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Choix d'une œuvre exemplaire +image+auteur+date... 

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Choix d'une œuvre exemplaire +image+auteur+date... 

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Analyse plastique (ce que je vois -> formes, couleurs, matériaux, techniques, usages)

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Analyse plastique (ce que je vois -> formes, couleurs, matériaux, techniques, usages)

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Analyse stylistique (ce que je sais/déduis -> appartenance stylistique)

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Analyse stylistique (ce que je sais/déduis -> appartenance stylistique)

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Analyse esthétique (à quelle définition se rapporte l'exemple)

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Analyse esthétique (à quelle définition se rapporte l'exemple)

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Uniformisation extrême, perte d'identité. "Playtime" de Jacques Tati, 1967

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L'image expose 3 personnages de dos en mouvement, les 3 ont la même tenue au détail près que leur chapeau est légèrement différent. Costar noir, valise noir, col blanc, chaussure noir, chapeau gris. On ne constate aucune couleur, ils se fondent dans l'ensemble de l'image qui est quasi totalement dans des tons de gris. En second plan on observe une rue sur laquelle circulent des voitures toutes du même modèle, noirs ou grises. Finalement en arrière plan, des bâtiments aux traits linéaires horizontales semblent dominer l'espace. L'architecture est la même partout, au même titre que l'ensemble de la composition ne montre aucune nuance.

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Je déduis que cette image entre dans le thème du style moderniste. On peut constater une uniformité totale. Aucun motif particulier, aucune couleur, tout est paramétré dans une logique structuré, linéaire, géométrique, sans superflue.

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Au regard du modernisme, l'image est conforme, et belle car elle correspond aux attentes que ce mouvement propose. En effet l'image nous guide vers un constat clair; la caméra situé derrière une fenêtre nous donne un point de vue sur le monde extérieur et nous place en tant que spectateur. Le regard est d'abord dirigé vers ces humains en costar uni, avec les mêmes accessoires, on constate ensuite la rue et la circulation dense mais toujours avec le même modèle de voiture, et finalement, comme pour établir un cadre, les immeubles en fond imposent de par leur uniformité un aspect monotone, sans autre but que leur fonction.

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Ce mouvement est apparu dans un contexte de changement profond de la culture occidentale à la fin du 19ème siecle. Autrement dit, l'influence de la science, mais aussi la sécularisation des sociétés européennes (c'est à dire la progressive mise à distance de l'appareil religieux de l'état) ont produit une forme de rejet de la tradition, qui, trop encrée dans le passé, était considéré par les modernistes comme délétère à la société.

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La globalisation, ou autrement dit l'uniformisation des styles industrielles, architecturaux et plus largement du design en soi est l'enjeux principal de ce mouvement. Ce film ici dénonce ce courant en poussant le trait jusqu'à l'extrême, mettant le spectateur à la fois dans un sentiment de gêne (de par l'absence "d'âme" dans les images) mais aussi de satyre (d'exagération, parfois moqueuse d'un modèle poussé à bout, montrant ses limites).

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Cuisine de Francfore- Margaret Schutte lihotzsky, 1926

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Cuisine de Francfore- Margaret Schutte lihotzsky, 1926

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"Je ne suis pas une cuisine" Margaret Schütte-Lihotzsky

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Il s'agit de ce qui est considéré comme la première "cuisine intégrée", ou "de poche". Elle fait 6m2, il y a une absence d'ornement, une simplicité, une sobriété presque cubique. L'espace est lissé. Les couleurs sont importantes: l'ocre jaune rappelle la luminosité du soleil et le bleu à une fonction précise: éviter la venue des mouche. La matière (du plan de travail) aussi est choisie pour une fonction, l'hêtre est résistant aux tâches. La cuisine est constitué de placards à double fonction (Rangement/séchage). L'espace cuisson met en avant la marmite norvégienne (temps de cuisson lent et plus autonome). La lumière est pensée pour pouvoir être déplacée dans l'espace et la fenêtre fait office de lumière naturelle. Aussi, la cuisine est surélevée. Une autre particularité de cette cuisine est sa mise en œuvre. En effet il s'agit de préfabriqué, fait en atelier, et monté/ajusté sur place.

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La cuisine est conçue d'abord pour faciliter la vie de ces utilisateurs. Le public visé est d'abord les femmes, qui à l'époque avaient un rôle centrale dans la vie du foyer. C'est pour cela que l'on retrouve aussi des accessoires comme une table à repasser, et des rangements. L'ensemble des accessoires et la disposition globale de la cuisine est pensée pour alléger et faciliter la charge de travail énorme du foyer. Aussi un autre point important est qu'à cette époque on considérait que la Tuberculose (alors une maladie répandue) se transmettait par la mouche, d'où le choix d'une couleur qui aurait pour fonction de les repousser.

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Cette cuisine est considérée comme belle car elle correspond aux besoins et aux innovations de l'époque. La facilitation du quotidien des femmes est son motif principal. Elle correspond aussi à un contexte plus large mettant en avant l'aspect sanitaire, la propreté est alors de plus en plus recherchée, à une époque ou par exemple les notions de vaccins et d'éradication de maladie sont au cœur du progrès.

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A la suite de la première guerre mondiale, l'Allemagne est en pleine crise du logement. Or pour pallier à ce manque, les enjeux de "préfabriqué" et d'habitats sociaux apparaissent alors. Et ce dans un objectif de réduire les coûts notamment pour la classe ouvrière, qui faute de moyens restaient dans des appartements relativement modestes. L'uniformisation des plans, et l'objectif de compacter les besoins, regrouper les tâches, uniformiser l'effort, ont tous eu pour conséquence l'apparition de cette cuisine compacte.

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Division des espaces et des fonctions. Contraste avec le traditionnel (souvent moins optimisé) -> optimisation des tâches via un design pensé pour faciliter. Repenser l'agencement, l'habitat, le quotidien.

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"Le kitsch n'est pas la lie de l'art ni ses scories, mais une substance empoisonnée qui s'y trouve mélangée. Comment s'en débarasser est la tâche ardues du présent. Dans le kitsch est peut être même le vrai progrès de l'art."

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description :

pendentif -> plusieurs matière: pierres précieuses, or, ivoire etc...

représente une femme de dos, vêtue d'une robe avec des ailes d'insectes dans son dos.

Deux grosses gemmes rouges milieu du dos entourés d'autres pierres blanches.

Le bas de la robe est jaune et fait d'or.

Un peu plus haut, on retrouve d'autres types d'ailes, celles-ci sont plus grandes et de couleurs vertes anis, l'intérieur est serti de pierres plates qui sont entourés de pierres blanches.

La femme semble porté une coiffe qui s'apparente à des antennes, elle aussi serti de diamants.

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Le kitsch est un concept qui apparait à la fin du 19e siècle, c'est un "mouvement qui désigne le mauvais gout et la surcharge ainsi que l'inauthentique.

Les objets considérés comme kitsch sont des objets vulgaires de par leur non élégance, leur matière, leur forme, ce qu'ils racontent,...

Ce sont des objets avec des décorations superflues.

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Le pendentif est considéré comme kitsch. C'est un objet créé en 1900 -> mouvement art nouveau, élément organique, courbe et matière précieuse sont à la mode.

Le pendentif contient plusieurs matières et formes, il y a beaucoup de courbes et présente une chimère (femme insecte).

Effet de surcharge, voulu à l'époque.

Cet objet est le contraire des codes d'élégance des classes bourgeoises.

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Le kitsch apparait vers 1850; 2 grande periodes:

La 1ère; au 19e siècle, avec la révolution industriel de nouvelles classes sociales apparaissent et certaines personnes gagnent plus d'argents, ils ont donc accès a d'autres produits dans leur quotidiens. Ils cherchent a acquérir de nouveaux objets qu'avant ils ne pouvaient pas s'offrir à ce moment le kitsch désigne des objets que la nouvelle classe peut s'offrir tout en ignorant la culture, des objets ostentatoires.

La 2eme partie de l'histoire du kitsch est amené avec la consommation de masse. Des penseurs de gauche se serve de se terme pour critiquer la nouvelle société de consommation. Ils pensent que la consommation de masse est un moyen plus facile pour manipuler les groupes.

Aujourd'hui le kitsch désigne avant tout des objets de mauvais gout

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Le kitsch a joué beaucoup dans la culture du peuple, au début les nouveaux salarié s'en servait pour montrer leur argent, maintenant il désigne du mauvais gout et influence beaucoup de mouvement. Par exemple au japon le kitsch a joué un grand rôle dans la pop culture avec les mangas et animés.

Il est à l'origine de beaucoup d'œuvre contemporaine et est beaucoup diaboliser à l'époque

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La cour centrale, entourée de logements sur plusieurs niveaux et couverte d’une vaste verrière, est le cœur du bâtiment. Elle structure l’ensemble du projet architectural et social.

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La cour adopte une composition symétrique et régulière. Les galeries superposées créent un rythme horizontal marqué. Les lignes verticales des piliers répondent aux lignes horizontales des balcons. La verrière, en structure métallique et verre, laisse pénétrer une lumière abondante.

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-Usage de la brique rouge, matériau industriel et économique.

-Structure en fer et verre, typique de l’architecture moderne (comme dans les passages couverts ou les halles).

-Sobriété décorative : absence d’ornementation superflue.

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-Un sentiment de dignité et de grandeur

-Une impression d’ordre et d’harmonie

-Une atmosphère lumineuse et saine

L’espace est à la fois collectif et protecteur car il favorise les rencontress, les échanges et la vie communautaire. La beauté n’est pas décorative, elle est fonctionnelle. Elle sert un idéal social.

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Le concept d’« art utile » développé par John Ruskin en Angleterre repose sur plusieurs idées.

-L’art doit être moral et socialement bénéfique.

-La beauté doit accompagner l’usage.

-L’architecture doit élever spirituellement et moralement l’homme.

Familistère correspond pleinement à cette vision car non seulement il unit fonction et esthétique mais il met aussi la beauté au service du quotidien. De plus il vise une amélioration morale et sociale par l’environnement architectural.

Comme Ruskin, Godin considère que l’architecture n’est pas seulement technique mais qu'elle a une dimension éthique. Ainsi, le Familistère peut être vu comme une matérialisation concrète de l’« art utile » autrement dit une architecture qui embellit la vie tout en répondant aux besoins fondamentaux des gens.

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C'est un buffet en bois.

6 compartiments dont 2 clos.

2 compartiments clos contiennent des ajouts en métal sur les portes.

Un radiateur est en bas du buffet, calé sous une planche en bois, sur le côté du buffet on y aperçoit une échelle qui nous mène à une mezzanine.

Le haut du buffet sert de "sol".

peint en blanc.

Sur le haut du buffet il y a comme une barrière qui créer un balcon, blanc lui aussi.

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L'art and Craft = mouvement qui s'inspire grandement de la nature (liane, fleur, rose,...). Donc -> des papiers peints et broderies très chargés et inspiré de la nature avec des ajouts d'animaux à certains endroits.

Les meubles sont géométriques et robustes, pas de décorations excessives. Les proportions sont harmonieuses et les détails de constructions visibles, sculpture légère et ferronnerie discrète.

Rejet de la mécanisation et valorisation du fait main.

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Le buffet blanc est un exemple de la pensée de l'art utile démocratisée par William Morris. C'est un buffet robuste et sans fioritures. Il a une double fonction : la première étant le buffet/placard de rangement et la deuxieme étant échelle et mezzanine.

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Arts & Crafts apparaît en Grande-Bretagne -> seconde moitié du XIXᵉ siècle

Contexte de révolution industrielle et de forte mécanisation.

Entraîne une production de masse jugée impersonnelle et de mauvaise qualité + des conditions de travail difficiles.

En réaction, des artistes et penseurs comme John Ruskin et William Morris défendent le retour à l’artisanat, au travail manuel et aux matériaux naturels. Le mouvement vise à réconcilier l’art et la vie quotidienne, en créant des objets à la fois utiles, simples et esthétiques, tout en portant une critique sociale et morale de l’industrie.

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Les enjeux du Arts & Crafts en termes de design:

esthétiques, sociaux et éthiques.

Le mouvement cherche à redonner de la valeur au travail de l’artisan, en opposition à la production industrielle standardisée.

Il défend un design où la fonction, la forme et le matériau sont étroitement liés, avec des objets simples, durables et honnêtes dans leur fabrication. L’Art and Crafts vise aussi à intégrer le beau dans le quotidien, en considérant que le design peut améliorer la qualité de vie.

Enfin, il porte un enjeu social important, en critiquant les conditions de travail industrielles et en proposant un modèle plus humain, même si ce modèle reste difficile à concilier avec la production de masse.

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« L’Art nouveau est un art total, où l’architecture, le mobilier et le décor ne font qu’un. » de Victor Horta

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Bouche de Métro Guimard, 1900/1913, Hector Guimard

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Bouche de Métro Guimard, 1900/1913, Hector Guimard

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Composition symétrique

Axe central (escalier)

Arche semi-circulaire

Lignes courbes / sinueuses

Verticalité végétale

Métal et verre

Vert patiné

Transparence

Jeu de lumière

Mouvement organique

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Art nouveau

Courbes dynamiques

Ornementation

Stylisation du végétal

Fusion art/architecture

Typographie décorative

Architecture organique

Objet utilitaire sublimé

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Inspiration végétale

Formes florales

Harmonie structure/décor

Unité visuelle

Modernité poétique

Embellissement urbain

Fonction + art

Naturel

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Le mouvement Art nouveau apparaît à la fin du XIXᵉ siècle (vers 1890-1910), dans un contexte d’industrialisation rapide et de modernisation des villes européennes. Face à la production industrielle standardisée, les artistes cherchent à réconcilier art et artisanat et à réintroduire de la beauté dans les objets du quotidien.

Inspiré par la nature (formes végétales, lignes courbes) et influencé par les arts décoratifs ainsi que par l’art japonais, le mouvement se développe dans toute l’Europe, et notamment en France, en Belgique et en Espagne, avec la volonté de créer un « art total »

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Cette œuvre représente un enjeu majeur du design moderne, c'est à dire intégrer l’esthétique às une fonction utilitaire. Elle transforme une simple entrée de métro en élément artistique, créant une identitée visuelle forte pour la ville.

Elle montre aussi comment les matériaux industriels (fer, verre) peuvent être utilisés de manière expressive et comment le design peut concilier production en série, innovation technique et inspiration naturelle.

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Suspension verticale

Composition asymétrique mais équilibrée

Trois modules

Formes coniques

Disque circulaire

Lignes verticales dominantes

Contraste courbe / droite

Métal sombre

Cordage naturel

Franges mobiles

Palette sobre (noir / beige)

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Influence industrielle

Touche artisanale

art / fonction

Rythme et répétition

Objet décoratif

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Épuré

Élégance sobre

Rusticité

Jeu de textures

Contraste lourd / léger

Dimension sculpturale

Atmosphère intime (le quotidien)

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La Sécession viennoise apparaît en 1897 à Vienne, lorsque des artistes comme Gustav Klimt rompent avec l’académisme officiel pour créer un art moderne.

Dans un contexte de bouillonnement culturel, ils défendent un « art total » unissant peinture, architecture et design. Le mouvement se caractérise par des formes plus géométriques, un décor stylisé et une volonté d’adapter l’art à la modernité.

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Cette œuvre illustre un enjeu majeur du design moderne. C'est à dire unir art et fonction dans une conception cohérente.

Elle montre la volontée de créer un art total, où architecture, mobilier et objets décoratifs forment un enseble harmonieux. Le design ne se limite plus à décorer, il structure l’espace et affirme une identité moderne, fondée sur la géométrie, la rigueur formelle et le dialogue entre artisanat et production.

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une bonne reprise en main ! rattrapage validé

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Réutilisation?

Cycle?

Réemploi?

Transformation?

Réappropriation?