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Se funda la Academia Real de Danza en Lóndres

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En mi entrada de hoy voy a hablar de uno de los titulos mas importantes que puede obtener una bailarina,a parte de la carrera de danza,el titulo de la "Royal Academy of Dance of London".

La Royal Academy of Dance surgió en 1920 cuando un grupo de bailarinas decidio crear una asociación de profesores con el objetivo de desarrollar la enseñanza de la danza.A pesar de su fundación en Londres,la RAD trabaja en 50 paises,es el organismo reconocido que más alumnos examina alrededor del mundo y y está mundialmente aceptada como uno de los más altos niveles en la enseñanza de la técnica de la Danza.

La RAD ofrece diferentes exámenes dependiendo de el nivel y la edad del alumno/a.

Con aproximadamente 3 o 4 años se realiza el primer examen llamado Pre Primary que sirve basicamente para tener un toma de contacto con estos examenes.Al año siguiente se realizaria el siguiente examen,Primary,que ya tiene un poco mas de importancia en tu formacion.

Los cursos "serios" (por llamarlo de alguna forma ya que todo lo que realices es bueno para ti) empiezan con los llamados "Grados".La etapa de Grados consta de ocho examenes (grado 1,grado 2...) pero no es necesario realizar todos los grados.En ocasiones (como es mi caso) puedes finalizar grado 5 y saltar directamente a los "Grados superiores" que son,Intermediate Foundation,Intermediate,Advanced Foundation,Advanced 1 ,Advanced 2 y Solo Seal Award.En ocasiones suele pasar como en los grados y las gente suele saltarse Advance Foundation y pasar directamente a Advanced.

En los diferentes examenes,depediendo del nivel,te piden diferentes cosas pero,siempre tienes que memorizar unos ejercicios practicos para realizar en la barra,en el centro,un parte de "caracter" (ésta solo en los grados),una barra y un centro de puntas (a partir de los grados),ejercicios de "free movement"(en los grados) y en todos los examenes deberás aprenderte una pequeña coreografia,de un minuto y medio mas o menos y es imposible olvidar la reverencia final.

Una vez realizados todos los examenes,puedes preparar el examen para ser "teacher",es decir, para poder preparar a niñas y niños que quieran realizar este examen.Para ello deberas acudir a seminarios en diferentes partes de España y realizar unos cursillos para aprender todo lo necesario para secarte el título.

Una vez que obtengas el titulo de Teacher puedes optar prepararte para ser examinadora y así poder examinar a alumnos/as por todo el mundo.

En mi opinión estos exámenes son muy importantes en una buena formacion de danza pero tambien he de decir que es un proceso muy duro y que conlleva mucho sacrificio pero con fuerza de voluntad e ilusión todo se consigue asi que yo animaria a todas las personas que practican ballet a presentarse a estos examenes porque lo mejor es la satisfaccion que produce recibir las notas y ver que todo el esfuerzo ha dado sus frutos.

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En mi entrada de hoy voy a hablar de uno de los titulos mas importantes que puede obtener una bailarina,a parte de la carrera de danza,el titulo de la "Royal Academy of Dance of London".

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Debut de Ana Pavlova en el teatro Marinsk

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Cátedra de historia de la danza: Anna Pavlova

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La maestra de danza contemporánea Marisol Ferrari comparte en PANORAMA una breve reseña de los artistas más destacados de este arte.

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The Metropolitan Opera House abre sus puertas en Nueva York

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Se inaugura ls Opera de París

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Apertura del Royal Opera House en Lóndres

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El Teatro Bolshoi abre sus puertas

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Nace Jules Perrot bailarín romántico y el más digno de la época

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Charles Didelot funda el Ballet ruso

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Se funda el primer ballet cómico

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La danza comienza a ser una profesión

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Molierre escribe les amants magnifiques

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Surge la Escuela de Ballet y öpera en Francia

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Ópera francesa - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La ópera francesa es el arte de la ópera cantada en francés y que se desarrolla en Francia. Francia tiene una de las tradiciones operísticas más importantes de Europa, con obras de compositores nacionales de la talla de Rameau, Berlioz, Gounod, Bizet, Massenet, Debussy, Ravel, Poulenc y Messiaen, además de aportaciones de muchos compositores extranjeros, como Lully, Gluck, Salieri, Cherubini, Spontini, Meyerbeer, Rossini, Donizetti, Verdi y Offenbach.

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La danza era rechazada por la iglesia pero aún así continuo y se combinó con danzas de tribus del norte y se basaba en saltos y convulsiones que trataban de desterrar la peste negra del cuerpo.

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Se consideraba a la danza como una actividad peligrosa y sospechosa con movimientos y gestos llamados pantomima o mímica.

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La danza es una manera más de expresarse, al igual que se habla, se escribe, es una de las actividades más antiguas del mundo." El arte de la danza consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio e impregnando de significación el acto o acción que los movimientos desatan el gesto efímero del bailarín y su interpretación siempre intangible, hacen que ésta sea un acontecimiento único e irrepetible. Los componentes de un baile desaparecen con su propia sucesión y el desarrollo del mismo tan solo permanece en la memoria del pueblo. La danza se ha convertido en un elemento importante dentro de la historia de la humanidad, en las pinturas rupestres se han encontrado imágenes de danzantes al parecer estos tenían relación con rituales de caza.

La danza es una vía de expresión frecuente en las prácticas de la Antigüedad clásica: representa un papel destacado en la creación de identidades de grupo, ofrece un espacio común de participación ciudadana, simboliza ocasiones especiales en el calendario y establece un medio de conexión entre los seres humanos y la divinidad. Por la importante presencia de la religión en los ámbitos de la vida pública y privada, los pioneros en el estudio de las danzas grecorromanas consideraron que la "danza sagrada" debió de ser el origen y fuente de todas las demás.

Desde el punto de vista de un individuo en concreto, la danza es, tal vez, la mejor manera de experimentar la religión a través del cuerpo, es un sentimiento común en casi todas las civilizaciones, incluida la antigua Roma, donde había una clara conciencia del poder del cuerpo en movimiento y su relación con la divinidad.

A medio camino entre las plegarias y las acciones rituales, la danza se concibe como un lenguaje sagrado perfecto sin palabras que establece por sí misma una vía con el mundo de lo sobrenatural y estructura el ritual.

Dos son las principales funciones de las danzas religiosas que, en tanto que actos sagrados, tiene el objeto común de predisponer favorablemente la voluntad divina. En lo que respecta a los dioses como destinatarios, la danza puede servir para apaciguar sus ánimos y mantenerlos satisfechos en su estado de veneración o para pedir que se muestren propicios en las batallas, las cosechas o en otras situaciones.

Del mismo modo, cuando se pretende responder a las acciones divinas, muchas veces la mejor manera de hacerlo es a través de los movimientos coreográficos y el dinamismo del cuerpo. En estos casos, la danza sirve fundamentalmente para dar las gracias y cumplir con los votos prometidos.

En el año 364 A.C.una terrible peste asoló Roma y, según relata Tito Livio solo pudo ser rechazada gracias a la actuación de unos artistas etruscos que, traídos para la ocasión, interpretaron un baile, como era su costumbre, al ritmo de los flautistas. Los jóvenes romanos que asistieron por primera vez a estas danzas expiatorias no dudaron en imitarlas después, combinándolas con sus tradicionales versos burlescos. Estas improvisaciones acabarían siendo depuradas por actores profesionales que ofrecen un espectáculo más organizado en el que la danza y la música tenían especial relevancia; hasta que por fin, Livio Andronico, al introducir un argumento, dio lugar al verdadero drama latino.

La epidemia duró ese año y el siguiente, en que fueron cónsules Tito Sulpicio Pético y Gayo Licino Estolón. Entonces no se realizó ninguna acción digna de ser recordada, a no ser que, para solicitar la paz de los dioses, hicieron un lectisternio, el tercero tras la fundación de Roma. Y como la fuerza de la enfermedad no se debilitaba ni con planes humanos ni con la ayuda divina, con los ánimos vencidos por la superstición se instituyeron también unas representaciones teatrales, algo nuevo para un pueblo guerrero, pues su único espectáculo había sido el coro, entre otros recursos, dicen, para aplacar la cólera de los dioses; pero esto fue un hecho humilde, como casi todo al principio, y además de origen extranjero.

Unos artistas traídos desde Etruria, que danzan al son de un flautista, exhibían al estilo etrusco pasos que no eran indecorosos. Luego, la juventud empezó a imitarlos, al tiempo que proferían chanzas entre sí, con versos improvisados, y sus gestos no eran discordantes con las palabras. Esta cosa fue aceptada y, con el uso frecuente, se puso en marcha. Los artistas nativos, como la palabra etrusca para bailarín era ister, se les dio el nombre de histriones que representaban con música sátiras completas, ya con cantos determinados por el flautista y un movimiento armónico, muy diferente de los primeros versos improvisados.

Hay un relato similar de Valerio Máximo, que describe la introducción de los ludi scaenici primero a partir de la improvisación de unos jóvenes burlones que bailan y gesticulan.

Las autoridades deciden llamar a unos artistas para que realicen esos mismos movimientos pero de forma más refinada. Es entonces cuando la danza de los ludiones etruscos se instaura como una de las actividades más apreciadas por el público romano. ("así que, para aplacar a los dioses del cielo, se compusieron canciones a las que el pueblo mostró muy poco interés por que hasta ese momento se contentaban con el espectáculo circense que había sido instituido por Rómulo, cuando el rapto de las sabinas, con el nombre de Consualia.

Pero, como es propio de los hombres perseguir, en sus orígenes, las cosas insignificantes con empeño, la juventud jocosa añadió gestos a las composiciones destinadas a los dioses, con un movimiento del cuerpo grosero y desordenado, y por esa razón se mandó llamar a los ludiones de Etruria. La elegante agilidad de éstos venía del antiguo estilo de los Curetes y los Lidios, de quienes descendían los Etruscos y esta grata novedad encantó a los romanos. y como entre ellos llamaban hister al bailarín, se dio este nombre de histriones al artista de la escena.")Val- Max.

No sabemos si la danza de los profesionales es consecuencia de otras más espontáneas pero lo cierto es que los dos autores inciden en la importancia de la danza y el movimiento corporal como origen de los festivales más importantes. De forma paralela a este proceso, las atenallanae osca del sur de Italia se habían consolidado también como una de las formas pre-teatrales más importantes. Estas pequeñas piezas eran interpretadas por ciudadanos libres que actuaban y bailaban como aficionados, representando escenas fijas, de carácter lúdico y formalmente poco acabadas que acabarían ocupando el espacio de los entreactos.

La combinación de todos estos factores, la herencia de griegos y etruscos, van conformando las primeras comedias latinas donde los bailarines constituyen un importante recurso teatral: durante los pasajes musicales y en los cantica, los actores sobre todo en obras de Plauto, exhiben sus habilidades coreográficas. Integrando así los elementos folclóricos del drama no literario.

Con el tiempo, la danza teatral se va diluyendo hasta quedar eclipsada por el diálogo y el canto, sobre todo cuando la comedia y la tragedia se consolidan como género dramático en Roma. Sin embargo, en las últimas décadas de s.I a.C. surgen nuevas formas teatrales que, curiosamente dotarán a sus piezas de pasajes bailados, que el público recibe con entusiasmo: en las representaciones de mimos, los gestos y los bailes se alternan con la recitación de textos. Por su parte, la pantomima es una clase de ballet.

Con el desarrollo de la pantomima en época de Augusto, la danza que caracteriza la escena romana no es ya una representación de varios personajes sino la mímesis de un solo individuo. Un profesional que sólo con sus gestos y actitudes es capaz de encarnar las secuencias de una tragedia.

Las danzas de connotaciones rituales que evolucionan en Grecia y en Roma va ocupando el núcleo de nuevos géneros latinos. La pantomima de época imperial se presenta en cierto modo como una síntesis de los estilos anteriores.

El espectáculo constituye una vía de ocio para los ciudadanos y se necesita contar con artistas bien preparados. En el caso de Roma, la profesionalización de los actores implicaba una formación completa y variada, la expresión corporal, el sentido del ritmo, la capacidad de improvisación etc.

Al margen del discurso de Escipión, no hay ninguna otra mención en el corpus que sugiera la existencia de instituciones similares al ludus saltatorius o maestros de baile para profesionales. Cabe pensar entonces que, en tiempos de la República, los artistas eran fundamentalmente autodidactas y solo aprendían los gestos y pasos que intercambian entre sí, los bailes que copiaban a sus compañeros o los que improvisaban ellos mismos.

Uno de los lugares más apropiados para este intercambio era la palestra, en donde también practicaban ejercicios de gimnasia y expresión corporal a fin de mejorar su presencia.

En De oratore Cicerón reconoce que, para enriquecer sus gestos, los actores aprenden a bailar (saltare didicisset), una actividad impropia de un orador pero aceptable en el caso de los histriones.

Entre las mujeres, se habla de oficios hereditarios: como las bailarinas que empezaban sus carreras muy jóvenes y necesitaban que alguien las oriente para poder ejecutar los bailes con soltura y precisión, una tarea que desempeñaban, seguramente, sus familiares y otras personas cercanas al círculo.

En un llamativo pasaje de Amiano Marcelino, se puede leer por ejemplo que había en Roma verdaderos séquitos de actrices y se mencionan hasta tres mil bailarinas acompañadas por coros y maestros.

En el caso de los hombres, la influencia del género pantomímico a partir de Augusto determina una nueva consideración de los bailarines que, artísticamente mejores que los demás artistas, se ven obligados a mantenerse en forma con rigurosos procesos de entrenamiento. Los pantomimos deben perfeccionar la técnica, la fuerza, y están obligados a conocer el repertorio mitológico que ponen en escena.

Como prueba de su elevada formación y nivel cultural, muchos pantomimos son, autores de las obras que representan y están encargados de supervisar la música.

En Roma existe también un tipo de formación en danza que repercute en el desarrollo de los ciudadanos como colectivo, como es el caso de las danzas de los Salios y otras prácticas religiosas, existen muchos rituales de carácter espectacular en los que la expresión corporal y la danza sirven como medio de unión. Se dice que los Salios son los sacerdotes de Marte y que danzan durante los sacrificios de Marte. Estos sacerdotes además de contar con una buena forma física, deben memorizar los pasos y asimilar la distribución de los movimientos en el espacio. Aparte de los saltos, los Salios deben transportar los escudos sagrados al ritmo de la música danza guerrera entre sus principales adiestramientos.

En el período imperial la política de Augusto revitaliza la cabalgata ecuestre del Lusus Troiae o los ritos de los fratres Aruales , hay otros jóvenes nobles que también incluyen la danza guerrera entre sus principales adiestramientos, Dada su vínculo a las tradiciones romanas, estas danzas son tenidas por actividades dignas y se fomentan entre los hijos de los nobles y patricios, que asisten a entrenamientos programados para adquirir destreza, agilidad física, memoria coreográfica y orientación espacial.

Tampoco entre las mujeres la enseñanza de la danza y práctica del baile era un hecho excepcional. Aprender a bailar era normal en tiempos de la República y entre las mujeres era una muestra de buena educación siempre que se practique en su justa medida. (dum modo nom curiosa usque ad artis perfectionem)

En este sentido, la formación en danza y otras materias afines constituyen un rasgo distintivo de la educación femenina frente a la de los hombres, una diferencia que se acentúa con el paso del tiempo y los cambios que afectan a su emancipación, en época imperial cada vez son más las mujeres que se consideran buenas bailarinas, incluso presumen de ello.

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DANZA EN EL MUNDO ROMANO Y EL ORIGEN DE LOS "LUDI SCAENICI"

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La danza es una manera más de expresarse, al igual que se habla, se escribe, es una de las actividades más antiguas del mundo." El arte de la danza consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio e impregnando de significación el acto o acción que los movimientos desatan el gesto efímero del bailarín y su interpretación siempre intangible, hacen que ésta sea un acontecimiento único e irrepetible.

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Grecia es el orígen del teatro contemporaneo con rituales para todos sus dioses.

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Grecia es el orígen del teatro contemporaneo con rituales para todos sus dioses.

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Representaban a la muerte y la reencarnación de Osiris.

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La música y la danza eran carreras abiertas a hombres y mujeres en el antiguo Egipto, podían trabajar independientes o estar conectados a un templo.

Las mujeres que bailaban llevaban túnicas, o simplemente cinturones o fajas, hechas de piedras o conchas, a pesar de que hoy lo podemos ver erótico o sensual, los antiguos egipcios no veían un cuerpo desnudo con la misma fascinación, ni con nuestra sentido de la moral.

Parece ser que desde la infancia empezaban su formación, pues relieves en los templos muestran niños bailarines corriendo, saltando, haciendo piruetas...

Existían muchos tipos de danza:

La danza puramente de movimiento- Era un estallido de energía donde el bailarín y el público por igual gozan del ritmo.

El baile de gimnasia- Algunos bailarines ejecutaban difíciles movimientos que requerían de una gran destreza y flexibilidad.

La imitación del baile- Estas eran imitar los movimientos de los animales.

La pareja de baile- Las parejas de baile estaban formadas o por dos hombres o por dos mujeres, nunca hombres bailando con mujeres.
Los movimientos de estos bailarines eran ejecutados en perfecta simetría.

El grupo de danza- Estos se dividían en grupos de cuatro, a veces hasta ocho y cada uno de ellos realizaba distintos movimientos, independientes entre sí, pero coincidentes en los ritmos.

El baile de guerra- Estos eran para entretenimiento de las tropas mercenarias de los libios en los momentos de descanso.

La danza dramática- Representaban diferentes escenas de guerra o de la vida cotidiana.

La lírica del baile- esta danza es parecida al ballet de hoy.

El baile grotesco- Lo realizaban enanos.

El funeral de baile- eran danzas que formaban parte del rito del funeral real, donde realizan escenas de dolor con sus manos sobre la cabeza.

La danza religiosa- Lo ejecutaban músicos y bailarines capacitados y entrenados en los himnos y otros cantos religiosos.

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La música y la danza eran carreras abiertas a hombres y mujeres en el antiguo Egipto, podían trabajar independientes o estar conectados a un templo. Las mujeres que bailaban llevaban túnicas, o simplemente cinturones o fajas, hechas de piedras o conchas, a pesar de que hoy lo podemos ver erótico o sensual, los antiguos egipcios no veían un cuerpo desnudo con la misma fascinación, ni con nuestra sentido de la moral.

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Los primeros registros de la danza son las pinturas rupestres de rituales de caza con figuras danzantes.

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La danza es un arte sin nacionalidad.

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Bajo el lema La creativitat mai s'ha aprés. Som art, nuestro instituto, el único de la comarca en cuya oferta formativa se incluye el bachillerato artístico, ha querido rendir un homenaje al arte y a la danza.

Gracias a todos aquellos (alumnos, profesores, equipo directivo, editor del vídeo...) que hemos hecho posible, de una u otra forma, la materialización de este vídeo que refleja el espíritu emprendedor de una comunidad escolar que produce un maravilloso efecto en mí: la imperiosa necesidad de unirme a ella cada mañana.

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Bajo el lema La creativitat mai s'ha aprés. Som art, nuestro instituto, el único de la comarca en cuya oferta formativa se incluye el bachillerato artístico, ha querido rendir un homenaje al arte y a la danza. Gracias a todos aquellos (alumnos, profesores, equipo directivo, editor del vídeo...)