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in costruzione

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lo sceneggiato RAI di Castellani in versione integrale su Raiplay

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Il poderoso lavoro di Renato Castellani è frutto di otto anni di studi sul compositore Giuseppe Verdi, per i quali si è avvalso della consulenza musicale di Roman Vlad. In onda in otto puntate dal 13 ottobre 1982, lo sceneggiato abbraccia l'intero arco della vita di Verdi, interpretato da Ronald Pickup. Nel cast spicca la partecipazione di Carla Fracci nel ruolo di Giuseppina Strepponi.

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Il poderoso lavoro di Renato Castellani è frutto di otto anni di studi sul compositore Giuseppe Verdi, per i quali si è avvalso della consulenza musicale di Roman Vlad. In onda in otto puntate dal 13 ottobre 1982, lo sceneggiato abbraccia l'intero arco della vita di Verdi, interpretato da Ronald Pickup.

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Riccardo Muti dirige il Va' pensiero durante le rappresentazioni di Nabucco a Roma nel 2011, in occasione del 150 anniversario dell'unità di'Italia.

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Luciano Pavarotti - La Donna È Mobile (Rigoletto)

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A clip of my favorite opera: Verdi's La Traviata. In this part, Alfredo discovers Violetta writting her farewell letter. I specially love this version played by Anna Netrebko and Rolando Villazón, ¡mi paisano! Please comment!

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Franco Bonisolli canta la più famosa pagina del Trovatore

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Il trovatore: Vedi le fosche notturne spoglie

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Il trovatore: Vedi le fosche notturne spoglie

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Il Trovatore - Vedi le fosche notturne spoglie - Arena di Verona 2016

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Il Trovatore: Premiere 06.08.2016 Conductor: Daniel Oren Director and Sets: Franco Zeffirelli Costume: Raimonda Gaetani Choreographer El Camborio revival by Lucia Real Fencing Master: Renzo Musumeci Greco Chorus Master: Vito Lombardi Ballet Coordinator: Gaetano Petrosino Director of Technical Operations and Stage Design: Giuseppe De Filippi Venezia Arena di Verona Orchestra, Chorus, Corps de Ballet and Technical team #inarena http://bit.ly/IlTrovatore2016_IT

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Un articolo interessante sulle due versioni dell'opera tra Firenze e Parigi

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di Roberta Pedrotti
In occasione dell'inaugurazione del Festival Verdi 2018, un'analisi e una riflessione sul confronto fra le due versioni di Macbeth, che propongono non solo differenze di stile e forme musicali, ma anche diversi equilibri psicologici e differenti prospettive drammaturgica.
Quando Verdi, nel 1865, ripropone al Theatre Lyrique di Parigi, il suo Macbeth a diciotto anni dalla prima fiorentina, la ripresa è l'occasione per una revisione che si sviluppa con alcuni interventi di sostituzione e altri di riscrittura più o meno radicale, oltre all'inevitabile inserimento dei numeri di danza.

Un po' di spirito francese, a dire il vero, era alla base già della prima stesura dell'opera shakesperiana, destinata allo stesso teatro della Pergola dove, nel 1840, aveva fatto il suo debutto italiano Robert le diable di Meyerbeer, il cui carattere fantastico gotico ben integrato al balletto (Maria Taglioni introdusse la tecnica sulle punte proprio per questo grand opéra, al fine di rendere gli spettrali delle novizie evocate dal demonio) è ottimo viatico per l'irruzione del sovrannaturale nel melodramma romantico italiano né biblico né mitologico. Anche il senso della danza, pur senza ancora uno spazio a essa ufficialmente consacrato, si avverte già netto nell'incedere del primo Macbeth, non solo nell'evanescente "Ondine e silfidi".

Ritmi ternari di Mazurka e Valzer compaiono nella prima versione e quasi sono accentuati in modo da sottolineare l'aspetto grottesco, un'ironia dipinta a tinte forti con ampie pennellate. Così è, per esempio, nel duetto "Fatal mia donna, un murmure", nella sezione centrale " Sei vano, o Macbetto", che in un certo senso preconizza il concertato del finale II, "Sangue a me quell'ombra or chiede". Cambiando l'uno, cambia anche l'altro, infatti, per Parigi.

Il duetto della coppia omicida è sicuramente uno dei momenti che Verdi rielabora in maniera più eclatante. Come nella scena dell'apparizione di Banco nel finale secondo e nel quadro delle streghe del terzo atto, la struttura netta delle frasi, con le loro simmetrie e precise scansioni formali lascia spazio a un'articolazione più libera. Il testo è trattato in modo energico, perentorio, nella prima versione, quasi aggressiva, esplicita, anche nel rapporto con l'orchestra. Basti ascoltare come il sarcasmo della Lady si esprima sfacciato ma nei confini di una sezione ben definita con cadenza finale a due voci; oppure come si giustappongano "Macduffo, tua vita perdono" e "No, morrai..", risoluzioni antitetiche che, invece, s'incalzano nella riscrittura parigina.

Nel 1865, Verdi porta a compimento lo spasmodico perfezionismo che aveva fin dal primo momento dedicato all'intonazione musicale del testo di Shakespeare. Il primo Macbeth appare come il Prigione michelangiolesco in attesa di liberarsi dal marmo. La potenza espressiva racchiusa nella forma delinea ora essa stessa la forma con un movimento plastico, a tutto tondo. Diventa più urgente, rapido, si disbriga da cesure e cadenze che ancora dilatavano l'azione impellente, ma diventa anche più sottile, nei sottintesi, nei sussurri e negli accenti come nell'utilizzo dei tempi ternari di danza che ora si fanno più leggiadri, ironici e spettrali.

Oltre alle rielaborazioni che riguardano prevalentemente il momento del regicidio e le successive scene sovrannaturali del banchetto e dell'antro delle streghe (e quindi, prevalentemente, il canto di Macbeth stesso), vi sono poi quattro numeri sostituiti interamente con pezzi nuovi da Firenze a Parigi.

All'inizio del secondo atto, la decisione di far uccidere Banco e il figlio è coronata dalla spavalda e virtuosistica "Trionfai, securi alfine" della Lady, che si bea soddisfatta del traguardo raggiunto. Nel 1865, invece, la donna con "La luce langue" progetta, pregusta, immagina inquietante e serpentina il delitto prima di abbandonarsi inebriata alla "voluttà del soglio".

Al termine del terzo atto, dileguatesi streghe e visioni, Macbeth solo si getta feroce nell'idea di sterminare la famiglia di Macduff e tutti coloro possano essere d'ostacolo alla sua sete di potere nell'aria "Vada in fiamme, in polve cada". Nella versione parigina, sopraggiunge la Lady a incitare il marito a nuovi delitti e insieme celebrano l'"Ora di morte e di vendetta".

Nel quarto atto il coro, "Scozia oppressa", il recitativo di Macduff e la stretta, "La patria tradita" vengono sostanzialmente riscritti, a partire dall'incipit testuale: "Patria oppressa", con un respiro più ampio, come un lamento universale.

Infine, ildel 1847 si chiudeva con il tiranno sconfitto e morente, consapevole degli orrori commessi:

Mal per me che m'affidai

ne' presagi dell'inferno!...

Tutto il sangue ch'io versai

grida in faccia dell'eterno!...

Sulla fronte... maledetta

sfolgorò... la sua vendetta!...

Muoio... al cielo... al mondo in ira,

vil corona!... e sol per te!

Nel 1865, Verdi riscrive il recitativo che segue "Pietà, rispetto, onore" (sì, da edizione critica è l'onore e non l'amore a mancare al tiranno), la battaglia e l'epilogo, con Macbeth messo rapidamente a tacere dalla spada di Macduff e l'esultanza finale del popolo "Macbeth, Macbeth dov'è?".

Al di là della qualità musicale, come sempre per Verdi vale quanto egli stesso scrisse riguardo a "le mie note o belle o brutte che siano non le scrivo mai a caso e che procuro sempre di darvi un carattere." Le due versioni di Macbeth hanno ciascuna un proprio, specifico e coerente carattere, definibile con chiarezza proprio attraverso i numeri sostituiti.

Nel 1847 il ruolo attivo di Lady Macbeth si esaurisce all'inizio del secondo atto: dopo aver istigato e partecipato alla pianificazione degli omicidi di Duncano e Banco, esulta soddisfatta, ha raggiunto il suo obbiettivo e il suo ruolo propulsivo si conclude. La struttura stessa di "Trionfai, securi alfine" è gemella a quella di "Vada in fiamme, in polve cada", il brano con cui, in solitudine, Macbeth a sua volta conclude il suo percorso sanguinario celebrando la morte imminente della famiglia di Macduff. I due coniugi diabolici, così, si affiancano a distanza, procedono in parallelo, ma non si incontrano, non interagiscono più (se non, fugacemente, nella scena del banchetto). Nel finale è riservato a ciascuno un monologo conscio o inconscio in cui si confronta con il male commesso. Se si pensa però al carattere proteso all'azione di "La luce langue" e al dinamico incalzare del duetto "Vi trovo alfin... Ora di morte e di vendetta" è chiaro che nel 1865 Verdi vuole una Lady molto più presente, vero motore del dramma complementare a Macbeth. Si può dire che, quando si parla della versione parigina oggi consueta, il titolo designi la coppia come un organismo indissolubile; viceversa a Firenze nel 1847, la donna esauriva il suo ruolo attivo prima della metà del dramma, lasciando solo l'eponimo Sir di Glamis asceso al trono di Scozia. Fino a quel monologo finale cui segue la fulminea incoronazione di "Malcolmo" il fuoco sembra stringersi su Macbeth, sul suo decadimento psichico fino alla consapevolezza nella morte. Macbeth acquista centralità crescente a discapito della moglie e nel finale l'attenzione è tutta per lui, con il grande monologo "Mal per me che m'affidai", pagina che compie la riflessione di "Pietà, rispetto, onore" e fa della mente del tiranno il fulcro ultimo del dramma.

Questa prospettiva cade nel 1865, ed è per questo che chi fosseia tentato di mescolare le versioni inserendo il finale fiorentino compirebbe un grave errore di coerenza drammaturgica. La coppia diabolica, dopo aver agito in simbiosi, muore a distanza in modo parallelo: un flusso di coscienza, razionale o irrazionale, nel sonno o in piena lucidità, in forma di scena o di aria, poi si scompare, rapidamente, senz'altre parole. Il loro percorso perverso è parte del meccanismo della storia, di un respiro simbolico più ampio: come il coro dei profughi si era fatto lamento universale in una nuova intonazione, così l'esultanza finale, con la sua marcia grandiosa, è la celebrazione del potere del suo inviluppo inesorabile di cadute e trionfi, dolori e celebrazioni. Il tanto - e a torto - vituperato finale corale e accentua la dimensione ciclica e propagandistica del potere che inghiotte, nello spazio di un paio di battute, anche i suoi apparenti titani. Gli stessi che nella versione fiorentina avevamo visto isolarsi sempre più nella propria ossessione senza scampo o campo d'azione. Nel teatro di Verdi ogni partitura, ogni versione ha una sua unitarietà e precisa tinta inalterabile, per questo l'ascolto comparato non è solo curiosità per studiosi sull'evoluzione dello stile e della poetica, ma anche l'occasione per osservare come il sommo compositore e drammaturgo sviluppi il medesimo soggetto, pressoché lo stesso libretto, con prospettive e caratteri sottilmente differenti.

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di Roberta Pedrotti In occasione dell'inaugurazione del Festival Verdi 2018, un'analisi e una riflessione sul confronto fra le due versioni di Macbeth, che propongono non solo differenze di stile e forme musicali, ma anche diversi equilibri psicologici e differenti prospettive drammaturgica.

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è la scena più famosa dell'opera.
potete vedere il video con qualche indicazione con VIDEOANT a questo LINK.

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[HD] Gloria all' Egitto, Marcia trionfale; Ballabile; Vieni, o guerriero vindice (from Verdi's Aida)

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in memoria di Alessandro Manzoni

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Verdi - Messa da Requiem - Herbert von Karajan - Subtítulos en Latín

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Il Requiem in S. Marco a Milano (12/04/2019)

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Il Requiem in S. Marco a Milano (12/04/2019)

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Nel 2019 Teodor Currentzis eseguì con MusicaEterna coro e orchestra il Requiem di verdi nella chiesa di S. Marco a Milano:

qui venne eseguito per la prima volta  il 22 maggio del 1874 nell'anniversario della morte di Alessandro Manzoni (diretta dallo stesso Verdi).

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Teodor Currentzis - Verdi: Requiem, Dies irae

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la scena della tempesta ed l'ingresso di Otello con il famoso "Esultate!"

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Il tenore Francesco Tamagno (1850-1905) fu il primo interprete di Otello nella prima assoluta dell'opera alla Scala nel 1887. Di Tamagno possiamo ascoltare la voce giunta nelle prime pionieristiche registrazioni dei primi del Novecento.

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Francesco Tamagno -  Esultate! (Verdi - Otello).wmv

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una versione non convenzionale della Marcia nuziale del Lohengrin di Wagner

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quello che accade...

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Gli ultimi anni: i Quattro pezzi sacri (1897)

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Gli ultimi anni: i Quattro pezzi sacri (1897)

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Negli ultimi anni Verdi scrive tre brani su testo sacro o religioso: a Stabat Mater, Laudi della Beata Vergine e Te Deum, venne aggiunta un''Ave Maria per coro a 4 voci, scritta anni prima su una scala "enigmatica", pubblicata da una rivista come sorta di quiz... I pezzi sacri vennero eseguita alla Scala nel 1897 sotto la direzione di Arturo Toscanini.

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G  Verdi Te Deum Munchner Philharmonike Athestis Chorus C Thielemann Aula Paolo VI im Vatikan 2005

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nella musica di Wagner ogni personaggio ha un tema conduttore, il leitmotiv appunto: Brunhilde compare all'inizio del II atto di Die Walkure, e canta sul tema della celeberrima cavalcata che aprirà l'atto successivo

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Wagner Die Walküre "Prelude 2º Act. and first scene" Scala, Barenboim 2010. N. Stemme, V. Kowaljow

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Uploaded by Francisco Marin on 2010-12-09.

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nel video si propone la celebre scena di apertura del terzo atto della Valchiria nell'esecuzione di Daniel Barenboim durante la serata inaugurale del Teatro alla Scala il 7/12/2010, con la regia di Guy Cassiers

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The Ride of the Valkyries. Scala Milano. Barenboim, 2010

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una registrazione storica diretta da Georg Solti

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The Golden Ring - The Making of Solti's "Ring" (Wagner Ring Cycle)

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l'ultima opera di Verdi va in scena quando l'Autore sta per compiere 80 anni. Ancora una volta Boito trae il soggetto da Shakespeare: questa volta Verdi si cimenta con una commedia (PADLET dedicato).

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A Bayreuth in Baviera, Wagner riuscì a far costruire un teatro (grazie alle sovvenzioni di Ludwig II di Baviera) secondo la sua idea di vero e proprio "tempio" della musica: tutti gli spettatori hanno una buona visuale, l'orchestra è completamente nascosta nel "golfo mistico", il pubblico non ha distrazioni di alcun tipo durante lo spettacolo.

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Die Akustik des Bayreuther Festpielhauses: Der legendäre Wagnerklang – zufällig genial | BR-Klassik

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Die Akustik des Bayreuther Festspielhauses ist weltweit einzigartig. Hier erfahren Sie, welche baulichen Besonderheiten für den legendären Mischklang sorgen – und warum er eigentlich ein Produkt des Zufalls ist.

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Der Zutritt zum Orchestergraben ist während einer Aufführung normalerweise streng verboten. Der Festspielpodcast hatte die einmalige Chance, bei Wagners Walkürenritt live dabei zu sein.

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Verdi muore a Milano il 27 gennaio 1901. I funerali si svolsero all'alba del giorno seguente, in mezzo a due ali di folla silenziosa. È giunto fino a noi un breve filmato muto di pochi secondi di che documenta le esequie di Giuseppe Verdi.

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Il Ring alla Scala nel 150° anniversario

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Il Ring alla Scala nel 150° anniversario

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tra il 2024 e il 2026 La Scala di Milano sta allestendo una nuova produzione dell'Anello del Nibelungo, per arrivare a Marzo 2026 con due esecuzioni complete del ring nell'arco di due settimane. La produzione affidata a David McVicar celebra i 150 anni dalla prima esecuzione completa a Bayreuth avvenuta appunto nel 1876.

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Das Rheingold - Trailer (Teatro alla Scala)

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Con Das Rheingold (l'oro del Reno) inizia la grande saga wagneriana: il nibelungo Alberich riesce a impossessarsi dell'oro del Reno, dopo che le Ondine (figlie del Reno) gli hanno rivelato che, rinunciando all'amore potrà forgiare un anello che gli darà potenza e un elmo che gli permetterà di prendere le sembianze di chiunque.

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Das Rheingold - LaScalaTv (Teatro alla Scala)

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nella Walchiria (Die Walküre) si narra la storia di Siegmund e Sieglinde, che si innamorano senza sapere di essere fratelli, e di avere per padre Wotan, il padre degli dei. Siegmund riesce a estrarre da un tronco la spada di suo padre e combatte contro Hunding il marito di Sieglinde con cui è fuggito, ma Wotan è costretto a prendere le di Hunding, e con la sua lancia spezza la spada di Siegmund, che cade morto in duello.

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Die Walküre - Trailer (Teatro alla Scala)

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La Valchiria Brunilde, disobbedisce a Wotan suo padre: in un primo momento le aveva chiesto di proteggere Siegmund, ma poi ha dovuto cedere alle richieste di Fricka dea della terra, e prendere le parti di Hundig. Brunilde viene quindi punita, e dormirà un sonno eterno protetto da un fuoco sacro fino a che un eroe coraggioso non verrà a risvegliarla con un bacio.

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Die Walküre - Walkürenritt - LaScalaTv (Teatro alla Scala)

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La storia continua con Siegfried, il figlio nato da Siegmund e Sieglinde che viene cresciuto dallo scaltro Mime (fratello di Alberich), il quale tenta inutilmente di riforgiare Nothung, la spada di Siegmunt distrutta da Wotan. Solo Siegfried riuscirà a dare nuova vita alla spada, con la quale potrà sconfiggere il drago Faffner, che è a guardia dell'anello del potere e dell'elmo magico.

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Una volta preso l'anello e ucciso il drago Siegfied riesce a capire la lingua degli uccelli che lo avvertono di guardarsi da Mime, che tenta di avvelenare Siegfried per impadronirsi dell'anello, Siegfried lo uccide, e può finalmente risvegliare Brunilde dal suo sonno, passando attraverso il fuoco, promettendole amore eterno.

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Siegfried - Heil dir, Sonne - LaScalaTv (Teatro alla Scala)

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Il crepuscolo degli dei (Götterdämmerung) conclude la titanica serie di opere. Nel prologo le Norne tessono il filo del destino che a un certo punto si spezza. La storia riprende dalla fine della giornata precedente: Siegfried viene avvelenato da una pozione che gli fa dimenticare Brunilde e lo fa innamorare di Gutrune, sorella di Hagen figlio di Alberich (CONTINUA...)

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Götterdämmerung - Trailer (Teatro alla Scala)