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Extrait du film O Brother – Georges Clooney et ses acolytes y interprète Man of Constant Sorrow

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Extrait du film O Brother – Georges Clooney et ses acolytes y interprète Man of Constant Sorrow

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vous vous souvenez, on a visionné le début de ce film en Septembre

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VOUS DEVEZ ECOUTER LES 4 MORCEAUX POUR RÉPONDRE au questions.

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VOUS DEVEZ ECOUTER LES 4 MORCEAUX POUR RÉPONDRE au questions.

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Si vous pouvez imprimer, répondre sur la feuille, sinon, répondez sur votre cahier en numérotant les questions.

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Sidney Bechet and Claude Luter - Petite Fleur - Paris, 1952

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Caravan, Take the "A" Train, Satin Doll : autant de standards du jazz qui ont fait de Duke Ellington l'un des plus célèbres et influents compositeurs du XXe siècle.

Le pianiste, chef d'orchestre et compositeur Duke Ellington, au début des années 1960., © Getty / Michael Ochs

Pianiste, chef d'orchestre et compositeur, Duke Ellington est considéré par beaucoup comme l'un des plus importants maestro du jazz, si ce n'est le plus influent.

Le ' Duke ', c'est ainsi qu'on le surnommait : car non seulement Ellington savait conserver en toute occasion un style élégant et nonchalant, mais aussi - et surtout - parce qu'il a régné sur un demi siècle de musique.

à lire

article Qu'est-ce que le jazz ?

Ellington a composé quelques-uns des plus grands standards du jazz

Un nom seulement, celui de Duke Ellington, et déjà une ribambelle de tubes nous viennent en tête : Satin Doll (1953), It don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) (1932), In a Sentimental Mood (1935), Caravan (1936), I Got it Bad and That Ain't Good" (1941)... Seul ou avec son protégé Billy Strayhorn - pianiste et compositeur, lui aussi - le 'Duke' a signé près de 2 000 titres, parmi lesquels nombreux succès.

La musique d'Ellington repose sur une recette particulière, un savant mélange entre les racines afro-américaines du jazz et des sonorités nouvelles : latines, orientales, expressionnistes... Quand il s'agit d'enregistrer ou de se conformer aux formats radio, le Duke sait s'adapter, mais il poursuit en même temps un autre objectif : allonger les morceaux, donner de nouvelles formes à cette musique jusque-là peu ou mal considérée : le jazz.

Ellington est resté fidèle aux racines du jazz

Au début des années 1930, lorsque Duke Ellington et son orchestre rencontrent leurs premiers succès au célèbre Cotton Club de New York, les big bands n'ont alors qu'une seule raison d'être : faire danser. Le jazz est la musique qui agite les nuits de Harlem, ses orchestres adoptent des tempos vifs et réguliers afin que les noctambules puissent se déhancher sans trop de difficulté au son des cuivres et de la batterie.

Duke Ellington devient très vite le maître du jazz orchestral, le roi du big band, et pourtant son style de composition ne cède en aucun cas à la facilité. Plutôt que de s'adapter aux goûts de l'époque, au jazz lisse et sautillant des cabarets, il privilégie l'expressivité, retrouve les sonorités du blues d'antan et crée le jazz jungle : un style à l'effet plutôt dirty, avec le son rauque et wa wa des cuivres.

Ellington a hissé le jazz au rang de musique 'sérieuse'

Avec Duke Ellington, le jazz est devenu une musique 'sérieuse', considérée au même titre que le grand répertoire classique. Qu'il joue devant un public noir ou blanc, dans une salle prestigieuse ou un cabaret, le Duke présente ce qu'il considère comme de la bonne musique et raconte son histoire, celle du peuple afro-américain.

La richesse et la subtilité de ses compositions ont été unanimement saluées, et pas seulement par la critique : il est l'un des musiciens jazz à avoir obtenu les plus grands succès commerciaux. En 1965, alors que le jazz orchestral est occulté par le succès des nouveaux musiciens be bop ainsi que par l'arrivée fracassante du rock'n roll, Duke Ellington bat tous ses records de vente grâce à l'enregistrement d'un concert devenu mythique, celui de juillet 1956 au Newport Jazz Festival.

Peu soucieux des frontières établies entre jazz et répertoire classique, Ellington s'emploie à composer concertos et suites orchestrales. Il est ainsi le premier jazzman à 'morceaux longs', dépassant le standard des 3 minutes imposé par la radio et les disques 78 tours.

Perfume Suite (1945), Liberian Suite (1947), Echoes of Harlem (1936)... ces grandes œuvres qu'il compose pour son orchestre lui inspirent l'idée d'une réécriture de chefs d'oeuvre classiques. En 1960, il enregistre Three Suites (Trois Suites), parmi lesquelles une savoureuse adaptation de Casse Noisette. Une version jazzy du célèbre ballet de Tchaïkovski dans laquelle la Fée Dragée est rebaptisée Sugar Rum Cherry et la Danse des mirlitons se transforme en Toot Toot Tootie.

Il a tracé sa route, sans se préoccuper des modes

C'est la grande force du Duke : peu importe les difficultés ou les tendances, il file droit dans ses bottes et défend sa musique. Le format du disque 78 tours ne permet pas d'enregistrer des morceaux d'une durée supérieure à 3 minutes ? Il grave son Reminiscing in Tempo (1935) sur 4 faces. Le marché du disque souffre de la crise économique pendant les années 30 ? Il s'assure d'être largement diffusé à la radio.

Constant et persévérant, Duke Ellington ne s'interdit pas non plus d'évoluer, au contraire. Il est toujours à la recherche de sonorités nouvelles (latines ou orientales, dans les années 1930, puis plus expressionnistes et exotiques à partir de la décennie 1940).

Il a collaboré avec les plus grands

Si Duke Ellington a rejoint le Panthéon des grands compositeurs américains, il a aussi marqué l'histoire de la musique moderne par ses inoubliables collaborations : avec la chanteuse Ella Fitzgerald en 1957, le pianiste (chef d'orchestre) Count Basie puis le trompettiste Louis Armstrong en 1961, le saxophoniste John Coltrane en 1962...

A la tête de son orchestre, Duke Ellington parcourt le monde : de Paris à Moscou, de l'Amérique du Sud à l'Océanie. Premier jazzman convié à la Maison Blanche (en 1969 par Richard Nixon), invité à représenter la musique afro-américaine à Dakar en 1966 par le président sénégalais Léopold Sédar Senghor, le Duke n'en n'oublie pas pour autant le public des clubs populaires, des festivals, enchaînant les grandes tournées de concert jusqu'à son hospitalisation en 1974.

Il s'éteint le 24 mai 1974, à l'âge de 75 ans. L'Amérique perd alors l'un de ses premiers ambassadeurs afro-américains, un jazzman d'influence et de renommée internationale. Pour ses funérailles, à New York, près de 12 000 personnes se sont réunies devant la cathédrale Saint Jean. New York, justement, là où il prenait le fameux "A" Train (ligne A du métro new-yorkais) et connut ses premières heures de gloire.

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Pourquoi Duke Ellington est l'un des plus importants jazzmen du XXe siècle

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Caravan, Take the "A" Train, Satin Doll : autant de standards du jazz qui ont fait de Duke Ellington l'un des plus célèbres et influents compositeurs du XXe siècle. Pianiste, chef d'orchestre et compositeur, Duke Ellington est considéré par beaucoup comme l'un des plus importants maestro du jazz, si ce n'est le plus influent.

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interprétation différente

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Très difficile

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Le chant...toujours,,Le rythme...toujours,,Le rythmeetle chant,Laparole,Etla danse,,... et le chant,Chantdetravail,Chantsdeprisonniers,Les origines du Jazz,De l'Afrique aux États-Unis,Les pages sont interactives.En survolant les textes avec la souristu accéderas à un contenu supplémentaire.,,Pourl'espoir,Pourledeuil,Destin tragique,L'humaininhumain

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Le jazz: une musique issue du métissage ?

Un triste contexte ...

La musique Afro-Américaine est liée à une triste réalité: l'esclavage et au commerce triangulaire. Il est appelé ainsi car il concerne trois continents. Les pays européens affrètent des navires qui se rendent en Afrique. Là, les Européens échangent des marchandises contre des esclaves Africains, emmenés sur le continent Américain où ils sont échangés par les Européens contre des produits qu'ils considèrent être, à l'époque, de plus grande valeur.

Depuis l'arrivée des premiers africains en Virginie au XVII°siècle, deux millions d'esclaves ont été déportés dans les colonies d'Amérique et employés dansles plantations de coton et toutes autres tâches domestiques.

Les Work Songs

Les Worksong sont des chants de travail interprétés par les esclaves durant leurs tâches pénibles. Ils permettent de se rassembler malgré les interdits, de garder le rythme, de tenir le coup... Ils ont plusieurs caractéristiques :

lls sont chantés a cappella, c'est-à-dire sans accompagnement instrumental. Seul le bruit des outils pouvait constituer un accompagnement rythmique. On utilise la technique responsoriale (call and respons) : un soliste lance une question, le choeur répond.

Extrait de Racines

Alan Lomax (ethnomusicologue) a effectué des enregistrements au Mississippi State Penitentiary (prison) en 1947, à la Parchman Farm où les prisonniers ont travaillé. Un soliste chante, le choeur répond, c'est la technique responsoriale. La voix est pleine de sueur,de souffrance, et la musique devient le moyen d'expression privilégié des sentiments:

"Rosie"

"Wade in the water"

Certains chants des plantations comprenaient même des messages codés, notamment des conseils pour s'évader. Lorsque l'esclave Harriet Tubman chantait cette chanson, les esclaves devaient se cacher dans l'eau, pour que les chiens ne puissent pas sentir leur présence. Le chant avait donc une fonction de signal. Personne ne se doutait qu'elle participait activement à l'évasion de plusieurs esclaves.

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4.3 JAZZ by camille.benakcha on Genially

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Le jazz: une musique issue du métissage ? Un triste contexte ... La musique Afro-Américaine est liée à une triste réalité: l'esclavage et au commerce triangulaire. Il est appelé ainsi car il concerne trois continents. Les pays européens affrètent des navires qui se rendent en Afrique.

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Je vous invite à aller sur la chaine Youtube pour voir les autres vidéos sur l'histoire du jazz....

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"Le Jazz" - capsule vidéo éducation musicale - classe inversée

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What a Wonderfull World de Louis ARMSTRONG

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What a Wonderfull World de Louis ARMSTRONG

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classée une des 10 plus belles chansons de tous les temps

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Louis Armstrong - What A Wonderful World

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Caractéristiques du jazz

Quelques caractéristiques du jazz :

hot intonation

blue notes

off-beat

altérations

principe du "call and response"

l'improvisation

Glenn Miller

@nikkojazz

SWING

L'orchestre comprend deux sections bien distinctes : ○ La section rythmique composée d'une batterie qui assure le tempo, d'un piano et/ou d'un banjo qui fournissent les harmonies et d'une contrebasse (à vent ou à cordes) qui joue les fondamentales des accords. ○ La section mélodique qui tient le devant de la scène, au propre et au figuré, avec, dans le rôle principal, un cornet à pistons ou une trompette qui mène les ensembles, une clarinette qui brode autour du thème et un trombone qui ponctue le thème, souvent avec des effets de glissando. Le jeu est très collectif, même l'improvisation, les solos sont encore rares.

Grand ensemble de jazz de 15 à 20 musiciens structuré en : - section mélodique (anches [reed section] et cuivres [brass section]) - section rythmique (piano, basse, batterie, guitare).

Cakewalk Danse de caractère grotesque issue du folklore noir américain, au rythme très syncopé et notée à 2 temps.

C'est un chant de travail qualifiant toutes sortes de musiques vocales destinées à soutenir un travail dont elles épousent le rythme, au caractère lancinant et répétitif, et utilise souvent le principe du " call and response pattern ". Le rythme peut être marqué par l'outil de travail.

Style de jazz né à New-York dans les années 1930. Le jazz devient très populaire, on peut en entendre partout. Il devient commercial et donc pas toujours authentique. Les big-bands (orchestres de douze à vingt musiciens) font leur apparition. Dans ces big-bands, les arrangements sont écrits mais l'improvisation reste un élément essentiel. La musique est composée mais les solos restent improvisés.

Il reste assez proche du style New-Orleans, cependant les solos se développent et on commence à utiliser de plus en plus les saxophones.

Genre de musique chrétienne avec des dominantes vocales, né à la fin du XIXème siècle aux États-unis.

C'est une sorte de "jazz de chambre", plus calme et plus raffiné. Il naît sur la côte Ouest des Etats-Unis et est donc souvent nommé "style West Coast".

Type de musique vocale et sacrée né chez les esclaves noirs des États-Unis au XVIIème siècle, et qui serait à l'origine du gospel.

C'est une véritable révolution : la section rythmique devient l'égale de la section mélodique. Le Be-Bop s'imprègne de la musique de Debussy et de Ravel et devient plus complexe. L'improvisation est de plus en plus technique sur des tempos de plus en plus fous.

En réaction au style West Coast, il prône le retour à un jazz plus musclé.

Souvent lié à des revendications anti-raciales, il réclame la suppression de toute contrainte rythmique et harmonique, c'est l'improvisation absolue.

Il emprunte au rock certains de ses instruments : les guitares électriques et les synthétiseurs, mais aussi sa mesure binaire. Cependant, l'improvisation y tient toujours un rôle majeur.

Il emprunte au rock certains de ses instruments : les guitares électriques et les synthétiseurs, mais aussi sa mesure binaire. Cependant, l'improvisation y tient toujours un rôle majeur.

Un pionnier du jazz : cornettiste, compositeur et chef d'orchestre américain, Joe "King" Oliver était un enfant de la Louisiane, terre du jazz dont il fut l'un des éclaireurs. Il incarna l'ère de l'improvisation collective qu'il contribua à structurer. Il connut la gloire à Chicago avec son Créole Jazz Band, que l'on se pressait d'aller écouter après le travail. Grâce à lui, le mouvement qui était en train de naître rencontra une audience de plus en plus large. http://fr.wikipedia.org/wiki/King_Oliver

Le dandy, le précurseur... : pianiste, chanteur, compositeur, chef d'orchestre et arrangeur américain, Jelly Roll Morton fut une figure transitoire importante de l'Histoire du jazz. Il illustra le passage du ragtime de l'ère Scott Joplin à celle des premières sessions de piano jazz. Puis à la musique orchestrale collective improvisée de style new orleans, il opposa des arrangements écrits, préparant le terrain aux big bands des années 1930. Il faut ajouter aussi combien le personnage était excentrique et parfois mégalomane: ses cartes de visite portaient des mentions comme "Inventor of jazz", "Originator of Stomp and Swing" ou encore "World's Greatest Hot Tune Writer" ! Même si tout cela était loin d'être faux... http://fr.wikipedia.org/wiki/Jelly_Roll_Morton

La sonorité du soleil : compositeur, clarinettiste et saxophoniste américain, Sidney Bechet fut l'une des figures les plus populaires du jazz et l'un des premiers musiciens réellement cosmopolites. Formé dans la grande tradition créole louisianaise, il trouva son plein épanouissement sur le saxophone soprano auquel il donna ses lettres de noblesse.. Par la force de son expressivité et son sens du swing, il régna sans cesse sur ses accompagnateurs. En interprétant des morceaux comme Petite fleur ou Dans les rues d'Antibes, mêlant le blues du Mississippi aux danses européennes, il fut de ceux qui incarnèrent le jazz à la française dans les années 1950. Improvisateur-né, il n'eut jamais besoin de savoir lire une partition... http://fr.wikipedia.org/wiki/Sidney_Bechet

Le précurseur du swing : pianiste, chef d'orchestre, arrangeur et compositeur américain de jazz, Fletcher Henderson fut le leader inspiré de nombreuses formations et dirigea les plus grands musiciens d'avant-guerre. L'Histoire du jazz lui doit d'avoir été le premier grand architecte de big band. Il transposa les polyphonies et les improvisations collectives de l'époque new-orleans en sections d'orchestre cohérentes. Il inventa les riffs et le background pour soutenir l'intervention de ses solistes, donna de la couleur à ses arrangements, équilibra les timbres instrumentaux, et posa de cette façon un à un les éléments fondamentaux du swing. http://fr.wikipedia.org/wiki/Fletcher_Henderson

Duke la classe : géant du Jazz à l'égal de Louis Armstrong, "The Duke" fut l'un des compositeurs les plus prolifiques du XXème siècle, autant qu'un arrangeur de génie et un pianiste talentueux. En recherche constante d'esthétisme et de raffinement orchestral, il dirigea son big band comme on joue de son instrument, cherchant à lui donner une sonorité propre. Animé par ailleurs d'un véritable esprit missionnaire, il parcourut le monde à la rencontre de tous les publics, se produisant aussi bien dans les bars obscurs que dans les salles de concert les plus prestigieuses. http://fr.wikipedia.org/wiki/Duke_Ellington

Le père du jazz : musicien et chanteur au charisme exceptionnel, Louis Armstrong - dit "Satchmo" - est pour toujours au sommet de la légende du jazz. Surclassant ses contemporains par la virtuosité et la subtilité de ses improvisations à la trompette, il enchanta aussi les foules de son scat si chaleureux et créatif. Ambassadeur infatigable de sa musique, donnant une multitude de concerts à travers le monde entier, if contribua grandement à imposer le jazz comme un courant majeur du XXème siècle. http://fr.wikipedia.org/wiki/Louis_Armstrong

Le jeune homme à la trompette... : cornettiste et pianiste, Bix Beiderbecke est entré à 28 ans dons la légende comme l'archétype de l'artiste romantique et passionné, fauché en pleine jeunesse. Au cornet, son phrasé élégant, son lyrisme mélancolique et la douceur de son timbre préfiguraient ce qui deviendrait le jazz cool après la Seconde Guerre Mondiale. Au piano, Bix s'inspira particulièrement de l'esthétique impressionniste des compositeurs fronçais comme Debussy et Ravel. http://fr.wikipedia.org/wiki/Bix_Beiderbecke

" Hawk " le sax' ténor : saxophoniste de jazz américain, Coleman Hawkins fut l'un des plus grands solistes du middle jazz. S'appuyant sur une solide technicité instrumentale, il donna le premier au saxophone ce son plein, expressif et sensuel qui fit de l'instrument une sorte d'emblème du jazz. Seul Lester Young fut capable en son temps de proposer une autre approche du saxophone. http://fr.wikipedia.org/wiki/Coleman_Hawkins

Ce cher disparu... : chef d'orchestre, compositeur, arrangeur et tromboniste de jazz, Glenn Miller fut une figure marquante de la musique américaine, dont la mémoire n'a jamais rien perdu de sa vivacité. Un personnage, une présence, un style, un son, une volonté, et aussi le patriotisme d'un musicien qui n'hésitera pas à se faire enrôler dans l'U.S. Air Corps pour soutenir les soldats partis au combat. Il était à la fois un jazzman populaire et un chef de musique militaire moderniste, qui, n'en déplaise aux puristes, a bien mérité sa place dans la légende... http://fr.wikipedia.org/wiki/Glenn_Miller

Le stride, l'humour et le spectacle : pianiste, chanteur, organiste, compositeur et humoriste de scène, Fats Waller fut en son temps une véritable vedette. Homme de spectacle truculent et énergique autant que musicien doué et travailleur, il participa à plusieurs comédies musicales et signa des succès de légende. Sa main gauche puissante en fit aussi un héros du piano stride, et sa magistrale technique de jeu à l'orgue lui assura la paternité d'une longue lignée d'organistes jazzmen. http://fr.wikipedia.org/wiki/Fats_Waller

La fabrique du swing : chef d'orchestre, pianiste et organiste, Count Basie fut pendant près d'un demi-siècle l'une des principales figures du jazz. Avec ses orchestres, véritables entreprises de swing, il enchanta le public new-yorkais avant de partir à la conquête des mélomanes sur tous les continents. Son écriture et son jeu par sections furent une référence en matière de précision, laissant toujours une grande liberté aux solistes. http://fr.wikipedia.org/wiki/Count_Basie

Success story ! : clarinettiste et chef d'orchestre de jazz américain, Benjamin David "Benny" Goodman fut de ceux qui propagèrent le swing dans toute l'Amérique, créant même sa propre émission de radio sur NBC. Doté à la clarinette d'une impeccable technique - qui lui autorisa une carrière parallèle de concertiste classique -, il passa maître dans l'art de l'improvisation, parsemant ses performances de ces joyeux glissandi ou autres arabesques qui faisaient partie de sa personnalité musicale. Goodman fut aussi celui qui défia les lois raciales en intégrant des musiciens Noirs au sein de son orchestre.http://fr.wikipedia.org/wiki/Benny_Goodman

À l'unanimité ! : pianiste de jazz, américain, Art Tatum fut un inénarrable interprète, admiré de ses pairs autant que de personnalités de la musique classique comme Vladimir Horowitz et même Sergueï Rachmaninov. Adepte du blues et du swing, il impressionna par son incroyable technique, la puissance de son jeu et la finesse de son toucher. la créativité de ses improvisations et son génie harmonique faisaient aussi de lui un artiste en avance sur son temps. http://fr.wikipedia.org/wiki/Art_Tatum

Le vibraphone en soliste : vibraphoniste, pianiste, percussionniste et chef d'orchestre de jazz américain, Lionel Hampton dit "Hamp" fut le premier à donner ses lettres de noblesse au vibraphone en te propulsant au rang d'instrument soliste.Véritable showman et musicien populaire, il a traversé toute l'Histoire du jazz en associant son nom à ceux de Louis Armstrong, Benny Goodman, Charlie Parker ou encore Dexter Gordon. http://fr.wikipedia.org/wiki/Lionel_Hampton

" Le Président " : saxophoniste ténor, clarinettiste et compositeur américain, Lester Young fut le précurseur du Jazz cool, opposant au jeu tendu et puissant de Coleman Hawkins des solos aériens, semblant flotter sur la pulsation de l'orchestre. Personnalité solitaire, introvertie et instable, il trouva en Billie Holiday une âme sœur comprenant ses blessures et avec laquelle il réalisa des enregistrements historiques. Le tournant de sa vie fut son incorporation dans l'armée américaine, qui le meurtrit à jamais... http://fr.wikipedia.org/wiki/Lester_Young

Le Gitan : compositeur et guitariste issu d'une famille tzigane, Django Reinhardt est considéré comme le fondateur du jazz gitan. Autodidacte, ne sachant pas lire la musique, mais improvisateur et virtuose incomparables, il dicta sur sa guitare ses compositions à ses partenaires. Il fut aussi un ambassadeur important pour la culture d'un peuple victime de génocide et discriminations. http://fr.wikipedia.org/wiki/Django_Reinhardt

" Lady Day " ! : aujourd'hui au panthéon des chanteuses de jazz américaines avec Bessie Smith, Sarah Vaughan et Ella Fitzgerald, Billie Holiday a bien mérité la reconnaissance et l'amour dont elle fut privée par une destinée malheureuse et tragique. C'est dans le chant qu'elle trouva parfois un peu de paix et de liberté. Sa vie douloureuse emplissait le timbre de sa voix : rocailleuse, sensuelle, un peu traînante, et tellement sublime sur chacun de ses mots... http://fr.wikipedia.org/wiki/Billie_Holiday

Un foudroyant guitariste ! : guitariste de jazz américain, Charlie Christian est celui par qui la guitare électrique fit une entrée fulgurante dans le swing, le blues et le bebop naissant. En précurseur de l'instrument, il a aussi ouvert la voie à des légendes du rock'n roll comme B.B. King et Jimi Hendrix... Et si tout cela n'était pas arrivé, on dit que Charlie Christian, grand joueur de base-ball, serait certainement passé professionnel ! http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Christian

Aux sources du bebop : trompettiste, compositeur, arrangeur, chanteur et chef d'orchestre de jazz américain, Dizzy Gillespie fut avec Miles Davis et Louis Armstrong l'une des trois plus importantes trompettes de l'Histoire du jazz. Musicien de la première heure dans le style be-bop, il a aussi contribué à introduire les rythmes latino-américains dans le jazz. Chacun connaît sa silhouette originale avec sa trompette au pavillon en hauteur, ses joues gonflées à bloc, sa vitesse de jeu époustouflante et sa joie communicative qui firent de lui l'un des jazzmen les plus populaires du 20ème siècle. http://fr.wikipedia.org/wiki/Dizzy_Gillespie

" First Lady of the Song " ! : chanteuse de jazz américaine, Ella Fitzgerald a illuminé le monde musical de sa voix chaleureuse et virtuose pendant près d'un demi-siècle. Elle fut dans son art la plus complète de toutes : grande maîtrise technique, sens de l'improvisation, souplesse vocale, pureté de l'expression, aisance dans tous les styles... Elle aura toujours su progresser et mûrir au contact des musiciens qui partagèrent sa carrière, tels Chick Webb, Dizzy Gillespie, Count Basie ou encore Louis Armstrong. http://fr.wikipedia.org/wiki/Ella_Fitzgerald

" Bird " la légende : compositeur et saxophoniste de jazz américain, Charlie Parker est considéré comme l'un des plus grands génies que cette musique ait connu. Celui que l'on surnommait "Bird" (l'oiseau), fut un maître-concepteur du bebop, conduisant à travers ses improvisations complexes l'auditeur aux frontières de l'inouï... Son ascension fulgurante, autant que sa déchéance tragique, ont gravé à jamais son personnage dans les mémoires. http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Parker

La contrebasse rageuse... : contrebassiste, compositeur, chef d'orchestre et pianiste de jazz américain, Charles Mingus eut une connaissance et une maîtrise de plusieurs courants : gospel, blues, new-orleans, bebop, hard-bop, free-jazz... Également admirateur des compositeurs européens (Strauss, Debussy, Bartok, Stravinsky), il s'illustra dans le mouvement Third Stream, dont l'objet était la fusion entre le classique et le jazz. Mingus était aussi connu pour son activisme contre le racisme, son intégrité artistique et son tempérament affirmé qui le conduisirent à souvent crier haut et fort sa révolte ! http://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_Mingus

" La Divine " : chanteuse et pianiste de jazz américaine, Sarah Vaughan fut, avec Billie Holiday, et Ella Fitzgerald, l'une des trois plus grandes chanteuses de l'Histoire du jazz. Dotée d'une tessiture qui n'avait rien à envier à celle des cantatrices, elle était capable d'effectuer bien des acrobaties vocales, passant d'un registre à l'autre avec une déconcertante désinvolture et modulant son volume sonore avec la même facilité qu'un instrumentiste. Mais au delà de la maîtrise technique, il y avait un formidable sens de l'improvisation par le scat, une grande élégance dans l'interprétation, et bien sûr la couleur d'une voix chaude au vibrato unique. Sarah Vaughan toucha un très large public en chantant aussi bien avec des orchestres de jazz ou de variété que des formations symphoniques. http://fr.wikipedia.org/wiki/Sarah_Vaughan

Aux frontières du jazz : saxophoniste, compositeur et chef de formation de jazz, John Coltrane envisagea sa vie musicale comme une quête spirituelle et esthétique. Révolutionnaire et à l'avant-garde du jazz moderne dans les années 1960, il a ouvert l'avenir au point que l'on s'accorde à considérer qu'il y aura eu un avant et un après Coltrane dans l'Histoire du genre. Styliste du saxophone ténor, il repoussa sans cesse les limites de l'expressivité, nourrissant sa créativité d'éléments culturels, musicaux et techniques remarquables : influence des musiques indienne et africaine, explorations modale et polytonale, imagination mélodique hors du commun, sonorité pleine et puissamment timbrée sur 3 octaves, émissions di phoniques, nappes sonores, etc.http://fr.wikipedia.org/wiki/John_Coltrane

Un son d'avance : trompettiste, compositeur et chef d'orchestre de jazz américain, Miles Davis écrivit une partie importante de l'histoire de cette musique au 20ème siècle. À la pointe de presque toutes les évolutions, il fut parmi les pionniers du cool jazz, du hard bop, du jazz modal et du jazz-rock, livrant à chaque courant des albums emblématiques, et démontrant une capacité à révéler les meilleurs musiciens de chaque nouvelle génération. Son jeu à la trompette se caractérisait par une grande sensibilité musicale et un son feutré, fragile, embrumé par l'utilisation de la sourdine Harmon. http://fr.wikipedia.org/wiki/Miles_Davis

Un saxophone à part... : saxophoniste baryton, pianiste, compositeur, arrangeur et chef d'orchestre de jazz américain, Gerry Mulligan a donné à son instrument le statut de soliste qu'il n'avait pas allant lui. Sur fond de contexte d'essor du jazz West Coast, il s'exprima dans un style bien à lui, emprunt de pudeur, de sensibilité et de discrétion. En tant qu'arrangeur ou compositeur, il a contribué à plusieurs sessions marquantes de l'Histoire du jazz, dont l'illustre Birth Of The Cool avec Miles Davis. http://fr.wikipedia.org/wiki/Gerry_Mulligan

" The Sound " : saxophoniste ténor de jazz américain, Stan Getz reste comme le chef de file du cool et l'un des tenants de l'immense vogue de la bossa nova. Inconditionnel de Lester Young, il fut au saxophone un improvisateur chevronné à la technique la plus aboutie, capable de jouer autant dans des styles virils comme le be-bop, que dans des discours lyriques aux tonalités plus aériennes. On le surnomma "The Sound" pour sa sonorité ample, douce et chaleureuse, qui servait son swing nonchalant, élégant et parfois mélancolique. http://fr.wikipedia.org/wiki/Stan_Getz

Le roman noir : trompettiste, bugliste et chanteur de jazz américain, Chet Baker est entré dans la légende par la force d'une destinée tragique autant que par la fragilité bouleversante de son jeu. Son legato d'une finesse extrême, ses interprétations pleines de douceur, de tendresse et de mélancolie ont fait de lui un personnage attachant et romantique. Avec son allure de James Dean et sa voix délicate, il n'a cessé de susciter une adoration qui a largement dépassé les frontières du jazz. http://fr.wikipedia.org/wiki/Chet_Baker

Un pianiste romantique : pianiste et compositeur de Jazz américain, Bill Evans a connu une existence marquée par plusieurs drames personnels, qui résonnèrent souvent dans sa sensibilité musicale. Doté d'un profond feeling, d'un subtil sens rythmique et d'une réelle culture classique (Debussy, Ravel, Stravinsky, Scriabine, Rachmaninov...), il jouait de façon introspective, replié et penché sur son piano, un peu à la façon d'un Glenn Gould auquel il fut parfois comparé. Son répertoire reprenait en grande partie des standards de Broadway et Tin Pan Alley, avec une prédilection pour les valses. http://fr.wikipedia.org/wiki/Bill_Evans_(pianiste)

" Le Colosse du jazz " : saxophoniste et compositeur de jazz américain, Sonny Rollins est avec Coleman Hawkins, Lester Young et John Coltrane l'une des quatre légendes du saxophone ténor. Doté d'un jeu puissant et énergique, il a démontré une capacité d'improvisation hors du commun, déconstruisant et reconstruisant les thèmes à sa façon, avec un réel sens de la progression dramatique. http://fr.wikipedia.org/wiki/Sonny_Rollins

Un artiste " caméléon " ! : compositeur, arrangeur, chef d'orchestre, claviériste et pianiste de jazz américain, Herbie Hancock a d'abord été un jeune prodige faisant sensation ou début des années 1960. Puis sa carrières est rapidement développée à la mesure de son brio et de son ouverture aux courants modernes, mêlant à sa vision du jazz des éléments de soul, de funk, de hip-hop, de rock ou de disco. Il a aussi été parmi les pionniers des synthétiseurs, sachant faire rimer expérimentations électroniques avec succès commerciaux, tant son accessibilité musicale lui a toujours assuré les faveurs du public. http://fr.wikipedia.org/wiki/Herbie_Hancock

La vivacité et le lyrisme : compositeur, pianiste et claviériste de jazz américain, Chick Corea est, à l'instar de ses compères Herbie Hancock ou Keith Jarrett, l'un des grands jazzmen occupant le devant de la scène depuis les années 1960. Aussi brillant au piano classique qu'avec des claviers électroniques et synthétiseurs, il s'est illustré dons les courants post-bop, latino-jazz, free jazz et surtout jazz fusion, mouvement dont il compte parmi les précurseurs. Artiste très prolifique, il a à son actif plus de 100 disques comportant de nombreux titres de sa composition. http://fr.wikipedia.org/wiki/Chick_Corea

Le " Mahavishnu " : guitariste, pianiste, claviériste et compositeur de jazz britannique, John McLaughlin a été un explorateur en matière de fusion et de world jazz. Maître respecté et influent de la guitare, virtuose à la technique relevant presque de l'exploit, il a aussi retenu l'attention par un jeu enrichi durant sa carrière d'un large éventail de styles : classique, rock and roll, jazz, flamenco, musique indienne... Il porte haut des valeurs d'ouverture, de métissage et de spiritualité. http://fr.wikipedia.org/wiki/John_McLaughlin_(musicien)

Le jazz vivant : compositeur, pianiste et poly-instrumentiste (orgue, clavecin, clavicorde, guitare, saxophone, flûte, percussion, chant) américain, Keith Jarrett est une référence dans l'improvisation contemporaine. Cultivant un art issu de la tradition, du folklore, du jazz, du gospel et de la musique classique européenne, il est l'un des rares pianistes de sa génération à ne pas avoir succombé aux sirènes de l'électronique... http://fr.wikipedia.org/wiki/Keith_Jarrett_(musicien)

La nouvelle star ! : trompettiste, chef d'orchestre et compositeur américain, Wynton Marsalis est l'un des plus brillants musiciens du moment, qui s'est imposé aussi bien en jazz qu'en musique classique. Une virtuosité exceptionnelle (avec un instrument spécialement redessiné pour en étendre les possibilités), mais aussi un style - une esthétique devrait-on dire - qui illustrent un naturel retour aux racines du bebop. Marsalis est par ailleurs connu pour être un pédagogue, consultant et ambassadeur idéal pour la promotion du jazz dans le monde. http://fr.wikipedia.org/wiki/Wynton_Marsalis

" Melodious honk " : pianiste et compositeur de jazz américain, Thelonious Monk fut l'un des grands prêtres fondateurs du be-bop et signa quantité de standards du répertoire. Musicien audacieux et avant-gardiste, improvisateur complexe et intellectuel, il se forgea un style rythmiquement surprenant, un discours cherchant la dissonance et une approche personnelle de l'harmonie. Monk était véritablement un personnage intriguant, secret, parfois incompris mois toujours fascinant pour les connaisseurs. http://fr.wikipedia.org/wiki/Thelonious_Monk

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Caractéristiques du jazz Quelques caractéristiques du jazz : hot intonation blue notes off-beat altérations principe du "call and response" l'improvisation Glenn Miller @nikkojazz SWING L'orchestre comprend deux sections bien distinctes : ○ La section rythmique composée d'une batterie qui assure le tempo, d'un piano et/ou d'un banjo qui fournissent les harmonies et d'une contrebasse (à vent ou à cordes) qui joue les fondamentales des accords.

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Instruments qui jouent l'accompagnement dans 90% des morceaux de Jazz.

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Petite fleur

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Petite Fleur est une chanson composée en France par Sidney Bechet en 1952. D'abord en version instrumentale, les paroles ont été écrites en 1959 par Fernand Bonifay et Mario Bua.

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Charlie Parker

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Charlie Parker Jr, surnommé le Bird ou Yardbird né le à Kansas City et mort le à New York, est un saxophoniste alto de jazz américain. Parker, aussi surnommé Bird (" l'oiseau "), est considéré comme l'un des créateurs et principaux représentants du style bebop. Avec Louis Armstrong, Miles Davis et Duke Ellington, il compte parmi les musiciens les plus importants et influents de l' histoire du jazz.

Dans les années 1940, Charlie Parker avec Dizzy Gillespie ont assis les premiers éléments du jazz moderne en participant activement à l'émergence du bebop, une forme de jazz caractérisée par des tempos rapides, une grande technicité et une improvisation basée sur la structure harmonique. Les nouvelles approches proposées par Parker sur la mélodie, le rythme et l' harmonie ont considérablement influencé les musiciens contemporains. De nombreux morceaux de Parker sont devenus des standards de jazz comme Scrapple from the apple, Now's the time, Au Privave, Yardbird suite. À partir du début des années 1950, la santé du saxophoniste décline fortement, principalement en raison de sa dépendance aux drogues et à l'alcool depuis sa jeunesse. Il décède en mars 1955 à 34 ans.

Ses débuts à Kansas City

Fils unique de Charlie Parker Senior, pianiste et danseur itinérant, puis steward dans les chemins de fer, et d'Addie Parker, amérindienne d'ascendance Choctaw, le jeune Charlie chante dans la chorale de son école, puis se passionne pour le jazz, dont Kansas City est à l'époque la capitale, en même temps que celle du jeu, de la prostitution, de la drogue et du trafic d'alcool - nous sommes sous la Prohibition. Dès 11 ans, Parker commence à jouer du saxophone pour intégrer l'orchestre de son école à l'âge de 14 ans. De nombreux témoignages concordent pour affirmer qu'il montre dans ses jeunes années un talent exceptionnel pour la musique. À cette époque à Kansas City, les musiciens des grands orchestres de jazz comme celui de Count Basie luttent pour la reconnaissance dans des jam-sessions, lieux d'affrontements sans merci où tout est possible mais qui offrent une émulation exceptionnelle aux jeunes musiciens comme Parker, ainsi que l'espoir qu'un jour eux aussi pourront rivaliser avec les meilleurs. Il parvient à intégrer des orchestres de Kansas City pour quelques dates et travaille sa technique auprès de Buster Smith. Très respectueux des virtuoses de l'instrument ( Coleman Hawkins, Lester Young, Jimmy Dorsey, Johnny Hodges...) et des maîtres du Jazz en général ( Louis Armstrong représentant la maîtrise totale), Charlie travaille sans relâche en écoutant sans fin les disques qu'il parvient à acquérir, repiquant les solos des maîtres de l'époque, et les rejouant note pour note - pratique extrêmement répandue chez les musiciens de Jazz, la seule " école de Jazz " consistant à reproduire à l'oreille les phrases des meilleurs musiciens. En 1937, il intègre finalement l'orchestre du pianiste Jay McShann, avec qui il effectue une tournée dans toute la région jusqu'à New York. Il enregistre ses premiers morceaux dont The Jumpin' Blues en 1942, où il interprète un solo court mais éblouissant.

Sa percée en tant que musicien

En 1939, Parker quitte Kansas City pour New York, où se trouvent les meilleurs orchestres du pays. Il cherche à approcher les meilleurs musiciens, dont Art Tatum, dont la virtuosité l'impressionne et trouve le moyen de l'écouter tous les soirs par le biais d'un emploi de plongeur du restaurant où se produit le pianiste.

En 1942, Parker quitte le groupe de McShann pour jouer pendant huit mois aux côtés de Earl Hines. On situe à cette époque les débuts du be-bop, bien qu'aucun enregistrement - à cause d'une grève du syndicat des musiciens - ne puisse en témoigner. Il semble pourtant que ce style ait été inventé ou du moins formalisé par un groupe de jeunes jazzmen dont Parker fait partie et pour qui probablement la maîtrise instrumentale touche déjà à sa maturité. Il y a aussi le trompettiste Dizzy Gillespie, le pianiste Thelonious Monk, le guitariste Charlie Christian et les batteurs Max Roach et Kenny Clarke. Élaborée au cours des jam-sessions d'après concert dans les clubs de la ville, cette musique à la complexité nouvelle a pour but, comme le résume plus tard Monk, de créer quelque chose " qu'ils ne puissent pas jouer ", " ils " désignant les musiciens swing, musique (souvent commerciale) de la génération précédente ( Benny Goodman, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Artie Shaw...).

Pour cela, le bebop apporte une harmonisation plus riche (utilisation d'accords comportant de nombreuses notes altérées, 9° et 13°), dans un cadre rythmique plus complexe, tout en conservant les morceaux traditionnels du jazz. Le thème fétiche de Bird, Cherokee illustre ceci.

L'émergence subite du bebop, peu ou aucunement documentée a donné lieu à de nombreuses controverses, dont beaucoup furent colportées par les musiciens eux-mêmes. C'est cependant Charlie Parker lui-même qui a raconté à un journaliste dans les années 1950 que les principes de ce genre musical lui étaient venus subitement en 1939 alors qu'il travaillait l'improvisation sur Cherokee, lorsqu'il parvint à jouer une musique qu'il " entendait " en lui depuis quelque temps sans parvenir à la produire, en particulier dans l'exploitation des notes " altérées " des accords. Les premiers enregistrements entièrement " bop " sont effectués en 1945, en particulier le 28 février lorsque les compositions Groovin' high et Dizzy atmosphere sont enregistrées et le 11 mai avec des œuvres tout aussi révolutionnaires tels que Hot house, Shawnuff et Salt Peanuts ; Charlie Parker ayant trouvé en Dizzy Gillespie un partenaire à sa mesure. Une troisième session réalisée le 26 novembre en compagnie de Miles Davis, âgé de 19 ans et encore inconnu du grand public, fournit d'autres enregistrements célèbres, parmi lesquels Ko-Ko (basé sur les accords de Cherokee), Now's the Time, Billie's Bounce. À partir de là, le bebop s'impose comme un genre de jazz à part entière, ce qu'il reste encore de nos jours.

Avec Bud Powell, Dizzy Gillespie, Tadd Dameron ou Thelonious Monk, il fréquente la pianiste et compositrice Mary Lou Williams, qui lui donne des conseils et accompagne cette nouvelle génération de musiciens, qu'elle invite à son émission de radio hebdomadaire sur WNEW, Mary Lou Williams's Piano Workshop.

Peu après cette dernière session, Gillespie et Parker se séparent, Charlie restant en Californie, où le groupe joue quelques concerts qui ne se déroulent pas idéalement. L'une des raisons de ces deux événements est sans doute le comportement de plus en plus instable de Parker.

Le saxophoniste a développé dans son adolescence une forte addiction aux opiacés, assez courante chez les artistes à l'époque. De la morphine il passe rapidement à l' héroïne, ce qui empoisonnera le reste de sa vie et sera finalement la cause de son décès prématuré. De plus, cette dépendance, qui est de notoriété publique, incite de nombreux jazzmen à se droguer eux-mêmes convaincus d'y trouver l'origine du génie parkerien. Le jazz resta plusieurs décennies associé aux narcotiques, ce qui a grandement contribué à ternir l'image du mouvement bebop dans son ensemble et a gâché l'ascension de nombreux musiciens talentueux.

L'addiction de Parker aux drogues est importante et il se soucie davantage de l'obtention de ses doses plutôt que d'arriver à l'heure ou même d'assurer concerts et sessions d'enregistrement. 1946 fut pour lui ponctuée par une succession de péripéties qui se terminèrent par un séjour de six mois à l' hôpital psychiatrique de Camarillo,.

À sa sortie d'hôpital en janvier 1947, Parker est débarrassé de ses problèmes de drogue et prêt à se replonger dans la musique. Il produira les années suivantes des disques excellents pour les labels Savoy et Dial, dont certains avec ce qu'on surnomme depuis son " quintet classique ", comprenant Miles Davis à la trompette, Duke Jordan au piano, Tommy Potter à la basse et Max Roach à la batterie.

Appliquant à des chansons populaires américaines et à des blues son talent extraordinaire d'improvisateur, Parker produit des morceaux d'une complexité mélodique stupéfiante, jamais dénués de qualité émotionnelle. Ainsi, l'écoute de Parker's Mood reste aujourd'hui encore d'une intensité exceptionnelle.

Dès 1946, il participe aux concerts du Jazz at the Philharmonic organisés par Norman Granz, il se produit alors aux côtés de l'idole de sa jeunesse, le saxophoniste Lester Young. Norman Granz le fait rapidement signer sur son label Verve. En mai 1949, il se produit en France avec son quintet, Salle Pleyel à Paris, à Marseille et à Roubaix. En novembre 1949, il enregistre accompagné d'un orchestre à cordes, qui lui offre une reconnaissance et un succès auprès du grand public, statut rare à cette époque pour un musicien de jazz noir aux États-Unis.

En 1951, à la suite de ses démêlés avec des patrons et des imprésarios, on lui retire sa carte de travail à New-York pendant quinze mois, ce qui lui interdit de se produire dans les clubs. Cette même année, il retrouve ses vieux complices Dizzy Gillespie et Thelonious Monk pour l'enregistrement du disque Bird & Diz. En 1953, malgré une santé déclinante, Charlie Parker montre des qualités musicales intactes lors du concert historique du Massey Hall de Toronto où il se produit aux côtés de Dizzy Gillespie à la trompette, Bud Powell au piano, Charles Mingus à la basse et Max Roach à la batterie. Au début des années 1950, les disques de Charlie Parker se vendent très bien et son impact sur le monde du jazz est sans précédent depuis Louis Armstrong, plus de vingt ans plus tôt. Son jeu est imité par un grand nombre de musiciens, même parmi ceux qui tentent d'échapper à son influence.

Alors que pendant des années, sa renommée reste au plus haut, il ne parvient toujours pas à se tenir éloigné de l'héroïne ou à calmer ses pulsions autodestructrices. Charlie Parker meurt le 12 mars 1955 à New York chez la baronne Pannonica de Koenigswarter, alors qu'il regardait la télévision, à l'âge de seulement 34 ans. Si sa mort est officiellement attribuée à une pneumonie et un ulcère, elle est surtout le résultat de ses excès d'alcool et de drogue. Le médecin légiste chargé d'examiner le corps le trouvera si abîmé et épuisé qu'il lui attribuera un âge compris entre 50 et 60 ans.

Lors de ses funérailles, le maire de New York est officiellement représenté par Anna Arnold Hedgeman.

Charlie Parker repose au cimetière Lincoln de Kansas City dans le Missouri.

Discographie (sélective)

Albums studio (discographie partielle)

One Night at Birdland (1950)

Charlie Parker Sextet (1950)

The Charlie Parker Story (1945)

Jam Session (1952)

Charlie Parker Plays South of the Border (1953)

Quintet of the Year (1953)

Bird and Diz (1952)

Charlie Parker (1953)

Albums live

Chaque année a lieu au mois d'août le Charlie Parker Festival dans la galerie d'art Tribes Gallery au 285, rue, New York ( État de New York).

Musique

La chanson Kind Of Bird du groupe The Allman Brothers Band est un hommage à Charlie Parker. Le titre se trouve sur l'album Shades Of Two Worlds (1991) et a été composé par Warren Haynes et Dickey Betts (tous deux guitaristes au sein des Allman Brothers).

La chanson Bird's Lament du compositeur Moondog lui rend hommage.

Cinéma

Littérature

Sculpture

Références

Sur les autres projets Wikimedia :

Jean-Pierre Jackson, Charlie Parker, Arles : Actes Sud, coll. " Classica répertoire ", 2005, 171 p.

Ross Russell (trad. Mimi Perrin), Bird lives. La Vie de Charlie Parker, Editions 10/18, , 407 p.

Textes de Lillo Gullo et Angelo Leonardi, Dessins de Gaetano et Gaspare Cassaro, Charlie Parker, Préface de Carlos Sampayo, Desiba, Paris, 1980,

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Charlie Parker Jr, surnommé le Bird ou Yardbird né le à Kansas City et mort le à New York, est un saxophoniste alto de jazz américain. Parker, aussi surnommé Bird (" l'oiseau "), est considéré comme l'un des créateurs et principaux représentants du style bebop.

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Surnom

Satchmo, Satch, Pops, Louie

Nom de naissance

Louis Daniel Armstrong

Naissance

La Nouvelle-Orléans, Louisiane, États-Unis

Décès

(à 69 ans)
New York, États-Unis

Activité principale

Trompettiste, chanteur, compositeur

Genre musical

Jazz, blues, gospel

Instruments

Cornet, trompette

Années actives

1919 - 1971

Louis Armstrong, né le à La Nouvelle-Orléans en Louisiane et mort le à New York, est un musicien de jazz et chanteur afro-américain. Il est également connu sous les surnoms de " Dippermouth ", " Satchmo ", " Satch " (abréviation de , littéralement " bouche-sacoche ") et " Pops ".

D'une musique de folklore afro-américaine initialement enracinée dans le gospel et le blues traditionnel et enfermée dans un terroir, Armstrong fait partie de ceux qui en firent un courant musical national et populaire à vocation universelle, le jazz. Son talent de trompettiste, son charisme, ses qualités d'homme de scène et sa personnalité généreuse ont forgé au fil du temps sa renommée internationale. Il a aussi popularisé un nouveau style vocal, le , basé sur l'improvisation. Tout cela fait de lui l'un des chanteurs de jazz les plus influents de son époque. Durant plus de quarante ans, de tournées en tournées, Louis Armstrong restera le meilleur ambassadeur du jazz à travers le monde entier.

Parmi ses principaux succès, figurent notamment les chansons , We Have All the Time in the World ou des reprises comme Dream a Little Dream of Me , ou La Vie en rose.

Biographie

Enfance et familles

Louis Armstrong est né, probablement le , dans une famille noire pauvre de La Nouvelle-Orléans, dans le quartier de Jane Alley miné par la violence et la prostitution. Son père William Armstrong (1881-1922), ouvrier dans une fabrique de térébenthine, quitte le foyer familial peu après sa naissance. Sa mère Mary "Mayann" Estelle Albert(1886-1942), originaire de Boutte en Louisiane, âgée environ de 16 ans à la naissance de Louis, a un autre enfant un an et demi plus tard, Beatrice "Mama Lucy" Armstrong (1903-1987) ; Mayann est "bonne à tout faire" chez les Blancs et doit vivre de ses charmes pour s'en sortir, si bien que Louis est élevé par sa grand-mère paternelle Joséphine (née esclave) jusqu'à l'âge de 5 ans, date à laquelle il est rendu à sa mère.

Enfant, il chante dans les rues de La Nouvelle-Orléans dans un petit quatuor vocal. Grandissant dans un quartier difficile,The Battlefield (le Champ de bataille),, il exerce de nombreux petits métiers (porteur de charbon, livreur de journaux, balayeur de tombes) pour aider sa famille. À six ans, il fréquente la Fisk School for Boys, une école acceptant les enfants noirs dans le système de ségrégation raciale de la Nouvelle-Orléans.

En raison d'actes de délinquance (notamment des vols de journaux), il est plusieurs fois envoyé dans un foyer pour enfants de couleur abandonnés : le " Colored Waifs' Home",. Selon les fichiers de la police, il y fait un long séjour après avoir tiré un coup de feu en l'air avec un pistolet de son beau-père pour fêter la nouvelle année, le 31 décembre 1912.

Il apprend à jouer du cornet à pistons dans l'orchestre de ce foyer, grâce à son premier instrument offert par ses voisins Karnofsky, des tailleurs et ferrailleurs, une modeste famille juive russo- lituanienne d'origine hassidique qui s'est prise d'affection pour l'enfant. Armstrong travaille avec leurs deux fils, Morris et Alex, à ramasser des " chiffons et des os " et à livrer du charbon. Il est un invité régulier à table et chez eux pendant des années, ce qui lui donne, entre autres, une connaissance courante de la langue yiddishe et de quelques berceuses russes. Jusqu'à la fin de ses jours, il portera au cou un collier avec une étoile de David, en signe de gratitude envers cette famille juive qui est la seule qui l'ait véritablement élevé et dont il reconnaît dans ses écrits et mémoires qu'elle lui a appris " comment vivre - la vraie vie et la détermination ", à chanter " du fond du cœur " et a été le déclencheur de sa réussite,,,. Armstrong y décrit également sa découverte de la discrimination antisémite exercée par " d'autres Blancs " qui estimaient qu'ils étaient meilleurs que les Juifs : " Je n'avais que sept ans mais je pouvais facilement voir le traitement impie que les Blancs infligeaient à la pauvre famille juive pour laquelle je travaillais ".

Quand Armstrong a onze ans, il abandonne l'école. Sa mère déménage dans une maison d'une pièce sur la rue Perdido avec son fils, Lucy et son conjoint de fait, Tom Lee, à côté de son frère Ike et de ses deux fils, soit sept personnes. La vie à la maison est spartiate : les matelas sont absents, les repas ne sont souvent guère plus que du pain et de la mélasse et les châtiments corporels de mise.

Une fois libéré du foyer pour délinquants en juin 1914, Armstrong est sous la garde de son père et de sa nouvelle belle-mère, Gertrude. Il vit dans ce ménage avec deux demi-frères pendant plusieurs mois. Après que Gertrude donne naissance à une fille, il se rend compte que son père ne l'a jamais accueilli et retourne alors chez sa mère, Mary Albert. Dans sa petite maison à The Battlefield, il doit partager un lit avec sa mère et sa sœur. Dans ce quartier, il est livré à d'anciennes tentations mais il cherche du travail en tant que musicien et trouve un emploi dans une salle de danse appartenant à Henry Ponce qui avait des liens avec le crime organisé. Il rencontre le batteur Black Benny qui devient son guide et garde du corps. Vers l'âge de quinze ans, il tombe amoureux d'une prostituée nommée Nootsy mais cette relation échoue après qu'elle a poignardé Armstrong à l'épaule et que sa mère l'a étouffée presque à mort.

Avec le Fate Marable's New Orleans Band, sur le fleuve Mississippi, vers 1918

Il étudie brièvement la gestion de la navigation au collège communautaire local mais est contraint d'abandonner après avoir été incapable de payer les frais de scolarité.

Il joue du cornet dans les cabarets du quartier chaud de Storyville. Il y entend des spasm bands, des groupes qui jouent de la musique à partir d'objets ménagers. Il entend également les premiers sons de jazz de groupes qui jouent dans des maisons closes et des dancings telles celle où King Oliver se produit, qu'il rencontre et qui lui donne des conseils puis Armstrong le remplace un temps dans l'orchestre du tromboniste Kid Ory sur le Capitol. Il assiste aux parades des brass bands et écoute les vieux musiciens dès qu'il en a l'occasion, apprenant de Bunk Johnson à jouer à l'oreille, de Buddy Petit et par-dessus tout de Joe King Oliver. Il joue à partir de 1918 dans les brass bands avec l'orchestre réputé de Fate Marable sur les bateaux à vapeur qui remontent le Mississippi.

Débuts de carrière

Au club de jazz Aquarium de la 52e rue de Broadway à Manhattan de New York en 1946

A l'aéroport d'Amsterdam-Schiphol, en 1952

En compagnie du chanteur néerlandais Gert Timmerman (nl) quand celui-ci reçoit un disque d'or et un de diamant en 1965.

Passeport de Louis Armstrong au Brésil en 1957, lors de sa rencontre avec Pixinguinha (archives nationales du Brésil)

En concert au Concertgebouw d'Amsterdam en 1959

Armstrong joue pour sa femme Lucille au Pyramides de Gizeh lors de sa visite en Égypte, 1961

Armstrong rencontre dans un bar mal famé de la petite ville de Gretna en Louisiane où il donne un concert, une entraîneuse, Daisy Parker. D'abord client de cette prostituée, il en tombe amoureux. Ils se marient le . Leur mariage dure quatre ans, " quatre années de torture et de passion " (marquées par de nombreuses scènes de violence et de jalousie), avant de se solder par un divorce le .

Tout au long de son expérience en bateau fluvial, la musicalité d'Armstrong a commencé à mûrir et à se développer. A vingt ans, il savait lire la musique. Il devient l'un des premiers musiciens de jazz à figurer sur de longs solos de trompette, injectant sa propre personnalité et son propre style. Il commence également à chanter dans ses performances.

En 1922, Louis, après la fermeture de Storyville en 1917, accompagne le mouvement général d'exode pour Chicago, où il est engagé comme second trompettiste par Joe " King " Oliver dans son Creole Jazz Band. Chicago dès lors devient la Mecque du style New-Orleans. Dans ce contexte bouillonnant, il enregistre ses premiers disques. Il travaille avec le batteur et chef d'orchestre Ollie Powers avant d'être engagé l'année suivante dans l'un des big bands phares de New York, celui de Fletcher Henderson,.

Il épouse en la pianiste Lil Hardin et se fait l'accompagnateur attitré de quelques grandes chanteuses de blues comme Bessie Smith ou Ma Rainey, puis enregistre quelques morceaux avec le pianiste Clarence Williams avant d'intégrer la formation de sa femme, les Dreamland Syncopators. Il retourne à Chicago et enregistre pour la firme Okeh records le la toute première séance du en compagnie de Lil Hardin au piano, Johnny Dodds à la clarinette, Baby Dodds à la batterie et Kid Ory au trombone.

Il joue dans l'orchestre d' Erskine Tate, le Vendome Orchestra, joue à l'occasion avec Clarence Jones et Carroll Dickerson avant de former le Hot Seven, et d'enregistrer jusqu'en décembre 1928 quelques-uns des grands classiques du jazz comme , , , et surtout deux chefs-d'œuvre, West End Blues () et Tight Like This () chez la firme Okey ; le jeu de Louis à la trompette est révolutionnaire ; son introduction virtuose dans West End Blues demeure l'une des plus célèbres de l' histoire du jazz et reste un modèle pour les générations suivantes d' instrumentistes, dont beaucoup l'apprendront par cœur et la joueront à la note près.

Armstrong repart pour New York en 1929, puis pour Los Angeles en 1930, et effectue une tournée en Europe. En 1935, il se rompt l' orbicularis oris, un muscle labial, et il est contraint de mettre sa carrière de trompettiste entre parenthèses pendant un an. Les lèvres meurtries, il ne retrouvera jamais sa virtuosité. Après avoir passé de nombreuses années sur la route, il s'installe définitivement dans le Queens à New York en 1943, dans une maison devenue depuis Maison musée de Louis Armstrong. Bien que soumis aux vicissitudes de Tin Pan Alley et au fait que la production musicale de l'époque soit dirigée par des gangsters, il continue à développer ses qualités de musicien.

Pendant les trente années qui suivent, Louis Armstrong joue en moyenne plus de 300 concerts par an. À cette époque, il devient l'un des plus grands vendeurs de disques des États-Unis auprès des Afro-Américains mais aussi de la classe moyenne blanche. Au cours des années 1940, les réservations pour les orchestres diminuent progressivement à cause des changements de goût du public : les salles de bal ferment, et la concurrence de la télévision et des autres genres de musique se font de plus en plus fortes. Il devient impossible d'entretenir un orchestre de tournée de seize musiciens.

Le , Suzy Delair chante à l' Hôtel Negresco lors du premier Nice Jazz Festival. Louis Armstrong est présent et adore la chanson. Le , il enregistre la version américaine de la chanson (paroles anglaise de Jerry Seelen) à New York avec l'orchestre de Sy Oliver. À sa sortie, le disque connaît un succès mondial et la chanson est ensuite reprise par les plus grands chanteurs internationaux.

The All Stars

Vers 1950, Louis Armstrong réduit son groupe à six membres, revenant au style Dixieland qui l'a rendu célèbre à ses débuts. Ce groupe est appelé " the Pom pom boys ", où jouent des musiciens tels que Barney Bigard, Jack Teagarden, Trummy Young, Arvell Shaw , Marty Napoleon , Big Sid Catlett ou Barrett Deems . À cette époque, il enregistre beaucoup et apparaît dans plus de trente films. En 1964, il enregistre son titre le plus célèbre et le plus vendu, Hello, Dolly !

Louis Armstrong continue ses tournées à un rythme effréné et ne s'arrête que quelques années avant sa mort. Dans ses dernières années, il joue parfois l'un de ses nombreux concerts par cœur, mais d'autres fois, il électrise le concert le plus mondain de son jeu vigoureux, souvent à l'étonnement de son groupe. Il connaît également des tournées à succès en Afrique, en Europe et en Asie avec le soutien du département d'État américain et il est bientôt surnommé " Ambassador Satch ". En dépit d'une santé fragile durant les dernières années de sa vie, il continue à jouer jusqu'à sa mort.

Louis Armstrong meurt d'un arrêt cardiaque pendant son sommeil à son domicile de New York (devenu depuis Maison musée de Louis Armstrong) le , à l'âge de 69 ans, onze mois après son célèbre show à l'Empire Room du Waldorf Astoria. Il repose au cimetière de Flushing à New York, voisin de sa dernière demeure.

L'influence d'Armstrong sur le développement du jazz est sans pareil. Son charisme d'homme de scène et de personnalité publique était si fort vers la fin de sa carrière qu'il éclipsait parfois ses contributions de musicien ou de chanteur.

Armstrong était un virtuose de la trompette et un improvisateur inspiré. Grâce à son jeu, la trompette est devenue un instrument soliste de jazz. Il était également un accompagnateur et un musicien d'ensemble.

Armstrong peut être considéré comme un des inventeurs du jazz chanté. Il jouait de sa voix râpeuse si reconnaissable dans l'improvisation, liant les paroles et la mélodie des chansons de manière expressive. Il était également doué pour le scat (jazz vocal), dont il s'est servi pendant l'enregistrement de Heebie Jeebies lorsque ses partitions tombèrent au sol et qu'il entonna alors un chant composé d' onomatopées (comme on avait coutume de le faire à La Nouvelle-Orléans). Si, contrairement à l'idée reçue, il n'a pas inventé le scat, il fut en revanche le premier à inclure une improvisation scat dans un titre. Billie Holiday et Frank Sinatra reprirent ensuite ce principe.

Armstrong fit de la figuration dans plus d'une douzaine de films hollywoodiens mineurs, jouant généralement un chef d'orchestre de jazz ou un musicien. Il fut le premier Afro-Américain à organiser une émission de radio nationale dans les années trente. Il a également fait des apparitions télévisées, particulièrement dans les années cinquante et soixante, et notamment dans The Tonight Show Starring Johnny Carson. Louis Armstrong a une étoile à son nom sur le Walk of Fame d' Hollywood, au 7601 Hollywood Boulevard.

De nombreux enregistrements d'Armstrong continuent à être populaires. Près de cinq décennies après sa mort, des enregistrements datant des différentes périodes de sa carrière sont maintenant plus facilement accessibles que lorsqu'il était en vie. Ses chansons sont diffusées et écoutées tous les jours dans le monde entier et sont mises à l'honneur dans des films, des séries télévisées, des publicités et même dans des dessins animés ou des jeux vidéo (, notamment, a A Kiss to Build a Dream on pour musique d'introduction). Son enregistrement de 1923 avec Joe Oliver et son Creole Jazz Band est écouté comme une référence en matière d'ensembles de jazz Nouvelle-Orléans. Très souvent, néanmoins, Armstrong enregistra avec des orchestres standards, où seul son jeu de trompette était intéressant. Melancholy Blues, joué par Armstrong et les Hot Seven, fait partie des enregistrements sonores embarqués à bord des sondes Voyager envoyées dans l'espace.

Armstrong prit des dispositions pour qu'après sa mort et celle de sa femme Lucille, une fondation pour l' éducation musicale des enfants défavorisés soit créée, et pour que sa maison et des archives substantielles d'écrits, de livres, d'enregistrements et de souvenirs soient léguées au Queens College de la City University of New York.

Les archives " Louis Armstrong " sont accessibles aux chercheurs en musicologie, et sa maison, transformée en musée, a ouvert ses portes au public le .

Maison musée de Louis Armstrong de New York de 1943, classée lieu historique national des États-Unis, et monument historique de New York.

L'écrivain argentin Julio Cortázar, se décrivant lui-même comme un admirateur d'Armstrong, affirme qu'en 1952, le concert de Louis Armstrong au théâtre des Champs-Élysées à Paris l'a inspiré pour imaginer des créatures appelées Cronopios, sujets de nombre de ses nouvelles. Cortázar qualifia un jour Louis Armstrong de Grandísimo Cronopio (plus grand Cronopio).

Personnalité

Les surnoms Satchmo ou Satch proviennent de Satchelmouth (littéralement " bouche-sacoche ", en référence à la taille de sa bouche et de ses lèvres abîmées par l' embouchure de sa trompette). En 1932, Percy Brooks, alors rédacteur au magazine Melody Maker, accueille Louis Armstrong à Londres par un " Bonjour Satchmo ", raccourcissant Satchelmouth (certains diront que c'était involontaire). Ce surnom lui restera. Plus tôt, il a aussi été connu sous le surnom de Dippermouth (" bouche plongeante "). Ces termes font référence à la manière dont il tenait sa trompette lorsqu'il jouait. Elle était placée sur ses lèvres de telle façon que, lorsqu'il jouait de longues heures, la trompette laissait une empreinte sur sa lèvre supérieure, d'où le terme " Dippermouth ". Cette marque est effectivement visible sur de nombreuses photographies de Louis Armstrong de cette période. Ces problèmes de lèvres l'amèneront à développer son côté chanteur, lors des concerts et dans les enregistrements, étant donné qu'au-delà d'une certaine durée, il ne lui est plus possible de jouer de sa trompette. Toutefois, après avoir mis de côté son instrument pendant un certain temps, il modifiera son style de jeu et poursuivra sa carrière de trompettiste, sans se risquer aux prouesses techniques qu'il réalisait à ses débuts. Ses amis et les musiciens dont il est proche l'appellent " Pops ", terme qu'Armstrong utilise lui-même pour s'adresser à ses amis et aux musiciens qu'il côtoie (à l'exception de Pop Foster, qu'Armstrong appelle toujours " George ").

En 1949, il est élu comme " Roi des Zoulous " pour le Mardi Gras de La Nouvelle-Orléans. Traditionnellement, les confréries carnavalesques de la Nouvelle-Orléans sont patronnées par des riches familles blanches et chacune élit une " reine " parmi les débutantes ; celle des Zoulous est créée au début du par les ouvriers de la communauté afro-américaine de la ville. C'est la première fois que celle-ci élit comme " roi " une personnalité extérieure à la ville, ce qui est considéré localement comme un grand honneur. Armstrong participe à la parade avec une satisfaction visible, revêtu de l'attirail traditionnel : peau noircie ( Blackface) avec des taches blanches autour des yeux, épaisse perruque noire, couronne, tunique de velours rouge ornée de sequins et pagne d'herbes.

Ce rôle en tant que président du carnaval Krewe est perçu comme offensant par certains étrangers. L'apparente insensibilité d'Armstrong au problème racial lors de son apparition en roi des Zoulous a parfois été décrite comme une défaite du musicien. Alors que certains ont vu en lui une personnalité chaleureuse et conviviale, d'autres lui ont reproché de trop vouloir plaire au public blanc et d'être une caricature de ménestrel noir. Des musiciens critiquent Armstrong parce qu'il joue face à des publics ségrégationistes, parce qu'il ne prend pas assez parti pour le Mouvement des droits civiques, ce qui a pu l'assimiler à un Oncle Tom. Billie Holiday a cependant rétorqué à cela : " Bien sûr, Pops est un Tom, mais c'est un Tom qui a du cœur. " Elle faisait référence à l'Oncle Tom qui a une attitude obséquieuse et servile envers les Blancs.

Armstrong a en fait été l'un des principaux soutiens financiers de Martin Luther King Jr. et d'autres activistes pour les droits civiques, mais il préférait aider discrètement ce mouvement et ne pas mêler ses opinions politiques à son métier de musicien. Le peu d'exceptions furent d'autant plus efficaces lorsqu'il parlait ; la critique qu'il fit d' Eisenhower, président des États-Unis d'Amérique, en le qualifiant de " double face " et de " mou " lors du conflit sur la discrimination à l'école à Little Rock, Arkansas, en 1957, fit la une nationale. En signe de protestation, Armstrong annula une tournée organisée en Union soviétique au nom du département d'État, en disant : " Étant donné la façon dont ils traitent mon peuple dans le Sud, le gouvernement peut aller se faire voir " et qu'il ne pouvait pas représenter son gouvernement à l'étranger alors que ce gouvernement était en conflit avec son propre peuple.

C'était un homme généreux dont on disait qu'il avait donné autant d'argent qu'il en avait gardé pour lui-même. Louis Armstrong adopta le fils de sa cousine Flora disparue peu après sa naissance. Il n'a cessé de prendre soin de Clarence Armstrong, handicapé mental, à qui il a assuré une rente à vie.

Trompette Selmer, offerte par le roi George V du Royaume-Uni en 1933 (Maison musée de Louis Armstrong).

À ses débuts, Louis Armstrong était surtout connu pour sa virtuosité au cornet à pistons et à la trompette. La meilleure interprétation de trompette de ses premières années peut être entendue sur ses disques , Stomp'in at the Savoy avec Ella Fitzgerald et . Les improvisations sur ces disques de jazz Nouvelle-Orléans et de chansons populaires de l'époque surclassent celles des interprètes de jazz qui lui ont succédé. La génération de musiciens précédente de jazz Nouvelle-Orléans qualifiaient leurs improvisations de " variations de la mélodie " ; les improvisations de Louis Armstrong étaient audacieuses et complexes, avec des touches subtiles et mélodiques. Souvent, il réécrivait les fondements des airs pop qu'il jouait, les rendant ainsi intéressants. Sa technique d'interprétation est remplie de mélodies innovantes, joyeuses et inspirées, de bonds créatifs et de rythmes subtilement relâchés ou forts. Le génie de ces morceaux allait de pair avec sa technique musicale, affinée par une pratique continue. Cela augmenta les tons, la tessiture et d'une manière générale les possibilités offertes par la trompette. Dans ces disques, Louis Armstrong créa quasiment à lui seul le rôle de soliste de jazz, transformant ce qui était à l'origine une musique folklorique collective en un art d'expression individuelle.

Les travaux de Louis Armstrong dans les années 1920 le poussèrent à jouer aux limites extrêmes de ses capacités. Particulièrement, les morceaux du disque Hot 5 comportent souvent des fautes mineures et des notes ratées, qui néanmoins diminuent peu le plaisir de l'écoute puisque l'énergie de la prestation spontanée est transmise. Dans la moitié des années 1930, il atteint une assurance calme, sachant exactement ce qu'il voulait faire et exécutant ses idées à la perfection.

Au fur et à mesure que sa musique progressait et gagnait en popularité, ses chansons devenaient importantes. Armstrong n'était pas le premier à enregistrer du chant scat, mais il l'aida à le populariser. Il eut du succès avec son interprétation et son chant scat sur Heebie Jeebies, et criait " I done forgot the words " au milieu de son enregistrement " I'm A Ding Dong Daddy From Dumas ". De tels disques furent des succès et le chant scat devint une partie essentielle de ses représentations. Longtemps avant, néanmoins, Armstrong s'amusait avec ses chansons, raccourcissant et rallongeant des phrases, plaçant des improvisations, utilisant sa voix d'une manière aussi créative que sa trompette.

Durant sa longue carrière, il joua et chanta avec les plus importants instrumentistes et chanteurs, parmi lesquels le singing brakeman Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fats Waller, Fletcher Henderson, Bessie Smith, et Ella Fitzgerald. Son influence sur Bing Crosby est particulièrement importante étant donné le développement ultérieur de la musique populaire : Crosby admirait et copiait Armstrong, comme on peut le constater sur beaucoup de ses premiers enregistrements, notamment " Just One More Chance " (1931). Le New Grove Dictionary of Jazz décrit la dette de Crosby à Armstrong en détail, bien qu'il ne désigne pas explicitement Armstrong :

" Crosby [...] était important en introduisant, dans le courant du chant populaire, un concept afro-américain de chant comme une extension lyrique de la parole, de l'élocution [...] Ses techniques - relâchant le poids de son souffle sur les cordes vocales, passant en voix de tête dans un registre grave, en mettant en avant la production pour aider une prononciation marquée, chantant sur les consonnes (une habitude chez les chanteurs noirs), et employant une discrète utilisation des appoggiatures, des mordants et des liaisons pour accentuer le texte - ont été imitées par presque tous les chanteurs populaires ultérieurs. "

Armstrong enregistra trois albums avec Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again, et Porgy and Bess pour Verve Records. Ses enregistrements Satch Plays Fats, toutes les mélodies de Fats Waller, et Louis Armstrong Plays W.C. Handy dans les années 1950 étaient peut-être les dernières de ses grands enregistrements créatifs, mais même les étrangetés comme Disney Songs the Satchmo Way ont leurs moments musicaux. Sa production tardive a été fortement critiquée pour être simpliste ou répétitive.

Armstrong eut beaucoup de morceaux à succès, notamment , , , When the Saints Go Marching In, Dream a Little Dream of Me, Ain't Misbehavin', et Stompin' at the Savoy. We Have All the Time in the World figurait sur la bande son du film James Bond Au service secret de Sa Majesté, et bénéficia d'une popularité renouvelée au Royaume-Uni en 1994 quand il figura sur une publicité pour Guinness, atteignit la place dans les hit-parades des rééditions.

En 1964, Armstrong fit chuter les Beatles du top du hit-parade " Billboard Hot 100 " avec Hello, Dolly !, qui donna à l'interprète de 63 ans le record aux États-Unis d'Amérique de l'artiste le plus âgé à avoir un titre au top du classement. En 1968, Armstrong marqua un dernier succès populaire au Royaume-Uni avec la chanson sentimentale , qui fut premier des hits-parades britanniques pendant un mois ; néanmoins, le single ne fut pas du tout un succès en Amérique. La chanson devint populaire quand elle fut utilisée en 1987 dans le film Good Morning, Vietnam, sa réédition s'élevant au sommet des hit-parades dans de nombreux pays.

Armstrong appréciait des styles différents de musique, du blues le plus direct aux doux arrangements sirupeux de Guy Lombardo, en passant par les chansons folkloriques latino-américaines et les symphonies classiques et à l' opéra. Armstrong intégra les influences de toutes ces sources dans ses représentations, rendant parfois perplexes ses fans qui auraient préféré qu'Armstrong reste dans un style conformiste. Cependant, il n'appréciait pas le mouvement bop et ses successeurs. Armstrong fait partie du " Rock and Roll Hall of Fame " en tant qu' influence majeure.

Timbre de voix

Avec le producteur de jazz Willis Conover du Willis Conover's Studio, et son album Ambassador Satch de 1956

Dans le film musical Haute Société de 1956

Avec Grace Kelly dans le film musical Haute Société de 1956

Visite de Louis Armstrong à Tel Aviv en Israël, avril 1959

Au niveau du larynx, les cordes vocales sont surplombées par deux ligaments vestibulaires, appelés également " fausses cordes vocales ". Chez l'être humain, leur rôle n'a qu'un intérêt phonatoire restreint.

La voix si particulière de Louis Armstrong était due à un œdème et à une hypertrophie de ses fausses cordes vocales. Jouer de la trompette était une action aggravante.

Discographie sélective

The Best of the Hot 5 and 7 recordings, Columbia, 1925-1927

The Quintessence, Frémeaux & Associés/Night & Day 1925/1940

Ella and Louis, Verve, 1957

Louis and the Good Book, MCA, 1958

Louis Armstrong & Ella Fitzgerald, Porgy and Bess, Verve, 1958

Louis Armstrong & Duke Ellington, The Complete Sessions, 1961

What a Wonderful World

When you're smiling

La Vie en rose 1950

C'est si bon

We Have All the Time in the World, thème romantique du sixième film de la série des James Bond 007 : Au service secret de Sa Majesté, 1969 (réutilisé depuis dans le film Mourir peut attendre en 2021)

Go down Moses, 1996

When the Saints Go Marching In, reprise d'un chant populaire noir-américaine, 1930

Filmographie musicale

(dans son propre rôle)

Miles Davis rendit un hommage à Armstrong dans cette célèbre phrase :

" Dès qu'on souffle dans un instrument, on sait qu'on ne pourra rien en sortir que Louis n'ait déjà fait. "

Le chanteur John Scatman lui rend hommage dans sa chanson

L'historien du jazz Floyd Leven (à gauche) serre la main du maire de la Nouvelle-Orléans Moon Landrieu (au centre à droite) lors de l'inauguration de la statue de Louis Armstrong, conçue par la sculptrice Elizabeth Catlett (à l'extrême droite), Nouvelle Orléans (1976)

Everybody Jam.

Claude Nougaro lui rend hommage dans sa chanson , qui reprend la mélodie de Go Down Moses.

Le musicien Irakli est le plus grand spécialiste français d'Armstrong, il lui rend hommage depuis plus de 30 ans.

Notes et références

1. (en) Louis Armstrong (Louis Armstrong + the Jewish Family in New Orleans, LA., the year of 1907), Louis Armstrong, in His Own Words: Selected Writings, Oxford University Press, , p. 3-36

2. Louis Armstrong, In His Own Words: Selected Writings of Louis Armstrong par Louis Armstrong et Thomas Brothers. Oxford University Press, New York, 1999.

3. " J'ai longtemps eu de l'admiration pour le peuple juif. Surtout avec leur longue période de courage, en supportant tant d'abus pendant si longtemps. Je n'avais que sept ans, mais je pouvais facilement voir le traitement impie que les Blancs infligeaient à la pauvre famille juive pour laquelle je travaillais. Il m'est venu à l'esprit, à quel point. Même " ma race ", les nègres, de la façon dont je l'ai vu, avaient un peu plus de chance que le peuple juif, avec des emplois en abondance. Bien sûr, nous pouvons comprendre toutes les situations et les handicaps qui se passaient, mais pour moi, nous étions mieux lotis que le peuple juif ". Louis Amstrong (2001), Thomas Brothers (éd.), p. 8 & suiv.

4. " Fletcher Henderson, l'inventeur du big band (épisode 2 : Naissance d'un orchestre) - Jazz Magazine " (consulté le )

5. Ricky Riccardi, " The Wonderful World of Louis Armstrong: Bessie Smith Meets Louis Armstrong: 90 Years Later ", sur The Wonderful World of Louis Armstrong, (consulté le )

6. (en) Paul Finkelman, Encyclopedia of African American History, 1896 to the Present : From the Age of Segregation to the Twenty-first Century Five-volume Set, Oxford, Oxford University Press, USA, .

7. Traduction libre de : " Crosby... was important in introducing into the mainstream of popular singing an Afro-American concept of song as a lyrical extension of speech... His techniques - easing the weight of the breath on the vocal chords, passing into a head voice at a low register, using forward production to aid distinct enunciation, singing on consonants (a practice of black singers), and making discreet use of appoggiaturas, mordents, and slurs to emphasise the text - were emulated by nearly all later popular singers. "

8. L'Odyssée de la voix - Jean Abitbol - Robert Laffont - Paris - 2005 p. 65&205.

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Bibliographie

(fr) Robert Goffin, Louis Armstrong, le roi du jazz, édition Pierre Seghers, Paris, 1947

(fr) Hugues Panassié, Louis Armstrong, Nouvelles Éditions Latines, Paris, 1969

(fr) Michel Boujut, Pour Armstrong, éd. Filipacchi, Paris, 1976

(en) Laurence Bergreen, Louis Armstrong: An Extravagant Life, éd. HarperCollins, New York, 1998

Articles connexes

Liens externes

Bases de données et dictionnaires

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Surnom Satchmo, Satch, Pops, Louie Nom de naissance Louis Daniel Armstrong Naissance La Nouvelle-Orléans, Louisiane, États-Unis Décès (à 69 ans) New York, États-Unis Activité principale Trompettiste, chanteur, compositeur Genre musical Jazz, blues, gospel Instruments Cornet, trompette Années actives 1919 - 1971 Louis Armstrong, né le à La Nouvelle-Orléans en Louisiane et mort le à New York, est un musicien de jazz et chanteur afro-américain.

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Nina Simone

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Surnom

Nina

Nom de naissance

Eunice Kathleen Waymon

Naissance

Tryon, ( Caroline du Nord),
États-Unis

Décès

(à 70 ans)
Carry-le-Rouet, ( Bouches-du-Rhône)
France

Activité principale

Pianiste
Chanteuse
Compositrice
Arrangeuse musicale

Genre musical

Jazz, blues, soul, R&B, folk, gospel

Instruments

Voix, piano

Années actives

1954- 2003

Labels

Bethlehem, Philips, Colpix, RCA, CTI, Legacy Recordings

Site officiel

www.ninasimone.com/

Née dans une famille protestante pratiquante, la jeune Eunice est très attirée par la musique classique, mais la pauvreté et les préjugés ethniques ont raison de ses ambitions. Désirant à l'origine devenir pianiste concertiste, elle s'est finalement illustrée dans des styles musicaux variés, notamment le jazz, le blues, la musique classique, la soul, le folk, le R&B, le gospel et la pop. Son parcours musical change en effet de direction lorsqu'elle se voit refuser une bourse d'étude à l' institut Curtis. Alors qu'elle joue et chante dans un petit club de Philadelphie, elle est contactée par le label Bethlehem Records pour un enregistrement et, lors de l'année 1957, le morceau , chanson de l'opéra Porgy and Bess de Gershwin, devient un grand succès aux États-Unis. Son premier album, Little Girl Blue, sort en 1958.

Nina Simone, qui enregistre une cinquantaine d'albums au cours de sa carrière, est l'une des principales représentantes du jazz vocal. Elle se produit par ailleurs à plusieurs reprises au Montreux Jazz Festival. Son style original est issu de la fusion de chansons gospel et pop avec la musique classique.

Au milieu des années 1960, elle s'engage dans le mouvement de défense des droits civiques. Sa musique est très influente dans la lutte pour l'égalité des droits que mènent les Noirs américains à cette période aux États-Unis. Puissante et radicale, elle est une source d'inspiration pour cette génération et continue de l'être pour celles qui suivent.

La mère d'Eunice Kate Waymon, Mary Kate Irvin, est femme de ménage et observe rigoureusement la foi. Son père, John Davan Waymon, a ouvert sa propre entreprise de nettoyage à sec et travaille à mi-temps comme coiffeur-barbier et parfois même comme chauffeur de camion pour gagner davantage d'argent. Leur vie devient suffisamment confortable pour que Kate puisse cesser de travailler et se consacrer à l'éducation de leurs quatre enfants. Dans la famille tous chantent et particulièrement son père : il est appelé le siffleur car il siffle tout le temps et peut même produire deux notes en même temps, mais sait aussi bien chanter et danser. La famille s'installe à Tryon au début de l'année 1929 et John y ouvre son pressing. Kate donne naissance à Dorothy peu de temps après.

Mais la crise de 1929 oblige Kate à travailler comme femme de ménage et son mari à accepter les tâches les plus ingrates. Il subit une intervention chirurgicale qui aggrave davantage leur situation financière, obligeant la famille à s'installer dans un des quartiers les plus pauvres de la ville. Kate s'investit totalement dans la vie de l' église méthodiste, et devient révérende pasteur

Eunice naît à Tryon en Caroline du Nord en 1933. Elle est le sixième enfant du couple qui en aura huit. Elle commence à jouer du piano dès l'âge de trois ans ; la première chanson qu'elle apprend est God Be With You, Till We Meet Again, cantique religieux préféré de sa mère. Elle montre très tôt de grandes dispositions pour le chant et le piano qu'elle pratique à l'église locale et donne son premier concert, un récital classique, à douze ans. Nina Simone racontera plus tard que lors de cette performance, ses parents, qui avaient pris place au premier rang, ont dû se déplacer à l'arrière de la salle pour faire place à des blancs. Elle ajouta qu'elle avait refusé de jouer jusqu'à ce que ses parents aient repris leur place au devant de l'audience, incident ayant contribué plus tard à son implication dans le mouvement pour les droits civiques.

La jeune pianiste est remarquée par la patronne de sa mère, Mrs. Miller, qui lui conseille d'encourager ses dispositions et avec l'appui des voisins de Tryon crée un fonds pour recueillir l'argent destiné à financer sa formation. Elle propose également de payer pendant un an ses cours de piano et la présente à Muriel Massinovitch, Miss Mazzy, qui devient pour elle une seconde mère (" my white momma ", " ma mère blanche "). Pendant six ans, tous les samedis matin, elle va chez miss Mazzy. Cette expérience était pour elle la découverte d'un nouveau monde. Elle déclara plus tard que lorsqu'elle y découvrit la musique de Jean-Sebastien Bach, elle " faillit s'évanouir tellement c'était beau ". À cette époque, elle joue plus de trois heures de piano par jour.

Elle continue de travailler durement afin de devenir la " première concertiste classique noire en Amérique ". Dans ses mémoires, Nina Simone attribue cette phrase à sa mère. Miss Mazzy annonce qu'elle n'avait plus rien à apprendre à l'enfant, alors âgée de 12 ans. Pour que son élève puisse développer ses talents, elle propose le lycée Allen, un pensionnat pour enfants noirs surdoués situé à 80 kilomètres de Tryon. Elle y reste en pension complète sous surveillance et discipline strictes. Elle y entre en et en sort major de sa promotion en .

Miss Mazzy pense que seule la formation à l' Institut Curtis, un prestigieux institut de musique de Philadelphie, peut permettre à son élève de devenir la première concertiste classique noire en Amérique. Pour passer l'examen d'entrée, il est nécessaire d'effectuer une préparation à la Juilliard School of Music de New York. Grâce au soutien financier des personnes qui croient en ses capacités, Nina Simone s'installe à New York pour étudier et se prépare à l'épreuve entre le et le . Elle est la seule élève noire de sa promotion. Elle n'est pas reçue. Sa déception est très grande car elle croit que ce refus est directement lié au fait qu'elle soit noire (bien que, plus tard, l'Institut se défend disant que plusieurs noirs y avaient déjà été reçus et formés avec succès, l'obstacle ayant été plutôt le très grand nombre de candidats pour à peine quelques places)[réf. nécessaire]. Sa mère lui trouve une place d'employée chez un photographe à Philadelphie et avec le peu d'argent qui reste elle suit quelques semaines de cours avec Vladimir Sokhaloff qui aurait dû être son professeur au Curtis Institute.

Elle quitte peu de temps après son travail chez le photographe pour jouer comme pianiste-accompagnatrice chez une professeure de chant nommée Arlene Smith, afin d'accompagner ses élèves. Au bout d'un an, elle décide de s'installer à son compte, emmenant une partie des élèves de son ancienne employeuse. Cette période de sa vie est très dure, mais lui permet d'être indépendante et de continuer à payer ses cours avec le professeur Sokhaloff. Pour financer ses leçons privées, elle effectue des représentations au Midtown Bar & Grill à Atlantic City, jouant uniquement du piano ; mais le propriétaire l'oblige à chanter également, menaçant de la renvoyer si elle refuse. Elle choisit le nom de scène " Nina Simone " en 1954, pour cacher cette activité à ses parents. Le mot Nina, du mot castillan niña, qui signifie " petite fille " en espagnol, est le surnom que lui avait donné un petit ami et Simone est emprunté à l'actrice Simone Signoret qu'elle a vue dans le film de Jacques Becker. Nina Simone impose son style peu à peu. Le mélange de jazz, de blues et de musique classique qu'elle réalise au Midtown, lui permet d'obtenir un groupe d'admirateurs fidèles. En fin de saison, elle retourne à Philadelphie pour poursuivre ses précédentes activités.

Pendant la saison estivale qu'elle effectue en 1955 au Midtown Bar & Grill, elle rencontre Tex Axelrod, un passionné de musique qui lui fait découvrir les différents types de musique et lui suggère de chanter I Loves You, Porgy de George Gershwin (à partir de Porgy and Bess), qu'elle insiste à prononcer "I love you, Porgy" afin de ne pas reproduire le "petit nègre" dénigrant attendu par le public blanc. À la suite de cette saison, elle annonce à ses élèves qu'elle souhaite tenter sa chance dans les clubs de Philadelphie. Elle passe son temps entre les cours chez Sokhaloff et ses engagements. Elle avoue à ses parents d'où vient l'argent qu'elle leur envoie tous les mois. Cette révélation coupe alors les derniers liens avec sa mère qui considère cette musique comme " la musique du diable ".

Nina Simone fait une troisième saison au Midtown Bar & Grill où le propriétaire l'attend avec impatience, car elle lui permet d'afficher complet tous les soirs. Elle y rencontre Don Ross, un fêtard sans ambition, mais qui fut sans doute son premier réel amoureux.

Un agent artistique new-yorkais, Jerry Fields, impressionné par ses interprétations, lui propose un contrat mais en demande l'exclusivité. Elle accepte et reçoit ensuite des offres d'engagements dans plusieurs clubs. Dans un de ces clubs, elle rencontre le guitariste Alvin Schackman et signe un premier contrat avec Syd Nathan, dirigeant du label King Records. Elle enregistre un premier disque de quatorze titres en une seule journée.

Après ses passages dans les petits clubs, elle enregistre en 1957 une interprétation de I Loves You, Porgy de George Gershwin (tiré de l'opéra Porgy and Bess), qu'elle a appris à partir d'un album de Billie Holiday et interprété pour un ami. Le titre devient son unique succès au top 40 du Billboard aux États-Unis et son premier album Little Girl Blue a suivi peu après sur le label Bethlehem.

Arrivée à New York en 1958, elle se produit non pas à Harlem mais dans des clubs à la mode de Greenwich Village, où il existait une certaine mixité raciale. Son répertoire est éclectique, entre jazz, folk, classique, morceaux issues de comédies musicales et chants africains.

Nina Simone perd plus d'un million de dollars de droits d'auteur (principalement en raison du succès de la réédition de My Baby Just Cares for Me dans les années 1980) et ne tire jamais aucun avantage financier de l'album, parce qu'elle en a vendu les droits pour 3 000 $.

Après le succès de Little Girl Blue, Nina Simone signe un contrat avec la grande maison de disques Colpix Records, suivi par une série d'albums studio et live. Colpix renonce dans le contrat au contrôle de l'aspect créatif, y compris au choix du contenu à enregistrer, en échange de quoi Nina Simone doit s'engager par contrat avec cette société. La chanteuse, qui à cette période joue de la musique populaire afin de se faire de l'argent pour poursuivre ses études de musique classique, est audacieuse en ce qui concerne son exigence de contrôle par elle-même de sa musique. puisqu'il lui est indifférent d'obtenir ou non un contrat d'enregistrement. Elle garde cette attitude envers l'industrie du disque durant la majeure partie de sa carrière.

Après avoir été mariée brièvement à un client blanc du bar d'Atlantic City, elle épouse en 1961 un détective de la police de New York nommé Andrew Stroud, plus tard son manager. Leur fille Lisa Celeste Stroud naît le . Ils vivent dans une grande maison de Westchester, employant une bonne et un jardinier.

Le , elle chante au Carnegie Hall, le jour où Martin Luther King est arrêté à Birmingham (Alabama). Discutant avec ses amies de Marx ou de Lénine, elle affermit sa conscience politique. Elle se produit en juin de la même année au bénéfice de la National Association for the Advancement of Colored People et en août chante dans le stade d'une université noire dans ce qui est considéré comme le premier concert multiracial de cet État. Elle suit à la télévision la marche sur Washington pour l'emploi et la liberté, où Martin Luther King prononce " I have a dream ".

En 1964, elle quitte son distributeur de disques américain Colpix pour le néerlandais Philips, ce qui entraîne un changement sur le contenu de ses enregistrements. Elle a jusque-là toujours inclus à son répertoire des chansons qui suggèrent ses origines afro-américaines, comme les morceaux Brown Baby et Zungo sur l'album Nina at the Village Gate en 1962. Mais sur son premier album pour Philips en 1964 - un enregistrement en public nommé Nina Simone In Concert -, pour la première fois elle aborde ouvertement l'inégalité raciale qui est très répandue à cette période aux États-Unis avec la chanson Mississippi Goddam, qui est sa réponse à l'assassinat de Medgar Evers et à un attentat dans une église à Birmingham en Alabama ayant tué quatre enfants noirs. La chanson paraît en single et est boycottée dans certains états du sud,. Avec la chanson Old Jim Crow sur le même album, elle réagit aux lois Jim Crow. En 1964, lors d'un concert au Carnegie Hall, devant un public majoritairement blanc, elle lance : " Vous tomberez tous comme des mouches " (paroles de Mississippi Goddam qu'elle édulcorera plus tard en " Nous tomberons tous ").

À partir de cet album, les enregistrements de Nina Simone intègrent un message pour les droits civiques, déjà présent dans ses interprétations en public. Elle joue et prend la parole lors de nombreuses grandes réunions publiques sur les droits civils, comme à la Marche de Selma à Montgomery en 1965. Nina Simone soutient la révolution par la violence durant la période pour les droits civiques, par opposition à l'approche de non-violence recommandée par le pasteur Martin Luther King et espère que les Afro-Américains pourront par la lutte armée former un État distinct. Elle interprète la chanson Strange Fruit de Billie Holiday sur l'album Pastel Blues en 1965, une chanson sur le lynchage d'hommes noirs dans le Sud et chante le poème Images de Waring Cuney sur Let It All Out (1966), à propos de l'absence de fierté de la femme afro-américaine. Simone écrit également une chanson nommée Four Women qu'elle chante sur l'album Wild Is the Wind (1966), une chanson sur quatre différents stéréotypes de femmes afro-américaines. Cette chanson est interdite sur de nombreuses radios car elle est considérée comme politiquement provocatrice.

Même à l'apogée de sa carrière, ses titres figurent rarement en haut des classements. Toutefois, ses concerts sont très remplis. En 1966, le critique du quotidien afro-américain Philadelphia Tribune écrit qu'entendre chanter Nina Simone c'est " entrer en contact rugueux avec le cœur noir et ressentir la puissance et la beauté qui palpitent depuis des siècles ".

En 1967, elle quitte Philips pour rejoindre RCA Victor. Elle chante Backlash Blues écrite par son ami Langston Hughes sur son premier album RCA, Nina Simone Sings the Blues (1967). Sur l'album (1967), elle enregistre le titre I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free composé par le pianiste Billy Taylor et Turning Point. L'album Nuff Said contient des chansons enregistrées le en public dans la salle de spectacle du Westbury Music Fair à New York, trois jours après l'assassinat de Martin Luther King. Elle lui dédie tout le spectacle et chante Why? (The King of Love Is Dead), une chanson écrite par son bassiste Eugene Taylor, peu après l'annonce de la mort du pasteur.

En collaboration avec le compositeur Weldon Irvine, elle transpose en chanson pour les droits civiques la pièce inachevée intitulée To Be Young, Gifted and Black de la dramaturge américaine Lorraine Hansberry, une amie avec qui elle reconnaît avoir développé sa conscience sociale et politique. Elle chante la chanson en public sur l'album Black Gold (1970). Un enregistrement studio paraît en single et la chanson est reprise par Aretha Franklin sur l'album Young, Gifted and Black sorti en 1972 avec Donny Hathaway,.

En 1969, à New York, au cours du Harlem Cultural Festival, le 17 août, elle lance au public : " Vous êtes prêts à démolir le monde blanc, à incendier les bâtiments ? Vous êtes prêts ? Vous êtes prêts à construire un monde noir ? " ( " Are you ready... " ),.

Considérée comme une diva capricieuse et ingérable, fâchée avec tout le monde, et le fisc américain en particulier, elle quitte les États-Unis en pour la Barbade ; elle compte sur son mari et manager Andrew Stroud pour lui indiquer quand elle devra reprendre la scène. Celui-ci interprète cependant cette disparition soudaine de Nina Simone (qui a laissé derrière elle son alliance) comme l'indication d'un désir de divorce (elle a noté qu'il la battait dans ses carnets et dans des lettres des années 1960 qui furent publiées en 2010 dans The Believer). En tant que manager, Andrew Stroud est aussi chargé des revenus de Nina Simone. De ce fait, après leur séparation, Nina Simone ne sait pas précisément de quelle façon ses activités ont été gérées. À son retour aux États-Unis, elle apprend qu'elle est recherchée pour des impôts impayés. Cela l'oblige à retourner à la Barbade pour se soustraire aux poursuites. Elle va séjourner quelque temps dans ce pays, y entretenant une longue liaison avec le premier ministre, Errol Barrow,. La chanteuse Miriam Makeba, une amie proche, la convainc ensuite d'aller au Liberia. Elle y demeure à partir de 1974 deux ans avec sa fille de 12 ans sans s'y produire ou presque. Ensuite, elle vit en Suisse et aux Pays-Bas, puis en 1992 s'installe en France.

Alors que la pop rock est à la mode, ce n'est plus le cas de la folk et du jazz. Par ailleurs, n'ayant plus son mari et manager avec elle, elle se trouve privée de cette aide, qui lui interdisait notamment de boire avant de monter en scène. Elle continue à pouvoir gagner sa vie avec ses prestations mais écrit plus tard à propos de cette période : " Andy était parti et le mouvement m'avait aussi laissé tomber, j'étais paumée comme une écolière séduite et abandonnée. ".

Au cours de l'année 1974, Simone enregistre son dernier album pour RCA Records intitulé It Is Finished, et n'enregistre pas d'autre album avant 1978, lorsque Creed Taylor, patron de CTI Records, la persuade de retourner en studio d'enregistrement. Il en résulte son unique album pour ce label, Baltimore, qui n'est pas un succès commercial et les critiques sont mitigées. Son choix sur le contenu des albums conserve son éclectisme, allant des chansons spirituelles à Rich Girl du duo pop américain Hall and Oates sur l'album Baltimore. En 1978 également, elle est arrêtée puis rapidement relâchée, pour avoir refusé de payer ses impôts de 1970 à 1973, en protestation contre l'engagement de son pays dans la guerre du Viêt Nam. Quatre ans plus tard, en , Simone enregistre, aux studios Davout l'album Fodder on My Wings pour le label français " Carrère ".

Nina Simone séjourne à Paris entre 1981 et 1983 : elle y donne quelques représentations à caractère " intime " dans des petites salles du Quartier Latin et de l'Île Saint-Louis ainsi qu'au Palais des Glaces (Rue du faubourg du Temple) mais le public n'y est pas au rendez-vous, à cause du manque d'une promotion adéquate. Sur scène, les soirs où elle accepte de chanter, elle est accompagnée par les trois musiciens avec lesquels elle vient d'enregistrer l'un de ses derniers grands albums originaux : Sydney Thiam (percussions africaines), Sylvain Marc (basse) et Paco Séry (batterie). Elle réside alors à la Villa Montsouris, en face du parc du même nom [réf. nécessaire].

En France, elle incendie sa maison et tire sur un adolescent qui faisait trop de bruit dans une cour adjacente, croyant répondre à des insultes racistes, et le blesse à la jambe. En 1986, elle est hospitalisée avec camisole de force. Victime du racisme pendant son enfance et de violences conjugales après son mariage, se rebellant contre les violences policières comme celle du Ku Klux Klan, elle reconnaît aimer la violence physique qui s'exprime lors de crises caractéristiques du trouble bipolaire qui l'a habitée toute sa vie et qui sera diagnostiqué sur le tard.

Au cours des années 1980, Simone a l'occasion de se produire régulièrement au célèbre club de jazz londonien Ronnie Scott's, où elle enregistre en 1984 l'album Live at Ronnie Scott. En 1987, la renaissance du label Verve lui permet d'enregistrer un album en public ( Let It Be Me) et de revenir sur le devant de la scène. De plus, la version originale du titre My Baby Just Cares for Me datant de 1958 est utilisée dans une publicité sortie au Royaume-Uni pour le parfum de Chanel. Cela conduit à sa réédition, la plaçant à la position dans le classement des singles au Royaume-Uni et lui offrant une brève et soudaine popularité.

L'autobiographie de Nina Simone intitulée I Put a Spell on You paraît en 1992 et elle enregistre son dernier album A Single Woman l'année suivante. La même année, elle offre une version de Ne me quitte pas de Jacques Brel au festival international de jazz de Montréal.

En 1993, Simone s'installe près d' Aix-en-Provence ( Bouc-Bel-Air) dans le sud de la France. En 1998, elle est l'invitée spéciale de l'anniversaire de Nelson Mandela. En 1999, elle est récompensée pour l'ensemble de sa carrière au music award à Dublin. Elle reçoit en 2000 le prix de Diamond Award for Excellence in Music de l'association de la musique afro-américaine de Philadelphie. Sa dernière apparition sur scène remonte à en France sur une scène du festival Jazz in Marciac (Gers) et en en Pologne.

En , dans un concert à Seattle, elle critique George W. Bush, poussant le public à " faire quelque chose contre ce type " alors qu'elle chante Mississippi Goddam. Elle ne revient plus aux États-Unis, qu'elle surnomme " United Snakes of America " (" snakes " signifiant " serpents ").

Elle n'apprécie guère le rap, estimant qu'il pousse les Noirs à reporter leur colère sur les femmes : " Il faisait croire aux gens que les femmes étaient des êtres de seconde zone, les traitait de salopes et des trucs comme ça. " En 1996, la rappeuse Lauryn Hill chante cependant à un homme :

" Pendant que tu te prendras pour Al Capone, je serai Nina Simone et je chierai sur ton micro. "

En 2013, Kanye West sample des phrases de Strange fruit de Nina Simone mais transforme la voix de la chanteuse au point de la rendre méconnaissable.

Après plusieurs mois de maladie, elle meurt le d'un cancer du sein, dont elle souffre depuis des années, à son tout nouveau domicile de Carry-le-Rouet dans les Bouches-du-Rhône (elle s'était installée à Bouc-Bel-Air auparavant, où elle vivait depuis huit ans). De nombreux artistes sont présents à ses funérailles dont les chanteuses Miriam Makeba et Patti LaBelle, la poétesse Sonia Sanchez, l'acteur Ossie Davis et des centaines d'autres. Ses cendres sont dispersées selon ses souhaits dans plusieurs pays africains.

Elle laisse derrière elle une fille, Lisa Celeste, devenue actrice et chanteuse, qui a pris comme nom de scène Simone et qui a notamment joué à Broadway dans Aida en 2002.

Au cours de sa carrière Simone réunit un ensemble de chansons dont certaines deviennent des standards de son répertoire (en dehors de celles pour les droits civiques). Ces chansons sont ses propres mélodies, des reprises (Simone y effectue généralement avec un nouvel arrangement) ou des chansons spécialement écrites pour Simone. Sa première chanson qui obtient un succès en Amérique est une reprise de George Gershwin I Loves You, Porgy en 1958. Elle atteint la position dans le classement pop de singles et la sur celui des singles R&B. À cette période elle enregistre aussi My Baby Just Cares for Me qui, des années plus tard, en 1987, devient son plus important succès à la suite de son utilisation dans un spot publicitaire pour un parfum Chanel.

Les chansons les plus connues de ses albums chez Philips comprennent notamment Don't Let Me Be Misunderstood sur Broadway-Blues-Ballads (1964), I Put a Spell on You, Ne me quitte pas (écrite et composée par Jacques Brel) et Feeling Good sur l'album I Put a Spell on You (1965), Lilac Wine et Wild Is the Wind sur l'album du même nom en 1966.

Certaines reprises, en particulier, comme Don't Let Me Be Misunderstood (la version du groupe The Animals obtient un grand succès), Feeling Good et sur Pastel Blues (1965) ainsi que l'utilisation d'extraits sur divers films, séries télévisées ou bandes sonores de jeux vidéo, eurent une grande popularité. C'est le cas notamment du titre Sinnerman intégré dans les séries télévisées , et , sur des films comme Thomas Crown, et Inland Empire, et utilisé en extraits par des artistes comme Talib Kweli et Timbaland. La chanson Don't Let Me Be Misunderstood est utilisée en extrait par Devo Springsteen sur le titre Misunderstood du rappeur américain Common en 2007 sur l'album Finding Forever et sur la chanson DontGetIt avec l'album Tha Carter III paru en 2008 du rappeur Lil Wayne.

La période de Simone chez RCA-Victor a produit plusieurs singles et chansons d'albums devenus populaires, notamment en Europe. En 1968, c'est le cas du titre Ain't Got No, I Got Life, un medley de la comédie musicale issu de l'album 'Nuff Said! paru en 1968 qui devient un succès inattendu pour Simone, atteignant la deuxième position des classements au Royaume-Uni, permettant de la faire connaître à un public plus jeune. Le titre se reclasse à nouveau en 2006 dans le Top 30 britannique grâce à une version remixée par Groovefinder. Le single To Love Somebody des Bee Gees sur l'album de Simone du même nom a également atteint le top 10 du classement britannique en 1969. Le morceau The House of the Rising Sun présent sur l'album Nina Simone Sings the Blues en 1967 et déjà enregistré précédemment en 1961 sur Nina at the Village Gate (1962), précède les versions de Dave Van Ronk et de Bob Dylan. Le titre est par la suite repris par The Animals et est devenu leur grand tube en 1964.

L'héritage de Nina Simone a été ignoré pendant plusieurs décennies, Will Friedwald la citant brièvement dans son ouvrage majeur Jazz Singing (1990) en écrivant qu'elle est " rébarbative et peu communicative " et fait l'objet d'un culte " que seuls ses fidèles comprennent ". Il est depuis revenu sur ses propos en 2010 dans A biographical guide to the great jazz and pop singers, lui consacrant un article et lui attribuant le rôle " le plus important " sur son influence sur le jazz au siècle. Des livres comme How it feels to be free ? de Ruth Feldstein et Nina Simone de Richard Elliott ont également participé de cette revalorisation, tout comme Barack Obama, alors candidat à l'élection présidentielle en 2008 qui cita parmi ses dix titres préférés.

Nina Simone est à la fois une pianiste, une chanteuse et une interprète, " séparément et simultanément ". Sur scène, elle passe du gospel au blues, du jazz au folk, de chansons de style classique européen à des fugues de type contrapuntiques à la manière de Jean-Sébastien Bach. Ses prestations intègrent aussi des monologues et des dialogues avec le public, et elle utilise souvent le silence comme élément musical. Nina Simone le compare à " l'hypnose de masse. Je l'utilise tout le temps ". Pendant la plus grande partie de sa carrière musicale, elle était accompagnée du percussionniste Leopoldo Fleming et du guitariste et chef d'orchestre Al Schackman.

Héritage et influence

De nombreux musiciens ont cité Nina Simone comme un apport important dans leur apprentissage musical. Notamment,,, :

John Lennon a indiqué que la version de Nina Simone de la chanson I Put a Spell on You a été une source d'inspiration pour la chanson des Beatles. D'autres musiciens ont repris ou réinterprété ses chansons ; c'est le cas du groupe new-yorkais Black Rock Coalition, de la chanteuse finlandaise Carola, de Janis Joplin, Marilyn Manson, David Bowie, Roberta Flack, Jeff Buckley, Muse (ils reprennent notamment Feeling Good sur leur second album), Cat Power, Katie Melua, Feist, Ed Sheeran, Michael Bublé, Lana Del Rey ou encore Sonia Wieder-Atherton.

Plusieurs films, séries et jeux vidéo intègrent des compositions de Nina Simone dans leur bande sonore ; c'est le cas notamment de :

Le documentaire Nina Simone: La Légende est réalisé dans les années 1990 par le cinéaste français Frank Lords ; il se base sur l'autobiographie I Put a Spell on You et reproduit plusieurs séquences issues de différentes périodes de la carrière de la chanteuse, des entretiens avec des amis et avec sa famille, et avec Nina Simone elle-même lors de son installation aux Pays-Bas ainsi qu'au cours d'un voyage sur son lieu de naissance. Certaines scènes du documentaire proviennent d'un document biographique de 26 minutes réalisé antérieurement par Peter Rodis et paru en 1969, intitulé simplement Nina.

Sa représentation au Montreux Jazz Festival en 1976 est disponible en vidéo chez le distributeur Eagle Rock Entertainment et est projeté chaque année à New York lors d'un événement appelé The Rise and Fall of Nina Simone: Montreux, 1976 organisée par Tom Blunt.

Un projet de film biographique sur Nina Simone est annoncé fin 2005 comme devant être basé sur l'autobiographie I Put a Spell on You (1992), relatant en particulier sa relation, à la fin de sa vie, avec son assistant Clifton Henderson, décédé en 2006. L'auteur Cynthia Mort (Will et Grace, ) travaille sur le scénario et réalise le film. Zoe Saldana - dont le choix a été chaudement critiqué par cause du type racial plutôt métisse de la comédienne d'origine dominicaine - aura le rôle-titre du long métrage, intitulé , dont la production débute le . Le film est sorti en aux États-Unis.

En 2015 sort What Happened, Miss Simone?, un documentaire de Liz Garbus retraçant la carrière et l'engagement politique pour les droits civiques de la chanteuse. Il est nommé à 6 Primetime Emmy Awards.

2020 : Le Silence et la Peur de David Geselson (écriture et mise en scène)

Lors du rassemblement Human Kindness Day en 1974 à Washington DC, plus de 10 000 personnes ont rendu hommage à Nina Simone,. Elle reçoit deux titres honorifiques de docteur honoris causa en musique et en sciences humaines de l' Université du Massachusetts et du Malcolm X College. À la suite de l'attribution de ces honneurs et d'un titre de l'université privée de Amherst College en 1977, elle a souhaité être appelée " Nina Simone ",.

En 2017, rendant hommage à sa carrière et à son engagement, les élèves conservateurs des bibliothèques ( ENSSIB) ont choisi Nina Simone comme nom de promotion. Son nom est choisi pour la promotion 2017-2018 des élèves administrateurs territoriaux de l' Institut national des études territoriales. De la même manière, la promotion qui sortira diplômée en 2021 de Sciences Po Lille a voté en 2017 de se baptiser la promotion Nina Simone. Ils rendent ainsi hommage à une figure majeure de la scène musicale contemporaine et honorent son engagement pour les droits civiques des Noirs aux États-Unis.

En 2018, elle entre officiellement au Rock and Roll Hall of Fame.

Une rue de Nantes et une à Montpellier portent également son nom.

Le , en marge du concert donné par sa fille Lisa Simone au théâtre de Longjumeau, dans le cadre du Festival de jazz, une allée Nina-Simone a été inaugurée en présence de sa fille et de sa petite-fille Rihanna. Cette allée mène à l'auditorium du théâtre .

Entre son premier succès avec I Loves You, Porgy paru en 1958 sur son premier album et son dernier enregistrement studio A Single Woman en 1993, Nina Simone a enregistré 34 albums originaux, plus quelques albums en public publiés par son mari Andrew Stroud après leur séparation. Elle a très régulièrement été enregistrée en public, ses interprétations étant souvent comparables à celles réalisées en studio.

Les principaux albums de Nina Simone,,.

Enregistrement

Nom de l'album

Notes

1958

Little Girl Blue

Album studio, paru en Europe avec le titre Jazz As Played in an Exclusive Side Street Club.

1962

Nina at the Village Gate

Album en public, plus intime, incluant une version de House of the Rising Sun.

1964/1965

Album studio enregistré entre 1964 et 1965 produit par Philips.

Notes et références

Sur les autres projets Wikimedia :

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Surnom Nina Nom de naissance Eunice Kathleen Waymon Naissance Tryon, ( Caroline du Nord), États-Unis Décès (à 70 ans) Carry-le-Rouet, ( Bouches-du-Rhône) France Activité principale Pianiste Chanteuse Compositrice Arrangeuse musicale Genre musical Jazz, blues, soul, R&B, folk, gospel Instruments Voix, piano Années actives 1954- 2003 Labels Bethlehem, Philips, Colpix, RCA, CTI, Legacy Recordings Site officiel www.ninasimone.com/ Née dans une famille protestante pratiquante, la jeune Eunice est très attirée par la musique classique, mais la pauvreté et les préjugés ethniques ont raison de ses ambitions.

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Starndard de Jazz

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Un standard de jazz est une composition musicale qui revêt une importance particulière dans le jazz. Les thèmes musicaux, souvent à la base d' arrangements ou d' improvisations sont très souvent joués, repris, réarrangés, détournés, en particulier lors de jam sessions.

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What a wonderfull World

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What a Wonderful World (de l' anglais signifiant " Quel monde merveilleux ") est une chanson de Bob Thiele, sous le nom George Douglas, et George David Weiss , enregistrée pour la première fois par Louis Armstrong et sortie sous forme de single au début de l'automne 1967. Elle a fait l'objet de nombreuses reprises.

Dans les paroles, le narrateur décrit à la première personne les différentes choses de la vie quotidienne qu'il voit, et considère comme belles (les arbres et les roses, le ciel, la lumière du jour et la noirceur de la nuit, les couleurs de l' arc-en-ciel, les bébés qui grandissent et représentent l' avenir) avant de conclure avec optimisme, dans un refrain qui donne son titre à la chanson : " and I think to myself, what a wonderful world " (" et je me dis au fond de moi, quel monde merveilleux ").

En 1993, Israel Kamakawiwoʻole en a réalisé un medley avec Over the Rainbow : Over the Rainbow / What a Wonderful World. La reprise " punk " de Joey Ramone a été utilisée pour des publicités en France, et figure dans la bande originale de la comédie française Moi, Michel G., milliardaire, maître du monde ainsi que dans celle de Astérix et Obélix : Au service de Sa Majesté.

Cette chanson fut un succès au printemps 1968 ( 1 au hit-parade de la BBC) puis popularisée à nouveau vingt ans plus tard par le film Good Morning, Vietnam.

Cette chanson fait partie de la Liste des chansons jugées inappropriées par Clear Channel Communications à la suite des attentats du 11 septembre 2001.

Utilisations de la chanson

Notes et références

Liens externes

Ressources relatives à la musique :

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What a Wonderful World (de l' anglais signifiant " Quel monde merveilleux ") est une chanson de Bob Thiele, sous le nom George Douglas, et George David Weiss , enregistrée pour la première fois par Louis Armstrong et sortie sous forme de single au début de l'automne 1967.

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Chant de rentrée : "This little light of mine" (gospel) - version différente de celle chantée en classe, un gospel étant de tradition orale

Histoire du Jazz 1 - De l'esclavage au negro-spiritual

Oeuvre de référence : " Rag mop " (1950) Interprète : Lionel HAMPTON et son orchestre

(chant de travail des esclaves) (chant de lamentation) (début du "Jazz")

" Lullaby of Birdland ", standard de Jazz interprété par Sarah Vaughan (1954)

Vous trouverez tous les documents distribués en cours, ci-dessous en format .pdf

(1 séance = 1 heure de cours)

1ère séance : (du lundi 7/09 au 11/09/2015) - devoirs pour la semaine du 14/09

* Préparer la page de garde : Séquence 1

* Faire la biographie de Lionel Hampton

* Chant: Let it shine STROPHE 1 à retenir

2ème séance : (du lundi 14/09 au 18/09/2015) - devoirs pour la semaine du 21/09

* Apprendre la leçon PAGE 1 du cours

* Complétez la biographie de Lionel Hampton à l'aide de votre travail biographique.

* Classe inversée: allez sur le site musikaflau et découvrez une petite histoire du jazz (début) en faisant le questionnaire n°1

* Chant: Let it shine en entier à retenir

3ème séance : (du lundi 21/09 au 25/09/2015) - devoirs pour la semaine du 28/09

* Revoir la leçon séquence 1 / PAGE 1 en allant écouter/regarder les vidéos sur le site

* Chant : Revoir en entier Let it shine avec la partition

4ème séance : (du lundi 28/09 au 02/10/2015) - devoirs pour la semaine du 05/10

* Apprendre la leçon séquence 1/ PAGES 1 et 2 du cours en allant écouter/regarder les vidéos

* Chant : Revoir Let it shine pour l'évaluation orale

Et essayer de chanter Rag mop en suivant la partition diistribuée / mp3 sur le site.

5ème séance : (du lundi 05/10 au 09/10/2015) - devoirs pour la semaine du 12/10

* Faire le questionnaire n°2

* Revoir toute la leçon séquence 1 PAGES 1- 2 - 3 - 4 (+lexique par cœur) :

* Compléter la fiche de compétences pour préparer le contrôle

* Apprendre Rag Mop

6ème séance : (du lundi 12/10 au 16/10/2015) - devoirs pour la semaine du 02/11

* Vérifier la bonne tenue du classeur.

Décorer la page de SEQUENCE 1 avec des images liées au cours et faire des recherches complémentaires personnelles.

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Chant de rentrée : "This little light of mine" (gospel) - version différente de celle chantée en classe, un gospel étant de tradition orale Histoire du Jazz 1 - De l'esclavage au negro-spiritual Oeuvre de référence : " Rag mop " (1950) Interprète : Lionel HAMPTON et son orchestre (chant

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Après avoir vu la vidéo de la capsule pédagogique sur le jazz, vérifie si tu as bien retenu les notions. 
Attention, parfois plusieurs bonnes réponses sont possibles!
 Si tu n'as pas tout réussi, retourne voir la vidéo plusieurs fois.

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Réponds aux différentes questions, parfois plusieurs réponses sont possibles.

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La Princesse et la Grenouille - Extrait : Louis joue du jazz | Disney

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Tout le monde veut devenir un cat - Les Aristochats

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La La Land 2017 - Sebastian explains Jazz to Mia

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Même plusieurs décennues après sa mort, Django Reinhardt fascine toujours autant. À tel point que le réalisateur Étienne Comar s'est inspiré du virtuose au destin tumultueux pour réaliser " Django ", un film qui met la culture jazz à l'honneur. " Vanity Fair " est revenu sur ces rois du swing qui ont conquis le grand écran.

Publié le MARDI, 25 AVRIL 2017

par Chloé Friedmann

Le chanteur de jazz, d'Alan Crosland (1927)

Sur le devant de la scène : Jakie Rabinowitz, vedette de jazz et personnage fictif. Répudié par son père qui le rêvait chantre de synagogue, il quitte le foyer familial et poursuit ses rêves de gloire. Il adopte ainsi les traits d'un blackface - comédien incarnant une caricature stéréotypée de personne noire - et devient le célèbre jazzman Jack Robin sous la tutelle de Mary Dale, une vedette de Broadway.

Pourquoi ça swingue : Le chanteur de jazz est le premier film musical de l'histoire du cinéma. À l'heure où les films parlants sonnent le glas du cinéma muet, l'acteur Al Jolson y entonne cinq chansons jazzy agrémentées de son swing impeccable. Une success story rythmée, qui trouvera son équilibre dans son dénouement tragique et mystique.

Caution jazz : Al Jolson et son interprétation enjouée d'" Ain't heard nothing yet ".

Certains l'aiment chaud, de Billy Wilder (1959)

Sur le devant de la scène : Sugar Kane ( Marilyn Monroe), Joe ( Tony Curtis) et Jerry ( Jack Lemmon). Ces derniers interprètent deux musiciens de jazz mêlés à une sombre affaire de gangsters. Au cours de leur fuite, ils intègrent incognito un orchestre féminin et tombent sous le charme de la sulfureuse Sugar Kane.

Pourquoi ça swingue : Entré au Panthéon de la comédie, Certains l'aiment chaud remporte tous les suffrages lors de sa sortie, y compris celui de l'American Film Institute, qui le couronna " film américain le plus drôle du XXe siècle. " La très sensuelle Marilyn Monroe y incarne Sugar Kane, une musicienne lassée de ses relations tumultueuses avec divers saxophonistes... et dont les diamants sont les " meilleurs amis ". Un rôle qui n'est pas sans rappeler celui d' Holly Gollightly, qu'interprétera une certaine Audrey Hepburn dans Diamants sur Canapé... près de trois ans plus tard.

Caution jazz : Le joyeux capharnaüm causé par cet orchestre (presque) exclusivement féminin (et permanenté), libre et déjanté. Lancée sur la route, la petite bande s'offrira même un concert improvisé au beau milieu d'un wagon. Inclassable.

Ray, de Taylor Hackford (2004)

Sur le devant de la scène : Ray Charles (Jamie Foxx). L'histoire portée à l'écran du mythique Ray Charles, maître incontesté du jazz durant 50 ans, qui dut lutter contre sa cécité et affronter ses drames personnels.

Pourquoi ça swingue : Ce biopic sur le musicien légendaire raconte les prémices d'une carrière hors norme, qui donna naissance à certains des plus grands classiques de l'histoire du jazz. Cependant, Ray relate avant tout les combats de Ray Charles, entre infidélités, cécité et culpabilité familiale.L'interprétation de Jamie Foxx lui vaudra de remporter l'oscar et le Golden Globe du meilleur acteur en 2005.

Caution jazz : De Gloria On my mind à Hit the road Jack, en passant par Unchain my heart, les succès les plus retentissants de Ray Charles viennent émailler le long-métrage musical signé Taylor Hackford.

Whiplash, de Damien Chazelle (2013)

Sur le devant de la scène : Andrew Neyman ( Miles Teller) et Terence Fletcher ( J.K. Simmons). Un jeune batteur de 19 ans rêve d'intégrer le fleuron des orchestres dirigés par le tyrannique professeur Terence Fletcher, et s'entraîne sans relâche au sein du conservatoire de Manhattan.

Pourquoi ça swingue : D'une intensité sans pareille, Whiplash fait grimper la tension à mesure que s'affrontent ses personnages, pris dans l'étau d'une relation perverse et destructrice. L'ambition d'Andrew n'a d'égale que la férocité de son professeur. Tous deux sont de véritables écorchés vifs, égarés dans leur quête obsessionnelle d'excellence. À la clé de ce long-métrage sous haute tension, trois oscar et une pluie de critiques dithyrambiques.

Caution jazz : Les entraînements à la batterie d'Andrew, qui sue (littéralement) sang et eau jusqu'à obtenir le tempo parfait.

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Publié le MARDI, 25 AVRIL 2017 par Chloé Friedmann Lire la suite CET ARTICLE VOUS A PLU? INSCRIVEZ-VOUS À NOTRE NEWLETTER POUR RECEVOIR CHAQUE SOIR LE MEILLEUR DE Je m'inscris

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Mise en ligne le 10 mai 2018

Niveau : 1ère option musique

Discipline : Education musicale

Durant un voyage scolaire à New York et tandis qu'ils étaient logés chez l'habitant dans une famille de musiciens, les élèves, guidés par la curiosité, ont pénétré dans un studio de musique et ont découvert un coffre-fort en bois scellé par un cadenas. Que contient-il donc ? Le temps qu'ils comprennent ce qu'il se passe, la porte se referme sur eux : les voici piégés dans cette pièce et pour en sortir, ils n'ont que deux heures. C'est donc une série d'énigmes qu'ils devront résoudre afin de ressortir et ouvrir le coffre.

Munis de leurs feuilles de route, c'est sur un Genially que la quête va débuter. Après avoir trouvé le premier code, ils vont arriver au "Birdland Club" et faire connaissance de Lullaby, la patronne. Après avoir joué une gamme, entré un autre code sur le téléphone, le décor change. Il faudra suivre le guide et regarder une capsule pour répondre à un quiz sous learning apps.

La quête se poursuit tantôt en visionnant des capsules, tantôt en remettant dans l'ordre des vidéos sur l'histoire du jazz. On apprend autant que l'on joue dans ce jeu, le temps est compté, mais on prend tellement de plaisir que l'on se laisser porter.

Ce jeu d'évasion est une véritable merveille : plusieurs aspects en font un beau jeu d'une grande richesse pédagogique. Tout d'abord, il y a tout du point de vue des codes des jeux d'évasion (la mission, la fouille, les énigmes à résoudre et les codes à débloquer) et les tableaux qui ont pour but d'immerger les élèves dans l'univers du jazz et les motiver sont superbes et variés. En d'autres termes, aucune place pour l'ennui. Enfin, et c'est vraiment ici où réside toute la force de ce jeu d'évasion, c'est que l'on découvre vraiment l'univers du jazz, aussi bien historiquement parlant que du point de vue des caractértistiques musicales de ce style. Grâce à la feuille de route que Fabienne Miqueu, professeure d'éducation musicale et auteure du jeu, a préparée pour ses élèves, ce jeu donnera lieu à une restitution et à un approfondissement des notions abordées en classe à la séance suivante et méritera bien son nom de "jeu sérieux".

Une très belle réalisation pour un premier jeu d'évasion qui allie pôle ludique et pôle pédagogique. Bravo à l'auteure, nous en redemandons !

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Mise en ligne le 10 mai 2018 Niveau : 1ère option musique Discipline : Education musicale Durant un voyage scolaire à New York et tandis qu'ils étaient logés chez l'habitant dans une famille de musiciens, les élèves, guidés par la curiosité, ont pénétré dans un studio de musique et ont découvert un coffre-fort en bois scellé par un cadenas.

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HIST. 1 Révisions en vidéos by moysan.charlotte on Genially

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1914 1916 1917 1918 1919 début de la guerre Révisionsen vidéos L'eNFER DE VERDUN LES Révolutions russes UN LONG DIMANCHE DE FIANçailles ARMISTICE DU 11 NOVEMBRE 1918 TRaité de versailles Les temps forts de la Première guerre mondiale sont expliqués dans cette vidéo avec l'attentat de Sarajevo et l'engrenage des alliances.

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ESSAYE DE NE PAS CHANTER ! (Version Disney)

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La Princesse et la Grenouille - Au bout du rêve I Disney

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Téléchargé gratuitement sur http://pepiolealecole.eklablog.com

un jour, une musique

Rituel musique

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8 classes musicales selon le principe de classement des documents musicaux (PCDM)

Utilisé dans les bibliothèques musicales françaises. Classe 0 = Généralités, Sciences et techniques musicales Classe 1 = Musiques d'influences afro-américaines Classe 2 = Rock et variétés internationales apparentées Classe 3 = Musique classique Classe 4 = Musiques électroniques Classe 5 = Musiques fonctionnelles, Divers Classe 6 =Musique et cinéma Classe 7 = Classe de décantation, inclassables Classe 8 = Classe d'usage national ou local Classe 9 = Musiques du monde

Rituel musique

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11

Musiques du monde

Chanson francophone

Musique et cinéma

Musiques fonctionnelles

Qu'allons nous écouter?

Musiques électroniques

Musique savante, dite "classique"

Rock et variétés internationales

Musiques d'influences afro-américaines

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Musique d'influence afro-américaine

Classe 1

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Bonus

Reggae

Jazz

R'n'B

Gospel

Rap

Hip Hop

Blues

Classe 1 - Musiques d'influences afro-américaines

Classe 1

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Blues

Le blues est un genre musical, vocal et instrumental dérivé des chants de travail des populations afro-américaines subissant la ségrégation raciale aux États-Unis. Le blues est apparu dans le sud des États-Unis au cours du XIXe siècle. C'est un style où le chanteur exprime son amour et ses envies.

Classe 1

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Classe 6

Classe 1

Playlist Blues

Classe 1

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Hip Hop

Le hip-hop est un genre musical de musique populaire caractérisé par un rythme accompagné par son expression musicale le rap2 et de la culture artistique l'entourant créé à New York dans le South Bronx au début des années 1970.

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Classe 1

Playlist Hip Hop

Classe 1

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Gospel

Le gospel est un genre de musique chrétienne. Il s'est développé en même temps que le blues primitif. Les artistes modernes de gospel ont aussi intégré des éléments de musique soul. L'origine de ce style provient des afro-américains chrétiens évangéliques, suivant les negro spirituals.

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Classe 1

Playlist Gospel

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Jazz

Le jazz est un genre musical originaire du Sud des États-Unis, créé à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle au sein des communautés afro-américaines. Avec plus de 100 ans d'existence, il recouvre de nombreux sous-genres marqués par un héritage de la musique euro-américaine et afro-américaine, et conçus pour être joués en public

Classe 1

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Classe 1

Playlist Jazz

Classe 1

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R'n'B

Le RnB contemporain (R'n'B, R&B ou RnB1) est un genre musical qui mélange des éléments de rhythm and blues, dont il est principalement issu, de hip-hop, de soul, de pop et de funk. Lancé durant les années 1980 aux États-Unis, il prend de l'ampleur pendant les années 1990 jusqu'à devenir prédominant lors des années 2000.

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Classe 1

Playlist R'n'B

Classe 1

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Rap

Le rap est un mouvement culturel et musical (musique populaire) qui tire ses origines du hip-hop. Apparu au début des années 1970 dans les ghettos américains, le rap se caractérise par une diction très rythmée et l'usage de la rime

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Classe 1

Playlist Rap

Classe 1

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Reggae

Le reggae est un genre musical issu du ska et du rocksteady qui a émergé à la fin des années 1960 en Jamaïque. Le nom de cette musique est issu du titre d'une chanson de Toots and the Maytals intitulée Do the Reggay (1967). Le reggae devient mondialement connu dans les années 1970, dans le sillage du succès de Bob Marley et s'impose comme un style musical porteur d'une culture qui lui est propre

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Classe 1

Playlist Reggae

Classe 1

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Bonus

Musiques d'influences afro-américaines bonus

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Classe 1

Playlist Bonus

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Rock et variétés internationales

classe 2

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Pop

Pop Rock

Folk

New wave

Punk

Métal

Pop française

Rock

Classe 2

Classe 2 - Rock et variétés internationales

Classe 2

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Rock

Le rock est un genre musical apparu dans les années 1950 aux États-Unis et qui s'est développé en différents sous-genres à partir des années 1960, notamment aux États-Unis et au Royaume-Uni1. Il prend ses racines dans le rock 'n' roll des années 1940 et 1950, lui-même grandement influencé par le rhythm and blues et la country

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Classe 2

Playlist Rock

Classe 2

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Pop

La musique pop est un genre musical apparu dans les années 1960 au Royaume-Uni et aux États-Unis. Les chansons pop parlent en général de l'amour ou des relations amoureuses. Cette musique met l'accent sur la chanson individuelle plutôt que sur l'album, et utilise essentiellement des morceaux courts avec des rythmes associés à la danse. La musique pop fut beaucoup influencée par les technologies, comme l'enregistrement à pistes multiples (vers la fin des années 1960), et le synthétiseur (durant les années 1970 et 1980).

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Classe 2

Playlist Pop

Classe 2

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Pop française

La pop française est un genre de musique pop chanté en français. Des chanteurs originaires de France, du Canada, de Belgique, de Suisse, ou autres régions/pays francophones, contribuent particulièrement au genre. Le genre cible principalement un public francophone, dans un marché considérablement restreint mais largement indépendant du marché anglophone

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Classe 2

Playlist Pop française

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Pop Rock

Le pop rock est un genre musical mêlant le style pop et ses paroles légères à des chansons rock typiquement basées sur la guitare. Les contempteurs du pop rock considèrent souvent le genre comme une version plus commerciale et moins authentique du rock Il est plus doux et plus accessible que le rock 'n' roll. Les instruments utilisés sont le plus souvent la guitare électrique, la basse, la batterie, le clavier, le synthétiseur.

Classe 2

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Classe 2

Playlist Pop Rock

Folk

La musique folk regroupe une variété de genres musicaux ayant émergé au début du XXe siècle, associés à la musique traditionnelle. D'origine américaine, le terme " folk " désigne la musique populaire traditionnelle. Au milieu du XXe siècle, la musique folk traditionnelle évolue vers une forme plus populaire. Ce procédé atteint son pic de popularité dans les années 1960. Cette nouvelle forme de musique est appelée " musique folk contemporaine " ou " folk revival music " en anglais. Ce type de folk implique également des genres fusion comme le folk rock, l'electric folk, et autres.

Classe 2

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Classe 2

Playlist Folk

Métal

Le heavy metal (ou simplement metal) est un genre musical dérivé du rock apparu au Royaume-Uni et aux États-Unis à la fin des années 1960. Le metal puise son inspiration, entre 1969 et 19747, dans des groupes tels que Black Sabbath, Deep Purple et Led Zeppelin, qui, en combinant blues et rock, ainsi que diverses influences plus subtilement distillées (tradition classique, musiques orientales...) ont créé un hybride aux sonorités lourdes et épaisses, centré sur les impulsions de la batterie et de la guitare à la distorsion très amplifiée.

Classe 2

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Classe 2

Playlist Métal

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Punk

Le punk rock se développe surtout entre 1974 et 1976 aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Australie. Des groupes comme les Ramones, les Sex Pistols, et The Saints en sont les pionniers. Les groupes de punk rock créent une musique rapide et rude, servie par des chansons de courte durée, une instrumentation simplifiée et des paroles souvent chargées de messages politiques ou nihilistes. Le mouvement punk exprime une rébellion jeune, une variété d'idéologies anti-autoritaires et une attitude do it yourself (" Faites-le vous-même ").

Classe 2

Classe 2

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Playlist Punk

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New Wave

La new wave - littéralement " nouvelle vague " -, qui tire son nom de la Nouvelle Vague du cinéma français des années 195018, est un genre musical regroupant plusieurs styles de musiques pop/rock apparues de la fin des années 1970 au milieu des années 1980, aux sonorités électroniques et punk rock.

Classe 2

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Classe 2

Playlist New Wave

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Musique classique

Classe 3

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Musique Classique

La musique classique désigne, pour le grand public, l'ensemble de la musique occidentale savante d'origine liturgique et séculière, par opposition à la musique populaire, depuis la musique médiévale à nos jours. On suggère que l'expansion de l'industrie musicale de la seconde moitié de XXe siècle est à l'origine du changement de terminologie : l'adjectif " classique " remplace l'adjectif " savante " utilisé auparavant, afin de rompre avec la perception des pratiques liées à ce genre musical

Classe 3

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Musique classique11/12

Musique classique12/12

Musique classique10/12

Musique classique9/12

Musique classique8/12

Musique classique7/12

Musique classique6/12

Musique classique5/12

Musique classique1/12

Musique classique2/12

Musique classique3/12

Musique classique4/12

Classe 3

Classe 3 - Musique savante, dite classique

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Classe 3

Playlist Musique Classique 1/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 2/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 3/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 4/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 5/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 6/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 7/12

Classe 3

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Classe 3

Playlist Musique Classique 8/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 9/12

Classe 3

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Playlist Musique Classique 10/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 11/12

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Classe 3

Playlist Musique Classique 12/12

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Musiques électroniques

classe 4

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Electrominimale

Electroacoustique

Trip Hop

Post Rock

Dub

Musique électronique

Classe 4 - Musiques électroniques

Classe 4

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Musique Electronique

La musique électronique est un type de musique conçu dans les années 1950 avec des générateurs de signaux et de sons synthétiques. Avant de pouvoir être utilisée en temps réel, elle a été enregistrée sur bande magnétique, ce qui permettait aux compositeurs de manier aisément les sons, par exemple dans l'utilisation de boucles répétitives superposées. Ses précurseurs ont pu bénéficier de studios spécialement équipés ou faisaient partie d'institutions musicales préexistantes.

Classe 4

Classe 4

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Playlist Musique Electronique 1/2

Classe 4

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Playlist Musique Electronique 2/2

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Trip Hop

Le trip-hop est un genre musical ayant émergé au début des années 1990, dans la région de Bristol. Dérivé de la " post "-acid house3, le terme est utilisé par la presse spécialisée britannique et les médias pour décrire une variante plus expérimentale du breakbeat inspirée de la soul, du funk et du jazz

Classe 4

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Classe 4

Playlist Trip Hop

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Dub

Le dub est un genre musical1 issu du reggae jamaïcain, un remixage réalisé en temps réel à partir de bandes magnétiques par des ingénieurs du son2. Il est, à l'origine, un remixage radical qui met en avant le couple rythmique basse et batterie et des effets de son. Inventé, développé et perfectionné par l'ingénieur du son jamaïcain King Tubby, il connaît son âge d'or dans les années 1970.

Classe 4

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Classe 4

Playlist Dub

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Classe 4

Playlist Electro-acoustique

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Post Rock

Le post-rock est un sous-genre musical du rock à tendance expérimentale et qui intègre des caractéristiques inspirées du rock alternatif, de l'art rock et de la musique électronique

Classe 4

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Classe 4

Playlist Post Rock

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Electro-minimale / Deep house

La deep house est un sous-genre musical de la house ayant émergé dans les années 1980 à Chicago et New York aux États-Unis. Ce genre mêle initialement des éléments de Chicago house au jazz-funk des années 1990, avec quelques touches de soul. La longueur des chansons varie habituellement entre 7 et 10 minutes, et le tempo oscille entre 120 et 130 BPM. Ce style de musique house est parfois acoustique

Classe 4

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Classe 4

Playlist Electro-minimale

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Musiques fonctionnelles

classe 5

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Dans les reportages

Dans les jeux vidéos

Danses de salon

Dans les publicités

Comédies musicales

Classe 5 - Musiques fonctionnelles

Classe 5

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Comédies musicales

La comédie musicale est un genre théâtral, mêlant comédie, chant, danse et les claquettes. Apparue au tout début du XXe siècle, elle se situe dans la lignée du mariage du théâtre et de la musique classique qui avait donné naissance aux siècles précédents au ballet, à l'opéra, à l'opéra-bouffe et à l'opérette. Elle s'est particulièrement développée aux États-Unis, se dissociant à partir des années 1910 du genre classique par l'intégration de musiques " nouvelles " comme le jazz. De fait, le terme évoque de nos jours principalement les États-Unis et plus spécialement Broadway.

Classe 5

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Classe 5

Playlist Comédies Musicales 1/2

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Classe 5

Playlist Comédies Musicales 2/2

Classe 5

Le reportage est un genre journalistique sous forme de récit, qui privilégie le témoignage direct.

Musiques dans les reportages

Classe 5

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Le reportage est un genre journalistique sous forme de récit, qui privilégie le témoignage direct.

Musiques dans les reportages

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Classe 5

Playlist Musiques dans les reportages

Classe 5

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La publicité est une forme de communication de masse, dont le but est de fixer l'attention d'une cible visée (consommateur, utilisateur, usager, électeur, etc.) afin de l'inciter à adopter un comportement souhaité : achat d'un produit, élection d'une personnalité politique, incitation à l'économie d'énergie, etc..

Musiques dans les publicités

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Classe 5

Playlist Musiques dans les publicités

Classe 5

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Un jeu vidéo est un jeu électronique doté d'une interface utilisateur permettant une interaction humaine ludique en générant un retour visuel sur un dispositif vidéo. Le joueur de jeu vidéo dispose de périphériques pour agir sur le jeu et percevoir les conséquences de ses actes sur un environnement virtuel.

Musiques dans les jeux vidéos

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Classe 5

Playlist Musiques dans les jeux vidéos

Classe 5

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Le terme danses de salon est le terme utilisé, après 1950, pour différencier les danses existantes du rock'n'roll naissant. Ce sont les danses pratiquées dans les salons, bals, soirées, guinguettes et thés dansants. Elles se regroupaient à l'époque sous deux appellations : " danses anciennes et classiques " et " danses modernes ". Elles font également l'objet de nombreux concours souvent professionnels, particulièrement pour la variante très compétitive de la danse sportive

Danses de salon

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Classe 5

Playlist Danses de salon

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Musiques et cinéma

classe 6

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Générique

Cinéma5/5

Cinéma4/5

Cinéma3/5

Cinéma2/5

Cinéma1/5

Classe 6 - Musique et cinéma

Classe 6

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Classe 6

Playlist Musique et cinéma 1/5

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Classe 6

Classe 6

Playlist Musique et cinéma 2/5

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Classe 6

Playlist Musique et cinéma 3/5

Classe 6

Playlist Musique et cinéma 4/5

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Classe 6

Playlist Musique et cinéma 5/5

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Classe 6

Playlist Musique et génériques

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Chanson francophone

Classe 8

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Chanson francophone

Classe 8 - Chanson francophone

Classe 8

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Classe 8

La chanson française désigne un ensemble de genres de compositions musicales en langue française dont les plus anciennes datent de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance. La période de la première moitié du XXe siècle marque la naissance du genre, qui sera influencé par le jazz, le rock et la pop. Après avoir été diffusée dans des lieux dédiés, les progrès techniques (fabrication et diffusion du disque , usage du micro, médiatisation) permettent de populariser à grande échelle les chansons et leurs interprètes.

Chanson francophone

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 1/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 2/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 3/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 4/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 5/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 6/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 7/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 8/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 9/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 10/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 11/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 12/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 13/14

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Classe 8

Playlist Chanson francophone 14/14

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Musiques du monde

Classe 9

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Musique du monde

Classe 9 - Musiques du monde

Classe 9

Classe 9

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L'expression musiques du monde est un terme générique qui couvre les musiques qui ne font pas partie des principaux courants occidentaux contemporains que sont la pop, le rock, la musique classique, le jazz, le rap et la musique électronique, et qui contiennent des composantes ethniques ou traditionnelles

Musiques du monde

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Classe 9

Playlist Musiques du monde 1/6

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Classe 9

Playlist Musiques du monde 2/6

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Playlist Musiques du monde 3/6

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Classe 9

Playlist Musiques du monde 4/6

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Classe 9

Playlist Musiques du monde 5/6

Classe 9

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Playlist Musiques du monde 6/6

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Rituel d'écoute musicale pour l'école, utilisable sur 3 ans

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La batterie, comment ça marche ? Par Anne Paceo - Culture Prime