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La ballesta gigante de Leonardo da Vinci es uno de los inventos  innovadores que Leonardo creó en el transcurso de su vida. Sus cuadernos de bocetos contienen diseños de máquinas y armas, incluyendo la ballesta gigante, que ilustra su interés en la ingeniería militar.

Durante el Renacimiento, las guerras y los conflictos militares eran comunes, y los inventores  buscaban mejorar las armas y las fortificaciones. La ballesta gigante es una versión  grande  de la ballesta tradicional. Se representa en los bocetos de Leonardo como una máquina de asedio diseñada para lanzar proyectiles de gran tamaño.

La ballesta gigante de Leonardo tiene una estructura robusta y masiva, construida para soportar la  tensión generada al disparar. Está diseñada con una base sólida y con una serie de vigas y soportes que sostienen el mecanismo de disparo.

A diferencia de las ballestas más pequeñas que utilizan cuerdas o resorte para generar tensión, emplea un sistema de palancas y tensores para aplicar la fuerza necesaria.  El diseño incluye un mecanismo para tensar los largueros. Este mecanismo está diseñado para permitir que la persona que la utilice  aplique una gran cantidad de tensión a los cables de la ballesta.

Los proyectiles de la ballesta gigante son grandes y pesados, diseñados para causar daño significativo a fortificaciones o a grupos de soldados enemigos.En algunos diseños, los proyectiles son representados como flechas de gran tamaño.

Para disparar, el mecanismo de la ballesta debe ser liberado. El diseño incluye una serie de palancas y mecanismos para controlar el lanzamiento del proyectil. Leonardo también hizo bocetos que muestran cómo el mecanismo puede ser operado manualmente, con la ayuda de un sistema de poleas y engranajes.

La ballesta gigante está diseñada para ser operada con una gran cantidad de fuerza. El sistema de tensores y palancas permite acumular una gran cantidad de energía potencial, que luego se libera al disparar. El proyectil es lanzado con gran fuerza, y la intención es que cause daños significativos a las estructuras o tropas enemigas.

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Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un polímata renacentista conocido por sus contribuciones en una gama de campos, incluidos el arte, la ciencia, la ingeniería y la anatomía. En sus cuadernos de bocetos, explora  ideas innovadoras y diseños mecánicos. Uno de sus proyectos más ambiciosos fue el ornitóptero, un intento de crear una máquina voladora que imita el vuelo de las aves.

Se basa en el concepto de batir las alas para generar sustentación y propulsión, imitando el vuelo de las aves. El diseño es notable por su complejidad y detalle, con mecanismos para replicar el movimiento de las alas y un enfoque en la aerodinámica.

Las alas están diseñadas para mover hacia arriba y hacia abajo. imaginó unas alas grandes y membranosas que se asemejan a las alas de un murciélago. estaban cubiertas con una  tela que se extiende entre una serie de varillas para proporcionar la forma y la estructura necesarias para la sustentación.

Diseñó un sistema de poleas y mecanismos para permitir que las alas se movieran de manera sincronizada. Pretendía replicar el movimiento de batir de las alas, que es fundamental para la generación de sustentación en el vuelo. Incluía correas y palancas que se conectaban a una especie  manivela o sistema de palancas impulsado por la fuerza humana.

El cuerpo del ornitóptero estaba diseñado para ser ligero pero fuerte, con una estructura que soportará las fuerzas generadas durante el batido de las alas.  Incluía una cabina para el piloto, situada en el centro de la máquina, que estaba diseñada para permitir al piloto manejar mientras se encontraba en el aire.

Leonardo , creía que el batido de las alas generaría la sustentación necesaria para que la máquina se elevará y se mantuviera en el aire. El movimiento de las alas  proporciona la propulsión  para avanzar, imitando el vuelo de las aves.

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CXLVI.

De la naturaleza de las contraposiciones.

Las vestiduras negras hacen parecer las carnes de las imágenes humanas aún más blancas de lo que son; y las blancas por el contrario las oscurecen. Las vestiduras amarillas hacen resaltar el color de las carnes , y las encarnadas las ponen pálidas.

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Cxxvi

De la encarnación de los rostros

Cuanto mayor sea un cuerpo, mas bulto liará á mayor

distancia. Esta proposición nos enseña que los rostros se

vuelven oscuros con la distancia; porque la mayor parte de

la cara es sombra, y la masa de la luz es poca, por lo cual

á corta distancia se desvanece: los reflejos son aun menos,

y por esto , como casi todo el -rostro se vuelve sombra , pa-

rece oscuro en estando algo apartado. Y esta oscuridad se

aumentará mas siempre que detras del rostro haya campo

blanco ó claro.

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LXI.

Cómo se deben dibujar los niños.

Los niños se deben dibujar con actitudes prontas y vivas, pero descuidadas cuando están sentados; y cuando están de pie se deben representar con alguna timidez en la acción.

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XLI.

Cualidad que debe tener la luz.

La luz alta y abundante, pero no muy fuerte, es la que hace el mas grato efecto en las partes del cuerpo.

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En este caso deberá el pintor dibujarla figura de la verdadera y bella proporción. Además de esto debe medir así mismo,y notar en que partes se aparta de dicha proporción, con cuya noticia cuidara diligentemente de no incurrir en el mismo defecto al concluir la figura. En esto es poner suma atención; por qué es un vicio que nace del pintor al mismo tiempo que su juicio : y discurso: y como el alma es maestra del cuerpo; y es cualidad natural del propio juicio deleitarse en obras semejantes a las que formó en sí la naturaleza ; de aquí nace que no hay mugre por fea que sea,que no encuentre algún amante, a menos que no sea monstruosa,y así el cuidado en esto debe ser grandisimo.

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XLIII.

Necesidad de saber la estructura interior del hombre.

El Pintor que se halle instruido de la naturaleza de los nervios, músculos y huesos, sabrá muy bien qué nervios y qué músculos causan ó ayudan al movimiento de un miembro: igualmente conocerá qué músculo es el que con su hinchazón ó compresión acorta el tal nervio, y cuáles cuerdas son las que convertidas en sutilísimos cartílagos

envuelven y circundan el tal músculo ,nunca le sucede á lo que á muchos, que siempre dibujan de una misma manera, aunque sea en diversas actitudes y posturas, los brazos, piernas, pecho, espalda.

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Con esta luz se debe poner un papel transparente o regular; y de este modo producirá en el objeto sombras dulces y deshechas

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CCXXXIII.

De la actitud que toma el hombre cuando quiere herir con mucha fuerza.

Cuando el hombre se dispone á hacer un movimiento con gran fuerza, se dobla y tuerce cuanto puede hacia la parte contraria de aquella en donde quiere descargar el golpe, en cuya actitud se dispone para la mayor fuerza que le sea posible, la cual dirige el golpe, y queda impresa en la parte á que se dirigía, con el movimiento compuesto.

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Leonardo consideraba que la naturaleza era un modelo insuperable de perfección y eficiencia, y que el ser humano, por más que intentara, no podría mejorar lo que ya existía en la naturaleza.

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A diferencia de otros enfoques que buscan controlar o modificar la naturaleza, Leonardo prefería observarla y aprender de ella. Él encontraba una belleza intrínseca en la complejidad y los patrones naturales, reconociendo que estos eran superiores a cualquier cosa que el ser humano pudiera diseñar. Según él, la naturaleza lograba un equilibrio perfecto en sus creaciones, sin elementos innecesarios o defectos.

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CCI

Del peso natural del hombre sobre sus pies.

Siempre que el hombre se mantenga en soló un pie, quedará el total de su peso dividido en partes iguales sobre el centro de gravedad que le sostiene.

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CLXXIX.

De los miembros que engruesan en la articulación al doblarse.

Todos los miembros del hombre engruesan al doblarse en su articulación excepto la rodilla.

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CCXXVI.

Casi nunca se debe afectar demasiado la musculación en el desnudo.

Las figuras desnudas no deben estar sobradamente anatomizadas, porque quedan sin gracia ninguna, los músculos solo se señalarán en aquella parle del miembro que ejecuta la acción.

El músculo se manifiesta por lo común en

todas sus partes mediante la operación que ejecuta, de modo que antes de ella no se dejaba ver.

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11_mejores_portadas_54_john_lennon_John Lennon y Yoko Ono- Two Virgins (sesion de fotos, de espaldas)

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CLXXXIII.

De las actitudes y movimientos y sus miembros.

En una misma figura no se deben repetir unos mismos movimientos, ya en sus miembros, ya en sus manos o dedos; ni tampoco en una misma historia se deben duplicar las actitudes de las figuras.

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CXCI

De la belleza de un rostro

No se pinten jamas músculos definidos crudamente; antes al contrario, desháganse insensible y suavemente los claros agradables con sombreas dulces; y de este modo resultara la gracia y la belleza

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CCXXXVIII

Del pliegue que hace la carne

La carne que hace pliegue siempre forma arrugas, y en la parte opuesta esta tirante.

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CXXIX

Del color verde de los campos

Entre los varios verdes del campo el más oscuro es el de las plantas y árboles, y el más claro el de las yerbas de los prados.

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CXLVI

De la naturaleza de las contraposiciones

Las vestiduras negras hacen parecer las carnes de las imágenes humanas aún más blancas de lo que son, y las blancas por el contrario las oscurecen. Las vestiduras amarillas hacen resaltar el color de las carnes, y las encarnadas las ponen pálidas.

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Kazimir Malevich, Composición suprematista con triángulo azul y rectángulo negro (1915 - Óleo sobre lienzo, 0.57m x 0.665m, Museo de la ciudad Stedelijk, Amsterdam)

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§ CXXIIL

Cuál superficie admite más colores

La superficie blanca es la que más admite más color respecto de todas las demás superficies de cualquier cuerpo que no sea lustroso como el espejo. La razón es, porque todo cuerpo vacío puede recibir todo lo que no pueden los que están llenos; y siendo el blanco vacío (esto es, privado de todo color), y hallándose iluminado con el color de cualquier luminoso, participará de este color mucho más que el negro; el cual es como un vaso roto que no puede contener en sí licor alguno.

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Georges Seurat, Un domingo en la Grande-Jatte (1884-1886; óleo sobre lienzo, 207 x 308 cm; Chicago, The Art Institute)

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§ CXXX

Que verde participará más del azul

Aquel verde, cuya sombra sea más densa y más oscura participará más del azul; porque el azul se compone de claro y oscuro a larga distancia.

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Utilizó el arte como herramienta de registro y estudio, y a su vez, utilizó sus estudios y conocimientos científicos como herramientas y fundamentos para su arte.

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Leonardo tenía una concepción ecologista del mundo, se maravillaba con las formas de la naturaleza y nutria sus conocimientos a partir de la observación y las relaciones que hacía sobre ella. Dedico su vida a estudiarla para tener una mejor comprensión del mundo y contribuir a un desarrollo humano que no interfiera con el desarrollo natural de las cosas.

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Tratado de la pintura. Precepto N°187 -

§ CLXXXVII

"De los movimientos de las partes del rostro"

Los movimientos de las partes del rostro, cansados por los accidentes mentales, son muchos: los principales son la risa, el llanto, el gritar, el cantar, ya sea con voz grave ó delgada, la admiración, la ira, la alegría, la melancolía, el espanto, el dolor, y otros semejantes; de todos los cuales se hará mención, pero primero de la risa y llanto, porque se semejan mucho en la configuración de la boca y mejillas, como también en lo cerrado de los ojos; y solo se diferencian en las cejas y su intervalo.

Todo esto se dirá en su lugar, y también la variedad que recibe el semblante, las manos, y toda la persona por algunos accidentes, cuya noticia es muy necesaria al Pintor, pues si no, pintará verdaderamente dos veces muertas las figuras.

Y vuelvo á advertir que los movimientos no han de ser tan desmesurados y extremados, que la paz parezca batalla ó junta de embriagados y sobre todo los circunstantes al caso de la historia que se pinte, es menester que estén en acto de admiración, de reverencia, de dolor, de sospecha, de temor ó de gozo, según lo requieran las circunstancias con que se haya hecho aquel concurso de figuras; y también se procurará no poner una historia sobre otra en una misma parte con diversos horizontes , de modo que parezca una tienda de géneros con sus navetas y cajones cuadrados.

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En “Adoración de los Magos” (inconclusa) Leonardo despliega su conocimiento de anatomía y perspectiva. Integran a los personajes con el espacio natural y arquitectónico. La escena de adoración  a la figura del niño Jesús, se puede interpretar como una expresión de su propia  adoración a la vida y la naturaleza. Leonardo no utiliza símbolos para representar “lo divino” como en la Edad Media porque encuentra divinidad en las formas naturales; tal cual fueron creadas.

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A través de este estudio anatómico, se puede observar el interés de Da Vinci en comprender los sistemas naturales. No como mecanismos aislados, sino como partes integrales de una unidad ecológica. Da Vinci encuentra correlaciones en las distintas formas naturales. Los vasos sanguíneos,  las cuencas hidrográficas o las raíces de las plantas, pueden tener características similares en su diseño y funcionamiento.

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Tratado de la pintura, precepto Nº CCXXIV

De los músculos.

Los miembros de un joven no se deben representar con los músculos muy señalados; porque esto es señal de una

fortaleza propia de la edad madura, y que no se halla en los jóvenes. Señalaránse, pues, los sentimientos de los músculos mas ó menos suavemente, según lo mucho ó poco que trabajen, teniendo cuidado de que los músculos que están en acción han de estar mas hinchados y elevados que

los que descansan; y las líneas centrales intrínsecas de los miembros que se doblan nunca tienen su natural longitud.

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El tratado de la pintura, precepto Nº XX

Siempre se debe consultar el natural.

El que crea que en su imaginación conserva todos los efectos de la naturaleza, se engaña, porque nuestra memoria no tiene tanta capacidad y así en todo es menester consultar con el natural cada parte por sí.

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214.-La perspectiva en disminución demuestra que cuanto más alejado esta el objeto, más pequeño parece [...].

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480.- La actitud de las figuras debe ser tal en todos sus miembros, y tan expresiva, que puedan conocerse las intenciones de sus almas.

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LXVL Cómo se debe pintar una tempestad de mar.

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(...)´´El mar inquieto y tempestuoso se hará lleno de espumas entre las olas elevadas, y por encima se verá como una niebla de las partículas espumosas que arrebata el aire. Las naves estarán algunas con las velas despedazadas, meneándose los pedazos; otros quebrados los palos, y otras abiertas enteramente al furor de las olas, con las jarcias rotas, y los marineros abrazados con algunas tablas, como que están gritando. Se harán también nubes impelidas de la

fuerza del viento contra la cima de alguna roca, que hacen los mismos remolinos que cuando se estrellan las ondas en las peñas. Últimamente la luz del aire se re- presentará oscura y espantosa con las espesas nubes de la tempestad, y las que forma el polvo que levanta el

viento.´´

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como se debe pintar una tempestad del mar 

# data[].attributes.body
´´Todo aquello que carece enteramente de luz es del todo tenebroso, y siendo la noche así, cuando tengas que

representar alguna historia en semejante tiempo, harás un gran fuego, primeramente, y todas aquellas cosas que más se aproximen a él estarán teñidas de su color; porque cuanto más arrimada esté una cosa al objeto, más participa de su naturaleza; y siendo el fuego de color rojo, todos los cuerpos iluminados por él participarán del mismo color; y al contrario los que se aparten del fuego tendrán su tinta más parecida a lo negro y oscuro de la noche...´´

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imagenes de arte sobre noche con gente y fogata

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II. Qué estudio deban tener los jóvenes.

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El estudio de aquellos jóvenes que desean aprovechar en las ciencias imitadoras de todas las figuras de las cosas criadas por la naturaleza, debe ser el dibujo, acompañado de las sombras y luces convenientes al sitio en que están colocadas las tales figuras.

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I. Lo que primeramente debe aprender un joven

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El joven debe ante todas cosas aprender la perspectiva para la justa medida de las cosas: después estudiar copiando buenos dibujos, para acostumbrarse a un contorno correcto: luego dibujará el natural, para ver la razón de las cosas que aprendió antes; y últimamente debe ver y examinar las obras de varios Maestros, para adquirir facilidad en practicar lo que ya ha aprendido.

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338 De los contornos

“Los contornos de las cosas de segundo término no han de estar tan decididos como los del primero. Por lo cual cuidará el Pintor de no terminar con inmediación los objetos del cuarto término con los del quinto, como los del primero con el segundo; porque el término de una cosa con otra es de la misma naturaleza que la línea matemática, más no es línea; pues el término de un color es principio de otro color, y no se puede llamar por esto línea; porque no se interpone nada entre el término de un color antepuesto a otro, sino el mismo término, el cual por sí no es perceptible. Por cuya razón en las cosas distantes no debe expresarlo mucho el pintor.”

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Helena en la playa, 1909.
Óleo sobre lienzo, 200 x 120 cm.
Joaquín Sorolla.

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§ CÍV. Color de la sombra del blanco.

La sombra del blanco, visto con el sol y la claridad del aire, tiene un color que participa del azul; porque como el blanco en sí no es color, sino disposición para cualquier color, según la proposición que dice : la superficie de cualquier cuerpo participa del color de su objeto , se sigue que aquella parte de la superficie blanca, en que no hieren los rayos del sol 5 participa del color azul del aire que es su objeto. (El tratado de la pintura. L de Vinci. p 49)

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Cornelis de Heem - sin fecha - Óleo sobre lienzo                                                       

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§ cxv.

Todo color que no tenga lustre es mucho mas helio en la parte iluminada que en la sombra.

Todo color es siempre mas hermoso en la parte iluminada que en la sombra, porque la luz vivifica y demuestra con toda claridad la naturaleza del color, y la sombra la oscurece y apaga, y no permite distinguirle bien. Y si á esto se replica que el negro tiene mas belleza en la sombra que en la luz, se responderá que el negro no es color.

(El tratado de la pintura. L de Vinci. p 55)

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Leonardo ponderó la pintura por sobre otras artes, como por ejemplo la poesía, la música y la escultura, relacionandola con la ciencia mediante la óptica y la perspectiva. Combinar la observación con la imaginación era primordial para él, ya que a partir de eso conseguía eliminar el límite entre la realidad y la fantasía para poder lograr la representación de ambas.

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Como marca Capra en su libro, Leonardo estudió ampliamente los aspectos del cuerpo humano y animal, realizando estudios sobre las formas y el movimiento. Consideraba a la naturaleza como un todo de características viva y animada, y se jactaba de poder leer la misma subrayando la importancia de la observación durante ese proceso.

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Leonardo Da Vinci, quería lograr que la pintura sea un objeto de estudio, y para eso dedico mucho trabajo de observación e investigación. Decía que la pintura aparte de intelecto, exige imaginación. Lo que para algunos solo era representar algo en una pintura, para Leonardo significó también, desarrollar un pensamiento científico mediante la observación.

Para dibujar o pintar un cuerpo, era necesario saber cómo estaba conformado por dentro. De esa manera, hizo muchos aportes a nuevos saberes y conocimientos para la época y la posteridad.

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"Cuando Leonardo proyectó villas y palacios, prestó especial atención a los movimientos de las personas y de bienes por los edificios, aplicando a sus diseños arquitectónicos la metáfora de los procesos metabólicos. También pensó que los jardines formaban parte de los edificios, siempre con la intención de integrar arquitectura y naturaleza. Aplicó también esos mismos principios a sus proyectos urbanos, pues concebía a la ciudad como una especie de organismo en el que, para que fuese saludable, era imprescindible que las personas, los bienes materiales, los alimentos, el agua y los residuos circularan por el con facilidad" (Fritjof Capra. La ciencia de Leonardo . p 334)

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"Para Leonardo, la naturaleza como un todo era viva y animada, era un mundo que fluye y se desarrolla sin cesar, tanto en el macrocosmos de la Tierra como en el microcosmos del cuerpo humano" (Fritjof Capra, La ciencia de Leonardo. p 329)

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Estos bocetos enfatizan la estructura y el movimiento del cuerpo, reflejando un profundo conocimiento tanto del arte como de la ciencia. Esto hace que realice contribuciones significativas para ambos campos.

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"El arte del escultor es de mayor esfuerzo físico que el del pintor, es decir, más mécanico y de menor esfuerzo mental, pues tiene un menor discurso en comparación con la pintura, porque el escultor solo quita y el pintor siempre añade. El escultor siempre quita de una misma materia, mientras que el pintor siempre añade de mayeroas diferentes. El escultor sólo busca líneas que circunscriben la materia esculpida, mientras que el pintor busca esas mismas líneas, más otras que investigan la luz y las sombra, el color y el escorzo, cosas sobre las que la naturaleza ayuda continuamente al escultor, es decir, con sombra, luz y perspectiva , partes que es necesario que el pintor adquiera a fuerza de ingenio y estudie en la misma naturaleza, mientras que el escultor se las encuentra ya echas."

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Otro de sus intereses era el de diseñador e inventor, pues acá vemos un tipo de catapulta, parte de una serie de varias maquinas de guerra.

En consonancia con sus dichos, el arte era noble pues ademas de representar la realidad, permitía la creación de seres fantásticos, paisajes imaginarios u objetos nunca antes ideados.

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347. De las luces y sombras que tiñen la superficie del paisaje 

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"Las luces y sombras de los paisajes participan del color de sus causas, porque la oscuridad compuesta por la densidad de las nubes, añadida a la privación de los rayos solares, tiñen todo lo que tocan con sus colores. Pero el aire circundante, exceptuando las nubes y las sombras, ilumina el lugar y lo hace particípe del azul. El aire penetrado de rayos solares que se encuentra entre la oscuridad de la sombra de la tierra y el ojo de quien lo ve, tiñe el lugar también de color azul, como se prueba por el echo de que el azul del cielo está creado por la luz y la sombra. ..."

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El puente giratorio podía ser transportado y empacado para el uso de los ejércitos en movimiento. Este invento se balanceaba sobre un arroyo o fosa para que los soldados crucen sin problemas. Poseía ruedas e incorporaba un sistema de cuerda y poleas para un empleo rápido y fácil transporte.

Leonardo eleva a la pintura por encima de la poseia, objetando que su arte se nutria de la ciencia y por lo tanto no era un arte mecanico. Es atraves de la utilizacion de conocimientos matematicos como el plasmaba objetos tridimensionales.

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La imagen muestra uno de los diseños innovadores de Leonardo da Vinci. Una ametralladora no era una máquina capaz de disparar múltiples balas por un solo cañón pero sí era capaz de realizar varios disparos en rápidos intervalos. Sus diseños no eran solo artísticos sino también prácticos e innovadores fusionando el arte con la ciencia y la ingeniería.

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En esta ilustración Leonardo muestra una de sus grandes fortalezas, el gran dominio de la perspectiva. Acorde a sus pensamientos, estas estaban basadas en matemáticas por lo cual igualaban el estatus del arte al de la ciencia.

"La práctica debe basarse siempre en una teoría sólida, y para ello la Perspectiva es la guía y la puerta de entrada; y sin ella nada puede hacerse bien en materia de dibujo"

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Anatomía de la pata de un oso, c.1488-90. Punta de metal, pluma y tinta, realce blanco, sobre papel preparado de color gris azulado | 16,1 x 13,7 cm (hoja de papel) 

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Leonardo estudiaba tanto la anatomía humana como la animal, deseoso de conocer los mecanismo del cuerpo, "el crecimiento, los movimientos y las transformaciones de las formas...". En este dibujo se observa como desarrollo un enfoque empírico, para llevar a cabo su investigación, combinando ciencia y arte.

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En este caso podemos ver el estudio anatómico del brazo,cuello , hombros y pecho mz podemos encontrsr de parte de leonardo este tipo de estudios de todas las partes del cuerpo humano y también de animales.

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Estos dibujos son parte del estudio anatómico de manos y dedos de Leonardo da Vinci , no solo se aprecia el trabajo meticuloso de cads hueso, tendon, músculos etc, si no tambien la cantidad de anotaciones de Leonardo

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One of Leonardo da Vinci's designs for an Ornithopter- 1489

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Leonardo realizaba precizas observaciones del vuelo de las aves, analizandolas para luego bocetar su propia maquina voladora llamada Ornithopter. Este diseño muestra su fascinación por el vuelo y la mecánica, su habilidad para combinar arte, ciencia, e ingeniería en sus trabajos.

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Leonardo fue un maestro de anatomía topográfica, realizando numerosos estudios sobre músculos, tendones y otras zonas anatómicas. Realizó estudios del sistema reproductivo, corazón y de la acción del ojo. Estas observaciones contenían a veces inexactitudes debidas a los conocimientos de la época. La colección de sus dibujos de anatomia muestra su profundo interés por combinar la ciencia y el arte. Sus estudios los realizó disecando cadáveres, a pesar de los problemas de higiene y de conservación de los cuerpos.Su método científico lo basaba en la observación, describiendo lo que veía, ilustrándolo con mucho detalle.

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"Estudios de manos y brazos" de Leonardo da Vinci.

Este dibujo refleja la meticulosa observación sobre la anatomía humana de Leonardo Da Vinci. Los estudios de manos y brazos revelan su enfoque científico y artístico, mostrando la relación entre arte y anatomía. En el texto de Capra el autor revela "los estudios de Leonardo de las formas vivas de la naturaleza constituyen una unidad perfectamente coherente de arte y ciencia".

Este es un claro ejemplo de su enfoque científico en la observación y representación del cuerpo. En este dibujo, Leonardo no solo se interesa en la forma externa de las manos, sino también en su función y movimiento, aquí se observa su fascinación por la mecánica del cuerpo humano, y cómo las manos, en particular, son instrumentos vitales para la expresión y la acción.

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"Testa maschile di profilo con proporzioni" de Leonardo da Vinci.

La obra es un estudio de proporciones y representación del perfil masculino, lo que refleja el interés del artista en la anatomía. A través de esta obra se ve el conocimiento avanzado que poseía el artista sobre la anatomía humana.

Este dibujo representa la intersección entre la investigación científica y la expresión artística, como esta escrito en el texto de Isaacson, para Leonardo el arte, o más bien, "la pintura, no es solo un arte, sino también una ciencia".

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La obra de Leonardo da Vinci representa el momento en que el Arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María la Concepción de Jesús.

En esta obra utiliza la perspectiva lineal, creando una ilusión de profundidad en un espacio bidimensional, además, emplea la arquitectura, elementos botánicos y la perspectiva atmosférica, donde los elementos del paisaje se vuelven más tenues a medida que se distancian, creando una sensación de lejanía.

“Leonardo, en los debates (llamados Paragone) defendió la pintura por su conexión con la ciencia, en particular con la óptica y las matemáticas, lo que sugiere que la pintura requiere tanto de habilidad técnica como conocimiento científico”.

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En la pintura, la Virgen María y el niño Jesús, San Juan Bautista y un Ángel están rodeados por un paisaje donde se detallan las formaciones rocosas y la vegetación. Leonardo utiliza su conocimiento científico para crear un entorno naturalista que parece sugerir sus estudios geológicos y botánicos.

“Leonardo Da Vinci, utilizó la comprensión científica de las formas de la naturaleza como sostén de su arte, mientras que sus dibujos y pinturas cumplieron el papel de herramienta de su análisis científico. Por eso, los estudios de Leonardo de la forma viva de la naturaleza constituyen una unidad perfectamente coherente de arte y ciencia”.

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El mensaje oculto de Leonardo da Vinci en ‘La Virgen de las Rocas’

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En el texto nos dice: "Admiraba la belleza que veìa en la complejidad de las formas, los modelos y los procesos naturales, y era consciente de la gran superioridad del ingenio de la naturaleza respecto del diseño humano".

Él veìa a la naturaleza como una fuente de de inspiración y creìa que está poseìa una belleza que podìan guiar y mejorar la obra humana.

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Leonardo da Vinci argumentó, en el texto:"un hombre sin letras, no podìa leer todos los libros clásicos, pero como pintor ,hacìa algo muchìsimo mejor: leer la naturaleza.

La naturaleza ofrece lecciones que pueden ser leìdos y comprendidos a través de la observación ,más allá de la lectura de libros.

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Los estudios iniciales de anatomía de Leonardo se centraron en los cráneos (1489). En sus dibujos de cráneos  trazaba una serie de ejes, en cuya intersección, cerca del centro del cerebro, localiza la cavidad que creía que contenía el sentido común, o confluencia de los sentidos. Escribió: El alma reside en el juicio, y el juicio en un lugar llamado "sentido común", donde se encuentran todos los sentidos.

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En Milán Leonardo ilustró el libro de su amigo matemático Pacioli, se supone que para representar los sólidos platónicos,  construyó modelos en madera que luego colgaba de una cuerda. Así Leonardo se convirtió en la primera persona en descubrir el centro de gravedad del tetraedro, en la cuarta parte de la línea que va desde el centro de la base hasta el vértice superior.

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1. Me siento identificada con la definición: el arte como forma de expresión. Para cada ser humano el arte será totalmente diferente cada uno plasma sus ideas, emociones y experiencias vividas a través de su creatividad y sensibilidad.

2. Una posición del arte que consideren confusa.

Considero que la posición del arte como belleza es confusa. Me cuesta poder determinar quién dice que algo es bello "estético". Según mi criterio, la belleza siempre será algo subjetivo.

3. Una idea del arte que que no conocía y resulta innovadora es: El arte como choque, lleva a reflexionar a que puede ser una forma de cuestionar la realidad, reflexionar y cambiar de alguna manera la sociedad en general donde vivimos. Me parece interesante ya que desafía las normas establecidas provocando una reacción al espectador.

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1) Me siento identificada con "Arte como expresión" esto es ya que así como lo explica Dario, todo lo que yo hago e intento plasmar o llevar acabo en mis trabajos y propuestas surge mediante mi sentir y no por una representación literal de la realidad.

2) El "Arte como denuncia" no me genera confusión, si no falta de comprensión ya que es la temática que menos abarco. Sin embargo, admiro a las personas que realizan trabajos desde este lugar ya que me parece algo sumamente consciente (en cierto punto) de la realidad que nos rodea.

3) "Es posible que el arte no sirva para nada, en especial porque nos permite dejar de pensar que todo tenga que servir para algo o para alguien" Jamas me detuve a pensar el arte en este punto y hay algo de esta frase que me genera contradicciones una y otra vez.

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Forma que forma las formas de lo físico
Norma que anula las normas de lo rígido
Residencia de la esencia de la esencia

evidencia de existencias simultáneas
un cúmulo de extrañas coincidencias

infinitas incidencias espontáneas

1. Me identifico con la definición del arte como expresión , la cual  sostiene la idea del arte como duplicación del sujeto, donde se busca transportar el estado de ánimo a la obra , de esa manera pudiendo verse  las motivaciones por parte del artista.

2. me resultó confusa la definición del arte como producción de  belleza , por que cuando pienso en esa idea ,  me surge una pregunta que el mismo Darío se hace “¿cómo definimos ahora que es la belleza?” después de entender que a partir del siglo XIX con el romanticismo , el concepto clásico de belleza se pierde volviéndose cada vez más relativa y a partir de eso con los diferentes movimientos , se pasa de una idea objetiva , racional , medible y cuantitativa a una idea cercana al exceso , el desborde , lo irracional y de esa manera ya no hay consenso de que es la belleza .

3. Me resulta innovadora la idea “del fin de la historia del arte”, donde Arthur Danto asegura que la historia del arte termina en 1964, con las Cajas de Brillo de Andy Warhol. Una de las cuestiones cruciales en el arte del siglo XX es la reflexión sobre el arte: ¿Qué es arte? ¿Cuáles son sus límites? ¿Qué debe ser el arte? ¿Qué es una obra de arte y qué no lo es? En la modernidad, hay rupturas constantes y los límites de lo que es una obra de arte se corren. como la pintura abstracta, que sostiene que la obra de arte puede no tener ninguna relación con el mundo exterior al artista. También están los movimientos de vanguardia que escriben sus manifiestos donde expresan sus ideas en general y su idea de lo que debe ser el arte en particular. Luego , llega el arte conceptual, que ya no apela a los sentidos, es un arte que provoca al pensamiento, a la razón.

A partir de esa obra, el filósofo Arthur Danto sostiene que ocurre “la muerte del arte”. donde afirma que  se termina el relato de la historia, no que ya no habrá más arte. termina la búsqueda de la respuesta a la pregunta “¿qué es una obra de arte?” donde el artista comienza a crear sin ninguna carga, sin ninguna deuda con la historia del arte, sin necesitar un propósito, sin ningún mandato ni condicionamiento.

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1- El arte como medio de expresión y búsqueda de belleza, generar algo en el espectador.

2- La búsqueda de abstracción total o líneas todavía me es confuso, porque hasta donde definimos que es arte y que busco el creador de dicha obra de transmitir.

3- La idea de que estamos viviendo el fin del arte me parece inovadora

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1)El arte como expresión me identifica, ya que es el medio por el cual las emociones y lo que uno desea transmitir se representa en una obra, de una forma o otra nos interpela y conectamos  a través de nuestras versiones  que evoca interpretaciones  y puede o no coincidir con el espectador y eso es la belleza esa construcción que se forma en un encuentro con uno mismo y un otro hace participe  de esa catarsis que crea por pura sensibilidad.
2) El arte como denuncia si bien es interesante tener esa disonancia que a veces disgusta en un contexto de la   realidad social a su vez es un instrumento que pondera conciencia . Como es abrir un punto de vista que no fue escuchado y asi compartirlo con pares que fueron callados o  cegados.
3)No me identifico con el echo de que se transforme en el ideal de un comercio que tal vez se desvirtúa hacia un consumismo que no refleje lo que realmente encarna el artista ,puede que a veces si proyecte un determinado concepto de la forma que más se adecue y el vender no implica desmerecer la obra es más, es reconocer el talento ya sea por lo que refleja o implica reconocimiento de esa expresión. Pero cuando se desvirtúa,por alguien que lo enaltece para construir un mercado y  a su vez motivos propios por mera satisfacción. No encausa, el mérito del artista si no que impone en los demás espectadores una corriente que no fue elegida en su mayoría y sólo lo se encasilla en una minoría de elites, se concibe y más por precios descomesurados que cotizan esos mismos que lo preetablecen aunque nadie lo eligió ni el propio artista.
4)El concepto de Arthur Danto no lo había escuchado el fin de la historia del arte es algo impactante y a su vez se entiende que  muere para no estancarse y así reinventarse  para poder permanecer.

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1)  La postura que más me representa es la del arte como expresión, ya que la expresión implica una duplicación del ser interior, convirtiendo cada obra en un reflejo tangible de la profundidad del alma.
Considero que cada representación  creada de manera consciente o inconsciente es una venta al mundo interior del artista.

2)  El arte como Producción de belleza: Esta postura me parece un poco confusa  ¿como podríamos definir si algo es bello o no? Si tampoco se puede definir la belleza en sí. Es algo complejo de explicar cuando existen diferentes percepciones y la subjetividad varía enormemente de una persona a otra.

3) No conocía esta postura que nos ofrece Arthur Danto sobre el fin de la historia.
Lo cual me  me parece innovadora porque cambia nuestra forma de pensar sobre el la evolución del arte, invitándonos a considerar nuevas formas

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1-me identifico con el arte como denuncia, por qué es el tipo de arte que más disfruto y que me gusta hacer, ademas creo que el arte y el mensaje se retroalimentan, el arte potenciando al mensaje y divulgandolo y el mensaje obla denuncia le da entidad a la obra , le da un por que

2-el concepto del fin del arte me resulta confuso, entiendo que pueda terminar una etapa, pero el arte creo que esta en constante cambio

3-el arte como choque me resultó innovador, por las diferentes maneras que tuvieron por ejemplo las vanguardias en romper lo establecido.

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1. ¿No es lo propio del arte el estar transgrediendose y reinventándose permanentemente? ¿No está muriendo el arte todo el tiempo para no estancarse en ningún lugar estable?

2. El arte como choque, ya que como menciona Dario más adelante “una obra transgresora puede triunfar en el mercado y así traicionar su objetivo”

3. “Es probable que el arte no sirva para nada, en especial porque nos permite dejar de pensar que todo tiene que servir para algo o para alguien”

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1. La definicion del arte con cual mas me identifico o mas me interpela en mis producciones artisticas es utilizarlo como medio de expresión, tanto de ideas, sentimientos y emociones. Valoro ampliamente la forma en que el arte como expresion pone de centro al artista y su reinterpretacion unica del mundo antes que a la obra final en si, siendo asi una produccion artística unica e irrepetible, dado que se refleja gran parte del sujeto en ella y no tanto de la mimesis de la realidad ya conocida.

2. Una posición del arte que me resultó confusa, dado tambien por que no se explaya el video mucho en ella es el arte como definición de belleza. ¿El arte necesariamente tiene que ser bello? ¿Que es la belleza? Si en el mismo video explica que el concepto mismo se vuelve relativo y subjetivo despues del romantisismo en el siglo IXX. Ademas dice que se crea un reconcepto de la desmesurado, desbordante e irracional por lo cual no termine de englobar todas estas definiciones en lo que se podria catalogar al arte como definición de belleza.

3. Una idea acerca del arte que me resulto innovadora y a su vez quiza, un tanto confusa, es este concepto de la "muerte de la historia del arte" que en lugar de ser vista como un tragico apocalipsis del concepto lo ve como una oportunidad de reinventar este mismo. Plantenado asi como el arte va de la mano de un contexto que le aporta el siginificado y valor a este mismo. Con lo cual estoy de acuerdo, muchas obras de arte fueron ampliamente valoradas años despues de que el artista falleciera. Por lo tanto el arte es considerado arte segun el contexto en el que se encuentre y la interpretación que lo acompañe

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1- El arte como fin, según Arthur Danto. considero que todo lo que conocemos como historia del arte ya no responde a nuestros fenómenos estéticos actuales y que esto funciona como oportunidad para redefinirlo. Su posición respecto al objeto artístico que es creado en un contexto que lo dota de sentido me es muy interesante también.

2- Arte como producción de belleza, fácilmente me parece la menos entendible por el consiguiente dilema de definir también que es la belleza.

3- A pesar de que en el vídeo no se le dedico prácticamente tiempo, el concepto de Arte sin definición me parece el menos completo y mas completo al mismo tiempo, quizás es un tema tan abarcativo que intentar hacerlo al final cae siempre en fracaso.

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1- Se considera a el arte como una experiencia estética, ¿o lo podemos considerar como un arte provocativo, que se revela con lo establecido para generar una conciencia social?

2- Me resulta confuso ¿¨El arte a muerto o es una reinvención¨?

3-El arte como choque, dejando de lado el arte como una producción de belleza

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1- El arte como choque. Tomo la idea del arte como un recurso para generar conciencia o reflexion profunda en la sociedad, que busca conmover y cuestionar.

2- Me resulto confuso el "Fin de la historia del arte" de Arthur Danto y sobre como se desarrolla la evolucion del arte y su redefinición a lo largo del tiempo.

3. La idea de Danto, sobre como el contexto en el que se realizo la obra es la que le da sentido.

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1- Me interesa T. Adorno al mencionar el arte en su carácter de denuncia, de resistencia contra el orden establecido, sobre las industrias culturales alienadas contra la ciudadanía y que corre el riesgo de convertirse en un producto mercantil. El que su fuerza vital de oposición empuje los limites.

2- Me es confusa pero interesante el "fin de la historia del arte", donde un objeto es considerado arte debido a que existe el mundo del arte, por lo cual existe un contexto que le da sentido, en el cual los limites son borrosos y todo esta estetizado, pero que se puede redefinir que es el arte.

3-El fin de la historia del arte me a gustado porque hay obras que me cuesta identificar como arte.

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1. La idea con la cual me identifico es la frase que sugiere que las vanguardias consideran el aspecto político como parte importante del arte. Consideran que el arte no solo era una expresión personal sino una herramienta que provoca un cambio y conciencia social.

2. Una posición respecto al arte que me pareció confusa es la referida a Arthur Danto. En el video no hay demasiado detalle respecto a la misma. Entiendo que se debe al fin de la historia del arte y no tiene que ver con la muerte del arte o al objeto artístico en sí.

3. La idea acerca del arte que no conocía es la de Theodor Adorno, y su perspectiva acerca del arte. Sostiene que el arte debe ser una especie de protesta una forma de resistencia a las normas establecidas y señalar las cosas o injusticias que suceden en la sociedad.

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Revelarse en contra de lo conocido. El arte como recurso para generar conciencia social.

2_El arte como mercancía.

Cuando se convierte en mercancía, ya no se sabe que es, si un mero objeto o si sigue siendo una pieza para contemplar.

3_El arte como producción de belleza.

El planteo de que es la belleza y que consideramos estético. Si reproducimos lo que realmente es o reproducimos lo que queremos ver.

Elisabet Coronel

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1) No me identifica, pero me gusta la idea de la expresión como duplicación del sujeto y me atrae el concepto de belleza “más cercano a la desmesura, el exceso, el desborde, lo irracional.”

2) La idea de arte sin definición me parece vaga y poco honesta, teniendo en cuenta que existen muchas definiciones. El arte, por más ambiguo que pueda parecer, no deja de ser objeto de estudio, analizable y definible.

3) “Una experiencia estética puede generar una zozobra, una sensibilidad, una perplejidad que interrumpe la lógica cotidiana y nos permite conectar con otra dimensión de la belleza.”

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1. Arte como choque. Me identifico con esta posición, debido a que ésta propone un arte que no sea exclusivamente elitista, sino que llegue a todos los estratos de la sociedad, un arte que se reconcilia con lo cotidiano.

2. Mimesis. Me resulta confusa debido a que su intención es representar la realidad, pero asimismo lo que se representa es un ideal, no la mera realidad, esto lo lleva a una contradicción.

3. El fin de la historia del arte. La considero innovadora ya que se otorga la oportunidad de redefinir un nuevo contexto de arte y se toma en cuenta que una obra es arte, debido a que siempre su contexto le da sentido.

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1-El arte como denuncia: Me identifico con esta idea acerca del arte enunciada por Theodor Adorno, ya que considero al arte una herramienta de resistencia, de lucha, siendo la misma capaz de causar un impacto desequilibrante y reflexivo en el observador, y a su vez de exponer verdades incomodas o situaciones deshumanizadas e injustas que han sido normalizadas. Confío al arte la posibilidad de ser un generador de conciencia social.

2-El arte como mímesis: Aquí la idea de que el arte es una imitación de la realidad carece de bases sólidas. Primero sería complejo definir la realidad a la que se refiere, como así también llevar a cabo una representación fidedigna de la misma apartada de las subjetividades e idealizaciones del sujeto que la produce.

3-El arte como choque: Simpatizo con la posición del vanguardismo respecto al arte y su rebelión ante el orden establecido, sin embargo me genera ambigüedades por no conocer en profundidad su concepto.

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Obra del pintor: Gustav Klimt.. Año de realización: 1907/1908. 

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El arte ayuda a buscar y compartir un lenguaje personal diferente, a creer en si mismo y a ser artífice de su propio deseo de crear.

~Alicia Gorospe ~.

Oriana Camila Gay

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La gran ola de Kanagawa, Katsushika Hokusai

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"Las artes informan y estimulan, desafían y satisfacen. Su ubicación no se limita a las galerías, las salas de conciertos y los teatros. Su hogar puede encontrarse allí donde los seres humanos deciden tener una relación atenta y vital con la vida misma. Esta es quizás la mayor lección que las artes en la educación pueden enseñar, la lección de que la vida misma puede ser llevada como una obra de arte.  Al hacerlo, el propio creador se rehace. El rehacer, esta recreación está en el corazón del proceso de la educación" (Elliot Eisner 1995).

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"Entiendo que un artista es alguien que, entre el silencio de los demás, utiliza su voz para decir algo, y que tiene la obligación que esto no sea algo inútil sino algo que dé un servicio a los hombres." Joan Miró

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El arte es el lenguaje universal que conecta a la humanidad a través del tiempo

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El arte es el lenguaje universal que conecta a la humanidad a través del tiempo

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Gastón Duarte

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"Lágrimas de sangre" 1973

'He pintado como si gritara

desesperadamente, y mi grito se ha

sumado a todos los gritos que

expresan la humillación, la angustia

del tiempo que nos ha tocado vivir."

Coronel, Elisabet.

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"No hay arte sin Transformación"

Braian Zárate

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El arte es lo que nos hace humanos.

Gutiérrez Juan Ignacio

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Es la experiencia de retratar un momento que perdura en el tiempo.

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"El arte es garantía de cordura" -Louise Bourgeois

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"El arte es garantía de cordura" -Louise Bourgeois

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"El arte es el medio  del cual el alma habla." ( Anonimo)

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"El arte es el medio  del cual el alma habla." ( Anonimo)

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Agustina Sanchez

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El arte puede ser una manera de expresión, necesaria para el ser humano.

Gustavo Morano

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"El arte es la expresión del alma que desea ser escuchada"(anónimo).

E.Cristina Battaglia

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El arte como mayor expresión de rebeldia 

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El arte como mayor expresión de rebeldia 

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Melanie iezzi

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El arte es un dispositivo cultural que sirve para interpretar el mundo y darle forma.

Ariel Luna Ferraresi

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Not a Morning Elf | Frieren: Beyond Journey's End

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El "Arte" es una forma de expresión que ayuda a canalizar pensamientos, sentimientos y emociones. Es un refugio para la creatividad, permitiendo que nuestro ser florezca.

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El arte como herramienta de lucha y expresión

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This is art / This is not. Rodif (2012) Esmalte sobre lienzo, 2 paneles 190 cm x 190 cm

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“El arte no es lo que ves, sino lo que hace que otros vean” – Edgar Degas

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“El arte no es lo que ves, sino lo que hace que otros vean” – Edgar Degas

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Carolina Cimadom