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Quand les romantiques révolutionnent l'art

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Quand les romantiques révolutionnent l'art

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Quand les romantiques révolutionnent l’art | Lumni Enseignement

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En mettant ses enthousiasmes et ses maux au cœur de ses créations

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Eugène Delacroix, grand peintre romantique

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Les romantiques au cœur des révolutions du XIXe siècle | Lumni Enseignement

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D’obédience royaliste, mais désireux d’une grande liberté de créa

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Romantiques, socialistes et pas contents ! Étudiants dans le siècle des révolutions : épisode 2/4 du podcast Sur le chemin de l’université, une histoire studieuse

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AUDIO • Sur le chemin de l’université, une histoire studieuse, épisode 2/4 : Romantiques, socialistes et pas contents ! Étudiants dans le siècle des révolutions. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Le Cours de l’histoire, et découvrez nos podcasts en ligne.

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Géricault, Etude d'homme d'après le modèle de Joseph, 1818-1819.

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Géricault, Etude d'homme d'après le modèle de Joseph, 1818-1819.

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Joseph ou le renouveau du modèle noir au XIXe

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Joseph dit “Joseph le nègre” est un modèle noir du XIXe siècle, célébré de son vivant pour son charisme et son professionnalisme. Toute sa vie, il a fréquenté les ateliers d’artistes parisiens et prêté ses traits aux peintures de Géricault, Ingres, Chassériau et bien d’autres encore.

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Caspar David Friedrich, Voyageur contemplant une mer de nuages, 1818

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Caspar David Friedrich, Voyageur contemplant une mer de nuages, 1818

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Mémoire courte : la bataille d'Hernani, la 2e révolution française

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**Le ROMANTISME** = 10 minutes pour tout comprendre

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La révolution romantique | BnF Essentiels

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Renversement total des valeurs et des perceptions, le romantisme constitue une véritable révolution au 19e siècle. Valérie Sueur-Hermel, conservatrice en...

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Caspar David Friedrich, la nature avant l'homme • FRANCE 24

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CASPAR FRIEDRICH - Voyageur contemplant une mer de nuages !

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Delacroix, La bataille de Taillebourg, 21 juillet 1242

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Delacroix, La bataille de Taillebourg, 21 juillet 1242

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Guerre de Saintonge
Il y eut deux batailles de Taillebourg, lieu de passage stratégique entre le nord de la France et le sud, par le pont construit sur la Charente.

Une révolte féodale

Le départ de ce dernier épisode de la " première guerre de Cent Ans " entre le roi de France et le roi d'Angleterre se trouve dans la révolte d'un baron poitevin, Hugues X, seigneur de Lusignan.

Le comté a une longue tradition d'autonomie au sein de l' Aquitaine, loin des capitales successives du royaume de France ou d'Angleterre, dans la mouvance duquel il se trouve depuis le mariage d' Aliénor d'Aquitaine avec Henri II Plantagenêt. Le Poitou est confisqué ( tombe en commise) le 28 avril 1202 sur jugement de Philippe Auguste à l'encontre de Jean sans Terre, et est rattaché à la couronne de France peu après. C'est donc à la fois pour ménager la défiance des seigneurs poitevins à l'égard d'un suzerain récent, et pour constituer un domaine à son fils cadet, que Louis VIII le Lion, successeurs de Philippe Auguste, donne le Poitou en apanage à ce fils, Alphonse de Poitiers. Celui-ci n'a que 6 ans à la mort de son père, en 1226, et est donc comme son frère aîné âgé de 12 ans, futur saint- Louis, placé sous la régence de sa mère Blanche de Castille.

Il n'est adoubé qu'à l'âge de 18 ans, par son frère, et ne prend possession de son fief qu'en 1240. Il reçoit à cette occasion l' hommage lige des seigneurs de la province, dont l'un des plus puissants d'entre eux, Hugues X de Lusignan. Celui-ci, outre son fief familial, possède plusieurs places en Poitou, dont le château de Montreuil, et surtout le comté de la Marche.

Tout comme de nombreux seigneurs poitevins, Hugues de Lusignan n'accepte pas de perdre l'autonomie qu'il avait auparavant, et comme en 1173- 1179, 1188 et 1194 contre le roi d'Angleterre, et en 1219- 1224, la noblesse poitevine se ligue contre son suzerain trop puissant. Le point de départ de l'affrontement se situe à Noël 1241, lorsque, sans doute à l'instigation de son épouse Isabelle d'Angoulême, mère d' Henri III d'Angleterre et ancienne fiancée de son père Hugues IX, Hugues X de Lusignan insulte le comte de Poitiers dans son palais.

La reprise en main capétienne

Immédiatement, la famille capétienne réagit. Le , Alphonse de Poitiers convoque la noblesse poitevine à Chinon pour la Pâques. Des seigneurs fidèles, d'autres moins fidèles mais ennemis des Lusignan, répondent à l'appel : ainsi Geoffroi IV de Rancon, seigneur de Gençay. Bien que sa mère Blanche ait déjà fait face avec succès à des révoltes féodales et gère encore les affaires du royaume depuis 1226 avec le titre de baillistre, Louis IX décide de porter secours à son frère et dirige la campagne. Il arrive à Chinon le 28 avril, à Poitiers le 4 mai, avec une armée de 30 000 hommes, chevaliers et fantassins, et des engins de siège. Le 9 mai ils réussissent à s'emparer du château de Montreuil-Bonin, la place forte des Lusignan. Après avoir pris la tour de Béruges, Moncontour, Vouvant et Fontenay-le-Comte ils se dirigent vers Saintes, capitale du comté de Saintonge. Le roi d'Angleterre, Henri III, a en effet débarqué sur la côte saintongeaise à Royan à la mi-mai, avant de rejoindre à Pons son parent Hugues de Lusignan et Raymond VII de Toulouse qui cherche à compenser le traité de 1229 qui lui a ôté la plus grande part de ses terres. Il est également accompagné de son frère Richard, prince de Cornouailles et comte de Poitiers en titre depuis 1225.

Déroulement

Le roi de France est hébergé au château de Taillebourg, qui surplombe le premier pont sur la Charente depuis son embouchure et passage stratégique entre Saint-Jean-d'Angély et le Poitou au nord, et Saintes (qui appartenait alors aux Lusignan) et la Guyenne au Sud.

Le 19 juillet, les deux armées se font face de chaque côté du pont, sans qu'un véritable combat ait lieu. La bataille a lieu le 21 juillet, et se résume en une charge massive des chevaliers français, qui déboulent du château et bousculent leurs adversaires, contraints à fuir. Le sire de Bourbon, Archambaud VIII, l'un des commandants de l'armée royale, est mortellement blessé.

Après cet engagement qui leur permet de contrôler un pont stratégique, les Français et leurs alliés exploitent leur avantage. Le 23 juillet, a lieu la bataille qui est réellement décisive sous les murs de Saintes. Les Anglo-Aquitains sont à nouveau battus, de façon définitive.

Le roi d'Angleterre signe une trêve de cinq ans à Pons le . Une paix plus durable est conclue à Paris le ( traité de Paris).

Le roi de France restitue à son vassal infidèle les terres dont il n'est pas sûr que la conquête ait été parfaitement légitime : Quercy, Limousin et Saintonge, pensant que ce noble geste lui assurerait à la fois la paix avec l'Angleterre, dont il estime le roi, et garde la possession du Poitou, du Maine, de l' Anjou et de la Normandie.

Le règlement de la révolte féodale est moins avantageux et plus rapide pour Hugues X de Lusignan : un tiers de ses châteaux poitevins est confisqué, réarmé et vendu par Alphonse de Poitiers ; il perd aussi la pension qu'il percevait du trésor royal. Sa petite fille Isabelle de Lusignan, à peine pubère, épouse en 1250 le fils de son ennemi Geoffroi de Rancon, seigneur de Gençay, qui fait reconstruire son château avec la dot.

Quant à Raymond VII, la paix de Lorris, signée en janvier 1243, renouvelle les conditions qui lui avaient été faites auparavant.

Œuvres d'art

Eugène Delacroix a représenté la bataille dans son tableau La Bataille de Taillebourg gagnée par saint Louis, présenté au Salon de 1837. Il est conservé dans la galerie des batailles de Versailles qui avait pour objectif de montrer la grandeur de la France par ces victoires militaires et de montrer les rois comme des défenseurs de l'unité nationale et de la chrétienté contre les étrangers.

On voit bien sur le tableau, le rôle central de Saint-Louis pendant la bataille. Ce rôle est accentué par le fait qu'il soit peint en bleu et surtout que son cheval soit peint en blanc ce qui le fait ressortir puisque le reste du tableau est plutôt sombre. De plus, l'importance du roi durant la bataille est renforcée par le panneau explicatif du tableau sur lequel on pouvait lire qu'il s'agit " d'une victoire grâce au roi pour l'unité nationale ".

On voit aussi que la victoire n'est pas encore acquise pour les Français, ce qui renforce le réalisme de la toile tout comme l'exactitude des habits et des armes, qui ont été étudiées par Delacroix.

Le tableau illustre une mise en scène de l'histoire à vocation épique et guerrière avec l'accent mis sur l'action de la figure royale et des postures exagérées des chevaux au centre de la toile

Notes et références

1. Ian Heath, Armies of Feudal Europe 1066-1300, Wargames Research Group, septembre 1989, 159 pages, (ISBN 978-0904417425).

2. Jean Favier, Les Plantagenêts : Origines et destin d'un empire (XIe-XIVe siècles), Paris, Fayard, coll. " Biographies Historiques ", , 962 p. .

3. Musée national du Château de Versailles et de Trianon, Delacroix à Versailles : autour de la Bataille de Taillebourg [exposition], Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, 16 novembre 1998-16 février 1999, Réunion des musées nationaux, (ISBN 978-2-7118-3817-2, lire en ligne)

4. Mathieu Da Vinha et Raphaël Masson, Versailles : histoire, dictionnaire et anthologie, Paris, Robert Laffont, coll. " Bouquins ", , 988 p. (ISBN 978-2-221-11502-2, lire en ligne)

Bibliographie

Liens externes

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Guerre de Saintonge Il y eut deux batailles de Taillebourg, lieu de passage stratégique entre le nord de la France et le sud, par le pont construit sur la Charente. Le départ de ce dernier épisode de la " première guerre de Cent Ans " entre le roi de France et le roi d'Angleterre se trouve dans la révolte d'un baron poitevin, Hugues X, seigneur de Lusignan.

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Sur la Galerie des batailles, à Versailles, où est exposée la peinture

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Sur la Galerie des batailles, à Versailles, où est exposée la peinture

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La galerie des Batailles est la pièce la plus vaste du Château (120 mètres de long, 13 mètres de large). Elle occupe la quasi-totalité du premier étage de l'aile du Midi. Conçue et réalisée à partir de 1833, elle est inaugurée solennellement le 10 juin 1837 et marque alors le point fort de la visite du musée de l'Histoire de France.

Louis-Philippe y réunit trente-trois tableaux représentant les grandes batailles qui ont marqué l'Histoire nationale, depuis la victoire de Clovis à Tolbiac jusqu'à celle de Napoléon à Wagram, en 1809. Toutes les dynasties qui ont régné sur la France y sont évoquées : Mérovingiens, Carolingiens, Capétiens, Valois et Bourbons. De façon habile, Louis-Philippe a tenu à y ajouter l'illustration des victoires de la Révolution et de l'Empire. Son message est simple : la France s'est faite dans des combats contre des ennemis de l'intérieur et de l'extérieur ; elle est désormais glorieuse, apaisée et prête à entrer dans une ère nouvelle fondée sur la paix et la prospérité.

Anecdote

Les quatre plus grands tableaux sont des commandes des régimes précédents ( Austerlitz, de Gérard, commandé par Napoléon ; et commandés sous la Restauration, l' Entrée d'Henri IV à Paris, de Gérard, ainsi que la Bataille de Bouvines et la Bataille de Fontenoy, d' Horace Vernet).

Tous les autres ont été réalisés pour la galerie entre 1834 et 1845 par les peintres d'histoire du moment, Alaux, Bouchot, Couder, Delacroix, Devéria, Féron, Fragonard fils, Franque, Heim, Larivière, Mauzaisse, Picot, les frères Scheffer, Schnetz, Schopin, Steuben et Vernet. L'architecture de la galerie, élaborée par Frédéric Nepveu, sans doute avec les conseils de Pierre-Léonard Fontaine, évoque les projets de celui-ci pour la Grande galerie du Louvre sous le Consulat et l'Empire. Elle constitue un espace solennel, rythmé par des avant-corps de colonnes, éclairé par des verrières à la voûte et richement décoré de marbres et de stucs peints et dorés. La galerie est aussi conçue comme un panthéon des gloires nationales puisqu'elle présente une série de quatre-vingt bustes d'officiers morts au combat ainsi que des tables de bronze portant les noms des princes, connétables, maréchaux et amiraux eux aussi tués ou blessés mortellement pour la France.

Depuis son inauguration, la galerie est restée intacte, complète avec l'ensemble des œuvres commandées par le Roi-citoyen pour son ornement. Elle reste l'un des plus impressionnants témoignages du projet de Louis‑Philippe pour Versailles et l'un des plus beaux exemples des grands aménagements de musées au XIX e siècle.

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La galerie des Batailles est l'élément le plus important des galeries historiques créées dans le château de Versailles par Louis-Philippe. Elle occupe quasiment la totalité de l'étage de l'aile sud du Château et est consacrée à l'illustration, en une trentaine de tableaux, de près de quinze siècles de succès militaires français, de Clovis à Napoléon.

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Quelques exemples pour faire penser ou animer les personnages d'un tableau !

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Vidéo "C'est peut-être un détail pour vous"

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Vidéo "C'est peut-être un détail pour vous"

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Un détail pour vous : Radeau de la méduse de Géricault

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Sur Apple podcast ou sur Spotify (mais on essaie d'éviter Spotify, oui ?) ici : https://open.spotify.com/episode/3hj3p5qKvebpZtZoCgcPOT?si=yT2uQ9p8StaGXf6YIITUwA

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empreintes littéraires français lycée magnard

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‎Empreintes littéraires Français Lycée Magnard sur Apple Podcasts

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24 podcasts pour apprendre autrement l'histoire littéraire.

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Parodie du tableau : Yue Minjun, Freedom leading the people, 1994-1995.

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Parodie du tableau : Yue Minjun, Freedom leading the people, 1994-1995.

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GOSCINNY et UDERZO, L’anniversaire d’Astérix et Obélix, le livre d’or, n°34, Éditions Albert René, 2009

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Contexte historique :

1830. Le roi Charles X remet en question l’héritage de la Révolution française. En parallèle, ses opposants souhaitent le remplacer par Louis-Philippe. Le roi transgresse la Constitution en modifiant la loi électorale pour que seuls ses partisans puissent voter et en limitant la liberté de la presse. Les insurgés déclenchent de ce fait des émeutes dans Paris : pendant 3 jours (appelés « les Trois Glorieuses »), du 27 au 29 juillet, ils se battent pour renverser le roi.

Que voit-on ?

Le moment semble capté sur le vif (les personnages sont tous en mouvement, dans le feu de l’action), mais Delacroix a beaucoup réfléchi pour le réaliser. Le tableau parle de l’Histoire mais en la racontant sous l’angle de la fiction. Delacroix cherche à rassembler en un tableau tous les types sociaux qui ont pris part à l’insurrection. Les personnages qui le composent sont hybrides et symboliques.

Les insurgés du tableau ont la même taille que le spectateur et lui font face. La composition est pyramidale : des corps horizontaux, au premier plan, forment la base. La figure féminine constitue le centre du tableau et la pointe de la pyramide. Ses adjuvants l’entourent, de part et d’autre, plus petits ou plus bas qu’elle, la mettant franchement en évidence.

Le focus est mis sur l’action de l’avant-plan, car la profondeur de champ est limitée : l’arrière-plan est flou, même s’il a son importance. On y voit la foule des insurgés, de la fumée émanant des combats, et encore derrière, la cathédrale Notre-Dame, qui situe l’action à Paris, mais dans un décor fabriqué pour l’occasion (les maisons devant la cathédrale sont imaginées et son orientation sur la rive gauche de la Seine est erronée).

Les couleurs du tableau sont plutôt sombres. Seules certaines touches colorées symboliques (bleu, blanc, rouge) éclairent la scène majoritairement grise et brune.

Qui sont les principaux personnages qui composent la peinture ?

1.     La femme : C’est l’allégorie de la Liberté. Elle symbolise la révolte (elle porte le bonnet phrygien des révolutionnaires) et la victoire (son profil grec et le drapé léger de sa robe font allusion aux Victoires ailées de l’Antiquité). Son attitude déterminée (pied en avant, avec un bras levé et victorieux portant le drapeau national), son élan, son regard vers ses acolytes : tout la rend exceptionnelle, victorieuse. Elle est la seule femme au milieu des hommes, elle porte une couleur solaire, elle est comme entourée d’un halos lumineux. Aujourd’hui, la nudité de son sein pourrait choquer. A l’époque, on n’en fait pas mention : c’est la pilosité de son aisselle qui fâche.

2.     L’homme au béret : Situé tout à gauche du tableau, ce personnage porte plusieurs symboles : son tablier est l’habit d’un artisan, et son sabre celui des soldats d’infanterie.

3.     L’homme au chapeau haut de forme : Les habits de ce personnage hybride symbolisent à la fois les bourgeois (le haut de sa tenue) et les artisans (le pantalon large et la ceinture rouge). Il porte une arme de chasse et ressemble assez à Delacroix lui-même.

4.     L’homme au foulard : Que fait cet homme à Paris ? Il porte la chemise bleue et la ceinture rouge des paysans. Probablement blessé, il se redresse vers la Liberté, qu’il semble regarder avec déférence. Sa tenue rappelle les couleurs du drapeau.

5.     Le jeune garçon : Il est trop jeune pour porter le béret noir des étudiants (qu’il porte pourtant) et les armes (il en a deux !) Il porte une cartouchière trop grande pour lui. Déterminé, hurlant l’assaut, il symbolise ces gamins de Paris qui ont pris part à l’insurrection.

6.     Les soldats : Ils sont plusieurs, de grades différents, et en mauvaise posture : certains sont morts ou blessés, couchés sur le pavé. L’un a été dépouillé de son pantalon. Un autre git, face contre terre.

Comment interpréter le tableau ?

Delacroix célèbre le peuple citoyen insurrectionnel. Son tableau a une grande valeur symbolique et politique. Louis-Philippe, qui prendra le pouvoir suite à cette révolte, cachera la peinture : elle symbolise le peuple qui s’est battu pour lui, mais elle montre aussi que sa victoire est due au sang versé par les citoyens.

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Dans la langue commune, romantique caractérise une situation, une attitude, un style, un caractère qui privilégient le sentiment, l’imagination, voire une certaine mystique, plutôt que la raison. En ce sens, romantisme s’oppose généralement à réalisme et n’est lié à aucune époque particulière. (…)

Historiquement, Romantisme désigne un courant artistique et littéraire européen du XIXe siècle qui, en réaction contre le rationalisme et l’universalisme du Classicisme français, privilégie l’idéalisme, les sentiments et les particularités : l’art y devient l’expression personnelle d’un génie, souvent isolé, mal compris ou malheureux. Né en Allemagne (…) et en Angleterre (…) dès la fin du XVIIIe siècle, le mouvement n’a gagné que progressivement la France, où il culmine de 1820 à 1848.

(…)

La libération romantique touche aussi la peinture (Friedrich, Turner, Géricault, Delacroix…) et la musique (Beethoven, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner…).

Plus largement, le courant véhicule une nouvelle image de l’homme et de la société, fondée sur les idées de liberté, de diversité et d’évolution. Au-delà des arts, il touche donc profondément au domaine sociopolitique : défense des droits de l’individu et du peuple, soutien aux émancipations nationales (voir la création de la Belgique en 1830), étude et promotion des langues et des cultures nationales, des croyances populaires, etc. (…)

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Sens de l’appellation », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, p.32.

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La Révolution française provoque la chute de l’Ancien Régime, modifie profondément le tissu social et suscite de grands espoirs de réformes et de libertés. (…) Mais, en réalisant ainsi l’idéal des Lumières, elle en montre aussi les limites : liberté et égalité ne conduisent pas à la fraternité mais à la Terreur de 1793. Et les régimes qui se succèdent (Premier Empire, Restauration, Monarchie de Juillet, IIe République…) ne tiennent pas les promesses de 1789, laissant une jeunesse déchirée entre espérance exaltée et désenchantement (…)

La Révolution ôte au clergé ses privilèges, mais les tentatives pour instaurer un culte de la Raison, puis de l’Être suprême, ne suppriment pas le sentiment religieux (…) et les troubles de l’époque favorisent la sensibilité à l’irrationnel et au mystère (…)

Parallèlement, se manifeste un regain d’intérêt pour la philosophie idéaliste de Platon (…)

Enfin, l’émigration des nobles puis les guerres napoléoniennes multiplient les contacts avec les pays voisins et accélèrent la diffusion des idées. Elles éveillent aussi les nationalismes européens, qui cherchent à mettre en valeur leurs patrimoines propres (par exemple, en redécouvrant le Moyen Âge) et à s’émanciper du modèle classique français, à visée universelle.

De même, par opposition à la conception classique de l’homme éternel, se développe tout au long du XIXe siècle une perspective historique (Thiers, Michelet, Tocqueville ; elle se fera ensuite évolutionniste avec Darwin), qui devient le modèle explicatif par excellence (…)

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Contexte historique et culturel », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, pp.32-33.

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-     Une EXALTATION DU MOI, qui traduit l’affirmation de la subjectivité. Elle peut prendre des figures opposées : d’une part, la création artistique est sacralisée et le poète devient un guide (…) d’autre part, l’individu, surtout de génie, est souvent victime des conventions hypocrites de la société, et ainsi amené à la lamentation ou à la révolte.

-     Une SENSIBILITÉ EXACERBÉE, qui conduit à de véritables effusions lyriques. « Mal du siècle » général et tourments personnels font de la mélancolie sa pente de prédilection. Elle s’exprime dans des thèmes caractéristiques comme la fuite du temps, le crépuscule, l’automne, les ruines, la tempête…

-     Un nouveau SENTIMENT DE LA NATURE : l’âme cherche à entrer en communion profonde avec elle et y trouve souvent le reflet de ses sentiments : elle lui demande, comme au rêve, un refuge contre les déceptions d’un réel social douloureux. S’approfondit ainsi la voie, ouverte par Rousseau, de fuite vers un ailleurs idéal. Une de ses figures est l’exotisme : l’Orient ou l’Amérique (…), ainsi que des récits de voyage, remis à l’honneur.

-     Un goût pour les SITUATIONS ET PERSONNAGES D'EXCEPTION. Légendaires, historiques ou de fiction, triomphants ou (plus souvent) vaincus (…) Une variante de ce trait est le gout du mystère, de l’étrange, voire de la fantasmagorie, souvent liés au Moyen Âge et aux folklores nationaux : (…) roman historique (…) roman fantastique (…)

-     Une certaine LIBERTÉ DES FORMES, reflet de la liberté créatrice de l’écrivain : réhabilitation de genres poétiques médiévaux comme la ballade, rejet de la tragédie classique et de ses règles strictes au profit du drame shakespearien, voire du mélodrame populaire, développement du roman (qui est le moins contraignant de tous les genres) et de l’autobiographie…

-     Un abandon du « bon gout universel » au profit de L’EXPRESSIVITÉ : mélange des tons et des niveaux de langue, souci de la couleur locale et du détail typique, recherche des effets (exagération des traits, recours à des contrastes frappants : pas de lumière sans ombre, de beauté sans laideur, voire de sublime sans grotesque).

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Traits majeurs du courant », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, pp.33-34.

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La tendance romantique se manifestait, en France, surtout par le choix des thèmes. Outre Eugène Delacroix, un des pionniers de la peinture romantique fut Théodore Géricault. Son dramatique Radeau de la Méduse fit scandale au salon de 1820. Jusqu’alors personne n’avait osé représenter l’horreur de si près et avec autant de force. Le tableau paraissait d’autant plus macabre que l’histoire se basait sur un événement contemporain. (…) Il était le peintre du mouvement et de l’émouvant. (…) Le romantisme de l’œuvre réside dans le potentiel symbolique du naufrage et de l’espoir ainsi que dans la corrélation entre réalisme violent et idéalité allégorique. (…)

Delacroix peint des tableaux au coloris vibrant, des compositions tragiques qui galvanisent les sentiments et échauffent les esprits (…) Delacroix répondait à la « fadeur classique » par un dynamisme des lignes de force, par une composition tourmentée basée sur la violente utilisation des couleurs (…). On reprocha au peintre la confusion de ses contours et de ses couleurs que l’œil ne pouvait démêler. (…) Delacroix est le premier à avoir reconnu la valeur propre de la couleur. Il réussit à suggérer dynamisme et mouvement avec des moyens purement picturaux en plaçant côte à côte des teintes de la même couleur, et des contrastes complémentaires qui amplifient réciproquement leur intensité lumineuse.

KRAUSSE Anna-Carola, « Le Romantisme en France 1815-1850 », dans Histoire de la peinture, De la Renaissance à nos jours, Paris, Gründ, 1995, pp. 60-62.

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(…) Une histoire mouvementée

Paris, été 1830, le peuple gronde : il veut la destitution du roi Charles X. Les 27, 28 et 29 juillet, les Parisiens descendent dans la rue, les combats font rage. Marqué par ces journées dénommées « les trois glorieuses », Delacroix s’empare de ses pinceaux et peint La Liberté guidant le peuple en seulement 3 mois ! En 1831, l’œuvre est exposée pour la 1re fois au Salon. Très vite, les critiques fusent, le tableau est jugé vulgaire. Ce qui choque ? Cette femme debout au milieu des hommes, le visage rougi et le corps sale, à moitié nu. Une fois le nouveau roi en place, celui-ci achète l’œuvre mais préfère la cacher au public : et si cette femme révolutionnaire donnait des idées à certains pour une autre révolte ? Mieux vaut le conserver discrètement… En 1855, le tableau ressort de l’ombre à l’occasion de l’Exposition universelle ayant lieu à Paris. Et cette fois, le succès est au rendez-vous ! L’œuvre rejoint ensuite les collections du Louvre.

Vive le peuple !

Delacroix nous entraine ici au cœur de la bataille en représentant une barricade, au pied de laquelle gisent des soldats. Une force violente se dégage de ce tableau : les combattants sont en pleine action. A gauche, un ouvrier au béret et un journaliste, au chapeau haut de forme, avancent ensemble. Delacroix nous dit ainsi que le peuple entier est uni dans la bataille. A droite, pistolets dans chaque main, bouche ouverte en un cri du guerre, un enfant participe lui aussi au combat. Ce « gamin des rues », si expressif, inspirera Victor Hugo pour son personnage de Gavroche dans son roman Les Misérables. Mais ce qui nous frappe surtout, c’est cette femme, le corps éclairé, à l’image d’une déesse grecque. Coiffée du bonnet phrygien, elle brandit le drapeau tricolore : deux forts symboles de la Révolution française de 1789. Delacroix peint ici une allégorie de la Liberté : sous les traits d’une femme, c’est bien un symbole qui est représenté dans cette œuvre, et c’est ce qui la rend si puissante.

Une liberté universelle

D’abord reconnu comme chef-d’œuvre de la peinture romantique, le tableau a acquis, à travers les siècles, le statut d’icône. Il est devenu une ode à la liberté, traversant le temps et les frontières. Il suffit de regarder autour de nous pour comprendre à quel point cette œuvre est omniprésente. En France, elle a illustré les billets de cent francs et des timbres durant de longues années. Son image a aussi été reprise lors de combats pour la liberté, tels que les révolutions arabes de 2011, ou par des artistes étrangers, comme le Chinois Yue Minjun. (…)

BLETEAU Caroline, « Aux arts citoyens », dans Dada n•227, Éditions Arola, p.24.

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GOSCINNY et UDERZO, Astérix Légionnaire, Hachette, 1967.

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Contexte historique :

En juin 1816, Louis XVIII fait affréter La Méduse amirale, un navire de guerre, pour reprendre le Sénégal. La frégate est dirigée par le compte de Chaumareix, qui ne navigue plus depuis des années, mais qui a été choisi pour ses affinités politiques envers le roi. Suite à l’incompétence du commandant, le bateau s’échoue le 2 juillet sur le Banc d’Arguin, une île de l’Atlantique. Cent cinquante hommes de l’équipage sont abandonnés à leur sort. Ils n’ont que du vin et très peu de nourriture pour survivre, et on ne leur a pas laissé de rames. Ils se construisent un radeau de fortune de 20 mètres sur 7, mais les amarres solidarisant le radeau aux canots de sauvetage se rompent. Beaucoup de naufragés meurent noyés. D’autres, ivres de vin ou de désespoir, s’entre-tuent ou pratiquent le cannibalisme pour ne pas mourir de faim. C’est l’Argus qui vient les secourir, mais seuls une dizaine d’hommes pourront être sauvés. L’horreur de cet épisode défraye la chronique : deux survivants racontent leur affreuse aventure dans la presse, et Chaumareix comparait devant le conseil de guerre. Les choses se tassent un peu, puis Géricault se met à défendre la cause des rescapés, qui sont accusés d’anthropophagie par la presse royaliste.

Contexte de création :

Pour peindre Le Radeau de la Méduse, Géricault étudie longuement son sujet. Il passe du temps à l’hôpital pour scruter les expressions faciales des souffrants et des mourants. Il observe les cadavres et les membres amputés (allant même jusqu’à reprendre la tête d’un voleur mort pour le placer au soleil, sur son toit, et en étudier le pourrissement !). Il fait poser ses connaissances parmi lesquels Joseph (un homme à la peau noire, qui était très à la mode à l’époque), des amis proches (dont Delacroix, qui pose pour le personnage du bas de la toile, qui est torse face au plancher, la tête immergée), et un ami, qui était malade, et dont le teint lui a indiqué la couleur de la peau des agonisants. Il demande au charpentier rescapé du naufrage qui avait conçu le radeau de lui en faire une réplique. Il observe le ciel et la mer en voyageant au Havre.

Que voit-on ?

Géricault s’arrange avec la réalité : il veut raconter l’épisode historique, mais il le dramatise en choisissant les détails les plus sordides. Le peintre cherche à suggérer le réalisme.

La couleur des peaux est verdâtre, malsaine. La scène est celle du dénouement : c’est l’espoir qui domine, puisque l’Argus, au loin, minuscule à l’arrière-plan, vient délivrer les survivants. Mais sur le radeau, l’œil du spectateur se heurte d’abord au désespoir de l’avant-plan : plusieurs corps morts ou agonisants sont disposés sur le plancher. Certains personnages sont immergés dans la mer. On ne voit pas tous les corps en entier. L’attitude des personnages est fermée, désespérée. Le 2e plan montre des corps à moitié allongés, se redressant vers l’espoir, mais manifestement mal en point. Le 3e plan présente des hommes debout : un homme à la peau noire agite sa chemise, un autre montre la délivrance du doigts, les visages sont tendus, ouverts, ou tournés vers l’arrière-plan, les yeux sont écarquillés, les corps et les mains montrent la direction du bateau en s’accrochant à l’espoir.

La composition pyramidale mène l’œil du spectateur de l’avant-plan vers l’arrière-plan.

Géricault choisit de représenter un radeau en mouvement : une mer agitée, un ciel orageux et venteux (alors que dans la réalité, le temps était doux lorsqu’on a secouru les naufragés). Il assombrit tout le tableau en utilisant du bitume, une substance brune qui ne sèche jamais complètement et qui cause en fait aujourd’hui d’énorme dégâts sur les couleurs.

Comment interpréter le tableau ?

Le tableau représente les hommes en lutte contre les forces de la Nature et témoigne de leurs souffrances. Sur le plan politique, le radeau symbolise le naufrage de la France, dirigée par un roi incompétent. Par son choix de représenter les naufragés en perdition, Géricault rompt avec les règles esthétiques antérieures.

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Audio : Émission consacrée au tableau de Géricault sur France culture

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Audio : Émission consacrée au tableau de Géricault sur France culture

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Le Radeau de la Méduse. Théodore Géricault, n° d'inventaire: INV 4884. - © 2003 Musée du Louvre / Erich Lessing

Aujourd'hui, une émission consacrée au tableau Le radeau de la méduse. Tout d'abord avec le conservateur Côme Fabre, spécialiste des peintures françaises du XIXe siècle au département des peintures du musée du Louvre puis avec Jacques-Olivier Boudon, auteur des Naufragés de la méduse.

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Le radeau de la méduse : épisode * 4/4 du podcast Destins des images

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AUDIO * 4/4 : Le radeau de la méduse. Destins des images est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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En 1815, après la chute de Napoléon, Louis XVIII monte sur le trône : c’est la Restauration. Le 2 juillet 1816, la frégate La Méduse, commandée par un aristocrate qui n’a pas navigué depuis 20 ans, fait naufrage au large de la Mauritanie. Le capitaine et une partie de l’équipage fuient à bord de chaloupes et abandonnent 147 hommes sur un radeau dépourvu de rames, presque sans aucune nourriture. Après 15 jours de mer, 17 survivants affamés, assoiffés et presque fous, qui ont sans doute dû se livrer au cannibalisme pour sirvivre, sont sauvés par le navire L’Argus. A Paris, le scandale est retentissant : le nouveau roi est accusé d’avoir nommé le capitaine pour ses titres de noblesse et non pour sa compétence.

Fait divers pour un chef d’œuvre

En 1818, à l’âge de 27 ans, le jeune peintre Théodore Géricault veut briller. Il choisit de s’emparer d’un fait divers qui a défrayé la chronique, le naufrage de La Méduse ! Après avoir lu le récit de deux survivants, il choisit de représenter l’un des moments les plus intenses du drame : l’instant où, après treize jours de mer, les derniers naufragés à l’agonie aperçoivent L’Argus au loin et reprennent espoir. Son travail commence par une véritable enquête pour reconstituer les événements avec le plus d’exactitude possible. Il veut faire partager la douleur et l’angoisse des victimes au public. Il interroge donc les rescapés, se rend à la morgue pour voir des cadavres et va jusqu’à faire réaliser une reproduction du radeau dans son atelier. Mais pour accentuer l’impression de détresse et de désesoir des survivants, il n’hésite pas non plus à s’arranger avec l’histoire. Ainsi, dans le tableau, le temps est à l’orage et la mer est déchainée, alors que le sauvetage a lieu sous un ciel bleu et lumineux. Quant aux personnages, si la couleur de leur peau et les traits de leur visage font trembler d’effroi, leurs corps sont traités d’une façon assez académique. Le résultat final est cependant impressionnant. Géricault a réussi à transformer un simple fait divers en un moment héroïque et en un véritable tableau d’histoire. Présenté à Paris puis à Londres, Le Radeau de la Méduse choque puis bouleverse le public. La violence des sentiments et la nature déchainée annoncent le Romantisme, mais aussi une nouvelle façon de représenter l’Histoire, qui préfère montrer la souffrance des victimes plutôt que de glorifier le pouvoir en place. Le jeune Delacroix, qui a posé pour Géricault pendant l’exécution du tableau, saura s’en souvenir quelques années plus tard.

« 2 juillet 1816, la frégate La Méduse fait naufrage au large de la Mauritanie, le Radeau de la Méduse », MARTIN Nicolas et ROUSSEAU Eloi, dans L’Art face à l’Histoire, 50 événements racontés par les artistes, 2012, Éditions Palette, pp.18-19.

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Article généraliste sur le mouvement Romantique.

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Début

XVIII e siècle

Fin

XIX e siècle

Le romantisme est un mouvement culturel apparu à la fin du en Allemagne et en Angleterre et se diffusant à tout l' Occident au cours du , jusqu'aux années 1850. Il s'exprime dans la littérature, la peinture, la sculpture, la musique, la politique et la danse et se caractérise par une volonté de l'artiste d'explorer toutes les possibilités de l' art afin d'exprimer ses états d'âme : il est ainsi une réaction du sentiment contre la raison, exaltant le mystère et le fantastique et cherchant l'évasion et le ravissement dans le rêve, le morbide et le sublime, l'exotisme et le passé, l'idéal ou le cauchemar d'une sensibilité passionnée et mélancolique. Ses valeurs esthétiques et morales, ses idées et thématiques nouvelles ne tardent pas à influencer d'autres domaines, en particulier la peinture et la musique.

Étymologie

Delacroix, Combat de chevaliers dans la campagne

L'adjectif " romantic est attesté dans la langue anglaise dès le siècle, qualifiant " ce qui est caractéristique du genre littéraire du roman et parle à l'imagination". C'est un dérivé de romance, " roman ", lui-même issu de l'ancien français romanz, romans, désignant les romans du Moyen Âge, les récits versifiés en langue romane, par opposition aux ouvrages rédigés en latin : Romantic est proche de médiéval ou de gothique d'un côté, de romanesque, merveilleux, fabuleux, imaginaire ou fictif de l'autre ". Traduit en romantisch, et romantique l'adjectif passe en France et en Allemagne à la fin du , où cette idée de " qui est semblable au roman " prend une connotation péjorative pour " éveiller dans l'âme le goût dangereux des chimères ". Au cours du , il prend la signification de " comme dans un tableau ", devenant synonyme de pictural car " dans l'expérience romantique, la nature est perçue à travers le prisme de l'art (originellement, le roman) ". C'est dans cette acception que le mot fait son entrée dans la langue française avec Les Rêveries du promeneur solitaire de Jean-Jacques Rousseau où il donne le qualificatif de romantique aux rives sauvages du lac de Bienne. Coïncidant avec la mode du jardin anglais organisant la nature comme dans un tableau, il s'associe à la notion de pittoresque.

À la fin du en Allemagne, le romantisme revient sur la valeur accordée au Moyen Âge et à sa littérature, par opposition aux éléments littéraires hérités de l' Antiquité et du classicisme. Dans les années 1797-1798, Novalis forge le mot romantisieren ("romantiser"), désignant un processus de poétisation du monde : " Le monde doit être romantisé. [...] Cette opération reste totalement inconnue. En conférant aux choses secrètes une haute signification, au quotidien un mystérieux prestige, au connu la dignité de l'inconnu, au fini l'apparence de l'infini, je les romantise ". August Wilhelm Schlegel, dans ses Cours de littérature dramatique, diffuse le concept de romantique en Europe, ramenant la poésie romantique à la poésie moderne, marquée par la tradition chrétienne, progressive, ouverte aux mélanges des genres. Germaine de Staël écrit ainsi dans De l'Allemagne : " Le nom de romantique a été introduit nouvellement en Allemagne, pour désigner la poésie dont les chants des troubadours ont été à l'origine, celle qui est née de la chevalerie et du christianisme. "

Historique

Caspar David Friedrich, Falaise de craie sur l'île de Rügen, 1818.

" Le romantisme qui fut un phénomène de portée révolutionnaire dans tous les arts plonge ses racines au cœur même du siècle des Lumières. Ses principes constitutifs furent formulés pour la première fois en Allemagne entre 1770 et 1780 par les représentants du Sturm und Drang (Tempête et Passion), le nom du mouvement, emprunté au titre d'un drame de Friedrich Maximilian Klinger, trahissait la portée contestataire de son programme idéologique. Mû par un sentiment de révolte à l'égard de la culture dominante des Lumières, le Sturm und Drang célébrait la force irrépressible du sentiment et le culte de l'individualité, considérés comme les préalables nécessaires à toute activité créatrice. Il ne s'agissait pas d'une rupture brutale avec le présent, mais d'une élaboration du culte du sentiment et du grand mythe de la nature énoncés par Jean-Jacques Rousseau au milieu du siècle. [...] Une des idées les plus novatrices de ce mouvement fut le concept de génie artistique, irrationnel et créatif, non plus discipliné par la raison comme pour les Lumières, mais animé d'une liberté intérieure capable de briser le carcan des codes et des conventions, puisant au contraire dans la subjectivité et prêtant l'oreille à l'inspiration divine, à l'intuition, aux passions. Ainsi s'esquissait le portrait de l'homme révolté, d'un surhomme se mesurant avec Dieu. Ainsi naissait, surtout, une nouvelle conception de l'art, compris comme liberté absolue de création, qui refusait les contraintes imposées par les règles et les traditions, et qui revendiquait le droit de l'imagination individuelle à s'exprimer selon son propre langage,. " Si le Sturm und Drang ouvre la voie au romantisme, par le déferlement des passions et la spontanéité de l'individu, leurs modèles de beauté se référaient encore aux canons classiques, aux œuvres de l'Antiquité.

Le Songe d'Ossian, par Ingres, 1813

Le véritable rejet du classicisme fut exprimé par les collaborateurs de la revue , fondée en 1798 par les frères " Rejetant les modèles grecs et romains à l'époque où triomphait l'esthétique Schlegel. Avec Ludwig Tieck, Schelling et Novalis ils formèrent le " groupe d'Iéna ". néo-classique, cette conception privilégiait l'expression de l'irrationnel et le mysticisme, le sentiment de l'infini et de l'immensité, le rapport entre la nature et le sentiment intérieur. " En Angleterre, l'essai d' Edmund Burke, Recherche philosophique sur l'origine de nos idées du sublime et du beau, paru en 1756, eut une influence considérable, sur la peinture du sublime et sur le mysticisme du paysage, tel que l'illustra Caspar David Friedrich. " En interprétant le sentiment du sublime comme un état d'âme provoqué par les violentes manifestations de la nature qui, par les cataclysmes ou les visions troublantes, frappent l'homme de stupeur, Edmund Burke rompait avec la conception classique de la nature, source d'harmonie et de sérénité... " En 1762, James Macpherson publiait ses Poèmes d'Ossian, dont le succès provoqua une vague de celtomanie dans toute l'Europe. Inspiré d'ancien poèmes Gaëlique, Macpherson les réécrit et les attribue à un barde écossais du . En 1764, Le Château d'Otrante d' Horace Walpole inaugurait le genre du " roman noir ", dont le décor ténébreux et les atmosphères effrayantes correspondaient à ce que Burke avait défini comme le " sublime ".

La tourmente de la Révolution française puis de l'Empire provoque un bouleversement, politique, social et culturel dont les effets se font sentir dans l'Europe entière.

" L'embrasement du romantisme qui enflamme l'Europe au début du est de nature essentiellement politique et reflète l'aspiration profonde des peuples à voir des régimes plus " La démocratiques remplacer les dynasties autoritaires. " Révolution française, en l'espace de quelques années, a paru réaliser instantanément et miraculeusement l'idéal romantique de nation libre, consciente d'elle-même et maîtresse de son destin. [...] Cette circonstance explique à elle seule la force et l'éclat du romantisme français. Sans ce séisme politique, il est probable que la France, nourrie de culture classique et arc-boutée sur ses certitudes aristocratiques, n'aurait jamais pu faire un tel accueil à l'esprit du romantisme. " En France, " la Révolution amplifie les ferments du romantisme ".

La diffusion des idées du romantisme allemand joue un rôle important dans l'histoire du romantisme :

" Sous l'Empire, tout un groupe d'écrivains, dont Madame de Staël est le plus célèbre représentant, plaident la cause allemande aux dépens de la tragédie et du poème classiques. Le Nord c'est la nostalgie, les sentiments sombres, l'infini. " Ce que l'homme a fait de plus grand, comme l'écrit en 1800 Madame de Staël, il le doit au sentiment douloureux de l'incomplet de sa destinée. [...] Le sublime de l'esprit, des sentiments et des actions doit son essor au besoin d'échapper aux bornes qui circonscrivent l'imagination ". "

Les manifestent l'alliance de l'idée de démocratie avec l'affirmation nationale qui porte en elle une quête des origines afin que les peuples puissent fonder leur cohésion nationale sur des éléments littéraires et iconographiques puissants ( littérature et historicisme médiéval) : écrivains et artistes romantiques cherchent une réhabilitation du Moyen Âge chrétien, méprisé par philosophes du siècle des Lumières, substituant le sentiment et l'esthétique comme champ privilégié de l'investigation au modèle rationnel issu de ces philosophes.

Thématiques

Grand combat entre le Romantique et le Classique à la porte du musée, 1827. Lithographie. BNF, Paris.

Le romantisme est une nouvelle sensibilité, s'opposant au classicisme, aux Lumières et à la rationalité. Elle proclame le culte du moi, l'expression des sentiments jusqu'aux passions. " Issu de bouleversements politiques et sociaux sans précédent, il met l'homme et l'artiste devant un destin, improbable, inquiétant. Cette vision dramatique de l'humanité est alors commune à tous les arts, même au théâtre et à l'opéra, sous la magnificence des décors... Le réel, que les romantiques rendent expressif, dramatique, l'emporte sur le beau idéal ". Neuve et subversive, cette sensibilité se manifeste dans la littérature et les arts plastiques par un renouvellement thématique, le Moyen Âge, l'Orient, l'époque napoléonienne, la littérature étrangère, etc.

Décrire le Mal du siècle, thématique chère aux romantiques, commence par Alfred de Musset qui en 1836 dans La Confession d'un enfant du siècle résume le mal dont souffre la jeunesse française :

" Toute la maladie du siècle présent vient de deux causes ; le peuple qui a passé par 1793 et par 1814 porte au cœur deux blessures. Tout ce qui était n'est plus ; tout ce qui sera n'est pas encore. Ne cherchez pas ailleurs le secret de nos maux. "

- Alfred de Musset, Confessions d'un enfant du siècle, Première partie, chapitre II ( 1836)

Selon le philosophe Michael Löwy, la vision romantique constitue une " autocritique de la réalité " qui porte sur cinq thèmes principaux : le désenchantement du monde, sa quantification, sa mécanisation, l'abstraction rationaliste et la dissolution des liens sociaux.

Le romantisme en littérature

Le romantisme allemand

Portrait de Novalis

Le premier romantisme, appelé Frühromantik, naît en Allemagne à Iéna. Le cercle de Iéna est très cosmopolite. Il est composé de figures telles que Novalis, Ludwig Tieck, Frédéric Schlegel qui se réclamaient proches de la pensée de Fichte. Ce sont eux qui élaboreront la doctrine romantique et le romantisme politique. Après 1804, le romantisme allemand prend une nouvelle direction, c'est la Hochromantik de l'école de Heidelberg avec des noms tels que Clemens Brentano, Joseph von Eichendorff, Achim von Arnim et les Jacob et Wilhelm Grimm. La dernière période, la Spätromantik (romantisme tardif), s'étend de 1815 à 1848.

Le romantisme britannique

Lord Byron en tenue albanaise.

Dans les années 1760 les Graveyard Poets (" les Poètes du cimetière "), en particulier Gray et son Élégie d'un cimetière de campagne, sondent les sentiments liés au deuil, à la perte et à l'anéantissement, voire à l'horreur de la putréfaction des corps, les émotions malséantes.

En 1764, Horace Walpole avec son roman Le château d'Otrante, créé un nouveau genre : le roman gothique ( The Gothic Novel ). Repris par Ann Radcliffe, dont Les Mystères d'Udolfe, le Roman de la forêt et L'Italien connaissent un vif succès, ces romans noirs exaltent le goût pour le morbide, le terrifiant, le mystère, autant que l'inquiétante étrangeté des ruines médiévales.

Avec son Pèlerinage de Childe Harold paru en 1813, Lord Byron connaît une célébrité foudroyante. Son héros qui traîne sa mélancolie désenchantée à travers l'Europe et l'Orient devient le modèle du héros byronien que l'on retrouve dans ses poèmes orientaux : Le Corsaire, , La Fiancée d'Abydos... Sa vie scandaleuse et sa mort en 1824 à Missolonghi, pour la cause de l' indépendance grecque, le transforme en mythe. Son influence poétique et politique sur toute la jeunesse européenne est immense : les auteurs veulent écrire comme Byron, les révolutionnaires veulent mourir pour la liberté comme Byron, phénomène qualifié de " byronisme ".

Le romantisme français

Le Grand Chemin de la postérité. Monté sur le Pégase romantique, Hugo, " roi des Hugolâtres, armé de sa bonne lame de Tolède et portant la bannière de Notre-Dame de Paris ", emmène en croupe Théophile Gautier, Cassagnac, Francis Wey et Paul Fouché. Eugène Sue fait effort pour se hisser à leur niveau et A. Dumas presse le pas, tandis que Lamartine, dans les nuages, se " livre à ses méditations politiques, poétiques et religieuses. " Gravure satirique de Benjamin Roubaud.

Si le romantisme a été en Allemagne en partie un retour aux fonds primitif et indigène, en France, ce fut au contraire une réaction contre la littérature nationale. Les littératures anglaise et allemande ne s'étaient asservies que momentanément à la discipline du classicisme, sous l'influence prédominante de notre grand siècle ; et ce qu'on appelle proprement romantisme outre- Manche et outre- Rhin c'est la période littéraire où le génie septentrional, reprenant conscience de lui-même, répudie l'imitation française. En France, au contraire, pays de culture et de tradition gréco-latines, la littérature était classique depuis la Renaissance, et l'on appelle romantiques les écrivains qui, au début du siècle, se sont affranchis des règles de pensée, en opposition au classicisme et au réalisme des philosophes du siècle.

Pas plus qu'en Allemagne, cette révolution ne s'est accomplie d'un seul coup en France. À cause de son caractère de rupture avec la tradition nationale, et non avec des habitudes passagères, d'importation étrangère, elle a été plus tardive et a eu plus de peine à se réaliser. Commencée en réalité vers 1750, elle n'a atteint son terme qu'un siècle plus tard. Préparée au siècle, contenue et même refoulée pendant la Révolution et l' Empire, elle n'est arrivée à maturité que sous la Restauration et son triomphe ne s'est affirmé vers 1830 qu'après des luttes ardentes et passionnées.

En 1927, on fête le centenaire du romantisme, en prenant comme référence la publication de la Préface de Cromwell de Victor Hugo en 1827. À Bagnères-de-Luchon, on baptise alors les rue Lamartine, rue Alexandre-Dumas et rue Victor-Hugo que l'on pare de plaques de marbres commémoratives.

Le romantisme italien

Le romantisme espagnol

Le romantisme dans les arts

En musique, le romantisme prend des formes variées, mettant au premier plan l'expression de l'émotion. De nombreux compositeurs célèbres s'illustreront dans cette longue période, aussi bien dans la musique instrumentale et orchestrale que dans l'art lyrique et vocal.

Le piano-forte, en remplaçant le clavecin, permet désormais d'exploiter de puissants contrastes de dynamique. De la même façon, l' orchestration devient de plus en plus audacieuse et élaborée, d'autant plus que certains instruments, comme le cor, sont modifiés par les facteurs d'instruments de manière à devenir plus maniables. Les sonorités inventées par les romantiques sont particulièrement colorées et évocatrices, davantage en tout cas que chez des classiques comme Joseph Haydn ou Wolfgang Amadeus Mozart. À la jonction de ces deux courants se situe la puissante personnalité de Ludwig van Beethoven, dont les premières œuvres se rattachent à l'esthétique classique tandis que celles de sa maturité sont considérées comme le début du romantisme musical.

Tout au long du siècle, la musique romantique conservera dans ses caractéristiques une certaine continuité, une homogénéité temporelle de style, que les autres formes artistiques du romantisme ne connurent pas. À la base de cette continuité se trouve peut-être une idéologie philosophique : la musique devenait enfin une réelle forme d'art. La musique commençait à prendre une tout autre dimension : elle n'était désormais plus considérée comme un art mineur, œuvre d'artisans. Par conséquent, ce qui caractérise la musique romantique est surtout l'individualité dans les styles. Cette époque incarne avant tout la liberté.

Le ballet romantique apparaît au début du , et succède au ballet d'action dont Jean-Georges Noverre fut le grand théoricien. La période du ballet romantique dure une trentaine d'années, de 1815 à 1845- 1850.

La première période du romantisme (1780-1810) se développe en opposition au néoclassicisme (1760-1800). Là où le néoclassicisme prône une beauté idéale, le rationalisme, la vertu, la ligne, le culte de l' Antiquité classique et de la Méditerranée ; le romantisme s'oppose et promeut le cœur et la passion, l'irrationnel et l'imaginaire, le désordre et l'exaltation, la couleur et la touche, et des mythologies de l'Europe du Nord.

Néanmoins, le romantisme en peinture ne se définit pas qu'en termes d'opposition, et développe ses propres caractéristiques, influencées par le baroque :

l'individualisme, le sentimentalisme, le mysticisme ;

le culte du Moyen Âge, des " brumes du Nord " et de l'exotisme ;

l'intérêt pour le drame, le combat, la folie et la violence en général.

Antoine Étex, Caïn et sa race maudits de Dieu, 1839, Lyon, musée des Beaux-Arts.

La sculpture au est d'abord un art institutionnel et académique, encadré précisément, qui répond à des normes officielles ou officieuses édictées par des institutions liées au régime politique de l'époque, et les artistes doivent se plier à des codes académiques. Pour devenir un sculpteur reconnu, la voie traditionnelle est de passer par l'école des Beaux Arts de Paris, fondée en 1817. La sculpture est majoritairement un art de commandes publiques réalisées pour le compte de l'État et un art financé à titre privé par des mécènes. La sculpture au siècle est très marquée par l'apprentissage académique, demeure attachée aux traditions et notamment à celle du beau idéal. L'enseignement académique perpétue une tradition très idéalisé du corps que l'on peut notamment retrouver dans les œuvres de James Pradier. Les femmes en tant qu'artistes n'ont pas accès à l' académie des beaux-arts avant 1897.

La sculpture romantique apparaît au Salon de 1831. Marqué par le Roland Furieux de Jehan Duseigneur, ce nouveau style se caractérise par une certaine expressivité et une recherche d'un aspect plus naturel que la sculpture néoclassique tandis que les thèmes changent pour davantage s'inspirer de littérature du Moyen Âge ou de la Renaissance. Le romantisme tarde à se manifester en sculpture et son développement est rapidement contrarié par le jury du Salon qui commence à refuser des œuvres dès 1834, jusqu'en 1844 où les œuvres refusées sont plus nombreuses que les œuvres acceptées. La d' Auguste Préault marque ce tournant puisque Jean-Pierre Cortot entend " accrocher cet ouvrage au Salon comme on suspend le malfaiteur au gibet ", il souhaite en faire un exemple de ce qu'il ne faut pas faire en sculpture, un exemple effrayant pour la jeunesse,. Ce n'est qu'à partir du Salon libre de 1848 que les sculpteurs romantiques peuvent exposer à nouveau, c'est finalement le Second Empire qui consacre la reconnaissance officielle du romantisme en sculpture.

Les sculpteurs représentatifs de cette école sont Pierre-Jean David d'Angers, François Rude, Auguste Préault, Antoine-Louis Barye, Antonin Moine et Antoine Étex.

Références

Articles connexes

Bibliographie

Auteurs classiques

Sur les autres projets Wikimedia :

Théophile Gautier, Histoire du romantisme, L'Harmattan, Paris

Victor Hugo, Préface de Cromwell, Larousse, Paris, 2001

Stendhal, Les Voyages en Italie de Stendhal illustrés par les peintres du romantisme, 2002, éditions Diane de Selliers

Stendhal, Racine et Shakespeare (1818-1825) et autres textes de théorie romantique, éd. Michel Crouzet, Paris, Honoré Champion, " Textes de littérature moderne et contemporaine ", 2006.

Collectifs

Collectif, Chronologie de l'art du XIX e siècle, Flammarion, Paris, 1998,

Collectif, Lagarde et Michard : XIX e siècle, 1993, Schoenhofs Foreign Books

Nouveau Larousse illustré, 1898-1907, Larousse

Individuels

Roger Ayrault, La Genèse du romantisme allemand t. 1. et 2. : Situation spirituelle de l'Allemagne dans la deuxième moitié du siècle, Paris, Aubier - Éditions Montaigne, 1961

Paul Bénichou, Romantismes français, Paris, Gallimard, " Quarto ", 2004, 2 vol., 1008 et 1120 p.

Jacques Bony, Lire le Romantisme, Paris, Dunod, " Lettres supérieures ", 1992, 232 p.

René Bray, Chronologie du romantisme (1804-1830), Paris, Boivin, , 238 p.

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Roger Ayrault, La genèse du romantisme allemand, t. 4 : 1797-1804 (II) Baader ; Brentano ; Hülsen ; Novalis ; Ritter ; Schelling ; Steffens ; les Schlegel : Auguste Wilhelm, Caroline, Dorothée, Friedrich ; Schleiermacher ; Tieck ; Wackenroder, Paris, Aubier - Éditions Montaigne, 1976

Antoine Berman, L'épreuve de l'étranger. Culture et traduction dans l'Allemagne romantique, Gallimard, Essais, 1984 (rééd. coll. Tel)

Marcel Brion, L'Allemagne romantique, 4 vol., Albin Michel, Paris, 1962, 1963, 1977, 1978

Marcel Brion, Peinture romantique, Albin Michel, Paris, 1967

Michaël Löwy et Robert Sayre, Révolte et mélancolie. Le romantisme à contre-courant de la modernité, Éditions Payot, 1992, 303 pages.

Éric Dayre, Une histoire dissemblable. Le tournant poétique du romantisme anglais. 1797-1834, collection " Savoir Lettres ", Éditions Hermann, Paris, 2010

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Mario Praz, Le Pacte avec le serpent, 3 volumes, Christian Bourgois, 1989, 1990, 1991

Mario Praz, La Chair, la Mort et le Diable : Le romantisme noir, Gallimard/Tel, 1998

Gonthier Weil et Jean Chassard, Dictionnaire des œuvres et des thèmes de la littérature allemande, Hachette, Paris, 1973 (ASIN: B0000DY1Y6)

Ayn Rand, The Romantic Manifesto: A Philosophy of Literature, New American Library, New York, 1969

Liens externes

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Début XVIII e siècle Fin XIX e siècle Le romantisme est un mouvement culturel apparu à la fin du en Allemagne et en Angleterre et se diffusant à tout l' Occident au cours du , jusqu'aux années 1850.

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Article généraliste sur la peinture romantique.

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La peinture romantique est un courant pictural issu du romantisme qui s'étend environ de 1770 à 1870 et peut être divisé en trois périodes distinctes :

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Article Wikipédia sur les thèmes récurrents dans le courant romantique.

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Thèmes récurrents du romantisme - Wikipédia

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Dans le romantisme, l' amour tient une place très élevée, il est idéalisé : " La réduction de l'univers à un seul être, la dilatation d'un seul être jusqu'à Dieu, voilà l'amour " ( Hugo, Les Misérables ).

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Le romantisme nait en Angleterre à la fin du XVIII en réaction face aux certitudes du siècle des lumières. Cette rupture dans la tradition comme la nomme Gombrich n'est encore qu'un préromantisme assimilable au style néo-gothique. C'est en France avec Hugo, Géricault et Delacroix que le romantisme trouve son plein épanouissement.

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L’armée des romantiques (1/4) - La révolution romantique (1827-1832) - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Tandis que le feu des révolutions transforme le XIXe siècle, à Paris, de jeunes artistes exaltés rêvent de régler son compte à l’ancien monde... Après “Les aventuriers de l’art moderne”, cette série documentaire animée explore le mouvement romantique en un passionnant chassé-croisé d’oeuvres et de destins.

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Quelque chose en nous du Romantisme (Podcast en 8 épisodes)

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Quelque chose en nous du Romantisme (Podcast en 8 épisodes)

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À propos de la série

Une série documentaire d'Elise Andrieu, réalisée par Véronique Samouiloff Enfant du siècle des Lumières et de la Révolution française, le Romantisme naît au cours du XVIIIe siècle pour se déployer jusqu'au XIXe, dans tous les arts et parmi tous les...

Une série documentaire d' Elise Andrieu, réalisée par Véronique Samouiloff

Enfant du siècle des Lumières et de la Révolution française, le Romantisme naît au cours du XVIIIe siècle pour se déployer jusqu'au XIXe, dans tous les arts et parmi tous les pays d'Europe.

Absolu, rêve, sentiment, liberté, subjectivité... le Romantisme ne connaît ni les limites, ni la tiédeur, ce qui le poussera du sublime jusqu'au désenchantement.

C'est cette intensité que nous partons découvrir auprès de ceux qui, aujourd'hui, se plongent dans les œuvres romantiques : au son d'une musique, devant un tableau, parmi les livres.

Ils nous disent que nous sommes les enfants des Romantiques et que, malgré les désillusions de notre monde, nous poursuivons leur quête d'idéal.

Provenant de l'émission

LSD, la série documentaire, du lundi au jeudi de 17h à 18h sur France Culture

Documenter toutes les expériences de la vie, des cultures et des savoirs. Chaque semaine, un grand thème en quatre épisodes, autonomes et complémentaires.

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Quelque chose en nous du Romantisme : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Une série documentaire d'Elise Andrieu, réalisée par Véronique Samouiloff Enfant du siècle des Lumières et de la Révolution française, le Romantisme naît au cours du XVIIIe siècle pour se déployer jusqu'au XIXe, dans tous les arts et parmi tous les...