o ibridi:

Car2go, da novembre 2015, con 500 veicoli Smart Electric Drive, da 2 e 4 posti.

emov, da dicembre 2016, con 550 veicoli Citroën C-Zero.

Zity, da dicembre 2017, con 658 veicoli Renault Zoe.

Wible, da luglio 2018, con 500 veicoli Kia Niro PHEV.

GoTo Global, da marzo 2021, con veicoli Renault Zoe.

Inoltre, sono presenti quattro servizi di car sharing round-trip: Respiro, Ubeeqo, Drivy, Wishilife.

Moto sharing

Sono attivi quattro servizi di moto sharing: Acciona, eCooltra, GoTo Global e Movo.

Monopattini

Sono attivi diversi servizi di monopattini elettrici condivisi, come Lime, Voi, Jump, Movo e altri.

Amministrazione

Gemellaggi

Madrid è gemellata con:

Lo sport più praticato e seguito a Madrid, così come nel resto della Spagna, è il calcio. Le due squadre più importanti della città sono il Real Madrid e il Club Atlético de Madrid, entrambe ai vertici della prima divisione del campionato di calcio spagnolo (la Liga) insieme al Futbol Club Barcelona. Meno conosciuto è il Rayo Vallecano, club del quartiere Vallecas.

Molto popolare è anche la pallacanestro. Le due squadre più rappresentative della città, entrambe nella liga ACB, sono il Real Madrid e il Club Baloncesto Estudiantes.

Il Giro di Spagna di ciclismo ( Vuelta Ciclista a España) quasi sempre termina a Madrid, sia perché è la capitale, sia per tradizione.

In atletica, la competizione più importante è denominata San Silvestre Vallecana, una maratona che si celebra ogni 31 dicembre.

Candidatura olimpica

Il Comitato Olimpico Internazionale, il 18 maggio 2004, ha selezionato nella città svizzera di Losanna le cinque città candidate ufficialmente all'organizzazione dei giochi olimpici del 2012 (oltre Madrid anche Mosca, Londra, Parigi e New York). Il 6 luglio del 2005, il Comitato Olimpico Internazionale ha scelto definitivamente la città organizzatrice, ed i giochi sono stati dati a Londra. Madrid si è classificata terza.

La capitale ha poi di nuovo tentato una nuova candidatura per il 2016: anche stavolta è entrata nella short list (insieme a Chicago, Tokyo, Rio de Janeiro) ed è finita seconda dietro la megalopoli brasiliana.

Madrid si è candidata anche per ospitare l'edizione del 2020, classificandosi terza dietro a Tokyo (che ha ospitato appunto la XXXII Olimpiade) e Istanbul.

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

(ES) Sito ufficiale , su madrid.es.

Ayuntamiento de Madrid (canale), su YouTube.

Madrid , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Madrid , in Dizionario di storia, Istituto dell'Enciclopedia Italiana, 2010.

(EN) Blake Ehrlich, Timothy John Connell e Vicente Rodriguez, Madrid , su Enciclopedia Britannica, Encyclopædia Britannica, Inc.

(ES, EN, FR, RU, JA, ZH) esMADRID.com, portale ufficiale del Consiglio di Madrid , su esmadrid.com. URL consultato l'11 maggio 2007 (archiviato dall'url originale il 29 ottobre 2011).

(ES, EN) Sito ufficiale dell'aeroporto di Madrid Barajas , su aena.es.

Portale Ufficiale di Turismo del Consiglio della Spagna , su spain.info.

Portale Spagna: accedi alle voci di Wikipedia che parlano della Spagna

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Madrid Capitale ( ES) Madrid Vista panoramica di Madrid Localizzazione Stato Spagna Comunità autonoma Madrid Provincia Non presente Amministrazione Alcalde José Luis Martínez-Almeida (PP) dal 15-6-2019 Territorio Coordinate 40°30′00″N 3°40′24″W ﻿ / ﻿ Altitudine 667 m s.l.m.

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Madrid