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BERNE Romane                          Grand Oral

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Question 1: comment les costumes apportent t’il de la valeurs aux films cinématographiques ?

Pour cette question j’ai regardé plusieurs vidéos des coulisse de plusieurs films, par exemple: Avatar 1, Harry Potter ou encore certains avengers

Avec ces reportages j’ai remarqué que parfois les costumes n’entrait pas porté dans les tournages ( exemple avatar ce n’est que des capteurs, les acteurs ne sont pas peint en bleus, ou encore dans Iron man où il ne porte pas toujours le costume)

J’ai vu aussi que les costumes est l’une des parties les plus importantes d’un film ( bien sûr le décor et le scénario compte) le costume apporte plus d’informations sur l’époque, l’environnement, et la planète.

Comme deuxième question j’y travaille je ne sais pas encore mais j’aimerai parler des procédé de créations de certains costume ( capteurs, costume, etc )

Pour la suite je vais me documenter encore plus, sur la création de costume et comment exactement le costume peut nous plonger dès les premières secondes dans l’ambiance du film.

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Quel est l'impact des nouvelles technologie sur l'art ? A préciser : outils numériques *

Comment submerger/s'immerger/ inviter un spectateur dans un univers ?*

Pourquoi/en quoi la première impression d'un personnage (une illustration...) est essentiel ? (Chat botté)*

La lumière dans le cinéma * lumière = materiaux ? (Bioluminessence)
Impalpable

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1_ Peut on dire que la bande dessinée a révolutionné l'art contemporain
2_ Quelle est l'influence de la bande dessinée dans le milieu de l'art

# data[].attributes.body
Bonjour,
désolé du retard mais voici le lien qui vous dirigera vers mon document concernant le grand oral.
( Je vous le partage sous forme de lien car je compte le modifier au fur et à mesure et que rajouter un document à chaque modification pourrait me ou vous perdre. vous pouvez aussi modifier ce document, y laisser des commentaires, etc... Il peut aussi être télécharger en format pdf ou autre).
Merci pour votre compréhension,
Bonne journée.
:)

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1. Comment, dans le design graphique contemporain, les campagnes publicitaires sont-elles pensées pour atténuer les stéréotypes de genre et de race ?
2. Comment l'histoire de l'art influence-t-elle la publicité et le design de communication ?

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Problématique possible de la deuxième question :
1-Comment les mouvements artistiques du passé ont-ils influencé la publicité et le design de communication d'aujourd'hui ?

Cette problématique permettrait d'explorer les mouvements artistiques tels que l'Art Nouveau, le Bauhaus, le Pop Art, le Minimalisme, etc. et d'examiner comment ces styles ont été intégrés dans la publicité et le design de communication. Elle permettrait également de discuter des similitudes et des différences entre ces mouvements artistiques et la publicité contemporaine et le design de communication.

2-En quoi l'intégration de l'art dans les entreprises peut-elle bénéficier à la performance de l'entreprise ?

Cette problématique permettrait d'explorer les différents moyens par lesquels les entreprises peuvent intégrer l'art dans leur environnement, tels que l'installation d'œuvres d'art dans les locaux de l'entreprise, la collaboration avec des artistes pour créer des produits ou des campagnes publicitaires, ou encore la mise en place de programmes de formation en arts pour les employés. Elle permettrait également d'examiner les avantages potentiels de cette intégration de l'art, tels que l'amélioration de la créativité, de la productivité, de la satisfaction des employés et de l'image de l'entreprise. Enfin, cette problématique pourrait également explorer les défis et les obstacles que peuvent rencontrer les entreprises qui cherchent à intégrer l'art dans leur environnement.

3-Comment l'utilisation de l'art dans la publicité peut-elle influencer l'attitude et le comportement des consommateurs envers une marque donnée ?

Cette problématique permettrait d'explorer comment les publicitaires utilisent l'art pour susciter des émotions et des sentiments chez les consommateurs, afin de renforcer l'image de marque et d'améliorer l'impact de leur message publicitaire. Elle permettrait également d'examiner comment les consommateurs perçoivent l'utilisation de l'art dans la publicité et comment cela peut influencer leur attitude et leur comportement envers une marque donnée. Enfin, cette problématique pourrait également explorer les limites et les risques de l'utilisation de l'art dans la publicité, notamment en ce qui concerne la manipulation et la falsification des émotions des consommateurs.

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Pourquoi lier l'horreur et l'animation ?
Pourquoi passer de la BD à l'animation ?

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Comment la risographie peut-elle devenir une option incontournable pour les graphistes de demain dans la création de supports publicitaires et comment peut-elle répondre aux exigences croissantes en matière de durabilité et d'originalité dans l'industrie publicitaire ?

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Question CCDMA Interactions scénographie et chorégraphie

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Question CCDMA Interactions scénographie et chorégraphie

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Quelles interactions entre la scénographie et le projet chorégraphique en danse 

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comment les artistes mobilisent cet outil visuel pour impacter leurs événements 

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Référence Set Designer pour la question 2 (photographie)

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Référence Set Designer pour la question 2 (photographie)

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https://ellaperdereau.com/

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Ella Perdereau is a Set Designer based in Paris, France.
She is also co founder of Banco Studio.

Client list

AD Magazine Boucheron Chanel Crash Diptyque Hermes Lacoste M, le Magazine du Monde Vogue France Tank Zeit Magazin , Armani , , , , , , , Lancel , Le Bon Marché , Lancôme , Louboutin , LVMH , Microsoft , Moet & Chandon , Nike , Veuve Clicquot , , , , ,

2020 - TEXTILE INSTALLATION RESIDENCY WITH BANCO STUDIO, LE COLLATÉRAL - ARLES

Repartir du Collatéral et créer des pièces textiles pensées en écho - quand nous parlons d'une mue, il s'agit bien de celle du lieu qui s'apprête à entrer dans l'automne. La peau du lieu.

2017 - TEXTILE INSTALLATION, MINERAL REPORT. PHOTOGRAPHY - RESIDENCY W/ FLORENT TANET, LE COLLATÉRAL - ARLES

2020 - PHOTOGRAPHY WORKSHOP WITH FLORENT TANET, CHOISEUL SCHOOL - TOURS (FR)

2019 - COLORS, PATTERN WORKSHOP IN WITH FRANCK MOULTEAULT, CHOISEUL SCHOOL - TOURS (FR) AND ALBERT CAMUS SCHOOL - BLOIS (FR)

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Ella Perdereau is a Set Designer based in Paris, France. She is also co founder of Banco Studio.

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http://34.243.232.234/metiers/set-designer

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https://florenttanet.fr/index/

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Florent Tanet is a French photographer and art director working and living in Paris

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Propositions question 2 (si sujet du Set Designer est traité)

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Propositions question 2 (si sujet du Set Designer est traité)

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> En quoi la collaboration entre le set designer et le photographe permet-elle de renforcer le storytelling d'une marque ? (voir le travail d'Ella Perdereau et Florent Tanet pour Hermès et autres).

> En quoi la photographie, associée au set design, permet-elle de mieux communiquer une image de marque ?  (Exemple de réponse après avoir défini ce que c'était que la photo et le set design (scénographe/stylisme photo) > Travail du cadrage, de l'ambiance lumineuse, de décors, textures, reprise des codes esthétiques d'une marque au travers l'image...)

> En quoi la photographie, associée au set design, permet-elle de renforcer le contexte et l'univers d'une marque ?

etc...

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Ajustement de la question AMD (propositions):
En quoi est-il essentiel, pour un character designer, de tenir compte des différentes ethnies et cultures dans ses productions ?

ou

En quoi est-il essentiel de tenir compte des différentes ethnies et cultures dans le travail d'un character designer ?

Plan:
> Recontextualisation de la polémique autour du jeu vidéo
> Préciser rapidement le rôle du character designer dans ce genre de productions (que fait-il exactement et comment s'y prend-il ?)
> Présenter les solutions pour faire référence aux différentes ethnies et cultures dans les jeux vidéo sans tomber dans les stéréotypes. (exemples à l'appui)
> Conclusion / Ouvrir sur les enjeux: Inclure différentes cultures dans un jeu vidéo, une animation etc (est-ce que l'usager peut se reconnaître/s'identifier au travers le/les personnage(s), est-ce qu'il accepte mieux l'autre ? l'usager est-il davantage sensibilisé aux différences des uns et des autres ? Ou bien doit-on rester sur une neutralité stylistique dans le personnage fictif pour ne pas faire d'amalgame ou de raccourcis et ainsi éviter de vexer/choquer le public ? Quelles en sont les limites ?...

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Ajustement de formulation:
Dans quelle mesure le designer graphique fait-il référence au corps (et aux morphologies) au sein de ses créations ?

Plan:
> Intro (contexte, définition corps et morphologies) OK
> De manière figurative (corps = finalité) (trouver des exemples qui montrent la référence au corps directement, stylisation du corps etc )
> De manière abstraite (corps = outils amenant à un résultat graphique) comment le corps est-il employé dans certaines créations graphiques ? Participe-t-il à la création ? Est-il "utilisé" comme outil ? (voir cet article: https://www.designdo.fr/blog/danse-et-motion-graphics/ >> création de police de caractère grâce au corps et au mouvement )
> ouvrir sur corps et mouvement ? Utiliser son ou le corps pour produire des tracés, lignes, dessins etc  (voir ces références: https://ikoness.com/2018/04/10/mouvements-de-letre-interieur-avec-caroline-denervaud/ , Dance Curves de Gret Palucca et Kandansky (Bauhaus) https://www.bagtazocollection.com/blog/2016/1/25/design-design-designstudy-wassily-kandinsky )

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Des GIF aux vidéos, en passant par les graphiques pluridimensionnels, le motion design n'a cessé d'évoluer au cours des dernières années.

De ces intersections entre le mouvement et les arts digitaux, la danse et le corps humain en mouvement ont été source d'inspiration pour créer des pièces uniques, avec des lignes, traits et des transitions appliqués au graphisme en mouvement.

La danse et les arts visuels, n'ont pas seulement des racines communes. Toutes ces disciplines ont été créées pour la contemplation et sont donc considérées comme des " arts visuels ". Ensemble, elles partagent la plasticité de leurs langues et de leurs narratives.

Le corps humain, lorsqu'il est en mouvement, en coordination ou non, peut créer une atmosphère ou de nouveaux modèles d'interaction pouvant être utilisés pour créer différentes propositions, comme le motion design.

Dans une volonté de se réapproprier la façon dont nous pensons au mouvement, plusieurs créateurs ont pris l'influence du mouvement humain à travers la danse pour créer des expériences visuelles et graphiques.

Et, de cette forme d'expression corporelle émergent des techniques digitales, telles que l'animation et le motion design. Examinons quelques exemples de cette influence.

Danse et graphisme en mouvement

Le motion design est l'art de mettre le graphisme en mouvement.

Les techniques vidéographiques ont permis d'animer plusieurs choses et en particulier des objets graphiques constitués de formes, de couleurs, de typographie, de montages photographiques. On appelle ça du graphisme en mouvement ou motion graphics, en anglais.

Dans cette optique, réalisateurs de diverses productions n'ont pas pu se détacher du pouvoir graphique de la danse, étant donné la richesse du corps comme ressource expressive.

On retrouve, par exemple, ce croisement de techniques et de disciplines dans le clip de Slow Meadow, " A Light Without Flame ", de Cian Hogan. Le mouvement de la danseuse a été utilisé comme point central de l'animation, utilisant sa chorégraphie interprétative pour créer des formes et des compositions visuelles qui interagissent avec la musique. L'équilibre entre le digital et l'analogique était l'objectif en termes de style, reflétant le mélange, les synthés électroniques se mêlant au piano et au violon traditionnels.

Il s'agit justement d'un ensemble d'animations dessinées à la main - rotoscopie et de motion graphics utilisé pour atteindre cet équilibre - ainsi que des textures digitales (pixellisation de l'écran) et analogiques de grain de film.

Motion Design & Slow Motion

Au-delà des chorégraphies et des mouvements synchronisés par la musique ou le silence, le mouvement du corps humain peut également représenter des idées abstraites telles que le passage du temps, les structures fixes ou les émotions.

Dans tous les cas, le corps sert de canal d'expression d'un message qui peut être traduit en éléments géométriques, structurels, couleur ou même par la vitesse des mouvements.

Un exemple peut être le mélange réussi de danse et de vidéo pour la création de " Future Proof " : une collaboration dirigée par Nathan Drabsch entre le studio australien de design et de motion The DMC Initiative et 7 danseurs. Les performances ont été capturées afin de créer une pièce unique, fluide et complète.

La création est basée sur les concepts de croissance, de partage, d'envoi et de réception.

Finalement, l'accent est mis sur les danseurs, qui créent et interagissent avec des formes abstraites dans un vaste scénario inconnu. Leurs propres mouvements déterminent la création et la destruction finale de ces éléments.

" Future Proof " par le studio The DMC Initiative

Danse et typographie

Le corps humain en mouvement a également réussi, grâce à ses trajectoires et ses croisements, à devenir une source d'inspiration pour la création d'éléments typographiques.

Grâce à certaines techniques de reproduction, différents graphistes et artistes sont parvenus à capturer des traits qu'ils ont ensuite réussi à transformer en lettres ou en symboles.

Dans le projet Body Experimental Type, le duo de graphistes Haocheng Zhang et Binyan Wu, s'inspirent de l'art de la performance et des formes de lettres pour visualiser la géométrie abstraite du corps.

Body Experimental Type : création de la typographie et visuels par Haocheng Zhang, costumes par Bingyan Wu.

Les deux designers ont une approche résolument ouverte de leurs pratiques multidisciplinaires, qui vont de la calligraphie au design de vêtements et de matériaux, ce qui les a amenés à collaborer sur ce projet, Body Experimental Type. Au départ, c'était une façon de découvrir d'autres possibilités du corps dans la dimension visuelle.

Les artistes ont cherché à incarner le mouvement du corps à travers les caractères en transmettant l'émotion par la typographie.

La fondation collaborative NM type a créé également une fonte expérimentale en étudiant la danse du chorégraphe sud-africain Andile Vellem. Le studio a travaillé avec l'artiste qui a imaginé différents mouvements pour représenter chaque lettre, chiffre et symbole.

Corps en mouvement et technologie

Développeurs et artistes ont pris le temps de se plonger dans la pensée du mouvement et dans la manière dont nous créons une valeur émotionnelle pour les spectateurs, par le biais de systèmes conçus à l'aide d'animations.

En se tournant vers la typographie, la couleur, la texture et d'autres outils pour évoquer une réponse, des créateurs ont conçu des outils pour exploiter la danse comme matière première du mouvement à l'aide de la technologie.

C'est le cas du projet Elastic Shore qui utilise un logiciel de " live painting " personnalisé permettant à un artiste de créer des images en temps réel pour suivre les mouvements d'un danseur.

L'artiste dessine les formes sur une tablette et contrôle le style et la couleur via un contrôleur MIDI. L'aspect de chaque coup de pinceau peut changer en temps réel, ce qui permet à l'artiste de passer spontanément d'un style et d'une couleur à l'autre en suivant les mouvements du danseur.

L'objectif est de révolutionner le spectacle vivant en créant des expériences qui repoussent les limites de la technologie de pointe.

Dans une approche similaire, la lumière sert également de ressource discursive entre la danse et la création de formes et d'éléments graphiques. " Nuance " est un court métrage du réalisateur français Marc-Antoine Locatelli mettant en scène le danseur Lucas Boirat interagissant avec des formes géométriques illuminées dans une performance chorégraphiée fantastique.

Nuance: Dancing with Light par Marc-Antoine Locatelli

Comme nous avons pu le voir, la danse et le mouvement du corps humain peuvent être une source d'inspiration pour les arts digitaux. Les deux mondes, l'analogique et le numérique, se croisent pour créer des dimensions alternatives à la créativité.

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Danse et motion graphics : S'inspirer du corps humain en mouvement - Agence O

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Des GIF aux vidéos, en passant par les graphiques pluridimensionnels, le motion design n'a cessé d'évoluer au cours des dernières années. De ces intersections entre le mouvement et les arts digitaux, la danse et le corps humain en mouvement ont été source d'inspiration pour créer des pièces uniques, avec des lignes, traits et des transitions appliqués au graphisme en mouvement.

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Copie de Quelles interactions entre la scénographie et le projet chorégraphique en danse

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aide pour formuler/justifier ses questions

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aide pour formuler/justifier ses questions

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Comment l'occidentalisation à finit par influencer la mode japonaise, qui depuis des siècles était restée très attaché à ses traditions vestimentaires ?

Comment la haute couture a finit par prendre une place importante au sein de notre société actuelle ?

De quelle manière l'ukiyo-e, l'estampe japonaise, s'est répandu dans le monde, et ça au travers de son style symbolique, particulier au japon ?

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https://nefanimation.fr/2021/06/11/zoom-sur-le-stop-motion-au-festival-la-rochelle-cinema-2021/

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Festival

Zoom sur le Stop Motion au Festival La Rochelle Cinéma 2021
Le Festival La Rochelle Cinéma (FEMA), dont la 48ème édition en 2020 n'avait pas pu avoir lieu en raison de la crise sanitaire, prépare actuellement la tenue de sa 49ème édition du 25 juin au 4 juillet 2021.
Comme chaque année, la NEF Animation est partenaire de la programmation. Cette année, le Festival proposera un Zoom sur le Stop Motion avec :

deux longs métrages incontournables (L'étrange Noël de Mr Jack de H. Selick et Fantastic Mr Fox de W. Anderson),

un large panorama de la jeune création européenne (But Milk is Important de A. Mantzaris, Boles de S. Cadez, The Vast Landscape - Porcelain Stories de L. Vidakovic, La maison du hérisson de E. Cvijanovic, Negative Space de M. Porter et R. Kuwuhata, Mon Fardeau de N. Lindroth vin Bahr, Bloomstreet 11 de N. Deutz, Ce magnifique gâteau ! de M. Roels et E. de Swaef, Raymonde ou l'évasion verticale de S. Van den Boom, Winter in the Rain Forest de A. Tuttelberg, Imbued Life de I. Bosnjak, Mémorable de B. Collet, Portrait en pied de Suzanne de I. Plucinska)

des courts-métrages d'animation pour le jeune public (Le bal des lucioles et autres courts, Les nouvelles aventures de Capelito, Gros pois et petits-points, La rentrée des classes, La Foire Agricole, Pas comme les autres).

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Zoom sur le Stop Motion au Festival La Rochelle Cinéma 2021 - NEF Animation

# data[].attributes.attachment_link.description
Le Festival La Rochelle Cinéma (FEMA), dont la 48ème édition en 2020 n'avait pas pu avoir lieu en raison de la crise sanitaire, prépare actuellement la tenue de sa 49ème édition du 25 juin au 4 juillet 2021. Comme chaque année, la NEF Animation est partenaire de la programmation.

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Q1: plutôt orientée espace/agencement d'espaces pour accueillir le patient > qu'il se sente "bien"

Q2: Care design/santé mentale et physique > quand le design pallie les maux

Référence: Demain est un autre jour de M.Lehanneur et Fauteuil Paimio D'A.Alto.

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design d'animation

Q1: BD/Cartoon/Peinture et d'autres styles graphique dans l'animation, l'impact sur le public, comment cela varie en fonction des studios et de leur communauté.

L'art mural

Q2: le graffiti, le mapping video, donc l'utiliation du mur comme support. Être dans le design plus que l'art, abordé les commandes, cahier des charges, clients.

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Q1: Email/céramique > Décors et motifs culturels (différentes techniques, cultures) > Question à formuler

Q2: Bijoux,orfèvrerie >Technique, classe sociale/valeur hiérarchique > question à formuler

Voir les matériaux dans l'orfèvrerie / la notion de ressource/recyclage ? etc

Q3: Marqueterie/bois/verre < non sélectionnée

# data[].attributes.body
Je ne suis plus bien sûr de mon choix de question d'origine. Les deux questions sont intéressantes mais j'ai bien peur qu'elles fassent trop "exposé" car la façon dont les questions ont été remaniées font qu'elles s'éloignent un peu trop de mes intentions premières.

Voici d'autres pistes de questions auxquelles j'ai pu penser:

-Quelle est l'importance du langages des formes dans l'art et le design ? (ref diverses)

-En quoi la BD est-elle un outil autobiographique efficace ? (ref: Sur le bouts des doigts de Colin Atthar)

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Q1: quelle est la place de l'artisanat aujourd'hui dans la mode ?

Q2: L'artisanat a-t-il toujours sa place dans le monde actuel ? L'artisan est-il toujours artiste ? > à préciser dans la formulation (contexte/domaine)

Q3: Comment la mode instaure-t-elle l'univers d'un film ? (ref: alice aux merveilles, madame dubarry) > costume cinéma > parler d'espace/scénographie/mise en scène

Q4: Comment la couleur et le plan peuvent-être utilisés pour indiquer l'état émotionnel d'un personnage ?

# data[].attributes.body
1. Comment le choix d'un style visuel spécifique influence-t-il l'engagement du public et son immersion dans un univers animé ?

2. En quoi l'évolution ou le changement de direction artistique au sein d'une même franchise ou studio peut-il affecter la fidélité et les attentes du public ?

3. Pourquoi certaines œuvres aux styles visuels distincts réussissent-elles à capter l’attention du public, alors que d’autres, au style plus réaliste, rencontrent des critiques ?

4. Comment la pression du marché et les attentes culturelles des communautés d’un studio influencent-elles les choix esthétiques en animation, et dans quelle mesure cela peut-il entraîner une uniformisation ou au contraire une différenciation ?

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1. Comment le choix d’un artiste, pour son style unique et sa vision spécifique, contribue-t-il à la transformation visuelle et identitaire d’un espace urbain ?

2. En quoi le design mural permet-il de redynamiser des espaces urbains et de réimaginer leur fonction dans la ville ?

3. En quoi le design mural, contribue-t-il à la revitalisation de quartiers ou de villes, et à quel point la technologie enrichit-elle cette dimension à travers des événements ?

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Thème 1: Dessins engagés > passent un message fort / Quelles sont les plus values des dessins engagés? Quelle posture a le dessinateur engagé ? > définition du terme "engagé" qu'entends-tu par là ? > à bien circonscrire

Thème 2: Le dessin aide à penser. Parler de ta propre méthode > exemples dans lesquels le dessin t'aide à penser (en projet...) Comment le dessin peut-il être outil de penser ? Quels sont les différents états du dessin. / Fonctionnalité(s) du dessin selon les situations et contextes. (références: dessiner le design Livre emprunt)

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Trouver des références actuelles > la mode japonaise aujourd'hui > ce qu'elle apporte > les stylistes contemporains Comment se démarquent-ils ? Collaboration avec Acne Studio (marque suédoise). https://www.lofficieljapan.com/fashion/hong-kong-fashion-fest / Contextes japonais et européen / https://museesreunion.fr/les-activites-des-musees-regionaux/les-expositions-des-musees-regionaux/le-voyage-de-la-porcelaine/ > s'inspirer de l'ailleurs / limites de l'inspiration

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FASHION

グッチは、クリエイティブ・ディレクター サバト・デ・サルノによる〈グッチ〉の最新広告キャンペーン 「We Will Always Have London」がスタートした。 "グッチ ブロンディ"バッグと2025年クルーズ コレクションをフィーチャーしたキャンペーンでは、デボラ・ハリーとケルシー・ルーが登場。撮影を手がけたのは、洞察力に富んだ世界的フォトグラファーであるナン・ゴールディン。人、場所、時にまつわる物語を通じて、ロンドンという街のタイムレスな魅力と、ブランドとの深い繋がりが讃えられている。

BY L'OFFICIEL JAPAN TEAM

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ファッショニスタのための盛大なイベント、香港ファッションクラブが正式デビュー

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第1回「香港ファッションフェスト」は2024年11月20日から12月4日まで開催され、多彩なプログラムラインナップを通じてファッション、創造性、文化的才能を総合的に紹介します。

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Haute couture > système de commande/pré-commande / luxe > non accessible / réservé à l'élite > définir les caractéristiques de la haute couture (travail à la main, pièce unique..) différent du PAP > production de masse de moins "bonne qualité"

https://www.palaisgalliera.paris.fr/fr/collections/les-collections/la-haute-couture

https://kevingermanier.com/collections/dresses

hiérarchie mode : haute couture > le pap de luxe > pap standard/commercial

Haute couture donne le ton aux futures collections de PAP

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Palais Galliera | Musée de la mode de la Ville de Paris

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L'année 1947 a marqué l'histoire de la mode en amorçant une nouvelle silhouette. Christian Dior présente sa première collection haute couture pour le printemps-été et bouleverse les codes en présentant ce que les rédactrices de mode baptisent immédiatement le New-Look.
Cette proposition, éloignée du canon de la femme telle qu'elle était modelée par les contraintes imposées par la Seconde guerre mondiale, inaugure un âge d'or de la haute couture parisienne, celui des années 1950.
La haute couture désigne un système de production vestimentaire de luxe, typiquement parisien, adressé aux femmes. Il s'agit alors de créer entièrement un vêtement aux proportions de la cliente dans les plus belles matières et les savoirs-faire les plus exigeants.

Le département se compose de plus de 7 000 pièces griffées. Très abondant, c'est l'un des fonds les plus représentatifs et exhaustifs au monde pour près d'une trentaine de griffes différentes. Cette collection est le miroir de la création parisienne dans la diversité de ses maisons de couture : Dior, Balenciaga, Chanel, Grès, Carven, Fath ou Balmain dans les années 1950 répondent aux Yves Saint Laurent, Courrèges, Paco Rabanne et Pierre Cardin des années 1960. Alors que le prêt-à-porter s'impose face à la haute couture à partir des années 1970, les pièces du département continuent d'illustrer au mieux la création des époques récentes, en accordant une place de choix aux modèles de Christian Lacroix ou de John Galliano pour Christian Dior.

Les robes du soir qui composent le département, portées au cours de galas, de bals ou encore de premières, emblèmes de la haute couture, nourrissent l'imaginaire collectif.
Cependant, la couture sait jouer de discrétion quand elle se fond dans la sobriété imposée de la journée. Robes, tailleurs et ensembles de jours en témoignent par leur esthétique et leur perfection technique faite de discrétion. Les collections du département sont riches de ces deux visages du savoir-faire qui fait la haute couture.

La collection s'est constituée à partir des années 1950 sous l'impulsion de dons de clientes haute couture ou en hommage à une épouse ou une mère, en faisant de ces éléments de garde-robe les témoins prépondérants d'une élégance en souvenir. Ce phénomène s'est accéléré à l'installation du musée au sein du Palais Galliera en 1977 alors que le patrimoine s'enrichissait de dons de la Duchesse de Windsor, de la duchesse d'Orléans ou de la baronne de Rothschild, succédés par ceux de Grace de Monaco. Á ces apports majeurs rejoignaient les dons des grandes maisons de couture soucieuses de préserver une trace pour l'avenir. Ce fut le cas de Cristobal Balenciaga qui fit notamment don à Galliera de prototypes de ses derniers défilés, comme pour Yves Saint Laurent ou Givenchy, qui fit notamment don d'une partie des éléments de la garde-robe d'Audrey Hepburn.

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L'année 1947 a marqué l'histoire de la mode en amorçant une nouvelle silhouette.

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Questions: Comment est utilisée la couleur dans les productions de design ? / Transformation: en quoi la transformation apporte-t-elle une plus value à une production de design ?(transformation des matériaux/des matières, moyens pour transformer...) / Comment le street art peut-il être transposé dans le Design et Métiers d'Art? En quoi le street art peut-il être réexploiter dans une production de design ?

Travail à faire: recherches de références clés qui doivent conduire à une analyse permettant de construire ta réflexion et ton propos.

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Problématique : Comment la création de décors minutieux et l’utilisation de la stop motion permettent-elles de donner vie à des récits visuels immersifs, tout en explorant de nouvelles formes d’expression artistique ?

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Problématique : Comment la création de décors minutieux et l’utilisation de la stop motion permettent-elles de donner vie à des récits visuels immersifs, tout en explorant de nouvelles formes d’expression artistique ?

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Plan :

INTRODUCTION

(Contexte : Présentation de la stop motion comme une forme d’art cinématographique unique .)

I. Quand décors , textures et travail manuel donnent vie aux histoires

1. l’importance des décors miniatures:

A. Techniques de fabrications: matériaux, outils et savoir-faire artisanal.

B. Réalisme et style dans les détails

2. Textures et matières comme éléments narratifs:

A. Contribution des textures à l'esthétique visuelle et à l'ambiance

B. Jeux de lumière sur les matière pour renforcer l’immersion

3.Un travail manuel visible et attachant

La trace humaine qui crée un lien émotionnel avec le spectateur

II. La stop motion comme médium pour des récits immersifs

1. Un processus artisanal qui amplifie l'immersion :

A. Le mouvement image par image , une animation vivante et organique.

B. Le lien entre le décor et l’animation des personnages.

2. des thématiques singulières et universelles:

A. Comparaison avec d’autre forme d’animation ( 3D,CGI,etc)

B. Pourquoi la stop motion favorise des récits plus intimes ou poétiques .

3. Exemple emblématiques:

Coraline : atmosphère immersive grâce aux détails minutieux .

Courgette :

III. Nouvelles formes d’expression artistique par la stop motion

1. Innovations techniques et artistiques:

A. Fusion du fait main et des technologies modernes

B. Nouvelles approches narratives possibles grâce à la liberté créative du médium.

2. Un retour à l'authenticité dans un monde numérique:

A. Le stop motion comme alternative à l'hyper-numérisation du cinéma.

B. L’impacte culturel et émotionnel des oeuvres artisanales dans le contexte actuelle

CONCLUSION

1. Bilan: La complémentarité entre création de décors minutieux et l’utilisation de la stop motion pour des récits immersifs et uniques.

2. Ouverture l’avenir de la stop motion: comment cet art peut évoluer tout en préservant son essence artisanale ?

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Voici mon avancé sur ma première question pour le grand oral.

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Voici mon avancé sur ma première question pour le grand oral.

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Ici il s'agit de ma seconde question pour le grand oral.

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Ici il s'agit de ma seconde question pour le grand oral.

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Problématique 1 : En quoi le Studio Ghibli mène-t-il un combat pour l'écologie au travers de ses films ?

Problématique 2 : Dans quelles mesures les films du Studio Ghibli sont-ils profondément antimilitaristes ?

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Question 1: l'industrie de la bijouterie et respect de l'environnement > Peut-on allier la création artistique et le respect de l'environnement dans l'industrie de la bijouterie ? > Luxe et artisanat (mise en parallèle ) L'artisanat est-ce du luxe ? / Constats de l'industrialisation du bijoux (puisement des ressources naturelles) Quelles sont les alternatives ? Trouver des exemples concrets par rapport aux alternatives citées. ///// Question 2: Céramique / De quelles manières la céramique contemporaine allie-t-elle démarche traditionnelle et innovante ? Technique du Raku / Références vues: Yann Colleu et Lisa Liu https://www.leaderreunion.fr/porcelaines-borsomin-lexcellence-chinoise-rencontre-la-creativite-reunionnaise/ / Philip Kupferschmidt https://www.journal-du-design.fr/art/des-ceramiques-colorees-ludiques-et-texturees-151019/ > Techniques, collaborations etc

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Porcelaines Borsomin : l’excellence chinoise rencontre la créativité réunionnaise - Leader Réunion

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On doit cette rencontre à la toute nouvelle société Borsomin, créée par les céramistes Yann Colleu et Lisa Liu. Ils proposent la première collection

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Modification et synthétisation de ma 2ème question. Il faudrait que je change le nom de mes parties.

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Synthétisation de ma première question.