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02New Orleans

03Big bands

04 Swing

05Jazz vocal

06 Be bop

07 Jazz cool

10Free jazz

11Jazz rock, jazz fusion

12Jazz et orient

01Origines du jazz

09Jazz modal

08Hard bop

Genial.ly créé par Caroline Vivès - Lycée Saint-Sernin - Toulousecaroline.vives@ac-toulouse.fr

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LES ORIGINES DU JAZZ

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Pour une approche approfondie et pour en savoir plus sur les origines du jazz, consultezl'excellent site de Nikkojazz :

Pour une 1ère approchedes origines du jazz,consultez le site ci-dessous

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LE JAZZ NEW ORLEANS (1890-1930)

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Naissance du jazz à la Nouvelle Orléans(quartier de Storyville)Formation type du jazz New Orleans :piano, batterie, banjo, tuba, trombone et clarinetteformation basée sur le modèle des brass bands / fanfares / marching bandstempo peu rapide, musique peu virtuoseImprovisations collectives (peu de solos)Emblèmes : Jelly roll morton, Louis Armstrong,the Original Dixieland Jazz Band (ODJB)

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LES BIG BANDS

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Image empruntée au site Music-orsay.fr. Merci !

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LE SWING(1930-40)

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Crise de 1929 : recherche d'une musique légère, divertissante, dansante.Le rythme est moins saccadé, plus de souplesse (balancement swing).Naissance des grands orchestres (Big Band).Le piano, la contrebasse et la batterie s'imposent.Le saxophone concurrence la clarinette.Industrie musicale. Apparition des "stars" du jazz : Louis Armstrong,Duke Ellington, CountBasie, Benny Goodman.

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LE JAZZ VOCAL

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Le jazz vocal est un sous-genre du jazz, où la voix prédomine au sein de la composition. Les parties chantées peuvent consister en du chant clair, mais aussi comprendre du "vocalese" ou du "scat". Ces techniques vocales sont regroupées sous la notion de chant jazz. Les principaux représentants du jazz vocal sont Louis Armstrong, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Cab Calloway, Ray Charles, Nat King Cole etc.

Le "vocalese" est l'art de composer des paroles et de les chanter à la manière de solos instrumentaux (par ex voir les vidéos du groupe Manhattan transfer) : le chant est ici basé sur des textes censés coller autant que possible à la mélodie. originale du morceau repris. Dans le"scat" inventé par Armstrong, il y a à l'inverse des onomatopées (bap bi doua ouap) plutôt que des paroles intelligibles. Le scat est souvent improvisé alors que le vocalese est plutôt un arrangement écrit.

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LE BE BOP

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Recherche d'une musique plus authentique et moins commercialeArrêt des Big Band pour raisons budgétairesRetour des petites formations : trompette, saxophone, piano, contrebasse, batterieLa musique est difficilement dansante, plus hachée, plus dissonante, plus virtuose, tempos très rapidesHarmonies complexesRecherche de liberté et de virtuosité dans les solos qui s'allongentEn général, structure tripartite : présentation du thème à l'unisson, succession de solos, redite du thème à l'unissonCharlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk entre autres...

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deux titres emblématiques

LE BE BOP

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LE JAZZ COOL

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Héritier direct du Bop des années 50, le Cool jazz est un mélange des tonalités Bop et Swing, caractérisé par sa douceur et sa légèreté, voire son côté "mondain". L'arrangement regagne de l'importance. D'abord surnommé "West Coast Jazz" en raison des nombreuses innovations venant de Los Angeles, le Cool jazz s'est développé à l'échelle nationale à la fin des années 50, avec une plus forte implication des musiciens et compositeurs de la côte Est. "Birth of the Cool" ("la naissance du cool") est le nom d'un album de Miles Davis, enregistré en 1949/50, avec des arrangements de Gil Evans.

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LE HARD BOP

Les musiciens de la côte est n'ont pas tous vu dans le West Coast Jazz, ou Cool Jazz, le digne héritier du Bebop. Les jazzmen Noirs notamment, ne se satisfaisaient pas de cet avatar "édulcoré" et mondain, et voulaient rendre vie au jazz original, vivant et énergique. D'où l'apparition du Hard-bop, également appelé "neo-bop". Ce nouveau descendant du Bebop emprunte les harmonies du blues et croise les accents "churchy" de la musique gospel, notamment dans les jeux du piano et du saxophone. Le Hard Bop se démarque également du Bop par l'importance de la rythmique, notamment grâce aux batteurs Art Blakey et Max Roach, qui donnèrent à la batterie ses lettres de noblesse dans les formations jazz. Le hard bop est généralement pratiqué par un quintette (piano, basse, batterie, saxophone ténor, trompette).

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LE JAZZ MODAL

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- Jazz modal : style qui fait suite au Jazz Cool.- 1959 : Album emblématique : "Kind of Blue" de Miles Davis + "My favourite things" de Coltrane (1961)- Simplification de l'harmonie (utilisation des échelles modales),- Musique élégante et stylisée.- Grande place laissée à la mélodie (très longues improvisations).- Cliquez sur le guide d'écoute ci-dessous :

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LE FREE JAZZ

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A la fin des années 1950, les structures harmoniques et l'improvisation sont portées à leurs limites par John Coltrane. Emmenés par Coltrane et Ornette Coleman les musiciens bouleversent la structure musicale et les techniques instrumentales. La grille harmonique, le rythme régulier, et même le thème sont supprimés, au profit d'improvisations collectives, la prédominance de l'énergie, et l'utilisation de techniques non conventionnelles (suraigus, cris, slaps, sons proches des bruitistes), c'est la naissance du free jazz. Les réactions des critiques à cette nouvelle forme de jazz sont féroces, et le public beaucoup moins nombreux à suivre cette musique nouvelle. Pionniers Eric Dolphy et Albert Ayler. John Coltrane est un des musiciens qui, dans ses dernières œuvres, réalise quelques-uns des meilleurs morceaux de free jazz.Lorsqu'Ornette Coleman intitule un disque de 1960 "Free Jazz: A Collective Improvisation", où un double quartet improvise simultanément, le nom du disque devient celui du mouvement.

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JAZZ ROCK,JAZZ FUSION

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Apparu à la fin des années 1960, le jazz-rock naît du croisement entre l'énergie du rock, le climat du funk et l'approche harmonique du jazz. Miles Davis en est le précurseur.le véritable point de départ du jazz-rock, ou jazz fusion, sont les albums de Miles Davis "In a slent way" et "Bitches Brew "(1969). Le contexte est propice à une ouverture du jazz sur des voix plus éclectiques et électriques. Le jazz-rock accorde une importance grandissante à la rythmique binaire au détriment du swing. L'esthétique de cette nouvelle voix met en valeur les solos, avec un goût prononcé pour la vélocité (John McLaughlin) mais aussi pour des changements de climat, avec le passage d'arrangements très " écrits " à des phases d'improvisations collectives (Chick Corea). L'apport de nouveaux timbres est systématique : piano électromécanique de la marque Fender Rhodes, synthétiseurs, qui ne sont au départ que monophoniques, clavinet, instruments " ethniques " (Weather Report), pléthore de pédales d'effets, comme la pédale wa wa* sur la trompette de Miles Davis.

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JAZZ ET ORIENT

Pour le Jazz et l'Orient, jevousconseillel'excellentsite de Nikkojazz :

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LES DIFFERENTSSTYLES DE JAZZ

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(Fiche empruntée à Music-orsay.fr - Merci !)

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Caractéristiques du jazz

Quelques caractéristiques du jazz :

hot intonation

blue notes

off-beat

altérations

principe du "call and response"

l'improvisation

Glenn Miller

@nikkojazz

SWING

L'orchestre comprend deux sections bien distinctes : ○ La section rythmique composée d'une batterie qui assure le tempo, d'un piano et/ou d'un banjo qui fournissent les harmonies et d'une contrebasse (à vent ou à cordes) qui joue les fondamentales des accords. ○ La section mélodique qui tient le devant de la scène, au propre et au figuré, avec, dans le rôle principal, un cornet à pistons ou une trompette qui mène les ensembles, une clarinette qui brode autour du thème et un trombone qui ponctue le thème, souvent avec des effets de glissando. Le jeu est très collectif, même l'improvisation, les solos sont encore rares.

Grand ensemble de jazz de 15 à 20 musiciens structuré en : - section mélodique (anches [reed section] et cuivres [brass section]) - section rythmique (piano, basse, batterie, guitare).

Cakewalk Danse de caractère grotesque issue du folklore noir américain, au rythme très syncopé et notée à 2 temps.

C'est un chant de travail qualifiant toutes sortes de musiques vocales destinées à soutenir un travail dont elles épousent le rythme, au caractère lancinant et répétitif, et utilise souvent le principe du " call and response pattern ". Le rythme peut être marqué par l'outil de travail.

Style de jazz né à New-York dans les années 1930. Le jazz devient très populaire, on peut en entendre partout. Il devient commercial et donc pas toujours authentique. Les big-bands (orchestres de douze à vingt musiciens) font leur apparition. Dans ces big-bands, les arrangements sont écrits mais l'improvisation reste un élément essentiel. La musique est composée mais les solos restent improvisés.

Il reste assez proche du style New-Orleans, cependant les solos se développent et on commence à utiliser de plus en plus les saxophones.

Genre de musique chrétienne avec des dominantes vocales, né à la fin du XIXème siècle aux États-unis.

C'est une sorte de "jazz de chambre", plus calme et plus raffiné. Il naît sur la côte Ouest des Etats-Unis et est donc souvent nommé "style West Coast".

Type de musique vocale et sacrée né chez les esclaves noirs des États-Unis au XVIIème siècle, et qui serait à l'origine du gospel.

C'est une véritable révolution : la section rythmique devient l'égale de la section mélodique. Le Be-Bop s'imprègne de la musique de Debussy et de Ravel et devient plus complexe. L'improvisation est de plus en plus technique sur des tempos de plus en plus fous.

En réaction au style West Coast, il prône le retour à un jazz plus musclé.

Souvent lié à des revendications anti-raciales, il réclame la suppression de toute contrainte rythmique et harmonique, c'est l'improvisation absolue.

Il emprunte au rock certains de ses instruments : les guitares électriques et les synthétiseurs, mais aussi sa mesure binaire. Cependant, l'improvisation y tient toujours un rôle majeur.

Il emprunte au rock certains de ses instruments : les guitares électriques et les synthétiseurs, mais aussi sa mesure binaire. Cependant, l'improvisation y tient toujours un rôle majeur.

Un pionnier du jazz : cornettiste, compositeur et chef d'orchestre américain, Joe "King" Oliver était un enfant de la Louisiane, terre du jazz dont il fut l'un des éclaireurs. Il incarna l'ère de l'improvisation collective qu'il contribua à structurer. Il connut la gloire à Chicago avec son Créole Jazz Band, que l'on se pressait d'aller écouter après le travail. Grâce à lui, le mouvement qui était en train de naître rencontra une audience de plus en plus large. http://fr.wikipedia.org/wiki/King_Oliver

Le dandy, le précurseur... : pianiste, chanteur, compositeur, chef d'orchestre et arrangeur américain, Jelly Roll Morton fut une figure transitoire importante de l'Histoire du jazz. Il illustra le passage du ragtime de l'ère Scott Joplin à celle des premières sessions de piano jazz. Puis à la musique orchestrale collective improvisée de style new orleans, il opposa des arrangements écrits, préparant le terrain aux big bands des années 1930. Il faut ajouter aussi combien le personnage était excentrique et parfois mégalomane: ses cartes de visite portaient des mentions comme "Inventor of jazz", "Originator of Stomp and Swing" ou encore "World's Greatest Hot Tune Writer" ! Même si tout cela était loin d'être faux... http://fr.wikipedia.org/wiki/Jelly_Roll_Morton

La sonorité du soleil : compositeur, clarinettiste et saxophoniste américain, Sidney Bechet fut l'une des figures les plus populaires du jazz et l'un des premiers musiciens réellement cosmopolites. Formé dans la grande tradition créole louisianaise, il trouva son plein épanouissement sur le saxophone soprano auquel il donna ses lettres de noblesse.. Par la force de son expressivité et son sens du swing, il régna sans cesse sur ses accompagnateurs. En interprétant des morceaux comme Petite fleur ou Dans les rues d'Antibes, mêlant le blues du Mississippi aux danses européennes, il fut de ceux qui incarnèrent le jazz à la française dans les années 1950. Improvisateur-né, il n'eut jamais besoin de savoir lire une partition... http://fr.wikipedia.org/wiki/Sidney_Bechet

Le précurseur du swing : pianiste, chef d'orchestre, arrangeur et compositeur américain de jazz, Fletcher Henderson fut le leader inspiré de nombreuses formations et dirigea les plus grands musiciens d'avant-guerre. L'Histoire du jazz lui doit d'avoir été le premier grand architecte de big band. Il transposa les polyphonies et les improvisations collectives de l'époque new-orleans en sections d'orchestre cohérentes. Il inventa les riffs et le background pour soutenir l'intervention de ses solistes, donna de la couleur à ses arrangements, équilibra les timbres instrumentaux, et posa de cette façon un à un les éléments fondamentaux du swing. http://fr.wikipedia.org/wiki/Fletcher_Henderson

Duke la classe : géant du Jazz à l'égal de Louis Armstrong, "The Duke" fut l'un des compositeurs les plus prolifiques du XXème siècle, autant qu'un arrangeur de génie et un pianiste talentueux. En recherche constante d'esthétisme et de raffinement orchestral, il dirigea son big band comme on joue de son instrument, cherchant à lui donner une sonorité propre. Animé par ailleurs d'un véritable esprit missionnaire, il parcourut le monde à la rencontre de tous les publics, se produisant aussi bien dans les bars obscurs que dans les salles de concert les plus prestigieuses. http://fr.wikipedia.org/wiki/Duke_Ellington

Le père du jazz : musicien et chanteur au charisme exceptionnel, Louis Armstrong - dit "Satchmo" - est pour toujours au sommet de la légende du jazz. Surclassant ses contemporains par la virtuosité et la subtilité de ses improvisations à la trompette, il enchanta aussi les foules de son scat si chaleureux et créatif. Ambassadeur infatigable de sa musique, donnant une multitude de concerts à travers le monde entier, if contribua grandement à imposer le jazz comme un courant majeur du XXème siècle. http://fr.wikipedia.org/wiki/Louis_Armstrong

Le jeune homme à la trompette... : cornettiste et pianiste, Bix Beiderbecke est entré à 28 ans dons la légende comme l'archétype de l'artiste romantique et passionné, fauché en pleine jeunesse. Au cornet, son phrasé élégant, son lyrisme mélancolique et la douceur de son timbre préfiguraient ce qui deviendrait le jazz cool après la Seconde Guerre Mondiale. Au piano, Bix s'inspira particulièrement de l'esthétique impressionniste des compositeurs fronçais comme Debussy et Ravel. http://fr.wikipedia.org/wiki/Bix_Beiderbecke

" Hawk " le sax' ténor : saxophoniste de jazz américain, Coleman Hawkins fut l'un des plus grands solistes du middle jazz. S'appuyant sur une solide technicité instrumentale, il donna le premier au saxophone ce son plein, expressif et sensuel qui fit de l'instrument une sorte d'emblème du jazz. Seul Lester Young fut capable en son temps de proposer une autre approche du saxophone. http://fr.wikipedia.org/wiki/Coleman_Hawkins

Ce cher disparu... : chef d'orchestre, compositeur, arrangeur et tromboniste de jazz, Glenn Miller fut une figure marquante de la musique américaine, dont la mémoire n'a jamais rien perdu de sa vivacité. Un personnage, une présence, un style, un son, une volonté, et aussi le patriotisme d'un musicien qui n'hésitera pas à se faire enrôler dans l'U.S. Air Corps pour soutenir les soldats partis au combat. Il était à la fois un jazzman populaire et un chef de musique militaire moderniste, qui, n'en déplaise aux puristes, a bien mérité sa place dans la légende... http://fr.wikipedia.org/wiki/Glenn_Miller

Le stride, l'humour et le spectacle : pianiste, chanteur, organiste, compositeur et humoriste de scène, Fats Waller fut en son temps une véritable vedette. Homme de spectacle truculent et énergique autant que musicien doué et travailleur, il participa à plusieurs comédies musicales et signa des succès de légende. Sa main gauche puissante en fit aussi un héros du piano stride, et sa magistrale technique de jeu à l'orgue lui assura la paternité d'une longue lignée d'organistes jazzmen. http://fr.wikipedia.org/wiki/Fats_Waller

La fabrique du swing : chef d'orchestre, pianiste et organiste, Count Basie fut pendant près d'un demi-siècle l'une des principales figures du jazz. Avec ses orchestres, véritables entreprises de swing, il enchanta le public new-yorkais avant de partir à la conquête des mélomanes sur tous les continents. Son écriture et son jeu par sections furent une référence en matière de précision, laissant toujours une grande liberté aux solistes. http://fr.wikipedia.org/wiki/Count_Basie

Success story ! : clarinettiste et chef d'orchestre de jazz américain, Benjamin David "Benny" Goodman fut de ceux qui propagèrent le swing dans toute l'Amérique, créant même sa propre émission de radio sur NBC. Doté à la clarinette d'une impeccable technique - qui lui autorisa une carrière parallèle de concertiste classique -, il passa maître dans l'art de l'improvisation, parsemant ses performances de ces joyeux glissandi ou autres arabesques qui faisaient partie de sa personnalité musicale. Goodman fut aussi celui qui défia les lois raciales en intégrant des musiciens Noirs au sein de son orchestre.http://fr.wikipedia.org/wiki/Benny_Goodman

À l'unanimité ! : pianiste de jazz, américain, Art Tatum fut un inénarrable interprète, admiré de ses pairs autant que de personnalités de la musique classique comme Vladimir Horowitz et même Sergueï Rachmaninov. Adepte du blues et du swing, il impressionna par son incroyable technique, la puissance de son jeu et la finesse de son toucher. la créativité de ses improvisations et son génie harmonique faisaient aussi de lui un artiste en avance sur son temps. http://fr.wikipedia.org/wiki/Art_Tatum

Le vibraphone en soliste : vibraphoniste, pianiste, percussionniste et chef d'orchestre de jazz américain, Lionel Hampton dit "Hamp" fut le premier à donner ses lettres de noblesse au vibraphone en te propulsant au rang d'instrument soliste.Véritable showman et musicien populaire, il a traversé toute l'Histoire du jazz en associant son nom à ceux de Louis Armstrong, Benny Goodman, Charlie Parker ou encore Dexter Gordon. http://fr.wikipedia.org/wiki/Lionel_Hampton

" Le Président " : saxophoniste ténor, clarinettiste et compositeur américain, Lester Young fut le précurseur du Jazz cool, opposant au jeu tendu et puissant de Coleman Hawkins des solos aériens, semblant flotter sur la pulsation de l'orchestre. Personnalité solitaire, introvertie et instable, il trouva en Billie Holiday une âme sœur comprenant ses blessures et avec laquelle il réalisa des enregistrements historiques. Le tournant de sa vie fut son incorporation dans l'armée américaine, qui le meurtrit à jamais... http://fr.wikipedia.org/wiki/Lester_Young

Le Gitan : compositeur et guitariste issu d'une famille tzigane, Django Reinhardt est considéré comme le fondateur du jazz gitan. Autodidacte, ne sachant pas lire la musique, mais improvisateur et virtuose incomparables, il dicta sur sa guitare ses compositions à ses partenaires. Il fut aussi un ambassadeur important pour la culture d'un peuple victime de génocide et discriminations. http://fr.wikipedia.org/wiki/Django_Reinhardt

" Lady Day " ! : aujourd'hui au panthéon des chanteuses de jazz américaines avec Bessie Smith, Sarah Vaughan et Ella Fitzgerald, Billie Holiday a bien mérité la reconnaissance et l'amour dont elle fut privée par une destinée malheureuse et tragique. C'est dans le chant qu'elle trouva parfois un peu de paix et de liberté. Sa vie douloureuse emplissait le timbre de sa voix : rocailleuse, sensuelle, un peu traînante, et tellement sublime sur chacun de ses mots... http://fr.wikipedia.org/wiki/Billie_Holiday

Un foudroyant guitariste ! : guitariste de jazz américain, Charlie Christian est celui par qui la guitare électrique fit une entrée fulgurante dans le swing, le blues et le bebop naissant. En précurseur de l'instrument, il a aussi ouvert la voie à des légendes du rock'n roll comme B.B. King et Jimi Hendrix... Et si tout cela n'était pas arrivé, on dit que Charlie Christian, grand joueur de base-ball, serait certainement passé professionnel ! http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Christian

Aux sources du bebop : trompettiste, compositeur, arrangeur, chanteur et chef d'orchestre de jazz américain, Dizzy Gillespie fut avec Miles Davis et Louis Armstrong l'une des trois plus importantes trompettes de l'Histoire du jazz. Musicien de la première heure dans le style be-bop, il a aussi contribué à introduire les rythmes latino-américains dans le jazz. Chacun connaît sa silhouette originale avec sa trompette au pavillon en hauteur, ses joues gonflées à bloc, sa vitesse de jeu époustouflante et sa joie communicative qui firent de lui l'un des jazzmen les plus populaires du 20ème siècle. http://fr.wikipedia.org/wiki/Dizzy_Gillespie

" First Lady of the Song " ! : chanteuse de jazz américaine, Ella Fitzgerald a illuminé le monde musical de sa voix chaleureuse et virtuose pendant près d'un demi-siècle. Elle fut dans son art la plus complète de toutes : grande maîtrise technique, sens de l'improvisation, souplesse vocale, pureté de l'expression, aisance dans tous les styles... Elle aura toujours su progresser et mûrir au contact des musiciens qui partagèrent sa carrière, tels Chick Webb, Dizzy Gillespie, Count Basie ou encore Louis Armstrong. http://fr.wikipedia.org/wiki/Ella_Fitzgerald

" Bird " la légende : compositeur et saxophoniste de jazz américain, Charlie Parker est considéré comme l'un des plus grands génies que cette musique ait connu. Celui que l'on surnommait "Bird" (l'oiseau), fut un maître-concepteur du bebop, conduisant à travers ses improvisations complexes l'auditeur aux frontières de l'inouï... Son ascension fulgurante, autant que sa déchéance tragique, ont gravé à jamais son personnage dans les mémoires. http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Parker

La contrebasse rageuse... : contrebassiste, compositeur, chef d'orchestre et pianiste de jazz américain, Charles Mingus eut une connaissance et une maîtrise de plusieurs courants : gospel, blues, new-orleans, bebop, hard-bop, free-jazz... Également admirateur des compositeurs européens (Strauss, Debussy, Bartok, Stravinsky), il s'illustra dans le mouvement Third Stream, dont l'objet était la fusion entre le classique et le jazz. Mingus était aussi connu pour son activisme contre le racisme, son intégrité artistique et son tempérament affirmé qui le conduisirent à souvent crier haut et fort sa révolte ! http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Mingus

" La Divine " : chanteuse et pianiste de jazz américaine, Sarah Vaughan fut, avec Billie Holiday, et Ella Fitzgerald, l'une des trois plus grandes chanteuses de l'Histoire du jazz. Dotée d'une tessiture qui n'avait rien à envier à celle des cantatrices, elle était capable d'effectuer bien des acrobaties vocales, passant d'un registre à l'autre avec une déconcertante désinvolture et modulant son volume sonore avec la même facilité qu'un instrumentiste. Mais au delà de la maîtrise technique, il y avait un formidable sens de l'improvisation par le scat, une grande élégance dans l'interprétation, et bien sûr la couleur d'une voix chaude au vibrato unique. Sarah Vaughan toucha un très large public en chantant aussi bien avec des orchestres de jazz ou de variété que des formations symphoniques. http://fr.wikipedia.org/wiki/Sarah_Vaughan

Aux frontières du jazz : saxophoniste, compositeur et chef de formation de jazz, John Coltrane envisagea sa vie musicale comme une quête spirituelle et esthétique. Révolutionnaire et à l'avant-garde du jazz moderne dans les années 1960, il a ouvert l'avenir au point que l'on s'accorde à considérer qu'il y aura eu un avant et un après Coltrane dans l'Histoire du genre. Styliste du saxophone ténor, il repoussa sans cesse les limites de l'expressivité, nourrissant sa créativité d'éléments culturels, musicaux et techniques remarquables : influence des musiques indienne et africaine, explorations modale et polytonale, imagination mélodique hors du commun, sonorité pleine et puissamment timbrée sur 3 octaves, émissions di phoniques, nappes sonores, etc.http://fr.wikipedia.org/wiki/John_Coltrane

Un son d'avance : trompettiste, compositeur et chef d'orchestre de jazz américain, Miles Davis écrivit une partie importante de l'histoire de cette musique au 20ème siècle. À la pointe de presque toutes les évolutions, il fut parmi les pionniers du cool jazz, du hard bop, du jazz modal et du jazz-rock, livrant à chaque courant des albums emblématiques, et démontrant une capacité à révéler les meilleurs musiciens de chaque nouvelle génération. Son jeu à la trompette se caractérisait par une grande sensibilité musicale et un son feutré, fragile, embrumé par l'utilisation de la sourdine Harmon. http://fr.wikipedia.org/wiki/Miles_Davis

Un saxophone à part... : saxophoniste baryton, pianiste, compositeur, arrangeur et chef d'orchestre de jazz américain, Gerry Mulligan a donné à son instrument le statut de soliste qu'il n'avait pas allant lui. Sur fond de contexte d'essor du jazz West Coast, il s'exprima dans un style bien à lui, emprunt de pudeur, de sensibilité et de discrétion. En tant qu'arrangeur ou compositeur, il a contribué à plusieurs sessions marquantes de l'Histoire du jazz, dont l'illustre Birth Of The Cool avec Miles Davis. http://fr.wikipedia.org/wiki/Gerry_Mulligan

" The Sound " : saxophoniste ténor de jazz américain, Stan Getz reste comme le chef de file du cool et l'un des tenants de l'immense vogue de la bossa nova. Inconditionnel de Lester Young, il fut au saxophone un improvisateur chevronné à la technique la plus aboutie, capable de jouer autant dans des styles virils comme le be-bop, que dans des discours lyriques aux tonalités plus aériennes. On le surnomma "The Sound" pour sa sonorité ample, douce et chaleureuse, qui servait son swing nonchalant, élégant et parfois mélancolique. http://fr.wikipedia.org/wiki/Stan_Getz

Le roman noir : trompettiste, bugliste et chanteur de jazz américain, Chet Baker est entré dans la légende par la force d'une destinée tragique autant que par la fragilité bouleversante de son jeu. Son legato d'une finesse extrême, ses interprétations pleines de douceur, de tendresse et de mélancolie ont fait de lui un personnage attachant et romantique. Avec son allure de James Dean et sa voix délicate, il n'a cessé de susciter une adoration qui a largement dépassé les frontières du jazz. http://fr.wikipedia.org/wiki/Chet_Baker

Un pianiste romantique : pianiste et compositeur de Jazz américain, Bill Evans a connu une existence marquée par plusieurs drames personnels, qui résonnèrent souvent dans sa sensibilité musicale. Doté d'un profond feeling, d'un subtil sens rythmique et d'une réelle culture classique (Debussy, Ravel, Stravinsky, Scriabine, Rachmaninov...), il jouait de façon introspective, replié et penché sur son piano, un peu à la façon d'un Glenn Gould auquel il fut parfois comparé. Son répertoire reprenait en grande partie des standards de Broadway et Tin Pan Alley, avec une prédilection pour les valses. http://fr.wikipedia.org/wiki/Bill_Evans_(pianiste)

" Le Colosse du jazz " : saxophoniste et compositeur de jazz américain, Sonny Rollins est avec Coleman Hawkins, Lester Young et John Coltrane l'une des quatre légendes du saxophone ténor. Doté d'un jeu puissant et énergique, il a démontré une capacité d'improvisation hors du commun, déconstruisant et reconstruisant les thèmes à sa façon, avec un réel sens de la progression dramatique. http://fr.wikipedia.org/wiki/Sonny_Rollins

Un artiste " caméléon " ! : compositeur, arrangeur, chef d'orchestre, claviériste et pianiste de jazz américain, Herbie Hancock a d'abord été un jeune prodige faisant sensation ou début des années 1960. Puis sa carrières est rapidement développée à la mesure de son brio et de son ouverture aux courants modernes, mêlant à sa vision du jazz des éléments de soul, de funk, de hip-hop, de rock ou de disco. Il a aussi été parmi les pionniers des synthétiseurs, sachant faire rimer expérimentations électroniques avec succès commerciaux, tant son accessibilité musicale lui a toujours assuré les faveurs du public. http://fr.wikipedia.org/wiki/Herbie_Hancock

La vivacité et le lyrisme : compositeur, pianiste et claviériste de jazz américain, Chick Corea est, à l'instar de ses compères Herbie Hancock ou Keith Jarrett, l'un des grands jazzmen occupant le devant de la scène depuis les années 1960. Aussi brillant au piano classique qu'avec des claviers électroniques et synthétiseurs, il s'est illustré dons les courants post-bop, latino-jazz, free jazz et surtout jazz fusion, mouvement dont il compte parmi les précurseurs. Artiste très prolifique, il a à son actif plus de 100 disques comportant de nombreux titres de sa composition. http://fr.wikipedia.org/wiki/Chick_Corea

Le " Mahavishnu " : guitariste, pianiste, claviériste et compositeur de jazz britannique, John McLaughlin a été un explorateur en matière de fusion et de world jazz. Maître respecté et influent de la guitare, virtuose à la technique relevant presque de l'exploit, il a aussi retenu l'attention par un jeu enrichi durant sa carrière d'un large éventail de styles : classique, rock and roll, jazz, flamenco, musique indienne... Il porte haut des valeurs d'ouverture, de métissage et de spiritualité. http://fr.wikipedia.org/wiki/John_McLaughlin_(musicien)

Le jazz vivant : compositeur, pianiste et poly-instrumentiste (orgue, clavecin, clavicorde, guitare, saxophone, flûte, percussion, chant) américain, Keith Jarrett est une référence dans l'improvisation contemporaine. Cultivant un art issu de la tradition, du folklore, du jazz, du gospel et de la musique classique européenne, il est l'un des rares pianistes de sa génération à ne pas avoir succombé aux sirènes de l'électronique... http://fr.wikipedia.org/wiki/Keith_Jarrett_(musicien)

La nouvelle star ! : trompettiste, chef d'orchestre et compositeur américain, Wynton Marsalis est l'un des plus brillants musiciens du moment, qui s'est imposé aussi bien en jazz qu'en musique classique. Une virtuosité exceptionnelle (avec un instrument spécialement redessiné pour en étendre les possibilités), mais aussi un style - une esthétique devrait-on dire - qui illustrent un naturel retour aux racines du bebop. Marsalis est par ailleurs connu pour être un pédagogue, consultant et ambassadeur idéal pour la promotion du jazz dans le monde. http://fr.wikipedia.org/wiki/Wynton_Marsalis

" Melodious honk " : pianiste et compositeur de jazz américain, Thelonious Monk fut l'un des grands prêtres fondateurs du be-bop et signa quantité de standards du répertoire. Musicien audacieux et avant-gardiste, improvisateur complexe et intellectuel, il se forgea un style rythmiquement surprenant, un discours cherchant la dissonance et une approche personnelle de l'harmonie. Monk était véritablement un personnage intriguant, secret, parfois incompris mois toujours fascinant pour les connaisseurs. http://fr.wikipedia.org/wiki/Thelonious_Monk

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Caractéristiques du jazz Quelques caractéristiques du jazz : hot intonation blue notes off-beat altérations principe du "call and response" l'improvisation Glenn Miller @nikkojazz SWING L'orchestre comprend deux sections bien distinctes : ○ La section rythmique composée d'une batterie qui assure le tempo, d'un piano et/ou d'un banjo qui fournissent les harmonies et d'une contrebasse (à vent ou à cordes) qui joue les fondamentales des accords.

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13 extraits musicaux qui retracent l'histoire du jazz

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De Basin Street à St Germain des prés. Une histoire du jazz présentée par docteur jazz

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20 mn

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La folle histoire du JAZZ (Documentaire)

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13 mn

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entrainement reconnaissance des styles de jazz

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Modestement, cette page à pour but de présenter les grandes caractéristiques du Jazz. L’internaute à tout loisir de se documenter plus avant, mais il me paraît nécessaire, pour démarrer ce blog, d’…

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What is Swing? Swing Explained in 2 Minutes (Music Theory)

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Placer les extraits musicaux au bon moment dans la chronologie

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Place sur un axe les différents styles de jazz en te servant des repères bleus  (Attention ,  les dates doivent se terminer par un zéro pour être validées).

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

Un " big band " est une formation orchestrale, de professionnels ou d' amateurs, qui interprète des œuvres du répertoire jazz, particulièrement dans le style swing jusque dans les années 1960 ; à partir de ces années, l' avant-garde et le free jazz commencent à s'intéresser à ce type de formation. Son nom vient de l'anglais et signifie littéralement " grand groupe ". D'autres termes comme " jazz band ", " jazz ensemble ", " jazz orchestra ", " stage band ", " society band " et " dance band " peuvent être utilisés dans des contextes particuliers.

La formation la plus traditionnelle emploie quatre sections instrumentales, appelées aussi pupitres :

Les saxophones : deux saxophones alto, deux saxophones ténor et un saxophone baryton (souvent multi instrumentistes, les saxophonistes peuvent tenir d'autres instruments à anche, comme la clarinette en si ou en mi , la clarinette basse, le saxophone soprano ou la flûte).

Les trombones, au nombre de quatre, à coulisses ou à pistons, le quatrième étant souvent un trombone basse ;

Les trompettes, également au nombre de quatre et parfois cinq, à pistons ou à valves, elles utilisent aussi parfois des sourdines, cornets ou bugles (qui sont des dérivés de la trompette) ;

La section rythmique : piano (ou orgue), contrebasse (ou guitare basse) et batterie, complétée souvent par la guitare et parfois par diverses percussions.

D'autres instruments viennent souvent compléter l'ensemble : tuba, cor d'harmonie, vibraphone, bigophone, mirliton, mellophone, etc. Parfois est ajoutée une section de cordes. On y retrouve également parfois un ou plusieurs chanteurs qui interprètent les chansons ou les mélodies (ce qui donne parfois du " scat ") en solo, accompagnés par le reste de l'orchestre.

Le directeur, qui est parfois également compositeur et/ou arrangeur, est chargé de la cohésion de l'orchestre et donne parfois son nom au big band.

Big bands célèbres

Fletcher Henderson serait le premier musicien à avoir formé un big band. À partir des années 1930, le big band est représenté par Chick Webb, Count Basie, Cab Calloway, Duke Ellington, Shep Fields, Glenn Miller, Benny Goodman, Artie Shaw, Woody Herman, Stan Kenton, le Casa Loma Orchestra de Glenn Gray, Les Brown, etc.

Certains de ces orchestres, comme le Glenn Miller Orchestra, ou le Duke Ellington Orchestra ont survécu à leur créateur.

À l'arrivée du bebop, Dizzy Gillespie fonde plusieurs big bands. Miles Davis et Gil Evans collaborent pour l'album Birth of the Cool.

Le style cool sera représenté par les big bands de Marty Paich et Pete Rugolo.

La musique afro-cubaine est représentée par les big bands de Tito Puente et de Perez Prado.

Dans les années 1960, le Clarke-Boland Big Band et le Thad Jones/Mel Lewis Orchestra remettent les big bands sur le devant de la scène, depuis des big-bands se développent dans le monde entier comme le Vienna Art Orchestra.

Anthony Braxton, avec son Creative Music Orchestra et Lester Bowie, avec son Sho' Nuff Orchestra, fondent deux formations issues du free jazz. Martial Solal a créé plusieurs orchestres, comme le Martial Solal Dodécaband ou le Newdecaband. On peut citer également l'Orchestre national de jazz ainsi que l'orchestre de Bob Quibel, accompagnant les émissions télévisées de Jacques Martin.

Notes et références

Article connexe

Liens externes

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Un " big band " est une formation orchestrale, de professionnels ou d' amateurs, qui interprète des œuvres du répertoire jazz, particulièrement dans le style swing jusque dans les années 1960 ; à partir de ces années, l' avant-garde et le free jazz commencent à s'intéresser à ce type de formation.

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Original Dixieland Jass Band - Livery Stable Blues (1917)

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Courant musical qui mêle des éléments du jazz, du rock, de l'électro et du funk, et qui a élargi considérablement le public du jazz.

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Courant musical qui mêle des éléments du jazz, du rock, de l'électro et du funk, et qui a élargi considérablement le public du jazz.

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Replace l'extrait en fonction de son style Jazzistique

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Bonjour
Chacune des cinq images représente un style de jazz, Jazz New Orléans, Jazz swing, Jazz Bebop, Cool Jazz et Jazz fusion.
Au centre, apparaît un morceau de musique, une lettre dans un triangle. Clique dessus pour écouter le morceau, puis, fait glisser le morceau (le triangle avec la lettre) dans l'image qui correspond à ton avis à ce style de jazz.  
Quand tu auras fini, clique en bas à droite pour savoir si tu as bien répondu.
Mais surtout, prends le temps tranquillement d'écouter ces musiques !
Bonne écoute !

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Ecoute chaque audio et associe -le à un style de jazz . En cliquant sur le i , tu peux avoir un indice supplémentaire.

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BAC 2018 Option Musique : BIRDLAND Ex 1 - Histoire du Jazz (Laurent Huault et Nicolas Martello)

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Sauras-tu différencier les styles du jazz ? 
Cours n° 1
 20 extraits 
Quelle note sur 20 ?

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Place les étiquettes sur le style musical qui leur correspond

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Indique si le morceau est un morceau de jazz manouche ou non

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1-This is Jazzz! Reconnaître les principaux instruments

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Reconnaît les instruments d'un groupe de Jazz!

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Quelles sont tes connaissances sur le jazz ?
coche la bonne réponse.

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Réponds aux questions suivantes sur le JAZZ: attention, il peut y avoir plusieurs réponses justes !

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Les éléments constitutifs d'un morceau de jazz

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Les éléments constitutifs d'un morceau de jazz

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Les éléments constitutifs d'un morceau de jazz (Dans 

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Écoute When the Saints par Louis Armstrong et retrouve les éléments éléments qui constituent tous les morceaux de jazz.

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Cet article liste les termes utilisés en musique de jazz et les musiques voisines ( blues, rock ...)

La forme AABA est une structure de morceau comportant 4 parties de 8 mesures généralement (cela peut être 4 ou 12 mesures selon le morceau ; le A et le B peuvent être plus ou moins longs). La partie (A) est pratiquement identique à la et à la . La (B) partie est appelée " bridge " ou " pont ", elle permet généralement de changer le climat du morceau.

Généralement, la partie se termine de manière interrogative, la et la sont conclusives (c'est le cas de Autumn Leaves).

La cellule anatole est le nom d'une cadence (suite d'accords), très répandue dans le jazz, notamment dans les blues et les grilles be-bop. L'anatole est constituée d'une suite de 4 accords : I-VI-II-V, sachant que le I correspond au premier degré de la tonalité, le VI au sixième etc. En do, la grille se déroulera ainsi : do majeur - la mineur - ré mineur - sol majeur. L'anatole permet d'enrichir une grille, et ainsi de la rendre plus attractive à l'improvisation.

Le terme peut également désigner une forme musicale, la forme-anatole. un morceau basé sur les harmonies du standard I Got Rhythm ( de Sonny Rollins, Rhythm-A-Ning de Thelonious Monk, The Theme de Miles Davis, Moose the Mooche de Charlie Parker, etc.).

Accentuation des temps pairs, caractéristique des rythmiques issues des musiques afro-américaines.

Backbeat désigne aussi les temps faibles d'une mesure, aussi appelé after-beat ou up-beat.

Une ballade est un morceau, généralement de 32 mesures, joué sur tempo lent, voire très lent. Souvent, la ballade présente la particularité de se jouer en croches égales, tandis que les doubles croches sont jouées swing. Pendant les solos il arrive également que le tempo soit doublé, voire triplé.

Un big band est une formation orchestrale de plus d'une demi-douzaine de musiciens, comportant tous les instruments traditionnels du jazz (piano, guitare, contrebasse, batterie, saxophones, trombones, trompettes...) Le nombre de musiciens permet de varier les chorus (voir définition plus loin) et d' arranger de puissantes interventions de l'orchestre. Les big bands connurent leur apogée dans les années 1930.

Une métrique est dite binaire quand les temps sont divisés en sous-unités multiples de deux unités égales (croches, doubles-croches...)

Le jazz " classique " utilise pratiquement exclusivement une pulsation ternaire. Par contre le jazz-rock, le jazz fusion, le latin jazz et, plus généralement, certaines formes de jazz contemporain, utilisent souvent les métriques binaires.

Le block chord (de l'anglais block : bloc et chord : accord, aussi appelé locked hand style) est une technique pianistique inventée par Milt Buckner à la fin des années 1940. Elle consiste à l'origine à harmoniser une mélodie à quatre voix à la main droite (en imitant l'écriture des big bands) et à doubler la mélodie à la main gauche à l'octave inférieur (il existe des variantes de ce type de jeu). Les deux mains fonctionnent en parallèle, simultanément, au rythme de la mélodie.

Cette technique a été très populaire à la fin des années 1950, avec notamment Nat King Cole, Erroll Garner, George Shearing, Oscar Peterson...

Le blues est un style à l'origine essentiellement vocal. Il a eu son âge d'or durant les années 1920 à Chicago, en même temps que le Jazz Nouvelle-Orléans (le New Orleans s'est popularisé après que les musiciens se furent déplacés vers Chicago).

La forme blues est constitué de 12 mesures avec l'organisation harmonique suivante:

Un bœuf (ou une jam session) est une séance musicale improvisée, basée sur des standards et à laquelle peuvent se joindre différents musiciens. On dit alors que l'on " fait une jam " ou qu'on " fait le bœuf ".

Littéralement " goulot de bouteille ", le bottleneck est le plus souvent un tube métallique que le guitariste fait glisser sur les cordes de sa guitare pour produire un effet de glissando, très utilisé en blues.

On appelle break, une courte interruption de la rythmique, de une à quelques mesures, à la fin de l'exposé d'un thème (ou d'une section de thème), pour lancer un solo. Plus généralement, court arrêt complet de la musique à un endroit précis du morceau pour laisser la place à un seul instrumentiste.

Le chabada ou cha-ba-da est la figure rythmique de base jouée par le batteur pour accompagner les morceaux du jazz ternaire (swing, be-bop...). (noire suivie de deux croches ternaires avec une accentuation sur les et temps) jouée par le batteur, sur sa caisse claire, sur sa cymbale ride ou bien cymbale charleston fermée ou bien ouverte sur les et temps,

On parle de chase - c'est-à-dire " poursuite " - quand deux (ou plusieurs) solistes se succèdent, en improvisant tour à tour, sur des courtes suites de mesures d'un thèmes (toutes les 4 mesures, toutes les 2 mesures...) Cette formule, où chaque musicien doit répondre à une phrase improvisée par le précédent en faisant montre d'à-propos, d'inventivité et de virtuosité, est particulièrement stimulante pour les instrumentistes.

L'utilisation la plus commune de cette formule est celle qui permet des échanges entre orchestre et batterie. Ce sont les fameux " 4-4 " où un " soufflant " ou le pianiste improvisent quatre mesures accompagnées par la section rythmique et le batteur répond par quatre mesures en solo.

En anglais, le chorus désigne le refrain d'un morceau. Les chansons de Broadway étaient composées d'un premier thème, le (une sorte d'" introduction ") suivi d'un deuxième (souvent de 32 mesures de forme AABA ou ABAC) considéré comme le " refrain du morceau ", et qui est en fait la partie la plus connue. Les jazzmen ayant l'habitude de ne jouer et de n'improviser que sur ce refrain, le mot chorus désigne, par extension, un " thème " (quel qu'il soit). Seuls quelques rares fake books (par exemple le Vocal Real Book) contiennent les transcriptions intégrales des chansons de Broadway ( verse et chorus). Dans les autres, on ne trouve que la partie (le chorus) sur laquelle les jazzmen ont l'habitude d'improviser.

Prendre un chorus, c'est prendre un solo sur un thème quelle que soit sa structure. Prendre deux (ou x) chorus, c'est improviser deux (ou x) fois de suite sur la grille harmonique du thème. Par exemple, au Newport Jazz Festival de 1956, le saxophoniste Paul Gonsalves joua 27 chorus successifs sur Diminuendo And Crescendo In Blue.

On utilise parfois le néologisme " chorusser " pour dire improviser. Par exemple, on dit d'un musicien qu'il " chorusse bien " s'il est un bon improvisateur.

Le (abréviation de l'anglais combination) est un petit ensemble de jazz, composé de trois à neuf musiciens.

En jazz, le démarquage désigne le réemploi d'une grille harmonique pour créer un nouveau morceau, avec une nouvelle mélodie. Ce procédé a été en vogue à l'époque du bebop. Les progressions d'accord n'étant pas soumises à copyright, ce procédé permettait notamment aux musiciens d'improviser sur des morceaux connus sans avoir à payer de droits.

Lennie Tristano est un des spécialistes du démarquage. Il a par exemple composé 317 East 32nd et Cool Boogie sur les accords d' Out of Nowhere ou Coolin' Off sur les accords de Sweet Georgia Brown. On peut citer Charlie Parker qui a composé Ko-Ko, Warming up a riff ou Home Cookin'II sur Cherokee ou Ornithology sur How High the Moon. Tadd Dameron a composé Hot House sur la grille de What Is This Thing Called Love?.

Un Fake book (ou Real Book) n'est pas, comme sa première signification anglaise semble le suggérer, un livre " bidon " ni un livre " truqué " ou " falsifié ". Le nom fake book fait simplement référence à un des sens argotiques du verbe to fake qui signifie " lire (la musique) ". Un " fake book " propose des lead sheets, c'est-à-dire des partitions qui comportent, pour un standard de jazz, la ligne mélodique du thème et sa grille harmonique. La qualité est très variable d'un fake book à l'autre : certains proposent des relevés précis et des grilles riches (avec éventuellement " accords de substitutions " et/ou ré-harmonisation), d'autres des relevés mélodiques approximatifs et des grilles minimalistes voire erronées. La grille harmonique servant de support à l' improvisation, il est important qu'elle soit exacte et riche. La plupart des fake books existent dans plusieurs tonalités afin de pouvoir être utilisés par les instruments transpositeurs (même si, dans l'absolu, un bon musicien sait " transposer à vue "). Pour la trompette, le saxophone soprano, le saxophone ténor et la clarinette, on utilise l'édition en si ". Pour le saxophone alto et le saxophone baryton, l'édition en mi . Les autres musiciens (piano, guitare, trombone, etc.) utilisent l'édition en ut.

Certains fake books ne sont pas dédiés uniquement au jazz et contiennent des titres pour les musiciens pratiquant le piano bar : tubes pop, musiques de films, chansons folkloriques, chants de Noël ou d'anniversaires, voire des pièces populaires du répertoire classique.

Internet a rendu les Fake Books ou Real Books plus faciles à trouver (sous forme de cd-rom contenant les partitions en pdf). La vente et l'usage de ces CD-ROM est illégale.

On peut trouver un index cumulatif des différents fake et real books actuellement disponibles sur le site suivant :

Version moderne d'un negro spiritual.

Une grille harmonique est une succession d'accords sur laquelle est construit un morceau. Elle sert en général de trame à l'improvisation.

La gamme blues est une gamme pentatonique mineure avec une note supplémentaire entre le degré IV et le degré V.

Bien qu'il soit possible de l'utiliser sur n'importe quelle accord, la gamme blues est généralement utilisée sur les accords de dominante (V7) et les accords mineurs 7.

Le " II-V-I " le nom d'une progression d'accords, très répandue dans le jazz tonal, notamment dans les blues et les grilles be-bop.

Il s'agit d'une suite de 3 accords : le second degré de la tonalité (II), le cinquième (V, aussi appelé dominante) puis le premier degré (I, aussi appelé tonique). En do, la grille se déroulera ainsi : ré mineur - sol septième - do majeur.

Une jam session (ou un bœuf) est une séance musicale improvisée, basée sur des standards et à laquelle peuvent se joindre différents musiciens. On dit alors que l'on fait une jam ou qu'on fait le bœuf.

Chants issus des traditions religieuses des esclaves noirs aux États-Unis.

C'est la quarte augmentée de la tonalité principale du morceau. Agrémentée d'un effet d'ajustement vers l'aigu, elle donne une sonorité particulière caractéristique du blues. Très utilisée dans le jazz, elle a probablement pour origine la musique africaine dans laquelle le tempérament n'existait pas et fut probablement introduite au début du blues par les esclaves noirs américains.

Ce sont les notes typiques du blues : la tierce qui voyage de la tierce mineure vers la tierce majeure (plus proche de la tierce mineure) ; la quinte tirant vers la quinte diminuée, et la mineure tirant vers la . L'instrumentiste tente d'imiter la complainte du chanteur.

Blue Note est également le nom d'un célèbre label de jazz.

Au piano, faire la pompe consiste à jouer, de la main gauche, les notes de basse sur le et le temps, et les accords sur les et temps de la mesure. À la guitare, la pompe consiste à marquer d'un accord chaque temps de la mesure en accentuant les et temps (type d'accompagnement très prisé dans le jazz manouche).

Par extension, on dit qu'un musicien (pianiste, guitariste...) fait la pompe quand il accompagne un soliste en marquant bien le tempo.

Le pont est une partie d'un morceau (le plus souvent de 8 mesures) contrastant avec les autres parties. Dans un morceau en AABA, il s'agit de la partie " B ".

Le pont marque un changement mélodique et harmonique par rapport au thème principal. On passe souvent dans un autre ton, voisin ou éloigné (Smoke Gets in Your Eyes passe ainsi de Mi bémol majeur à Si majeur).

Style essentiellement pianistique, syncopé (placé sur les temps faibles) et entièrement écrit. Il est le fait de pianistes ayant une bonne culture musicale qui connaissaient la musique européenne. Très populaire entre 1850 et 1920, il fait se succéder des thèmes différents de 16 mesures.

Un riff est une courte phrase musicale répétée de nombreuses fois telle quelle, quelle que soit l'harmonie. Très courant dans le blues, le riff est encore courant dans le jazz des années 1930.

Le scat est un chant improvisé généralement rapide et virtuose utilisant des onomatopées au lieu de paroles, où la voix a un rôle d'instrument à part entière.

Le shuffle est un rythme ternaire découlant d'un pas en usage dans les danses d'esclaves. C'est le rythme de la main gauche des pianistes de boogie-woogie, ensuite transposé à la section rythmique tout entière. Les orchestres de Louis Jordan et Louis Prima faisaient un usage intensif du . Chez les batteurs, Sam Woodyard était un spécialiste de ce rythme.

Le sideman, littéralement " homme au côté ", est un musicien qui participe pour l'enregistrement d'un album ou lors d'un concert à un petit ensemble de jazz au côté du musicien - souvent de plus grande notoriété - qui prête son nom à l'ensemble. Ce dernier est alors qualifié de leader.

Un standard est un morceau qui est connu de tous les musiciens de jazz, qui fait l'objet de nombreuses reprises et est joué lors des jam session.

Le stride (littéralement enjambement) est un style de piano, où, sur un morceau à 4 temps, la main gauche joue des notes de basses sur le et le temps, et des accords sur les et temps, pendant que la main droite joue une ligne mélodique (thème ou improvisation). Il est une des caractéristiques essentielles du ragtime " moderne " des années 1920.

Parmi les pianistes spécialistes du stride, on peut citer, entre autres, James P. Johnson, Luckey Roberts, Willie "The Lion" Smith, Art Tatum ou Fats Waller. L'influence du piano stride sur le jeu de Thelonious Monk est notoire.

La Substitution tritonique consiste à remplacer un accord de septième par un autre accord de septième distants de trois tons. Par exemple on substituera ainsi à l'accord C7 l'accord Gb7. Il s'agit du type de substitution le plus courant en jazz. Cette substitution se fait souvent dans le cadre d'un II-V-I (mineur ou majeur) lorsqu'un accord de septième (V) va vers le premier degré (I).

Le swing est une caractéristique intrinsèque du jazz. Pour autant qu'il soit possible de le décrire, il consiste à jouer " ternaire " des groupes de notes notées " binaires ". Par exemple, deux croches seront jouées comme un triolet " noire-croche ".

Pour autant, si on programme sur un séquenceur ou une boîte à rythmes la formule rythmique précédemment décrite, cela ne " swingue " pas. La sensation de swing vient d'une certaine imprécision impossible à transcrire parfaitement.

Au-delà de toute tentative d'explication, Duke Ellington résume l'importance du swing dans un thème qu'il a composé : It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing) (" Ça ne sert à rien s'il n'y a pas le swing ").

Petit rajout placé après un élément de la structure. Souvent la simple répétition des deux dernières mesures de la structure. Cela n'arrive qu'une seule fois par morceau.

Une musique ternaire est composée de temps ternaires. Dans une musique ternaire, on joue généralement deux notes par temps : la première note dure de temps et la deuxième note dure de temps. C'est ce déséquilibre de durée entre les notes d'un même temps qui donne la sensation de rebondissement.

Le thème est une mélodie harmonisée qui sert de matériel de départ pour l'improvisation.

Dans l'absolu, n'importe quel morceau peut servir de " thème " (standard de jazz, chanson populaire, musique de film, morceau classique...) donc de support à l'improvisation.

Un grand nombre de thèmes de jazz sont bâtis sur des structures de 12 mesures (blues) ou de 32 mesures ( AABA ou ABAC).

la " Theory" ou " Jazz Theory" est l'ensemble des concepts musicologiques et didactiques qui ont trait au jazz, son analyse, son enseignement.

Boucle de quelques mesures basée sur 2 ou 3 accords (voir l'article cadence (jazz)) sur lequel le soliste peut improviser. On utilise ce type de boucles, soit entre les chorus, soit à la fin d'un morceau.

Dans les chansons américaines de Broadway, on trouve souvent un premier thème, sorte d'introduction (parfois assez librement chantée, sans tempo). C'est le verse, qui précède le refrain, nommé , qui, lui, contient la mélodie la plus connue.

Le Vocalese est l'art de transcrire des solos instrumentaux de jazz en y ajoutant des paroles. Inventé par le critique de jazz Leonard Feather, le Vocalese a atteint son apogée en 1957-1962. Les interprètes chantent en solo ou en groupe et sont accompagnés par une petite formation ou orchestre. Les auteurs/interprètes de Vocalese les plus connus sont Eddie Jefferson, Jon Hendricks et Les Double Six.

Manière d'accompagner à la contrebasse consistant à improviser une note par temps selon une grille harmonique définie, incluant des mouvements diatoniques, chromatiques et en arpèges. Cette manière de construire des accompagnements de basse " linéaires " est applicable à la guitare basse, au pédalier d'un orgue Hammond ou encore à la main gauche du piano.

Chant de travail, utilisé par les esclaves noirs pour rythmer leur travail. Ces chants utilisaient la structure soliste-chœur issus de la tradition africaine. Il s'agit avec le blues et le ragtime des origines du jazz.

Références

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Cet article liste les termes utilisés en musique de jazz et les musiques voisines ( blues, rock ...) La forme AABA est une structure de morceau comportant 4 parties de 8 mesures généralement (cela peut être 4 ou 12 mesures selon le morceau ; le A et le B peuvent être plus ou moins longs).

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Evolution de la contrebasse dans le jazz

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Evolution de la contrebasse dans le jazz

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Avishai Cohen © Charles d'Hérouville

La contrebasse appartient à la famille des cordes frottées. Elle est effectivement constituée d'une caisse de résonance, qui permet d'amplifier les vibrations provoquées par les cordes. Celles-ci sont attachées au cordier, en bas de l'instrument, et reliées à la tête de l'instrument le chevillier. Afin qu'elles ne soient pas en contact avec la touche la partie du manche tournée vers les cordes, les cordes sont relevées par le chevalet, petite pièce de bois ouvragée posée sur la caisse de l'instrument.

Le son de la contrebasse provient des vibrations du corps et du mouvement de l'air qu'il contient. Ce corps est composé de la table supérieure, du fond et des éclisses. La table et le fond sont reliés par une petite pièce de bois, appelée l'âme. L'air communique avec l'extérieur par les ouïes, des ouvertures en forme de " f " taillées dans la table. C'est le chevalet qui transmet la vibration des cordes à l'ensemble formé par le corps et la cavité d'air.

La contrebasse est présente en Europe dès le XVI e siècle. À cette époque, on la rencontre munie de trois, quatre, cinq ou six cordes. Au XIX e siècle, la plupart des contrebasses possèdent trois cordes. Il s'agit, du plus aigu au plus grave, des cordes sol, ré et la. À partir du XX e siècle, on ajoute la corde grave de mi et les contrebasses à quatre cordes s'imposent.

Comme le violon, la contrebasse nécessite la coordination des mains du musicien, la main gauche appuyant les cordes sur le manche pour modifier la longueur et donc définir la hauteur de la note sur laquelle elle vibre, pendant que la main droite fait vibrer la corde, soit à l'aide d'un archet, soit en tirant sur celle-ci avec les doigts. Appelée " pizzicato ", cette technique est celle que privilégient les contrebassistes de jazz depuis les origines de cette musique.

Contrebasse © Jean-Marc Anglès (photo) - Cité de la musique - Philharmonie de Paris - Musée de la musique

Les cordes employées sont en boyau naturel jusqu'aux années 1930, date à laquelle celles en métal apparaissent et gagnent la préférence de beaucoup de contrebassistes. En effet, les cordes métalliques permettent un son avec davantage de sustain de tenue, de durée de résonance de la note jouée, et une meilleure précision dans l'attaque. Ces capacités influent sur le langage des contrebassistes de jazz en facilitant un phrasé plus lié. De nos jours, la texture des cordes est très variée et il existe de nombreux alliages constitués de différents matériaux. Cependant, certains musiciens, notamment les contrebassistes de jazz classique, ont préféré conserver des cordes en boyau qui produisent une sonorité plus ronde. D'autres ont opté pour des compromis, tels Gary Peacock et Charlie Haden qui jouent avec les deux cordes graves en métal et les deux cordes aiguës en boyau fileté nylon.

Tout au long du XX e siècle, chez les contrebassistes de jazz, la hauteur de la position des cordes par rapport à la touche diminue. Ce phénomène découle du souhait d'acquérir davantage de vélocité afin d'approcher un jeu plus mélodique. Concrètement, les cordes placées très haut par rapport au manche, qui permettaient de slapper À la contrebasse, le slap est une technique consistant à produire des sons percussifs en frappant les cordes ou en les faisant claquer contre le manche. Cette technique existe aussi à la guitare. dans le style New Orleans, se rapprochent avec le désir de virtuosité. En effet, plus les cordes sont hautes, plus elles demandent un effort important au contrebassiste qui tire dessus. De plus, l'action de tirer fort sur la corde provoque un déplacement de celle-ci plus important, donc une perte de temps car le bassiste doit aller chercher la corde plus loin. Pour cette raison, on ne peut pas être aussi véloce, ni aussi appliqué avec sa main gauche celle qui tient le manche lorsque l'on utilise des cordes montées loin de la touche. Ce qui implique également un problème de justesse évident dû au mauvais placement de la main gauche qui travaille en force. En contrepartie, en réglant les cordes très haut au-dessus de la touche de l'instrument, on peut obtenir un maximum d'amplitude de vibration, et donc un volume sonore plus important. C'est pourquoi, jusqu'à l'avènement des systèmes d'amplification, les contrebassistes jouaient sur des cordes très hautes. Par la suite, ils ont utilisé des cordes placées beaucoup plus près du manche, ce qui leur permet d'exploiter la tessiture de la contrebasse de façon plus complète et plus virtuose. Le son qu'ils obtiennent en rapprochant les cordes est à la fois plus doux et moins fort.

Dans la perspective d'acquérir une plus grande vélocité, les contrebassistes explorent une position plus haute de la main droite sur le manche. Plus une corde est attaquée haut, plus l'amplitude de sa vibration est réduite, et plus l'effort à produire est diminué. En outre, la même note produite en attaquant les cordes à différentes hauteurs n'a pas la même qualité sonore : plus la main est haute, plus le son produit est doux.

Jusque vers la fin des années 1920, les contrebassistes jouent de façon totalement acoustique. Le premier enregistrement avec contrebasse électriquement amplifiée date de 1928 : il s'agit de Wellman Braud dans Hot and Bothered au sein de l'orchestre de Duke Ellington. À partir de cette date, l'utilisation d'un micro devant l'instrument rentre petit à petit dans les habitudes. Cette méthode a l'avantage, si la sonorisation est correcte, de reproduire fidèlement le son acoustique, ce qui n'est pas le cas des " cellules " électriques utilisées ultérieurement. En revanche, le gros inconvénient d'une telle installation est que tous les bruits à proximité de la contrebasse se trouvent également amplifiés, et principalement la batterie. Signalons que cette technique du micro devant la contrebasse est encore utilisée de nos jours en studio, car elle permet d'approcher un son authentique de l'instrument.

Les premières cellules que l'on fixe sur l'instrument n'apparaissent que dans le courant des années 1960. Leur atout est d'amplifier uniquement le son provoqué par la vibration des cordes. En contrepartie, le son acoustique de l'instrument n'est plus reproduit aussi fidèlement. Il devient véritablement électrique. Le contrebassiste doit alors chercher quel amplificateur convient à telle cellule, afin d'obtenir le son qui correspond à ses désirs.

Depuis, divers micro pour contrebasse sont apparus sur le marché. Les premiers et les plus fréquents se présentent sous forme de piezo cellule qui capte les vibrations directement sur le bois ou le chevalet de la contrebasse que l'on fixe soit dans les deux yeux du chevalet, sous les pieds du chevalet, sous chaque corde ou encore entre le chevalet et la table d'harmonie. En vue de se rapprocher d'une reproduction fidèle du son acoustique de l'instrument, certains fabricants mettent en place un système alliant piezo et micro aérien.

Aperçu de la contrebasse dans le jazz, réalisation de Fleur Albert, Manuel Marchès à la contrebasse, 2006 © Éditions Cité de la musique

Dans les années 1970, l'agrandissement des lieux de concerts et la naissance du jazz-rock poussent les bassistes de jazz à jouer de plus en plus fort. Certains d'entre eux optent alors pour un instrument hybride, compromis entre la guitare et la contrebasse : la guitare basse (ou basse électrique). Le premier modèle, crée par Leo Fender, nommé Precision Bass, soulage beaucoup de bassistes, lassés d'être couverts par la batterie et de transporter un instrument encombrant. La guitare basse permet également l'accession à une virtuosité inimaginable à la contrebasse, ce dont témoignent Steve Swallow, Stanley Clarke (au côté de Chick Corea) et Jaco Pastorius (membre du Weather Report de Joe Zawinul et Wayne Shorter). De nombreux contrebassistes tels Ron Carter, Miroslav Vitous, ou Dave Holland ont eu l'occasion de s'essayer à la guitare basse, certains comme Steve Swallow finissant par l'adopter comme unique instrument. De nos jours, la guitare basse est devenue un instrument à part entière, grâce à des musiciens tels que Jaco Pastorius ou Marcus Miller, qui ont su l'exploiter pleinement et mettre en valeur les qualités qui lui sont propres. Depuis une trentaine d'années, on voit apparaître des contrebasses électriques, comme celle dont joue Eberhard Weber. Comme sur les guitares, on utilise des pédales d'effet, la wha-wha étant la plus connue. Elle est employée par exemple par Vitous dans le groupe Weather Report et par Charlie Haden avec Keith Jarrett.

L'amplification libère les contrebassistes de nombreuses contraintes techniques et leur permet d'aborder des techniques de jeu issues de la guitare, telles que les pull-off, hammer, jeu en accords, harmoniques.

Dans le courant des années 1950, l'évolution du langage prônant un jeu plus rapide et plus véloce, la technique évolue nécessairement afin de répondre aux exigences du jazz moderne. À l'inverse, les découvertes des bassistes quant aux nouvelles façons d'aborder l'instrument influencent certainement le langage.

Jusque-là, les bassistes attaquaient les cordes du tranchant de la main droite le long de l'index. Plusieurs raisons expliquent cette pratique. La façon dont étaient montés les instruments rendait le jeu à plusieurs doigts très difficile, voire impossible. En effet, les cordes étant très éloignées de la touche, elles exigeaient l'entière puissance de la main droite. Gênante pour la virtuosité, la hauteur des cordes était inéluctable jusqu'à l'arrivée de l'amplification. Le son puissant dont ont besoin les bassistes ne pouvait être obtenu qu'avec une attaque près du chevalet et une grande amplitude de vibration de la corde, ce qui induisait des cordes très hautes et un effort assez important pour répondre à la hauteur de ces cordes. Il existait bien une autre solution : attaquer la corde avec l'index et le majeur conjointement. Les deux méthodes ont pour objectif d'acquérir un volume sonore conséquent, mais ne sont en aucun cas propices à une quelconque virtuosité. Cette contrainte constitue l'environnement de tous les bassistes, que ce soit Wellman Braud ou, bien plus tard, Jimmy Blanton, jusque dans les années 1950. Ensuite, la technique utilisée par les contrebassistes se rapproche de celle des bassistes électriques : alternance de deux doigts l'index et le majeur le plus souvent de la main droite, voire de trois doigts, et déplacement de la position de la main droite vers une position perpendiculaire aux cordes pendant les passages les plus véloces.

Autant la technique de la main gauche sur le haut du manche est facilement reconnaissable Les doigtés utilisés sont soit " 1er doigt, 2e doigt et 4e doigt ", soit, selon l'école italienne, " 1er doigt, 3e doigt et 4e doigt "., autant la façon d'utiliser la main droite pour pincer les cordes est différente pour chaque personne. On peut dire qu'elle dépend de la constitution physique de chaque individu. Elle est donc très personnelle. Le contrebassiste n'a qu'une seule exigence par rapport à sa main droite : chercher la manière de jouer qui lui permettra d'obtenir le son qui lui convient.

Lire la suite : la Nouvelle-Orléans

Auteure : Hélène Balse

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La contrebasse dans le jazz : évolution des techniques et des matériaux

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La contrebasse appartient à la famille des cordes frottées. Elle est effectivement constituée d'une caisse de résonance, qui permet d'amplifier les vibrations provoquées par les cordes. Celles-ci sont attachées au cordier, en bas de l'instrument, et reliées à la tête de l'instrument le chevillier.

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Tuba Skinny - Shake It and Break It (Revival New Orleans Music)

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Tuba Skinny - Shake It and Break It (Revival New Orleans Music)

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Duke ELLINGTON & His Orchestra - "A Bundle Of Blues" (1933)

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Duke ELLINGTON & His Orchestra - "A Bundle Of Blues" (1933)

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Rapidité, virtuosité, harmonie complexe, improvisations très longues

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Rapidité, virtuosité, harmonie complexe, improvisations très longues

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Charlie Parker and Dizzy Gillespie - Hot House (1951)

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Charlie Parker and Dizzy Gillespie - Hot House (1951)

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Billie's Bounce / Charlie Parker　The Savoy Recordings

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Style dépouillé, en rupture avec le bebop : son plus doux, rythmes plus lents et moins de cuivres, rendant ainsi le jazz plus accessible

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Style dépouillé, en rupture avec le bebop : son plus doux, rythmes plus lents et moins de cuivres, rendant ainsi le jazz plus accessible

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'Moon Dreams' from Miles Davis classic album 'Birth Of The Cool', recorded between the years of 1949 and 1950.

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Considéré comme expérimental et avant-gardiste. Retour des improvisations collectives, utilisation de "l'improvisation libre" dans laquelle il n'y a aucune contrainte (accords, modes de jeu...)

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Considéré comme expérimental et avant-gardiste. Retour des improvisations collectives, utilisation de "l'improvisation libre" dans laquelle il n'y a aucune contrainte (accords, modes de jeu...)

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Ornette Coleman - Free Jazz (1961) (Full Album)

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Inspiration des modes de la musique religieuse médiévale et des modes grecs. Inspiration aussi des musiques orientales et exotiques, utilisant souvent trois ou quatre accords.

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Inspiration des modes de la musique religieuse médiévale et des modes grecs. Inspiration aussi des musiques orientales et exotiques, utilisant souvent trois ou quatre accords.

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Jean Pierre (2022 Remaster) (Live at Shinjuku Nishi-Guchi Hiroba, Tokyo, Japan - Oct. 1981 -...

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Ella Fitzgerald And Louis Armstrong .  Ella And Louis .  Full Album .  Vintage Music Songs

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Billie Holiday - "Strange Fruit" Live 1959 [Reelin' In The Years Archives]

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Jazz History Tree - The Jazz History Tree

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En anglais

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What's the Difference Between Jazz and Blues?

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Site complet sur les différents courants du jazz

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Site complet sur les différents courants du jazz

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Le jazz est un genre musical né à la Nouvelle-Orléans au début du XXe siècle. Elle est souvent caractérisée par l'improvisation, les polyrythmies, la syncope.

Le jazz est né au début du vingtième siècle et il avait deux styles principaux : le Dixieland et le Swing. Le premier était un style plus ancien qui utilisait des cuivres et des instruments de jazz traditionnels tels que la clarinette, le saxophone ténor et la trompette. Le swing, quant à lui, intégrait le rhythm and blues au jazz.

Le ragtime est né dans les années 1870 avec des artistes tels que Scott Joplin et James Scott qui avaient une syncope distinctive

Histoire du ragtime

Le ragtime est un genre musical, qui mélange jazz et paino, né au début du XXe siècle, issu de la musique folk afro-américaine. Il était caractérisé par des rythmes syncopés et des mélodies vernaculaires, souvent influencées par le blues.

Le ragtime n'a été précédé d'aucune forme d'instrumentation ou de danse spécifique. Il est originaire des Afro-Américains vivant dans les zones rurales du Grand Sud. Il a été créé dans l'intention d'être joué sur des pianos fabriqués à l'époque.

Raison du succès du Ragtime

Mais il a également gagné en popularité en raison de son utilisation dans les orchestres de danse et les grands orchestres dans les années 1930. Il a d'abord été utilisé comme musique de fond pour la danse, mais est devenu plus tard la chanson thème de l'amour bluesy pour des films comme " Birth of a Nation ", " The Scarlet Letter " et " Autant en emporte le vent ".

Les premières pièces de ragtime pour piano ont été écrites par des musiciens travaillant dans des honky tonks, des saloons et des salles de danse qui s'adressaient aux communautés afro-américaines de la Nouvelle-Orléans dans les années 1890.

Caractéristiques du Ragtime

Le mot " rag " est utilisé pour décrire le style de jeu en utilisant beaucoup de syncopes, c'est-à-dire lorsque vous jouez hors du temps. C'est un style qui combine des éléments de jazz, de blues et de musique populaire européenne.

Un type de musique qui entre dans la catégorie du ragtime est une musique de jazz qui est joué sur des instruments à percussion, y compris la batterie et le piano pour créer un rythme syncopé à tempo élevé avec des progressions d'accords basées sur le traditionnel.

Il y a aussi une différence stylistique entre le ragtime et le jazz. Le ragtime est joué sur un instrument comme un piano et n'est pas aussi improvisé et n'inclut pas de solos pour l'instrument. Le jazz est joué principalement avec des instruments tels que le saxophone, la trompette et le trombone et comprend des solos pour les instruments.

La plupart de ces artistes étaient des pianistes qui jouaient de simples chiffons lors de fêtes de quartier ou de bals. Mais ils ont aussi joué des morceaux plus compliqués dans des maisons dites " haut de gamme " comme Dan Em.

New-Orleans

Histoire du Jazz de la Nouvelle Orléans

Dans les années 1920, le jazz était caractérisé comme un style de musique au rythme rapide et improvisé. Dans les années 1950, il y a eu une résurgence de ce genre après la Seconde Guerre mondiale qui a conduit à de nouveaux développements en termes d'instrumentation et de compositions.

La Nouvelle-Orléans est bien connue pour sa musique jazz. Le son existe depuis le début des années 1900 et beaucoup de gens l'associent à cette ville. La musique jazz peut être divisée en différents styles ou genres, y compris le blues, le gospel ou le swing.

Les origines du style Nouvelle Orlénas

La ville de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, possède une culture riche et diversifiée qui comprend non seulement une cuisine unique, mais également un style de musique assez différent de la plupart des autres styles. La musique jazz remonte au début du XIXe siècle, où elle trouve ses origines à la Nouvelle-Orléans.

La musique jazz est originaire de musiciens afro-américains du sud des États-Unis. Le style a émergé en Amérique alors que les gens du sud étaient opprimés et avaient besoin d'un moyen de s'exprimer.

Le jazz peut être vu comme une forme de musique contestataire. À l'origine, c'était un moyen pour les esclaves noirs d'exprimer leurs sentiments, leurs pensées et leurs désirs, même s'ils n'avaient aucun droit pendant cette période. C'est pourquoi le jazz est né dans le sud des États-Unis où les esclaves étaient beaucoup plus nombreux que les blancs et où il y avait beaucoup d'oppression.

Le début du hot jazz

Le premier enregistrement de jazz a eu lieu le 12 avril 1917, dans un studio de la Nouvelle-Orléans. Les musiciens étaient un groupe de musiciens blancs de la Nouvelle-Orléans qui s'appelaient l'Original Dixieland Jass Band. Mais, il a commencé à être une tendance musicale qui a commencé dans le milieu des années 1920.

Par la suite, il a émergé dans les années 40 avec des musiciens combinant différents styles de Jazz. Il est aussi appelé Dixieland jazz. Ce style a émergé dans les années 1940 lorsque les musiciens de jazz ont combiné différents styles de jazz pour créer quelque chose de nouveau.

Définition du hot jazz

Le genre du Hot Jazz est un type de jazz avec un côté chaud. Cette musique a beaucoup d'improvisation et de spontanéité, mais elle est aussi très dansante.

On pense que le terme " hot " est dérivé de l'expression " hot as hades " qui était courante dans le blues et les débuts du jazz de l'époque, ou bien de l'enregistrement de Louis Armstrong de 1922 de " Potato Head Blues ".

La raison du succès du hot jazz

Le hot-jazz a d'abord été utilisé pour décrire ce style de jeu par des musiciens comme Louis Armstrong et Sidney Bechet. Il est devenu plus tard un terme générique pour de nombreux types de solos improvisés des années 1930 sur des airs de blues, des mélodies bebop sur des compositions standard et même des airs de swing. Le terme " hot-jazz " est apparu dans les années 1960 lorsque des artistes comme Dizzy Gillespie, Miles Davis et Thelonious Monk étaient à leur apogée. C'était une époque où le bebop faisait place au hard bop, donnant un avantage au jazz.

Jusqu'à présent, le jazz chaud a été principalement dominé par des artistes masculins comme John Coltrane, Charlie Parker et Louis Armstrong. Mais maintenant, des artistes féminines comme Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan et Dinah Washington envahissent également la scène avec leur talent dans ce genre de musique.

Présentation de la ville de chicago

Chicago est une ville avec beaucoup d'histoire et de culture et, par conséquent, elle a de nombreuses influences différentes dans sa musique. Le jazz est un type de musique qui a été influencé par Chicago, puisque le mouvent musical fait partie intégrante de la culture et de la ville. La ville possèdent de nombreux clubs de jazz. Mais, elle possède également une excellente scène pour le blues et la soul. Chicago bénéfica d'un style très diversifié, car la ville regorge de personnes venant de tous horizons pour travailler ou se divertir.

Une situation géographique idéale

Chicago a toujours été le berceau du jazz, grâce à sa situation géographique, Chicago possède une proximité avec deux genres : la country et le gospel. Ces traditions musicales ont eu une forte influence sur les musiciens de jazz depuis le début de l'histoire de Chicago parce que ces genres sont entendus partout.

Histoire du style de Chicago

Le jazz de style Chicago était influent dans les années 1920 et 1930. Il est originaire du jazz de la Nouvelle-Orléans, du blues, de la musique ragtime, de la musique gospel et d'autres styles. Il s'est développé après 1920 lorsque les musiciens ont commencé à jouer avec différents rythmes et tempos. Dans les années 40, il abritait des musiciens de jazz bebop tels que Dizzy Gillespie. Dans les années 1950, la Grande Migration a amené plus d'artistes afro-américains à Chicago, ce qui a contribué au bebop jazz. De plus, des musiciens de jazz célèbres tels que Miles Davis ont enregistré des albums live dans des clubs de Chicago.

Le groupe de jazz de style Chicago

Le Chicago Style Jazz Band a été formé en 1957 pour jouer de la musique de style Chicago. Le groupe était dirigé par le pianiste Johnny Frigo et était souvent rejoint par une section de cuivres. Ils ont joué de nombreuses compositions originales de Benny Goodman, Artie Shaw et Glenn Miller. Le groupe a ensuite joué pendant plusieurs années au Green Mill Cocktail Lounge à Uptown, Chicago avant de se séparer.

Kansas-City

Histoire du style de Kansas-City

Le jazz de style Kansas-City est un style de musique jazz originaire de Kansas City, Missouri. La ville était un centre majeur de la musique jazz, un type de musique populaire originaire des communautés afro-américaines du sud des États-Unis. Il s'appelait à l'origine " KC " Jazz et il a été inventé par les deux disc-jockeys de la station de radio WDAF de KC, Gene Taylor et Eddie Durham.

Définition du style de Kansas-City

Kansas-City est une ville de l'État du Missouri. Il a ses racines dans le blues et le ragtime. Pour être plus précis, il était un croisement entre les styles traditionnels du Dixieland et de la Nouvelle-Orléans avec une forte influence de la musique blues. Ce style de jazz implique généralement " une ligne de basse lourde et ambulante ; des figures mélodiques qui impliquent souvent l'improvisation sur les changements d'accords ; et des modèles d'appel et de réponse où un instrumentiste (généralement le corniste) joue des phrases improvisées tandis que les autres jouent des parties prévisibles."

À bien des égards, c'est une continuation du jazz Dixieland d'après-guerre.Il a également été appelé jazz " de l'autre côté des pistes ", contrairement aux styles plus raffinés du Dixieland ou de la côte ouest.

Le jazz de style swing est une " variation légère de la forme de jazz plus complexe et souvent sombre " qui a émergé dans les années 1920.

Les origines du Swing

Les origines de ce genre musical remontent aux débuts du jazz à la Nouvelle-Orléans. Le style a été développé à Chicago en 1917 par des musiciens qui aimaient jouer de la musique ragtime mais qui souhaitaient ajouter un rythme dansant et rythmé à leurs chansons.

Qu'est-ce-que le Swing ?

Le swing était une danse populaire dans les années 1920 et 1930, ce qui influencé le style de jazz. En effet, ce dernier est un genre de musique jazz qui est généralement rapide et présente un rythme fort. Il a influencé la culture musicale du 20e siècle à nos jours. Ce style est généralement joué avec un big band, ce qui signifie que le groupe est composé de 10 musiciens ou plus. On peut l'entendre dans des chansons d'artistes tels que Louis Armstrong, Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington et Ella Fitzgerald.

Le jazz Gitan

Un gitan est quelqu'un qui n'a pas de domicile permanent. Le mode de vie gitan est né en Europe au Moyen Âge, lorsque de nombreuses personnes ont été déplacées à cause des guerres et d'autres événements. Ce mode de vie est souvent romancé comme insouciant et excitant, mais il a aussi ses défis. L'absence de logement peut avoir un impact psychologique sur les personnes habituées à avoir une vie stable.

Histoire du style gitan

Le jazz primitif était caractérisé par un style d'improvisation qui utilisait les gammes et les modes musicaux de l'Europe, de l'Afrique et d'Haïti - avec leur son distinctif connu sous le nom de " jazz ". Il est possible que cette musique soit née parce que les Afro-Américains vivant dans le Sud n'étaient pas autorisés à jouer des instruments européens, mais devaient plutôt créer quelque chose de nouveau à partir d'objets du quotidien comme des tambours ou des planches à laver. Il est devenu populaire dans les années 1930 et a gagné en popularité pendant la Seconde Guerre mondiale.

Présentation du jazz Gitan

Cette chanson se caractérise par un tempo rapide et un rythme souvent balancé, avec un accent sur l'improvisation rythmique. Il présente de nombreux éléments du jazz, y compris une ligne de basse syncopée ou swing. Le style est généralement associé au jazz et à la musique rom traditionnelle, comme la musique des Balkans, de la Hongrie et de la Turquie. Le mot gitan vient d'une racine signifiant " voyager " en sanskrit. Le nom gitan a été donné à un genre musical originaire d'Europe mais qui a fait le tour du monde.

Histoire du Bebop

Le bebop est l'un des premiers styles de jazz à se développer dans les années 1940. Il se caractérise par des tempos rapides, la virtuosité instrumentale et l'improvisation. Le jazz de style bebop a été conçu à l'origine par Dizzy Gillespie et Charlie Parker, qui l'ont créé comme une alternative au style swing qu'ils jouaient auparavant. Le nouveau style est devenu populaire tout au long des années 1940 et dans les années 1950. Certains airs bebop endiablés incluent " Salt Peanuts ", " A Night in Tunisia ", " Groovin' High " et " Donna Lee ".

Présentation du Bebop

Il se caractérise également par une utilisation croissante de changements d'accords complexes et de fréquents changements de tonalité. Mais aussi, ce style de musique possède des tempos rapides, de l'improvisation et des variations harmoniques. La caractéristique déterminante du Bebop est son emphase sur l'improvisation. Les musiciens sont encouragés à improviser autour de ce qui a été établi par d'autres avant eux plutôt que de simplement jouer ce qui est écrit sur papier ou ce qu'ils étaient. Le terme bebop est dérivé des syllabes absurdes " bip-bop " utilisées par Dizzy Gillespie pour décrire le style.

Le Jazz Vocalese

Histoire du Vocalese

Vocalese est l'utilisation de mots pour créer des mélodies dans le jazz. Le vocalese peut être utilisé avec n'importe quel genre de musique, mais le premier exemple remonte à 1939 lorsque Thelonious Monk a sorti " I Mean You ". Vocalese ne chante pas, mais utilise plutôt des mots pour créer des mélodies.

Le style a été popularisé dans les années 1950 par le chanteur de jazz Jon Hendricks. Il a d'abord connu le succès en tant qu'interprète vocal en utilisant sa voix comme instrument avec une certaine orchestration, et il est devenu connu pour ce style de chant.

Présentation du vocalese

Le vocalese est l'art de superposer des paroles sur un morceau de musique préexistant. On l'appelle aussi " mots-comme-mélodie ". Les chansons de jazz vocal sont généralement chantées par des chanteurs sur de la musique de jazz instrumentale, qui constitue la piste de fond. Les voix sont formulées pour correspondre aux progressions d'accords et aux mélodies des chansons ou des improvisations instrumentales.

Le Vocalese est un style de jazz vocal dans lequel les paroles sont chantées sur la mélodie de chansons instrumentales. Le style de musique a été inventé par le chanteur de jazz Mel Tormé, qu'il a appelé " parler sur la chanson ". Certaines des chanteuses vocales les plus célèbres sont Ella Fitzgerald, Peggy Lee et Carmen McRae.

Le Bossa-Nova est l'un des styles de jazz les plus populaires au Brésil. C'est une forme de jazz douce et moelleuse qui a une forte influence brésilienne.

Histoire du Bossa-Nova

Le style Bossa-Nova a été développé à Rio de Janeiro, au Brésil, au début des années 1960. Il a été influencé par la musique américaine de jazz et de samba qui était populaire à l'époque. La Bossa-Nova se caractérise avant tout par ses rythmes décontractés et ses mélodies douces.

Caractéristique du style Bossa-Nova

La musique de la Bossa-Nova est souvent caractérisée par des mélodies douces, parfois chantées en portugais ou en espagnol, accompagnées de rythmes de bossa-nova. Le son de Bossa-Nova est un son de légèreté et de simplicité (pour contraster avec d'autres styles plus mouvementés) avec des lignes de guitare élégantes jouées sur une guitare à 12 cordes.

Bossa Nova peut être utilisé comme adjectif pour désigner tout type de musique présentant ces caractéristiques. Le terme " bossanovista " ou " bossanoviste " est également utilisé pour

Histoire du Cool Jazz

Le terme " Cool Jazz " a été utilisé pour décrire une forme de musique jazz qui a émergé dans les années 1940. Il s'est développé dans les années 1950. C'est une combinaison de musique classique européenne et de blues afro-américain.

Qu'est-ce que le Cool-Jazz ?

Le Cool-Jazz se caractérise par être plus lent et plus détendu que le Bebop, qui l'a précédé. Ce style a été décrit comme " ayant une sensation détendue qui utilise principalement des tons froids avec des apogées émotionnelles occasionnelles ". C'est un type de musique très décontracté. Il peut être apprécié en courant ou en jouant à des jeux de société avec des amis.

Quand il s'agit de musique cool-jazz, certaines personnes pensent qu'elles n'entendront qu'un son doux. Mais cette musique a en fait des aspects contrastés. Ce style de musique utilise des structures d'accords plus complexes que les autres genres. Le tempo peut varier, mais il y a aussi des tempos plus lents ainsi que des tempos plus rapides sur cette liste de pistes.

Histoire du Hard Bop

Un genre spécifique de musique jazz qui a émergé dans les années 1950. C'est un sytle de jazz très populaire. Le son Hard Bop est né en réaction au cool jazz et il a été noté pour sa qualité graveleuse et soul qui est attribuée aux influences du rhythm and blues.

Caractéristique du Hard Bop

Le hard bop est considéré comme plus agressif, plus complexe et moins sentimental que les styles de jazz précédents. Il se caractérise par des tempos rapides, souvent joués d'affilée sur les quatre temps de la mesure.

Ce style a émergé en réaction à la fadeur perçue du rhythm & blues après la Seconde Guerre mondiale. Le hard bop a également été influencé par le bebop, la musique gospel, la musique afro-cubaine, la musique caribéenne et le blues. Un contributeur majeur au développement de ce style est Miles Davis et son album " Kind of Blue ".

Histoire du Soul Jazz

Il a émergé des bouleversements sociaux et politiques de l'Amérique des années 1960. Les musiciens voulaient créer une musique qui résonnerait auprès du jeune public, d'où l'introduction des instruments électriques. Le soul jazz est souvent comparé au hard bop car les deux styles se caractérisent par des rythmes et des mélodies forts.

Caratéristique du Soul Jazz

Soul Jazz est un mélange de Jazz et de RnB. Il fusionne les influences du gospel afro-américain et de la musique rhythm and blues avec le jazz. Il est généralement plus lent que les autres styles de jazz, il est donc plus difficile à danser. Malgré cela, Soul Jazz a eu plus de succès commercial que d'autres formes de jazz.

Raison de son succès

Il est devenu populaire dans de nombreuses autres parties du monde en dehors de l'Amérique parce qu'il était plus facile à comprendre pour les gens que la musique de jazz traditionnelle.

Le style jazz modal est un type de jazz qui utilise différents accords et improvisations.

Le jazz modal est un type de jazz né dans les années 1950. Il a ses racines dans la musique modale des cultures orientales. Il est aussi parfois appelé West Coast Jazz ou cool jazz, et ne doit pas être confondu avec le New Orleans Jazz qui est communément appelé Dixieland Jazz. Le premier style modal a évolué à partir des expériences du pianiste George Russell avec des gammes autres que les gammes majeures et mineures standard de son instrument. Ces expériences ont conduit à la création d'une échelle modale, qui a ensuite été utilisée par de nombreux autres artistes dans divers styles de jazz.

Dans ce style, les musiciens utilisent différents accords et improvisations, qui ont été caractérisés comme plus complexes que ceux trouvés dans d'autres types de jazz, tels que les styles bebop ou swing. Le jazz modal est un type de musique jazz parfois appelé " jazz de chambre ". Il se caractérise par un manque de centre tonal, ou de tonalité.

Un succès mitigé

Le jazz modal existe depuis des décennies maintenant, mais ce n'est que maintenant que nous commençons à vraiment comprendre et apprécier ses nuances et ses subtilités.

La musique modale est une partie importante de la musique populaire américaine depuis les années 1960, lorsqu'elle a été popularisée par Miles Davis, John Coltrane, Ornette Coleman et d'autres associés au free jazz.

Histoire du Jazz libre

Le free jazz est une forme de musique jazz qui a été lancée dans les années 1950 et 1960. Il se caractérise par un manque de règles et de structure, ce qui permet aux musiciens d'être plus créatifs et improvisés.Beaucoup de gens décriraient le free jazz comme avant-gardiste ou expérimental, car il rompt avec de nombreuses conventions qui caractérisent d'autres formes de musique jazz.

Caractéristique du Jazz libre

Le jazz de style libre est un type de musique jazz caractérisé par une absence de règles et de structures dans la mélodie et l'harmonie.

Il peut être produit avec n'importe quel instrument, l'improvisation est la clé de la musique. L'improvisation dans le jazz de style libre est souvent non structurée ou " en roue libre ".

Raison du succès du jazz libre

Ce style st maintenant l'un des styles les plus populaires du jazz. Elle se caractérise par l'improvisation, qui était moins courante dans les premiers jours de la musique classique. Ila contribué à combler le fossé entre la musique classique et la musique jazz.

Jazz Rock est une fusion de jazz et de rock qui intègre les deux styles.

Caractéristiques du Jazz Rock

Le jazz a longtemps été une musique d'improvisation, mais le jazz rock est basé sur l'idée d'improvisation structurée, ce qui signifie qu'il existe des règles pour l'improvisation. La fusion de ces deux styles est due à l'influence des Beatles sur la culture américaine.

Raison du succès du Jazz Rock

Il a été développé à la fin des années 1950 et au début des années 1960 par des musiciens qui voulaient créer un nouveau son qui plairait à un public jeune et moderne. Ce style de jazz est devenu populaire dans les années 1980 lorsqu'il était joué à un tempo plus rapide que le swing ou le jazz traditionnel.

Raison du succès du Jazz Rock

Beaucoup de gens disent que ce type de musique était très populaire parce qu'il combinait les qualités des deux genres. Pourant, tandis que d'autres disent que sa popularité provenait du fait que pour certaines personnes, il sonnait plus accessible que d'autres types de jazz qui étaient plus lents et plus difficile à jouer.

Histoire du funky

Il existe de nombreux types de musique jazz aujourd'hui, mais la forme originale s'appelle Dixiland Jazz, qui a été créée par des Afro-Américains à la fin des années 1800. Le jazz est un type de musique originaire de la Nouvelle-Orléans. Il a un style funky. Attention, le jazz funky est pour les courageux. Commençons par une petite leçon d'histoire.

Caractéristique du Funky

La musique funky, également appelée jazz, est un type de musique qui existe depuis longtemps. Le jazz a commencé comme un type de musique de danse et était joué par des personnes qui s'appelaient à l'origine des "musiciens de jazz". Les musiciens de jazz formaient une grande famille. Les musiciens improvisaient sur les accords qu'ils jouaient et inventaient différents rythmes pour faire danser les gens. Ils utilisaient souvent leurs propres instruments pour créer de nouveaux sons, ce qui rendait le jazz beaucoup plus intéressant que d'autres types de musique à l'époque.

Histoire du Jazz Latin

La musique Latin Jazz est populaire en Amérique du Sud, en Europe et aux États-Unis.

Le jazz de style latin jazz est un genre de musique jazz qui s'est développé pour la première fois dans les années 1940.

Le jazz de style latin jazz a ses racines dans les rythmes afro-cubains, le blues et le swing. Il a d'abord été développé par Chano Pozo, qui avait travaillé avec le big band de Dizzy Gillespie. La première chanson qu'il a composée pour Gillespie était " El Manisero ", qui est maintenant considéré comme l'hymne du jazz latin.

Caractéristiques du Jazz Latin

Le Latin Jazz est un style de jazz qui combine des éléments de rythmes et de mélodies afro-cubaines avec l'harmonie du jazz. Il est étroitement lié au Cha-cha-cha, au Mambo, à la Rhumba, à la Soca.

Raisons du succès du Jazz Latin

Il existe de nombreux musiciens de jazz latin qui ont acquis une renommée internationale tels que Tito Puente, Celia Cruz et Rubén Blades.

Le Latin Jazz a eu un impact énorme sur le son du jazz au 20ème siècle. Cela avait beaucoup à voir avec les musiciens qui ont grandi à la Nouvelle-Orléans et étaient entourés de rythmes africains et cubains. Ils ont pu mélanger ces styles ensemble et créer un son entièrement nouveau.

Crossover-Jazz

Histoire du Crossover

Le jazz de style crossover-jazz est né dans les années 1970, lorsque les musiciens ont commencé à expérimenter en combinant différents styles musicaux. Il était à l'origine basé sur le jazz fusion contemporain, mais il a depuis pris des influences d'autres types de musique.

Le terme " crossover jazz " a été inventé à l'origine par le musicien de jazz Charles Mingus. Il s'en sert pour décrire la musique de Dizzy Gillespie, qui mélange bebop et rythmes afro-cubains. Il existe de nombreux sous-genres de jazz qui peuvent également être considérés comme des croisements - qui incluent le jazz latin, les styles de big band, la fusion américaine, etc.

Qu'est-ce que le Crossover ?

Un style crossover-jazz est un type de musique qui combine des éléments de différents genres. Cela peut inclure des voix soul chantées sur des riffs de guitare funk ou des battements de batterie hip hop avec une douce mélodie de saxophone, par exemple.

Ce style se caractérise par son utilisation de guitares électriques et de rythmes forts. Parfois, le genre intègre également des éléments de la musique latine, du funk et du R&B afin d'élargir son spectre sonore.

La raison du succès de Crossover

Il est devenu populaire dans les années 1990 parmi les musiciens qui voulaient créer un jazz plus accessible pour des personnes qui n'appréciaient pas toujours le son traditionnel du genre. . Le jazz de style crossover-jazz n'est pas un genre formel en soi, mais peut plutôt être entendu dans certaines chansons trouvées dans d'autres genres.

L' ECM est un style de musique jazz plus influencé par la musique classique.

Histoire du ECM

Ce style a été rendu populaire dans les années 1980 par des musiciens comme Stan Getz, Miles Davis et John McLaughlin. Il est depuis devenu plus courant dans les cercles de jazz grâce à des artistes comme Pat Metheny, Kenny G et bien d'autres qui ont adopté ce style dans leur propre individualité.

Caractéristiques de l'ECM

Le jazz de style ECM est un type de jazz qui a ses racines dans le côté plus classique de la musique. Le jazz de style ECM est caractérisé par l'improvisation, mais c'est différent des autres types de jazz car l'improvisation est souvent guidée par des accords qui sont déjà sur l'enregistrement. Le jazz croisé est une forme de jazz fusion. Le jazz de style ECM utilise des éléments d'ecm et de crossover-jazz. Beaucoup de chansons de jazz de style ECM sont optimistes, rapides et peuvent être considérées comme ayant une sensation de " haute énergie ".

Histoire du Smooth Jazz

Au cours des dernières décennies, le jazz est passé d'un genre joué dans les clubs de jazz à un genre musical plus diversifié. La transformation se produit non seulement en termes de son de la musique, mais aussi de style et de genre. Le jazz de style lisse est une forme de jazz croisé qui a été popularisée par des musiciens tels que Kenny G et David Sanborn. C'est un type de musique doux et moelleux qui peut être entendu sur des stations faciles à écouter. Le smooth jazz est un genre de jazz né de la musique populaire diffusée sur les stations de radio FM à la fin des années 1960.

Définition du Smooth Jazz

Il a beaucoup plus d'attrait commercial que la plupart des autres formes de jazz. Il peut être apprécié par des auditeurs qui ne sont pas familiers avec d'autres types de jazz. Le smooth jazz est un type de musique jazz qui repose sur un style détendu et moins complexe. Il comporte généralement l'utilisation d'instruments électriques.

Raison du succès du Smooth Jazz

Beaucoup de gens écoutent du smooth jazz pour son effet relaxant. Les musicothérapeutes l'utilisent souvent comme musique de fond lors de séances de conseil ou de cours de méditation. C'est aussi très bien pour faire de l'exercice car cela vous aide à vous concentrer sur la course à pied afin de ne pas vous retrouver à vous perdre dans vos pensées sur votre journée ou à stresser à propos du programme de demain.

Histoire du Post-Bop

Le Post-Bop est un style de jazz qui a débuté à la fin des années 50 et au début des années 60. Il est sorti de l'ère Bop et s'appelait " Post-Bop " pour le distinguer du jazz moderne. Le jazz de style Post-Bop existe depuis environ 60 ans maintenant. Il est originaire du Bebop Jazz et a ajouté différents éléments du blues, du gospel et de la soul. Ce style de jazz continue d'évoluer à mesure que de nouveaux musiciens tentent de l'innover davantage.

Qu'est-ce que le Post-Bop ?

Le Post-Bop est connu pour son accent sur l'improvisation et pour s'inspirer de nombreux autres genres tels que le latin, le gospel, le blues et même la musique classique. Il se caractérise par son utilisation d'harmonies, de mélodies et de rythmes du rock'n'roll, du gospel, de la musique soul, de la musique funk, de la musique folk afro-américaine comme le blues et le rhythm and blues. Les musiciens post-Bop se sont souvent éloignés des progressions d'accords traditionnelles et se sont plutôt appuyés sur des motifs rythmiques, ce qui lui a donné un son différent des autres types de styles de jazz.

Histoire de l'Acid-Jazz

Le terme " acid jazz " a été inventé pour la première fois par le présentateur de BBC Radio Gilles Peterson lors de son émission hebdomadaire sur BBC Radio London en 1994. Dans ce programme, il a joué un morceau du Ginger Baker Trio intitulé " Acid Jazz ", qu'il a décrit comme " un nouveau style de musique émergeant d'Amérique. " Plus tard, il a défini l'acid jazz comme étant principalement dérivé de la musique soul des années 1960.

Qu'est-ce que l'Acid-Jazz

Il a ses origines dans les années 1970, lorsque les musiciens ont commencé à combiner leurs influences fondamentales du jazz, du funk et de la soul pour créer de nouveaux sons, infusant souvent des échantillons du travail d'autres artistes dans leurs performances. Il est considéré comme un sous-genre du jazz fusion. Il peut être caractérisé par une utilisation intensive de synthétiseurs et d'instruments électroniques.

Le Nu-Jazz est un genre de jazz qui a débuté dans les années 1980. Il est étroitement lié à l'acid jazz. Le terme Nu-Jazz est apparu dans les années 1990 pour illustrer une nouvelle façon de jouer du jazz où beaucoup d'improvisation est impliquée et il n'y a pas de frontières. Le jazz de style nu-jazz est une fusion de jazz, de funk, de rock et de musique électronique. Des groupes comme Incognito et Jazz Warriors expérimentaient des styles d'improvisation.

Qu'est-ce que le Nu-Jazz ?

Le genre comprend une instrumentation comprenant des claviers électroniques, des synthétiseurs, des boîtes à rythmes, des percussions et des basses électriques.

Le mot " nu " a été utilisé pour le distinguer du smooth jazz, également connu sous le nom de " West Coast Jazz ". Il le distingue également du jazz progressif ou du jazz fusion. Ainsi, le terme " nu " implique toute musique nouvelle pour l'auditeur.

Caractéristique du Trip-Hop

Le trip-hop est un sous-genre de la musique électronique né au début des années 1990 en Angleterre et qui s'inspire du jazz et du hip-hop. Le trip-hop a évolué pour ressembler davantage à de la musique jazz avec son son profond et résonnant. Le trip-hop se compose généralement de rythmes lourds, de lignes de basse et de synthétiseurs. Les chansons sont souvent réglées sur un tempo lent et ont des voix profondes et réconfortantes avec des effets effrayants. Il a été décrit comme " electronica acoustique " ou " hip hop pour l'intellect ".

Chanteurs et groupes utilisant ce style

Le terme trip-hop est dérivé du nom de l'album de 1996 de DJ Shadow " Endtroducing ... ". L'album a été noté pour l'utilisation d'échantillons de musique de rue urbaine pour créer " des paysages sonores maussades de faible intensité qui évoquent des sentiments d'isolement et de solitude ". Des groupes comme Massive Attack, Portishead et Tricky ont combiné des éléments musicaux du hip-hop américain, du dub jamaïcain, du breakbeat et de l'acid house avec du rock anglais à base de guitare.

Certains des contributeurs les plus connus au trip hop sont Massive Attack, Portishead, Tricky, DJ Shadow

Un regain de popularité

Ces derniers temps, il a été noté que les chansons trip-hop sont revenues en popularité. Cela se voit à travers le nombre croissant de remix d'artistes hip hop tels que Drake et Travis Scott, qui utilisent des éléments trip-hop dans leur musique pour obtenir un son nostalgique.

Le Post-Modernes
Qu'est-ce que le post-modernes en musique ?
La musique post-moderne était une rupture avec les styles modernes avant elle. Le jazz est un style de musique fortement influencé par la musique post-moderne.La chose intéressante à propos du post-modernisme est qu'il n'y a pas vraiment d'ensemble de règles ou de lignes directrices spécifiques sur ce que devraient être l'art et la littérature post-modernes.

C'est plus une attitude qu'autre chose. Les post-modernistes ont adopté cette attitude pour montrer à quel point les attitudes modernistes étaient parfois ridicules et pour briser certaines frontières entre différentes formes d'art et de médias, comme mélanger des visuels avec du texte ou jouer différents types de musique ensemble en un seul morceau. Après la Seconde Guerre mondiale, les musiciens ont trouvé de nouvelles idées dans la musique classique, les musiques de films, les airs de spectacles de Broadway, le raga indien et la bossa nova brésilienne.

Histoire du post-modernisme

Le post-modernisme dans l'art et la littérature existe depuis les années 1920, mais il n'a frappé la scène musicale que bien plus tard - dans les années 1970. L'ère post-moderne est une période de défi pour les musiciens de jazz. Ils doivent trouver de nouveaux styles et techniques pour rester pertinents. Une façon est de fusionner le jazz avec d'autres genres comme la pop ou le rock, qui était très populaire dans les années 1980. Une autre façon est de trouver l'inspiration dans des endroits improbables.

L'histoire du jazz remonte à la fin des années 1800, lorsque les Noirs américains ont essayé de jouer des chansons folkloriques de style européen en utilisant des instruments qu'ils avaient apportés d'Afrique de l'Ouest.

Qu'est-ce que le post-modernisme ?

La musique postmoderne se caractérise par un retour à des modes d'expression issus des traditions musicales afro-américaines telles que le gospel, le blues et le jazz. Le style postmoderne utilise des motifs rythmiques complexes, souvent avec des aspects de rhythm and blues ou d'improvisation jazz. Il comporte également un fort battement arrière ou une syncope sur le contretemps.

Il a été popularisé par des musiciens comme The Dave Matthews Band, The Allman Brothers Band, The Grateful Dead et Cream, Miles Davis, Herbie Hancock et Thelonious Monk.

Le Jazz Europeen

Histoire du jazz européen

Le jazz aété apporté en Europe par des militaires afro-américains pendant la Première Guerre mondiale, ainsi que par des musiciens venus à Paris avec la Renaissance de Harlem.

À ses débuts, le jazz était souvent appelé " ragtime " ou " Dixieland ". Les premiers enregistrements de jazz datent de 1917. Les années 1920 voient le jazz s'imposer comme une forme d'expression musicale majeure, dans toute l'Europe et l'Amérique.Le jazz européen est un style de jazz qui comprend de nombreux types de musique différents. Cela a commencé au début des années 1900 et est toujours aussi fort aujourd'hui.

Origines du Jazz Europeen

Il existe de nombreuses origines différentes du jazz, mais le style que nous connaissons sous le nom de jazz européen est originaire de pays tels que la Pologne, la Bulgarie, la Hongrie, la Tchécoslovaquie et la Roumanie.

Raison du succès de ce style

Dans la seconde moitié du 20e siècle, de nombreux musiciens de jazz se sont rendus en Europe pour jouer leur musique. Ils ont été influencés par différents types de musique et ils ont mélangé les différents styles. Par exemple, certains musiciens venus de Belgique ont voulu combiner les rythmes européens et africains avec le jazz américain.

En Europe, il y a aussi beaucoup plus de gens qui jouent du 'jazz' au coin des rues. Ils n'ont peut-être pas été formellement formés aux instruments classiques, mais ils jouent toujours avec dévouement et passion pour ce qu'ils aiment le plus faire - jouer du jazz. Les Européens jouent du jazz aujourd'hui plus souvent que jamais. Cela est dû à divers facteurs, notamment les événements mondiaux, des informations plus accessibles sur le jazz à travers des enregistrements, des films, la télévision et Internet, des compétences accrues de musiciens d'autres cultures qui sont plus disposés à le jouer parce qu'ils le voient comme un style avec des possibilités pour eux. , et un intérêt accru chez les jeunes qui ont vu " Miles Ahead " ou " Miles Davis Biopic de Don Cheadle ".

Le style world-jazz est un mélange de jazz et d'autres types de musique du monde entier.

Histoire du style World-Jazz

Le style World-Jazz a été joué pour la première fois dans les boîtes de nuit en Amérique dans les années 1960 et 1970. Le genre a fait ses débuts dans les années 1990 en France avec les débuts du Festival des musiques du monde à Avignon.

Caractéristiques du style World-Jazz

Le world-jazz est un genre de musique jazz qui a émergé du phénomène mondial du jazz. Il a été décrit comme " une fusion de styles musicaux occidentaux et non occidentaux, populaires et folkloriques, anciens et modernes ".

C'est un type de jazz unique, qui a été créé en combinant des éléments de musique africaine, latino-américaine, européenne, moyen-orientale et asiatique. Le style world-jazz est un mélange de jazz, de musique folklorique et de musique du monde. Il est populaire en Europe et en Afrique.

Vos questions régulieres sur les styles de jazz

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Tout ce qu'il faut savoir sur tous les styles de Jazz

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Vous ne connaissez pas les différents styles de Jazz ? Grâce à mon dossier complet, vous les connaîtrez sur le bout des doigts.

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My Favorite Things - John Coltrane [FULL VERSION] HQ

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Cecil Taylor

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Herbie Hangcock