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La inclusión de una tecnología ahora considerada arcaica pero que, en su momento, resultó innovadora, forma parte de la premisa artística. A diferencia del común de las piezas artísticas electrónicas contemporáneas, nada del entramado de sus piezas, se programa de manera digital. La gran mayoría son piezas sonoras de alto calibre y sensibilidad cuya resonancia se basa en la interacción  entre materiales nobles y un conglomerados de cables ordenados de forma análoga a través de un sistema básico sustentado en los principios de la electrónica clásica, dejando fuera cualquier indicio de programación digital. El homenaje a la ordenación de la estructura funcional de forma

La TV del más allá analógica es común denominador entre todas las máquinas sonoras y piezas artísticas fabricadas en el laboratorio de Ariel Guzik.
Aún cuando se antoja la intención de incurrir en dispositivos analógicos dentro de una sociedad caracterizada por la innovación digital, esto podría develarse como una postura detractora en toda su contradicción, equiparable también a la tensión crítica que en la vanguardia estridentista despertaba el levantamiento de una urbe presuntamente moderna durante el México Post revolucionario.

En un mundo descrito por características como la racionalidad, la tecnologización y el consumo, la articulación social en la que piezas como la TV del más allá (2008), la Cámara Lambdoma o Cordiox se inscriben, va en función de recuperar un momento histórico primero, aquel que se perdió desde el advenimiento del capitalismo industrial. La manera en que Guzik apela a una nueva utopía es, sin más, lanzarse a la proyección de un nuevo orden de reintegración en el que cabe simular, mediante el diseño de un gabinete de controles a veces art decó, otras retrofuturista, una relación entre el hombre y el universo sustentada por una convivencia más equilibrada, y no a partir de una naturaleza dominada y sometida. En este caso, me interesa puntualizar el gesto poético encarnado en la factura y funcionamiento de gran parte de sus piezas, un gesto sí, preñado de nostalgia.

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La antigua iglesia de San Lorenzo, sede del Pabellón Mexicano para la 55 Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, es una construcción que aún da cuenta de su precedente grandeza.

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El artista de Bristol Damien Hirst tiene en su haber dos logros: es el artista vivo mejor pagado del mundo y también el que tiene el mayor número de obras polémicas.

Ver más en: https://www.20minutos.es/noticia/1629146/0/damien-hirst/polemica-verity/arte-polemico/#xtor=AD-15&xts=467263

El exceso de Hirst es un reflejo de la sociedad consumista, con su obra no pretende en ningún momento hacer una reflexión de la ciencia o crear una consciencia sobre la ciencia, más bien se aprovecha de los escándalos de la ciencia para hacer algo irónico, escandaloso y de alguna manera mofarse del espectador. Así Demian Hirst hace una justificación de su obra y la hace arte.

En el arte contemporáneo, sobretodo el de personajes como Hirst,  se convierte en un medio de circulación del prestigio de las clases altas en el capitalismo global.

Si algo vale de Hirst es que creó un fenómeno que interesó al público y de ahí se pueden abrir posibilidades para el arte contemporáneo, es un ícono del arte para las masas.

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euronews le mag - Una experiencia visual, según Damien Hirst

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http://fr.euronews.net/ "The Complete Spot Paintings 1986-20112, filas de círculos coloreados al azar. Damien Hirst, el segundo artista vivo más caro, inaugura ocho exposiciones simultáneas sabedor que sus spot paintings volverán a crear polémica.

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Ariel Guzik, Cordiox (2013)

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Prigogine y Stengers consideran nuestra era como la del desencanto del discurso científico; esto se debe en parte a los embates que ha sufrido a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, entre los que destacan el radicalismo de Paul Feyerabend, el oportunismo de Jean-François Lyotard junto a los demás posmodernos y el sarcasmo de Alan Sokal. Por otro lado, el pensamiento reduccionista (no hay más allá de la química para un químico como tampoco de las matemáti- cas para un matemático) ha convertido las diversas áreas de la ciencia en trozos irreconciliables de un mismo discurso

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Su manifiesto:

“Propongo que el arte transgénico sea una nueva forma de arte basada en el uso de las técnicas de ingeniería genética para transferir material de una especie a otra, o de crear unos singulares organis- mos vivientes con genes sintéticos. La genética mo- lecular permite al artista construir el genoma de la planta y del animal para crear nuevas formas de vida. La naturaleza de este nuevo arte no sólo es definida por el nacimiento y el crecimiento de una nueva planta o un nuevo animal, sino sobretodo, por la naturaleza de relación entre el artista, el pú- blico y el organismo transgénico. El público puede llevarse a casa las obras de arte transgénicas para cultivarlas en el jardín o criarlas como animales do- mésticos. No hay arte transgénico sin un compromi- so firme y la aceptación de la responsabilidad por la nueva forma de vida creada así.”*

* La frase “y dominad a los peces del mar, y a las aves del cielo, y a todos los animales que se mueven sobre la tierra” fue trasladada al código morse y bajo un principio de conversión particular los guiones y puntos resultan- tes se volvieron una base de pares de ADN. Dicha información fue enviada por Kac a un laboratorio que se encargó de la creación del gen

Eduardo Kac es hoy día un de los artistas brasileños contemporáneos más influyente en lo que se rotula como arte tecnológico. Pero la obra de Kac es mucho más que eso, el cruce de sus últimos trabajos, que empieza por fines de los años 90, no solamente es entre arte y tecnología sino también con biología, biotecnología, biorrobótica, ingeniería genética y otras nuevas categorías que surgen todos los días. es justamente un de sus primeros trabajos en el “Bioart”

como él mismo lo nombra.

El arte transgénico de Este artista puede mostrar una opción de esperanza para la ciencia donde asegure un lugar determinado y significativo en la sociedad del siglo XXI; se puede notar a través de un análisis discursivo del arte transgénico, específicamente en el proyecto Green Fluorescent Protein Bunny (Conejita PVF), la revaloración de la ciencia a través del arte, ya que esta última actúa de motivante para la participación comunitaria en los temas actuales de la tecnología como la manipulación genética o creación de formas vivientes.

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BIOART - Les Maîtres d'oeuvres - La série vidéo

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La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo es una obra que impacta, es imponente por sus dimensiones y por su contenido, en el sentido más literal. Ver a un tiburón conservado en formol, casi como se vería en un acuario pero inerte y en un contexto sumamente lejano a este, me invita a cuestionarme sobre esta obra, sobre el sentido que tuvo para Damien Hirst y sobre el sentido que pueda entonces tener para mí.

El elemento formal que sobresale es, sobra decirlo, el tiburón flotante en la enorme “pecera”. El elemento temático puede prestarse a diversas interpretaciones, pero desde mi perspectiva lo que trata de hacer el autor es crear un arte inesperado, como reflejo de esta búsqueda generalizada entre muchos artistas de tener una idea lo suficientemente extravagante como para marcar una línea en la historia del arte y, en ocasiones como esta, ganar mucho dinero con ello. Me parece que este trabajo, más que para los espectadores comunes, se enfoca más bien a los coleccionistas y galeristas, a aquellos “cazadores” de todo lo nuevo que a un artista con poco o con mucho renombre pueda llegársele a ocurrir.