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Musica e scienza

Il pensiero scientifico europeo non è pensabile in termini storico-culturali senza la musica. L'arte dei suoni ha avuto nella cultura europea una storia peculiare, molto diversa dalla storia delle arti visive, performative e mediali, con le quali condivide oggigiorno i curricula accademici e le scene pubbliche. Nelle grandi tassonomie occidentali del sapere, dai Greci al Settecento, la musica ha trovato stabile collocazione accanto alle scienze esatte: associata nella cultura greco-latina ad astronomia e aritmetica, nel quadrivio dell'università medievale la musica è una delle scienze della quantità, con aritmetica, geometria e astronomia, mentre nelle moderne enciclopedie del sapere, da Francis Bacon a Jean Baptiste Le Rond D'Alembert, la scienza del suono è affiancata alle discipline fisico-matematiche nello studio della natura (Cristiani 2007; Gozza 2002). In virtù di questa particolare posizione, la musica ha contribuito per oltre due millenni a costruire l'immagine scientifica del mondo e dell'uomo propria del sapere occidentale. Solo a partire dalla seconda metà del Settecento e poi per tutto l'Ottocento, la musica come scienza ha perduto il proprio primato a vantaggio del concetto attuale della musica come arte, apparentata alle discipline sorelle con le quali dal Romanticismo condivide l'immaginario artistico europeo (Gozza, Serravezza 2004).

Il concetto che più d'ogni altro identifica la musica e ne lascia intuire l'impronta sulla cultura europea è quello di harmonia, armonia, la rinascimentale discordia concors (Spitzer 1963).

Per la metafisica moderna inaugurata da Niccolò Cusano (1400/1401-1464), la mente umana è l'immagine terrena della Mente musicale di Dio: arti e saperi ideati dall'uomo testimoniano la legge musicale con cui Dio ha accordato le parti potenzialmente conflittuali del cosmo e dell'uomo. Nella cultura moderna la musica è un sapere eteronomo (non conosce il principio romantico dell'autonomia dell'arte) e non è autoreferenziale: ha fuori di sé un oggetto (il mondo) e un fine (la formazione dell'uomo).

Il Cinquecento

L'apporto della musica al pensiero scientifico europeo nel corso del Cinquecento ha come premessa il 'ritorno dell'antico', che in musica si riassume nello studio degli scrittori musicali greci e latini conosciuti solo indirettamente dalla cultura medievale (Walker 1985; Gallo 1989). Annunciato fin nel titolo di due dei maggiori trattati di musica rinascimentale pubblicati in Italia, L'antica musica ridotta alla moderna prattica (1555) di Nicola Vicentino (1511-1576), e il Dialogo della musica antica et della moderna (1581) di Vincenzo Galilei (1520-1591), il 'ritorno dell'antico' inaugura la dialettica tra l'autorità del passato e la necessità del presente: la prassi musicale polifonica sconosciuta alle epoche precedenti è messa a confronto con i modelli teorico-musicali antichi. Dalla metà del Quattrocento e nel corso del Cinquecento in Italia lo studio degli antichi scrittori di musica muta radicalmente il sapere musicale europeo.

L'apporto più duraturo della cultura musicale italiana del 16° sec. al pensiero scientifico europeo è la riscoperta dell'idea classica di armonia, declinata in ogni ambito del sapere (cfr. Spitzer 1963). L'assunzione dell'armonia come legge 'musicale' della realtà e della conoscenza perpetua e rinnova il vincolo tra musicologia e scienza (e filosofia), che è uno dei pilastri dell'immagine occidentale del mondo e dell'uomo (v. oltre Il ritorno dell'antico). Il contributo della cultura musicale italiana del Rinascimento al pensiero scientifico europeo si palesa poi nella crisi a fine Cinquecento della secolare egemonia dell'aritmetica e del numero all'interno delle discipline matematiche. Si tratta della fatale perdita di primato del numero sonoro, e quindi dell'aritmetica, all'interno della teoria musicale, e della conseguente affermazione della quantità continua e della geometria nel programma moderno di quantificazione dei fenomeni, musicali e non (v. oltre Dal numero sonoro al corpo sonoro).

Dalla teoria musicale italiana di fine Cinquecento, la crisi del numero si riflette sugli equilibri secolari delle contigue scienze della quantità, in primis sull'astronomia (disciplina sorella della musica fin dalla Repubblica e dal Timeo di Platone), e anticipa il transito dal numero al suono, dalla matematica musicale di derivazione pitagorica alla scienza musicale meccanicistica dei moderni (v. oltre Il Seicento). Infine, il passaggio epocale dal Rinascimento alla scienza moderna è annunciato nella cultura musicale italiana di fine Cinquecento dalla rinnovata tensione dialettica tra natura e arte. Il conflitto tra modelli metafisici e costrutti antropologici incrina le tradizionali gerarchie assiologiche della cultura musicale, e conferisce valore e significati nuovi all'artificio e alle tecniche artistiche nella loro autonomia dall'eterno dettato della natura (v. oltre Natura e arte).

Il ritorno dell'antico

Sul piano delle idee scientifiche e filosofiche, la ricezione delle fonti musicali greche e latine rinnova la continuità e i contenuti speculativi della tradizione matematico-musicale, che da Pitagora e Platone giunge attraverso Boezio e i commentari medievali fino a Cusano, Franchino Gaffurio e Marsilio Ficino (Gallo 1989). Al centro della visione matematico-musicale del mondo sta il Numero come strumento di conoscenza del cosmo e dell'uomo.

Nella metafisica di Cusano il numero è il principio che consente di pensare la realtà. La Mente divina numera: "mente si dice dalla memoria; mente si dice dalla misura". Immagine della Mente divina, la mente umana numera e ordina le cose in quanto il numero della nostra mente è l'immagine del numero divino:

Anzi, se guardo più acutamente, vedo che l'unità composta del numero è come l'ottava, la quinta e la quarta nelle unità armoniche. Il rapporto armonico è l'unità che non può essere compresa senza il numero (N. Cusano, Dialoghi dell'idiota, in Id., Opere filosofiche, a cura di G. Federici-Vescovini, 1972, p. 483).

Il numero manifesta compiutamente la propria potenza unificatrice del reale nell'armonia musicale di voci discordi, accordate dal legame aureo della proporzione. L'armonia, in senso metafisico e antropologico, è il vincolo delle cose e delle menti, l'emblema musicale dell'essere. Gioseffo Zarlino (1517-1590), nel capitolo V de Le istitutioni armoniche (1558), sulla definizione della musica, riprende la filosofia presocratica per ribadire che:

in universale parlando, dico che musica, pigliata nella sua analogia o proporzione, non è altro che armonia; e potemo dire ch'ella sia quella lite e amicizia che poneva Empedocle, della quale voleva che si generassero tutte le cose, cioè una discordante concordia, come sarebe dire, concordia de varie cose le quali si possono congiungere insieme (G. Zarlino, Le istitutioni harmoniche, a cura di S. Urbani, 2011, p. 35).

Solo una cultura totalmente identificata con il sapere parcellizzato attuale, incapace di sottendere l'uomo al movimento della conoscenza, può pensare che il concetto moderno di armonia come logica degli accordi musicali abbia emancipato la musica dalle concezioni metafisiche e cosmologiche del passato, le quali avrebbero ritardato o addirittura impedito, in musica come in cosmologia, il progresso della scienza. È invece vero che l'idea classica di armonia ha indicato nell'unità e nella coesione della natura e dell'uomo l'orizzonte di senso del pensiero scientifico moderno, com'è altrettanto vero che il moderno concetto di armonia è subalterno alla frammentazione di un sapere che non è in grado di accordare perché ha perduto di vista l'uomo.

Dal numero sonoro al corpo sonoro

L'origine del sapere musicale occidentale si perde nel mito: il mito del ritrovamento pitagorico delle consonanze musicali. Da Nicomaco di Gerasa (1°-2° sec.), la favola di Pitagora è celebrata dagli scrittori di musica di tutte le età come l'atto di fondazione della scienza musicale. Nel VII capitolo del De institutione musica, Boezio tratteggia Pitagora assorto nella febbrile ricerca "del calcolo per il quale giungere ad apprezzare i valori delle consonanze" ( De institutione musica, cit., p. 301). Pitagora è sedotto dall'accordo di suoni diversi, e cerca e trova nei rapporti dei pesi dei martelli la spiegazione del loro diverso effetto acustico: i pesi dei martelli le cui sonorità producono sull'udito un'impressione piacevole sono tra loro in rapporto di numeri interi semplici (da 1 a 4); se invece il rapporto è definito da numeri maggiori, come nel caso dei due martelli con pesi in rapporto di 9 a 8, l'udito avverte il suono risultante come sgradevole, tale da distruggere l'armonia precedente. Nell'esperimento dei martelli i suoni vengono 'pesati', quantificati e, infine, ridefiniti come numeri sonori. Pitagora crea altre situazioni sperimentali per trovare conferma al verdetto dei martelli: altri corpi sonori sono da lui interrogati, ma in ciascuna delle diverse situazioni sperimentali la costante sono i piccoli numeri interi che da quell' incipit favoloso definiscono le misure perfette dei suoni musicali consonanti valevoli in ogni epoca per ogni voce o strumento e per ogni orecchio.

La millenaria tradizione dell'aritmetica armonica pitagorica verrà qualificata nel 1619 da Johannes Kepler (1571-1630) con l'espressione di tirannia musicale ( tyrannis ista harmonica): tirannia del numero nel calcolo delle grandezze musicali, cui Kepler contrappone la misura degli intervalli musicali attraverso la quantità continua della geometria ("l'intervallo infatti non è ente naturale, ma geometrico": J. Kepler, Harmonices mundi libri V, 1619, rist. anast. 1969, p. 8). Ma il compimento del numero sonoro nello studio scientifico della musica ha un precedente tanto illustre quanto sorprendente negli scritti di Zarlino posteriori alle Istitutioni harmoniche: nelle Dimostrationi harmoniche (1571) e soprattutto nei Sopplimenti musicali (1588).

Lo strumento che negli scritti di Zarlino attua il passaggio dal numero sonoro dell'aritmetica al corpo sonoro e alla quantità continua della geometria è lo strumento di computo degli intervalli musicali in uso fin dai tempi di Pitagora, il monocordo: una corda metallica su un supporto ligneo cui è fissata agli estremi, avente un ponticello mobile per la divisione della corda lungo la sua lunghezza.

Il principio della quantificazione proporzionale dei suoni sul monocordo è definito da Zarlino con una formula ricorrente nella scienza del suono:

Tirata una corda equale [ i.e., dello stesso materiale, tensione e sezione trasversale], quella proporzione, che si trova da spacio a spacio, quella istessa sia da suono a suono (G. Zarlino, Dimostrationi harmoniche, cit., p. 147).

La misura degli intervalli musicali operata sul monocordo è fondata sull'analogia tra suono e linea, tra l'altezza della nota e la sua rappresentazione geometrica. Dall'analogia scientifica tra il suono e la lunghezza della corda che lo emette deriva il principio della divisione della corda come principio generatore dei suoni e dei loro rapporti matematici: come ogni divisione della corda contiene le corde minori e non le corde maggiori, allo stesso modo ogni suono contiene tutti i suoni più acuti e non i suoni più gravi. In breve, il monocordo è la procedura che consente a Zarlino di diminuire la distanza tra numeri e corpi sonori, tra le quantità astratte dell'aritmetica e i corpi artificiali o naturali (le voci) che attuano i suoni della musica, trasportando, come è stato scritto, "la musica 'fuori del numero'" (Mambella 2008, p. 230).

In questo cruciale passaggio epistemologico assume un significato esemplare l'assunzione di Zarlino del corpo solido (il cubo) come emblema personale e come rappresentazione adeguata del suono musicale.

Nella posteriore Impresa del molto rev. Gioseffo Zarlino da Chioggia (1604), Giovanni Maria Artusi (1540-1613) mostrerà che l'armonia ha ormai assunto per Zarlino l'effigie di un solido regolare, il cubo quale fonte e origine di ogni armonia. L'emblema di Zarlino fa parte della compagine dei poliedri regolari del Timeo di Platone, mediante i quali Kepler costruisce l'universo geometrico-musicale nato dalla rivoluzione polifonica medievale e dalla rivoluzione astronomica moderna. Il transito dall'aritmetica alla geometria in musica è così anche il transito della musica a un'astronomia riformata, la quale nelle leggi armoniche del moto dei corpi celesti celebra le leggi del contrappunto terrestre.

Natura e arte

La "musica [che] si canta oggi" non è per Zarlino creazione dell'uomo, una "cosa dell'arte": è il prodotto delle leggi della natura che la scienza manifesta e "registra", e l'arte musicale imita. Il primato metafisico della natura sull'arte che ne imita la perfezione è compendiata dalla distinzione tra naturale e artificiale che nelle Istitutioni Zarlino riferisce ai corpi sonori. "Naturale", nel senso di prodotto da "Madre Natura, Istrumento del grande Iddio", è per Zarlino la voce umana, che intona naturalmente le forme universali delle consonanze musicali scolpite dal divino musico negli organi fonatori dell'uomo (Walker 1978, pp. 14-26). Corpi sonori artificiali sono invece gli strumenti ( da fiato, da chorde, da battere), che sono costruiti dall'uomo e che riproducono solo in maniera parziale e limitata la perfezione della voce.

La rappresentazione della musica sub specie naturae, attraverso la quale Zarlino innerva la scienza musicale nei moduli della metafisica platonico-cristiana rinnovata da Cusano, deve sopportare al passaggio del secolo la critica 'illuministica' del padre di Galileo, Vincenzo Galilei, paladino dei diritti dell'arte patrocinata dalle avanguardie accademiche fiorentine fin de siècle. Alla "ben'ordinata Natura" di Zarlino, che suggerisce all'orecchio dell'uomo "le consonanze nelle lor vere Forme & Naturali", e ha voluto che

col mezo dell'arteficio cotali Forme si trovassero, come registrate nelle cose naturali, a perpetua memoria, collocate per ordine, secondo i Gradi loro ne i loro propri luoghi; acciocché l'Huomo conoscesse, che non fussero state fatte à caso; ma ordinate con gran sapienza & non senza gran misterio (G. Zarlino, Sopplimenti musicali, cit., p. 97),

Vincenzo Galilei contrappone l'immagine di una natura che procede "senza cognitione", con principi e fini estranei all'arte umana, e contro la 'natura' di Zarlino innalza la poiësis umana, l'arte meccanica ideata dall'uomo per conseguire un fine diverso dalla natura, o che la natura non può conseguire.

Alla Physica e agli Analytica posteriora di Aristotele, e al Commentarius in primum Euclidis Elementorum librum di Proclo, i testi dei matematici veneti vicini a Zarlino, Vincenzo Galilei oppone il Libro VIII della Politica, la Poetica, la Retorica e i Problemata, i testi aristotelici o attribuiti ad Aristotele letti, commentati e discussi dagli umanisti e accademici fiorentini.

Sullo sfondo storico-culturale sempre attuale del 'ritorno dell'antico', ridurre l'antica musica alla prassi musicale moderna significa allora per Vincenzo Galilei rivivere nella monodia delle avanguardie musicali accademiche l'espressività della musica degli antichi (il mito dei "maravigliosi effetti della musica antica") compromessa dalla polifonia di cui Zarlino è il custode e il teorico. Per Galilei "il fine della musica è l'esser'udita", pertanto "le regole dei moderni contrappuntisti osservate come leggi inviolabili [...] saranno tutte di diretto contrarie alla perfettione" (V. Galilei, Dialogo della musica antica et della moderna, 1581, p. 81). Il fine dell'arte è per Galilei l'espressione ("esprimere con efficacia maggiore i concetti dell'animo") e la comunicazione ("imprimergli secondariamente con pari forza nelle menti de mortali"). La natura, sostiene ancora Galilei, segue sempre il medesimo corso senza deviazioni, l'arte umana muta sempre, è il progettare e far venire all'essere cose che possono essere e non essere, il cui principio è in chi produce. La natura e l'arte hanno dunque fini diversi, e nel perseguire i propri fini particolari l'arte supera con le proprie tecniche la natura.

La discussione su natura e arte animata sul finire del Cinquecento da Zarlino e da Galilei è un punto di cesura del Rinascimento, non soltanto musicale. Nella prima metà del Seicento il figlio di Vincenzo, Galileo Galilei, unifica nella scienza musicale ormai riformata i principi della natura e i principi della meccanica che il padre ha diviso, e per la prima volta la fisico-matematica inaugura il transito della musica dal numero e dalla geometria alla fisica e all'acustica dei corpi sonori.

Il Seicento

La scienza musicale in Italia nel corso del 17° sec. segue percorsi e traguardi lontani dal momento 'eroico' del periodo rinascimentale. Nessuno dei motivi che avevano caratterizzato il Cinquecento viene abbandonato dalla cultura musicale italiana del nuovo secolo (Gozza 1986 e 2002), tuttavia altri interessi scientifici prendono il sopravvento e piegano in una direzione nuova i precedenti problemi. Il pensiero musicale italiano del Seicento, e più in generale europeo, è forse meglio riassunto nella formula dal numero al suono ( Number to sound, 2000). L'espressione indica il passaggio da un sapere musicale di impianto puramente matematico, incentrato sulla quantità - discreta (il numero) o continua (la grandezza della geometria) - separata dalle materie sonore, a un sapere fisico-matematico interessato a cogliere nella natura e nel moto vibratorio dei corpi sonori la validità delle quantificazioni musicali.

Non è il rigetto della tradizione matematico-musicale pitagorica riformata da Zarlino, ma la sua attuazione ed estensione in rerum natura, nelle leggi acustiche dei corpi sonori, naturali e artificiali. Il nuovo orizzonte di pensiero prevede l'osservazione e lo studio, mai prima così intenso e sistematico, della natura fisica del suono, musicale e non: osservazioni e misurazioni sulla natura del suono, sulla sua propagazione nell'aria anche attraverso il parallelo tra luce e suono, ottica e acustica; problemi di percezione del suono, indagini anatomiche e, infine, tentativi di trovare il fondamento fisico della tradizionale teoria della consonanza di impianto numerico (Cohen 1984).

Empirismo scientifico

Zarlino intendeva portare la teoria musicale in prossimità del corpo sonoro, facendo uscire la musica dal numero. Questo transito è reso possibile in Zarlino dalla geometria ed è fondato sull'analogia tra suono e linea, tra l'altezza della nota e la lunghezza della corda che la emette. Tuttavia, la corda di Zarlino (e, prima di lui, di Ludovico Fogliani e degli altri teorici monocordisti, fino al giovane René Descartes) è una grandezza geometrica, ideale: la sua unica proprietà è la lunghezza, ed è del tutto priva di materia, peso specifico, volume, tensione. Inoltre questa corda geometrica è orfana del moto vibratorio che caratterizza il suono. È precisamente l'osservazione di queste proprietà fisiche della corda vibrante che assume importanza nello studio del suono e della musica dopo la stagione rinascimentale.

Già Vincenzo Galilei, nella sua astiosa polemica contro Zarlino, intende mostrare l'"errore di Pitagora" e dei suoi seguaci con argomentazioni desunte dall'esperienza, "madre di tutte le cose". Galilei compie l'osservazione decisiva che i rapporti numerici delle consonanze musicali definiti come relazioni tra le altezze e la diversa lunghezza delle corde non sono validi universalmente. L'osservazione dimostra infatti che, se si considerano le tensioni delle corde, i rapporti delle consonanze sono definiti da proporzioni di numeri inversi al quadrato, non semplici (per una quinta, do-sol, il rapporto è 9:4, non 2:3). La tensione della corda non è la sola variabile fisica studiata sperimentalmente da Galilei, che prende in considerazione anche la diversa materia delle corde sonore, studia la produzione dell'unisono in corpi metallici, misura il rapporto tra la lunghezza delle canne d'organo e l'altezza della nota che producono (Palisca 1989, pp. 180-207).

Le osservazioni e le curiosità sperimentali di Vincenzo Galilei anticipano l'orientamento della filosofia naturale del suono nel corso del Seicento, in primis di Galileo Galilei. Per comprendere il nuovo orientamento della scienza musicale moderna è forse utile sottolineare un'altra proprietà dell'oggetto d'indagine, la corda sonora. In Vincenzo la corda sonora acquista proprietà prima trascurate: materia, tensione, sezione trasversale. Le manca il movimento. È il matematico Giovanni Battista Benedetti (1530-1590) ad associare i numeri sonori al moto oscillatorio del corpo risonante, giungendo all'importante conclusione che il numero delle vibrazioni del corpo sonoro nell'unità di tempo (la frequenza) è inversamente proporzionale alla lunghezza della corda vibrante (G.B. Benedetti, Diversarum speculationum mathematicarum et physicarum liber, 1585, pp. 277-83). Associando i rapporti numerici delle consonanze alle vibrazioni della corda sonora, Benedetti non assume i numeri astrattamente, ma come misurazione e quantificazione dell'evento fisico, in questo caso le vibrazioni del corpo sonoro.

Prima di Benedetti, Girolamo Fracastoro aveva illustrato l'azione dell'aria nella trasmissione del suono e aveva applicato il modello della rarefazione e della compressione al problema acustico della risonanza simpatetica. Una volta accertato che il moto del suono nell'aria è di tipo ondulatorio, prodotto dall'alternanza delle compressioni e delle rarefazioni dell'aria, la risonanza simpatetica di due corde di ugual lunghezza e tensione non è più un mistero: in Fracastoro essa è il risultato della compressione data all'aria dalla prima corda e comunicata alla seconda corda. Quando cessa l'impulso perché alla compressione dell'aria subentra subito la rarefazione, anche la seconda corda, in simpatia con la prima, ritorna alla posizione di equilibrio (G. Fracastoro, De sympathia et antipathia rerum liber unus, 1546, cap. 11).

Per capire la portata dell'orientamento inaugurato da Benedetti e da Fracastoro, vale forse la pena richiamare l'osservazione fatta mezzo secolo più tardi da Marin Mersenne (1588-1648), quando la scienza del suono è ormai saldamente ancorata alle dimostrazioni fisico-matematiche desunte dall'esperimento. Scrive Mersenne che il numero sonoro non è quello che i matematici considerano in astratto, "absque materia": quel numero infatti non genera il suono. Per Mersenne e Galilei il numero sonoro definisce ora "il numero dei movimenti [...] ossia delle vibrazioni dell'aria, dalle quali l'udito può essere affetto e mosso" (M. Mersenne, Cogitata physico-mathematica, 1644, p. 261). Si tratta di un vero e proprio programma di ricerche che ridefiniscono gli ambiti della moderna scienza del suono.

Assumendo come ideale punto di partenza la teoria di Benedetti, i filosofi naturali del Seicento interessati al suono e alla musica cercano di dare evidenza sperimentale e dimostrativa al rapporto istituito ma non dimostrato da Benedetti tra l'altezza di una nota e la frequenza delle vibrazioni che la generano, cercando di unificare in un'unica legge fisico-matematica tutte le variabili acustiche interessate (legge di Mersenne). I filosofi naturali moderni impiegano inoltre originali teorie meccanicistiche della materia per spiegare la natura del suono, la sua propagazione nell'aria e in altri mezzi, ponendo le basi teoriche e sperimentali della 'teoria ondulatoria' di fine secolo. Infine, nel quadro di particolari premesse metafisiche, relative all'interazione mente-corpo, viene avviata l'indagine degli elementi anatomici e delle funzioni psico-fisiologiche responsabili nel soggetto del piacere delle consonanze musicali e dei loro effetti sulle passioni dell'anima. Questi orientamenti della moderna scienza europea del suono sono presenti, con risultati diversi, anche nella cultura scientifica italiana che, nel Seicento, vede la presenza di due scuole, gesuitica e galileiana, diversamente orientate anche nella scienza del suono.

La scienza musicale dei gesuiti

Gli scritti sulla scienza del suono dei matematici gesuiti del Seicento attivi nelle istituzioni di ricerca in Italia, da Giuseppe Biancani ad Athanasius Kircher, non attingono mai, con le eccezioni di Francesco Maria Grimaldi e Daniello Bartoli, il piano delle osservazioni e delle sensate esperienze fondamentali per lo studio della natura fisica del suono. Le indagini acustiche dei matematici gesuiti sono invece principalmente orientate allo studio geometrico delle leggi della propagazione e della riflessione del suono nell'aria. All'iniziale programma scientifico di Biancani e di Mario Bettini di definire la struttura dimostrativa dell'acustica sul modello dell'ottica geometrica, negli scritti di Kircher a partire dalla metà del Seicento si sovrappone l'intento ideologico, che finalizza le leggi del suono riflesso a un effetto estetico-edonistico di spossessamento. Soltanto nell'opera di Grimaldi e di Bartoli la scienza del suono nella scuola gesuitica acquista, pur con risultati contraddittori, uno statuto sperimentale fondato sulle osservazioni come si danno nell'esperienza e nell'esperimento, rinunciando alla pretesa di ingabbiarne la natura nelle definizioni e nei corollari matematici.

La geometrizzazione del suono operata dai matematici gesuiti perfeziona la costruzione matematico-musicale del mondo iniziata con la teoria pitagorica della consonanza. Il suono come quantità discreta, oggetto della musica quale scienza del numero sonoro subalternata all'aritmetica, è ora affiancato dal suono come quantità continua, oggetto della sonimetrica quale scienza della voce continua subalternata alla geometria, una vetusta distinzione di Aristosseno riproposta da Bettini (1584-1657) nella sua enciclopedia delle discipline matematiche:

Quella parte della Filosofia Matematica, che verte sulle teorie del numero sonoro mediante la proporzione, si chiama Musica teorica; in modo analogo, si può chiamare Sonimetrica quella parte della Filosofia Matematica, che si occupa delle linee sonore, o voci continuate (M. Bettini, Apiaria universae philosophiae mathematicae, 1642, p. 2).

Oggetto di ricerca scientifica, il suono è nel Seicento occasione di osservazioni curiose e strumento di intrattenimento. Invisibile e incontenibile, in grado di occupare violentemente in pochi istanti spazi ampi e profondi, di superare agilmente qualsiasi ostacolo e commuovere quanto si trova dentro la propria sfera, il suono dà le ali all'immaginazione del letterato barocco: da un lato stimola lo sfruttamento dei ricchi giacimenti sonori della natura, dall'altro ispira una tecnologia innovativa, un'arte della macchinazione fonica con finalità socioantropologiche ed estetiche, nel cui sistema concettuale e pratico rientra anche la musica.

L'utopia fonurgica immaginata da Kircher (1602-1680), in particolare nella Phonurgia nova (1673), invade con il suono gli spazi più disparati della società moderna: la sonometrica misura l'ambiente, perfeziona la comunicazione a distanza e inaugura lo spionaggio acustico; l'architettura musicale progetta spazi urbani per la mise en scène di eventi sonori peregrini, è laboratorio di anamorfosi acustiche che affiancano le ingannevoli prospettive ottiche delle abitazioni e dei giardini aristocratici, costruisce sale da concerto e teatri le cui forme rotonde, ellittiche o paraboliche sembrano plasmate appositamente per accogliere e potenziare gli eventi sonori. La fonoscopia inaugura lo studio antropologico dei temperamenti attraverso i timbri vocali, e la fonurgia iatrica è la terapia musicale delle sofferenze umane. Nelle creazioni fantastiche dell'immaginario kircheriano, il suono è pensato come un'energia capace di modellare l'esterno e l'interno dei corpi, una potenza plastica da imbrigliare con arte. In questa nuova tecnologia sonora si consuma il conjugium mechanico-physicum artis et naturae paranympha phonosophia concinnatum ("l'accoppiamento fisico-meccanico dell'arte e della natura elegantemente concertato dalla paraninfa fonosapiente", Gozza, in "Intersezioni", 2005, 2, pp. 259-61).

Il delirio fonurgico di Kircher è controbilanciato negli anni Settanta del Seicento dalle attente osservazioni acustiche del suo confratello nel Collegio romano, Bartoli (1608-1685), autore dei quattro trattati Del suono de' tremori armonici e dell'udito (1679). Come indica il titolo, l'interesse scientifico di Bartoli si concentra sul suono come evento fisico (i primi due trattati), quindi converge sul suono musicale, o tremore armonico (terzo trattato e parte del quarto), e finalmente si rivolge al suono percepito dall'orecchio, di cui un capitolo del quarto trattato offre un'accurata analisi anatomica e fisiologica. Bartoli concepisce aristotelicamente l'indagine naturale come una paziente osservazione empirica di natura cumulativa, fondata sull'evidenza dei sensi e sul rifiuto delle dimostrazioni matematiche. Questa metodologia limita la coerenza dei risultati dell'indagine.

In particolare, Bartoli non sa spiegarsi come possa darsi la propagazione del suono, e quindi la sua percezione, se all'aria si concede solo "il tremore interno delle sue menome particelle, rimanendosi tutto il corpo di lei immobile localmente" (G. Bartoli, Del suono ..., cit., p. 327). È un passaggio delicato della teoria secentesca del suono, che vede impegnate le più illustri istituzioni scientifiche europee. Bartoli contraddice la felice intuizione del tremore come "reciprocatione delle andate, e de' ritorni, come nelle corde sonore quando si vibrano, e ne' pendoli quando ondeggiano" (p. 171): all'idea del moto armonico semplice affianca e sovrappone il "moto d'aria per sospinte, e conseguentemente di luogo a luogo", senza cui diventa impossibile per l'osservatore gesuita spiegare non solo la diffusione del suono nell'aria ma anche la percezione uditiva. Diversamente:

dove non è moto d'aria per sospinte, e conseguentemente di luogo a luogo, non mi si lascia intendere a che servano, e come sien necessari gli strumenti del Timpano che riceva fuori, e ribatta dentro i battimenti dell'aria: né del Labirinto, e della Chiocciola, che co' tanti lor giri, e ristrignimenti dian maggior foga al moto dell'aria, e ne ricevan la forza, bisognevole a far che di quasi insensibile che talvolta si riceve il suono, si faccia divenire sensibile all'udito (pp. 326-27).

È una fisiologia modellata sull'osservazione dell''orecchio di Dionigi', la latomia nei pressi di Siracusa descritta da Bartoli nel penultimo capitolo del suo trattato. Il possente manufatto era oggetto di ripetute osservazioni nella letteratura scientifica per la sua eco straordinaria, che ieri come oggi desta l'ammirazione dell'ingenuo visitatore. Bartoli spiega le straordinarie proprietà acustiche dell'orecchio di Dionigi in base a un modello idraulico adattato alla diffusione del suono: le voci insensibili dei prigionieri diventano sensibili in virtù di un condotto cocleato scolpito nel soffitto della grotta simile a una possente chiocciola di pietra, che potenzia i suoni facendoli transitare all'orecchio voyeuristico del tiranno collocato come l'anima al centro del proprio corpo di pietra.

Galilei e i galileiani

Gli scienziati gesuiti non riescono ad accordare nella loro scienza del suono matematica e physica. Precisamente questa accordatura è invece richiesta da Galilei, i cui esperimenti descritti al termine della prima giornata dei Discorsi e dimostrazioni matematiche, intorno a due nuove scienze attenenti alla mecanica e i movimenti locali (1638) hanno lo scopo di 'confermare' i numeri sonori della teoria musicale di derivazione pitagorica con l'esperienza, visiva e uditiva.

Nelle pagine 'musicali' di Galilei, occhio e orecchio si concertano per dare evidenza sperimentale alla legge acustico-matematica delle frequenze, introdotta da Benedetti. Il primo esperimento descrive il comportamento delle onde sulla superficie d'acqua d'un bicchiere, il cui orlo è strofinato dal dito. Il suono prodotto solleva onde regolari, "ed accadendo talvolta che 'l tuono del bicchiere salti un'ottava più alto", le onde primitive si dividono regolarmente a metà, "accidente che molto chiaramente conclude, la forma dell'ottava esser la dupla" (G. Galilei, Discorsi, cit., in Id., Le opere, Ed. nazionale a cura di A. Favaro, 8° vol., 1898, 1968 ³, p. 143). Paradossalmente, la visione più che l'udito è il modello delle dimostrazioni musicali dei Discorsi.

Il problema di Galilei è di visualizzare la frequenza dei suoni, di porre davanti agli occhi del lettore l'immagine sensibile di suoni consonanti. Oggi come allora il lettore 'vede' gli esperimenti che Galilei narra con sovrana retorica nel contesto della sua 'storia naturale del suono'. Aperte con la definizione delle leggi del pendolo, le pagine galileiane dei Discorsi si concludono con l'immagine di tre pendoli che oscillano contemporaneamente, e questa polifonia visiva è il pendant della polifonia sonora prodotta dalle diverse vibrazioni dei suoni che colpiscono il timpano nello stesso istante. Ma già Raffaello Caverni (1837-1900), descrivendo gli 'esperimenti mentali' di Galilei, commentava:

[Galilei] vedeva la proporzione di quegli spazi perché prestabilita già nella sua mente a quel modo che le matematiche ragioni gli persuadevano, anche contro l'esperienza de' fatti, l'isocronismo de' pendoli oscillanti (Caverni 1892, pp. 211-12).

Il commento di Caverni stride con la conclusione del moderno apologo dell'uomo di scienza, che Galilei affida alle pagine de Il s aggiatore, nel quale con bilancia esquisita e giusta si ponderano le cose contenute nella Libra astronomica e filosofica di Lotario Sarsi Sigersano [...] (1623). Un uomo, che conosce solo il canto dei propri uccelli, decide di esplorare il mondo alla ricerca di eventi sonori peregrini, e quando pensa d'aver appreso quanto c'è da conoscere:

trovassi più che mai rinvolto nell'ignoranza e nello stupore nel capitargli in mano una cicala, e che né per serrarle la bocca né per fermarle l'ali poteva né pur diminuire il suo altissimo stridore [...], e che finalmente, alzandole il casso del petto e vedendovi sotto alcune cartilagini dure ma sottili, e credendo che lo strepito derivasse dallo scuoter di quelle, si ridusse a romperle per farle chetare, e che tutto fu in vano, sin che, spingendo l'ago più a dentro, non le tolse, trafiggendole, colla voce la vita (G. Galilei, Il saggiatore..., a cura di L. Sosio, 1979, p. 128).

Il ricercatore moderno si riduce "a tanta diffidenza del suo sapere, che domandato come si generavano i suoni, generosamente rispondeva di sapere alcuni modi, ma che teneva per fermo potervene essere cento altri incogniti e inopinabili" (p. 281).

come sono, Leuto, Clauicembalo, Arpa, Viola, e simili, ne quali il corpo concauo, che appresso le corde si pone, opera, che la voce delle loro corde e più lontano, e più sonora si faccia di gran lunga sentire, di quello che senza d'esso corpo non farebbe (G. Montanari, Discorso sopra la tromba parlante, cit., p. 12).

L' experimentum crucis ideato da Montanari per costringere la natura a rivelare le occulte leggi del suono è ammirevole per la sua ingegnosità:

In un vaso rotondo pieno d'acqua di due palmi circa di Diametro io lasciaua cadere da poca distanza piccoli sassolini nel mezzo, ed osseruaua il moto di quei circolari ondeggiamenti, che nella superficie dell'acqua perciò si producono (p. 18).

Giunti all'orlo del vaso, scrive Montanari, i circoli ritornano insieme verso il centro che li ha generati, e di qui di nuovo rinati s'allargano verso la circonferenza, ripetendo quel movimento di andata e ritorno più e più volte: "Ma se lasciaua cadere l'accennato sassolino non più nel mezzo, ma da un lato, diffuse quell'undulazioni fino al margine del vaso" (p. 18) non convergono più verso il centro, ma nel punto del diametro simmetrico a quello in cui il sassolino è stato gettato; quindi, di nuovo riflesse dal bordo, vanno poi a riunirsi nel punto iniziale, alternando più e più volte quel moto reciproco:

imperciòche, diceva io, se il suono si fa per increspamenti dell'aria, simili a questi, che s'osservano nell'acqua, [...] egli è certo che ove si riunisce la forza, ch'era diffusa in tanta circonferenza, quivi accresciuta d'intenzione può farsi sensibile all'orecchio [...] onde non è marauiglia se ne' Clavicembali, ne' Leuti, nelle Chitarre, Viole, & altri musicali stromenti sia tanto necessaria la concavità d'un corpo, che presso alle corde rifletta quanto più vicina, tanto più sonora, e frequente l'Eco a riunirsi con la voce primaria delle corde medesime, perciò che senza di ciò non più oltre che un debolissimo suono di esse si udirebbe. [...] Che altro è questa Tromba, che uno stromento, nel quale moltiplicandosi per così dire infiniti Echi riflessi dall'intorno tutti verso il mezzo si ricongiungono con la voce primaria, e la rendono di tanto più risonante, e valida insieme per condursi più lungi? (p. 17).

I corpi concavi dell'età barocca accolgono nelle loro cavità interne i moti indistinti dell'aria esterna; grazie all'aria agitata con violenza nel ricettacolo interno li rendono sonoramente sensibili: infine, attraverso l'armonia delle loro figure ricurve, restituiscono al mondo le voci fonurgicamente plasmate. L'evento sonoro barocco altera le forme rinascimentali del mondo: gli oggetti si piegano, s'incurvano, i loro profili diventano rotondi, ellittici, parabolici, secondo una variegata fenomenologia contemplata dalla geometria delle sezioni coniche e tradotta in forme sensibili dalle sapienti architetture dello strumento musicale, della sala da concerto o del teatro barocco. L'armonia rinascimentale si coniuga nel Barocco con la potenza sensibile dell'evento sonoramente percepibile, il numero dell'antica scienza musicale celebra nel Seicento il sodalizio con i corpi risonanti dei moderni atelier del suono.

Opere

F. Gaffurio, Theorica musice, Mediolani 1492.

F. Gaffurio, Practica musice, Mediolani 1496.

L. Fogliani, Musica theorica, Venetiis 1529.

G. Fracastoro, De sympathia et antipathia rerum liber unus, Venetiis 1546.

N. Vicentino, L'antica musica ridotta alla moderna prattica, Roma 1555.

G. Zarlino, Le istitutioni harmoniche, Venetia 1558; poi a cura di S. Urbani, Milano 2011.

G. Zarlino, Dimostrationi harmoniche, Venetia 1571.

G.B. Benedetti, Diversarum speculationum mathematicarum et physicarum liber, Taurini 1585.

G. Zarlino, Sopplimenti musicali, Venetia 1588.

G. Zarlino, De tutte l'opere, Venetia 1588-1589.

V. Galilei, Discorso intorno all'opere di messer Gioseffo Zarlino da Chioggia, et altri importanti particolari attenenti alla musica, Firenze 1589.

G.M. Artusi, Impresa del molto Rev. Gioseffo Zarlino da Chioggi a, Bononiae 1604.

J. Kepler, Harmonices mundi libri V, Linz 1619 (rist. anast., Bologna 1969).

G. Biancani, Sphaera mundi, seu cosmographia demonstrativa, ac facili metodo tradita [...] Accessere [...] III. Echometria, idest geometrica traditio de echo, Bononiae 1620.

G. Galilei, Il saggiatore, nel quale con bilancia esquisita e giusta si ponderano le cose contenute nella Libra astronomica e filosofica di Lotario Sarsi Sigersano [...], Roma 1623; poi a cura di L. Sosio, Milano 1979.

G. Galilei, Discorsi e dimostrazioni matematiche, intorno a due nuove scienze attenenti alla mecanica e i movimenti locali, Leida 1638, poi in Id., Le opere, Ed. nazionale a cura di A. Favaro, 8° vol., Firenze 1898, 1968 ³.

M. Bettini, Apiaria universae philosophiae mathematicae, Bononiae 1642.

M. Mersenne, Cogitata physico-mathematica, Parisiis 1644.

A. Kircher, Musurgia universalis sive Ars magna consoni et dissoni, Romae 1650.

F.M. Grimaldi, Physico-mathesis de lumine, coloribus, et iride, aliisque adnexis libri duo, Bononiae 1665.

S. Morland, Tuba stentoro-phonica, an instrument of excellent use, as well at sea, as at land; invented, and variously experimented in the year 1670, London 1671.

G. Montanari, Discorso sopra la Tromba parlante, Guastalla 1678.

D. Bartoli, Del suono de' tremori armonici e dell'udito, Roma 1679.

N. Cusano, Dialoghi dell'idiota, in Id., Opere filosofiche, a cura di G. Federici-Vescovini, Torino 1972, pp. 435-539.

Boezio, De institutione musica, a cura di G. Marzi, Roma 1990.

Bibliografia

R. Caverni, Storia del metodo sperimentale in Italia, 2° vol., Firenze 1892 (rist. anast. Bologna 1970).

F.A. Yates, The French academies of the sixteenth century, London 1947.

D.P. Walker, Studies in musical science in the late Renaissance, London 1978.

H.F. Cohen, Quantifying music. The science of music at the first stage of the Scientific revolution, 1580-1650, Dordrecht-Boston-Lancaster 1984.

F. Ohly, "Deus Geometra". Appunti per la storia di una rappresentazione di Dio, in Id., Geometria e memoria. Lettera e allegoria nel Medioevo, a cura di L. Ritter Santini, Bologna 1985, pp. 189-247.

C.V. Palisca, Humanism in Italian Renaissance musical thought, New Haven-London 1985.

D.P. Walker, Music, spirit and language in the Renaissance, ed. P. Gouk, London 1985.

P. Gozza, La musica nella filosofia naturale del Seicento in Italia, "Nuncius", 1986, 2, pp. 13-47.

F.A. Gallo, Die Kenntnis der griechischen Theoretikerquellen in der italienischen Renaissance, in Geschichte der Musiktheorie, 7° vol., Italienische Musiktheorie im 16. und 17. Jahrhundert, Darmstadt 1989, pp. 7-38.

P. Gozza, introduzione a La musica nella rivoluzione scientifica del Seicento, a cura di P. Gozza, Bologna 1989.

C.V. Palisca, The Florentine Camerata. Documentary studies and translations, New Haven-London 1989.

Number to sound. The musical way to the scientific revolution, ed. P. Gozza, Dordrecht-Boston-Lancaster 2000.

P. Gozza, La musica, in Storia della scienza, 5° vol., La rivoluzione scientifica, Istituto della Enciclopedia Italiana, Roma 2002, pp. 556-69.

P. Gozza, A. Serravezza, Estetica e musica. Le origini di un incontro, Bologna 2004.

"Intersezioni", 2005, 2, nr. monografico: Figure del suono. Filosofia, scienza e teoria del suono nella storia, a cura di R. Martinelli (in partic. P. Gozza, "Fiat sonus!". Il barocco come rappresentazione sonora del mondo, pp. 237-68).

P. Gozza, Imago vocis. Storia di eco, Milano 2010.

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Musica e scienza in "Il Contributo italiano alla storia del Pensiero: Scienze"

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Il pensiero scientifico europeo non è pensabile in termini storico-culturali senza la musica. L'arte dei suoni ha avuto nella cultura europea una storia peculiare, molto diversa dalla storia delle arti visive, performative e mediali, con le quali condivide oggigiorno i curricula accademici e le scene pubbliche.

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Giuseppe Cambiano. Platone: musica e matematica

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Giuseppe Cambiano, professore emerito di Storia della Filosofia Antica presso la Scuola normale superiore di Pisa, intervistato al Festival della Filosofia di Modena 2017 "Le forme del creare", parla degli ...

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VINCENZO GALILEI: LA RIVOLUZIONE SCIENTIFICA NELLA MUSICA

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VINCENZO GALILEI: LA RIVOLUZIONE SCIENTIFICA NELLA MUSICA

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Musica e scienza  ecco il suono della ricerca   Video     la musicafisica091210

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"Minnie "The Moocher" has died. She was a familiar figure In downtown Indianapolis. A 82-year-old woman whose real name was Minnie Gayton, she acquired the quaint nickname of "The Moocher" by regularly begging food from grocers and carting it off in a baby buggy. She slept in doorways, on porches and in garages.

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"Minnie "The Moocher" has died. She was a familiar figure In downtown Indianapolis. A 82-year-old woman whose real name was Minnie Gayton, she acquired the quaint nickname of "The Moocher" by regularly begging food from grocers and carting it off in a baby buggy. She slept in doorways, on porches and in garages.

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© 1999 - 2011 Le Scienze S.p.A. - Sede legale: Via Cristoforo Colombo 90 - 00147 Roma Tel. 06.865143181 - Codice fiscale e Partita IVA n. 00882050156GEDI Gruppo Editoriale S.p.A. | Privacy | Abbonamenti e arretrati: SOMEDIA S.p.A.

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E' stato sicuramente un personaggio eclettico, infatti oltre che scienziato e matematico era anche un grande letterato, un musicista, un costrutture di diverse macchine e strumenti per compiere esperimenti e un filosofo.
Galileo nasce a Pisa il 15 febbraio 1564 ( 3 giorni prima della morte di Michelangelo Buonarroti, uno dei più grandi artisti del Rinascimento Italiano insieme a Leonardo da Vinci e Raffaello Sanzio ) da Vincenzo Galilei, mercante fiorentino, maestro di canto e teorico della musica, e da Giulia Ammannati da Pescia.

1) qualità primarie : dimensioni, pesi, velocità, ecc.;
2) qualità secondarie : sapori, odori, colori, ecc.

Però solo le qualità primarie sono utili per indagare scientificamente su uno specifico corpo, perchè le seconde sono solo il frutto delle nostre sensazioni.

La precisa legge che descrive il periodo di oscillazione di un pendolo è:

dove

- T = periodo in secondi;
- l = lunghezza del filo in metri;
- g = accelerazione di gravità sulla Terra, che vale 9,8 m/s ² o N/kg.

Ma queste affermazioni, poste nella prefazione all'importante opera, potrebbero essere state modificate dal teologo , senza l'approvazione dello stesso Copernico.

Dallo sviluppo del modello cosmologico eliocentrico nasce la più importante questione che porta alla formazione della scienza moderna .

Infatti, la concezione Copernicana del cosmo era in conflitto non solo con la visione aristotelico-tolemaica del cosmo, che prevedeva la Terra al centro, ma soprattutto con la , che vedeva questa nuova ipotesi come un'.
Infatti, nella Bibbia c'è un passo in dove viene affermato: " Fermati, o Sole": sta a significare che il Sole dovrebbe ruotare attorno alla Terra, immobile al centro del cosmo .
Se il Sole fosse posto al centro, si affermerebbe un concetto opposto a quello esposto nelle Sacre Scritture.

Inoltre, cadrebbe la visione antropocentrica dell'Universo , che considera il mondo creato da Dio, fatto soprattutto per l'essere a sua immagine e somiglianza: l'uomo, che pertanto deve essere posto al centro, nel punto più importante del cosmo.

Questo è il background che porterà Galileo alla sua strenua e instancabile difesa del modello copernicano .
Però, in un primo tempo, lo scienziato non espone pubblicamente le sue tesi e dedica il suo tempo a scrivere opere di fisica, come il

In seguito, scriverà le lettere copernicane ( la più importante è quella al frate dove scrive che la scienza si occupa di spiegare come è fatto il cielo , mentre le Sacre Scritture ci dicono c ome si va in cielo ) e opere letterarie come Il Saggiatore ( sulla questione delle comete ).

Addirittura lo scienziato pisano tiene delle lezioni sulla Divina Commedia di Dante , nelle quali studia matematicamente le dimensioni delle bolge dell'Inferno e altri particolari del mondo dantesco.

La matematica per Galileo è tutto.
Come scriverà ne Il Saggiatore: la matematica è il linguaggio dell'Universo .
Quindi, per Galileo tutti i fenomeni naturali possono essere spiegati con questo linguaggio universale, molto più elevato di tutte le lingue che gli uomini utilizzano per comunicare ( greco, latino, volgare, inglese, francese, ecc. ).

La matematica è quello strumento che ci aiuta a scoprire le leggi universali che dominano il mondo e anche a inventare, costruire macchine, strumenti che sfruttano questi principi e che possono essere utili per l'uomo.

Forse è proprio con Galileo che nasce il profondo legame tra scienza e tecnica .
Non per niente, lo scienziato pisano costruisce da sè strumenti come il piano inclinato, il pendolo e molti altri, per rendere più agevoli i suoi esperimenti.
Ma la vera e propria rivoluzione si ha quando Galileo viene a sapere tramite una lettera di un amico che era stato inventato in Olanda un particolare oggetto: il cannocchiale .

L'amico gli descrive che questo strumento permetteva di vedere le cose più lontane come se fossero vicine.
Bisogna sottolineare però che già 200-300 anni prima dell'invenzione del cannocchiale, esistevano già gli , cioè 2 lenti poste sullo stesso piano, che permettevano di correggere alcuni difetti della vista.
Però nessuno aveva mai pensato di porre le lenti non una accanto all'altra, ma una sopra l'altra.
Quando qualcuno ci pensò, si arrivò alla costruzione del cannocchiale ma la fama di quest'ultimo non si deve tanto all'inventore, ma all'utilizzo che ne fa Galileo.
Lo scienziato decide allora di fabbricarne alcuni lui stesso: addirittura riuscì a perfezionarli.
Però, in un primo momento, era intenzionato a fabbricare questi strumenti solo per scopi commerciali.
Solo dopo un po' di tempo, decise di puntare il cannocchiale al cielo ( siamo nel ) e questo gesto porta a delle scoperte incredibili.
Galileo infatti osserva:

le macchie solari ;

le fasi di venere ;

la : scopre che questo oggetto celeste in realtà non era, come descritto da Aristotele, perfetto e immutabile, anzi era pieno di crateri e di montagne come la Terra. Con questa scoperta cade la visione aristotelica che l'Universo sia costituito da un mondo sublunare , cioè dalla Terra che è soggetta a corruzione e generazione e un mondo perfetto , cioè quello dei pianeti e delle stelle fisse, costituiti dalla cosiddetta "quintessenza" o "etere" , non soggette a nessun tipo di corruzione.

i satelliti di Giove .

Proprio questi ultimi sono una delle prove principali che Galileo scopre a favore dell'eliocentrismo.
L'astronomo osserva 4 satelliti ( Io, Europa, Ganimede e Callisto ) orbitanti intorno al pianeta gigante, come un Sistema Solare in miniatura, e questi vengono denominati satelliti galileiani o medicei ( in onore dei signori di Firenze ).
Tutte le osservazioni compiute verranno poi riunite e pubblicate tramite il Sidereus Nuncius del 1610 .
, in seguito, compirà le stesse osservazioni fatte da Galileo e le confermerà nella sua " Relazione sulle proprie osservazioni dei quattro satelliti di Giove ".
Alcuni anni dopo, Galileo scrive un'importante opera, già citata, sotto il profilo letterario: Il Saggiatore , pubblicato nel .
E' una sorta di risposta alla Libra astronomica ac philosophica di Orazio Grassi , nel quale viene discusso il problema delle comete .
Per una volta Galileo sbaglia le sue ipotesi sulla natura delle comete : infatti pensa che siano solo delle illusioni ottiche e che il loro moto sia sempre perpendicolare alla superficie terrestre, quando in realtà oggi sappiamo che esistono veramente: sono corpi rocciosi orbitanti attorno al Sistema Solare.
Pertanto, il Saggiatore non è un'opera molto importante dal punto di vista prettamente scientifico ma contiene alcune perle letterarie e filosofiche, come la già citata espressione sulla matematica come linguaggio dell'Universo oppure il paragone che lo scienziato instaura tra i filosofi e le aquile .
Infatti, per Galileo, i buoni filosofi e scienziati non sono come gli stormi di uccelli, quindi non c'è ne sono molti, ma sono ben pochi e solitari come le aquile.
Il passo originale da Il Saggiatore è questo:

"(Qualcuno) forse crede che de' buoni filosofi se ne trovino le squadre intere dentro ogni recinto di mura? Io credo che volino come l'aquile, e non come gli storni. E' ben vero che quelle, perché son rare, poco si veggono e meno si sentono, e questi, che volano a stormi, dovunque si posano, empiendo il ciel di strida e di rumori, metton sozzopra il mondo. Ma pur fussero i veri filosofi come l'aquile, e non più tosto come la fenice. Infinita è la turba de gli sciocchi, cioè di quelli che non sanno nulla; assai son quelli che sanno pochissimo di filosofia; pochi son quelli che ne sanno qualche piccola cosetta; pochissimi quelli che ne sanno qualche particella; un solo Dio è quello che la sa tutta."

Ma l'opera letteraria fondamentale di Galileo è il famoso Dialogo sopra i 2 massimi sistemi del mondo, Tolemaico e Copernicano, pubblicato nel 1632 con l'imprimatur del papa Urbano VIII, cioè Maffeo Barberini , che tra l'altro, era un amico e sostenitore dello scienziato pisano.

L'opera è dedicata allo stesso papa ed è stata elaborata per illustrare le principali tesi a favore dei 2 sistemi cosmologici più importanti, escludendo quello elaborato da Tycho Brahe che metteva la Terra al centro dell'Universo con il Sole che gli ruotava attorno ma con tutti gli altri pianeti che orbitavano attorno al Sole.

Tutta l'opera si svolge sotto forma di dialogo tra 3 personaggi: il , il ( che rappresenta Galileo stesso ) e il ( commentatore di Aristotele del VI secolo ).

Quando Urbano VIII lesse l'opera, credette che il personaggio sciocco e credulone del Simplicio si riferisse a lui stesso e notò una fortissima tendenza dell'opera verso le tesi copernicane : fu la goccia che fece traboccare il vaso!

Infatti, Galileo fu processato dal tribunale della Santa Inquisizione con accusa di eresia.

Oltre a questo, Galileo era anche accusato di aver avuto dei figli da una donna, Marina Gamba , senza essersi sposato con ella e di non frequentare regolarmente le messe cristiane.

Alla fine Galileo fu costretto il 22 giugno 1633 , davanti al tribunale dell'Inquizione, ad ( quindi ad affermare che tutte le tesi da lui sostenute nel Dialogo sono solo false congetture ).

Da allora rimase quasi in una sorta di esilio nella sua villa ad Arcetri.

Comunque riuscì a far pubblicare nel 1638 a Leida , in Olanda, la sua ultima opera prettamente scientifica: Discorsi e dimostrazioni matematiche intorno a due nuove scienze attinenti alla meccanica e ad i movimenti locali .

Quest'opera, prima della pubblicazione dei Philosophiae Naturalis Principia Mathematica" di Newton , pone le fondamenta della fisica moderna ( intesa nel senso delle conoscenze in fisica dell'età di Galileo ).

Egli muore la notte dell'8 gennaio 1642 ad Arcetri .

Galileo ha lasciato una profonda eredità culturale non solo scientifica ma anche letteraria.

Italo Calvino ha definito Galileo come "il più grande scrittore della letteratura italiana di ogni secolo" .

Inoltre, bisogna anche dire che la figura di quello che è considerato il più grande scienziato di tutti i tempi, Isaac Newton , "si poggia sulle spalle" di e anche di .

Infatti, le scoperte compiute da questi 2 fisici hanno permesso a Newton di elaborare la famosissima e importantissima Legge di Gravitazione Universale .

Oltre a questo, Newton ha compiuto studi importanti sull' ( facendo passare dei raggi di luce solare attraverso un prisma trasparente ha scoperto lo spettro elettromagnetico ), sulla meccanica e sulla matematica ( è l'ideatore, insieme a Gottfried Wilhelm von Liebniz , del calcolo infinitesimale ).

Dunque, con le figure di Galileo e poi di Newton nasce la scienza moderna che ci ha condotto a scoperte incredibili sull'Universo e alla realizzazione delle tecnologie odierne, a quel tempo impensabili: lo stesso computer lo potremmo considerare quasi un "miracolo" se constatiamo che fino all'era di Galileo e Newton, la maggior parte dei principi basilari che oggi conosciamo di fisica, non erano stati nè scoperti nè descritti matematicamente.

Ci sono voluti secoli e secoli per sradicare la fisica aristotelica , per lo più errata, e sostituirla con una scienza basata sull'osservazione dei fenomeni, sulla creazione di ipotesi plausibili per spiegare il fenomeno, sulla matematica e sulla realizzazione del "cimento" o verifica sperimentale delle supposizioni.

Ci sono voluti secoli e secoli anche per riuscire a controbattere la Chiesa che riteneva eretici coloro che sostenevano qualcosa di contrario o non presente nelle Sacre Scritture: Galileo è la figura portante, il simbolo della difesa della scienza moderna.

Concludo citando 2 frasi riferite: una a Galileo e una al suo successore Newton ( nato tra l'altro nello stesso anno secondo il calendario Giuliano ):

Bertolt Brecht: "Eppur si Muove" : citazione spesso attribuita a Galileo dopo l'abiura.

Alexander Pope: "La Natura e le sue leggi erano nascoste nella notte: Dio disse "Newton sia!" e tutto fu luce" : epitaffio sulla tomba di Newton scritto dal più grande poeta inglese del XVIII secolo, cioè Alexander Pope.

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GALILEO GALILEI: PADRE E DIFENSORE DELLA SCIENZA MODERNA

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E' stato sicuramente un personaggio eclettico, infatti oltre che scienziato e matematico era anche un grande letterato, un musicista, un costrutture di diverse macchine e strumenti per compiere esperimenti e un filosofo.Galileo nasce a Pisa il 15 febbraio 1564 ( 3 giorni prima della morte di Michelangelo Buonarroti, uno dei più grandi artisti del Rinascimento Italiano insieme a Leonardo da Vinci e Raffaello Sanzio ) da Vincenzo Galilei, mercante fiorentino, maestro di canto e teorico della musica, e da Giulia Ammannati da Pescia.

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Il rapporto tra la c himica e la musica è, a prima vista, poco evidente, ma va scoperto ed evidenziato. Sia la chimica sia la musica, infatti, si basano sull' armonia generata da certe " proporzioni ", da certi rapporti tra i componenti. Le molecole e le proprietà macroscopiche dei composti chimici possono essere visti come una "sinfonia" degli atomi e degli elementi.

Dello stretto rapporto tra chimica e musica era sicuramente convinto Aleksandr Porfir'evic Borodin (1833-1887), chimico organico e musicista russo, autore di ...
Leggi...

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Il rapporto tra la c himica e la musica è, a prima vista, poco evidente, ma va scoperto ed evidenziato. Sia la chimica sia la musica, infatti, si basano sull' armonia generata da certe " proporzioni ", da certi rapporti tra i componenti.

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Scienza: sinfonia del Dna, la genetica spiegata con la musica di Beethoven

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Anche se il Dna è lo stesso in tutte le cellule, in ognuna di esse i geni possono farsi sentire in modo più forte, o essere più silenziosi, proprio come accade quando le orchestre danno più o meno risalto a ciascuno strumento nell'eseguire una stessa sinfonia.

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Scienza e musica da tanto tempo insiem. Augurii

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Scienza e musica da tanto tempo insiem. Augurii

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Le Scienze.it, il sito di Le Scienze, edizione italiana di Scientific American

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Introduzione al linguaggio musicale - work in progress

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Il retaggio del pensiero romantico nei riguardi della musica (v. Musica e filosofia), caratterizzato da una supremazia del sentimento sull'intelletto e della passione sul calcolo, ha inciso notevolmente nell'occultare la relazione tra musica e sapere scientifico, che dall'antichità classica alle soglie dell'età moderna dominò il dibattito sulla natura e le funzioni dell'esperienza musicale.

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Explora il museo dei bambini di Roma Uno spazio a misura di bambino con giochi e allestimenti interattivi. Children Museum in Rome, science museum, learning education

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"Se non fossi stato un fisico, probabilmente sarei stato un musicista " A. Einstein

Da Pitagora ad Einstein, passando per Steiner: un percorso musicale, scientifico e biografico per scoprire le interazioni tra il mondo dei numeri (fisica, matematica, astronomia) e quello dei suoni. Grazie alla musica, in grado di rafforzare attenzione, coinvolgimento e motivazione, è possibile promuovere lo sviluppo del pensiero scientifico, dell'identità, dell'autonomia e della competenza.
Scopri in anteprima i contenuti del corso in occasione dell'Open Day insegnanti 2018

Obiettivi
- ideare e realizzare nuovi percorsi didattici e sperimentare sui momenti di comprensione dei fenomeni scientifici.
- integrare l'attività manuale con quella cognitivo-intellettiva costruendo oggetti per spiegare le esperienze.
- mettere in "gioco" il senso dell'udito per acquisire concetti alla base della fisica acustica.
- modalità didattica sperimentale ed operativa per stimolare la curiosità e la motivazione verso il fenomeno scientifico.
- Ideare e realizzare nuovi percorsi didattici finalizzati alla comprensione dei fenomeni scientifici.
- Integrare l'attività manuale con quella cognitivo-intellettiva, realizzando manufatti che supportino le esperienze.
- mettere in "gioco" il senso dell'udito per acquisire concetti alla base della fisica acustica.
- stimolare la curiosità e la motivazione verso il fenomeno scientifico attraverso una modalità didattica sperimentale e attiva

Programma
Sperimentazioni realizzate con materiali facilmente reperibili ed utilizzabili su:
Onde sonore, fonti, propagazione e rilevatori del suono. Argomenti:
PITAGORA e la base matematica dell'armonia musicale: la scala che unisce matematica e musica -La lunghezza della corda.
KEPLERO e l'armonia dei mondi: -"Harmonices Mundi" il movimento dei corpi celesti produce una musica consistente in concetti armonico-matematici. -Armonia delle tre componenti: realtà fisica,psichica,spirituale.
NEWTON e la nascita della scienza moderna: -la sinestesia:suono e spettro di colori. -il "disco".
EINSTEIN un appassionato musicista e un genio simbolo di intere generazioni: - Quantizzazione della musica e della materia: la meraviglia nel racconto scientifico della natura. - Il "tesoro" di Einstein: sperimentiamo giocando .
STEINER le materie che educano alla percezione ed all'ascolto: - Le attività socializzanti: euritmia e musica - "L'essenza della musica" - "L'arte dell'educazione".

A cura di: prof.ssa Alessandra Farro - violinista e formatrice.Con una propria metodologia d'insegnamento, avvicina da quasi vent'anni, i bambini alla musica a partire dai 24 mesi e tiene corsi di formazione per gli insegnanti delle Scuole dell' Infanzia e della Primaria. E' Membro del Comitato Nazionale per l'Apprendimento Pratico della Musica MIUR-ROMA.
Alessandra Farro, appartiene alla generazione di violinisti italiani che si sono affermati nel mondo. Consegue brillantemente il diploma di violino presso il Conservatorio di musica "Giuseppe Verdi" di Milano e si perfeziona in seguito con Marco Fornaciari. Inizia una carriera concertistica che la vede esibirsi coma solista nei migliori teatri d'Europa accompagnata da orchestre sinfoniche di chiara fama internazionale con importanti direttori d'orchestra. In "Duo" con il pianista Marcello Abbado, ha tenuto concerti in tutto il mondo. In qualità di docente, ha insegnato in diversi Conservatori di Musica in Italia ed ha tenuto Master Class di perfezionamento in Europa, Cina, Germania e Giappone. E' membro di giuria di Concorsi Internazionali di violino tra i quali: "A. Curci " Napoli; Stresa; "Michelangelo Abbado" Milano; "Shabyt Inspiration" Astana(Kazakistan). Lunedì 14, 21, 28 gennaio e 4, 11 febbraio 2019 dalle 16.00 alle 20.00
Quota di partecipazione: 150,00€

Iscrizioni: su piattaforma S.O.F.I.A. e dal sito Explora
Explora è un soggetto accreditato dal MIUR per la formazione (Dir. Min. 170/2016).

Per informazioni: insegnanti@mdbr.it

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Scienza e musica: quale armonia le unisce? | Explora il museo dei bambini di Roma

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"Se non fossi stato un fisico, probabilmente sarei stato un musicista " A. Einstein Da Pitagora ad Einstein, passando per Steiner: un percorso musicale, scientifico e biografico per scoprire le interazioni tra il mondo dei numeri (fisica, matematica, astronomia) e quello dei suoni.

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Caro il mio Billy, innanzitutto ti auguro buon anno! Che sia ricco di serenità, soddisfazioni, successi, sorrisi, salute, soldi e... tutto con la S insomma.

Come si dice, c hi ben comincia è a metà dell'opera e cosa c'è di meglio di un articolo di Fisici Senza Palestra per inaugurare un nuovo anno? Oggi iniziamo un cammino che eleverà i nostri spiriti ad altezze soavi, addentrandoci nella storia dell'intreccio e del connubio tra due entità che nobilitano il nostro animo. Sarà un viaggio tra storia, filosofia, arte e letteratura il cui fil rouge sono sempre loro, nostre beniamine, muse, consolatrici, motivatrici, compagne di avventure: la musica e la scienza. Non ti senti già ispirato?
Il nostro cammino prevede più mete: prima ripercorriamo l'evoluzione della teoria dell'armonia celeste e poi il pensiero scientifico che si cela tra le note di uno spartito. Pronto? Cominciamo.
Esiste una relazione profonda e recondita tra musica e scienza, non riducibile semplicemente alla fisica acustica, alla frequenza di battimenti o al fenomeno di risonanza. La musica racconta il mondo, la scienza è ricerca di armonia. Nessun musicista dimentica l'ordine e gioca con la regolarità del ritmo come ogni scienziato è affascinato dall'intreccio equilibrato di più voci. Il musicista osserva la realtà, è inesorabilmente e visceralmente sollecitato a formularne una propria interpretazione traducendola in suoni. Nella scienza genio e creatività sono fondamentali per formulare nuove teorie brillanti e destinate a diventare pietre miliari.

Il legame tra musica e scienza è chiaro fin dal Medioevo, quando, con la nascita delle prime università, si ebbe anche una classificazione delle materie d'insegnamento grazie al rettore Marziano Capella. Le sette discipline studiate erano divise in due categorie. Al trivio corrispondevano i rudimenti della politica e degli studi linguistico-filosofici: la grammatica, la retorica e la dialettica. Il quadrivio comprendeva invece le materie scientifiche: l'aritmetica, la geometria, l'astronomia (astrologia) e, appunto, la musica. Nel corso della storia però musica e scienza diventeranno emblemi di ambiti contrapposti, la prima legata all'espressione più pura e istintiva dell'anima, la seconda improntata a spiegare i fenomeni della natura in modo chiaro ed oggettivo. Tale contrapposizione assume un significato rilevante nella filosofia di Nietzsche, che vede l'uomo teoretico dedito a formalizzare la vita per esorcizzare la paura e il dolore (lo scienziato), e l'uomo tragico in grado di ascoltare la voce dello spirito dionisiaco (il musicista) come due modelli antitetici. Nietzsche condanna l'uomo teoretico, ritenuto responsabile della repressione delle pulsioni vitali e creative dell'uomo e auspica che diventi consapevole dell'essenziale esigenza di un ritorno a tale spontaneità e naturalezza. Ma queste parole per noi palestrati sono un'eresia, un oltraggio, un anatema! Come può la nostra amata fisica essere sterile formalismo? Come può lo scienziato essere un freddo calcolatore? Tranquillo Billy, adesso ti convinceremo definitivamente del contrario. Tira pure un sospiro di sollievo.

Johannes Kepler e Ludwig Van Beethoven hanno dato un contributo significativo e prezioso rispettivamente alla scienza e alla musica. Non c'è uomo che non sappia che le orbite dei pianeti sono ellittiche o che non conosca l'Inno alla Gioia. Attraverso l'analisi delle teorie di Keplero e degli spartiti di Beethoven, dimostriamo come uomo teoretico e uomo tragico non sono figure opposte e reciprocamente esclusive, ma che scienza e musica possono collaborare per raggiungere risultati inaspettati e il più delle volte brillanti. Keplero era una scienziato convinto dell'esistenza di armonie celesti, mentre la musica di Beethoven gioca con le trasformazioni geometriche.
Si può quindi parlare di musica di Keplero e scienza di Beethoven? Tutti in coro Billy: CERTO CHE Sí!

La musica di

Il legame tra musica e scienza ha origini antiche. Riguardava soprattutto la cosmologia e l'esistenza di un'armonia delle sfere celesti. Tra i primi a interessarsi di tale rapporto fu Pitagora nel VI a.C., colui che credeva che << Corrispondevano ai numeri della
tutto fosse numero>>. Il pitagorismo ricostruiva e studiava le consonanze musicali e la loro organizzazione relazionale attraverso il monocordo, uno strumento costituito da una corda tesa, su cui scorre un ponticello mobile. Individuando lunghezza delle corde e tensione appropriata, era possibile isolare i singoli intervalli musicali e darne un'interpretazione numerica, attribuendo loro il valore di una proporzione che descriveva il rapporto fra la lunghezza complessiva della corda e quella necessaria per individuare l'intervallo stesso. I tre intervalli fondamentali erano 2:1 ottava (Do-Do), 3:2 quinta (Do-Sol) e 4:3 quarta (Do-Fa).
Tetraktýs.

Pur essendo vicina all'esattezza per gli strumenti disponibili all'epoca, la scala diatonica pitagorica (quella che conosciamo tutti Billy, la cantano pure gli Aristogatti) presentava alcune imprecisioni, per esempio i rapporti di terza (Do-Mi) e sesta (Do-La) risultavano piuttosto dissonanti. Nel tempo, i vari intervalli sono stati quindi modificati finché Werckmeister nel 1691 teorizzò una scala "temperata" che trovò conferma nel Clavicembalo ben temperato di Johann Sebastian Bach e che è utilizzata tuttora.

Ma qui viene il bello. Pitagora credeva infatti che i rapporti osservati sul monocordo si riproducessero anche nel cosmo, componendo un'armonia delle sfere celesti: il Sole, la Luna e i pianeti, muovendosi emettono un suono continuo, impercettibile all'orecchio umano. Secondo il sistema a sfere concentriche dei pitagorici, tutti i pianeti, la Terra, la Luna e il Sole sono fissati ognuno a una sfera che ruota da Ovest a Est attorno a un fuoco centrale, situato al centro dell'universo. È la prima volta che nella storia dell'astronomia la Terra si muove. Le stelle fisse si trovano su un'unica sfera, la più esterna e la più pura. Filolao, uno dei pitagorici, affermava che << tutte le cose avvengono per necessità e armonia>> e sosteneva che, come sassi che sfrecciano attraverso l'aria, i corpi celesti emettono un suono, ciascuno il proprio, secondo le prescrizioni dell'armonia classica. Il suono sarebbe prodotto per effetto dell'attrito contro il mezzo nel quale navigano, aria, fuoco o materia eterea. Avrebbe un'altezza proporzionale alla velocità del corpo, la quale a sua volta crescerebbe direttamente alla sua distanza dal fuoco centrale. Inoltre i rapporti tra le frequenze dei suoni sarebbero sempre tali da sortire accordi musicali consonanti. Gli uomini non sono più in grado di sentire questa armonia per assuefazione, siccome l'ascoltano sin dalla nascita. Solo l'orecchio più sensibile è in grado di percepirlo, come quello di Pitagora, più fortunato del cugino di Paperino.

I pitagorici riscontrarono però alcune imprecisioni: è stato necessario per esempio variare l'ordine dei corpi celesti per ottenere accordi consonanti, ottenendo comunque una scala di nove note, in contrapposizione a quella diatonica di sette introdotta dallo stesso Pitagora.

Nonostante queste imprecisioni, le teorie pitagoriche domineranno nel campo cosmologico per molto tempo, condivise da autorità del calibro di Platone, Cicerone, Dante Alighieri e William Shakespeare.

Platone riprende le teorie pitagoriche riguardanti i rapporti tra i numeri razionali, la musica e la generazione del mondo. Nel Timeo riconduce la genesi del mondo all'azione di un dio ordinatore, il Demiurgo, che nel suo lavoro di trasformazione del kaos in cosmos segue uno schema matematico. Ne La Repubblica è contenuto il mito di Er, uno dei più importanti miti escatologici dei dialoghi di Platone.

Il mito narra la vicenda di Er, un eroe guerriero della Panfilia morto in battaglia. Nel momento in cui il suo corpo, secondo la tradizione, stava per essere cremato, Er si ridestò improvvisamente dal sonno eterno e raccontò quanto aveva potuto osservare nell'aldilà. In un passo del racconto il guerriero riferisce l'esistenza di un fuso che ruoterebbe sulle ginocchia di Ananke, la forza che regola tutte le cose, dal moto degli astri ai fatti particolari dei singoli uomini. Il fuso è circondato da otto cerchi concentrici, ad ognuno dei quali corrisponde una sirena che emette un particolare suono acuto. Gli otto suoni formano un'armonia. Attorno al fuso si trovano le tre Parche, sorelle di Ananke, che accompagnano con il loro canto l'armonia delle sirene.

Sull'alto di ciascuno dei suoi cerchi stava una Sirena che, trascinata in quel movimento circolare, emetteva un'unica nota su un unico tono; e tutte otto le note creavano un'unica armonia. Altre tre donne sedevano in cerchio a eguali distanze, ciascuna su un trono: erano le sorelle di Ananke, le Moire, in abiti bianchi e con serti sul capo: Lachesi, Cloto e Atropo. E cantavano in armonia con le Sirene: Lachesi il passato, Cloto il presente, Atropo il futuro. ((Platone, Repubblica, 614 a-621 d))

Il modello pitagorico verrà però confutato dal filosofo per eccellenza: Aristotele, persona dall'indubbio talento che ha profondamente influenzato il pensiero filosofico occidentale, ma un po' polemico, conscio del proprio valore e a volte arrogante, diciamocelo Billy... Tra noi non ci sono segreti. Aristotele nel De coelo dirà infatti:

Non esiste nessuna musica, ed è facilmente dimostrabile, per assurdo: se esistesse un suono prodotto dalla rotazione degli astri, sarebbe talmente forte ed intenso da distruggere la vita sulla terra, cosa che non è. Quindi non esiste alcuna musica delle sfere. Ma perché non esiste? Perché gli astri si muovono nel medium della propria sfera, e quindi non c'è attrito.((Aristotele, De Caelo, II, 9.))

Aristotele credeva che l'approccio pitagorico fosse una "scienza a priori", priva di ogni corrispondenza con la realtà. Elaborò un modello di cosmo molto diverso, diviso in due parti nettamente distinte. Al centro si trova il mondo sublunare, nel quale è inclusa la Terra, immobile.

Questa è costituita da elementi soggetti al cambiamento, quindi corruttibili e imperfetti: terra, aria, acqua e fuoco. Le stelle e i pianeti invece sono fissati su sfere celesti rotanti immerse nell'Etere, nota anche come "quinta essenza". L'Etere si distingue dagli altri elementi in quanto immutabile, eterno e cristallino. Le sfere si muovono secondo un moto circolare uniforme attorno alla Terra. La sfera delle stelle fisse, detta Primo Mobile, è il limite del cosmo aristotelico e ne è anche il primo motore. Questo è messo in movimento direttamente dalla causa prima, identificabile con la divinità suprema, per poi essere trasmesso alle sfere sottostanti.

Questa teoria verrà sostenuta anche da Claudio Tolomeo, astronomo e geografo greco del II secolo d.C., tanto che il sistema geocentrico è noto anche come sistema aristotelico - tolemaico. San Tommaso d'Aquino accoglierà tale sistema, sulla base del versetto della Bibbia " Giosuè disse al Signore sotto gli occhi di Israele: <<Sole, fèrmati in Gàbaon e tu, Luna, sulla valle di Aialon>> ((Gs10,12)). La Chiesa fonderà la sue radici sul tomismo, motivo per cui condannerà all'abiura, al carcere e all'isolamento il povero Galileo Galilei. Questi infatti sosteneva l'eliocentrismo, dimostrato attraverso procedimenti di carattere matematico per la prima volta dal polacco Niccolò Copernico in De Revolutionibus orbium coelestium. Il prototipo dell'eliocentrismo risale infatti agli studi del IV secolo a.C. di Aristarco di Samo.

A questo punto la situazione è questa: Aristotele e la Chiesa contro l'eliocentrismo e l'armonia celeste. Insomma Billy, la situazione non è proprio a nostro vantaggio. Ma sapremo rifarci, non preoccuparti. 1 a 0 palla al centro. Tutto alla prossima puntata!
To be continued...

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La musica di Keplero e la scienza di Beethoven (1/4) | Fisici senza palestra

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Caro il mio Billy, innanzitutto ti auguro buon anno! Che sia ricco di serenità, soddisfazioni, successi, sorrisi, salute, soldi e... tutto con la S insomma. Come si dice, c hi ben comincia è a metà dell'opera e cosa c'è di meglio di un articolo di Fisici Senza Palestra per inaugurare un nuovo anno?

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L'icona leggendaria del raggae Bob Marley un giorno disse semplicemente e in modo eloquente: "Una cosa buona della musica è che quando ti colpisce, non senti dolore".

Quando ascoltiamo la musica, viviamo un'esperienza intangibile ma potente, specialmente quando si tratta della musica che ci piace. Essa può trasportarci in uno stato alterato della coscienza e trasformarci attraverso l'influenza diretta del nostro stato d'animo.

Dal preciso istante in cui impariamo a sentire e percepire con le nostre orecchie, i ritmi naturali e le melodie ci seducono. I primi esseri umani usavano batterie primordiali e soffiavano dentro ai didgeridoo per incanalare i suoni che emergevano all'interno dello spirito umano. Gli sciamani, nel corso dei secoli, hanno considerato il suono come strumento fondamentale per la guarigione dai disturbi fisici e psicologici. In Sud America, si attuano cerimonie curative dove viene utilizzata una potente pianta allucinogena, la , in cui la musica viene considerata come una nave, che guida il viandante lungo il suo percorso di guarigione attraverso la fitta foresta pluviale, mantenendolo concentrato e stimolandone la guarigione.

Nonostante sia difficile avere la stessa considerazione per la musica pop che si presta normalmente ai suoni sacri prodotti dagli sciamani, esistono molte più similitudini di quel che si pensa, specialmente per quanto riguarda la stimolazione della capacità del corpo di proteggere e guarire sé stesso.

I ricercatori della Sussex University e il Max Planck Institute di Leipzig in Germania, hanno scoperto che l'ascolto di meno di un'ora abbondante di musica dance può aumentare notevolmente gli anticorpi che migliorano la funzione e la protezione immunitaria. Allo stesso modo, gli ormoni dello stress che possono compromettere la funzione immunitaria, diminuiscono quando si ascolta musica piacevole e ottimista.

Uno studio pubblicato sul Journal of Advanced Nursing rivela che la musica può avere un effetto benefico sul trattamento del dolore, sia acuto che cronico. Lo studio specifica che la musica è in grado di ridurre i dolori correlati a osteoartrite e artrite reumatoide del 21%.

La American Society of Hypertension ha scoperto che ascoltare 30 minuti di musica rilassante può ridurre la pressione arteriosa nei soggetti clinicamente diagnosticati come affetti da ipertensione. I ricercatori hanno osservato che i soggetti che ascoltavano una varietà di musica lenta, presentavano battito e respirazione ridotti, che aumentavano se l'ascolto si orientava su una musica più veloce. I ricercatori hanno anche scoperto che gli effetti sono stati osservati indipendentemente dall'apprezzamento o meno da parte dei soggetti della musica in riproduzione.

Numero studi hanno dimostrato anche una profonda connessione tra la musica e una maggiore capacità di apprendimento da parte dei bambini più piccoli. Uno studio del 2006 pubblicato sulla rivista Brain ha rivelato che i bambini a cui è stato insegnato a suonare hanno una memoria migliore, migliori competenze in matematica e linguaggio e un quoziente intellettivo avanzato.

Ciascuno di noi ha utilizzato almeno una volta nella vita la musica per cambiare il proprio stato d'animo. A volte l'abbiamo usata addirittura per elaborare una situazione spiacevole: ascoltare la canzone preferita di un partner con cui abbiamo rotto, o una che ci ricorda un parente o un amico scomparso. Queste esperienze sono una catarsi, che ci aiuta a vivere e a sopravvivere a un sentimento di tristezza. Un sacco di musica è nata proprio da una difficoltà, da una perdita, da un dolore: ci permette di immedesimarci e alla fine di elaborare la sofferenza e di superarla.

La musica può sollevarci dai nostri stati di tristezza. Uno studio pubblicato su Nature Neuroscience rivela che nel cervello del soggetto che si abbandona all'ascolto piacevole della musica, viene rilasciata la dopamina che è responsabile del stato d'animo positivo. L'aumento di produzione di dopamina è stata misurata in termini del 9% se la musica è quella preferita e la diminuzione della depressione è stata misurata in termini del 25%. Un ottimo risultato per poter affermare senza remore che sì, la musica può essere considerata una medicina.

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Articolo di generazionebio.com
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Musica come medicina: anche la scienza lo afferma | Generazione Bio

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L'icona leggendaria del raggae Bob Marley un giorno disse semplicemente e in modo eloquente: "Una cosa buona della musica è che quando ti colpisce, non senti dolore". Quando ascoltiamo la musica, viviamo un'esperienza intangibile ma potente, specialmente quando si tratta della musica che ci piace.

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http://www3.unisi.it/ricerca/prog/musica/sapere/mus_scienze.htm

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Nella musica esistono schemi impliciti che permettono a tutti gli ascoltatori di capire qual è la funzione espressiva anche di un brano brevissimo di una canzone mai sentita prima e prodotta da una cultura sconosciuta. Lo dimostra un nuovo studio sperimentale che supporta l'ipotesi di una universalità del linguaggio musicale come veicolo di emozioni(red)

La musica è un linguaggio universale. Lo si sente ripetere spesso, perché i successi musicali travalicano le frontiere spesso senza bisogno di tradurre il testo e soprattutto perché in molte occasioni capita di verificare che le emozioni suscitate da un brano non dipendono dalla cultura in cui è stato prodotto.

L'affermazione è stata verificata in modo più preciso da un nuovo studio sperimentale pubblicato su "Current Biology" da Samuel Mehr della Harvard University e colleghi di una collaborazione internazionale. I risultati della ricerca infatti dimostrano che esistono alcune strutture musicali intrinsecamente correlate alle emozioni che possono essere percepite da persone di culture molto diverse tra loro dopo aver ascoltato soltanto un brano molto breve.

Nel primo esperimento, gli autori hanno chiesto a 750 utenti di Internet di 60 paesi di ascoltare alcuni brani, ciascuno della durata di 14 secondi, tratti da diverse canzoni, scelte modo pressoché casuale nella produzione di 86 società di umane di piccole dimensioni e con un'economia arcaica, tra cui tribù di cacciatori-raccoglitori, di pastori o di agricoltori. Le canzoni provenivano da un'ampia varietà di regioni geografiche, in modo da rappresentare una vasta gamma di culture umane.

Pascal Saez / VWPics/AGF

Dopo l'ascolto i partecipanti hanno risposto a sei domande su come percepivano la funzione di ciascun brano musicale secondo una scala di sei punti. In particolare, dovevano valutare se i brani fossero adatti per ballare, tranquillizzare un bebè, guarire una ferita, esprimere amore, piangere un morto o raccontare una storia.

L'analisi statistica dei circa 150.000 punteggi assegnati ha dimostrato che, in media, l'idea delle canzoni che si erano fatti i partecipanti corrispondeva alla sua funzione originale,

anche se i soggetti non erano familiari con il tipo di musica, il campionamento di ogni canzone era casuale e i brani fossero molto brevi. Ciò dimostrerebbe secondo i ricercatori che esistono strutture musicali, non immediatamente individuabili, che non dipendono dalla cultura di riferimento, ma sono in gran parte universali.

Nella seconda parte dell'esperimento, i ricercatori hanno chiesto ad altri 1000 soggetti statunitensi e indiani di classificare altri brani secondo tre caratteristiche di contesto - numero e sesso dei cantanti e numero degli strumenti, e alcune categorie musicali: complessità della melodia, complessità e regolarità del ritmo, tempo, grado di eccitazione prodotta, valenza e piacevolezza.

Blend Images/AGF

"Abbiamo mostrato che la nostra psicologia condivisa produce nella musica schemi fondamentali che trascendono le nostre profonde differenze culturali", ha spiegato Manvir Singh, coautore dello studio. "Ciò suggerisce che le nostre risposte emotive e comportamentali agli stimoli estetici hanno una notevole stabilità in popolazioni ampiamente divergenti".

Un dato molto curioso è la correlazione emersa tra ninne nanne e musica da ballo. "Non solo i volontari sono riusciti a identificare le canzoni usate per queste funzioni meglio delle altre, ma le loro caratteristiche musicali sembrano opposte per molti aspetti", ha spiegato Mehr. "Le canzoni ballabili generalmente avevano un ritmo più rapido, erano più complesse dal punto di vista ritmico e melodico, ed erano percepite come più gioiose e più eccitanti, mentre le ninne nanne erano percepite come più tristi e meno eccitanti".

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La musica è davvero un linguaggio universale - Le Scienze

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Nella musica esistono schemi impliciti che permettono a tutti gli ascoltatori di capire qual è la funzione espressiva anche di un brano brevissimo di una canzone mai sentita prima e prodotta da una cultura sconosciuta.

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https://www.fisicisenzapalestra.com/fisica/musica-e-scienza/

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Perché ci emozioniamo ascoltando la musica?

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Di tutte le arti la musica è quella più capace di evocare emozioni. Che sia gioia, commozione, serenità, eccitamento, malinconia, nessuna emozione è assente dalla tavolozza della musica, e non vi è nessuno che non abbia provato uno speciale sentimento all'ascolto di uno speciale brano. La...

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Scienza e musica

al Liceo Classico "Andrea da Pontedera"

La valorizzazione degli interessi musicali di numerosi studenti iscritti al Liceo Classico "Andrea da Pontedera" e la ricerca di un metodo didattico per appassionare i ragazzi alle materie scientifiche hanno trovato, nella fusione tra scienza e musica, una soluzione efficace.

Il percorso, iniziato nel 2007, e che ho organizzato assieme alla collega Flaviana Prosperi, come me docente di Matematica e Fisica, è abbastanza articolato e prevede per ogni anno e per ogni classe uno sviluppo differente, generalmente improntato sulle specifiche esperienze personali in ambito musicale e artistico degli studenti e strutturato in modo da completare, nell'arco del quinquennio, la preparazione in ambito scientifico.

Lezioni tenute da esperti di fisica musicale
Per la preparazione spesso ci siamo avvalse del contributo professionale offerto da docenti universitari. Tra questi, si ricordano gli interventi tenuti per i nostri studenti da docenti del Dipartimento di Fisica "E. Fermi" dell'Università di Pisa e nell'ambito delle attività del Piano Lauree Scientifiche:

Dalla pratica musicale al metodo sperimentale

Caratteri distintivi dei suoni, loro visualizzazione e percezione, suono e rumore

La scienza della musica e la musica della scienza
prof. Marco Sozzi.

Il prof. Marco Sozzi al Liceo Classico

Strumenti musicali improvvisati: come realizzarli con semplici dimostrazioni
pratiche; meccanismi generali per produrre musica, effetti di turbolenza da
illustrare con esperimenti
prof. Steve Shore.

Il prof. Shore e il prof. Sozzi a La Limonaia di Pisa

Una lezione del prof. Shore al Liceo Classico "A. da Pontedera"

Il sogno di Rameau: esistono i principi naturali dell'armonia?

Fisica e musica, natura e cultura nella poetica musicale

La musica e i suoi numeri
prof. Sergio Giudici.

Una delle lezioni del prof. Giudici per gli studenti del Liceo

Visualizzazione del suono: esperimenti sul funzionamento degli strumenti musicali

Fisica musicale: che cosa è il suono, come si trasmettono le onde sonore, le sorgenti
sonore, come misurare la velocità del suono, che cosa sono la lunghezza d'onda e la
frequenza, il moto armonico, l'intensità del suono, l'altezza, il timbro
prof. Isidoro Ferrante.

Il prof. Ferrante, le onde e la misura della velocità del suono

Il prof. Ferrante ha inoltre seguito gli studenti che hanno frequentato stage presso il dipartimento di fisica dell'Università di Pisa, con pratiche di laboratorio e collegamenti tra teoria ed esperimenti, sul tema Oscillazioni e musica.

Il prof. Moreno Andreatta, matematico e ricercatore IRCAM (L'Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique, istituto per la ricerca e coordinamento acustica-musica, ha sede presso il Centro Pompidou a Parigi ed è uno dei più grandi centri di ricerca per l'unione tra
prospettiva artistica e innovazione scientifica e tecnologica) ha tenuto la lezione Dalla musica alla matematica: invito al viaggio. Piuttosto che applicare direttamente la matematica alla musica, l'invito al viaggio è consistito nel prendere come punto di partenza alcuni problemi musicali sollevati da compositori e teorici della musica per capire con quali strumenti matematici sia possibile risolverli. Sono state esaminate diverse rappresentazioni geometriche di strutture musicali, dall'orologio cromatico al nastro di Möbius, dalla spirale al toro, una superficie a forma di ciambella. Il prof Giudici ha mostrato come ogni problema musicale abbia, per certi versi, il proprio spazio geometrico di predilezione, le cui proprietà matematiche possono, a volte, essere fonte di ispirazione per nuovi ed inesplorati territori musicali.

Alcune slides della presentazione del prof. Andreatta

Gli studenti hanno assistito a concerti proposti dall'associazione "Il Rossignolo", gruppo specializzato nello studio e nell'esecuzione di musica antica su strumenti storici e hanno partecipato a due convegni:

 Musica e rivoluzione scientifica tenutosi presso "La Limonaia" di Pisa;
 Galileo e la Musica, organizzato presso il Liceo Carducci di Pisa in occasione dei 450 anni della nascita di Galileo Galilei.

Il prof. Sozzi alla giornata galileiana

Gli studenti del classico a La Limonaia di Pisa

Presso l'Istituto di Scienza e Tecnologie per l'Informazione del CNR di Pisa hanno seguito gli studi del musicista informatico Leonello Tarabella. Dopo periodi di studio trascorsi all'Experimental Music Studio (MIT, Boston) e al Center for Computer Researches in Musical Acoustics della
Stanford University (California, USA), il dott. Tarabella si è specializzato in tecnologia della computer music. Oggi è responsabile dell'attività di ricerca artistico-tecnologica del Computer Art Lab dell'area della ricerca del C.N.R. di Pisa. Gli studenti hanno assistito a modalità di progettazione di sistemi di elaborazione numerica di segnali audio, di sviluppo di ambienti e linguaggi per la composizione musicale algoritmica, alla progettazione e realizzazione di sistemi di riconoscimento gestuale basati sulla tecnologia a raggi infrarossi e l'elaborazione in tempo reale di immagini in movimento.

Il dott. Tarabella e la computer music generata muovendo le mani

Tutto questo impianto è stato stimolante e coinvolgente grazie all'intreccio con applicazioni pratiche realizzate dagli studenti e iniziative gestite direttamente dai ragazzi che, sotto la guida degli insegnanti, hanno potuto ampliare gli orizzonti tematici e le proprie attitudini
creative.

Concerti ed esibizioni di gruppi musicali e corpi di ballo creati all'interno del Liceo Classico

In occasione dell'evento "Caffè scienza e fisica delle particelle", organizzato dal prof. Francesco Biasci con il Cred-Valdera e tenutosi nel marzo 2015 presso la Biblioteca "G. Gronchi" di Pontedera, Lorenzo Masoni, compositore e musicista, studente del Liceo Classico, diplomato con
100 e lode, premiato come miglior talento maschile nazionale alla quinta edizione delle Olimpiadi della cultura e del talento, ha creato ed eseguito alla tastiera sei brani con caratteristiche musicali affini al comportamento dei sei quark: top, bottom, strange, charme, up, down.

Lorenzo Masoni viene premiato come

miglior talento maschile nazionale alla quinta

Olimpiade della Cultura e del Talento

È stato creato il gruppo Alpha Waves, composto da due chitarre, due batterie, due strumenti a fiato, una tastiera, due voci e due corpi di ballo, uno classico e uno moderno. Ogni anno entrano a far parte del gruppo nuovi elementi, ma gli studenti "maturi" tornano volentieri a scuola per alcuni spettacoli, suonando con i compagni più giovani.

Il gruppo musicale del Liceo Classico si esibisce alla Biblioteca Gronchi di Pontedera

Ad esempio Filippo Sartini, designato per suonare l'Inno di Mameli in veste rock durante la deposizione di una corona d'alloro al monumento dei caduti in piazza Garibaldi a Pontedera, per la ricorrenza del 25 Aprile,

Filippo Sartini

e Andrea Valeri, giovane talentuoso musicista che ha fatto il giro del mondo per esibirsi in concerti al fianco dei più grandi chitarristi. Andrea si è diplomato al Liceo Classico nel 2010 e si è dedicato da autodidatta alle tecniche di fingerpicking, componendo i brani che esegue con un'abilità impensabile per la sua età. Ha già pubblicato cinque album e torna sempre con piacere al Liceo anche per lezioni-concerto, in cui si esibisce, spiega che cosa significa ideare, preparare e interpretare un brano musicale e illustra come si può conciliare un'attività ad alto livello con uno studio sistematico delle materie curricolari.

Andrea Valeri

Esibizioni musicali e danzanti al teatro Era di Pontedera in occasione della Giornata della Scuola 2017:

Eleonora Ciolino e Costanza Zingoni al violino

Alice Sartini, Rebecca De Luca, Lucrezia Rossi danza moderna:

con Francesca Pepoli, Virginia Stefanelli e Letizia Martinelli

Concorsi e progetti in ambito musicale

Sfruttiamo la partecipazione alle competizioni per aiutare i ragazzi a controllare le tensioni emotive e l'ansia da prestazione che precedono una prova importante, per stimolarli ad aumentare la loro capacità di concentrazione, per abituarli ad un allenamento mentale al fine di accrescere le loro motivazioni, migliorandone le prestazioni.

Le Olimpiadi della Cultura e del Talento sono un concorso culturale multidisciplinare nazionale rivolto alle scuole secondarie di secondo grado, che vi partecipano con squadre composte da sei studenti. Si articola in tre fasi:

eliminatorie - alla prova partecipano tutti e sei i componenti e consiste nel risolvere quiz di logica, informatica, storia dell'arte, cultura sportiva e cultura musicale, in cui è previsto anche il riconoscimento di tracce musicali.

semifinali - consistono in: 5 test scritti composti da 16 domande a risposta multipla ognuno e una prova musicale. Sono svolti ognuno da un diverso componente della squadra individualmente e vertono su:

Letteratura Italiana e Internazionale;

Educazione Civica e Attualità Italiane ed Europee;

Lingua Inglese;

Scienze;

Storia e Geografia Mondiale;
La prova musicale consiste nell'ascoltare 16 brani musicali in sequenza per circa 20 secondi e riconoscerne titolo ed artista compositore o esecutore.

Finale nazionale - consiste in quattro prove:
- Colloquio orale "Parlateci di..", in cui tutti i componenti hanno un massimo di 10 minuti per argomentare un'immagine sorteggiata, prevedendo anche commenti in lingua inglese;
- Prova SMS, che consiste nell'elaborare in 15 minuti un sms con una lunghezza massima assegnata su un tema assegnato;
- Prova CortOlimpiadi, che prevede la realizzazione di un cortometraggio in cui appaiano come protagonisti tutti i 6 componenti della squadra;
- Prova Talento, dove vengono espresse particolari doti artistiche acquisite anche in ambito extra-scolastico.

Le prove vengono valutate da una commissione composta da attori, registi, giornalisti, tenendo conto di:

originalità e creatività;

multidisciplinarietà;

tecnica e precisione;

gioco di squadra;

forma e cura dei dettagli.

I risultati dei ragazzi del Liceo Classico sono stati eccellenti.

La squadra del Liceo Classico terza classificata alla quinta edizione

delle Olimpiadi Nazionali della Cultura e del Talento

Il progetto Vibr-azioni è iniziato nell'anno scolastico 2014-2015 ed è continuato l'anno successivo. Con esso il Liceo Classico "Andrea da Pontedera" si è aggiudicato per la seconda volta il premio di Pianeta Galileo dopo il successo dell'anno precedente raggiunto con La fisica dell'aria dall'antichità al futuro. Il
riconoscimento è assegnato dal Consiglio Regionale della Toscana a progetti di educazione scientifica finalizzati allo sviluppo delle potenziali attitudini degli studenti.

Al progetto hanno partecipato gli studenti del triennio del liceo classico "Andrea da Pontedera", quelli dell'indirizzo tecnico elettrico-elettronico dell'Ipsia "Pacinotti" e quelli del corso serale di operatore dei servizi socio-sanitari dello stesso istituto. Si propone di ideare, scoprire, studiare e applicare azioni vibranti nella realtà di tutti i giorni in diverse sfumature: vibrazioni sonore, paesaggio sonoro, eventi musicali, musica e arte, vibrazioni dall'infinito, musicoterapia, computer music. Per la realizzazione del progetto ci si avvale della collaborazione dei docenti del piano lauree scientifiche dell'Università di Pisa, di ricercatori dell'Infn e del laboratorio musicale di rete della Valdera.

Attraverso Vibr-azioni, i ragazzi riescono ad acquisire conoscenze e competenze attraverso attività di laboratorio, valorizzano i loro interessi musicali, scoprono il rapporto tra musica e fisica, territorio, arte, informatica.

Pendoli, moti armonici, musica

al CREC-Piaggio di Pontedera

Nel progetto gli studenti confrontano le loro preparazioni scolastiche, potenziano la creatività, approfondiscono lo studio del suono, dell'acustica e delle tecnologie legate a questi ambiti.

Nel dettaglio, le finalità sono:

 Acquisizione delle conoscenze e competenze attraverso attività di laboratorio.
 Valorizzazione degli interessi musicali degli studenti, mostrando il rapporto tra fisica e musica,
tra musica e scienza, tra musica e territorio, tra musica e arte, tra musica e informatica.
 Valorizzazione delle peculiarità di indirizzi scolastici differenti (Liceo Classico - Istituto
Professionale) attraverso il confronto creativo, nel rispetto e nel potenziamento delle identità,
trasformando in risorse le diversità e le complessità.
 Potenziamento della creatività degli studenti.
 Ampliamento delle conoscenze e competenze degli studenti in un ambito relativo alla realtà di
tutti i giorni, trasversale e integrativo rispetto ai contenuti presenti nei programmi ministeriali.
 Diffusione nel territorio dei risultati raggiunti.

Prof. Luigi Rolandi (Scuola Normale Superiore): Le oscillazioni del vuoto

Gli obiettivi sono:
- Discutere aspetti fisici legati alla creazione, propagazione e percezione del suono.
- Imparare ad effettuare semplici misure di acustica.
- Capire il funzionamento degli strumenti musicali più comuni.

Laboratorio di fisica del Liceo

- Visualizzazione degli spettri sonori.
- Creare semplici strumenti musicali.
- Affinamento delle capacità di ascolto.
- Ampliamento di capacità tecniche e operative.
- Imparare tecniche di registrazione del suono.
- Acquisizione delle metodologie di base per l'editing e la trasformazione del suono.
- Composizione di brani musicali.
- Sonorizzazione di opere artistiche anche con tecniche digitali.
- Individuazione di oggetti per la produzione sonora nella realtà di tutti i giorni.
- Analisi dell'inquinamento acustico dello spazio circostante.
- Ricostruire e ricreare ambienti sonori del passato e del presente utilizzando il corpo, la
voce o oggetti di uso quotidiano.
- Avviare alla competenza di stile geografico sonoro valorizzando il patrimonio locale.
- Indagine del paesaggio sonoro con strumenti di analisi di tipo diverso: acustico,
psicoacustico, elettroacustico, storiografico, estetico, architettonico-sonoro...
- Imparare a leggere uno spazio architettonico anche da un punto di vista sonoro.
- Analisi del rapporto tra l'uomo e i suoni del suo ambiente.
- Capire come può avvenire la propagazione di segnali nell'universo.
- Percepire la genialità che ha portato Einstein e altri scienziati ad intuire fenomeni prima di
una sperimentazione diretta.
- Capire il significato di radiazione di fondo e di eco del Big-Bang.
- La misura delle onde cerebrali; capire la relazione tra le onde cerebrali e i processi mentali.
- Conoscere i neutrini, come si producono, come si rivelano, in che cosa consiste la loro
oscillazione e la motivazione dell'assegnazione del Premio Nobel per la Fisica 2015.
- Capire i profondi legami tra matematica, fenomeni acustici e produzione musicale.
- Capire come l'evoluzione delle nuove tecnologie dell'informazione (Informatica,
Elettronica, Telecomunicazioni) potrà influire sul rapporto tra musica e società.

Lezione del dott. Passuello e dell'ing. Gennai

al Liceo Classico

Un importante contributo al progetto è quello di Mario Piatti, docente di Pedagogia musicale nei Conservatori di musica di Venezia, Castelfranco Veneto e La Spezia dal 1982 al 2009 e dal 2007 al 2009 coordinatore di Musicascuola-Laboratorio musicale di rete degli Istituti Comprensivi di Pontedera. Attualmente collabora come pedagogista con il Centro Risorse Educative e Didattiche Valdera per i progetti musicali. Grazie al supporto dello stesso Centro, che ha permesso l'acquisto di strumenti e attrezzature, è stato creato al Liceo Classico un Laboratorio di Espressione Musicale.

Partendo dalla convinzione che l'apprendimento attivo-dinamico sia il più proficuo per gli studenti, si realizzano le attività applicando tecniche di progettazione partecipata. Agli studenti sono forniti stimoli e materiale che in modo autonomo e creativo elaborano, sperimentano, realizzano.

Per ognuno degli ambiti previsti dal progetto, sono predisposti spunti di riflessione e di indagine che poi gli studenti esaminano con tecniche di apprendimento diverse. Gli studenti sono stimolati e incoraggiati alla produzione di idee creative ed innovative e gratificati per i risultati ottenuti.

Un esempio tra i tanti è quello di Matteo Balducci, che si è diplomato nel 2016 al Liceo Classico. Ha parlato ai compagni di scuola di storia della registrazione, di tecniche di mixaggio e di produzione di composizioni musicali digitali.

Matteo Balducci illustra le tecniche di mixaggio

Il 7 giugno, in occasione della Gionata della Scuola 2017, abbiamo presentato "Scienza e Musica" al Teatro Era.

Novità 2017: la misura della velocità del suono con uno smartphone

Sulle note di PHI-Bonacci

La musica per stimolare l'interesse verso temi di carattere scientifico e culturale, l'interdisciplinarietà dell'arte musicale per una formazione innovativa degli studenti, l'alternanza tra momenti di studio rigoroso e critico e momenti di piacevole ascolto, ideazione o esecuzione di brani musicali;

tutto questo ha anche permesso la formazione di gruppi di studio e amicizie trasversali sul quinquennio, fondamentali per la creazione di un forte senso di appartenenza alla scuola e di relazioni interpersonali importanti e durature.

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La valorizzazione degli interessi musicali di numerosi studenti iscritti al Liceo Classico "Andrea da Pontedera" e la ricerca di un metodo didattico per appassionare i ragazzi alle materie scientifiche hanno trovato, nella fusione tra scienza e musica, una soluzione efficace.

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Il padre di Galileo era un musicista ( liutista e compositore) e teorico musicale molto noto ai suoi tempi. Indirettamente, Galileo fornì un contributo fondamentale alla musica. Si dedicò infatti alla comprensione dei fenomeni acustici, studiando in modo scientifico l'importanza dei fenomeni oscillatori nella produzione del suono.

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Perché musica e scienza si attraggono e si oppongono? La natura intrinseca dell'una non dovrebbe derivare dall'universo delle frequenze esistenti in natura e ampiamente spiegati dal punto di vista scientifico?

Si tratta di domande che mettono in moto un dibattito eterno, e che nel XX secolo ha determinato la creazione di nuovi linguaggi che altro non erano, se non l'analisi fisica della loro struttura interna. Un gioco delle forme che ha posto l'arte suprema e il sapere scientifico, come sue eterni amanti, che si incontrano e si scontrano, con la pretesa di dover dimostrare l'appartenenza a universi paralleli.

Se è vero che la musica e la scienza vengono studiate da un punto di vista diverso, nel quale l'aspetto analitico e razionale deve necessariamente lasciare il posto all'espressione di una consapevolezza interna, è anche vero che il percorso matematico, compiuto anche in età moderna, mette a confronto un principio di analisi fisica e algoritmi con un'intenzione estetica e culturale di matrice romantica, basata sul trionfo della passione e del sentimento sull'intelletto. Ciò comporterà progressivamente l'abbandono del sistema tradizionale di arti liberali.

Tutto questo ovviamente ha origini molto antiche: già nel V secolo, il filosofo Cappella ebbe a teorizzare come la musica fosse in realtà una struttura fisica; composta da frequenze, due livelli di linguaggio canonici della teoria armonica tonale, all'interno dei quali è possibile analizzare il ritmo e la melodia.

Andando un po più avanti nei secoli, è impossibile parlare di fisica musicale, senza soffermarci su J ohann Sebastian Bach, nella cui prolifica letteratura musicale, è possibile riscontrare una lunga serie di metodi e calcoli, per la composizione dei suoi canoni musicali, paragonabili ai moderni algoritmi di ricerca.

Le frequenze in particolare, sulle quali si compongono sequenze di suoni, sono il frutto della vibrazione di un corpo che, a sua volta, riesce ad alterare la pressione e la densità dello strumento in cui si trova il corpo vibrante.

Proprio l'analisi fisico-acustica e quella filosofica sulle frequenze, è alla base del linguaggio e degli studi del grande musicista e leader degli Area, Demetrio Stratos. Assieme ai compagni di viaggio, egli riuscì a portare all'attenzione di un pubblico vasto e non necessariamente elitario, la concezione dello strumento "voce", sia in teatro che nel mondo del progressive-rock italiano degli anni '70, senza che lo stesso linguaggio fisico si discostasse dai temi di carattere politico e sociale, ai quali il gruppo emiliano era molto legato.

In particolare quello che fece il compositore greco, naturalizzato italiano, fu di prendere spunto dalle tecniche canore orientali, grazie alle quali era possibile riuscire a emettere contemporaneamente più suoni con frequenza diversa; le cosiddette diplofonie, erano uno strumento utilizzato dai monaci tibetani con i quali era possibile riuscire a "suonare la voce". Attraverso tale sistema egli riuscì, non solo a imporre un diverso modo di armonizzare le diverse forme di suono, prodotte a livello glottologia, ma anche sfruttare il corpo come una cassa di risonanza dell'intero apparato fonetico, per dare più emotività alla medesima azione scenica.

Franco Ferrero, fisico e illustre esperto di fonetica, rimase talmente colpito da questa capacità, che nel 1973 chiese a Stratos di collaborare ad uno studio specifico, presso il Centro di Studio per le Ricerche di Fonetica del CNR di Padova.

Nel biennio che seguì egli riuscì a sperimentare le varie fasi di produzione fonetica delle frequenze, arrivando a stabilire come il cantante fosse un caso unico e raro, perché era in grado di produrre simultaneamente fino a tre suoni di frequenza diversa, alcuni dei quali avevano persino delle frequenze superiori a quelle prodotte dal proprio fonetico e segnando di fatto, un punto di approdo nella storia della ricerca fisica e acustica italiana.

Questi e tanti altri esempi sottolineano come il rapporto tra scienza e musica, potrebbe essere riassunto come quelle di sorelle gemelle nate dal medesimo feto, ma separate alla nascita; in perenne conflitto emotivo, ma in totale simbiosi naturale.

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Musica e scienza: quella lunga e intricata storia d'amore! | JustNews.it

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Perché musica e scienza si attraggono e si oppongono? La natura intrinseca dell'una non dovrebbe derivare dall'universo delle frequenze esistenti in natura e ampiamente spiegati dal punto di vista scientifico? Si tratta di domande che mettono in moto un dibattito eterno, e che nel XX secolo ha determinato la creazione di nuovi linguaggi che altro ...

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Colmare la distanza, spesso siderale, tra le scienze e la musica: è il sogno, e l'obiettivo che un giovane, talentuoso, affermato direttore d'orchestra si è prefisso. Daniel Harding, a Stoccolma, dove dirige la sua orchestra sinfonica, ha creato, con grande seguito, Interplay, un evento/mix di concerto - conferenza - dibattito fra musicisti e scienziati.

Viviamo in un'epoca in cui le migliori risposte avanzate dalla nostra specie provengono dalla scienza, per cui non possiamo permetterci di restarne slegati, oggi, nell''Era della Scienza'

Di recente è stata la volta del Professor Brian Cox, fisico delle particelle, ex rockstar, e oggi divulgatore di fama mondiale.

Colonna sonora dell'evento, che si è tenuto alla Berwaldhallen di Stoccolma, sono state la sinfonia di Mahler "Il Canto della Terra", e un brano contemporaneo per violino e orchestra ispirato al viaggio della missione spaziale "Voyager", esempio dell'influenza reciproca fra arte e scienza. Solista: il britannico Jack Liebeck, su una composizione del premio Oscar Dario Marianelli.

"Che cos'è la vita? qual è la sua origine? Sono questioni filosofiche di sempre, e da sempre l'uomo ha fornito alcune risposte attraverso le discipline umanistiche, dice il Maestro Harding. Le grandi religioni, i grandi filosofi hanno pure contribuito, e l'arte e la musica sono state lo specchio delle grandi idee del'umanità. Ora viviamo in un'epoca in cui le migliori risposte avanzate dalla nostra specie provengono dalla scienza, per cui non possiamo permetterci di restarne slegati, oggi, nell' 'Era della Scienza'."

"Ascoltando Mahler, riflette il Prof. Cox, lo si sente alle prese con l'idea della finitezza della nostra esistenza; ed è interessante che scienza e cosmologia rendano la questione ancora più attuale; le conoscenze scientifiche sono ben diverse oggi ma credo che il problema sia la stesso, e cioè: che cosa significa per una civiltà, o per un individuo, sapere di avere una durata di vita limitata all'interno di un universo potenzialmente infinito? Se noi siamo l'unica civiltà presente nella Via Lattea, per esempio, questo significa che siamo 'rari'? il che vuol dire, allora, che siamo anche 'preziosi'!"

"Ci sono temi in Mahler, dice Brian Cox, che sembrano suggerire che la vita vada goduta, celebrata finché si può, assaporando ogni momento, e credo che questo sia pure quel che ci dice la scienza di oggi: ossia che, a meno che non riusciamo in un impresa eccezionale, come la colonizzazione della galassia attraverso i viaggi interstellari, è assai probabile che l'intera umanità sia di passaggio. E penso che i grandi artisti abbiano capito che la nostra transitorietà rende la nostra esistenza preziosa; ovvio, allora, che di fronte a una cosa transitoria e rara, e quindi preziosa, sia necessario tutelarla."

"Ascoltando Mahler, continua nella sua riflessione Cox, si può pensare che nella sua musica egli si ponga interrogativi sull'esistenza della razza umana, anzi, dello stesso universo. Io trovo che ascoltare musica di cento e più anni fa può essere estremamente utile se si vuole comprendere il senso delle nuove scoperte, il significato della cosmologia. Ecco, Mahler può aiutarti a capire! Perché equivale a chiedersi: 'che senso ha la mia vita?'"

La conclusione, razionalistica e romantica insieme, la fornisce Daniel Harding: "Quando ci domandiamo dove siano i Michelangelo, i Leonardo, gli Shakespeare, i Mozart di oggi, dove siano le grandi personalità che tra centinaia di anni considereremo coloro che hanno davvero cambiato l'umanità attraverso le loro idee, la loro immaginazione, creatività... ecco, chissà se quei grandi del nostro tempo non siano, forse, proprio gli scienziati."

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Colmare la distanza, spesso siderale, tra le scienze e la musica: è il sogno, e l'obiettivo che un giovane, talentuoso, affermato direttore d'orchestra si è prefisso. Daniel Harding, a Stoccolma, dove dirige la sua orchestra sinfonica, ha creato, con grande seguito, Interplay, un evento/mix di concerto - conferenza - dibattito fra musicisti e scienziati.

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La musica delle sfere - percorso storico

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La musica delle sfere - percorso storico

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