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NANOUK est une plateforme pédagogique en ligne accompagnant le dispositif École et cinéma. On y retrouve tous les films du dispositif avec cahier de notes, affiche, extraits, photogrammes... etc.

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Comme dans tous les films de Jacques Demy, la musique tient une place importante dans le film. Elle a été composée par Michel LEGRAND (1932), compositeur pour le cinéma. Avec Jacques Demy, il invente la comédie musicale à la française, dont Peau d’Äne est représentatif.

Pour ce film, Jacques Demy commande à Michel Legrand une musique faisant naitre la féérie. Celui-ci la réalise en mêlant des styles très contrastés (jazz / baroque / pop) et en jouant des thèmes plutôt classiques sur des instruments modernes.

Le côté « comédie musicale » est donnée par les chansons. Lorsqu’ils chantent dans le film, les acteurs (Catherine Deneuve et Jacques Perrin) sont doublés.

Présenter Michel Legrand aux élèves.

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Michel Legrand est un musicien, compositeur, pianiste de jazz, chanteur et arrangeur français naturalisé américain, né le à , et mort le à Neuilly-sur-Seine. Sa carrière de compositeur pour le cinéma lui a valu de remporter trois Oscars.

Michel-Jean Legrand naît à Paris dans le quartier de Ménilmontant. Ses parents, le compositeur Raymond Legrand (1908-1974) et Marcelle Der Mikaëlian (sœur du chef d'orchestre Jacques Hélian, d' origine arménienne) divorcent quand il a trois ans. Il a une sœur aînée, Christiane Legrand.

Michel Legrand étudie le piano et l'écriture au Conservatoire national de musique à Paris de 1942 à 1949, dans les classes de Lucette Descaves, Henri Challan et Nadia Boulanger notamment, et où il remporte plusieurs premiers prix. Il se prend de passion pour le jazz après avoir assisté en 1947 à un concert de Dizzy Gillespie avec lequel il collaborera quelques années plus tard, écrivant en 1952 les arrangements pour l'orchestre à cordes qui accompagne le trompettiste dans ses concerts européens.

Sans être crédité aux génériques, il fait ses premiers pas pour des musiques de films auprès de son père, pour lequel il écrit des orchestrations et arrangements, quand ce ne sont pas des chansons complètes.

Praticien d'une douzaine d'instruments, il écrit en 1951 des arrangements pour l'orchestre de son père qui l'introduit dans l'univers de la chanson de variété. Il commence ainsi une carrière d'accompagnateur et d'arrangeur avec Jacques Canetti au théâtre des Trois Baudets, dans les tournées et pour la maison de disques Philips. Il met son talent d'arrangeur au service de Jacqueline François, Henri Salvador, Catherine Sauvage (pour l'album Léo Ferré), Jacques Brel.

En 1954, à la demande de la firme américaine Columbia et grâce à Jacques Canetti producteur musical chez Philips qui a passé un accord avec cette firme, il offre des relectures jazzy de rengaines françaises. L'album I Love Paris est un énorme succès (8 millions d'exemplaires écoulés) ; la reconnaissance de Legrand se fait internationale.

En 1956, Jacques Canetti le présente à Maurice Chevalier qui l'engage comme directeur musical de son spectacle à l' Alhambra.

En 1957, il est invité au Festival mondial de la jeunesse de Moscou et Zizi Jeanmaire lui confie la direction musicale de son spectacle.

En 1958, pour Legrand Jazz, il enregistre à New York avec Miles Davis, John Coltrane et Bill Evans, devenant l'un des premiers Européens à travailler avec les maîtres du jazz moderne.

En 1966, il a fait les arrangements de la chanson internationale d' Henri Betti et André Hornez pour l'album de Barbra Streisand Color Me Barbra. A noter qu'en 1948, son père Raymond Legrand a dirigé l'orchestre pour l'enregistrement de cette chanson par les sœurs Étienne.

Influencé par Stan Kenton, il mène une brève carrière de jazzman comme leader : Holiday in Rome en 1955, Michel Legrand Plays Cole Porter en 1957, Legrand in Rio en 1958.

Certaines compositions de Michel Legrand, telles La Valse des Lilas (en anglais : Once upon a summer time, Chet Baker, Bill Evans), la Chanson de Maxence ( You must believe in spring), What are you doing the rest of your life le theme principal du film The Happy Ending ou encore le thème principal de la bande originale du film Un été 42 ( The summer knows), sont devenues des standards de jazz.

Le tournant des années 1960 et l'émergence de la Nouvelle Vague vont ancrer définitivement Michel Legrand dans le monde de la musique de film. Il travaille pour Agnès Varda ( en 1962), Jean-Luc Godard (Une femme est une femme en 1961, Vivre sa vie en 1962 et Bande à part en 1964) et surtout Jacques Demy ( en 1961, Les Parapluies de Cherbourg en 1964, Les Demoiselles de Rochefort en 1967, en 1970) avec qui il invente la comédie musicale à la française. Ainsi Les Parapluies de Cherbourg est un film chanté en continu où tous les dialogues sont inspirés par la musique, ce qui était novateur à l'époque.

En 1966, après avoir été nommé aux Oscars pour son travail sur Les Parapluies de Cherbourg, il décide d'aller tenter sa chance à Hollywood et s'installe à Los Angeles. Ses amitiés avec Quincy Jones et Henry Mancini l'aident grandement à se faire une place dans ce milieu hautement concurrentiel et lui permettent de rencontrer les paroliers Alan et Marilyn Bergman.

En 1968, il est appelé à la rescousse par le réalisateur Norman Jewison qui n'arrive pas à monter son dernier film tout en ayant 5 heures d'images déjà tournées. Michel Legrand propose alors de composer seul, sans contrainte et en n'ayant vu le film qu'une seule fois, une heure et demie de musique originale, pour que le réalisateur puisse ensuite monter son film en se calant sur cette musique. Le procédé est inédit car d'habitude à Hollywood la musique de film est créée et ajoutée après que le film est tourné et monté. Le résultat donne un film novateur pour l'époque, L'Affaire Thomas Crown où les plans suivent le rythme de la bande originale. Le film et sa musique sont un succès, et la chanson phare de la bande originale, The Windmills of Your Mind (Les Moulins de mon cœur) vaut à Michel Legrand de recevoir l'année suivante l' Oscar de la meilleure chanson originale.

Deux ans plus tard, il reçoit l' Oscar de la meilleure musique de film pour de Robert Mulligan (1971) dont la chanson-thème The Summer Knows par Barbra Streisand rencontre le succès. Entre 1971 et 1975, nommé vingt-sept fois aux Grammy Awards, il en remporte cinq. Il décroche un troisième Oscar pour de Barbra Streisand en 1983. La même année, il compose la bande sonore de Jamais plus jamais d' Irvin Kershner, ultime avec Sean Connery dont la chanson-titre est écrite par Alan et Marilyn Bergman.

Ses deux dernières compositions pour le cinéma ont été pour des films de Xavier Beauvois : La Rançon de la gloire avec Benoît Poelvoorde et Roschdy Zem ( 2015) puis Les Gardiennes avec Nathalie Baye et Laura Smet ( 2017).

Il a composé en tout plus de deux cents musiques pour le cinéma et la télévision.

Michel Legrand a enregistré avec différentes vedettes de la chanson dans des genres variés : Aretha Franklin, Celine Dion, Michael Jackson, Miles Davis, Louis Armstrong, Catherine Sauvage, Henri Salvador, Charles Aznavour, Zizi Jeanmaire, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Jack Jones, Tereza Kesovija, Ella Fitzgerald, Jessye Norman, Perry Como, Lena Horne, Kiri Te Kanawa, James Ingram, Johnny Mathis, Barbra Streisand, Caterina Valente, Frankie Laine, Nana Mouskouri, Frida Boccara, Danièle Licari, Raymond Devos, Stéphane Grappelli, Mireille Mathieu, Claude Nougaro, Mario Pelchat et plus récemment avec Natalie Dessay et Vincent Niclo.

En 1962, il convainc Jacques Canetti de signer, chez Philips, avec Claude Nougaro, alors quasi inconnu, dont il réalise et compose la musique de son second disque, celui de la reconnaissance (le Cinéma, Les Don Juan, Le rouge et le noir, Tout feu tout femme...) et assure les orchestrations (également sur Le Jazz et la Java et Une petite fille).

Michel Legrand est également auteur de deux opéras et ballets ainsi que de deux concertos.

En tant que pianiste soliste, il s'est produit avec de nombreux orchestres à travers le monde, notamment ceux de Saint-Pétersbourg, Vancouver, Montréal, Atlanta et Denver.

En 1994, il sortit son enregistrement du Requiem de Gabriel Fauré et de celui de Maurice Duruflé, auprès du label Teldec Classics.

À partir de 1964, Michel Legrand prend la décision d'interpréter lui-même les chansons qu'il compose. Il travaille et se construit un répertoire avec deux auteurs Eddy Marnay et Jean Dréjac. Pour son album Attendre... sorti en 1980, il est interprète, auteur et compositeur.

Michel Legrand a été marié à Christine Bouchard, mannequin, puis à Isabelle Rondon (en 1994).

En 2013, il se sépare de la harpiste Catherine Michel.

Le , il épouse à la mairie de Monaco la comédienne Macha Méril, avec laquelle il avait déjà eu une liaison quarante ans auparavant, liaison que Macha Méril qualifie de purement platonique,. La cérémonie religieuse a lieu le lendemain à Monaco, lors d'une cérémonie orthodoxe.

Il est le père de Dominique Rageys (née en 1952), fondatrice avec son mari du rallye " Maroc Classic ", d'Hervé Legrand (né en 1959), pianiste et compositeur, de Benjamin Legrand (né en 1962), chanteur, et d' Eugénie Angot (née en 1970), cavalière de niveau international.

Sa sœur aînée, la chanteuse Christiane Legrand (1930-2011), a été successivement membre de groupes de jazz vocal tels que les Blue Stars, Les Double Six et les Swingle Singers. Il est le demi-frère de l'écrivain Benjamin Legrand et du peintre Olivier Legrand. Il est l'oncle de Victoria Legrand, chanteuse du groupe Beach House et du vidéaste Alistair Legrand (enfants d'Olivier Legrand).

Naturalisé américain vers la fin de sa vie, il renonce volontairement en 2011 à la nationalité française en demandant sa libération des liens d'allégeance à l'égard de la France,.

Michel Legrand meurt de septicémie, dans la nuit du 25 au , à l' hôpital américain de Neuilly-sur-Seine, où il était hospitalisé depuis deux semaines pour une infection pulmonaire. Ses funérailles sont célébrées à Paris en la cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky le . Il est inhumé au cimetière du Père-Lachaise (division 44, avenue transversale n° 2), près de Francis Lemarque, Yves Montand et Simone Signoret.

Le , la faculté de musique de l' université de Montréal, au Québec, lui décerne un doctorat honorifique visant à souligner le caractère exceptionnel de sa carrière.

À l'occasion de ses cinquante ans de carrière, début 2009, un hommage lui est rendu à la Cinémathèque française à Paris, avec la projection de la plupart des films dont il a écrit la partition. Il donne également pour l'occasion trois concerts salle Pleyel et accorde de multiples interviews à la radio et la télévision.

À la suite de son décès, de nombreux artistes ont repris un de ses plus grands succès, Les Moulins de mon cœur.

Le , la passerelle Michel-Legrand est inaugurée à Cherbourg-en-Cotentin en présence de Macha Méril. Elle traverse le bassin du Commerce et est située non loin de la place Jacques-Demy.

En 2013, Michel Legrand écrit avec Stéphane Lerouge, spécialiste de la musique au cinéma, sa première autobiographie, Rien n'est grave dans les aigus, où il évoque de manière libre et non chronologique sa formation, ses rencontres, ses choix de parcours, son goût pour la musique au pluriel.

En 2018, ce livre est réédité et complété sous le titre : J'ai le regret de vous dire oui.

"Michel Legrand, sans demi-mesure", réalisé par Gregory Monro en 2018

En tant que musicien

1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 1)(EP 45 médium)

1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 2)(EP 45 médium)

1954 : I Love Paris

1955 : Michel Legrand and his Orchestra - Holiday In Rome

1956 : Michel Legrand et sa grande formation - Musiques de films

1956 : Michel Legrand and his Orchestra - Castles In Spain

1957 : Bonjour Paris (sous le pseudo Big Mike)

1958 : Legrand Jazz, avec Miles Davis, Bill Evans, Paul Chambers, John Coltrane

1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 1)

1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 2)

1958 : De Marlène à Marilyn

1959 : Michel Legrand et son trio - Paris Jazz Piano, avec Guy Pedersen et Gus Wallez

1962 : Broadway in my Beat

1963 : Rendez-vous à Paris

1965 : Michel Legrand plays for Dancers

1968 : At Shelly's Manne-Hole, avec Shelly Manne et Ray Brown

1969 : Bud Shank plays Michel Legrand

1993 : Erik Satie By Michel Legrand

1995 : Harpe et orchestre (Les Parapluies de Cherbourg, Un été 42, Le Messager, Yentl), avec Catherine Michel (harpe), Michel Legrand (clavecin, arrangements et direction d'orchestre)

1998 : Les Moulins de mon cœur avec Maurice André à la trompette, CD EMI Classics

2011 : Noël ! Noël !! Noël !!!

En tant que chanteur

Apex 1982 : Musique originale (comédie) pour Best Friends

Apex 1983 :

Chanson originale (drame) pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl

Chanson originale de trame/adaptation/compilation (drame) pour Yentl

Fennecus 1983 :

Meilleure partition de chansons originale ou adaptée pour Yentl

Chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl

Henry Mancini Awards 1998 (ASCAP) pour Le Passe-muraille

Aigle d'or 2002 : Contribution exceptionnelle au cinéma mondial

Félix 2009 : Album de l'année - jazz interprétation

BAFA 1975 : Meilleure musique de film pour Les Trois Mousquetaires

Grammy Awards 1975 : Meilleur album d'une partition originale écrite pour un film pour Les Trois Mousquetaires

Golden Globes 1984 :

Meilleure musique de film pour Yentl

Meilleure chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl

1984 : Meilleure chanson originale pour Papa, Can You Hear Me? et The Way He Makes Me Feel dans Yentl

César 1985 : Meilleure musique de film pour Paroles et Musique

Grammy Awards 1985 : Meilleur album d'une partition instrumentale écrite pour un film ou une émission télé pour Yentl

Notes et références

Sur les autres projets Wikimedia :

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Michel Legrand est un musicien, compositeur, pianiste de jazz, chanteur et arrangeur français naturalisé américain, né le à , et mort le à Neuilly-sur-Seine. Sa carrière de compositeur pour le cinéma lui a valu de remporter trois Oscars. Michel-Jean Legrand naît à Paris dans le quartier de Ménilmontant.

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Web documentaire réalisé à l'occasion de l'exposition " Le Monde en chanté de Jacques Demy " conçue et présentée par la Cinémathèque française - Musée du cinéma, en partenariat avec Ciné-Tamaris, à Paris du 10 avril au 4 août 2013.

Direction éditoriale

Cécile Dubost

Coordination du projet et sélection iconographique

Bertrand Keraël

Textes

Gaël Lépingle

Voix française

Grégoire Leprince-Ringuet
(Enregistré au studio Scopitone, Paris)

Voix anglaise

David Gasman

Prises de vue, prise de son, montage et extraits

Cécile Dubost, Olivier Gonord, Bertrand Keraël, Frédéric Rousselot, Fred Savioz

Prises de vues de la " peau d'âne "

Stéphane Dabrowski

Traduction anglaise

John Tyler Tuttle

Gestion des droits

Catherine Hulin, Aurélia Thyreau

Conception et réalisation

WAMI Concept et La Blogothèque

Direction artistique et graphisme

Simon Dupont-Gellert et Clémence Brunet

La Cinémathèque remercie tout particulièrement

Rosalie Varda, Agnès Varda, Mathieu Demy, Fanny Lautissier (Ciné-Tamaris), Agostino Pace, Hector Pascual, Sylvie Richard et Bernadette Gazzola-Dirrix (INA), Nathalie Chevalier (Atelier MBV), Prunelle Blanc.

Ainsi que pour leur aimable concours

Béatrice Abonyi, Alban Agnoux, Nathalie Bourgeois, Charlyne Carrère, Xavier Jamet, Ghislaine Lassiaz, Matthieu Orléan, Sylvie Vallon, ainsi que l'ensemble des équipes de la Cinémathèque française qui ont participé à la réalisation de ce projet.

Peau d'Âne et le Merveilleux

Catherine Deneuve et J Demy : " Peau d'Âne ", 2 janvier 1971
© INA

Dure réalité du Merveilleux

Film Peau d'Âne, 23 décembre 1970
© INA
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Tournage
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Extrait
© 2003 Succession Demy

Décors

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 (x3)
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 (x2)
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy, coll. Cinémathèque française
Dessin Jacques Demy
© 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Extrait
© 2003 Succession Demy

Costumes

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Maquettes de costume
© Agostino Pace, coll. Cinémathèque française
[+]Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Maquettes de costume
© Agostino Pace, coll. Cinémathèque française
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Ektas
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
[+]Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Ektas
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Création des masques : Hector Pascual

Robes

Note manuscrite de Jacques Demy : liste des costumes
© Ciné-Tamaris
[+] Agostino Pace - Rosalie Varda - Vidéo
Entretien mené par Gaël Lépingle
Réalisation Cécile Dubost, Olivier Gonord
© Cinémathèque française, 2013
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Maquettes de costume (mosaïque)
© Agostino Pace, coll. Cinémathèque française
[+] Catherine Deneuve - Audio
Entretien mené par Serge Toubiana
© Cinémathèque française, 2013
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Ektas
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
[+] Hector Pascual - Audio
Entretien mené par Gaël Lépingle et Bertrand Keraël
Réalisation Cécile Dubost, Bertrand Keraël, Frédéric Rousselot
© Cinémathèque française, 2013
[+] Photographies de la Peau d'âne
© Stéphane Dabrowski, Cinémathèque française
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Ekta
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
[+] Recréer les robes de Peau d'Âne - Vidéo
Agostino Pace - Rosalie Varda - Commentaires : Matthieu Orléan, commissaire de l'exposition " Le Monde enchanté de Jacques Demy ",
Réalisation Olivier Gonord
© Cinémathèque française, 2013
" Recette pour un cake d'amour " (Demy, Legrand)
© Warner Chappell Music France
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Photogramme
© 2003 Succession Demy

Trucages

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Photogramme
© 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Extrait
© 2003 Succession Demy
[+] Cahier manuscrit de Jacques Demy : notes sur les trucages
© Ciné-Tamaris

Inspirations

Illustration de Gutave Fraipont pour Peau d'Âne
Les Contes de Perrault illustrés, Henri Laurens éditeur, 1942
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 (x 2)
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy, Cinémathèque française
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Ekta
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
TournagePeau d'Âne - commentaires : Agnès et Rosalie Varda - Super 8 couleur
© Ciné-Tamaris

Souvenirs de cinéma, souvenirs d'enfance

La Belle et la Bête, Jean Cocteau, 1945 (x 5)
GR Aldo © DR, coll. Cinémathèque française
[+] Pour le cinéma, 19 juillet 1970
© INA
Le Sang d'un poète, Jean Cocteau, 1930 - extrait
© Studio canal

Miroir, mon beau miroir...

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 (x 2)
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - extrait
© 2003 Succession Demy

La traversée

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - extrait
© 2003 Succession Demy

Le propre et le sale

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - extrait
© 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy, coll. Cinémathèque françaisePeau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - extrait
© 2003 Succession Demy

Enfant, où es-tu ?

[+] Le journal du cinéma, 27 décembre 1970
© INA
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy, coll. Cinémathèque française
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy
Notes préparatoires de Jacques Demy pour les chansons dePeau d'Âne
© Ciné-Tamaris
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - extrait
© 2003 Succession Demy

Jeune public

Il était une fois un conte

Peau d'Âne - Six plaques de verre de type Lapierre [sd]
Peau d'Âne - Douze plaques de verre de type Lapierre [sd]

Chercher l'erreur

Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 (x4)
Michel Lavoix © 2003 Succession Demy

Le cinéma, c'est de la Magie

Jacquot de Nantes d'Agnès Varda, 1990 - Extrait
© 1990 Ciné Tamaris
Attaque nocturne, Jacques Demy, 1948 - Film
© Succession Demy
Peau d'Âne, Jacques Demy, 1970 - Extrait
© 2003 Succession Demy

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Explorez le Merveilleux de Peau d'Âne et d'autres films de Jacques Demy. Redécouvrez l'œuvre du cinéaste, grâce à des documents rares (photos de tournage, croquis), des témoignages inédits de ses collaborateurs, des extraits de films, la recréation des robes couleur de Temps, de Soleil et de Lune, des animations pour le jeune public...

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Collectif Des Metiers De L'édition

Des mots découpés dans LE livre de cuisine de référence, des mots concoctés, réservés, décortiqués pour raconter la quête de « Pot » d'âne, à la découverte, feuille à feuille, d'elle-même. Sophie Tiers, auteure de Barbe-Bleue, nous livre une version poétique et culinaire du conte de Peau d'âne.

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Collection Fétiche

Bande dessinée d'après le conte de Charles Perrault.

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Générique
Il était une fois
Les ministres, le savant
Amour, Amour
Déclaration d'amour

Conseils de la fée des lilas

Les trois robes
Peau d'âne s'enfuit
Fugue du prince
Loin du château bleu
Peau d'âne arrive à la ferme
Les insultes
Rigodon à la ferme
Le temps arrêté
Chanson du Prince
Le Prince se meurt d'amour
Retour au château rouge
Recette pour un cake d'amour
Le bal du chat et des oiseaux
Rêves secrets d'un prince et d'une princesse
Idylle fuguée
Retour du prince au château
Le massage des doigts
Final

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Amour Amour, chanté par la princesse dans la cour du château.  C’est la seule chanson qui est interprétée en tant que chant ; elle n’illustre pas une action utile dans le déroulement de  l’histoire.

Les Conseils de la Fée des lilas : « On n’épouse jamais ses parents ».

Les Insultes faites par les lavandières à Peau d’Âne.

La chanson du Prince.

La recette du cake d’amour est la chanson phare du film. Elle se déroule lors d’une scène pleine de contrastes et vient enrichir l’ensemble de  ces situations contrastées chères à Demy.

Les rêves secrets d’un prince et d’une princesse est le seul duo du film. La chanson est composée avec des rythmes et des sonorités « hippies ».

Le massage des doigts.

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Les 3 bonnes raisons d'aller voir le film par le site Benshi

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Les 3 bonnes raisons d'aller voir le film par le site Benshi

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Legrand Michel (1932 - 2019)

Extrait du film Peau d'âne de Jacques Demy sorti en 1970, Recette pour un cake d'amour est une des mélodies les plus célèbres du grand Michel Legrand. Elle est chantée dans le film par Catherine Deneuve, au moment de la préparation du fameux cake destiné au prince joué par Jacques Perrin.
Paroles de Jacques Demy, Musique de Michel Legrand © Warner Chappell Music France - 1970. Possibilité d'acheter les partitions du morceau original sur les sites suivants : Arrangement de Bruno Perbost

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Extrait du film Peau d'âne de Jacques Demy sorti en 1970, Recette pour un cake d'amour est une des mélodies les plus célèbres du grand Michel Legrand.

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Peau d'âne de Jacques Demy bande annonce

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Associe le chanteur et sa chanson.

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Les châteaux dans le film sont celui de Plessis Bourré (monde bleu), qui a d’ailleurs servi à de nombreux autres tournages (Le Bossu, Fanfan la tulipe, La princesse de Montpensier...) et celui de Chambord (monde rouge). La manifestation de la Renaissance en France (qui couvre le XVème siècle) est l’édification de châteaux dans le Val de Loire. Les premiers étant apparus sous le règne de Charles VI dans le Berry.

Au départ le style Renaissance se manifeste sur des agrandissements de châteaux existants puis petit à petit les constructions nouvelles sont de pur style tout en gardant des caractéristiques du Moyen Age (enceinte, donjon...), c’est le cas de Chambord qui est sans doute l’œuvre d’un artiste italien. Le château de Chambord et les caractéristiques d’un château de la Renaissance. Comparaison avec un château médiéval comme Château-Gaillard. Château habitation image de puissance et de richesse / Château de défense Situation historique François 1er440 pièces 365 cheminées Façades...

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Du 2 janvier au 24 mars : de 9h à 17h

Du 25 mars au 29 octobre : de 9h à 18h

Du 30 octobre au 22 décembre : de 9h à 17h

Du 23 décembre au 30 décembre (sauf 24, 25, 31 décembre et 1er janvier) : de 9h à 18h

Dernier accès ½ heure avant la fermeture du château.
Fermeture des jardins à la française 30 minutes avant la fermeture du château.
Du 23 au 30 décembre, les jardins à la française fermeront à 17h.
Fermeture du château à 16h, les 24 et 31 décembre.
Parc en libre accès toute l'année et tous les jours.

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Château de Chambord & Domaine (Officiel)

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Chambord, un monde à part, empli de mystères... Architecture extraordinaire imaginée pour la gloire de François I, où flotte l'esprit de *Léonard de Vinci.

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La première séquence du film est disponible sur la plate-forme Nanouk. Elle peut être montrée aux élèves afin de les préparer à l'esthétisme du film et de permettre les premières hypothèses sur l'histoire.

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Retrouve le conte en lien avec l'extrait vidéo.

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Jacques Demy souhaite tourner un film inspiré de la culture française et en particulier de ses contes de fées et de leur merveilleux, qui lui inspirent « une très grande joie ».
Parmi les œuvres du conteur français Charles Perrault, c'est Peau d'âne que Demy sélectionne, pour son étrangeté. Sa compagne et collègue cinéaste Agnès Varda, qui l'a accompagné dans son projet de film, explique plus tard ce choix par l'originalité de l'histoire (« C’est très bizarre, ce père qui veut épouser sa fille, qui s’obstine comme ça et elle qui se cache dans une peau d’âne. Jacques aimait beaucoup ce conte. ») et par sa complexité (« Nous convenions que Peau d’Âne était de loin le conte le plus complexe »). Demy apprécie cette histoire de longue date, l'ayant montée dès l'enfance dans son propre théâtre de marionnettes. Autrefois, avant, quand j'étais enfant, Peau d'âne me plaisait particulièrement. J'ai essayé de faire le film dans cette optique, par mes yeux, comme ça, quand j'avais sept ou huit ans. »

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Peau d'âne est un film musical français écrit et réalisé par Jacques Demy, sorti en 1970.

Inspiré de de Charles Perrault, paru en 1694, le film reprend l'intrigue traditionnelle du conte : une princesse forcée d'épouser son père fuit son royaume en se dissimulant sous une Peau d'âne. Suscitant l'hostilité par son déguisement, elle parvient à conserver son secret jusqu'à sa rencontre fortuite avec le prince d'un château voisin. Une fois leur amour avoué et l'identité de la princesse révélée, les noces des deux jeunes gens sont célébrées dans l'harmonie retrouvée. À cette histoire merveilleuse, le réalisateur apporte une esthétique " pop " caractéristique des années 1960 mais encore inédite dans le cinéma français.

Cette troisième collaboration entre Jacques Demy et Catherine Deneuve permet au réalisateur de réaffirmer la force et la singularité de son univers cinématographique, ce " Demy-monde " qui mêle références féériques et poétiques, et à l'actrice de gagner un nouveau rôle de beauté iconique.

Considéré comme un " film culte " grâce à l'audace de ses thèmes et de son parti pris visuel, ainsi qu'à sa musique signée Michel Legrand, Peau d'âne constitue le plus grand succès au box-office de Jacques Demy.

Il a été restauré en 2003 et en 2014 sous la houlette de la cinéaste Agnès Varda, compagne du réalisateur.

Il a été adapté sur scène en 2018 au théâtre Marigny sous la supervision de Michel Legrand et d'Agnès Varda.

Il était une fois... un roi ( Jean Marais), qui jouit d'un grand prestige auprès de ses sujets et voisins, et qui est marié à la plus belle et vertueuse des reines. Tous deux vivent en harmonie avec leur unique fille ( Catherine Deneuve), et la prospérité du royaume est continuellement assurée par l'âne fabuleux qui habite leurs écuries et dont les déjections surnaturelles délivrent pierres précieuses et pièces d'or. Mais cet équilibre est rompu par le malheur : la reine se meurt de maladie. La raison d'État exigeant un héritier mâle, sur son lit de mort, elle fait promettre à son mari de ne prendre comme nouvelle épouse qu'une femme plus belle qu'elle. Les efforts des ministres pour trouver une princesse à la hauteur de la défunte reine restent vains, jusqu'à ce qu'ils admettent que seule la fille même du couple royal peut se prévaloir d'une telle beauté. Bien qu'un tel projet constitue un inceste, le roi décide de l'épouser, encouragé en cela par ses conseillers.

Il fait venir auprès de lui sa fille, qu'il avait rejetée depuis la mort de son épouse et qui s'était jusque-là divertie en chantant l'amour dans un jardin du palais ( Amour, Amour). Il lui lit des vers qu'il sélectionne dans des recueils des temps futurs, puis la demande en mariage. La Princesse s'inquiète tout d'abord d'un tel dessein, mais entretient des hésitations, sensible à l'insistance de son père et à l'amour qu'elle-même lui porte. Elle rend alors visite à sa marraine, la Fée des lilas ( Delphine Seyrig), pour obtenir son conseil. Celle-ci, malgré un comportement curieux laissant entendre que sa relation avec le Roi est tendue, lui apprend à distinguer les amours : si l'on aime ses parents, on ne les épouse pas ( Les Conseils de la Fée des lilas). Guidée par cette dernière, la Princesse tente, sans contredire son père, de le dissuader de son projet en lui demandant tour à tour trois présents apparemment irréalisables : des robes d'une extrême complexité de confection, l'une couleur du Temps, l'autre couleur de Lune, et la dernière couleur du Soleil.

En dépit du coût et de la brièveté des délais accordés, le Roi accède à ses demandes. La Princesse se résout alors, toujours conseillée par sa marraine, à demander à son père un immense et ultime sacrifice : la peau de l'âne banquier, celui-là même qui fait la richesse du royaume. Contre toute attente, et après avoir reproché à sa fille de faire trop de caprices de coquetterie, le Roi accepte. Effarée par la dépouille de l'animal et n'ayant plus aucun moyen de se dérober à l'exigence de son père, la Princesse s'enfuit du château familial, cachée sous la peau de l'âne et munie de la baguette magique que lui a prêtée sa marraine la Fée. Lorsque les chevaux qui tirent son carrosse, devenu charrette au long du voyage, s'arrêtent d'eux-mêmes en pleine forêt, la jeune fille, qui a désormais l'apparence d'une gueuse, s'enfonce dans les bois. Logeant dans une misérable hutte au fond d'un bois et travaillant comme souillon pour une vieille femme, elle doit affronter l'hostilité et les moqueries des habitants d'une ferme à proximité ( Les Insultes).

Dans le royaume où l'héroïne s'est établie se trouve un prince charmant ( Jacques Perrin), qui languit après un amour qu'il n'a pas encore trouvé ( Chanson du Prince). Alors qu'il erre dans les bois, une rose lui souffle de persévérer dans sa quête. Suivant ses conseils, il découvre non loin dans une clairière une cabane en piteux état, celle de Peau d'âne, et aperçoit la jeune fille par une lucarne. Se croyant seule en son logis, celle-ci a alors revêtu ses atours de princesse. Il en devient immédiatement amoureux et, de retour dans son château, tombe malade d'amour. Ses parents, alertés de son état, ne voient goutte au comportement de leur fils ; mais le Roi rouge ( Fernand Ledoux) comme la Reine rouge ( Micheline Presle) ne souhaitent que l'aider dans sa quête d'amour.

Le Prince demande alors à sa mère que celle que tous dénomment " Peau d'âne " lui prépare un gâteau. La jeune fille accède à sa requête et lui confectionne un " cake d'amour ", dans lequel elle glisse discrètement un présent : un anneau d'or digne des parures qu'elle avait revêtues le jour où le Prince l'avait aperçue ( Recette pour un cake d'amour). Celui-ci manque cependant de s'étouffer sur la bague, en dévorant le gâteau ; en attendant que ses proches soient rassurés et le laissent seul, il la dissimule, heureux de ce signe. Il ressort alors la bague et, dans un rêve, fait enfin la rencontre de la Princesse. Tous deux s'avouent mutuellement leur amour et expriment leur désir de vivre ensemble, libérés de leurs parents et de toute contrainte ( Rêves secrets d'un prince et d'une princesse) .

Sorti de ce doux songe, le Prince fait annoncer au château qu'il épousera la fille du royaume au doigt de laquelle la bague ira parfaitement. Une frénésie s'empare alors de la population féminine, certaines allant même jusqu'à essayer des potions et autres concoctions réputées magiques dans l'espoir d'adapter leur doigt à la bonne taille ( Le Massage des doigts). Une séance d'essayage est organisée pour toutes les femmes du royaume, qui se présentent dans l'espoir de se révéler être l'élue. Défilant par rang social, elles ont droit à un essai chacune, mais la séance s'éternise et le Prince se lasse. Lorsque la procession prend fin, l'anneau ne s'est glissé à aucun doigt.

Le Prince pense alors à convoquer la dernière jeune fille du royaume, la souillon Peau d'âne, qui était reléguée aux cuisines, et celle-ci arrive ; à la stupéfaction générale, l'anneau s'ajuste parfaitement à son doigt. Elle fait tomber sa Peau d'âne et apparaît dans toute sa splendeur dans sa robe couleur du Soleil, provoquant l'émerveillement de tous. Les noces s'ensuivent : la Princesse épouse le Prince sous l'œil bienveillant de leurs familles, y compris du Roi bleu, qui se rend au mariage en hélicoptère en compagnie de la Fée des lilas. Cette dernière révèle alors à sa filleule que " tout est arrangé " et qu'elle-même épousera le Roi. La cérémonie se poursuit, et alors que défilent les invités prestigieux accourus de toutes parts, la page du conte se referme.

Le film s'achève sur les derniers vers du conte original :

" Le conte de Peau d'Âne est difficile à croire,
Mais tant que dans le monde on aura des enfants,
Des mères et des mères-grands,
On en gardera la mémoire. "

Titre : Peau d'âne

Réalisation : Jacques Demy, assisté d'Alain Franchet et de Jean Lefèvre

Scénario, dialogues et paroles des chansons : Jacques Demy, d'après le conte de Charles Perrault

Décors : Jim Leon, réalisés par Jacques Dugied

Costumes : Agostino Pace et Gitt Magrini, réalisés par Tirelli (à Rome) et Maria Gromstseff (à Paris) ; la peau de l'âne et les masques d'animaux sont l'œuvre de l'atelier d'Hector Pascual

Maquillages : Alex et Éliane Marcus, Monique Archambault

Coiffures : Carita et Alexandre de Paris, réalisées par Janou Pottier et Renée Guidet

Photographie : Ghislain Cloquet, assisté d'Alain Franchet et Yves Agostini

Son : André Hervée, assisté de Gérard Manneveau

Musique : Michel Legrand

Montage : Anne-Marie Cotret, assistée de Christiane Gratton

Chorégraphie : Nicole Dehayes

Production : Mag Bodard

Sociétés de production : Parc Film, Marianne Productions (Paramount Pictures)

Sociétés de distribution : Cinema International Corporation (1970), Ciné-Tamaris (2003 et 2014)

Budget : 5 000 000 francs

Pays d'origine : France

Langue originale : français

Format : couleurs - 35 mm - 1,66:1 - son monophonique d'origine (Dolby stéréo pour la version restaurée)

Genre : conte musical

Durée : 85 minutes

Dates de sortie :

Interprètes des chansons

Après quelques années passées aux États-Unis, entre 1967 et 1969, durant lesquelles il réalise avec le soutien financier de la compagnie Columbia, Jacques Demy souhaite tourner un film inspiré de la culture française et en particulier de ses contes de fées et de leur merveilleux, qui lui inspirent . Dès les années 1950, il a établi le script d'une hypothétique adaptation de La Belle au bois dormant, qui ne donne pas de suite ; mais les films qu'il réalise au début des années 1960, (1961) et Les Parapluies de Cherbourg (1964), font déjà référence aux contes de fées et jouent avec leurs codes,.

Parmi les œuvres du conteur français " Nous convenions que " Autrefois, avant, quand j'étais enfant, Charles Perrault, c'est que Demy sélectionne, pour son étrangeté. Sa compagne et collègue cinéaste Agnès Varda, qui était partie avec lui et l'avait accompagné dans son projet de film américain, explique plus tard ce choix par l'originalité de l'histoire () et par sa complexité ( Peau d'Âne était de loin le conte le plus complexe "). Demy apprécie cette histoire de longue date, l'ayant montée dès l'enfance dans son propre théâtre de marionnettes,, de même que Cendrillon et d'autres contes des frères Grimm ou d' Andersen, : Peau d'âne me plaisait particulièrement. J'ai essayé de faire le film dans cette optique, par mes yeux, comme ça, quand j'avais sept ou huit ans. "

Il le cite dès 1962 comme l'un des scripts sur lesquels il travaille ; il envisage à l'époque dans les rôles-titres Brigitte Bardot et l'Américain Anthony Perkins, qui tourne alors beaucoup en Europe,,. Les deux acteurs donnent leur accord mais le devis du projet est trop élevé pour un cinéaste alors presque inconnu. Le triomphe des Demoiselles de Rochefort, en 1967, changera la donne.

À la date où Demy relance son projet, le conte n'a encore bénéficié que d'une " essayer de faire simple et vrai comme furent seule adaptation portée sur grand écran par Albert Capellani en 1908. Ce court-métrage muet en noir et blanc reprend le canevas d'une féerie créée en 1838 au théâtre de la Porte-Saint-Martin et qui connut un grand succès populaire tout au long du siècle, mais pour lequel les auteurs, Émile Vanderburch et Laurencin, avaient modifié l'intrigue afin de ne pas y inclure la dimension de l'inceste : si la Princesse devait y porter une Peau d'âne, c'était pour châtier sa coquetterie et non plus pour échapper aux yeux de son père. Le scénario de Demy est ainsi le premier à respecter la thématique problématique du conte original, que le réalisateur réutilisera par ailleurs dans son ultime film, Trois places pour le 26 (1988). Riche de son expérience américaine, une certaine désinhibition gagne peut-être Demy, qui tend alors vers plus d'audace au regard de la production cinématographique française traditionnelle. " Ma vision de l'Amérique est celle d'un monde criard, baroque, où la notion de goût, ce bon goût français qui nous a été inoculé comme un vaccin, n'existe pas. Le mauvais goût américain m'a transporté, je l'ai adoré... ", témoigne le réalisateur. Il souhaite également se débarrasser de l'étiquette " pastel " généralement attachée à ses films par les spectateurs, en particulier depuis la sortie des Demoiselles : il tient à Les Parapluies plutôt que Rochefort ".

Loin de lui reprocher l'échec commercial de " j'avais surtout envie de rentrer en France pour y faire Model Shop, sorti en 1969, les producteurs américains de Demy lui proposent de diriger un nouveau film aux États-Unis, A Walk in the Spring Rain , avec les deux stars que sont Ingrid Bergman et Anthony Quinn. Demy laisse finalement sa place à Guy Green : Peau d'âne que j'avais déjà en tête depuis un moment. Mag Bodard [productrice française] était venue me voir à Hollywood pour me dire qu'elle avait le financement, que Catherine [Deneuve] voulait le faire. J'ai un peu hésité et je me suis dit que si je continuais dans cette voie, ce n'était pas celle que j'avais choisie puisque je préfère écrire les sujets que je réalise. Si j'entrais dans le système hollywoodien, il me conviendrait peut-être, mais je n'en étais pas sûr ".

Porté par le triomphe des Demoiselles de Rochefort, Demy avait en effet ressuscité dès 1968 l'idée de Peau d'âne, qu'il avait proposée à son interprète principale, Catherine Deneuve. Auréolée de gloire, l'actrice est devenue à l'époque une icône, et son intérêt pour le projet est un atout pour la mise en chantier du film, dont le scénario et les chansons sont déjà écrits, tout comme la musique composée par Michel Legrand. Cela permet à la productrice Mag Bodard de s'attacher les soutiens financiers qui lui manquaient après le refus de la Columbia. Malgré les efforts conjugués de Bodard et de Deneuve, laquelle accompagne Demy à New York pour tenter de convaincre le producteur Stanley Schneider, un des pontes de la Columbia, celui-ci n'a en effet pas accepté de s'engager sur un film catalogué " pour enfants ". Mag Bodard, qui n'en est pas à sa première difficulté pour produire les films musicaux de Demy, trouve finalement un accord avec Marianne Productions, filiale française de la Paramount ( Peau d'âne sera cependant le dernier film de Demy qu'elle produira).

" Comme les autres filles, j'aimais les histoires de fées et de sorcières, de rois et de princesses, de perles et de crapauds. Lorsque j'ai lu le scénario de Peau d'Âne, j'ai retrouvé les émotions de ma lecture d'enfance, la même simplicité, le même humour, et, pourquoi ne pas le dire, une certaine cruauté qui sourd généralement sous la neige tranquille des contes les plus féériques. "

La préparation du film va s'étaler sur , non sans quelques problèmes de budget (voir plus bas). Les costumes (à l'exception de ceux des figurants qui sont loués) sont imaginés par Agostino Pace, sous l'étroite supervision de Jacques Demy. À l'époque, l'artisan est très pris par ses engagements de costumier et de décorateur au théâtre, et ne peut se libérer qu'une quinzaine de jours pour se rendre au domicile du réalisateur à Noirmoutier, où il n'a le temps de réfléchir qu'aux costumes. Tandis qu'il dessine, Demy l'interrompt tous les quarts d'heure pour évaluer son travail et le recentrer dans ses essais. C'est de cette courte mais intense collaboration qu'émerge l'idée de scinder les deux royaumes en deux couleurs : " On va faire comme les enfants ", propose Pace, profitant de la liberté enfantine que procure la conception d'un tel film.

Avec l'aide de la costumière Gitt Magrini, qui élabore les costumes depuis l' Italie puisque lui-même ne peut assister au tournage, il s'inspire des modes du temps de Charlemagne et de la Renaissance. La barbe du Roi rouge est d'ailleurs parsemée de fleurs, rappelant le surnom de Charlemagne, " l'empereur à la barbe fleurie ".

Les robes de la Princesse et de la Reine sont de style Louis XV mais offrent certaines références à l'œuvre de Walt Disney, (pour une analyse de la collerette, voir plus bas), et les quatre costumes du Prince de style Henri II. Les tenues de la Fée des lilas, en revanche, mêlent glamour hollywoodien, avec un déshabillé vaporeux, et éléments plus classiques de la mode à la Cour, comme une collerette. Les trois robes (couleur du Temps, couleur de Lune et couleur de Soleil) que la Princesse demande à son père, sur les conseils de la Fée, constituent le morceau de bravoure des costumiers. Particulièrement lourdes, tout comme la peau de l'âne, elles rendent difficiles les déplacements de Catherine Deneuve dans les , si bien que pendant le tournage des tabourets sont passés directement sous ses jupons pour qu'elle puisse se reposer. Habituée des tournages avec Demy, l'actrice tient bon :

Hector Pascual et son atelier sont responsables des costumes animaliers. Pour les masques d'animaux du Bal des chats et des oiseaux, Jacques Demy a en tête les travaux fantasmagoriques qui ont fortement influencé les surréalistes et Jean Cocteau, de l'artiste et décoratrice de théâtre Leonor Fini, qu'il a rencontrée en novembre 1969. La Peau d'âne éponyme est, quant à elle, authentique, selon les souhaits du réalisateur. La dépouille originale provient directement d'un abattoir et pose des problèmes de lourdeur et d'odeur ; il lui faut être grandement nettoyée et retravaillée avant d'être portée par Catherine Deneuve, à qui est cachée sa provenance. L'intérieur est fait de papier de nylon recouvert de peinture. C'est encore Hector Pascual qui est chargé de sa retouche : C'est finalement la peau qui est choisie pour faire la promotion de Peau d'âne sur l'affiche française, au lieu des robes somptueuses qui peuvent apparaître dans les affiches internationales du film.

Les maquettes de préparation pour les décors sont élaborées par l'artiste Jim Leon, " supporter inconditionnel de l'art onirique du siècle ". Faute de moyens, Demy a en fait dû renoncer à engager son collaborateur habituel, le décorateur Bernard Evein, et Agostino Pace n'a pas le temps de s'y consacrer. C'est ainsi que Jim Leon est engagé par le réalisateur, rencontré à San Francisco, après lui avoir montré comme travaux une sérigraphie de papillon et un dessin érotique évoquant notamment Alice au pays des merveilles. Il imagine en tout 28 maquettes pour Peau d'âne,, ainsi que le paravent dans la salle du trône et l'affiche utilisée pour la promotion du film, fameuses représentations psychédéliques.

Le tournage débute le et se prolonge dans l'été, pendant huit semaines, profitant de la lumière naturelle estivale. Jacques Demy préférant les prises de vue réelles aux reconstitutions en studio, l'équipe investit surtout les châteaux de la Loire que sont Chambord (où se déroulent les scènes du château rouge et du mariage) et le Plessis-Bourré (pour les scènes du château bleu), mais aussi le château de Neuville et son parc dans les Yvelines (pour les scènes de la ferme et de la cabane dans la forêt), ainsi que le château de Pierrefonds dans l' Oise (pour la scène finale du défilé des invités du monde entier). Les somptueux animaux qu'amènent avec eux les rois invités aux noces sont d'ailleurs recrutés non loin, parmi les pensionnaires du parc zoologique de Coucy-lès-Eppes, dans l' Aisne. La rêverie des deux jeunes gens est quant à elle tournée dans la campagne d' Eure-et-Loir, à Rouvres, près de la maison de Michel Legrand.

Les directives que Demy donne à ses acteurs sont très précises et insistent sur les gestes pour mieux faire se dégager la dimension merveilleuse. Il demande notamment aux acteurs de surjouer, se souvient Catherine Deneuve :

Face à un budget précaire, l'équipe du film fait des concessions tant matérielles que pratiques dès la mise en chantier du film. Jacques Demy et Catherine Deneuve acceptent ainsi tous deux de mettre leur salaire en participation,. Demy renonce à la mise en scène ambitieuse dont il rêvait dès les premières moutures du scénario, en , et qui prévoyait des plans mobiles et complexes au moyen de grues et de travellings.

Une part importante des financements se concentre sur les décors et les costumes, essentiels pour exprimer le merveilleux d'un tel film. Le fidèle collaborateur de Demy, le décorateur Bernard Evein, a eu du mal à établir un devis, tant les éléments de comparaison manquent pour un film aussi inhabituel que Peau d'âne. Une fois la préparation des décors terminée, il en a estimé le coût à 700 000 francs, soit cinq fois plus que ceux des Parapluies et deux fois plus que ce que la production avait envisagé d'y consacrer. L'impossibilité de trouver un compromis a mené tout d'abord à l'arrêt de la production pendant plusieurs semaines, menaçant bel et bien le développement du projet, avant qu'il ne reprenne au printemps 1970. C'est là que Bernard Evein est remplacé par Jim Leon, qui dessine les maquettes tandis que Jacques Dugied les fait exécuter. Mais les soucis subsistent : le poste décoration dépasse finalement la somme qui lui avait été consacrée en atteignant la somme de 770 000 francs, bien loin des 350 000 francs initialement alloués, et le tournage ne sera pas exempt d'infortunes. Ainsi la chambre de la Princesse, dans le film, diffère-t-elle grandement de ce qui était initialement prévu. La veille du tournage des scènes s'y déroulant, le lit imaginé ne répond pas du tout aux attentes des décorateurs et conduit à des improvisations de dernière minute pour régler ce qui apparaît comme une " catastrophe épouvantable " :

" À sept heures du soir, le décorateur vient me dire : " C'est une catastrophe. Le lit de la Princesse est complètement raté ; on ne l'a pas fait faire là où il aurait fallu. " C'était une très grosse fleur très jolie, en velours floqué rose, qui s'ouvrait quand la Princesse approchait et se refermait lorsqu'elle était couchée dedans. Je vais voir l'engin en question et c'était une affreuse mécanique, qui marchait par saccades ; le flocage n'avait pas été fait ; ils avaient collé un tissu dessus et on voyait la colle. C'était horrible, inutilisable. On a viré ça et on a passé la nuit à essayer d'inventer un décor. J'avais aperçu deux cerfs, en bas, dans l'entrée de Chambord, on les a fait monter et on a fait le lit avec ça, en improvisant le reste. "

Sur le tournage, les rapports de Demy avec ses comédiens sont excellents. Il les a réunis avant pour discuter du script et ils constituent, d'après son biographe Jean-Pierre Berthomé, une . Jacques Perrin, le Prince, dira de ses expériences avec le cinéaste :

Mais les relations du réalisateur avec Philippe Dussart, le directeur de production, deviennent de plus en plus difficiles. Initialement prévu autour de quatre millions de francs, alors que la moyenne pour un film de l'époque tourne à 2,58 millions, le budget total du film va connaître un dépassement de 800 000 francs, et empoisonner l'ambiance du tournage. D'où ce constat amer de Demy, obligé de restreindre ses ambitions :

Lors de la séquence tournée à Chambord, Jean Marais fait quotidiennement l'aller-retour depuis Paris, où il doit être présent chaque soir sur la scène du Palais-Royal pour jouer L'Amour masqué. Agnès Varda, épouse du réalisateur, vient souvent sur le tournage, de même que leur fille Rosalie, alors âgée de douze ans, qui obtient les faveurs des costumières et deux rôles de figuration, et héritera également du gros chat qui sert de trône au Roi bleu. La sœur de Jacques Demy, Hélène, est aussi présente et effectue un stage de scripte aux côtés d'Annie Maurel. Mais l'honneur de tourner dans un château aussi chargé d'Histoire est contrebalancé par les contraintes techniques que posent les visiteurs :

" Nous travaillions dans une partie du château interdite au public. Mais, comme Chambord est plutôt pauvre en meubles, le bruit des touristes passant et parlant derrière les portes était accru par la résonance de ces grandes salles à peu près vides. Nous devions alors interrompre le tournage. Un autre, à la place de Jacques Demy le réalisateur, se serait rongé d'impatience : lui non. Si Peau d'âne est un conte de fées, Jacques Demy a une patience d'ange : nous attendions tranquillement. "

Préférant les tournages en décors naturels aux reconstitutions en studio, Demy est également favorable au caractère artisanal des effets visuels, qui contribuent selon lui à recréer l'atmosphère fantastique du conte, dans le même style que ceux de Georges Méliès ou Jean Cocteau avant lui,.

L'une des astuces les plus marquantes est celle utilisée pour faire défiler les nuages sur la " robe couleur du temps " de la Princesse. Dans sa biographie de Demy Jacques Demy et les racines du rêve, Jean-Pierre Berthomé énumère les différentes théories sur la constitution de cette robe qui furent soulevées lors de sa recréation en 2013 :

selon Demy (en 1976), Catherine Deneuve (en 1995 pour " Puis, au tournage, un technicien s'est promené avec un projecteur 16 L'Univers de Jacques Demy) et Agnès Varda (dans une entrevue sur la restauration du film en 2013), la robe est conçue en tissu de projection de cinéma, et des nuages ont été préalablement filmés en . mm en suivant Catherine Deneuve pour que le nuage soit toujours sur sa robe, même si parfois ça débordait un peu ", se souvient Varda. Fabriquée en tissu d'écran de cinéma, la robe peut alors devenir le support à toutes les projections, celles du " temps " comme celles du spectateur,. Mais selon les experts chargés de la reconstitution de la robe pour l'exposition à la Cinémathèque, une telle technique n'est pas viable et l'incrustation des nuages a probablement plutôt été faite au montage : " la projection aurait été déformée par les plis de la robe. On voit la souplesse du tissu quand elle la soulève : c'était du taffetas " ;

D'autres effets sont obtenus par l'agencement minutieux des images : le dédoublement de l'héroïne lors de la confection du " cake d'amour " (tantôt en princesse aux fourneaux, tantôt en souillon consultant le livre de cuisine) est réalisé par champ-contrechamp et découpage soignés. La déchéance progressive du carrosse qui éloigne la Princesse du Château bleu est, quant à elle, agencée par de simples raccords d'un plan à l'autre, de même que le changement de robes de la Fée en sa clairière, où il est demandé à l'actrice de retrouver la position exacte adoptée avant l'interruption nécessaire à la métamorphose du jaune au lilas. Et les toitures enneigées du château bleu que l'on aperçoit alors qu'advient la mort de la Reine bleue sont en réalité collées par matte painting sur une vitre placée devant un panorama général du château et au-devant de laquelle sont projetés de faux flocons de neige. Ce même procédé est utilisé pour signifier le retour du printemps, lorsque l'écran laisse apparaître des branches bourgeonnantes.

Lors des visites d' Agnès Varda sur le tournage, celle-ci prend soin de filmer les coulisses. C'est l'occasion d'immortaliser, pour les séquences dans le Val de Loire, la visite d'illustres amis de Jacques Demy et confrères de la scène parisienne. Les images présentent ainsi sur la pelouse de Chambord le cinéaste François Truffaut, qui connaît bien Demy qu'il a rencontré sur plusieurs tournages et Catherine Deneuve pour l'avoir déjà dirigée l'année précédente dans La Sirène du Mississipi et avoir entamé une liaison avec elle. Le chanteur Jim Morrison, icône des années 1960, se rend également à Chambord accompagné de son ami Alain Ronay, avec qui il a fait des études de cinéma et qui fera de nombreuses photos du tournage, et de Varda elle-même, chez qui il vient de passer plusieurs jours à Paris. Ils prennent le train depuis la capitale puis une voiture à Orléans afin de rejoindre le château. Se montrant discrète sur le tournage, la vedette signe néanmoins un autographe pour Duncan Youngerman, le jeune fils de Delphine Seyrig. Rosalie Varda, qui n'avait que douze ans à l'époque et apparaît dans le court-métrage, se souvient aussi des deux rôles de figurante qu'elle interprète : celui d'une prétendante parmi les princesses qui essaient la bague de Peau d'âne auprès du Prince, mais aussi celui d'une petite fermière dans la cour du château de Neuville. Elle observe de loin le personnage interprété par Catherine Deneuve trimer dans la cour de la ferme : une scène difficile à jouer, à cause de l'inconfort des costumes (les sabots, les lourds seaux à porter), de la forte chaleur et de la pestilence du fumier.

L'importance et la recherche d'une utilisation originale de la musique dans les projets à venir de Demy se précisent dès 1963. Dans un entretien avec Denise Glaser, il fait part de son désir de réaliser un film " en chanté " (c'est-à-dire entièrement chanté), ce qu'il accomplira l'année suivante avec Les Parapluies de Cherbourg, dont il écrit les paroles sur une musique de Michel Legrand, collaborateur attitré de Demy depuis son premier long-métrage (, en 1961). Le duo récidive en 1967 avec un hommage à la comédie musicale américaine, Les Demoiselles de Rochefort.

Peau d'âne est la première incursion du compositeur dans le genre du merveilleux et Demy le conforte dans sa première idée de mélanger des styles volontairement contrastés ( baroque, jazz et pop) " pour faire naître la féérie ". Pour le compositeur,

En incorporant au motif classique de la fugue des rythmes et des instruments plus modernes (comme les instruments électroniques), Legrand souhaite en effet se démarquer des thèmes médiévaux utilisés précédemment par d'autres films, tels Les Visiteurs du soir de Marcel Carné (1942).

" D'emblée, je donne à Peau d'Âne une espèce de symétrie, en l'encadrant par deux grandes fugues, l'une en ouverture, l'autre en clôture : la première sur le motif de la recherche de l'amour ( Amour, Amour), la seconde sur celui de l'amour trouvé ( Rêves secrets). "

De même que dans les précédents films de Jacques Demy, les acteurs principaux sont doublés pour les chansons. Catherine Deneuve et Jacques Perrin sont respectivement doublés, comme dans les Demoiselles de Rochefort, par Anne Germain et Jacques Revaux. Delphine Seyrig est doublée par Christiane Legrand, bien que l'actrice ait également enregistré la chanson de la Fée des lilas.

Lors d'une interview, Michel Legrand, qui a son brevet de pilote, évoquera une excursion en avion au-dessus du château de Chambord avec Jacques Demy, quelques semaines après la sortie du film, durant laquelle les deux " demy-frères ", comme ils s'appellent, chantent à tue-tête les musiques imaginées pour Peau d'âne.

Amour, Amour - la Princesse

C'est la première chanson du film, et la seule à s'insérer dans le contenu diégétique, c'est-à-dire à être perçue comme telle dans la narration (au contraire des autres chansons qui participent à l'action) : la Princesse l'interprète dans la cour du château sous les yeux méditatifs de son père. Un perroquet de compagnie reprend de temps à autre certains vers. Mais on apprend plus tard dans le film que le Prince connaît lui aussi cette chanson, et que les deux personnages avaient en commun encore plus qu'ils ne le pensaient, les destinant ainsi l'un à l'autre.

Les Conseils de la Fée des lilas - La Fée des lilas

Cette chanson, durant laquelle la marraine dit à la princesse de fuir le royaume car " on n'épouse jamais ses parents ", introduit l'idée de résistance à l'inceste, déjà présente dans le conte de Perrault. La Fée, dont c'est la première apparition dans le film, y apparaît comme un personnage résolument moderne (grâce à ses vêtements et à ses velléités de rébellion face au pouvoir établi), mais non dénué d'arrière-pensées, puisqu'elle trahit un fort attachement pour le roi.

Les Insultes - la Princesse, paysans et paysannes

Chanson du prince - le Prince

Recette du cake d'amour - la Princesse

La scène de confection du cake est l'une des plus iconiques du film, notamment pour la chanson et en raison du moment où Peau d'âne, en cassant un œuf, libère un poussin.

Catherine Deneuve y est dédoublée et apparaît en même temps sous les traits de la Princesse et de la souillon, jouant ainsi avec les thèmes de la dualité et de l'indécision. Il y a également fusion du merveilleux des costumes avec le réalisme concret de la préparation du gâteau. Un tel champ-contrechamp des deux identités de l'héroïne est alors inédit au cinéma.}}

Rêves secrets d'un prince et d'une princesse - la Princesse, le Prince

Cette chanson, subversive pour les deux personnages, a des résonances hippies (voir plus bas). C'est le seul véritable duo du film (" Mais qu'allons-nous faire de tant de bonheur ? ").

Le Massage des doigts - ensemble

Un premier 33 tours sort en 1970 : Isabelle Aubret raconte Peau d'âne (disques Meys, réf. 30005), dont est extrait un 45 tours comportant deux chansons interprétées en duo par Isabelle Aubret et Michel Legrand, Rêves secrets d'un prince et d'une princesse et Conseils de la Fée des lilas (disques Meys, réf. 10026).

Un 45 tours réunissant deux extraits de la bande sonore du film, Recette pour un cake d'amour et Conseils de la Fée des lilas, sort quelques mois plus tard chez Pathé Marconi, ainsi qu'un 45 tours produit par Michel Legrand et comprenant la Chanson du Prince et Amour, Amour, interprétées respectivement par Jean-Pierre Savelli et Angela (Productions ML, réf.45.542).

Source : bande originale du film.

Peau d'âne sort le , respectant la volonté du réalisateur qui estime que, pour se replonger dans un récit d'enfance, les spectateurs sont davantage disponibles à Noël " que le trois février, au moment de la note d'impôts ".

Au contraire des précédents films de Demy, comme Les Parapluies de Cherbourg qui obtient le prix Louis-Delluc et la Palme d'or, Peau d'âne ne reçoit guère de reconnaissance de la profession en dehors du prix du " meilleur film pour enfants " décerné en 1971 par le Círculo de Escritores Cinematográficos (Cercle des scénaristes de film) en Espagne.

Les critiques sont plus élogieuses : " Il faut savoir gré aux costumiers et décorateurs : ils n'ont pas trop versé dans le style " vitrine de Noël pour faubourg Saint-Honoré " Andrée Tournès, du mensuel orienté vers les jeunes cinéphiles Jeune Cinéma, juge le film Jean-Louis Bory, du Nouvel Observateur, démontre le lien du film de Demy avec La Belle et la Bête de Jean Cocteau et salue sa " naïveté " (au sens de " foi poétique ") et son authenticité : " Rien ne sent le studio, tout entretient la confusion entre le réel et le merveilleux, et entre ce réel merveilleux et le vrai, qui est l'essence de la féerie ". Bory conclut sur le parti pris visuel de Peau d'âne : Jean de Baroncelli rejoint cet avis : Pour Robert Chazal, de ,. " Dans , France-Soir, .

" Les défauts de Michel Ciment, de , se montre plus incisif et considère le film comme un " échec " d'adaptation, " une version littérale sans surprise et sans mystère " : il voit dans son parti pris esthétique, qu'il juge inexistant, de la laideur et des manques d'homogénéité de style et d'harmonie avec les décors naturels. La musique de Michel Legrand lui semble également trop peu originale par rapport à ses créations précédentes. Roger Ebert rejoint ce point de vue : il juge les partitions de Michel Legrand moins impressionnantes que pour Peau d'âne [...] sont sans doute ceux de projets caressés depuis trop longtemps et qui, entrepris sur le tard, n'offrent plus qu'un aspect fané ", conclut-il avant d'établir le contraste avec les cinéastes américains, qu'il juge moins . Des décennies plus tard, lors de la sortie de la version restaurée, le critique Les Parapluies de Cherbourg, et trouve surtout le film morne et peu diversifié, comme s'il manquait d'un arc narratif. Il reste néanmoins admiratif des " merveilles visuelles " imaginées par Demy et de la beauté de Deneuve.

Avec 2 198 576 entrées en France, le film réalise un beau score commercial et se classe au rang du box-office des films sortis en France en 1970. C'est ce succès qui amènera un producteur anglais à financer le prochain projet de conte de fées de Jacques Demy, Le Joueur de flûte. Peau d'âne reste cependant le plus grand succès public de la carrière de Demy.

Peau d'âne et le film qui le suit immédiatement, Le Joueur de flûte, demeurent les seules incursions de Jacques Demy dans l'univers des contes. Quelques années plus tard, il monte le projet de moderniser Cendrillon, autre conte de Perrault, et d'en jucher l'héroïne sur des patins à roulettes. L'icône allemande Nastassja Kinski est pressentie dans les haillons de la Princesse et Demy parvient à intéresser le réalisateur et producteur américain Francis Ford Coppola, mais le projet n'a jamais abouti,.

Dans les années 1990 et 2000, les studios Disney, célèbres pour leurs films d'animation inspirés des contes de fée, contactent les proches de Jacques Demy, mort en 1990, afin de travailler sur une nouvelle adaptation du conte. Cette idée n'en reste néanmoins qu'au stade de projet, probablement à cause du malaise que certains thèmes de l'œuvre, comme l'inceste ou l'animalité, provoqueraient auprès d'un public américain culturellement imprégné de puritanisme. Évoquant en 2014 le film de Demy, Rosalie Varda juge en effet qu'il a

En 2012, une équipe de fouille menée par Olivier Weller, chargé de recherches au " un documentaire extrêmement réjouissant et stimulant : une forme cinématographique de " science-en-s'amusant ". [...] Si bien qu'on peut dire de CNRS, investit le bois du château de Neuville, à Gambais, afin de tenter de retrouver les lieux et les traces du tournage du film. Leurs recherches se concentrent sur la centaine de mètres carrés où ont été tournées les scènes de la cabane de Peau d'âne et de la clairière de la fée des Lilas. Seul un indice concret permettait de retrouver les lieux : un clou planté dans un arbre par un accessoiriste pour aider Jacques Perrin à l'escalader. Un relevé microtopographique, une recherche des anomalies métalliques et une prospection géophysique de résistivité électrique du sous-sol ont permis de préciser le plan de la cabane et la densité des vestiges enfouis. Les objets exhumés sont autant des fragments de décors ou de costumes (polystyrène, planches, fragments de miroir, perle bleue, strass) que des éléments techniques du tournage (tessons d'ampoules bleues utilisées par la scripte). En comptant les restes des techniciens du tournage (cigarettes, Vérigoud), on arrive à 4 000 objets trouvés autour de la cabane. Des restes du coquillage géant et des piliers monumentaux de la clairière de la fée doivent encore être fouillés, alors que le cadre du fameux miroir bleu de la fée a été retrouvé près de la cabane . De nombreux tessons de céramique, qui pourraient reconstituer la vaisselle utilisée lors de la scène du " cake d'amour ", ont également été retrouvés dans la cabane. Celle-ci a été laissée en place après le tournage, mais a finalement été détruite et brûlée par les propriétaires du domaine quelques années plus tard ,. Ces recherches ont donné lieu à un film documentaire de Pierre-Oscar Lévy et Olivier Weller, Peau d'âme, sorti en et récompensé par le Prix du Public lors du Festival d'Archéologie de Clermont-Ferrand ainsi que par la Mention spéciale du Jury lors du Festival International du Film d'Archéologie de Rovereto en Italie. Il est décrit par Antoine de Baecque comme Peau d'âme qu'il nous fait comprendre tout ensemble ce qu'est un conte, ce qu'est l'archéologie, ce qu'est l'histoire et ce qu'est l'œuvre d'un des plus grands cinéastes français. Rien de moins qu'une forme de savoir magique,,, ".

Des décennies après la sortie de Peau d'âne, ses chansons composées par Michel Legrand ne cessent d'être citées dans la culture populaire. En 2007, dans le film Le Quatrième Morceau de la femme coupée en trois, la protagoniste et sa mère entonnent ainsi ensemble Les Conseils de la fée des Lilas. En 2014, dans L'Année prochaine, les chansons sont cette fois-ci interprétées par deux personnages qui viennent de regarder le film. Marguerite et Julien, film sorti en 2015 de Valérie Donzelli, s'inspire lui plus largement et ouvertement de l'univers de Demy par ses thématiques incestueuses, son lyrisme et ses anachronismes volontaires,.

En 2018, une comédie musicale adaptée du film est montée au théâtre Marigny à Paris dans une mise-en-scène d'Emilio Sagi. Elle réemploie la partition originale de Michel Legrand, qui a composé pour l'occasion dix minutes inédites de musique, et à qui le public fait une ovation lors de la toute première représentation. Sa distribution comprend Marie Oppert sous les traits de la Princesse, Mathieu Spinosi comme Prince, les danseurs Michaël Denard et Marie-Agnès Gillot comme Roi bleu et Reine rouge, et Claire Chazal sous la forme de la narratrice,.

Par son discours intergénérationnel, le film acquiert au fil des années un statut culte,,.

Le film a été restauré en 2003 et en 2014, sous la houlette d' Agnès Varda, compagne de Jacques Demy, et avec la participation de leurs enfants Mathieu et Rosalie. Cette entreprise tient à la volonté d'Agnès Varda de restaurer les trois œuvres les plus iconiques du réalisateur, avec Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort. Ces restaurations bénéficient notamment du soutien financier des régions dans lesquelles le tournage a pris place et qui ont été mises en valeur dans les décors du film : les Pays de la Loire (en particulier le Domaine national de Chambord) et l' Île-de-France, mais aussi les joaillers Van Cleef & Arpels, le CNC et le site myskreen.com. Le film était jusque-là presque introuvable sur le marché, et même les membres de la distribution avaient du mal à se le procurer :

" Souvent, des amis me demandaient si j'en avais une copie. Mais, pour moi aussi, le film avait disparu. Si bien que je suis la première enchantée de pouvoir le redécouvrir dans ses couleurs d'origine ! "

Cette première version restaurée sort officiellement dans les salles le 22 octobre 2003 ; elle est présentée au Festival de Marrakech ainsi qu'à la Berlinale en 2004. Elle a permis essentiellement de stabiliser le vieillissement du son et de l'image, notamment en convertissant la musique de Michel Legrand en qualité stéréo. Dans Aden, le guide culturel du , Philippe Piazzo salue alors " le film qu'on revoit pour la cent douzième fois " et dont le monde .

" J'ai passé plusieurs mois avec Mathieu et Rosalie Demy à restaurer Peau d'âne qui était abîmé. Les droits étaient tombés et depuis quatre ans le film était gelé, comme on dit. Alors on a fait tout ce qui fallait faire pour l'image et pour le son. Et ce sont des très gros travaux, très chers. Pour l'image, ça consiste à prendre les parties abîmées, les scanner en numérique, les filmer de nouveau avec une pellicule qui s'intègre avec l'ancienne, il faut retrouver les couleurs d'origine, spatialiser le son... Enfin bref, il faut le faire attentivement, il faut le faire bien, il faut le faire avec amour parce qu'il faut que ce soit beau. "

- Agnès Varda, 2004,

D'avril à , la Cinémathèque française consacre une rétrospective à Jacques Demy avec l'exposition " Le Monde enchanté de Jacques Demy ", où sont notamment exposées les trois robes de la Princesse, recréées pour l'occasion par Agostino Pace, les originales étant en trop mauvais état après plus de quarante ans sans efforts de conservation, ou bien détruites dans un incendie de l'entrepôt du costumier Tirelli. Cette célébration permet de réunir de nouveaux financements pour se concentrer sur les œuvres majeures du réalisateur, au nombre desquelles se retrouve Peau d'âne. Les images sont restaurées, le film passe au format numérique et le son est remastérisé. La ressortie de l'œuvre restaurée, le 2 juillet 2014, et son exploitation vidéo subséquente à partir de novembre 2014 sont l'occasion de nouvelles diffusions dans les salles, notamment grâce à la maison de production Ciné-Tamaris, qui gère exclusivement les films de Jacques Demy et d'Agnès Varda. Un livre de souvenirs du tournage et de matériau inédit sur le film (esquisses, croquis), Il était une fois " Peau d'âne ", est également publié par Rosalie Varda-Demy, la fille du réalisateur, et Emmanuel Pierrat. Le Domaine national de Chambord, qui a participé à cette nouvelle restauration de même que la maison Van Cleef & Arpels, propose une exposition sur le tournage du film en ses murs, tandis que la maison de joailliers crée une collection inédite, " Peau d'âne raconté par Van Cleef & Arpels ". La version restaurée est également diffusée sur Arte le soir de Noël en première partie de soirée. Marine Landrot de le définit pour l'occasion comme un .

La réhabilitation de l'œuvre de Demy dans les années 2000, jusque-là plutôt négligée par le public, a poussé Ciné-Tamaris à lancer différentes éditions du film. Le découpage du film en lui-même n'a pas changé depuis 1970, mais les éditions s'agrémentent de différents " " inédits supervisés par Agnès Varda et ses enfants. On trouve ainsi :

une édition avec deux DVD. Elle comprend : la bande-annonce originale de 4 minutes ; un extrait du documentaire L'univers de Jacques Demy (8 minutes), qu'Agnès Varda a consacré à son mari ; " Peau d'âne raconté par les enfants " (8 minutes), qui donne la parole à des enfants après leur visionnage du film ; un documentaire " La Princesse en chemise " ; un documentaire " Mag Bodard, une productrice passionnée " (4 minutes) ; un documentaire " Le Petit Peau d'âne illustré " (11 minutes), une rétrospective des différentes illustrations du conte de Perrault ; un documentaire " Peau d'âne et les penseurs " (17 minutes), dans lequel des psychanalystes se penchent sur la symbolique des contes de fées ; la vidéo " Peau de bique " de Claire Bretecher (2 minutes) ; le court-métrage Peau d'âne d'Albert Capellani (14 minutes), l'adaptation de 1908 ; et une brochure avec un album photos, les sept chansons du film, et un karaoké de trois d'entre elles, ;

un coffret regroupant trois films de Demy : Peau d'âne, Les Demoiselles de Rochefort et Les Parapluies de Cherbourg. Concernant Peau d'âne, il contient un texte de Jean-Pierre Berthomé lu par Mathieu Demy ; une vision du film par Rosalie Varda ; " Peau d'âne raconté aux enfants " ; " La Princesse en chemise " ; le documentaire sur Mag Bodard et la vidéo de Claire Brétecher déjà présents dans l'édition précédente ; un " petit jeu de Peau d'âne illustré ", ainsi que des chansons en karaoké ;

une édition intégrale des œuvres de Demy, qui offre pour Peau d'âne une version alternative de la chanson Amour, Amour de Michel Legrand et le texte de Jean-Pierre Berthomé déjà contenu dans l'édition précédente.

Pour la ressortie 2014, les exploitations vidéo en DVD et Blu-ray dans des coffrets Arte Éditions contiennent de nombreux compléments, parmi lesquels le reportage en super 8 du tournage que filmait Agnès Varda (voir plus haut).

Le film se réclame d'être une libre adaptation du conte de Charles Perrault. Paru pour la première fois en 1694 dans une version en vers, il est republié en 1781 sur vélin à Paris, chez l'éditeur Lamy. Celui-ci adjoint à la version classique une seconde, en prose, celle-là même qui sera par la suite la plus reprise et illustrée notoirement par Gustave Doré. Le film est en fait une adaptation de cette dernière, dont l'auteur reste inconnu.

En plus de reprendre l'intrigue du Peau d'âne de Perrault, Demy emprunte aux autres histoires du conteur. L'arrivée de Peau d'âne à la ferme après sa fuite, lorsque tous les personnages sont comme endormis, figés dans leur activité, rappelle le sort qui affecte ceux de La Belle au bois dormant. La " vieille " qui accueille alors la jeune fille crache des crapauds, tout comme l'aînée des sœurs dans , qui a été maudite par une fée pour son orgueil et est condamnée à cracher des créatures répugnantes. Cette femme fait également référence au Petit Chaperon rouge en s'adressant au Prince. Plus tard, une fois Peau d'âne établie dans la vie quotidienne du village, deux valets de ferme se moquent d'elle en la surnommant " Cucendron ", comme le fait l'aînée des demi-sœurs envers l'héroïne éponyme de Cendrillon. Enfin, le Bal des chats et des oiseaux, organisé par la Reine rouge, doit accueillir le marquis de Carabas, personnage apparaissant dans Le Chat botté. D'autres références sont intertextuelles, car déjà présentes dans le conte original : l'épithète que Thibaud attribue à Peau d'âne, " la plus vilaine bête après le loup ", est reprise du conte, et rappelle les vilenies commises par le loup dans Le Petit Chaperon rouge.

D'autres aspects du film peuvent être imputés à l'influence de contes : le cercueil de verre, destiné dans le film à la mère défunte de l'héroïne, fait référence à Blanche-Neige des frères Grimm, et à l'innocente jeune fille à qui est réservé le même sort après avoir consommé une pomme empoisonnée ; le miroir de Peau d'âne, qui lui révèle à distance la réaction de son père après sa fuite, fait référence au miroir magique de La Belle et la Bête, capable de révéler par l'image des vérités lointaines. L'aspect cyclique des saisons répond également au genre du conte et à la figure de style de la pathetic fallacy : la maladie de la Reine bleue est révélée par le narrateur alors que l'orage gronde au-dehors du château, correspondant à l'automne ; sa mort survient en hiver, son cortège funèbre déambulant dans la neige stérile ; et c'est dans le renouveau du printemps, dans une forêt verdoyante, que la Princesse et le Prince s'aperçoivent et tombent amoureux,.

Aux yeux du critique Alain Philippon, le merveilleux inhérent au genre du conte n'empêche pas le réalisme. Au contraire du fantastique, si des évènements surnaturels se produisent dans le cas du merveilleux, ils s'inscrivent naturellement dans la réalité et sans provoquer de perturbation. Le conte et son adaptation peuvent ainsi donner une vision réaliste du contexte historique, qui se traduit notamment par une représentation des classes sociales : le Prince s'interroge sur les souillons vivant dans la crasse, et la souillon en question empeste tant qu'elle provoque un évanouissement lors de la séance d'essayage de l'anneau. Cette même scène est une autre occasion d'apercevoir différentes sociétés se mêler et se hiérarchiser, et les gros plans de la caméra sur les mains, auxquelles on tente de passer la bague au doigt, tiennent de la même volonté de réalisme. L'accessoiriste avait d'ailleurs prévu plusieurs tailles de bague afin qu'elle ne convienne à aucune des prétendantes. Le film respecte également les décors qu'a posés le conte, puisqu'il en tire exactement l'image de l'" auge aux cochons " ou celle des valets pour qui la Princesse est " la butte ordinaire de tous leurs quolibets et de tous leurs bons mots ". La langue respecte également les inflexions du : la " couleur de temps " que réclame la Princesse pour sa robe correspond à l'idée que l'on avait du temps à l'époque de Perrault, à savoir un ciel clair mais légèrement chargé de nuages. La " maladie d'amour " que les médecins diagnostiquent au Prince ne tient pas plus de la fantaisie et est sérieusement répertoriée parmi les maladies existantes, et il arrive notamment que la malheureuse victime se voie prescrire un mariage pour y remédier. Enfin, la Fée elle-même doit se plier au jeu du réalisme : si elle décide de confier sa baguette magique à sa filleule, puisqu'il lui en reste encore une en son domaine, il lui faut pourtant l'utiliser une dernière fois pour être capable de disparaître. Le recours aux artifices semble d'ailleurs la rebuter : ce n'est qu'après avoir épuisé l'idée des robes apparemment impossibles à réaliser que la Fée se résout à concevoir un autre plan nécessitant l'usage de sa baguette magique. Mais ce rationalisme tient aussi d'une certaine naïveté, ce qu'illustrent les représentations au premier degré d'une vieille qui crache des crapauds " pour de vrai " ou encore des doigts que l'on mutile en cherchant à les amincir.

Les éléments qui distinguent l'adaptation de Demy des autres adaptations de contes de fée tiennent pour beaucoup à l'audace du réalisateur qui parsème le script de références postérieures à l'époque de Perrault, et placent le film dans une ligne atemporelle. Ces anachronismes témoignent également de la fusion du merveilleux et du réalisme.

Ainsi le réalisateur et scénariste met-il, entre les mains du Roi bleu, des auteurs de la littérature française moderne. Celui-ci, avant de lire dans un recueil qui lui a été offert par la Fée des lilas certains de ces " poèmes des temps futurs ", les présente à Peau d'âne de la manière suivante : " Les anciens ont écrit de fort belles choses, évidemment, mais... les poètes de demain devraient vous exalter davantage. " Il lui lit d'abord des vers extraits du second volume de l' Ode à Picasso, de Jean Cocteau (1889-1963), qui évoquent les Muses de l'Antiquité utilisant des ustensiles de l'âge moderne (le " zinc ", le " téléphone " ou des " becs de gaz "). Le deuxième poème lu est L'Amour, de Guillaume Apollinaire (1880-1918), extrait du Guetteur mélancolique. Mais la Princesse ne saisit pas l'amusement que son père tire de poèmes aussi incompréhensibles à l'époque du film, et est effarée de la déclaration d'amour qu'il lui fait alors, si bien qu'elle lui réplique pour mettre fin à cet épanchement anachronique : " La poésie vous égare, mon père ".

D'autres anachronismes, tous liés à la Fée des lilas, émaillent le film : celle-ci évoque ainsi des " piles " pour le téléphone dont elle dispose chez elle et adopte des accoutrements peu médiévaux, comme des chaussures à hauts talons ou une coiffure typique des années 1930 à Hollywood, comportements qui ne manquent pas de surprendre la Princesse. De même, lors du mariage qui clôt le film, c'est à bord d'un hélicoptère Alouette II immatriculé F-BRHP que le Roi bleu et la Fée des lilas arrivent au château du Roi rouge.

Une autre liberté que prend Demy est celle de faire mention dans le script de grandes figures de la Cour de France, se pressant toutes tour à tour devant le Prince lors de la séance d'essayage de la bague. Le ministre Thibaud organise l'ordre de passage des prétendantes par rang social, et c'est l'occasion d'entendre les noms de ces grandes dames, qui ont toutes un lien avec la littérature. La plupart sont contemporaines du temps où les contes de fées étaient à la mode, c'est-à-dire contemporaines de Charles Perrault (1628-1703) et du siècle de Louis XIV, surnommé le " Grand Siècle " pour la richesse de ses arts et de ses figures historiques. Le ministre appelle ainsi, :

Les noms de " La Ségur ", en référence à Sophie Rostopchine, comtesse de Ségur (1799-1874, romancière fameuse pour ses livres pour enfants), et de " La Clèves " (le personnage principal du roman de Madame de Lafayette, citée plus haut) sont également évoqués plus tôt dans le film par Godefroy, l'ami du Prince, qui l'avertit que ces dames ont cherché à le rencontrer.

Cette atemporalité ou abolition du temps, qui pour Demy évoque le fantastique, se retrouve également dans la musique, par laquelle Michel Legrand mêle Renaissance, jazz et dessins animés à la Disney, et dans les costumes, qui mêlent modes de Louis XV (pour la Princesse et la Reine bleue), d'Henri II (le Prince), du Moyen Âge (les valets) et toiles de Le Nain (les paysans).

Au-delà de la seule relecture d'un conte de fées, Peau d'âne constitue un chaînon à part entière dans la filmographie de Jacques Demy et se voit relié à toutes les autres œuvres du cinéaste par des procédés extradiégétiques ou techniques. Le premier élément qui cimente le film à ce que Gérard Lefort a surnommé le " Demy-monde " tient dans les retrouvailles avec des acteurs bien connus de Demy : Catherine Deneuve apparaît dans son univers pour la troisième fois en une seule décennie, au point d'être considérée comme une muse et une amie proche du réalisateur, et Jacques Perrin a déjà joué sous sa direction dans les Demoiselles de Rochefort.

Des éléments de l'arc narratif rappellent, de plus, des passages d'autres films de Demy, comme l'épisode de la bague cachée sciemment par la Princesse dans le " cake d'amour ", qui fait référence à la tradition des fèves dans la Galette des Rois, également au centre d'une scène entre les personnages de Geneviève (Catherine Deneuve) et de sa mère, Émery ( Anne Vernon), dans les Parapluies de Cherbourg. L'usage des chansons cimente aussi les films entre eux, à l'instar d' Amour, Amour, que les deux jeunes protagonistes partagent sans s'être déjà rencontrés et qui nous apprend qu'ils sont destinés l'un à l'autre, tout comme c'est le cas de Delphine et Maxence (Deneuve et Perrin) dans les Demoiselles.

La technique de transition qu'utilise parfois Demy pour passer d'une scène à une autre, la " fermeture à l'iris ", a déjà été utilisée dans ses précédents films : elle marque la fin des Demoiselles lorsque le convoi traverse le pont transbordeur puis s'éloigne de la ville, et " ouvre " à l'inverse les films Lola et Les Parapluies. Dans Peau d'âne, elle est employée à trois reprises, pour délimiter trois espaces qui tentent de s'appeler l'un vers l'autre :

lorsque la jeune fille en fuite regarde dans le miroir ce qu'il advient du Roi bleu, qui ordonne à ses conseillers de la retrouver. L'iris se concentre sur le visage troublé de Jean Marais puis l'écran fond en bleu sans enchaînement ;

lorsque Peau d'âne, abandonnée à elle-même après avoir fait l'objet de moqueries, évoque le Prince qui doit la trouver. L'iris, après voir isolé son visage, disparaît alors dans un écran vert : la Princesse va compléter sa métamorphose et prendre l'initiative ;

Si le parti pris visuel du film est l'une des composantes qui lui a permis d'acquérir un statut culte, il ne fut pas toujours aussi éclatant et joyeux. Une première version du scénario consistait en effet pour Demy à peupler le royaume de Peau d'âne de pendus, de squelettes et de pestiférés, pour élargir la féérie. Il les mettra finalement en scène dans son adaptation de conte suivante, Le Joueur de flûte.

L'esthétique du film tient de la transgression. Par ses couleurs vives (habituelles à l'œuvre de Demy) et ses costumes démesurés, elle se nourrit des références psychédéliques du monde hippie, et notamment des mouvements pop art et peace and love exotiques pour l'Europe et que Jacques Demy avait découverts aux États-Unis où il venait de passer deux ans. Il garde aussi le souvenir des Renaissance fairs ( fêtes médiévales) chères aux Américains, qui reconstituent les temps d'autrefois en respectant le folklore, les costumes, et où l'on croise des jeunes filles aux longs cheveux de princesse. Il emprunte des éléments aux films de Walt Disney Productions (en particulier à Blanche-Neige et les Sept Nains) et à Andy Warhol ainsi qu'à Gustave Doré et Leonor Fini. L'affiche dessinée par Jim Léon en est l'exemple.

Les couleurs, qui imprègnent bien plus d'éléments que les films traditionnels, des chevaux jusqu'à la peau des gardes, sont à rattacher au style vif et aux couleurs tranchées d' Andy Warhol. La symbolique en est également riche : le bleu du château d'où provient Peau d'âne rappelle, en plus du conte de Barbe bleue et du danger qu'il représente pour la gent féminine, le " sang bleu ", c'est-à-dire le sang de la nobilité qui régnait dans les temps féodaux, ainsi que la consanguinité, qui peut exister dans les familles nobles et que ne renie pas le Roi bleu lorsqu'il propose à sa fille de l'épouser. C'est un royaume clos sur lui-même et endogame, à l'image de son château tourné vers la cour intérieure. Le rouge du royaume où Peau d'âne se réfugie évoque au contraire une dimension révolutionnaire : c'est là que la jeune Princesse peut échapper à la volonté de son géniteur et de son roi, et là que le Prince daigne quitter sa réserve pour s'enquérir d'elle bien qu'elle ne soit plus princesse, mais souillon, et s'indigne de sa condition dans une réplique aux tendances socialisantes. Le blanc de l'innocence et de l'harmonie, qui sacre la résolution de tous les conflits, nimbe tous les personnages à la fin : la Princesse et le Prince, unis dans le mariage, le Roi rouge et la Reine rouge, qui se réjouissent de voir leur fils guéri, et le Roi bleu et la Fée des lilas, nouvellement fiancés et au sujet desquels on devine que la tension amoureuse a été résolue. Le violet, associé à la fée des Lilas, obtenu en mélangeant le bleu et le rouge, agit comme tampon entre les deux royaumes. En effet, la fée est celle qui permet au crime incestueux de ne pas avoir lieu. Dans un premier temps en venant en aide à la princesse car elle lui permet de s'enfuir. Puis en calmant les ardeurs du roi en l'épousant. Le blanc, qui est le résultat de l'addition de toutes les couleurs du prisme, est ainsi également la couleur de transition et d'unification qui fait le lien entre les personnages, à l'image du carrosse argenté tiré par des chevaux blancs et rempli de plumes, qui mène la Princesse du royaume bleu au royaume rouge,,. Dans les films de Demy plus particulièrement, le blanc est aussi la couleur de l'amour sublimé, de l'idéal poursuivi et du rêve.

La distinction entre les deux royaumes se poursuit dans les décors. Le château du Roi bleu apparaît comme une forteresse féodale imposante, tournée exclusivement vers la cour intérieure où la Princesse fait de la musique, tandis que celui du Prince paraît plus ouvert - le mariage prenant place à l'extérieur - et plus symétrique. Le domaine du Roi bleu est envahi par le végétal et l'animal, qu'il s'agisse des murs couverts de lierre, des statues vivantes ou du trône que constitue un gros chat blanc ; cette même atmosphère désordonnée baigne la clairière de la Fée des lilas, envahie de fragments de pierre qui cohabitent avec une végétation omniprésente. Au contraire, le château rouge est plutôt celui de l'ordre, de la soumission à l'homme et à son industrie, et du minéral : la pierre du château est nue et s'offre peu aux décorations, à l'exception de tableaux psychédéliques, similaires à ceux du château bleu, qui associent ainsi les deux royaume et peuvent annoncer plastiquement leur union finale,.

Demy est profondément influencé par l'univers du cinéma de Cocteau, notamment par son adaptation du conte La Belle et la Bête, sorti en 1946,. Tous deux se connaissaient depuis 1957. Le tournage deSOS Noronha, où Demy était assistant, a permis au jeune cinéaste de parler à Jean Marais de son désir de rencontrer le poète et, sur ses conseils, il parvient à approcher l'artiste qui a l'habitude de " recevoir " et se montre " très gentil ". Par la suite, le rapprochement entre les deux artistes et l'influence de Cocteau sur Demy seront souvent reconnus par les critiques,. Durant la préparation du film, Demy visionne de nombreuses fois la Belle et la Bête avec le directeur artistique Agostino Pace.

Le choix de Jean Marais pour le rôle du Roi bleu, lui qui incarnait la Bête chez Cocteau, est d'ailleurs lié à cette référence. Les deux rôles tenus par l'acteur présentent des similitudes vestimentaires, avec des manteaux aux manches bouffantes,, et incarnent l'objet du désir transgressif de l'héroïne : chez Cocteau, Belle ne voit la bête se transformer en homme qu'à regret, et chez Demy la Princesse présente une moue de désappointement en apprenant que son père a des projets de remariage avec la Fée. Sur le plan esthétique, la végétation qui envahit l'intérieur du château du Roi bleu n'est pas anodine ; de même, les statues animées dont le regard suit les protagonistes ainsi que les gardes immobiles et comme fondus dans les murs, tels des cariatides, rappellent dans la Belle et la Bête les objets vivants à apparence humanoïde. La chambre de la Princesse ressemble également à celle de Belle dans le château de la Bête, et l'idée des bougies qui s'allument toutes seules est empruntée à Cocteau, tout comme les portes qui s'ouvrent toutes seules. Le miroir magique dont se sert Peau d'âne pour espionner la réaction de son père rappelle aussi celui de la Belle, et la réplique de la marraine : " Les Fées ont toujours raison " fait écho à celle de Cocteau : " Les Faits ont toujours raison ". La course de peau d'âne reste aussi un hommage au cinéaste: une fois habillée de la peau de bête la princesse, désormais nommée peau d'âne, s'enfuit de chez son père en courant, dans une scène filmée au ralenti qui rappelle la scène de l'arrivée de la jeune Belle au château de la Bête. Ailleurs, le plan qui montre au spectateur le Prince s'approchant de face de la masure de Peau d'âne et se heurtant à une paroi invisible est très similaire au plan extrait du film (1950) dans lequel le poète, également joué par Jean Marais, se trouve incapable de traverser un miroir magique ; ce même film partage avec Peau d'âne le motif du reflet de soi dans une mare, saisi par Jean Marais chez Cocteau et par Catherine Deneuve chez Demy. Toujours dans la forêt, la rose que le Prince rencontre sur son chemin peut certes évoquer la Rose du Petit Prince, qui engage un dialogue philosophique avec le petit garçon tout comme procède celle de Demy avec le jeune homme, mais surtout rappeler la main du film Le Sang d'un poète (1930), qui elle aussi est dotée d'une bouche par laquelle elle peut s'exprimer. Enfin, l'hélicoptère nuptial de la Fée des lilas paraît faire écho dans le domaine anachronique aux motos funèbres qui ferment le film Orphée.

Fille du Roi bleu et désormais orpheline de mère, la Princesse est la seule à correspondre aux critères que respecte son père pour trouver une nouvelle épouse. Elle est ainsi la cible de son projet d'inceste, et Jacques Demy la présente comme un . La présence récurrente de colombes à son entour, dans la cour du château ou dans sa chambre, exalte son innocence et sa pureté face à l'immoralité du projet de son père. Mais, par une mise en abyme des principes des contes de fée, Peau d'âne décide de ne pas attendre le secours d'un prince charmant et choisit de prendre sa destinée en main : Ce n'est d'ailleurs que lors de son départ du château qu'elle obtient enfin un véritable nom, " Peau d'âne ", elle qui auparavant n'était désignée que par son titre et son lien avec son père. Elle fait preuve d'une force d'esprit inhabituelle aux princesses des contes de fées, notamment lorsqu'elle oppose à sa marraine sa volonté réelle d'épouser son père ou lorsqu'elle poursuit le Prince de ses avances, en l'éblouissant d'un éclat lumineux par son miroir ou avec la ruse de l'anneau dans le cake ,. Et au contraire d'une princesse qui serait éveillée par la venue de son prince charmant, c'est bien la Princesse qui tend la main au Prince et le libère de son enveloppe charnelle avant de l'emporter en songe.

Marraine de la Princesse, c'est elle qui lui souffle des subterfuges pour échapper à l'inceste. Au contraire du stéréotype de la fée marraine, qui est souvent la plus haute instance morale dans un conte, la Fée des lilas a beau distiller des bons conseils, elle n'est pas exempte d'arrière-pensées et n'agit que pour parvenir à ses propres fins : on apprend à la fin du film qu'elle va épouser elle-même le roi, et que ses stratagèmes visaient donc à éloigner une rivale de l'homme désiré et à assouvir une revanche personnelle,, d'autant plus cruelle qu'elle l'a fait traîner en longueur sur plusieurs épreuves, le sacrifice de l'âne banquier en étant le point culminant. Elle constitue de fait le personnage le plus subversif du film, surtout par rapport à son équivalent dans le conte : ici, c'est elle qui introduit les anachronismes. En plus de ceux présents dans sa vie quotidienne comme le téléphone ou l'usage du concept de " piles ", c'est elle qui donne le recueil de " poèmes des temps futurs " au Roi bleu ; elle se rend au mariage en hélicoptère ; et elle porte une coiffure à la Jean Harlow du style des années 1930, bien éloignée des perruques Louis XV des fées plus classiques, et elle trahit le modèle de moralité qu'elle est supposée incarner. Elle semble en fait mêler les caractéristiques de plusieurs femmes merveilleuses : à la fois fée marraine et prophétesse, puisque le Roi bleu loue sa " connaissance du futur ", la Fée est un personnage en dehors du temps, peut-être perdue entre passé et futur, en tout cas dépendante de la foi que les hommes ont en elle,. Sa couleur lilas, c'est-à-dire violette, représente également les " forces occultes " et les . Sa vivacité et surtout sa coquetterie semblent en partie héritées de l'adaptation du conte en vaudeville dans les années 1860-1870 : dans les deux œuvres, la Fée se plaint d'être surprise par sa filleule alors qu'elle n'a pas encore achevé sa toilette, puis lui conseille d'éviter les larmes pour préserver sa beauté. Jacques Demy avait d'abord envisagé de proposer le rôle à Anouk Aimée, qu'il avait déjà dirigée dans quelques années plus tôt, mais le rôle échoit finalement à Delphine Seyrig, dont Demy reconnaît " tout le talent " en jouant " une fée très humaine, assez égoïste et enquiquineuse ", . L'actrice est d'ailleurs une figure importante de l'émancipation féminine en France et paraît de la sorte faire écho au personnage de la Fée, très indépendante et en avance sur son temps.

À peine son veuvage entamé, le Roi bleu doit trouver une nouvelle épouse pour assurer un héritier au royaume. Ignorant l'intérêt que lui porte la Fée des lilas, il se rend compte que la seule femme du royaume qui réponde aux critères de sa défunte épouse n'est autre que sa propre fille. Généreux et résolu, il ne lui refuse aucun cadeau, même lorsqu'elle lui demande la peau de l'âne qui rend son pays si prospère. Lui-même paraît profiter du complexe d'Électre de sa fille : jusqu'à ce que la Princesse reçoive les conseils de sa marraine, elle ne semble pas opposée à l'idée d'un mariage, et lors de leurs retrouvailles à la fin du film, la nouvelle que son père prévoit d'épouser la Fée paraît provoquer chez la jeune fille une moue de déception,. À la différence du roi du conte, dont il est cyniquement dit qu'il pleure sa femme " comme un homme pressé qui veut sortir d'affaire ", son homologue chez Demy est un amoureux passionné qui bannit tout d'abord sa fille de sa vue afin que rien ne lui rappelle le souvenir de la défunte reine. Il est en réalité le seul à incarner, parmi les personnages, un désir physique de possession (au contraire du couple naïf que la Princesse va former avec le Prince), ce que manifestera un dernier regard lubrique lors des retrouvailles avec sa fille.

Prince d'un royaume voisin à celui du château bleu, le Prince cherche l'amour véritable. Cette quête apparaît pourtant à plusieurs égards comme un caprice d'enfant : il feint une maladie que les médecins ne parviennent pas à soigner afin de pouvoir rester au lit en permanence et rêver à la Princesse qu'il a furtivement aperçue dans les bois. Il n'hésite pas à user de la bonne volonté de ses parents, prêts à tout pour rétablir sa santé inquiétante, en exigeant que Peau d'âne lui cuisine un cake et que soit organisée une séance d'essayage de la bague pour toutes les jeunes filles du royaume, y compris les domestiques au travail, alors même qu'il sait déjà que le bijou ne peut appartenir qu'à Peau d'âne. Là est d'ailleurs le paradoxe : c'est en imposant par caprice la cérémonie de l'essayage, qui semble profondément ennuyer ses parents, que le Prince pourra faire reconnaître officiellement la Princesse et ainsi ne pas être taxé de caprice. La rêverie qu'il partage avec la Princesse est d'ailleurs de l'ordre du rêve enfantin : alors même qu'ils sont émancipés de toute surveillance des adultes et de toute responsabilité liée à leur rang dans leur royaume respectif, les deux jeunes gens choisissent de poursuivre leurs jeux d'enfants, en roulant dans l'herbe ou en se gavant de pâtisseries. Jacques Demy a d'ailleurs fait supprimer certaines répliques au sous-entendu érotique, initialement prévues dans les paroles de la chanson Rêves secrets d'un prince et d'une princesse, qui donnaient aux rêves des deux jeunes gens une dimension plus adulte : .

Selon sa fille Rosalie Varda, Demy tient .

" Je voulais avoir d'un côté le sujet enfantin, merveilleux, qui plairait aux gosses et la vision adulte d'un récit complètement pervers devant lequel le public se mettra ou non des œillères selon son degré de puritanisme. Le scénario est truffé de pièges. C'est l'histoire d'une libération. Au début du voyage, il y a les fantasmes, puis le passage dans l'autre monde provoque une série de déblocages avec la scène du rêve, puis celle de l'essayage de l'anneau... "

Mais le réalisateur se réclame avant tout d'un " conte de fées réaliste ", qui comporterait des personnages aux réactions crédibles pour que le merveilleux intervenant dans ce contexte soit plus étonnant.

La critique américaine Anne E. Duggan, qui a écrit un ouvrage sur la dimension du genre dans l'œuvre de Demy, voit également dans Peau d'âne une volonté de défier aussi bien les canons esthétiques que les normes hétérosexuelles, illustrée notoirement par le thème de l'inceste.

Le thème de l' inceste, qui fait l'originalité du conte de Perrault, est préservé dans la relecture plus moderne de Demy, qui reconnaît son aspect " obscène, presque pornographique ", ce pourquoi . Mais au contraire du conte, si ici le Roi prend, seul, la décision d'épouser sa fille, celle-ci n'y répugne pas et oppose aux arguments de sa marraine son propre amour pour son père, poussant ainsi certains critiques à évoquer le complexe d'Électre au sujet de l'attirance d'une fille pour son père. Demy lui-même, sans pousser l'exégèse, peut faire allusion à la thèse du psychanalyste Carl Jung lorsqu'il place des idées identiques dans la bouche d'un personnage. Anne E. Duggan voit dans ce personnage une distanciation des princesses des contes de fées classiques, qui n'existent que par rapport à leur prince et font preuve de passivité ; contrairement à ces dernières, la Peau d'âne de Demy n'hésite pas à faire valoir ses sentiments pour son père et semble manipuler magiquement le Prince pour l'apercevoir d'un angle avantageux, lors de la scène de la masure. Le Prince est d'abord bloqué par un mur invisible puis n'a d'autre choix que de grimper vers une lucarne, ce qui permet à la Princesse de contrôler la façon dont elle lui apparaît et de l'observer à son aise avec son miroir. Elle se montre ainsi active dans la poursuite du Prince, l'éblouissant d'un éclat lumineux et glissant délibérément sa bague dans le cake (ruse néanmoins déjà présente dans le conte). Elle est en position de force par rapport aux héroïnes classiques et apparaît comme une figure de la transgression des règles du genre. L'inceste même n'apparaît pas condamnable : les deux personnages concernés sont favorables au mariage et, si la Fée des lilas décourage sa filleule, c'est au nom de " questions de culture et de législature ", non pas au nom de la décence. L'amour n'est pas vraiment distinct de la dépravation, estime la critique Amy Herzog, en particulier au sujet de la scène durant laquelle la Princesse chante Amour, Amour tandis que son père la contemple d'une fenêtre du château : la reprise risible du refrain par le perroquet et les paroles qui scellent l'amour comme une expression de la folie (" L'amour fait souvent grand tapage / Au plus bel âge / Il crie, il déchire, et il ment / Pauvre serment ") concourent à cette analyse.

Le Prince, quant à lui, est à la recherche du grand amour et se voit guider par une rose sensuelle aux lèvres charnues et érotisées ( personnifiée à l'image des femmes-fleurs de Grandville) qui lui indique le chemin pour trouver la Princesse. Pourtant, les interactions entre la Princesse et le Prince eux-mêmes sont peu romantiques et semblent davantage relever d'un amour fraternel, en partie incestueux ; et à la fin de l'histoire, au contraire de Perrault qui laisse les deux personnages se réjouir seuls du mariage de la Princesse, Jacques Demy fait du Roi bleu et de la Fée des lilas des amants. Les paroles ambigües de la Fée, au moment où elle conseille à sa filleule de fuir le Roi, prennent alors tout leur sens : sa motivation à aider sa filleule tenait aussi et surtout d'un empressement à éloigner une rivale prétendant aux affections du Roi, et la Fée apparaît alors pourvue d'immoralité, déjouant le stéréotype établi dans les contes. La moue qu'adopte la Princesse à la nouvelle de ces fiançailles paraît alors exprimer sa déception face à la perte du véritable homme aimé, déception identique à d'autres dans les films de Demy (tels Lola ou les Parapluies de Cherbourg) : selon Anne E. Duggan, avec ce mariage contracté par pures considérations sociales envers un homme ayant une bonne situation, la fin de l'histoire ne satisfait pas nécessairement les désirs non conventionnels de l'héroïne. La sempiternelle ritournelle propre aux contes de fées, qui assure bonheur et stabilité au couple de héros, est ainsi remise en question. Les passions intimes sont refoulées : " tout n'est que rapports de force ", estime Jean Douchet dans les Cahiers du cinéma, entre la brutalité du désir du Roi bleu, les manigances de la Fée marraine, la société moqueuse de la ferme, les caprices du Prince qui obtient ce qu'il veut, et la Peau d'âne-souillon qui commande à la Peau d'âne-princesse lors de la scène du cake. Le laid est transfiguré et le beau promulgué au nom de " l'amour de l'amour ".

Le miroir, instrument du reflet et du doute, est un motif qui revient à plusieurs reprises tout au long du film comme pour interroger l'exactitude des personnages. La sincérité des sentiments est en effet un thème central de l'œuvre : Peau d'âne se demande si son attachement pour son père est suffisant pour l'épouser, le Prince se désespère de ne pas trouver le véritable amour, la Fée masque derrière son souci de protection de sa filleule une passion jalouse pour le Roi bleu, et ces recherches de la vérité se heurtent au parti pris de Demy, qui joue avec la fausseté assumée des décors et des anachronismes. Le perroquet lui-même, qui reprend les refrains de la chanson Amour, Amour, risquerait de déformer la réalité par effet de psittacisme, et la constante confrontation entre le merveilleux et l'anachronique ne contribue pas à la compréhension. Le miroir, célébration de frivolité et de superficialité par laquelle on vérifie son apparence, apparaît notamment lorsque la Princesse rend visite à sa marraine, qui la réprimande pour l'interrompre dans sa toilette avant même qu'elle ne soit présentable. La subséquente crise de larmes de la Princesse élicite chez la Fée un comportement qui illustre encore davantage sa coquetterie : après lui avoir déconseillé de pleurer, les larmes étant selon elle néfastes pour la beauté du visage, elle finit sa toilette par quelques essais de robes dont elle fait varier la couleur. Mais Demy semble valoriser cet aspect du personnage, qui accorde ainsi davantage d'importance aux apparences qu'à la question morale de l'inceste. Le miroir se fait encore voir lorsque la Princesse obtient les trois robes qu'elle a demandées comme défis auprès de son futur époux : elle se regarde elle-même et se fait regarder par les tailleurs. Il en est de même lorsqu'elle revêt la peau de l'âne : c'est un miroir qui lui sert à déplorer sa transformation. Un miroir apparaît encore pour lui permettre de se coiffer les cheveux ; puis plus tard, à l'instar de Narcisse, la jeune fille aperçoit dans la forêt son reflet dans une mare. Cette dernière scène a d'ailleurs été tournée avec une glace : pour rendre hommage à une gravure particulière de Gustave Doré, une pièce d'eau a été créée de toutes pièces à l'aide d'un miroir recouvert d'eau teintée.

Mais, s'il sert de moyen de glorification, le miroir est aussi le support de la désillusion, illustrant la différence entre la jeunesse virginale de la Princesse et l'âge plus avancé de sa marraine à la manière du miroir de Blanche-Neige, qui annonce à la reine maléfique qu'elle a été surpassée en beauté. Il tend ainsi à renvoyer davantage le reflet de la jeune fille que celui de la Fée des lilas : lors de la première apparition de celle-ci, c'est Peau d'âne qui remplit le cadre du miroir, et il en va de même lorsque la Fée mentionne le déclin de ses charmes, qu'elle compare à des batteries usées. La ressemblance entre la Fée et la belle-mère maléfique de l'adaptation par Disney est accentuée par d'autres similitudes comme la composition chromatique de l'image et la collerette de la robe. Un col identique apparaît par ailleurs à la fin du film sur la tenue de mariée de la Princesse, cette fois-ci, comme pour signifier qu'avec son choix de mariage conventionnel, ayant refusé de céder à la tentation de l'inceste, l'héroïne s'expose au risque de se voir par la suite défiée en beauté par de plus jeunes rivales. D'autre part, le miroir magique dans lequel apparaît brièvement le Roi bleu lorsque sa fille l'épie constitue la seule apparition du personnage entre le moment où elle le quitte et celui où il la rejoint pour les noces finales. Une telle disparition et cette mise hors-fiction pourraient être à imputer aux exigences de la Princesse, qui a initialement réclamé la peau de l'âne, soit l'équivalent métaphorique de la puissance du roi, et l'a ainsi sacrifié comme en réponse à la folie de l'inceste.

Le miroir est enfin un moyen de communication équivoque, qui met en relations des univers pour qui sait comment y regarder. C'est dans celui de la Princesse que la Fée apparaît pour la première fois à l'intérieur du château, ayant quitté son repaire forestier. C'est d'un autre miroir dont l'héroïne se sert, depuis sa cabane, pour observer la réaction de son père une fois qu'elle a fui le château. La rencontre avec le Prince a aussi lieu par miroirs interposés, chacun n'apercevant l'autre que par son reflet, lui dans le grand miroir grâce auquel elle fait sa toilette, et elle dans le petit qu'elle utilise plus discrètement. Mais le jeune homme paraît aveuglé par cette image de la Princesse dans sa robe du soleil, si bien qu'il ne lui reste qu'à détourner les yeux et s'enfuir. Il ne paraît pas encore prêt à la rencontrer. La fin du film semble néanmoins proposer une résolution positive sur le plan des sentiments : lorsque l'héroïne retire sa peau puis marche avec le Prince vers le trône, face à la caméra, la scène suivante les observe de dos s'éloignant vers leurs témoins, comme s'ils avaient enfin franchi le miroir et achevé leur métamorphose.

Deux types d'apparences priment dans le film : le noble et le vulgaire, ou le beau et le laid. Dès le début du conte, le vulgaire se mêle au noble : c'est grâce à l'âne qui pond de l'or que le Roi bleu est prospère en son royaume, un miracle qui a des relents de scatophilie. Et si la richesse du royaume bleu et du royaume rouge est bien transmise par l'opulence des décors et des costumes, Peau d'âne la souillon fréquente un monde de laideur, obéissant à une femme qui crache des crapauds et chargée des auges des cochons. Ce sont d'ailleurs des blanchisseuses qui sont les premières à se moquer de l'apparence de la jeune fille. Et pourtant, le monde ne semble exister que pour le beau : les déjections de l'âne sont valorisées pour ce qu'elles représentent aux yeux du roi, la robe " couleur de temps " demandée sans davantage de précision est confectionnée de sorte à représenter le " beau temps ", et la première action de Peau d'âne en entrant dans son nouveau logis est de faire le ménage.

Cette dualité est à son paroxysme pendant la scène dite " du cake d'amour ", lorsque la caméra présente aux fourneaux une héroïne dédoublée, à la fois princesse en tenue de soleil et souillon parée d'une Peau d'âne, mélangeant l'or de sa robe à la crasse de la dépouille animale. C'est en fait le lieu même de la masure qui incarne la liminarité, où se côtoient indifféremment le propre et le sale, à travers les objets que l'héroïne a fait apparaître avec sa baguette magique. Cette domestication du taudis reflète, selon la chercheuse Kristen Ross, un comportement social propre à l'époque des Trente Glorieuses en France et que Walt Disney avait par ailleurs incorporé dans sa version de Blanche-Neige, dont Jacques Demy dit qu'elle lui venait à l'esprit à chaque fois qu'il pensait à la conception de cette scène. L' héroïne de Disney est ainsi une domestique en haillons qui cherche à marier la bonne gestion de son foyer et le maintien de son noyau familial, constitué par les sept nains. Demy paraît dans cette perspective proposer une relecture comique voire parodique de cette scène, magnifiant le fossé entre la Princesse vêtue d'une robe splendide mais peu pratique et son double drapé d'une peau de bête.

La scène du cake, qui fait coexister la princesse et la souillon dans un lieu dépourvu du bleu ou du rouge, marque également le milieu du voyage de la jeune fille, momentanément bloquée entre les deux châteaux qui lui sont tous deux inaccessibles, et donc entre deux identités inachevées. Il n'y a aucun point de rencontre entre ces trois lieux, et si la masure semble située au milieu du voyage de l'héroïne, elle n'en apparaît pas moins détachée du reste, comme détachée dans le temps : les mouvements se font au ralenti, les habitants de la ferme sont suspendus comme dans une dilatation de l'instant, et le Prince parvenu jusque-là est empêché d'approcher par une muraille invisible. Elle apparaît " hors-jeu " et permet de regarder ou bien en arrière ou bien en avant (le Roi puis le Prince apparaissent ainsi tour à tour dans les miroirs). Tout déplacement, exprimé par l'intermédiaire des changements de décors, tient davantage de la mutation d'une enveloppe et du récit que du passage d'un plan à un autre, puisque ses thématiques changent avec lui. Serge Daney prend l'exemple de la transition du propre au sale : l'héroïne ne quitte son identité de Princesse que lorsqu'elle revêt la peau de l'âne, brisant de la sorte la chaîne " or-âne-château " ; cela n'avait précédemment pas pu être obtenu par la Fée lorsqu'elle avait tenté d'empêcher l'union du Roi et de la Princesse par l'épreuve des robes somptueuses, qui appartiennent à la série du propre. La masure, elle, accueille chaque élément du film à la fois dans la série du propre et dans celle du sale : y coexistent en même temps les meubles luxueux que la Princesse a fait apparaître et les éléments misérables d'une cabane au beau milieu d'une forêt.

La rêverie des deux amoureux, au son de la chanson " Rêves secrets d'un prince et d'une princesse, dissimule un manifeste hippie et un appel à enfreindre les interdits dans ses paroles équivoques : " Nous ferons ce qui est interdit / Nous ferons tous des galipettes / Nous irons ensemble à la buvette / Nous fumerons la pipe en cachette / Nous nous gaverons de pâtisseries ". Nombreux sont les critiques, et même Rosalie Varda, la fille de Demy, qui voient derrière cette " pipe " des ,, alors en vogue dans les milieux que fréquentaient Demy et Agnès Varda pendant leur séjour américain. L'expérience hippie du réalisateur imprègne en effet le film, cette rêverie tout particulièrement : les champs sont parsemés de curieuses fleurs colorées, la boisson coule à flots sur la table de banquet, les deux jeunes gens font vœu de rébellion () puis se laissent glisser au fil de l'eau en fumant le narguilé... Même la barbe du Roi rouge, homme peu disert mais à l'apparence bonhomme, évoque le substances prohibées " Flower Power (" pouvoir des fleurs ") du mouvement hippie. Le gâteau, est l'un des nombreux exemples d'ambiguïté : d'aucuns choisissent d'y voir un cake que réclame le Prince, utilisant le terme anglais désignant un space cake, pâtisserie contenant du cannabis que la famille Demy-Varda avait eu l'occasion d'expérimenter en Californie.

Peau d'âne apparaît ainsi comme un " rêve sous hallucinogènes ", profondément ancré dans la contre-culture des années 1960 déjà représentée dans Model Shop, le précédent film de Demy.

Notes et références

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Jean-Pierre Berthomé, Jacques Demy et les Racines du rêve, Nantes, L'Atalante, , 3e éd., 508 p. (ISBN 978-2-84172-678-3 ) .

Carole Desbarats, " Peau d'âne " : Jacques Demy, Paris, CNC / Films de l'Estran, coll. " Collège au cinéma ", 24 p.

(en) Anne E. Duggan, Queer Enchantments : Gender, Sexuality, and Class in the Fairy-Tale Cinema of Jacques Demy, Wayne State University Press, , 208 p. (lire en ligne) .

Alain Philippon, Cahier de notes sur... " Peau d'âne ", Paris, Les Enfants de cinéma, coll. " École et cinéma ", , 24 p. (ISSN 1631-5847, lire en ligne) .

Rosalie Varda-Demy et Emmanuel Pierrat, Il était une fois " Peau d'âne ", Éditions de La Martinière, , 243 p. (ISBN 978-2-7324-6486-2 ) .

Camille Taboulay, Le Cinéma enchanté de Jacques Demy, Cahiers du cinéma, , 190 p. (ISBN 2-86642-167-1 ) .

Claude Bouniq-Mercier, Guide des Films P-Z (sous la direction de Jean Tulard), vol. 3, Paris, Robert Laffont, coll. " Bouquins ", , 3704 p. (ISBN 9782221104538 ), p. 2470 .

Chritian Soleil, Jean Marais : La voix brisée, Saint-Etienne, Actes Graphiques, , 255 p. (ISBN 2-910868-42-7 ), p. 208, 250 .

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Peau d'âne est un film musical français écrit et réalisé par Jacques Demy, sorti en 1970. Inspiré de de Charles Perrault, paru en 1694, le film reprend l'intrigue traditionnelle du conte : une princesse forcée d'épouser son père fuit son royaume en se dissimulant sous une Peau d'âne.

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L’exposition virtuelle retrace l’histoire des contes de fées en une centaine d’images et permet à l’internaute de voyager au pays des fées. Le dossier propose un approfondissement autour des trois thèmes suivants : de l’oral à l’écrit ; les ingrédients du conte ; le conte et ses variantes. Le Petit…

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Catherine Dorléac, dite Catherine Deneuve, est une actrice française née le à Paris.

Considérée comme l'une des plus grandes actrices françaises de sa génération et de la seconde partie du siècle, elle est l' égérie de réalisateurs comme Jacques Demy, François Truffaut ou André Téchiné. Elle compte dans sa filmographie plusieurs autres grands noms de l' histoire du cinéma, comme Luis Buñuel, Roman Polanski, Mauro Bolognini, Robert Aldrich, Marco Ferreri, Dino Risi, Tony Scott, Manoel de Oliveira, Raoul Ruiz, Hirokazu Kore-eda ou encore Lars von Trier.

Au cours de sa carrière, elle a interprété de nombreux rôles marquants en explorant différents genres, passant de la comédie au drame, du film historique au film musical, ou encore du thriller au fantastique. Parmi les films les plus célèbres se trouvent Les Parapluies de Cherbourg, Belle de jour, Le Dernier Métro ainsi qu'. Nommée à Oscar de la meilleure actrice, elle a remporté de nombreuses récompenses, notamment deux Césars de la meilleure actrice et un prix d'interprétation ou d'honneur dans les trois plus grands festivals de cinéma : Cannes, Venise et Berlin.

Le père de Catherine Dorléac est l'acteur Maurice Dorléac (1901-1979). Il travaille au théâtre et au cinéma mais également comme directeur de doublage à la Paramount Pictures. Sa mère, Renée Simonot (1911-2021), dont Catherine utilise le véritable patronyme, " Deneuve " (Simonot n'étant qu'un nom de scène), est une ancienne pensionnaire du théâtre de l'Odéon où sa grand-mère avait été souffleuse.

Née cité des Fleurs, dans le arrondissement de Paris, Catherine Dorléac est la troisième des quatre filles de la famille ; ses trois sœurs sont Danielle (née le , fille du comédien Aimé Clariond), Françoise (née le , morte le dans un accident de voiture sur l' autoroute Esterel-Côte d'Azur) et Sylvie (née le ), toutes deux actrices. Elle grandit au 146 du boulevard Murat () et elle est scolarisée dans ce quartier, au lycée Jean-de-La-Fontaine.

Alors petite fille, elle double comme sa sœur Françoise des voix d'enfants dans des films de la Paramount.

Catherine Deneuve fait ses premiers pas dans l'univers du cinéma à l'âge de treize ans avec une figuration dans la comédie dramatique Les Collégiennes d' André Hunebelle, film sorti en 1957,. Trois ans plus tard, elle se laisse convaincre par sa sœur Françoise Dorléac de faire des essais pour jouer sa cadette dans le film Les portes claquent. Si le réalisateur Jacques Poitrenaud finit par l'engager pour le rôle, elle n'est pas convaincue de vouloir poursuivre une carrière d'actrice : " Ma sœur, elle, avait fait le conservatoire, elle faisait du théâtre et pour moi, c'était elle l'actrice. Je l'ai accompagnée parce que ça m'amusait de jouer sa sœur dans un film mais je ne pensais vraiment pas à continuer. Ça ne m'attirait pas ". Afin de ne pas être confondue avec sa sœur, elle choisit de prendre le nom de sa mère et se voit désormais créditée aux génériques sous le nom de Deneuve, ce qui restera pour elle parfois un regret : " Il n'y a rien à faire, Deneuve ne sera jamais mon nom. C'est mon nom d'actrice ".

En 1960, l'acteur " La révélation du film, c'est une petite personne exquise qui s'appelle Catherine Deneuve. Discrète, sans être empaillée, proprette sans être banale, ingénue sans être niaise, et jolie si jolie, sans en avoir l'air de le savoir. Elle devrait être, d'ici trois mois, la proie favorite des metteurs en scène, fatigués du style Mel Ferrer qui, lui trouvant une ressemblance avec son épouse Audrey Hepburn, la fait engager sur le drame L'Homme à femmes avec également Danielle Darrieux. Sa participation au film fait dire à la journaliste France Roche : Saint-Germain-des-Prés ".

En 1961, elle donne la réplique à Johnny Hallyday (avec lequel elle restera proche), dans l'un des sketchs de la comédie Les Parisiennes de Marc Allégret. Sur le tournage, elle fait la rencontre du réalisateur et scénariste Roger Vadim, de quinze ans son aîné. Si leur liaison, débutée en 1961 et terminée en 1964, apporte une certaine notoriété à Catherine Deneuve, elle est toutefois perçue plus comme une personnalité publique que comme une actrice. En 1963, année de la naissance de leur fils Christian Vadim, le réalisateur lui offre son premier grand rôle sur le thème du marquis de Sade et du nazisme dans Le Vice et la Vertu.

Catherine Deneuve est choisie, dès 1961, par Jacques Demy pour tenir le rôle principal de son nouveau film, Les Parapluies de Cherbourg. Le film ne se fait que deux ans plus tard, l'actrice etant alors enceinte et de ce fait, le réalisateur accepte de repousser le tournage du film. Contrairement aux comédies musicales traditionnelles, Les Parapluies de Cherbourg est un film entièrement chanté, le souhait de Jacques Demy étant d'en faire un " opéra populaire ". Sur la musique de Michel Legrand, Catherine Deneuve interprète Geneviève, une vendeuse de parapluies qui, sous la pression de sa mère, accepte d'épouser un riche bijoutier alors qu'elle est amoureuse, et enceinte, de Guy, un garagiste parti combattre en Algérie. Présenté au festival de Cannes de 1964, ce conte à la fois poétique et cruel reçoit un accueil triomphal et est récompensé par la Palme d'or. Il connaît un immense succès critique et populaire, et lance définitivement la carrière de Catherine Deneuve : " Jacques Demy est le premier metteur en scène qui m'ait vraiment regardée, vue. Quelque chose m'a révélée, rassurée et confortée dans l'idée que je pouvais faire quelque chose auquel je ne croyais pas beaucoup, non pas parce que j'avais des doutes, mais parce que j'avais un doute beaucoup plus profond, sur l'idée qu'on peut faire quelque chose de particulier, qu'on est unique et qu'il m'a donné le sentiment que j'étais unique et qu'il m'avait choisie parce qu'il me trouvait différente, et ça confortait ma timidité et mon orgueil ".

Sur le tournage des Parapluies de Cherbourg, Catherine Deneuve rencontre le jeune réalisateur franco-polonais Roman Polanski qui vient de réaliser son premier long métrage, Le Couteau dans l'eau. Bien que " fascinée par ce personnage incroyable, avec ce regard très intense, tout le temps partout, incroyablement vivant ", elle refuse de jouer dans l'adaptation qu'il a écrite de Naïves Hirondelles d'après Roland Dubillard, considérant qu'il s'agit d'un rôle d'idiote. Alors qu'elle commence à regretter sa décision, le cinéaste lui propose un nouveau projet d'après un scénario original qu'il a co-écrit avec Gérard Brach et que Catherine Deneuve finit par accepter avec enthousiasme. Dans , elle incarne une jeune femme schizophrène que la répugnance envers la sexualité entraîne au meurtre. Le réalisateur et son actrice deviennent proches pendant le tournage qui a lieu à Londres. Pour Roman Polanski, travailler avec elle est " comme danser le tango avec une cavalière particulièrement adroite ". Récompensé de l' Ours d'argent lors de la Berlinale 1965, le film rencontre un succès aussi bien critique que public. Le New York Times juge la performance de Catherine Deneuve " tout simplement splendide ". Répulsion reste pour l'actrice un " merveilleux souvenir ", grâce notamment à sa rencontre avec Polanski : " J'ai énormément d'affection pour lui. Je trouve que c'est quelqu'un qui a eu un destin extrêmement tragique, qui est doté d'une incroyable pour avoir surmonté tout ça... Et je ne pense pas seulement à la mort de sa femme, je pense à tout, à la mort de ses parents, au ghetto, au fait qu'il lui est interdit d'aller ou de travailler en Amérique, qu'il a été accusé de viol, je trouve que c'est un destin très noir. Mais il a surmonté tout cela ".

Catherine Deneuve s'illustre ensuite dans la comédie avec " J'ai un souvenir extraordinaire de ce tournage, surtout à cause de Françoise. La Vie de château. Premier long métrage de Jean-Paul Rappeneau, ce dernier imagine l'histoire d'un couple que tout oppose durant la Seconde Guerre mondiale, : Jérôme, un homme tranquille et casanier, et Marie, jeune femme débordante d'énergie qui, excédée par le flegme de son mari, tombe sous le charme d'un résistant. Le film qui marque sa rencontre avec Philippe Noiret est un grand succès public, attirant plus de 1,7 million de spectateurs. En 1967, l'actrice retrouve Jacques Demy pour le film musical Les Demoiselles de Rochefort dans lequel elle donne la réplique à sa sœur Françoise Dorléac autour d'une distribution internationale comprenant Gene Kelly, George Chakiris et Danielle Darrieux. Le film raconte l'histoire de sœurs jumelles, professeurs de danse et de musique, qui rêvent de monter à Paris et qui saisissent l'occasion lorsqu'une troupe de forains passe en ville. Aujourd'hui considéré comme un chef-d'œuvre de l'histoire du cinéma,, à l'instar des Parapluies de Cherbourg, Les Demoiselles de Rochefort connaît un grand succès lors de sa sortie en salles et permet à Catherine Deneuve et Françoise Dorléac de se rapprocher : Les Demoiselles ont beaucoup contribué à nous rapprocher physiquement. Même si nous nous téléphonions, nous vivions dans des univers différents, et finalement nous ne passions pas tellement de temps ensemble. Le film de Demy nous a permis de nous retrouver. En plus, comme nous sommes jumelles dans le film. cette relation a contribué à nous replonger dans l'atmosphère de notre adolescence ". Le film restera cependant longtemps un souvenir malheureux pour Catherine Deneuve en raison du décès de Françoise Dorléac, survenu peu de temps après la sortie du film.

La même année sort dans les salles " Quand Buñuel m'a proposé ce rôle, j'ai accepté sans hésiter, mais c'était aussi audacieux à l'époque et un peu risqué pour moi. J'avais 23 ans ; pour tout le monde, j'étais la jeune fille romantique des Belle de jour, libre adaptation du roman éponyme de Joseph Kessel confiée à Luis Buñuel par les producteurs Hakim qui ont souhaité le voir porter à l'écran avec Catherine Deneuve dans le rôle titre. Le réalisateur se montre séduit par la jeune comédienne dont il dira : " son genre m'a paru convenir pour le personnage : très belle, réservée et étrange ". Le film relate l'histoire d'une jeune bourgeoise timide, amoureuse de son mari et apparemment frigide, qui décide, à force de rêveries sado-masochistes, de combler son oisiveté en se prostituant. À cette époque, Catherine Deneuve joue souvent des rôles de jeunes femmes soumises aux conventions sociales. Avec Belle de jour, cette image cinématographique de soumission à la tradition avec un érotisme parfois violent, mais jamais affiché, exprime les bouleversements sociaux en cours : Parapluies de Cherbourg ". Avec Belle de jour, Catherine Deneuve incarne le fantasme de la transgression, tout en respectant prudemment les conventions sociales. Elle forge son image et trouve un impact auprès du public à une époque de transition entre classicisme et modernité, tradition et émancipation. Si sa rencontre avec le cinéaste figure parmi les plus importantes de sa vie, leurs relations pendant le tournage s'avèrent tendues en raison de leurs caractères opposés : " Ça a été un tournage très difficile pour moi, même si je n'ai jamais remis en cause l'admiration que j'avais pour le talent de Buñuel. Mais je crois qu'il voulait faire un film beaucoup plus audacieux sur le plan physique et je me suis braquée. Je pense que pour le film, c'était mieux. Je ne dis pas que j'ai eu raison, mais je crois que le fait d'avoir refusé les scènes de nudité qui n'étaient pas dans le scénario a servi le film : l'intensité érotique est passée autrement, elle s'est déplacée ". D'abord interdit par la censure française puis autorisé au prix de coupures, Belle de jour attire plus de deux millions de spectateurs et remporte le Lion d'or à Venise.

Également en 1967, alors que doivent débuter les prises de vues de son nouveau film, la comédie Benjamin ou les Mémoires d'un puceau de Michel Deville, Catherine Deneuve doit faire face à la mort de sa sœur Françoise, décédée dans un accident de la route, le à l'âge de 25 ans. Sa perte représente pour Catherine Deneuve " la déchirure la plus importante de ma vie ". Néanmoins, elle entreprend peu de temps après le tournage de Benjamin " dans un véritable état d'anesthésie, en prenant beaucoup de calmants sans doute. Je ne sais pas vraiment comment j'ai pu. D'une certaine façon, j'ai dû sentir que le film m'aiderait à survivre... J'étais tellement détruite, je souffrais tant, que là au moins, j'avais l'impression que je serais entourée, que j'étais contrainte de faire des choses. Si je n'avais pas été obligée de me lever, de parler, d'accomplir certains gestes, je ne sais pas dans quoi j'aurais sombré. Tout valait mieux que de rester seule ". Le film suivant, de Jean Aurel, adaptation contemporaine du roman Manon Lescaut de l' abbé Prévost sortie en 1968, n'est pas, de son propre aveu, une grande réussite. La même année, elle tourne , adaptation du roman éponyme de Françoise Sagan, sous la direction d' Alain Cavalier et dans lequel elle joue une jeune femme vénale qui hésite entre son amant mondain, un industriel fortuné, et un jeune intellectuel avec qui elle entreprend une liaison passionnelle.

Sur le tournage de Belle de jour, les frères Hakim proposent à François Truffaut de produire son prochain film à condition qu'il prenne pour vedette Catherine Deneuve. Dès leur première rencontre, le réalisateur est immédiatement séduit par l'actrice et l'imagine d'emblée dans le rôle principal de l'adaptation du roman Waltz into Darkness de William Irish qu'il souhaite faire : " Ce que j'aime en elle, c'est son mystère. Elle se prête admirablement aux rôles qui comportent un secret, une double vie. Catherine Deneuve ajoute de l'ambiguïté, à n'importe quelle situation, n'importe quel scénario, car elle donne l'impression de dissimuler un grand nombre de pensées secrètes qui se laissent deviner à l'arrière plan... ". À la suite de différends avec les producteurs, Truffaut rachète les droits et se lance seul dans l'adaptation du roman qu'il rebaptise La Sirène du Mississipi. L'histoire est celle d'un amour passionnel entre un riche industriel français, joué par Jean-Paul Belmondo, et une usurpatrice, jouée par Deneuve. Le scénario, dont l'action se déroule entre la Réunion, la Côte d'Azur et l'Isère, est tourné dans l'ordre chronologique, le réalisateur ayant refusé d'écrire les dialogues à l'avance, comme l'expliquera plus tard Catherine Deneuve : " Il écrivait la veille au soir les dialogues du lendemain ; c'était assez périlleux, surtout sur un si long tournage, trois mois... On avait parfois des difficultés, on manquait de recul, on ne pouvait pas discuter les dialogues mais, en même temps, ce risque était passionnant ". Le film sort en 1969 et, malgré un score de plus d'un million d'entrées, il est médiocrement accueilli par un public sans doute déçu de ne pas retrouver l'image de héros positif et désinvolte qui a tant fait pour le succès de Belmondo au cinéma.

À cette époque, l'actrice est vue comme " l'étoile la plus brillante du cinéma français ". Le magazine estime que sa présence sur l'écran est à la fois " ravissante et poétique, mais elle peut être acérée et agressive. Elle est romantique et acide, voluptueuse et pure. Frigide, apparemment, et vicieuse à froid quand un personnage l'exige. Elle garde dans sa façon de se comporter dans les films une autonomie, une distance singulière et envoûtante que l'on ne croyait plus permise : celle de Greta Garbo ". À l'instar de cette dernière, Catherine Deneuve s'évertue à préserver sa vie privée, ce qui lui permet, selon le magazine Paris Match, d'augmenter " le mystère que dégage la star et de renforcer son statut et son aura ". L'actrice commence alors à susciter l'enthousiasme des studios américains. Elle participe à une superproduction au casting international, de Terence Young, qui retrace la tragique histoire d'amour de l'archiduc Rodolphe d'Autriche et sa maîtresse Marie Vetsera. Après Brigitte Bardot et Jeanne Moreau, l'actrice est la seule star française à faire la une de ainsi que celle de qui la proclame " the most beautiful woman in the world ". Elle est ensuite engagée à Hollywood pour jouer dans la comédie Folies d'avril, aux côtés de Jack Lemmon. Ces deux expériences n'étant convaincantes ni pour la presse, ni pour elle-même, Catherine Deneuve prend ses distances avec le cinéma américain et refuse notamment d'incarner une James Bond girl dans Au service secret de Sa Majesté. Elle accepte toutefois de tourner sous la direction d' Alfred Hitchcock dans un film d'espionnage The Short Night mais le projet, maintes fois repoussé, ne verra pas le jour et restera l'un des plus grands regrets de l'actrice.

Son ascension dans les années 1960 fait d'elle, à l'aube de la nouvelle décennie, l'une des vedettes françaises les plus célèbres, tant sur le plan national qu' international. En 1970, elle confirme sa légitimité d'actrice avec le drame de " Luis Buñuel, l'histoire d'une jeune femme recueillie par un notable de Tolède et qui finit aigrie, malade et amputée d'une jambe. Malgré le tournage difficile de Belle de jour, Catherine Deneuve est séduite par le scénario et, travailler de nouveau avec le réalisateur lui semble important. L'expérience se révèle plus heureuse que la précédente : Tristana est un de mes grands souvenirs. Le tournage s'est très bien passé. Buñuel était revenu en Espagne et j'étais attirée par le mystère de ce personnage féminin, son comportement, ses pulsions. La différence du cinéma avec le roman, c'est qu'on peut dire des choses avec les mots et en exprimer d'autres, en jouant. Dans Tristana, il y avait eu l'idée du mensonge et du détournement des mots. Les acteurs réagissent mieux quand on leur demande ce qui correspond à leur nature profonde. Voilà ce qui m'intéresse au cinéma ".

La même année, Catherine Deneuve tourne un nouveau film musical sous la direction de " Comme les autres filles, j'aimais les histoires de fées et de sorcières, de rois et de princesses, de perles et de crapauds. Lorsque j'ai lu le scénario de Jacques Demy, . Inspiré du conte homonyme de Charles Perrault, le film reprend l'intrigue traditionnelle du conte : une princesse forcée d'épouser son père, fuit son royaume en se dissimulant sous une peau d'âne. Suscitant l'hostilité par son déguisement, elle parvient à conserver son secret jusqu'à sa rencontre fortuite avec le prince d'un château voisin. Le film tient une place particulière dans la carrière de Catherine Deneuve : Peau d'âne, j'ai retrouvé les émotions de ma lecture d'enfance, la même simplicité, le même humour, et, pourquoi ne pas le dire, une certaine cruauté qui sourd généralement sous la neige tranquille des contes les plus féériques ". Considéré comme un film culte grâce à l'audace de ses thèmes et de son parti pris visuel, ainsi qu'à sa musique signée Michel Legrand, Peau d'âne est l'un plus grand succès populaire du réalisateur et de son actrice, avec plus de deux millions d'entrées.

Toujours en 1970, Catherine Deneuve se voit proposer par Nadine Trintignant de jouer dans son nouveau film, Ça n'arrive qu'aux autres, inspiré par le drame qu'elle a vécu quelques mois auparavant, la mort de sa fille âgée de neuf mois. Pour lui donner la réplique, l'actrice suggère l'acteur italien Marcello Mastroianni, que Roman Polanski vient de lui présenter, et devient sa compagne au cours du tournage. Défini par une partie de la critique comme " un film de femmes ", certains reprochent cependant à Nadine Trintignant d'avoir fait un film " indécent " ,. Catherine Deneuve prend alors publiquement la défense de la réalisatrice et du film, auquel elle est très attachée : " Il y a beaucoup de metteurs en scène qui parlent de choses très personnelles et parfois très indécentes et on ne dit rien. Nadine ne dit rien d'indécent, elle raconte quelque chose de très cruel, la chose la plus injuste qui puisse arriver ". À cette époque, le cinéma français traverse une période agitée sur le plan idéologique, les spectateurs étant devenus peu réceptifs aux valeurs bourgeoises, aux institutions ainsi qu'aux stars. Or, depuis Belle de jour, l'image qu'incarne Catherine Deneuve est " fondamentalement conservatrice, ce qui explique le peu de succès de ses films dans les années 1970, dans la mesure où elle était en porte-à-faux avec le cinéma français plus politique et à dominante naturaliste de l'époque ". En effet, le cinéma d'auteur français devient un cinéma engagé qui tente d'exprimer les bouleversements consécutifs à Mai 68.

Afin de s'éloigner de l'image de femme sophistiquée et glaciale qu'elle véhicule, l'actrice se tourne vers des coproductions franco-espagnoles et franco-italiennes, facilitées par sa relation avec Marcello Mastroianni. Aux côtés de ce dernier, elle tourne sous la direction de Marco Ferreri. Son rôle est celui d'une femme du monde à la dérive qui, après s'être volontairement échouée sur un îlot loin de la civilisation, devient soumise à son amant, tue le chien de ce dernier avant de prendre sa place, adoptant son comportement et renonçant à toute dignité. Si la prestation des acteurs est jugée remarquable par la critique, celle-ci se montre plutôt hostile à l'égard du film en général, qui ne rencontre pas les faveurs du public lors de sa sortie en 1971. L'année suivante, alors enceinte de sa fille Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve accepte de tenir un second rôle dans le film policier de Jean-Pierre Melville. Le but du réalisateur et de l'actrice est avant tout de faire connaissance avant un prochain film qu'ils comptent faire ensemble, l'adaptation d'un roman américain de série noire, mais la mort de Melville survenue en 1973 empêche sa réalisation. Catherine Deneuve se montre ensuite enthousiaste par une proposition de Claude Sautet de jouer dans son film César et Rosalie mais, pour des raisons indépendantes de sa volonté, " un stupide problème entre agents ", le réalisateur finit par engager Romy Schneider, avec qui il fera plusieurs films.

Sa quatrième et dernière collaboration avec " La Jacques Demy, L'Événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la Lune, conte l'histoire d'un homme joué par Marcello Mastroianni qui se retrouve enceint de sa femme. Dès le départ, Catherine Deneuve émet des réserves sur le scénario et le résultat final est pour elle une déception : grâce n'était pas au rendez-vous. À plusieurs reprises, dans ma carrière, j'ai travaillé aussi sur des réalisations dont je devinais, sans pouvoir être plus précise, que ça n'était pas au point. Et parfois même, je n'arrivais pas à surmonter cette impression. Par ailleurs, il convient de tenir compte aussi de mes propres limites : j'ai parfois peur de décevoir. Et ça me paralyse. Je fais partie du type d'acteur qu'il faut pousser. J'ai tendance à en faire moins que trop. Dans L'Événement, quand je le revois, je m'agace. J'y ai adopté un ton qui était sans doute celui que demandait le scénario. Mais je considère que ça ne fonctionne pas bien. Et que c'est partiellement de ma faute ". À la suite de l'échec commercial du film, Jacques Demy souhaite réaliser Une chambre en ville, un nouveau projet entièrement chanté, à l'instar des Parapluies de Cherbourg. Il se heurte néanmoins au refus de Catherine Deneuve qui, à l'instar de Gérard Depardieu envisagé pour être son partenaire, tient à chanter elle-même et non plus à être doublée comme dans les films musicaux précédents : " À tort ou à raison, j'estimais que ma voix faisait partie de mon intégrité d'artiste ".

En 1974, l'actrice retrouve Marco Ferreri pour " Je crois que je n'ai jamais été autant attaquée que pour Touche pas à la femme blanche !, transposition loufoque de la bataille de Little Big Horn dans le quartier de Halles alors en destruction. Elle y donne à nouveau la réplique à Marcello Mastroianni avant de se séparer de l'acteur. Vient ensuite La Femme aux bottes rouges de Juan Luis Buñuel, qui suit les étranges aventures d'un amateur d'art milliardaire et d'une jeune femme écrivain aux pouvoirs mystérieux et surnaturels. L'insuccès se poursuit en 1975 avec où elle joue aux côtés de Bernadette Lafont. Le tournage est l'un des plus chaotiques de sa carrière, le réalisateur Laszlo Szabo étant constamment ivre sur le plateau : Zig Zig. J'ai été totalement refusée en tant que prostituée, et je crois que mon personnage a profondément déplu au public. Et, bien sûr, le fait que je sois productrice, cette façon de vouloir assumer en même temps, on n'était pas prêt à me pardonner cela. Car il ne faut pas exagérer, Zig Zig n'est pas le plus mauvais film que j'ai fait. Je ne suis pas sûre que ce soit le meilleur, mais ce n'est en tout cas pas le plus mauvais. Cela dit, je pense que c'est un film insolite et même poétique. Et cet échec commercial ne m'empêchera pas de refaire des films avec de jeunes metteurs en scène, même inconnus, si le sujet me plaît ". S'ensuit deux autres films qui ne marquent pas non plus les esprits, La Grande Bourgeoise de Mauro Bolognini, puis L'Agression de Gérard Pirès qui l'oppose à Jean-Louis Trintignant.

L'année 1975 permet à Catherine Deneuve de renouer avec le succès populaire grâce à la comédie de Jean-Paul Rappeneau et dans lequel elle a pour partenaire Yves Montand. Situé au Venezuela à l'époque contemporaine, il raconte l'histoire d'une femme qui juste après s'être mariée, trouve son époux envahissant et le quitte brusquement, avant de faire irruption dans la vie d'un parfumeur misanthrope retiré sur une île. Le tournage reste l'un des plus grands souvenirs de Catherine Deneuve : " C'est la jubilation absolue de se retrouver en " emmerdeuse ". J'avais l'impression qu'Yves Montand jouait autant mon amant que tous ces frères qu'on rêve d'avoir et avec lesquels on ne cesserait de se chamailler. Quelle joie d'être une fille dans ces cas-là ! ". Le Sauvage, aujourd'hui considéré comme l'une des meilleures comédies du cinéma français, connaît un grand succès critique et commercial et révèle le véritable potentiel comique de l'actrice, alors mésestimé jusque-là. Le réalisateur utilise l'impressionnant débit de paroles de l'actrice comme un élément rythmique, indispensable pour son film, qui est également l'un des rares où elle accepte de jouer dénudée,.

L'année suivante, Catherine Deneuve tente une nouvelle expérience hollywoodienne avec le film noir La Cité des dangers de Robert Aldrich, avec également Burt Reynolds, mais se montre toujours désintéressée par l'éventualité d'une carrière américaine. Également en 1976, l'actrice se laisse tenter par le drame Si c'était à refaire afin de pouvoir travailler avec Claude Lelouch, réputé pour sa " formidable " direction d'acteurs, mais dira plus tard " II voulait un peu casser mon image. C'est ça le problème, ils veulent tous casser votre image ". L'actrice tourne ensuite dans le film d'aventures anglais Il était une fois la Légion, qui reste l'un de ses plus mauvais souvenirs, notamment à cause de ses relations conflictuelles avec le réalisateur Dick Richards et le comportement " désagréable " de l'acteur américain Gene Hackman, dont la réputation difficile n'est plus à faire. En 1977, Catherine Deneuve entreprend le tournage de Coup de foudre de Robert Enrico, avec Philippe Noiret, mais le film, confronté à de nombreuses difficultés financières, doit être abandonné. De son propre aveu " frustrée, agressée, victimée " par cet événement, Catherine Deneuve reste un long moment sans tourner, peu convaincue par les projets qui lui sont présentés et qu'elle juge sans intérêt.

Elle retrouve le chemin des plateaux un an plus tard avec L'Argent des autres de Christian de Chalonge où elle partage l'affiche avec Jean-Louis Trintignant, Claude Brasseur et Michel Serrault. Elle accepte ensuite la proposition du réalisateur argentin Hugo Santiago de tenir le rôle principal de son film noir Écoute voir, séduite à l'idée de pouvoir incarner une détective privée, et dans lequel son personnage, engagée par un jeune châtelain et savant émérite, enquête sur de mystérieux individus membres d'une étrange secte. Bien qu'emballée par le scénario, l'actrice juge le film " raté " mais ne le considère par à regret et estime même qu'il lui a permis d'enrichir son expérience. Son film suivant, Ils sont grands, ces petits, qui est pour elle une " vraie comédie comme je n'en avais pas fait depuis très longtemps ", raconte l'histoire d'une sœur et de son frère, interprété par Claude Brasseur, qui tentent de déjouer les plans d'un promoteur immobilier pour sauver leur propriété. En 1979, elle retrouve Claude Lelouch pour le drame , dans lequel elle a pour partenaires Jacques Dutronc et Jacques Villeret, avant de tourner une nouvelle comédie, Courage fuyons d' Yves Robert.

Catherine Deneuve inaugure la nouvelle décennie avec l'un des plus grands succès de sa carrière, Le Dernier Métro de François Truffaut. L'intrigue suit une équipe du théâtre qui, sous l' occupation, tente de monter une pièce, tandis que le directeur, juif, reste caché dans la cave à l'insu de tous. Douze ans après leur première collaboration, le réalisateur compose un personnage à l'opposé de celui de La Sirène du Mississippi, froid et vénéneux : " Truffaut trouvait que mon physique m'avait beaucoup servi. Il pensait que ce pouvait être un poids et un inconvénient. Il voulait me donner un rôle de maturité, le rôle d'une femme active, brusque, virile, une femme qui a à prendre une décision, une femme un peu brutale ". Toutefois, le personnage qu'incarne l'actrice se prénomme à nouveau Marion, comme dans la Sirène, et le réalisateur va jusqu'à reprendre l'une des répliques de ce dernier, des phrases qui sont des déclarations à l'actrice : " Tu es belle, si belle que te regarder est une souffrance. - Hier, tu disais que c'était une joie ! - C'est une joie et une souffrance ". Le film marque également la première collaboration entre Catherine Deneuve et Gérard Depardieu, ce dernier étant, du propre aveu de l'actrice, son partenaire favori : " Il y a quelque chose de tellement harmonieux chez Gérard que c'était impossible de ne pas être bien en tournant avec lui. C'est quelqu'un qui apporte énormément sur un plateau, indépendamment de ce qu'il apporte sur l'écran. C'est vraiment l'un des acteurs qui m'a le plus épatée. Il peut tout faire, c'est toujours évident... ". Leur admiration réciproque fait dire à Depardieu " Catherine est l'homme que j'aurais voulu être " et à Deneuve de répondre " Gérard est la femme que j'aurais voulu être ". Le Dernier Métro reçoit un accueil triomphal lors de sa sortie, avec plus de trois millions de spectateurs, et récolte dix César, dont celui de la meilleure actrice pour Catherine Deneuve. Le film fait d'elle à nouveau une valeur sûre du cinéma français et, selon la presse, qui s'impose comme " la star des records de beauté, d'efficacité, de rareté, de discrétion, de durée ".

Également en 1980, Catherine Deneuve tient le rôle principal de la comédie dramatique " J'étais à la fois très triste mais pas trop étonnée de l'échec de Je vous aime de Claude Berri où elle joue face à Serge Gainsbourg, avec lequel elle chante le titre Dieu fumeur de havanes, Gérard Depardieu, Jean-Louis Trintignant et Alain Souchon. L'année suivante, elle est à l'affiche du film policier Le Choix des armes d' Alain Corneau, aux côtés d' Yves Montand et de Gérard Depardieu. À cette époque, elle envisage un temps de mettre un terme à sa carrière d'actrice pour se consacrer à la production. Vient finalement sa rencontre avec le réalisateur André Téchiné, avec qui elle fera huit films. Le premier d'entre eux est le drame psychologique Hôtel des Amériques, où elle joue face à Patrick Dewaere, sur un scénario qui aborde les thèmes de la rencontre, de l'amour passionné, mais aussi de la fatalité et de la solitude. Si l'actrice parvient à surprendre dans un rôle de victime romantique, le film n'obtient pas le succès escompté : Hôtel des Amériques. Le film était très beau mais si pessimiste, si dérangeant, que j'ai pu comprendre le rejet du public ". Son film suivant, le polar , qui l'oppose à Alain Delon, se révèle une expérience décevante. En raison des difficultés de relation entre l'actrice et son metteur en scène Robin Davis, c'est Delon qui assure la réalisation des scènes où apparaît sa partenaire.

En 1983, Catherine Deneuve joue dans la comédie d'aventures de Philippe de Broca, avec Philippe Noiret à qui elle avait donné la réplique dans La vie de château. Elle y incarne une agent de voyage parisienne qui, alors qu'elle souhaite installer un club de vacances dans la Région des Grands Lacs, retrouve son ex-mari qui, lui, n'aspire qu'à fuir le monde civilisé et cette ex-épouse trop envahissante. L'Africain connaît un certain succès avec un peu plus de 1,7 million d'entrées. La même année sort dans les salles le film fantastique Les Prédateurs, premier long métrage de l'anglais Tony Scott, et dans lequel elle donne la réplique à David Bowie et Susan Sarandon. Il raconte le drame existentiel de la belle et élégante Miriam Blaylock, vampire de son état, condamnée à la vie éternelle. Mélangeant les thèmes du vampirisme, de l'amour saphique et sacrificiel, de la séduction et la répulsion, Les Prédateurs, pourtant mal accueilli à sa sortie par la critique et le public, devient progressivement un film culte, notamment grâce à une scène d'amour entre Susan Sarandon et Catherine Deneuve, ce qui permet à cette dernière de devenir une icône pour les gays et les lesbiennes.

En 1984, Catherine Deneuve joue l'ancienne maîtresse d'un président de la République dans Le Bon Plaisir de Francis Girod, avec également Michel Serrault et Jean-Louis Trintignant. Le film évoque, dix ans avant que le fait soit officiellement révélé, par un procédé de roman à clef, l'existence de l'enfant cachée, Mazarine, du président d'alors, François Mitterrand. La même année, Catherine Deneuve accepte de tenir un petit rôle dans Fort Saganne d' Alain Corneau, avec aussi Gérard Depardieu, le scénario étant l'un des plus beaux qui lui ait été donné de lire. Également en 1984, l'actrice se laisse séduire par un rôle, à l'origine destiné pour une autre actrice, que lui propose le réalisateur Élie Chouraqui dans sa comédie dramatique Paroles et Musiques, celui d'un personnage qui traduit " le lot de toutes les femmes qui se retrouvent seules avec des enfants et qui veulent maintenir une harmonie, protéger tout le monde, faire face et rester vibrantes. Des femmes qui veulent de l'amitié, de l'amour... l'amour total ". Le film se révèle néanmoins être une déception pour Catherine Deneuve lorsqu'elle découvre le résultat final. En effet, le réalisateur, séduit par la complicité du duo que forme Christophe Lambert et Richard Anconina pendant le tournage, décide d'orienter son film différemment, alors que le scénario originel était davantage centré sur le personnage de l'actrice.

L'image publique de Catherine Deneuve durant cette décennie est également marquée par son incarnation de Marianne. En 1985, l'actrice accepte de prêter ses traits au symbole de la République à l'issue d'un sondage auprès des Français la désignant comme la plus belle femme de France : " J'ai toujours résisté à la momification. À l'exception du buste de Marianne : j'ai trouvé ça sympathique car c'était un sondage populaire et puis la République, c'est important pour moi ". Elle fait par ailleurs reverser les droits qui lui sont dus au titre de la représentation de son image à Amnesty International. À cette époque, Catherine Deneuve refuse de nombreux projets au cinéma et ceux auxquels elle s'intéresse, comme une adaptation d'un polar de Jean-Patrick Manchette par Jean-Luc Godard, une adaptation de La Chambre bleue de Georges Simenon par Maurice Pialat ou encore une comédie originale sur la mode de Jean-Paul Rappeneau avec Isabelle Adjani, ne voient pas le jour.

Elle retrouve finalement le chemin des plateaux en 1986 avec le film policier " J'étais emballée, j'ai eu le même genre de bonheur en lisant le scénario et en faisant ce film qu'en tournant " accomplit une provincialisation bouleversante et trouve ici son meilleur rôle dans un emploi tragique. Les cheveux mouillés, elle atteint les paroxysmes anciens où savaient se montrer Le Lieu du crime d' André Téchiné où le réalisateur lui fait jouer " une femme disons déraisonnable, un peu folle, un peu immature " pour le plus grand plaisir de l'actrice : Le Dernier Métro. J'avais une certitude, quant à moi et à ce que j'aime au cinéma, que c'était une vraie rencontre avec un rôle, avec un film, avec quelqu'un pour qui on a plus que de l'estime. Ça n'arrive pas souvent chez moi, car, même si j'aime mes films, je n'ai pas toujours cet état de plaisir au tournage, pas aussi intensément. Il n'y a pas eu une journée où je n'ai ressenti ce plaisir ". Présenté en compétition lors de la édition du festival de Cannes, le film séduit la critique et Catherine Deneuve est saluée pour sa performance. Ainsi, Cinématographe estime que l'actrice Ingrid Bergman et Anna Magnani ".

En 1987, Catherine Deneuve est à l'affiche du thriller Agent trouble de Jean-Pierre Mocky, tourné relativement rapidement et avec un petit budget. L'actrice accepte d'abîmer son image de star glamour en s'affublant de lunettes, d'une perruque rousse et d'un tailleur sobre pour incarner une sage conservatrice de musée qui se retrouve entraînée malgré elle dans une affaire d'état. Sa prestation fait de nouveau l'unanimité auprès de la critique. la trouve " parfaite, comme à l'accoutumée, menant tambour battant l'intrigue et le film. On la savait très à l'aise dans la comédie, et on s'étonne que les scénaristes ne pensent pas à elle plus souvent pour ce genre de composition ".

L'année suivante, Catherine Deneuve retrouve Gérard Depardieu pour la comédie dramatique " Rarement couple de cinéma fut aussi synchrone dans son double jeu d'attirance et de répulsion. Dans Drôle d'endroit pour une rencontre, première réalisation de François Dupeyron. Elle y joue une femme abandonnée par son compagnon sur l'aire de repos d'une autoroute, une nuit d'hiver, et qui rencontre un automobiliste en panne : " J'ai eu une expérience difficile, mais qui s'est révélée quand même positive, avec François Dupeyron. Le scénario était magnifique. Le tournage a été très difficile, car il avait du mal à diriger ses acteurs. Après les prises, il ne savait pas exprimer ce qui n'allait pas. C'était un désarroi terrible, et j'ai pas mal souffert sur ce film, que j'aime beaucoup, avec ses erreurs et ses faiblesses. C'est un film très attachant et très original, mais le tournage a été très difficile ". Malgré un accueil critique dithyrambique, le public n'est pas au rendez-vous. Les Cahiers du cinéma estiment que Drôle d'endroit pour une rencontre, Catherine Deneuve et Gérard Depardieu donnent simultanément - et sublimement - l'impression d'être au sommet (de leur art), tout en laissant, sur les côtés, s'installer la sensation du vide, du trou béant. Ce point d'équilibre - qui est aussi, d'une certaine manière, un point limite - s'appelle tout simplement la perfection ".

À une époque où elle peine à trouver un scénario qui la surprenne, Catherine Deneuve est bouleversée par la lecture d' de " J'ai eu le même genre d'émotion qu'en lisant le scénario du Régis Wargnier, fresque écrite spécialement pour elle et bâtie aussi bien scénaristiquement que financièrement sur sa présence : Dernier Métro. C'était une vraie histoire romanesque, avec des relations fortes entre les personnages, située dans un pays, une époque et un contexte politique sur lesquels on vous dit des choses, sans que ces informations prennent le pas sur l'intrigue elle-même ". Superproduction dans la lignée des œuvres hollywoodiens telles que Autant en emporte le vent, Docteur Jivago ou encore Out of Africa, Indochine montre les horreurs du colonialisme français subies par les autochtones, tout en rejoignant la vision nostalgique et fantasmatique de et Diên Biên Phû,.

Catherine Deneuve y incarne Éliane Devries qui, dans les années 1930, dirige avec fermeté une plantation d'hévéas. Alors que sa seule attache sentimentale est Camille, princesse annamite orpheline qu'elle a adoptée, les deux femmes tombent amoureuses d'un jeune officier de marine. Produit pour un budget de 120 millions de francs, le film, dont les prises de vues s'étalent sur trois mois entre Hanoï et Penang, est pour l'actrice " un très grand souvenir de tournage, une aventure vraiment formidable, humainement, professionnellement, sentimentalement. C'était un tournage très exceptionnel " ,. Sorti en 1992, Indochine est un succès mondial considérable, avec notamment plus de trois millions d'entrées en France, et permet à Catherine Deneuve d'obtenir son second César de meilleure actrice. L'actrice, déjà très appréciée des Américains et qualifiée de " trésor national français " par le magazine Vanity Fair, est également nommée à l' Oscar pour sa performance, reconnaissance que peu d'actrices françaises ont obtenue.

En 1993, Catherine Deneuve retrouve André Téchiné pour Ma saison préférée. Le film, qui l'oppose à Daniel Auteuil, décrit la relation fusionnelle entre un frère et une sœur au moment où leur mère perd la raison. Malgré un sujet complexe, le tournage se déroule, selon Catherine Deneuve, dans " une douceur incroyable. Et justement parce que je crois que le film était difficile, pour nous entre autres à cause des relations avec la mère. Tout le monde se sent de près ou de loin concerné par ce rapport à la fois direct, simple, violent et passionnel entre les enfants et la mère ; je pense que même pour André c'était douloureux et difficile, de même que pour toute l'équipe. Il y a toujours une forme de souffrance dans les rapports intimes. Ce n'est que dans une relation très " guindée " qu'on parvient à garder des signes extérieurs qui empêchent les débordements affectifs, certains mots qui font mal ". Ma saison préférée rencontre un succès public, avec plus d'un million d'entrées, mais aussi critique, à la suite de sa présentation lors du où la performance de Catherine Deneuve fait l'unanimité au point que la presse la pressent pour un prix d'interprétation. Elle reçoit également sa septième nomination au César de la meilleure actrice.

L'année suivante, elle accepte la vice-présidence du jury de Clint Eastwood lors du mais n'en garde que des souvenirs mitigés, estimant qu'il y avait " une pression folle et pas assez d'échanges ni de discussions ". La Palme d'or est attribuée à Pulp Fiction de Quentin Tarantino. Quelques années plus tard, l'actrice avouera avoir accepté cette fonction dans l'espoir de convaincre Eastwood de l'engager sur son film Sur la route de Madison, rôle finalement joué par Meryl Streep. En 1995, Catherine Deneuve est l'une des nombreuses personnalités à figurer dans Les Cent et Une Nuits de Simon Cinéma d' Agnès Varda et donne pour l'occasion la réplique à Robert De Niro. Vient ensuite de Manoel de Oliveira, avec également John Malkovich, film aux allures buñueliennes que l'actrice juge " impossible de résumer. Pour un acteur, c'est même quasiment impossible d'en parler tellement il s'agit d'un film d'auteur au sens le plus fort du mot " ,. L'année suivante, l'actrice tourne de nouveau sous la direction d' André Téchiné. Les Voleurs raconte l'histoire d'un policier solitaire, joué par Daniel Auteuil, rejeté par sa famille, dont son père et son frère, qui sont des voleurs de voitures. La critique est élogieuse pour l'actrice, qui incarne dans le film une professeur de philosophie homosexuelle. Ainsi, les Cahiers du cinéma la trouve " vraiment sublime, abandonnée à son rôle, loin de tout souci narcissique d'idéalisation de son image, et qui, même dans les scènes les plus âpres, réussit à doubler la gravité de son personnage d'une sorte de gaieté malicieuse, une légère griserie dont on ne sait si elle tempère l'émotion et la rend supportable, ou si elle la décuple ".

Également en 1996, Catherine Deneuve accepte pour la première fois d'évoquer publiquement le souvenir de sa sœur Françoise Dorléac à travers un documentaire, réalisé par Anne Andreu, et un livre, co-écrit avec Patrick Modiano, tous les deux intitulés Elle s'appelait Françoise : " Si j'ai accepté, trente ans plus tard, c'était d'abord parce que j'avais une grande confiance en la réalisatrice et puis parce que j'ai ressenti à ce moment-là la nécessité de redonner à ma sœur plus de place dans l'esprit du public. C'est vrai que j'aurais pu le faire avant mais... il faut croire que je n'étais pas prête. Vous ne savez pas pourquoi un jour il devient possible de parler, c'est comme ça. J'ai pensé aussi à tous ceux qui vivent le deuil, d'un enfant, d'un frère, d'une sœur. J'ai ressenti le besoin de faire savoir l'arrachement que cela représente ". En 1997, Catherine Deneuve tourne pour la première fois avec le réalisation chilien Raoul Ruiz à l'occasion du thriller psychanalytique Généalogies d'un crime où elle incarne un double rôle. Malgré les louanges de la presse et l'obtention de l' Ours d'argent lors de la édition du festival international du film de Berlin, le film ne rencontre pas les faveurs du public. L'année suivante, la Berlinale lui remet l' Ours d'or d'honneur pour l'ensemble de sa carrière. Toujours en 1998, le succès est de nouveau au rendez-vous pour Catherine Deneuve avec le drame Place Vendôme de Nicole Garcia. Son rôle d'une joaillière alcoolique à la dérive lui permet de remporter la Coupe Volpi de la meilleure interprétation féminine lors de la édition du festival international du film de Venise.

Après une longue période marquée par une alternance entre le cinéma d'auteur et des rôles souvent tragiques, elle revient à la comédie avec Belle Maman, premier des cinq films dont elle est à l'affiche en 1999. Elle y joue une mère dont le beau-fils tombe amoureux alors qu'il s'apprête à épouser sa fille. Elle tient ensuite un second rôle dans Le Vent de la nuit de Philippe Garrel, celui d'une femme mariée qui s'accroche à son jeune amant comme sa dernière chance de pouvoir connaître le bonheur. Motivée une fois de plus par la curiosité, Catherine Deneuve s'engage la même année dans l'univers de Leos Carax et permet à ce dernier de monter le financement de son film : " J'ai toujours été convaincue que Carax était un authentique cinéaste. C'est ce qui m'a attirée. Je voulais tenter l'expérience de tourner avec cet homme compliqué, mystérieux et orgueilleux. Même si j'étais sensible à l'idée de ces rapports un peu incestueux entre une mère et son fils, je confesse que le scénario seul ne m'aurait pas convaincue. Et puis, dans la mesure de mes moyens, je souhaitais aussi aider son projet que je savais en grande difficulté. Avant d'avoir signé mon contrat, j'ai ainsi accepté de tourner une bande-annonce qu'il a présentée à Cannes afin d'obtenir les financements nécessaires aux effets spéciaux du film ". Catherine Deneuve termine l'année en retrouvant Raoul Ruiz pour Le Temps retrouvé puis Régis Wargnier avec , dans des rôles secondaires.

Considérée dans le monde entier comme l'une des plus belles femmes et l'une des plus grandes actrices françaises de ces quarante dernières années, elle jouit d'une notoriété internationale et d'une filmographie exceptionnelle. La plupart des grands réalisateurs européens ont fait appel à elle, associant définitivement son nom à l'histoire du cinéma de la seconde moitié du siècle.

L' UNESCO la choisit comme ambassadrice de la préservation du patrimoine cinématographique en 1999.

Bouleversée par le film Breaking the Waves de Lars von Trier, Catherine Deneuve fait parvenir une lettre à ce dernier, lui indiquant son souhait de travailler avec lui. Le réalisateur lui offre alors un rôle, initialement écrit pour une actrice afro-américaine, dans son nouveau film Dancer in the Dark. L'histoire suit le parcours d'une jeune émigrée tchèque et mère célibataire qui, sur le point de devenir aveugle, s'évertue à réunir les fonds nécessaires afin de payer l'opération qui permettra à son fils, atteint de la même infirmité, d'y échapper. Le rôle principal et la bande originale sont confiés à la chanteuse islandaise Björk. Le tournage est marqué par les rapports conflictuels que cette dernière entretient avec Lars Von Trier. Prenant la défense de sa partenaire, Catherine Deneuve explique : " C'était une épreuve pour elle de se retrouver devant tout ce monde. Björk ne jouait pas, elle se contentait d'être. Parfois, elle ne supportait plus la pression que lui imposait de vivre ainsi son rôle et elle fuguait comme une écolière. Bien sûr, j'étais parfois déroutée, découragée. je l'ai beaucoup protégée. Elle est unique et, je pense, extrêmement timide, elle est habituée à travailler dans un univers intime ". Le film, qui superpose les codes du mélodrame et de la comédie musicale, reçoit un accueil triomphal à la suite de sa présentation lors de la édition du festival de Cannes, au cours de laquelle il remporte la Palme d'or.

L'année suivante, après une participation dans Je rentre à la maison de Manoel de Oliveira et une apparition dans la comédie Absolument fabuleux avec Josiane Balasko et Nathalie Baye, Catherine Deneuve incarne un personnage de Reine dans deux productions : Le Petit Poucet d' Olivier Dahan, pour lequel elle retrouve l'univers des contes de fées, et , film de cape et d'épée américain qu'elle juge, à l'instar de la critique, sans intérêt. En 2002 sort en salles Huit Femmes de François Ozon, l'un des films les plus populaires de la carrière de Catherine Deneuve. Ce huis clos humoristique, kitsch et vénéneux, adapté d'une comédie policière du théâtre de boulevard, se situe dans les années 1950 et réunit un casting exclusivement féminin sur l'exemple de de George Cukor. Parmi les huit vedettes sollicitées pour donner la réplique à Catherine Deneuve se trouvent Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Emmanuelle Béart et Danielle Darrieux. Le film, qui est un grand succès critique et public, reçoit l' Ours d'argent de la meilleure contribution artistique pour sa distribution lors du Festival de Berlin 2002. L'année suivante, sa participation dans Un film parlé marque sa troisième et dernière collaboration avec Manoel de Oliveira puis qu'elle déclinera sa proposition de jouer dans Belle toujours, la suite qu'il a imaginée de Belle de jour et dans lequel Bulle Ogier reprendra finalement son rôle.

Catherine Deneuve fait ensuite ses débuts à la télévision avec deux projets successifs. Elle se laisse d'abord séduire par une adaptation moderne des Les Liaisons dangereuses, tournée sous la forme d'une mini-série par Josée Dayan. Elle y incarne le personnage sulfureux de la Marquise de Merteuil, aux côtés notamment de Danielle Darrieux, Rupert Everett et Nastassja Kinski. D'abord annoncé comme un événement, le projet, remonté à plusieurs reprises, se révèle une déception tant au niveau critiques que du public, rassemblant un peu plus de cinq millions de téléspctateurs lors de sa diffusion, loin des scores habituels des fictions de Josée Dayan. De son côté, Catherine Deneuve garde un souvenir amer de cette expérience : " J'ai été très malheureuse de leur diffusion. Et cela a été un sabotage incroyable ! Par exemple, le fait que Ruppert Everett ait été doublé, alors que son français était compréhensible. La discussion avec la chaîne n'a pas été possible. Le diffuseur a tous les droits. Je me suis fait rouler dans la farine. Je ne suis pas près de l'oublier ". L'actrice incarne ensuite Marie Bonaparte, petite-nièce de et disciple de Sigmund Freud, dans le téléfilm Princesse Marie de Benoît Jacquot, diffusé en 2004 en deux parties sur la chaîne Arte. Catherine Deneuve est ensuite annoncée au casting de la comédie américaine J'adore Huckabees de David O. Russell, avec également Dustin Hoffman, mais finit par se retirer du projet, se sentant incapable d'enchaîner les tournages. La même année, après avoir retrouvé André Téchiné pour un cinquième film, Les Temps qui changent, où le cinéaste reconstitue son couple de cinéma avec Gérard Depardieu, elle se voit proposer une courte participation dans le film Rois et Reine d' Arnaud Desplechin. Alors qu'elle s'apprête à refuser le rôle, sa rencontre avec le réalisateur lui fait changer d'avis : " Il parle tellement bien du cinéma... Avec lui, on tourne vite, c'est très étonnant, étourdissant. Il est volubile, il cherche, il reprend, on ne s'arrête pas. Il m'a offert une scène qui procure au maximum le plaisir de jouer à deux ".

L'année 2005 est marquée par la sortie de Palais royal !, une satire de la monarchie réalisée par Valérie Lemercier, qui rencontre un large succès critique et commercial. Dans leur critique du film, Les Inrockuptibles estiment que, pour cette " comédie populaire gracieuse et personnelle, il n'y avait pas de meilleur choix que Catherine Deneuve pour incarner la reine mère de ce royaume de fantaisie sur papier glacé. Dans cet emploi, qui fait appel à une compétence comique qu'elle a peu l'occasion d'exploiter (chez Rappeneau bien sûr, chez Téchiné parfois), elle est tout bonnement géniale, tour à tour acerbe, cassante, teigneuse ". Également en 2005, Catherine Deneuve se voit décerner la Palme d'or d'honneur du pour l'ensemble de sa carrière. L'année suivante, elle fait une apparition remarquée dans la série américaine . Le temps d'un épisode, elle joue le rôle d'une femme qui souhaite que les cendres de son mari soient incorporées à ses implants mammaires. Elle partage ensuite l'affiche de la comédie dramatique Le Héros de la famille de Thierry Klifa avec notamment Gérard Lanvin et Emmanuelle Béart. Toujours en 2006, elle préside le jury de la qui attribue le Lion d'or au film réalisé par Jia Zhangke.

Dans son film suivant sorti en 2007, de Gaël Morel, elle incarne une femme brisée qui finit par se rapprocher du meilleur ami de son fils, responsable involontaire de la mort de ce dernier à la suite d'un accident de voiture, afin de faire son deuil. Dans un premier temps, l'actrice hésite à se lancer dans l'aventure, en raison de la douleur et la violence du scénario, qui lui rappellent la mort de sa sœur Françoise : " Je n'aime pas que le personnel ou l'intime viennent se mêler à la fiction. Je redoute par-dessus tout l'indécence de la chose. Mais soit on craint la douleur que va susciter le tournage, soit on espère évacuer de mauvaises idées et se libérer de mauvais souvenirs. J'ai pris ma décision en espérant qu'il s'agissait de la bonne ". Le film reçoit un bon accueil de la part de la critique, à l'instar des Inrockuptibles qui écrivent : " Au-delà de son approche singulière et touchante du travail de deuil, Après lui doit sa réussite aux acteurs, tous très bien, et particulièrement à Catherine Deneuve, qui délaisse ici sa panoplie de star glamour pour aller au charbon dans un rôle de femme borderline passant par tous les états de la déstabilisation affective : une performance assez étourdissante qui fait aussi de ce film un puissant documentaire sur Deneuve actrice en majesté ". La même année, Catherine Deneuve prête sa voix à l'un des personnages du film d'animation en noir et blanc Persepolis, réalisé par Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi, et adapté de la bande dessinée autobiographique de cette dernière. Le film fait l'objet de plusieurs polémiques et interdictions lors de sa sortie, notamment dans les pays musulmans, mais obtient néanmoins un vif succès international, couronné par deux Césars ainsi que par une nomination à l' Oscar.

En 2008, Catherine Deneuve retrouve le réalisateur Arnaud Desplechin pour le drame familial aux allures bergmaniennes, Un conte de Noël, dans lequel elle joue le rôle d'une femme atteinte d'une leucémie rare nécessitant une greffe de moelle osseuse et dont le seul à être un donneur compatible parmi toute sa famille est son fils, banni de la famille, à qui elle n'hésite pas à dire qu'elle ne l'a jamais aimé. Présenté en compétition lors de la édition du festival de Cannes en 2008, le film ne reçoit pas de récompense mais Catherine Deneuve y obtient un prix spécial du jury pour l'ensemble de sa carrière (conjointement avec Clint Eastwood) ; elle remercie alors spécifiquement Arnaud Desplechin, soulignant qu'elle aura " toujours envie de continuer à faire des films tant qu'il y aura quelques rares metteurs en scène comme lui " et, à propos du film, se dit " heureuse encore aujourd'hui de pouvoir faire des films comme celui-là ". La même année, Catherine Deneuve présente également à Cannes, dans la section Un certain regard, le documentaire expérimental Je veux voir des cinéastes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, qui raconte la découverte du Liban par une actrice française. Le tournage, qui laisse une grande part à l'improvisation, a lieu peu de temps après le conflit israélo-libanais de 2006 et est, pour Deneuve, une manière de " marquer un temps. Ça m'a paru important effectivement que des cinéastes filment le pays après ces événements, avant que tout ne soit reconstruit ". Sorti la même année, la comédie Mes stars et moi est le film que Catherine Deneuve regrette le plus d'avoir tourné. Également en 2008, l'actrice apparaît dans le clip illustrant la chanson Figures imposées du chanteur Julien Doré.

Catherine Deneuve connaît l'un de ses plus grands succès populaires en 2010 avec la comédie pour laquelle elle retrouve le réalisateur " capter une actrice au sommet de sa hypitude. Star du passé investie par de jeunes réalisateurs cinéphiles, actrice d'un pur présent plus cool souvent que beaucoup de ses cadettes, Deneuve devient dans François Ozon. Adaptation d'une pièce de boulevard dans un mélange d'humour et de kitsch analogue à l'esprit de Huit femmes, le film s'intéresse à l'émancipation d'une femme au foyer, bourgeoise des années 1970. Présenté à la édition de la Mostra de Venise, il n'obtient aucune récompense mais est globalement bien accueilli par la critique et le public français, avec plus de deux millions d'entrées en salles. Pour Les Inrockuptibles, le réalisateur réussit à Potiche une créature du futur antérieur : celle qui, au passé, va changer les choses, modifier les mentalités et la perception de la femme dans une société encore patriarcale. Ce point de rencontre entre une actrice (atemporelle) et son personnage fait de Potiche non seulement une comédie alerte résonnant avec l'air du temps, mais un sublime manifeste féministe, s'ajoutant à tous ceux déjà réalisés par Ozon ". Nommée au César de la meilleure actrice pour sa performance, Catherine Deneuve se rend à la cérémonie avant de définitivement boycotter l'Académie, expliquant ne pas avoir " assez de considération " pour l'institution : " Les règles de vote ne sont pas assez claires, la soirée n'est pas festive et toute la profession n'y est pas représentée ".

La même année, elle participe à un documentaire, Catherine Deneuve, belle et bien là, réalisé par Anne Andreu, et dans lequel elle revient sur les grandes étapes de son parcours. Pour , le film " prend sa valeur dans la manière, respectueuse mais juste, dont la réalisatrice, en puisant dans des archives filmiques et photographiques, restitue la trajectoire de cette immense actrice, sa singularité absolue, ses transformations et, au bout du compte, la force indomptable qui lui a permis, à plusieurs reprises au cours de sa carrière, de se réinventer ". Après avoir tenu un second rôle dans le thriller psychologique L'homme qui voulait vivre sa vie qui la voit donner la réplique à Romain Duris, Catherine Deneuve joue à nouveau sous la direction de Thierry Klifa dans le drame Les Yeux de sa mère. Elle y incarne une présentatrice du journal télévisé piégée par un écrivain en mal d'inspiration qui s'immisce dans son intimité afin d'en tirer un ouvrage à scandale.

L'actrice présente ensuite, lors de la édition du festival de Cannes en 2011, Les Bien-aimés de Christophe Honoré, qui lui permet de renouer avec le film musical. La même année, Catherine Deneuve participe à l'émission où elle reprend le titre de Nat King Cole, en duo avec Julien Doré . En 2012, Les Lignes de Wellington, œuvre romanesque et picturale se déroulant lors de la troisième invasion napoléonienne au Portugal, devait marquer sa troisième collaboration avec Raoul Ruiz mais ce dernier meurt peu de temps avant le tournage. Le film est finalement mis en scène par Valeria Sarmiento, la compagne du réalisateur. La même année, Catherine Deneuve joue le rôle de Cordelia, la reine de Bretagne, dans Astérix et Obélix : Au service de Sa Majesté, quatrième adaptation cinématographique des aventures d' Astérix, avant d'incarner Catherine II de Russie dans le film greco-russe Dieu aime le caviar, avec également John Cleese. Toujours en 2012, le grand magasin Le Bon Marché rend hommage à l'actrice en lui consacrant ses vitrines, où elle est mise en scène à travers dix illustrations pop art signées Marjane Satrapi. À cette occasion, elle participe à un court métrage documentaire de Loïc Prigent, Catherine Deneuve Rive Gauche, dans lequel elle dévoile ses lieux favoris de la Rive Gauche.

Dans , road movie écrit spécialement pour elle et réalisé par Emmanuelle Bercot, Catherine Deneuve joue une femme qui décide de tout plaquer et traverse les chemins de France où elle va de découvertes en rencontres qui se veulent plus singulières les unes que les autres. Sorti en 2013, le film est globalement bien reçu par la critique, notamment par Les Inrockuptibles qui y voient " entre road-movie hexagonal haut en couleur et comédie romantique senior, une ode tout en finesse à la palette aux infinies nuances de Catherine Deneuve ". La même année, l'actrice prête sa voix à l'un des personnages du film d'animation Monstres Academy. Son duo avec Gustave Kervern dans la comédie dramatique Dans la cour, sortie en 2014, fait l'unanimité auprès de la critique, qui y voit le film le plus réussi de Pierre Salvadori. Au contraire, une septième collaboration avec André Téchiné, L'Homme qu'on aimait trop, ne suscite qu'un faible enthousiasme. L'année 2014 se termine avec une participation au drame Trois cœurs de Benoît Jacquot, avec notamment Chiara Mastroianni et Charlotte Gainsbourg, puis la présidence du Festival du film britannique de Dinard au cours duquel son jury attribue l' Hitchcock d'or au film de Guy Myhill.

Catherine Deneuve apparaît dans deux films présentés lors de la édition du festival de Cannes en 2015 : le drame La Tête haute et la comédie noire Le Tout Nouveau Testament. Le premier film, qui marque sa seconde collaboration avec la réalisatrice Emmanuelle Bercot, est présenté en ouverture du Festival. Elle y incarne une juge pour enfant qui tente inlassablement de sauver un jeune délinquant, interprété par Rod Paradot. Dans Le Tout Nouveau Testament, elle joue un personnage décalé qui entretient une relation adultère avec un gorille. L'année suivante, Catherine Deneuve fait sensation en apparaissant sur scène lors de la cérémonie d'ouverture de la du même Festival. Accueillie par une standing ovation, l'actrice échange un baiser langoureux avec le maître de cérémonie Laurent Lafitte, avant de disparaître sans avoir prononcé le moindre mot. La même année, elle devient la première femme récipiendaire du Prix Lumière du Festival de Lyon, qui récompense une personnalité du cinéma pour l'ensemble de sa carrière,. Elle profite de l'occasion pour rendre hommage au monde agricole en dédiant son prix " à tous les agriculteurs de France ". Également en 2016, l'actrice participe à un programme court pour Arte, Catherine Deneuve lit la mode, où elle interprète face caméra plusieurs séries de " tweets inventifs, scandaleux, absurdes et drôles " recueillis par le journaliste et documentariste spécialisé Loïc Prigent dans les coulisses ou dans les rangs des défilés,.

En 2017, Catherine Deneuve se retrouve à l'affiche de trois films. Elle donne la réplique à Catherine Frot dans la comédie dramatique , réalisée par Martin Provost. Sélectionné hors-compétition à la édition du festival international du film de Berlin, le film narre l'improbable rapprochement de deux femmes que tout oppose. L'actrice retrouve ensuite Gérard Depardieu, pour la dixième fois de sa carrière, à l'occasion de la comédie Bonne Pomme. Puis, le thriller Tout nous sépare, sa troisième collaboration avec le réalisateur Thierry Klifa, l'oppose au rappeur Nekfeu. Si la critique salue parfois la prestation des deux acteurs, elle déplore sur le manque de crédibilité du film qui les réunit. L'année suivante, après avoir tenu un second rôle dans la comédie dramatique Mauvaises herbes mise en scène par l'humoriste Kheiron, Catherine Deneuve joue le rôle titre de La Dernière Folie de Claire Darling. Troisième film de fiction de la documentariste Julie Bertuccelli, l'histoire est celle d'une femme qui se réveille un matin avec la conviction qu'elle va vivre sa dernière journée et décide, avant de disparaître, d'organiser un vide-grenier pour se débarrasser de tous ses meubles et objets de valeur. Également en 2018, elle préside le jury du 30e festival Premiers Plans d'Angers.

Son huitième film avec André Téchiné, L'Adieu à la nuit sorti en 2019, raconte le combat d'une grand-mère qui tente d'empêcher son petit-fils de partir en Syrie faire le djihad. La même année, elle est à l'affiche du film choral de Cédric Kahn, Fête de famille. Toujours en 2019, Catherine Deneuve tourne sous la direction du réalisateur japonais Hirokazu Kore-eda qui, avec , signe son premier long-métrage français. Elle y incarne Fabienne, une immense star de cinéma, qui, au moment de publier se mémoires, reçoit la visite de sa fille, jouée par Juliette Binoche. Présenté à la édition du festival international du film de Venise, le film est globalement bien reçu par la critique, en particulier pour les performances des acteurs. Ainsi, estime que Catherine Deneuve est " absolument magistrale ", à l'instar de qui juge sa performance " magnifique : grandiose, subtile, déchirante et intrépide ". , tout en considérant qu'il ne s'agit pas du meilleur film du cinéaste, est du même avis concernant l'actrice : " C'est le meilleur portrait, en biais, de Catherine Deneuve, aujourd'hui encombrée par sa légende, obligée de toujours dissimuler ses sentiments, et boulimique de travail - comme si chaque nouveau rôle lui donnait un sursis provisoire et chaque tournage, une illusoire cure de jouvence ". Également en 2019, Catherine Deneuve préside le jury du Festival du cinéma américain de Deauville,.

En 2020, Catherine Deneuve est à l'affiche de la comédie d'aventure loufoque et déjantée Terrible Jungle, aux côtés de Jonathan Cohen et Vincent Dedienne, dans lequel elle incarne une anthropologue bien décidée à retrouver son fils disparu, et dont le tournage a lieu sur l' île de la Réunion, plus de cinquante ans après celui de La sirène du Mississippi. Vient ensuite le drame De son vivant qui lui permet de jouer une troisième fois sous la direction d' Emmanuelle Bercot. Elle y tient le rôle d'une mère accablée par le cancer de son fils, interprété par Benoît Magimel. Le , durant le tournage, Catherine Deneuve est victime d'un accident vasculaire ischémique. Immédiatement prise en charge dans l'établissement où elle tournait, l'hôpital de Gonesse, elle est soignée à la Fondation Adolphe-de-Rothschild avant d'entamer sa convalescence dans le centre de réhabilitation post-traumatique de l'Institut national des Invalides,. Le tournage, de nouveau repoussé en raison de la pandémie de Covid-19, reprend finalement en juillet 2020.

Elle a vécu avec le réalisateur Roger Vadim, dont elle a eu un fils, Christian (né le ). Ils vivent alors rue Vineuse, près du Trocadéro, avant de déménager dans le Quartier latin.

Le , elle épouse à Londres le photographe David Bailey, dont elle se sépare en 1967, mais le divorce n'est prononcé qu'en 1972. Les témoins étaient Mick Jagger et Françoise Dorléac.

Elle vit par la suite avec Marcello Mastroianni, avec qui elle a une fille, Chiara (née le , elle-même actrice), puis avec l'homme d'affaires Bertrand de Labbey, qui reste son agent, et avec l'homme de médias Pierre Lescure dans les années 1980.

Catherine Deneuve vit à Paris dans le quartier Saint-Sulpice. Elle est propriétaire d'un logement dans les immeubles Walter.

Durant 35 ans, elle a été aussi propriétaire du château de Primard à Guainville ( Eure-et-Loir), vendu en 2018,,.

Après avoir, entre autres, travaillé avec Michel Deville, Claude Lelouch, Élie Chouraqui, Jean-Pierre Mocky et Philippe Labro, Catherine Deneuve décide d'internationaliser à nouveau sa carrière. Elle avait auparavant déjà tourné avec Stuart Rosenberg et Robert Aldrich aux États-Unis ou encore Marco Ferreri, Sergio Citti, Mauro Bolognini et Dino Risi en Italie. Plus tard, elle est dirigée notamment à deux reprises par Manoel de Oliveira et une seule fois par Lars von Trier qui lui offre un second rôle remarqué dans Dancer in the Dark.

Après le film Hôtel des Amériques, elle poursuit sa collaboration avec André Téchiné qui la montre sous un nouveau jour dans Le Lieu du crime, Ma saison préférée, Les Voleurs et Les Temps qui changent entre autres. Chez Téchiné, Deneuve abandonne son statut de star pour jouer des rôles de femmes fragilisées par la vie, en proie au temps qui passe et à une certaine incapacité au bonheur.

Catherine Deneuve est une vedette respectée qui alterne aussi bien les films grand public tels Fort Saganne d' Alain Corneau, Le Bon Plaisir de Francis Girod, et de Régis Wargnier, Belle Maman de Gabriel Aghion ou encore Huit Femmes et de François Ozon, que des œuvres d'auteur artistiquement ambitieuses comme Drôle d'endroit pour une rencontre de François Dupeyron, Généalogies d'un crime et Le Temps retrouvé de Raoul Ruiz, Le Vent de la nuit de Philippe Garrel, de Leos Carax, Un conte de Noël d' Arnaud Desplechin ou plus récemment d' Emmanuelle Bercot.

Faisant le distinguo entre " vouloir être regardée " et " subir le regard des autres ", Catherine Deneuve a toujours refusé de jouer au théâtre, évoquant sa peur du public et du rapport frontal avec les spectateurs : " Je sais que c'est en contradiction avec mon métier, mais un regard posé sur moi me gêne. C'est sans doute pour ça d'ailleurs que je ne veux pas faire de théâtre. [...] Tous les acteurs que je connais, et qui font du théâtre, me disent que c'est un moment extraordinaire et merveilleux, en dépit du trac, quand ils montent sur scène. Moi, ça me semble une chose impossible, surhumaine. "

Lorsque l'actrice se décide enfin, en 2009, à monter sur scène pour une lecture de Je me souviens de Georges Perec lors d'un festival culturel en Toscane, elle est sifflée par le public. Les manifestations de mécontentements - qui nécessiteront l'intervention de la police - ne visaient pas la qualité de son jeu, mais le fait que le spectacle soit proposé en langue française sans sous-titres, alors que les spectateurs ne s'y attendaient pas.

Sa défiance naturelle vis-à-vis du théâtre n'est cependant pas qu'anecdotique. L'actrice peut être considérée comme l'archétype de l'actrice de cinéma (en opposition à l'actrice de théâtre), et plus encore de la vedette - l'une des rares actrices françaises à pouvoir revendiquer ce statut. Le cinéaste Benoît Jacquot dit d'elle qu'elle " possède une puissance cinématographique à peu près sans égale ". Son jeu est de nature plutôt minimaliste, préférant en faire moins que trop.

" Dans ses manuscrits, Arnaud Desplechin dit à ce sujet : Henri Beyle raturait chacune de ses phrases qui avait le mauvais goût de faire douze pieds ; il préférait retrancher un peu, ou ajouter une conjonction fade, pour obtenir neuf pieds ou treize, plutôt que la pompe d'un alexandrin et son hémistiche attendu. Voilà comment joue Catherine Deneuve. "

Sa voix (" la plus belle du cinéma français, avec celle de Jeanne Moreau, précise, grave comme il faut ", a écrit Erik Orsenna) est aussi l'un de ses outils privilégiés. L'actrice est connue pour son phrasé rapide et ses brusques changements de rythme. Le cinéaste Jean-Paul Rappeneau dit d'elle qu'elle est " la personne capable de dire le plus de mots dans le moins de secondes possible tout en ne perdant pas une seule syllabe " et André Téchiné précise que " dans certains films, ses partenaires - et, parfois, ses metteurs en scène - ont du mal à la suivre.

Catherine Deneuve s'est toujours refusée à s'exprimer publiquement sur ses opinions politiques,,. Néanmoins, elle n'hésite pas à mettre sa célébrité aux services de plusieurs causes : " Mon engagement, c'est souvent une réponse à des choses dont on me parle. Je ne prends pas beaucoup d'initiatives dans ce domaine ".

En 1971, elle signe le manifeste des 343 affirmant, dans l'objectif d'en obtenir la légalisation, avoir pratiqué l' avortement. Des années plus tard, elle déclare au magazine Psychologies : " C'est une expérience qui fait partie de la vie des femmes de ma génération. Aujourd'hui, on ne s'en rend pas compte, on banalise cela, mais à l'époque... C'est un acte déjà effroyable en soi, mais quand, en plus, il est interdit et qu'il faut le subir dans des conditions compliquées, c'est très culpabilisant. Et la culpabilité, c'est terrible ! On apprend à vivre avec, mais on ne s'en remet pas ".

Dès les années 1980, Catherine Deneuve se joint aux mouvements pour l' abolition de la peine de mort en France. Elle prête sa voix à la version française d'un film d' Amnesty International contre la peine de mort et la torture. En outre, elle reverse à cette organisation la totalité des revenus dus au titre de la représentation de son image à la suite de la réalisation de son buste pour Marianne.

En 2001, Catherine Deneuve vient remettre à l'Ambassade américaine à Paris, 500 000 signatures de Français demandant l'abolition de la peine capitale aux États-Unis. Elle participe ensuite en 2004 au second Congrès mondial contre la peine de mort, organisé à Montréal.

En 1997, Catherine Deneuve signe l'appel contre la loi Debré, initié par des cinéastes français, au motif que le loi abrogeait " la tradition d'hospitalité et encourageait la délation " et qu'elle " flattait ce qu'il y a de moins beau chez les hommes " ,.

En 2003, Catherine Deneuve participe à une soirée de solidarité avec le peuple cubain " Cuba si, Castro no ", organisée par Reporters sans frontières et l'association Sin Visa au théâtre du Rond-Point. Elle se déclare hostile au régime de Fidel Castro et lit l'extrait d'un discours de ce dernier prononcé en janvier 1959, rappelant ses contradictions et ses dérives dictatoriales.

Lors de l' élection présidentielle de 2007, elle apporte son soutien à Ségolène Royal en cosignant la pétition " Un million de femmes s'énervent " qui dénonce le sexisme dont les signataires jugent que la candidate socialiste est victime.

En 2016, Catherine Deneuve signe une tribune qui dénonce le " Hollande bashing " et, défendant le bilan du président de la République, elle l'accompagne lors d'une tournée diplomatique en Malaisie et à Singapour en mars 2017 afin de " faire rayonner le cinéma français " ,. La même année, elle précise qu'il s'agit d'une " déclaration de soutien sur le fait qu'il y a une façon de traiter le président de la République. Il y a un tel manque de respect pour la fonction, au delà même de François Hollande, je trouve cela extrêmement choquant ".

Également en 2017, le président des États-Unis Donald Trump fait déclassifier 2 891 documents en rapport avec l' assassinat du président John Fitzgerald Kennedy et dans lesquels la CIA affirme que, dans les années 1960, Catherine Deneuve, Jean-Paul Sartre et Simone de Beauvoir ont contribué à financer un " réseau de militants " qui " aidait les déserteurs " de la guerre du Viêt Nam, dont Larry Cox - par la suite devenu directeur d' Amnesty International à Londres -, activiste qui a refusé à trois reprises d'intégrer l'armée américaine et de partir au Viêt Nam.

En 2018, à la suite de la démission de Nicolas Hulot du ministère français de l'Écologie, Catherine Deneuve signe, avec notamment Juliette Binoche, la tribune contre le réchauffement climatique intitulée " Le Plus Grand Défi de l'histoire de l'humanité ", qui paraît à la une du journal avec pour titre " L'appel de 200 personnalités pour sauver la planète ".

Ses prises de positions suscitent parfois la controverse, notamment en 2013 lorsque, en plein débat sur le mariage gay, elle déclare être " perplexe " à propos de l'ouverture du mariage aux couples homosexuels et précise qu'elle aurait préféré voir élargir le PACS : " J'avais dit mes doutes sur le mariage en général, institution dont les hétérosexuels cherchent plutôt à s'émanciper, vu la proportion de divorces. Le mariage a été inventé pour protéger la femme qui ne travaille pas. C'est un modèle ancien. Ça m'embête de voir maintenant la famille traditionnelle se dresser pour empêcher l'évolution de la société. Il faut apprendre à vivre avec la réalité d'aujourd'hui " ,.

À partir de 2017, ses prises de positions et réserves à l'encontre du " mouvement #MeToo lui valent des critiques de la part de nombreuses féministes. Catherine Deneuve déclare ne jamais s'être véritablement considérée elle-même comme féministe et explique cette absence d'implication par un manque de temps et d'envie à adhérer au mouvement. En 2018, elle est cosignataire d'une tribune de cent femmes parue dans " contre le puritanisme " en réaction au mouvement #MeToo, qui défend la " liberté " des hommes " d'importuner " les femmes et dénonçant un " banalisation des violences sexuelles " et un " mépris aux femmes " féminisme qui prend le visage d'une haine des hommes et de la sexualité ". Cette tribune provoque des remous importants, y compris à l'international, de nombreuses femmes y voyant une ,. Quelques jours plus tard, Catherine Deneuve clarifie sa position à travers une lettre ouverte publiée dans Libération et dans laquelle elle explique que " rien dans le texte " - qu'elle juge " vigoureux, à défaut de le trouver parfaitement juste ", " ne prétend que le harcèlement a du bon, sans quoi je ne l'aurais pas signé " avant de présenter ses excuses aux victimes d'agressions sexuelles qui auraient pu être choquées.

L'actrice provoque également de vives réactions pour sa défense de Roman Polanski, condamné par la justice américaine dans une affaire d'abus sexuel sur mineur en 1977, déplorant à plusieurs reprises les critiques des féministes à l'encontre du réalisateur : " Que des gens soient en colère après moi ou qu'ils soient déçus, ce n'est pas mon problème. Quant à l'affaire de Roman Polanski, c'est un cas d'école. La façon dont il a été traité est inadmissible. Il a plus que payé. Je pense que dans cette histoire beaucoup de femmes sont aveuglées par leur féminisme et ne connaissent même pas en détail les faits juridiquement parlant " ,.

Avec plus d'une centaine de films à son actif et plus d'une soixantaine de réalisateurs l'ayant dirigée, Catherine Deneuve est devenue, à l'instar de Jeanne Moreau ou de Michèle Morgan, une des plus grandes actrices du cinéma français et même une des icônes de la culture française dans le monde. Sa filmographie est remarquable par son éclectisme et le choix réfléchi des réalisateurs.

Cet ouvrage reprend les six carnets de tournage qu'elle a tenus au cours de sa carrière.

En 1973, Catherine Deneuve est l'égérie du parfum (photo publicitaire de Richard Avedon).

En 1987, elle tourne dans le spot publicitaire pour la privatisation de la Compagnie financière Suez,. La même année, elle crée sa propre marque de parfum, dont le logo est dessiné par Pierre Katz (designer) et lance le parfum Deneuve, qui remporte un FiFi Award.

Elle est en 1992 l'égérie de la campagne publicitaire de la nouvelle ligne de soins d' Yves Saint Laurent (le soin précurseur de beauté).

En 2012, elle apparait dans un spot de l'agence Publicis, pour Orange et le Cinéday.

À l'occasion de la campagne printemps-été 2014 de Louis Vuitton, rendant hommage aux muses de Marc Jacobs, elle apparaît dans une interview où elle raconte l'histoire qui la lie à son sac (modèle NN14),.

En 2021, pour les 15 ans du site Le Bon Coin, elle apparaît dans un spot où elle révèle collectionner des poules, notamment à partir du site internet.

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45. Voir le Rapport déclassifié écrit le 11 juillet 1969 par Paul K. Chalemsky, ancien directeur de l'antenne de la CIA à Paris, qui précise les sommes ainsi versées par ↑ Jean-Paul Sartre (100 $), Simone de Beauvoir (le document ne précise pas le montant) et donc Catherine Deneuve (1 500 francs). Source : " Le nom de Catherine Deneuve apparaît dans les dossiers déclassifiés sur JFK ", sur L'Express.fr, .

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Sur les autres projets Wikimedia :

: document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

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Van Badham, " Madame Deneuve, permettez-moi de vous expliquer #MeToo ", Courrier international N°1420, Courrier international SA, Paris, 18 janvier 2018, p. 17 (ISSN 1154-516X) (article original paru dans The Guardian du 10 janvier 2018.

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Catherine Dorléac, dite Catherine Deneuve, est une actrice française née le à Paris. Considérée comme l'une des plus grandes actrices françaises de sa génération et de la seconde partie du siècle, elle est l' égérie de réalisateurs comme Jacques Demy, François Truffaut ou André Téchiné.

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NANOUK

NANOUK est une plateforme pédagogique en ligne accompagnant le dispositif École et cinéma.

Cette plateforme a été conçue par Les enfants de cinéma en 2016. Suite au transfert d'activités d'École et cinéma, elle est maintenant développée par L'Archipel des lucioles.

NANOUK s'organise autour de trois espaces :

1 espace " en famille " destiné à la consultation publique, donc aux parents.

1 espace " enseignant ", réservé uniquement aux enseignants et aux partenaires culturels.

1 espace " à l'école " dédié aux utilisations pédagogiques dans le cadre scolaire.

En savoir plus

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NANOUK est une plateforme pédagogique en ligne accompagnant le dispositif École et cinéma. Cette plateforme a été conçue par Les enfants de cinéma en 2016. Suite au transfert d'activités d'École et cinéma, elle est maintenant développée par L'Archipel des lucioles.

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Un roi, devenu veuf, pour respecter le serment qu’il avait fait à son épouse, ne peut se remarier qu’avec une femme plus belle que celle-ci. Or, la seule personne qui réponde à cette exigence est sa propre fille et il décide de l’épouser. Effrayée, la jeune Princesse demande assistance à sa marraine la Fée. Suivant ses conseils, la Princesse exige de son père trois robes impossibles à faire, mais il les fait réaliser. Elle lui demande, ensuite, la peau de son âne précieux qui défèque de l’or. Il y consent. La Princesse, déguisée en souillon et couverte de la peau de l’âne, se sauve alors dans une ferme. Un Prince passant par là, tombe amoureux d’elle. Il la reconnaîtra grâce à une bague que Peau d’Âne lui fait parvenir dans un gâteau, et que, seule de toutes les prétendantes à la cour, elle peut enfiler à son doigt.

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Ce document propose de nombreuses pistes pour exploiter le film après la séance au cinéma.

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Jacques Demy (1931-1990) est connu pour ses films musicaux : Les parapluies de Cherbourg et Les demoiselles de Rochefort et pour aussi : Lola, Une chambre en ville et Trois places pour le 26...
Enfant, il est très attiré par les arts du spectacle, il achète sa première caméra en 1944. En 1946-48, il réalise des petits films d’animation et rencontre Christain-Jacque. Aidé par celui-ci, il entre en 1949 à l'École technique de photographie et de cinéma à Paris. Du cinéma d’animation au documentaire en passant par la publicité, Jacques Demy devient assistant réalisateur et scénariste, parolier, producteur, dialoguiste, acteur...et réalisateur. En 1964, il reçoit la Palme d'or du Festival de Cannes pour Les Parapluies de Cherbourg.

Avec les élèves :
Rechercher les fonctions relatives à chaque profession exercée par Jacques Demy au cours de sa carrière. Créer un dictionnaire des métiers du cinéma.

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L'œuvre cinématographique de Jacques Demy dessine un monde. Un monde de villes portuaires (Nantes, Nice, Cherbourg, Rochefort, Los Angeles, Marseille), traversé de chassés-croisés amoureux, où l'imaginaire a toujours raison de l'impossible. Dix-huit films que le cinéaste désirait tous " liés les uns aux autres ". Comédie humaine pop, hantée d'une pléiade de personnages en-chantés, à la sensualité chromatique explosive, qui apparaissent dans le champ avec une précision méticuleuse, pris dans le filet géométrique d'une mise en scène au cordeau qui fait de Demy (1931-1990) un des plus grands perfectionnistes du cinéma français. Et un des seuls à avoir interrogé le devenir musical du septième art.

Une exposition riche en inédits

L'univers de Jacques Demy se compose de marins, forains, fée des Lilas, ouvriers, jumelles excentriques, artistes rêveurs ou marchand de télé. Il est un de ces cinéastes magiciens qui a su garder son enfance intacte, continuant d'y puiser tout au long de sa vie son énergie créatrice. Puissance de sublimation inassouvie, présente aussi dans sa pratique du dessin (dès les années quarante), de la photographie et de la peinture (dans les années quatre-vingts), que l'exposition révèlera pour la première fois aux côtés de clichés inédits de sa compagne Agnès Varda, et d'œuvres réalisées par ses plus proches collaborateurs. En particulier, les créations musicales de Michel Legrand (son " frère de cinéma ") ainsi que les gouaches fauves du décorateur Bernard Evein, qui l'accompagna durant toute sa carrière. Mais l'œuvre de Demy outrepasse la seule histoire du cinéma pour s'inscrire dans celle de l'art du XXe siècle. Pour prouver ce postulat esthétique, l'exposition, construite de manière chronologique, confrontera les films avec des œuvres originales d'artistes dont Demy a explicitement revendiqué l'influence : Raoul Dufy dont l'aquarelle La Baie des Anges inspirera le film éponyme de Demy, David Hockney pour sa représentation lumineuse de la Californie ou Leonor Fini pressentie pour créer les costumes fabuleux de Peau d'âne.

Un rapport poétique au réel

C'est dans le grenier nantais de ses parents que le jeune Jacques, déjà cinéphile et passionné de technique, se met à inventer des courts métrages d'animation. Ce sera, en 1947, Pont de Mauves, film peint sur Celluloïd, puis l'année suivante Attaque nocturne, réalisé image par image avec des personnages en papier découpé.

Après avoir suivi les cours de l'École technique de photographie et de cinématographie à Paris, le désir de Demy pour le septième art le conduit paradoxalement à s'orienter vers le documentaire, lui qui est pourtant un admirateur inconditionnel des féeries de Minnelli, Ophuls et Carné. Sous l'influence de Georges Rouquier, dont il a été l'assistant, il retrouve l'artisan qui s'occupa de lui une partie de la guerre pour enregistrer, dans l'intimité de son atelier, les gestes du quotidien, le travail comme salut ( Le Sabotier du Val de Loire). Ce rapport poétique au réel, il en verra la confirmation dans les amitiés cinéphiliques qu'il tisse, dès 1957, avec les futurs chefs de file de la Nouvelle Vague. Malgré des différences (moins théorique, Demy n'écrit pas de textes critiques), l'émulation entre eux est fondamentale, faite de vases communicants qui entraînent Demy à apparaître dans Paris nous appartient de Rivette (1958-61) avant d'être produit, pour son premier long métrage Lola (1960), par Georges de Beauregard, par l'entremise de son ami Godard.

Ce film, situé à Nantes, sa ville natale (Demy est le grand cinéaste provincial de la Nouvelle Vague), est orchestré dans un jeu cru de lumières et d'ombres. Lola, meneuse de revue, vit de rencontres passagères en attendant le retour du père de son fils. Elle croise, Passage Pommeraye (véritable topos coctalien, avec ses statues antiques de stuc qui ont l'air de dévisager les passants affairés comme dans La Belle et la Bête) Roland Cassard, un ami d'enfance, avec lequel elle se sent immédiatement intime. Leur couple est un parmi d'autres dans cette ronde de femmes et d'hommes qui semblent s'offrir les uns les autres des jeux de miroirs à l'infini. Dans un plan séquence réalisé avec une fluidité toute maritime, Lola et Roland passent devant une boutique qui s'appelle " Elle et Lui ". Si ce n'avait déjà été le titre du chef-d'œuvre de McCarey, ce pourrait être le sous-titre de l'œuvre de Demy, qui prend l'unité du couple comme l'étalon émotionnel : que cela soit le couple légendaire de Peau d'âne, le couple comme-tout-le-monde de L'Événement le plus important (une coiffeuse et un directeur d'une auto-école) ou le couple mythologique qui veut braver la mort dans Parking (Orphée et Eurydice). S'il est une question qui obsède Demy, c'est bien de savoir si le temps peut effacer l'amour que l'absence n'a pas su désagréger. L'amour ne meurt jamais, sera sa réponse artistique, filmée avec mélancolie certes, mais aussi avec une croyance presque surnaturelle dans le destin (le fatum érigé en maître dans Les Demoiselles). " Vouloir le bonheur, c'est peut-être déjà le bonheur ", disait Cassard. Naïveté qui est la force de Demy. La quête, sans honte, d'un premier degré bouleversant et finalement provocateur. Parce qu'à travers sa recherche de l'idéal, Demy n'a cessé de réaliser des œuvres qui, si elles semblent légères en surface, sont aussi profondément engagées. Le chant des poètes se mue alors en chœur du peuple, et Demy de ne jamais oublier de montrer que la brutalité du réel est là, aux portes de ces rubans de rêves que sont, pour lui, les films. Un réel qui sépare les amants (la guerre d'Algérie dans Les Parapluies de Cherbourg, la guerre du Vietnam dans Model Shop, la Révolution française dans L*ady Oscar*, les grèves des chantiers navals dans Une chambre en ville), pousse les êtres dans le doute, jusqu'aux pulsions les plus taboues (plongée obsessionnelle dans les méandres de casinos figurés comme autant de labyrinthes mentaux dans La Baie des Anges).

Éternel retour

L'exposition proposera une traversée de ce Demy-monde qui est un vrai continent à lui seul. Un monde où le souvenir vient bouleverser le présent, rendre possible la coexistence de plusieurs époques. Car, de films en films, le spectateur retrouve les mêmes personnages (et acteurs !), un peu plus âgés, un peu différents. En cela, son œuvre tout entière est un palimpseste. Model Shop, précurseur du Nouvel Hollywood, est une suite assumée de Lola, huit ans après, sur le sol californien. Réapparaît Anouk Aimée brisée, posant pour quelques dollars dans l'intimité d'une chambre close et factice (rose cheap), d'où elle n'espère qu'une seule chose : s'enfuir. Le contraire de cette envie irrépressible d'être sous les projecteurs, qui anime les Demoiselles aussi bien que la jeune Marion de Trois places. Dans tous les cas, Demy filme le spectacle en coulisse, s'attache aux corps de ses héroïnes, en effleurant leurs vies secrètes, ces lointaines aventures hors champ dont les échos reviennent avec émotion au bord du cadre.

L'œuvre de Demy est un éternel retour. Jusqu'à aujourd'hui encore où des metteurs en scène contemporains le plébiscitent par voie de cinéma interposé (Christophe Honoré ou Hou Hsiao-hsien). Demy a créé un cinéma radical et fécond, qui a valeur de manifeste, comme l'atteste la Palme d'or qui lui a été remise pour ses Parapluies de Cherbourg en 1964. Un opéra populaire, qui raconte les désillusions de l'amour avec une vibration impertinente, sans peur du mélodrame. Un film où Demy ose demander à Catherine Deneuve de scruter à plusieurs reprises la caméra, droit dans les yeux, sans pudeur, pour exhiber cette intériorité qui défie les hommes. Deux ans après ce triomphe, Demy réalise Les Demoiselles de Rochefort, avec sa muse inspiratrice : un West Side Story à la française, où l'abstraction se marie avec perfection aux ballets du montage (Gene Kelly et George Chakiris en guest stars !).

Scénographier le merveilleux

Les films de Demy explorent des biffures insolentes, des collisions de personnages toujours pressés, projetés dans un manège multicolore et symphonique. Comme un torrent, aurait dit Minnelli. Torrent de rythmes jazzy envoûtants (créés par Legrand) alliés à de magnifiques effets de langue qui disent la spontanéité et la fuite en avant, la vérité toute crue et le mensonge acidulé (ces mamans, magnifiquement interprétées par Elina Labourdette, Anne Vernon, Danielle Darrieux et Françoise Fabian, qui n'ont pas de honte à arrondir les angles pour protéger leurs filles). Sur fond de papiers peints multicolores que l'exposition recréera, non pas simplement par envie de faire " comme si " (pénétrer l'envers du décor), mais parce qu'ils sont la situation même du film, une forme de récit chromatique : le plot.

Chez Demy, le réalisme et le merveilleux s'équilibrent pour donner à ses films des formes bigarrées et complexes. Comme si le cinéaste ne pouvait choisir entre des pôles contraires, et jouait du pouvoir incantatoire que pouvait exercer l'un sur l'autre. Lady Oscar mêle le décorum versaillais à l'intuition géniale que les mangas japonais ont un avenir cinématographique. Le Joueur de flûte crée avec Donovan un personnage de troubadour dont la musique libère la jeunesse, qui, loin de la légende des frères Grimm, nous ramène plutôt du côté de Woodstock. Enfin Peau d'âne, que la scénographie mettra particulièrement en valeur au travers de recréations spectaculaires, évoque aussi bien le Moyen Âge français que le psychédélisme américain. En somme, c'est bien au songe qu'il faudrait comparer ses films, dans cette manière de faire coexister les contraires. " Vous croyez à la signification des rêves n'est-ce pas ? " disait Margo Lyon dans Lola. Demy semble y croire profondément. Ses films sont nourris de symboles cachés, et de phrases cryptées (les allusions à Cocteau dites par le Roi Jean Marais), sans pour autant désorienter le spectateur qui prend ces effets déréalisants pour une évidence secrète et rentre dans son univers avec euphorie. On revit avec Demy une expérience de cinéma originelle. Comme aux premiers temps du cinématographe.

Dans son article " Le Cru et le Cuit ", Daney disait de Demy que, comme d'autres, le cinéaste avait moins travaillé dans la décennie 70 (il en sera de même dans la décennie suivante), faute d'avoir su " créer sa machine de production ", et qu'" il en avait sans doute souffert. " Après l'échec d' Une chambre en ville en 1982, son joyau noir qui signe son retour à Nantes, Demy choisit de s'isoler. Il collectionne des copies de ses films préférés (sa petite cinémathèque que l'exposition mettra en scène), peint des marines et des maisons californiennes baignées de lumière. Il a décidé de résister à la pression économique du milieu parisien et de s'inventer un monde parallèle à celui du cinéma. On retiendra de lui son visage bouleversant filmé par Agnès Varda dans Jacquot de Nantes, en 1990. Demy est près de la mer (l'horizon récurrent de son cinéma). En pleine possession de son imaginaire. Les yeux dans les yeux. Habité de tous les films qu'il aurait pu faire encore ( Anouchka, Kobi), et qui continuent de vivre dans l'esprit de ceux qui en ont tout simplement rêvé.

Matthieu Orléan

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L'œuvre cinématographique de Jacques Demy dessine un monde. Un monde de villes portuaires (Nantes, Nice, Cherbourg, Rochefort, Los Angeles, Marseille), traversé de chassés-croisés amoureux, où l'imaginaire a toujours raison de l'impossible. Dix-huit films que le cinéaste désirait tous " liés les uns aux autres ".

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En arts plastiques, proposer aux élèves de confectionner des robes avec des chutes de tissus (voir Les habits dans l'art dans la colonne Mise en réseau).

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Peau d’âne : le Roi apporte à la Princesse la dépouille de l’âne-banquier.

La Bête se penche sur la Belle.

Demander aux élèves pourquoi cette image est mise en réseau avec Peau d'âne.

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La plate-forme Nanouk propose une analyse de séquence sur :
La cérémonie de l'anneau
Séquence 37 | 1.15.02 – 1.20.44

Tout est sur la plate-forme !

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La plate-forme Nanouk propose de travailler en étoilement (mise en réseau cinématographique avec d’autres films du catalogue «Ecole et cinéma») à partir d’une séquence du film. L’enseignant fera comparer l’extrait du film avec au moins un extrait d’un des autres films proposés, choisi en fonction de l’âge de ses élèves.

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Peau d’Âne serait le premier conte de fées français écrit. La version la plus célèbre serait celle de Charles Perrault, écrite en 1694 et rattachée aux Contes de ma Mère l’Oye (recueil de 8 contes) en 1697.
On retrouve dans cette histoire tous les ingrédients du conte : la structure, les personnages, les objets magiques, les animaux, les monstres, les espaces de l’histoire…

Dans son film, Jacques Demy reprend la structure et l’intrigue du conte traditionnel. Il reste fidèle aux étapes  mais joue avec des anachronismes et introduit quelques originalités. Jacques Demy conforte son souhait de se référer à l’origine littéraire du scénario, en démarrant  le film sur une scène présentant un livre qui s’ouvre et en  faisant ainsi entrer le spectateur dans le monde du conte avec la formule « magique « Il était une fois ».

La  lecture du conte faite avant le visionnement du film facilitera la compréhension du déroulement de l’histoire, particulièrement pour les élèves les plus jeunes.

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Symboliquement, dans les contes, revêtir la peau d'un animal permet au héros de ne pas perdre son âme… Mais cette peau sale et puante symbolise le sentiment de la jeune-fille d'être souillée par cet amour incestueux.

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On pourra commencer à écouter des chansons du film et à découvrir l'univers de Michel Legrand pour familiariser les élèves à la BOF du film (voir colonne suivante de ce padlet).

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Fiche mémoire du travail réalisé en amont de la sortie au cinéma.

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Peau d'âne est un film musical français écrit et réalisé par Jacques Demy, sorti en 1970.

Inspiré de de Charles Perrault, paru en 1694, le film reprend l'intrigue traditionnelle du conte : une princesse forcée d'épouser son père fuit son royaume en se dissimulant sous une Peau d'âne. Suscitant l'hostilité par son déguisement, elle parvient à conserver son secret jusqu'à sa rencontre fortuite avec le prince d'un château voisin. Une fois leur amour avoué et l'identité de la princesse révélée, les noces des deux jeunes gens sont célébrées dans l'harmonie retrouvée. À cette histoire merveilleuse, le réalisateur apporte une esthétique " pop " caractéristique des années 1960 mais encore inédite dans le cinéma français.

Cette troisième collaboration entre Jacques Demy et Catherine Deneuve permet au réalisateur de réaffirmer la force et la singularité de son univers cinématographique, ce " Demy-monde " qui mêle références féériques et poétiques, et à l'actrice de gagner un nouveau rôle de beauté iconique.

Considéré comme un " film culte " grâce à l'audace de ses thèmes et de son parti pris visuel, ainsi qu'à sa musique signée Michel Legrand, Peau d'âne constitue le plus grand succès au box-office de Jacques Demy.

Il a été restauré en 2003 et en 2014 sous la houlette de la cinéaste Agnès Varda, compagne du réalisateur.

Il a été adapté sur scène en 2018 au théâtre Marigny sous la supervision de Michel Legrand et d'Agnès Varda.

Il était une fois... un roi ( Jean Marais), qui jouit d'un grand prestige auprès de ses sujets et voisins, et qui est marié à la plus belle et vertueuse des reines. Tous deux vivent en harmonie avec leur unique fille ( Catherine Deneuve), et la prospérité du royaume est continuellement assurée par l'âne fabuleux qui habite leurs écuries et dont les déjections surnaturelles délivrent pierres précieuses et pièces d'or. Mais cet équilibre est rompu par le malheur : la reine se meurt de maladie. La raison d'État exigeant un héritier mâle, sur son lit de mort, elle fait promettre à son mari de ne prendre comme nouvelle épouse qu'une femme plus belle qu'elle. Les efforts des ministres pour trouver une princesse à la hauteur de la défunte reine restent vains, jusqu'à ce qu'ils admettent que seule la fille même du couple royal peut se prévaloir d'une telle beauté. Bien qu'un tel projet constitue un inceste, le roi décide de l'épouser, encouragé en cela par ses conseillers.

Il fait venir auprès de lui sa fille, qu'il avait rejetée depuis la mort de son épouse et qui s'était jusque-là divertie en chantant l'amour dans un jardin du palais ( Amour, Amour). Il lui lit des vers qu'il sélectionne dans des recueils des temps futurs, puis la demande en mariage. La Princesse s'inquiète tout d'abord d'un tel dessein, mais entretient des hésitations, sensible à l'insistance de son père et à l'amour qu'elle-même lui porte. Elle rend alors visite à sa marraine, la Fée des lilas ( Delphine Seyrig), pour obtenir son conseil. Celle-ci, malgré un comportement curieux laissant entendre que sa relation avec le Roi est tendue, lui apprend à distinguer les amours : si l'on aime ses parents, on ne les épouse pas ( Les Conseils de la Fée des lilas). Guidée par cette dernière, la Princesse tente, sans contredire son père, de le dissuader de son projet en lui demandant tour à tour trois présents apparemment irréalisables : des robes d'une extrême complexité de confection, l'une couleur du Temps, l'autre couleur de Lune, et la dernière couleur du Soleil.

En dépit du coût et de la brièveté des délais accordés, le Roi accède à ses demandes. La Princesse se résout alors, toujours conseillée par sa marraine, à demander à son père un immense et ultime sacrifice : la peau de l'âne banquier, celui-là même qui fait la richesse du royaume. Contre toute attente, et après avoir reproché à sa fille de faire trop de caprices de coquetterie, le Roi accepte. Effarée par la dépouille de l'animal et n'ayant plus aucun moyen de se dérober à l'exigence de son père, la Princesse s'enfuit du château familial, cachée sous la peau de l'âne et munie de la baguette magique que lui a prêtée sa marraine la Fée. Lorsque les chevaux qui tirent son carrosse, devenu charrette au long du voyage, s'arrêtent d'eux-mêmes en pleine forêt, la jeune fille, qui a désormais l'apparence d'une gueuse, s'enfonce dans les bois. Logeant dans une misérable hutte au fond d'un bois et travaillant comme souillon pour une vieille femme, elle doit affronter l'hostilité et les moqueries des habitants d'une ferme à proximité ( Les Insultes).

Dans le royaume où l'héroïne s'est établie se trouve un prince charmant ( Jacques Perrin), qui languit après un amour qu'il n'a pas encore trouvé ( Chanson du Prince). Alors qu'il erre dans les bois, une rose lui souffle de persévérer dans sa quête. Suivant ses conseils, il découvre non loin dans une clairière une cabane en piteux état, celle de Peau d'âne, et aperçoit la jeune fille par une lucarne. Se croyant seule en son logis, celle-ci a alors revêtu ses atours de princesse. Il en devient immédiatement amoureux et, de retour dans son château, tombe malade d'amour. Ses parents, alertés de son état, ne voient goutte au comportement de leur fils ; mais le Roi rouge ( Fernand Ledoux) comme la Reine rouge ( Micheline Presle) ne souhaitent que l'aider dans sa quête d'amour.

Le Prince demande alors à sa mère que celle que tous dénomment " Peau d'âne " lui prépare un gâteau. La jeune fille accède à sa requête et lui confectionne un " cake d'amour ", dans lequel elle glisse discrètement un présent : un anneau d'or digne des parures qu'elle avait revêtues le jour où le Prince l'avait aperçue ( Recette pour un cake d'amour). Celui-ci manque cependant de s'étouffer sur la bague, en dévorant le gâteau ; en attendant que ses proches soient rassurés et le laissent seul, il la dissimule, heureux de ce signe. Il ressort alors la bague et, dans un rêve, fait enfin la rencontre de la Princesse. Tous deux s'avouent mutuellement leur amour et expriment leur désir de vivre ensemble, libérés de leurs parents et de toute contrainte ( Rêves secrets d'un prince et d'une princesse) .

Sorti de ce doux songe, le Prince fait annoncer au château qu'il épousera la fille du royaume au doigt de laquelle la bague ira parfaitement. Une frénésie s'empare alors de la population féminine, certaines allant même jusqu'à essayer des potions et autres concoctions réputées magiques dans l'espoir d'adapter leur doigt à la bonne taille ( Le Massage des doigts). Une séance d'essayage est organisée pour toutes les femmes du royaume, qui se présentent dans l'espoir de se révéler être l'élue. Défilant par rang social, elles ont droit à un essai chacune, mais la séance s'éternise et le Prince se lasse. Lorsque la procession prend fin, l'anneau ne s'est glissé à aucun doigt.

Le Prince pense alors à convoquer la dernière jeune fille du royaume, la souillon Peau d'âne, qui était reléguée aux cuisines, et celle-ci arrive ; à la stupéfaction générale, l'anneau s'ajuste parfaitement à son doigt. Elle fait tomber sa Peau d'âne et apparaît dans toute sa splendeur dans sa robe couleur du Soleil, provoquant l'émerveillement de tous. Les noces s'ensuivent : la Princesse épouse le Prince sous l'œil bienveillant de leurs familles, y compris du Roi bleu, qui se rend au mariage en hélicoptère en compagnie de la Fée des lilas. Cette dernière révèle alors à sa filleule que " tout est arrangé " et qu'elle-même épousera le Roi. La cérémonie se poursuit, et alors que défilent les invités prestigieux accourus de toutes parts, la page du conte se referme.

Le film s'achève sur les derniers vers du conte original :

" Le conte de Peau d'Âne est difficile à croire,
Mais tant que dans le monde on aura des enfants,
Des mères et des mères-grands,
On en gardera la mémoire. "

Titre : Peau d'âne

Réalisation : Jacques Demy, assisté d'Alain Franchet et de Jean Lefèvre

Scénario, dialogues et paroles des chansons : Jacques Demy, d'après le conte de Charles Perrault

Décors : Jim Leon, réalisés par Jacques Dugied

Costumes : Agostino Pace et Gitt Magrini, réalisés par Tirelli (à Rome) et Maria Gromstseff (à Paris) ; la peau de l'âne et les masques d'animaux sont l'œuvre de l'atelier d'Hector Pascual

Maquillages : Alex et Éliane Marcus, Monique Archambault

Coiffures : Carita et Alexandre de Paris, réalisées par Janou Pottier et Renée Guidet

Photographie : Ghislain Cloquet, assisté d'Alain Franchet et Yves Agostini

Son : André Hervée, assisté de Gérard Manneveau

Musique : Michel Legrand

Montage : Anne-Marie Cotret, assistée de Christiane Gratton

Chorégraphie : Nicole Dehayes

Production : Mag Bodard

Sociétés de production : Parc Film, Marianne Productions (Paramount Pictures)

Sociétés de distribution : Cinema International Corporation (1970), Ciné-Tamaris (2003 et 2014)

Budget : 5 000 000 francs

Pays d'origine : France

Langue originale : français

Format : couleurs - 35 mm - 1,66:1 - son monophonique d'origine (Dolby stéréo pour la version restaurée)

Genre : conte musical

Durée : 85 minutes

Dates de sortie :

Interprètes des chansons

Après quelques années passées aux États-Unis, entre 1967 et 1969, durant lesquelles il réalise avec le soutien financier de la compagnie Columbia, Jacques Demy souhaite tourner un film inspiré de la culture française et en particulier de ses contes de fées et de leur merveilleux, qui lui inspirent . Dès les années 1950, il a établi le script d'une hypothétique adaptation de La Belle au bois dormant, qui ne donne pas de suite ; mais les films qu'il réalise au début des années 1960, (1961) et Les Parapluies de Cherbourg (1964), font déjà référence aux contes de fées et jouent avec leurs codes,.

Parmi les œuvres du conteur français " Nous convenions que " Autrefois, avant, quand j'étais enfant, Charles Perrault, c'est que Demy sélectionne, pour son étrangeté. Sa compagne et collègue cinéaste Agnès Varda, qui était partie avec lui et l'avait accompagné dans son projet de film américain, explique plus tard ce choix par l'originalité de l'histoire () et par sa complexité ( Peau d'Âne était de loin le conte le plus complexe "). Demy apprécie cette histoire de longue date, l'ayant montée dès l'enfance dans son propre théâtre de marionnettes,, de même que Cendrillon et d'autres contes des frères Grimm ou d' Andersen, : Peau d'âne me plaisait particulièrement. J'ai essayé de faire le film dans cette optique, par mes yeux, comme ça, quand j'avais sept ou huit ans. "

Il le cite dès 1962 comme l'un des scripts sur lesquels il travaille ; il envisage à l'époque dans les rôles-titres Brigitte Bardot et l'Américain Anthony Perkins, qui tourne alors beaucoup en Europe,,. Les deux acteurs donnent leur accord mais le devis du projet est trop élevé pour un cinéaste alors presque inconnu. Le triomphe des Demoiselles de Rochefort, en 1967, changera la donne.

À la date où Demy relance son projet, le conte n'a encore bénéficié que d'une " essayer de faire simple et vrai comme furent seule adaptation portée sur grand écran par Albert Capellani en 1908. Ce court-métrage muet en noir et blanc reprend le canevas d'une féerie créée en 1838 au théâtre de la Porte-Saint-Martin et qui connut un grand succès populaire tout au long du siècle, mais pour lequel les auteurs, Émile Vanderburch et Laurencin, avaient modifié l'intrigue afin de ne pas y inclure la dimension de l'inceste : si la Princesse devait y porter une Peau d'âne, c'était pour châtier sa coquetterie et non plus pour échapper aux yeux de son père. Le scénario de Demy est ainsi le premier à respecter la thématique problématique du conte original, que le réalisateur réutilisera par ailleurs dans son ultime film, Trois places pour le 26 (1988). Riche de son expérience américaine, une certaine désinhibition gagne peut-être Demy, qui tend alors vers plus d'audace au regard de la production cinématographique française traditionnelle. " Ma vision de l'Amérique est celle d'un monde criard, baroque, où la notion de goût, ce bon goût français qui nous a été inoculé comme un vaccin, n'existe pas. Le mauvais goût américain m'a transporté, je l'ai adoré... ", témoigne le réalisateur. Il souhaite également se débarrasser de l'étiquette " pastel " généralement attachée à ses films par les spectateurs, en particulier depuis la sortie des Demoiselles : il tient à Les Parapluies plutôt que Rochefort ".

Loin de lui reprocher l'échec commercial de " j'avais surtout envie de rentrer en France pour y faire Model Shop, sorti en 1969, les producteurs américains de Demy lui proposent de diriger un nouveau film aux États-Unis, A Walk in the Spring Rain , avec les deux stars que sont Ingrid Bergman et Anthony Quinn. Demy laisse finalement sa place à Guy Green : Peau d'âne que j'avais déjà en tête depuis un moment. Mag Bodard [productrice française] était venue me voir à Hollywood pour me dire qu'elle avait le financement, que Catherine [Deneuve] voulait le faire. J'ai un peu hésité et je me suis dit que si je continuais dans cette voie, ce n'était pas celle que j'avais choisie puisque je préfère écrire les sujets que je réalise. Si j'entrais dans le système hollywoodien, il me conviendrait peut-être, mais je n'en étais pas sûr ".

Porté par le triomphe des Demoiselles de Rochefort, Demy avait en effet ressuscité dès 1968 l'idée de Peau d'âne, qu'il avait proposée à son interprète principale, Catherine Deneuve. Auréolée de gloire, l'actrice est devenue à l'époque une icône, et son intérêt pour le projet est un atout pour la mise en chantier du film, dont le scénario et les chansons sont déjà écrits, tout comme la musique composée par Michel Legrand. Cela permet à la productrice Mag Bodard de s'attacher les soutiens financiers qui lui manquaient après le refus de la Columbia. Malgré les efforts conjugués de Bodard et de Deneuve, laquelle accompagne Demy à New York pour tenter de convaincre le producteur Stanley Schneider, un des pontes de la Columbia, celui-ci n'a en effet pas accepté de s'engager sur un film catalogué " pour enfants ". Mag Bodard, qui n'en est pas à sa première difficulté pour produire les films musicaux de Demy, trouve finalement un accord avec Marianne Productions, filiale française de la Paramount ( Peau d'âne sera cependant le dernier film de Demy qu'elle produira).

" Comme les autres filles, j'aimais les histoires de fées et de sorcières, de rois et de princesses, de perles et de crapauds. Lorsque j'ai lu le scénario de Peau d'Âne, j'ai retrouvé les émotions de ma lecture d'enfance, la même simplicité, le même humour, et, pourquoi ne pas le dire, une certaine cruauté qui sourd généralement sous la neige tranquille des contes les plus féériques. "

La préparation du film va s'étaler sur , non sans quelques problèmes de budget (voir plus bas). Les costumes (à l'exception de ceux des figurants qui sont loués) sont imaginés par Agostino Pace, sous l'étroite supervision de Jacques Demy. À l'époque, l'artisan est très pris par ses engagements de costumier et de décorateur au théâtre, et ne peut se libérer qu'une quinzaine de jours pour se rendre au domicile du réalisateur à Noirmoutier, où il n'a le temps de réfléchir qu'aux costumes. Tandis qu'il dessine, Demy l'interrompt tous les quarts d'heure pour évaluer son travail et le recentrer dans ses essais. C'est de cette courte mais intense collaboration qu'émerge l'idée de scinder les deux royaumes en deux couleurs : " On va faire comme les enfants ", propose Pace, profitant de la liberté enfantine que procure la conception d'un tel film.

Avec l'aide de la costumière Gitt Magrini, qui élabore les costumes depuis l' Italie puisque lui-même ne peut assister au tournage, il s'inspire des modes du temps de Charlemagne et de la Renaissance. La barbe du Roi rouge est d'ailleurs parsemée de fleurs, rappelant le surnom de Charlemagne, " l'empereur à la barbe fleurie ".

Les robes de la Princesse et de la Reine sont de style Louis XV mais offrent certaines références à l'œuvre de Walt Disney, (pour une analyse de la collerette, voir plus bas), et les quatre costumes du Prince de style Henri II. Les tenues de la Fée des lilas, en revanche, mêlent glamour hollywoodien, avec un déshabillé vaporeux, et éléments plus classiques de la mode à la Cour, comme une collerette. Les trois robes (couleur du Temps, couleur de Lune et couleur de Soleil) que la Princesse demande à son père, sur les conseils de la Fée, constituent le morceau de bravoure des costumiers. Particulièrement lourdes, tout comme la peau de l'âne, elles rendent difficiles les déplacements de Catherine Deneuve dans les , si bien que pendant le tournage des tabourets sont passés directement sous ses jupons pour qu'elle puisse se reposer. Habituée des tournages avec Demy, l'actrice tient bon :

Hector Pascual et son atelier sont responsables des costumes animaliers. Pour les masques d'animaux du Bal des chats et des oiseaux, Jacques Demy a en tête les travaux fantasmagoriques qui ont fortement influencé les surréalistes et Jean Cocteau, de l'artiste et décoratrice de théâtre Leonor Fini, qu'il a rencontrée en novembre 1969. La Peau d'âne éponyme est, quant à elle, authentique, selon les souhaits du réalisateur. La dépouille originale provient directement d'un abattoir et pose des problèmes de lourdeur et d'odeur ; il lui faut être grandement nettoyée et retravaillée avant d'être portée par Catherine Deneuve, à qui est cachée sa provenance. L'intérieur est fait de papier de nylon recouvert de peinture. C'est encore Hector Pascual qui est chargé de sa retouche : C'est finalement la peau qui est choisie pour faire la promotion de Peau d'âne sur l'affiche française, au lieu des robes somptueuses qui peuvent apparaître dans les affiches internationales du film.

Les maquettes de préparation pour les décors sont élaborées par l'artiste Jim Leon, " supporter inconditionnel de l'art onirique du siècle ". Faute de moyens, Demy a en fait dû renoncer à engager son collaborateur habituel, le décorateur Bernard Evein, et Agostino Pace n'a pas le temps de s'y consacrer. C'est ainsi que Jim Leon est engagé par le réalisateur, rencontré à San Francisco, après lui avoir montré comme travaux une sérigraphie de papillon et un dessin érotique évoquant notamment Alice au pays des merveilles. Il imagine en tout 28 maquettes pour Peau d'âne,, ainsi que le paravent dans la salle du trône et l'affiche utilisée pour la promotion du film, fameuses représentations psychédéliques.

Le tournage débute le et se prolonge dans l'été, pendant huit semaines, profitant de la lumière naturelle estivale. Jacques Demy préférant les prises de vue réelles aux reconstitutions en studio, l'équipe investit surtout les châteaux de la Loire que sont Chambord (où se déroulent les scènes du château rouge et du mariage) et le Plessis-Bourré (pour les scènes du château bleu), mais aussi le château de Neuville et son parc dans les Yvelines (pour les scènes de la ferme et de la cabane dans la forêt), ainsi que le château de Pierrefonds dans l' Oise (pour la scène finale du défilé des invités du monde entier). Les somptueux animaux qu'amènent avec eux les rois invités aux noces sont d'ailleurs recrutés non loin, parmi les pensionnaires du parc zoologique de Coucy-lès-Eppes, dans l' Aisne. La rêverie des deux jeunes gens est quant à elle tournée dans la campagne d' Eure-et-Loir, à Rouvres, près de la maison de Michel Legrand.

Les directives que Demy donne à ses acteurs sont très précises et insistent sur les gestes pour mieux faire se dégager la dimension merveilleuse. Il demande notamment aux acteurs de surjouer, se souvient Catherine Deneuve :

Face à un budget précaire, l'équipe du film fait des concessions tant matérielles que pratiques dès la mise en chantier du film. Jacques Demy et Catherine Deneuve acceptent ainsi tous deux de mettre leur salaire en participation,. Demy renonce à la mise en scène ambitieuse dont il rêvait dès les premières moutures du scénario, en , et qui prévoyait des plans mobiles et complexes au moyen de grues et de travellings.

Une part importante des financements se concentre sur les décors et les costumes, essentiels pour exprimer le merveilleux d'un tel film. Le fidèle collaborateur de Demy, le décorateur Bernard Evein, a eu du mal à établir un devis, tant les éléments de comparaison manquent pour un film aussi inhabituel que Peau d'âne. Une fois la préparation des décors terminée, il en a estimé le coût à 700 000 francs, soit cinq fois plus que ceux des Parapluies et deux fois plus que ce que la production avait envisagé d'y consacrer. L'impossibilité de trouver un compromis a mené tout d'abord à l'arrêt de la production pendant plusieurs semaines, menaçant bel et bien le développement du projet, avant qu'il ne reprenne au printemps 1970. C'est là que Bernard Evein est remplacé par Jim Leon, qui dessine les maquettes tandis que Jacques Dugied les fait exécuter. Mais les soucis subsistent : le poste décoration dépasse finalement la somme qui lui avait été consacrée en atteignant la somme de 770 000 francs, bien loin des 350 000 francs initialement alloués, et le tournage ne sera pas exempt d'infortunes. Ainsi la chambre de la Princesse, dans le film, diffère-t-elle grandement de ce qui était initialement prévu. La veille du tournage des scènes s'y déroulant, le lit imaginé ne répond pas du tout aux attentes des décorateurs et conduit à des improvisations de dernière minute pour régler ce qui apparaît comme une " catastrophe épouvantable " :

" À sept heures du soir, le décorateur vient me dire : " C'est une catastrophe. Le lit de la Princesse est complètement raté ; on ne l'a pas fait faire là où il aurait fallu. " C'était une très grosse fleur très jolie, en velours floqué rose, qui s'ouvrait quand la Princesse approchait et se refermait lorsqu'elle était couchée dedans. Je vais voir l'engin en question et c'était une affreuse mécanique, qui marchait par saccades ; le flocage n'avait pas été fait ; ils avaient collé un tissu dessus et on voyait la colle. C'était horrible, inutilisable. On a viré ça et on a passé la nuit à essayer d'inventer un décor. J'avais aperçu deux cerfs, en bas, dans l'entrée de Chambord, on les a fait monter et on a fait le lit avec ça, en improvisant le reste. "

Sur le tournage, les rapports de Demy avec ses comédiens sont excellents. Il les a réunis avant pour discuter du script et ils constituent, d'après son biographe Jean-Pierre Berthomé, une . Jacques Perrin, le Prince, dira de ses expériences avec le cinéaste :

Mais les relations du réalisateur avec Philippe Dussart, le directeur de production, deviennent de plus en plus difficiles. Initialement prévu autour de quatre millions de francs, alors que la moyenne pour un film de l'époque tourne à 2,58 millions, le budget total du film va connaître un dépassement de 800 000 francs, et empoisonner l'ambiance du tournage. D'où ce constat amer de Demy, obligé de restreindre ses ambitions :

Lors de la séquence tournée à Chambord, Jean Marais fait quotidiennement l'aller-retour depuis Paris, où il doit être présent chaque soir sur la scène du Palais-Royal pour jouer L'Amour masqué. Agnès Varda, épouse du réalisateur, vient souvent sur le tournage, de même que leur fille Rosalie, alors âgée de douze ans, qui obtient les faveurs des costumières et deux rôles de figuration, et héritera également du gros chat qui sert de trône au Roi bleu. La sœur de Jacques Demy, Hélène, est aussi présente et effectue un stage de scripte aux côtés d'Annie Maurel. Mais l'honneur de tourner dans un château aussi chargé d'Histoire est contrebalancé par les contraintes techniques que posent les visiteurs :

" Nous travaillions dans une partie du château interdite au public. Mais, comme Chambord est plutôt pauvre en meubles, le bruit des touristes passant et parlant derrière les portes était accru par la résonance de ces grandes salles à peu près vides. Nous devions alors interrompre le tournage. Un autre, à la place de Jacques Demy le réalisateur, se serait rongé d'impatience : lui non. Si Peau d'âne est un conte de fées, Jacques Demy a une patience d'ange : nous attendions tranquillement. "

Préférant les tournages en décors naturels aux reconstitutions en studio, Demy est également favorable au caractère artisanal des effets visuels, qui contribuent selon lui à recréer l'atmosphère fantastique du conte, dans le même style que ceux de Georges Méliès ou Jean Cocteau avant lui,.

L'une des astuces les plus marquantes est celle utilisée pour faire défiler les nuages sur la " robe couleur du temps " de la Princesse. Dans sa biographie de Demy Jacques Demy et les racines du rêve, Jean-Pierre Berthomé énumère les différentes théories sur la constitution de cette robe qui furent soulevées lors de sa recréation en 2013 :

selon Demy (en 1976), Catherine Deneuve (en 1995 pour " Puis, au tournage, un technicien s'est promené avec un projecteur 16 L'Univers de Jacques Demy) et Agnès Varda (dans une entrevue sur la restauration du film en 2013), la robe est conçue en tissu de projection de cinéma, et des nuages ont été préalablement filmés en . mm en suivant Catherine Deneuve pour que le nuage soit toujours sur sa robe, même si parfois ça débordait un peu ", se souvient Varda. Fabriquée en tissu d'écran de cinéma, la robe peut alors devenir le support à toutes les projections, celles du " temps " comme celles du spectateur,. Mais selon les experts chargés de la reconstitution de la robe pour l'exposition à la Cinémathèque, une telle technique n'est pas viable et l'incrustation des nuages a probablement plutôt été faite au montage : " la projection aurait été déformée par les plis de la robe. On voit la souplesse du tissu quand elle la soulève : c'était du taffetas " ;

D'autres effets sont obtenus par l'agencement minutieux des images : le dédoublement de l'héroïne lors de la confection du " cake d'amour " (tantôt en princesse aux fourneaux, tantôt en souillon consultant le livre de cuisine) est réalisé par champ-contrechamp et découpage soignés. La déchéance progressive du carrosse qui éloigne la Princesse du Château bleu est, quant à elle, agencée par de simples raccords d'un plan à l'autre, de même que le changement de robes de la Fée en sa clairière, où il est demandé à l'actrice de retrouver la position exacte adoptée avant l'interruption nécessaire à la métamorphose du jaune au lilas. Et les toitures enneigées du château bleu que l'on aperçoit alors qu'advient la mort de la Reine bleue sont en réalité collées par matte painting sur une vitre placée devant un panorama général du château et au-devant de laquelle sont projetés de faux flocons de neige. Ce même procédé est utilisé pour signifier le retour du printemps, lorsque l'écran laisse apparaître des branches bourgeonnantes.

Lors des visites d' Agnès Varda sur le tournage, celle-ci prend soin de filmer les coulisses. C'est l'occasion d'immortaliser, pour les séquences dans le Val de Loire, la visite d'illustres amis de Jacques Demy et confrères de la scène parisienne. Les images présentent ainsi sur la pelouse de Chambord le cinéaste François Truffaut, qui connaît bien Demy qu'il a rencontré sur plusieurs tournages et Catherine Deneuve pour l'avoir déjà dirigée l'année précédente dans La Sirène du Mississipi et avoir entamé une liaison avec elle. Le chanteur Jim Morrison, icône des années 1960, se rend également à Chambord accompagné de son ami Alain Ronay, avec qui il a fait des études de cinéma et qui fera de nombreuses photos du tournage, et de Varda elle-même, chez qui il vient de passer plusieurs jours à Paris. Ils prennent le train depuis la capitale puis une voiture à Orléans afin de rejoindre le château. Se montrant discrète sur le tournage, la vedette signe néanmoins un autographe pour Duncan Youngerman, le jeune fils de Delphine Seyrig. Rosalie Varda, qui n'avait que douze ans à l'époque et apparaît dans le court-métrage, se souvient aussi des deux rôles de figurante qu'elle interprète : celui d'une prétendante parmi les princesses qui essaient la bague de Peau d'âne auprès du Prince, mais aussi celui d'une petite fermière dans la cour du château de Neuville. Elle observe de loin le personnage interprété par Catherine Deneuve trimer dans la cour de la ferme : une scène difficile à jouer, à cause de l'inconfort des costumes (les sabots, les lourds seaux à porter), de la forte chaleur et de la pestilence du fumier.

L'importance et la recherche d'une utilisation originale de la musique dans les projets à venir de Demy se précisent dès 1963. Dans un entretien avec Denise Glaser, il fait part de son désir de réaliser un film " en chanté " (c'est-à-dire entièrement chanté), ce qu'il accomplira l'année suivante avec Les Parapluies de Cherbourg, dont il écrit les paroles sur une musique de Michel Legrand, collaborateur attitré de Demy depuis son premier long-métrage (, en 1961). Le duo récidive en 1967 avec un hommage à la comédie musicale américaine, Les Demoiselles de Rochefort.

Peau d'âne est la première incursion du compositeur dans le genre du merveilleux et Demy le conforte dans sa première idée de mélanger des styles volontairement contrastés ( baroque, jazz et pop) " pour faire naître la féérie ". Pour le compositeur,

En incorporant au motif classique de la fugue des rythmes et des instruments plus modernes (comme les instruments électroniques), Legrand souhaite en effet se démarquer des thèmes médiévaux utilisés précédemment par d'autres films, tels Les Visiteurs du soir de Marcel Carné (1942).

" D'emblée, je donne à Peau d'Âne une espèce de symétrie, en l'encadrant par deux grandes fugues, l'une en ouverture, l'autre en clôture : la première sur le motif de la recherche de l'amour ( Amour, Amour), la seconde sur celui de l'amour trouvé ( Rêves secrets). "

De même que dans les précédents films de Jacques Demy, les acteurs principaux sont doublés pour les chansons. Catherine Deneuve et Jacques Perrin sont respectivement doublés, comme dans les Demoiselles de Rochefort, par Anne Germain et Jacques Revaux. Delphine Seyrig est doublée par Christiane Legrand, bien que l'actrice ait également enregistré la chanson de la Fée des lilas.

Lors d'une interview, Michel Legrand, qui a son brevet de pilote, évoquera une excursion en avion au-dessus du château de Chambord avec Jacques Demy, quelques semaines après la sortie du film, durant laquelle les deux " demy-frères ", comme ils s'appellent, chantent à tue-tête les musiques imaginées pour Peau d'âne.

Amour, Amour - la Princesse

C'est la première chanson du film, et la seule à s'insérer dans le contenu diégétique, c'est-à-dire à être perçue comme telle dans la narration (au contraire des autres chansons qui participent à l'action) : la Princesse l'interprète dans la cour du château sous les yeux méditatifs de son père. Un perroquet de compagnie reprend de temps à autre certains vers. Mais on apprend plus tard dans le film que le Prince connaît lui aussi cette chanson, et que les deux personnages avaient en commun encore plus qu'ils ne le pensaient, les destinant ainsi l'un à l'autre.

Les Conseils de la Fée des lilas - La Fée des lilas

Cette chanson, durant laquelle la marraine dit à la princesse de fuir le royaume car " on n'épouse jamais ses parents ", introduit l'idée de résistance à l'inceste, déjà présente dans le conte de Perrault. La Fée, dont c'est la première apparition dans le film, y apparaît comme un personnage résolument moderne (grâce à ses vêtements et à ses velléités de rébellion face au pouvoir établi), mais non dénué d'arrière-pensées, puisqu'elle trahit un fort attachement pour le roi.

Les Insultes - la Princesse, paysans et paysannes

Chanson du prince - le Prince

Recette du cake d'amour - la Princesse

La scène de confection du cake est l'une des plus iconiques du film, notamment pour la chanson et en raison du moment où Peau d'âne, en cassant un œuf, libère un poussin.

Catherine Deneuve y est dédoublée et apparaît en même temps sous les traits de la Princesse et de la souillon, jouant ainsi avec les thèmes de la dualité et de l'indécision. Il y a également fusion du merveilleux des costumes avec le réalisme concret de la préparation du gâteau. Un tel champ-contrechamp des deux identités de l'héroïne est alors inédit au cinéma.}}

Rêves secrets d'un prince et d'une princesse - la Princesse, le Prince

Cette chanson, subversive pour les deux personnages, a des résonances hippies (voir plus bas). C'est le seul véritable duo du film (" Mais qu'allons-nous faire de tant de bonheur ? ").

Le Massage des doigts - ensemble

Un premier 33 tours sort en 1970 : Isabelle Aubret raconte Peau d'âne (disques Meys, réf. 30005), dont est extrait un 45 tours comportant deux chansons interprétées en duo par Isabelle Aubret et Michel Legrand, Rêves secrets d'un prince et d'une princesse et Conseils de la Fée des lilas (disques Meys, réf. 10026).

Un 45 tours réunissant deux extraits de la bande sonore du film, Recette pour un cake d'amour et Conseils de la Fée des lilas, sort quelques mois plus tard chez Pathé Marconi, ainsi qu'un 45 tours produit par Michel Legrand et comprenant la Chanson du Prince et Amour, Amour, interprétées respectivement par Jean-Pierre Savelli et Angela (Productions ML, réf.45.542).

Source : bande originale du film.

Peau d'âne sort le , respectant la volonté du réalisateur qui estime que, pour se replonger dans un récit d'enfance, les spectateurs sont davantage disponibles à Noël " que le trois février, au moment de la note d'impôts ".

Au contraire des précédents films de Demy, comme Les Parapluies de Cherbourg qui obtient le prix Louis-Delluc et la Palme d'or, Peau d'âne ne reçoit guère de reconnaissance de la profession en dehors du prix du " meilleur film pour enfants " décerné en 1971 par le Círculo de Escritores Cinematográficos (Cercle des scénaristes de film) en Espagne.

Les critiques sont plus élogieuses : " Il faut savoir gré aux costumiers et décorateurs : ils n'ont pas trop versé dans le style " vitrine de Noël pour faubourg Saint-Honoré " Andrée Tournès, du mensuel orienté vers les jeunes cinéphiles Jeune Cinéma, juge le film Jean-Louis Bory, du Nouvel Observateur, démontre le lien du film de Demy avec La Belle et la Bête de Jean Cocteau et salue sa " naïveté " (au sens de " foi poétique ") et son authenticité : " Rien ne sent le studio, tout entretient la confusion entre le réel et le merveilleux, et entre ce réel merveilleux et le vrai, qui est l'essence de la féerie ". Bory conclut sur le parti pris visuel de Peau d'âne : Jean de Baroncelli rejoint cet avis : Pour Robert Chazal, de ,. " Dans , France-Soir, .

" Les défauts de Michel Ciment, de , se montre plus incisif et considère le film comme un " échec " d'adaptation, " une version littérale sans surprise et sans mystère " : il voit dans son parti pris esthétique, qu'il juge inexistant, de la laideur et des manques d'homogénéité de style et d'harmonie avec les décors naturels. La musique de Michel Legrand lui semble également trop peu originale par rapport à ses créations précédentes. Roger Ebert rejoint ce point de vue : il juge les partitions de Michel Legrand moins impressionnantes que pour Peau d'âne [...] sont sans doute ceux de projets caressés depuis trop longtemps et qui, entrepris sur le tard, n'offrent plus qu'un aspect fané ", conclut-il avant d'établir le contraste avec les cinéastes américains, qu'il juge moins . Des décennies plus tard, lors de la sortie de la version restaurée, le critique Les Parapluies de Cherbourg, et trouve surtout le film morne et peu diversifié, comme s'il manquait d'un arc narratif. Il reste néanmoins admiratif des " merveilles visuelles " imaginées par Demy et de la beauté de Deneuve.

Avec 2 198 576 entrées en France, le film réalise un beau score commercial et se classe au rang du box-office des films sortis en France en 1970. C'est ce succès qui amènera un producteur anglais à financer le prochain projet de conte de fées de Jacques Demy, Le Joueur de flûte. Peau d'âne reste cependant le plus grand succès public de la carrière de Demy.

Peau d'âne et le film qui le suit immédiatement, Le Joueur de flûte, demeurent les seules incursions de Jacques Demy dans l'univers des contes. Quelques années plus tard, il monte le projet de moderniser Cendrillon, autre conte de Perrault, et d'en jucher l'héroïne sur des patins à roulettes. L'icône allemande Nastassja Kinski est pressentie dans les haillons de la Princesse et Demy parvient à intéresser le réalisateur et producteur américain Francis Ford Coppola, mais le projet n'a jamais abouti,.

Dans les années 1990 et 2000, les studios Disney, célèbres pour leurs films d'animation inspirés des contes de fée, contactent les proches de Jacques Demy, mort en 1990, afin de travailler sur une nouvelle adaptation du conte. Cette idée n'en reste néanmoins qu'au stade de projet, probablement à cause du malaise que certains thèmes de l'œuvre, comme l'inceste ou l'animalité, provoqueraient auprès d'un public américain culturellement imprégné de puritanisme. Évoquant en 2014 le film de Demy, Rosalie Varda juge en effet qu'il a

En 2012, une équipe de fouille menée par Olivier Weller, chargé de recherches au " un documentaire extrêmement réjouissant et stimulant : une forme cinématographique de " science-en-s'amusant ". [...] Si bien qu'on peut dire de CNRS, investit le bois du château de Neuville, à Gambais, afin de tenter de retrouver les lieux et les traces du tournage du film. Leurs recherches se concentrent sur la centaine de mètres carrés où ont été tournées les scènes de la cabane de Peau d'âne et de la clairière de la fée des Lilas. Seul un indice concret permettait de retrouver les lieux : un clou planté dans un arbre par un accessoiriste pour aider Jacques Perrin à l'escalader. Un relevé microtopographique, une recherche des anomalies métalliques et une prospection géophysique de résistivité électrique du sous-sol ont permis de préciser le plan de la cabane et la densité des vestiges enfouis. Les objets exhumés sont autant des fragments de décors ou de costumes (polystyrène, planches, fragments de miroir, perle bleue, strass) que des éléments techniques du tournage (tessons d'ampoules bleues utilisées par la scripte). En comptant les restes des techniciens du tournage (cigarettes, Vérigoud), on arrive à 4 000 objets trouvés autour de la cabane. Des restes du coquillage géant et des piliers monumentaux de la clairière de la fée doivent encore être fouillés, alors que le cadre du fameux miroir bleu de la fée a été retrouvé près de la cabane . De nombreux tessons de céramique, qui pourraient reconstituer la vaisselle utilisée lors de la scène du " cake d'amour ", ont également été retrouvés dans la cabane. Celle-ci a été laissée en place après le tournage, mais a finalement été détruite et brûlée par les propriétaires du domaine quelques années plus tard ,. Ces recherches ont donné lieu à un film documentaire de Pierre-Oscar Lévy et Olivier Weller, Peau d'âme, sorti en et récompensé par le Prix du Public lors du Festival d'Archéologie de Clermont-Ferrand ainsi que par la Mention spéciale du Jury lors du Festival International du Film d'Archéologie de Rovereto en Italie. Il est décrit par Antoine de Baecque comme Peau d'âme qu'il nous fait comprendre tout ensemble ce qu'est un conte, ce qu'est l'archéologie, ce qu'est l'histoire et ce qu'est l'œuvre d'un des plus grands cinéastes français. Rien de moins qu'une forme de savoir magique,,, ".

Des décennies après la sortie de Peau d'âne, ses chansons composées par Michel Legrand ne cessent d'être citées dans la culture populaire. En 2007, dans le film Le Quatrième Morceau de la femme coupée en trois, la protagoniste et sa mère entonnent ainsi ensemble Les Conseils de la fée des Lilas. En 2014, dans L'Année prochaine, les chansons sont cette fois-ci interprétées par deux personnages qui viennent de regarder le film. Marguerite et Julien, film sorti en 2015 de Valérie Donzelli, s'inspire lui plus largement et ouvertement de l'univers de Demy par ses thématiques incestueuses, son lyrisme et ses anachronismes volontaires,.

En 2018, une comédie musicale adaptée du film est montée au théâtre Marigny à Paris dans une mise-en-scène d'Emilio Sagi. Elle réemploie la partition originale de Michel Legrand, qui a composé pour l'occasion dix minutes inédites de musique, et à qui le public fait une ovation lors de la toute première représentation. Sa distribution comprend Marie Oppert sous les traits de la Princesse, Mathieu Spinosi comme Prince, les danseurs Michaël Denard et Marie-Agnès Gillot comme Roi bleu et Reine rouge, et Claire Chazal sous la forme de la narratrice,.

Par son discours intergénérationnel, le film acquiert au fil des années un statut culte,,.

Le film a été restauré en 2003 et en 2014, sous la houlette d' Agnès Varda, compagne de Jacques Demy, et avec la participation de leurs enfants Mathieu et Rosalie. Cette entreprise tient à la volonté d'Agnès Varda de restaurer les trois œuvres les plus iconiques du réalisateur, avec Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort. Ces restaurations bénéficient notamment du soutien financier des régions dans lesquelles le tournage a pris place et qui ont été mises en valeur dans les décors du film : les Pays de la Loire (en particulier le Domaine national de Chambord) et l' Île-de-France, mais aussi les joaillers Van Cleef & Arpels, le CNC et le site myskreen.com. Le film était jusque-là presque introuvable sur le marché, et même les membres de la distribution avaient du mal à se le procurer :

" Souvent, des amis me demandaient si j'en avais une copie. Mais, pour moi aussi, le film avait disparu. Si bien que je suis la première enchantée de pouvoir le redécouvrir dans ses couleurs d'origine ! "

Cette première version restaurée sort officiellement dans les salles le 22 octobre 2003 ; elle est présentée au Festival de Marrakech ainsi qu'à la Berlinale en 2004. Elle a permis essentiellement de stabiliser le vieillissement du son et de l'image, notamment en convertissant la musique de Michel Legrand en qualité stéréo. Dans Aden, le guide culturel du , Philippe Piazzo salue alors " le film qu'on revoit pour la cent douzième fois " et dont le monde .

" J'ai passé plusieurs mois avec Mathieu et Rosalie Demy à restaurer Peau d'âne qui était abîmé. Les droits étaient tombés et depuis quatre ans le film était gelé, comme on dit. Alors on a fait tout ce qui fallait faire pour l'image et pour le son. Et ce sont des très gros travaux, très chers. Pour l'image, ça consiste à prendre les parties abîmées, les scanner en numérique, les filmer de nouveau avec une pellicule qui s'intègre avec l'ancienne, il faut retrouver les couleurs d'origine, spatialiser le son... Enfin bref, il faut le faire attentivement, il faut le faire bien, il faut le faire avec amour parce qu'il faut que ce soit beau. "

- Agnès Varda, 2004,

D'avril à , la Cinémathèque française consacre une rétrospective à Jacques Demy avec l'exposition " Le Monde enchanté de Jacques Demy ", où sont notamment exposées les trois robes de la Princesse, recréées pour l'occasion par Agostino Pace, les originales étant en trop mauvais état après plus de quarante ans sans efforts de conservation, ou bien détruites dans un incendie de l'entrepôt du costumier Tirelli. Cette célébration permet de réunir de nouveaux financements pour se concentrer sur les œuvres majeures du réalisateur, au nombre desquelles se retrouve Peau d'âne. Les images sont restaurées, le film passe au format numérique et le son est remastérisé. La ressortie de l'œuvre restaurée, le 2 juillet 2014, et son exploitation vidéo subséquente à partir de novembre 2014 sont l'occasion de nouvelles diffusions dans les salles, notamment grâce à la maison de production Ciné-Tamaris, qui gère exclusivement les films de Jacques Demy et d'Agnès Varda. Un livre de souvenirs du tournage et de matériau inédit sur le film (esquisses, croquis), Il était une fois " Peau d'âne ", est également publié par Rosalie Varda-Demy, la fille du réalisateur, et Emmanuel Pierrat. Le Domaine national de Chambord, qui a participé à cette nouvelle restauration de même que la maison Van Cleef & Arpels, propose une exposition sur le tournage du film en ses murs, tandis que la maison de joailliers crée une collection inédite, " Peau d'âne raconté par Van Cleef & Arpels ". La version restaurée est également diffusée sur Arte le soir de Noël en première partie de soirée. Marine Landrot de le définit pour l'occasion comme un .

La réhabilitation de l'œuvre de Demy dans les années 2000, jusque-là plutôt négligée par le public, a poussé Ciné-Tamaris à lancer différentes éditions du film. Le découpage du film en lui-même n'a pas changé depuis 1970, mais les éditions s'agrémentent de différents " " inédits supervisés par Agnès Varda et ses enfants. On trouve ainsi :

une édition avec deux DVD. Elle comprend : la bande-annonce originale de 4 minutes ; un extrait du documentaire L'univers de Jacques Demy (8 minutes), qu'Agnès Varda a consacré à son mari ; " Peau d'âne raconté par les enfants " (8 minutes), qui donne la parole à des enfants après leur visionnage du film ; un documentaire " La Princesse en chemise " ; un documentaire " Mag Bodard, une productrice passionnée " (4 minutes) ; un documentaire " Le Petit Peau d'âne illustré " (11 minutes), une rétrospective des différentes illustrations du conte de Perrault ; un documentaire " Peau d'âne et les penseurs " (17 minutes), dans lequel des psychanalystes se penchent sur la symbolique des contes de fées ; la vidéo " Peau de bique " de Claire Bretecher (2 minutes) ; le court-métrage Peau d'âne d'Albert Capellani (14 minutes), l'adaptation de 1908 ; et une brochure avec un album photos, les sept chansons du film, et un karaoké de trois d'entre elles, ;

un coffret regroupant trois films de Demy : Peau d'âne, Les Demoiselles de Rochefort et Les Parapluies de Cherbourg. Concernant Peau d'âne, il contient un texte de Jean-Pierre Berthomé lu par Mathieu Demy ; une vision du film par Rosalie Varda ; " Peau d'âne raconté aux enfants " ; " La Princesse en chemise " ; le documentaire sur Mag Bodard et la vidéo de Claire Brétecher déjà présents dans l'édition précédente ; un " petit jeu de Peau d'âne illustré ", ainsi que des chansons en karaoké ;

une édition intégrale des œuvres de Demy, qui offre pour Peau d'âne une version alternative de la chanson Amour, Amour de Michel Legrand et le texte de Jean-Pierre Berthomé déjà contenu dans l'édition précédente.

Pour la ressortie 2014, les exploitations vidéo en DVD et Blu-ray dans des coffrets Arte Éditions contiennent de nombreux compléments, parmi lesquels le reportage en super 8 du tournage que filmait Agnès Varda (voir plus haut).

Le film se réclame d'être une libre adaptation du conte de Charles Perrault. Paru pour la première fois en 1694 dans une version en vers, il est republié en 1781 sur vélin à Paris, chez l'éditeur Lamy. Celui-ci adjoint à la version classique une seconde, en prose, celle-là même qui sera par la suite la plus reprise et illustrée notoirement par Gustave Doré. Le film est en fait une adaptation de cette dernière, dont l'auteur reste inconnu.

En plus de reprendre l'intrigue du Peau d'âne de Perrault, Demy emprunte aux autres histoires du conteur. L'arrivée de Peau d'âne à la ferme après sa fuite, lorsque tous les personnages sont comme endormis, figés dans leur activité, rappelle le sort qui affecte ceux de La Belle au bois dormant. La " vieille " qui accueille alors la jeune fille crache des crapauds, tout comme l'aînée des sœurs dans , qui a été maudite par une fée pour son orgueil et est condamnée à cracher des créatures répugnantes. Cette femme fait également référence au Petit Chaperon rouge en s'adressant au Prince. Plus tard, une fois Peau d'âne établie dans la vie quotidienne du village, deux valets de ferme se moquent d'elle en la surnommant " Cucendron ", comme le fait l'aînée des demi-sœurs envers l'héroïne éponyme de Cendrillon. Enfin, le Bal des chats et des oiseaux, organisé par la Reine rouge, doit accueillir le marquis de Carabas, personnage apparaissant dans Le Chat botté. D'autres références sont intertextuelles, car déjà présentes dans le conte original : l'épithète que Thibaud attribue à Peau d'âne, " la plus vilaine bête après le loup ", est reprise du conte, et rappelle les vilenies commises par le loup dans Le Petit Chaperon rouge.

D'autres aspects du film peuvent être imputés à l'influence de contes : le cercueil de verre, destiné dans le film à la mère défunte de l'héroïne, fait référence à Blanche-Neige des frères Grimm, et à l'innocente jeune fille à qui est réservé le même sort après avoir consommé une pomme empoisonnée ; le miroir de Peau d'âne, qui lui révèle à distance la réaction de son père après sa fuite, fait référence au miroir magique de La Belle et la Bête, capable de révéler par l'image des vérités lointaines. L'aspect cyclique des saisons répond également au genre du conte et à la figure de style de la pathetic fallacy : la maladie de la Reine bleue est révélée par le narrateur alors que l'orage gronde au-dehors du château, correspondant à l'automne ; sa mort survient en hiver, son cortège funèbre déambulant dans la neige stérile ; et c'est dans le renouveau du printemps, dans une forêt verdoyante, que la Princesse et le Prince s'aperçoivent et tombent amoureux,.

Aux yeux du critique Alain Philippon, le merveilleux inhérent au genre du conte n'empêche pas le réalisme. Au contraire du fantastique, si des évènements surnaturels se produisent dans le cas du merveilleux, ils s'inscrivent naturellement dans la réalité et sans provoquer de perturbation. Le conte et son adaptation peuvent ainsi donner une vision réaliste du contexte historique, qui se traduit notamment par une représentation des classes sociales : le Prince s'interroge sur les souillons vivant dans la crasse, et la souillon en question empeste tant qu'elle provoque un évanouissement lors de la séance d'essayage de l'anneau. Cette même scène est une autre occasion d'apercevoir différentes sociétés se mêler et se hiérarchiser, et les gros plans de la caméra sur les mains, auxquelles on tente de passer la bague au doigt, tiennent de la même volonté de réalisme. L'accessoiriste avait d'ailleurs prévu plusieurs tailles de bague afin qu'elle ne convienne à aucune des prétendantes. Le film respecte également les décors qu'a posés le conte, puisqu'il en tire exactement l'image de l'" auge aux cochons " ou celle des valets pour qui la Princesse est " la butte ordinaire de tous leurs quolibets et de tous leurs bons mots ". La langue respecte également les inflexions du : la " couleur de temps " que réclame la Princesse pour sa robe correspond à l'idée que l'on avait du temps à l'époque de Perrault, à savoir un ciel clair mais légèrement chargé de nuages. La " maladie d'amour " que les médecins diagnostiquent au Prince ne tient pas plus de la fantaisie et est sérieusement répertoriée parmi les maladies existantes, et il arrive notamment que la malheureuse victime se voie prescrire un mariage pour y remédier. Enfin, la Fée elle-même doit se plier au jeu du réalisme : si elle décide de confier sa baguette magique à sa filleule, puisqu'il lui en reste encore une en son domaine, il lui faut pourtant l'utiliser une dernière fois pour être capable de disparaître. Le recours aux artifices semble d'ailleurs la rebuter : ce n'est qu'après avoir épuisé l'idée des robes apparemment impossibles à réaliser que la Fée se résout à concevoir un autre plan nécessitant l'usage de sa baguette magique. Mais ce rationalisme tient aussi d'une certaine naïveté, ce qu'illustrent les représentations au premier degré d'une vieille qui crache des crapauds " pour de vrai " ou encore des doigts que l'on mutile en cherchant à les amincir.

Les éléments qui distinguent l'adaptation de Demy des autres adaptations de contes de fée tiennent pour beaucoup à l'audace du réalisateur qui parsème le script de références postérieures à l'époque de Perrault, et placent le film dans une ligne atemporelle. Ces anachronismes témoignent également de la fusion du merveilleux et du réalisme.

Ainsi le réalisateur et scénariste met-il, entre les mains du Roi bleu, des auteurs de la littérature française moderne. Celui-ci, avant de lire dans un recueil qui lui a été offert par la Fée des lilas certains de ces " poèmes des temps futurs ", les présente à Peau d'âne de la manière suivante : " Les anciens ont écrit de fort belles choses, évidemment, mais... les poètes de demain devraient vous exalter davantage. " Il lui lit d'abord des vers extraits du second volume de l' Ode à Picasso, de Jean Cocteau (1889-1963), qui évoquent les Muses de l'Antiquité utilisant des ustensiles de l'âge moderne (le " zinc ", le " téléphone " ou des " becs de gaz "). Le deuxième poème lu est L'Amour, de Guillaume Apollinaire (1880-1918), extrait du Guetteur mélancolique. Mais la Princesse ne saisit pas l'amusement que son père tire de poèmes aussi incompréhensibles à l'époque du film, et est effarée de la déclaration d'amour qu'il lui fait alors, si bien qu'elle lui réplique pour mettre fin à cet épanchement anachronique : " La poésie vous égare, mon père ".

D'autres anachronismes, tous liés à la Fée des lilas, émaillent le film : celle-ci évoque ainsi des " piles " pour le téléphone dont elle dispose chez elle et adopte des accoutrements peu médiévaux, comme des chaussures à hauts talons ou une coiffure typique des années 1930 à Hollywood, comportements qui ne manquent pas de surprendre la Princesse. De même, lors du mariage qui clôt le film, c'est à bord d'un hélicoptère Alouette II immatriculé F-BRHP que le Roi bleu et la Fée des lilas arrivent au château du Roi rouge.

Une autre liberté que prend Demy est celle de faire mention dans le script de grandes figures de la Cour de France, se pressant toutes tour à tour devant le Prince lors de la séance d'essayage de la bague. Le ministre Thibaud organise l'ordre de passage des prétendantes par rang social, et c'est l'occasion d'entendre les noms de ces grandes dames, qui ont toutes un lien avec la littérature. La plupart sont contemporaines du temps où les contes de fées étaient à la mode, c'est-à-dire contemporaines de Charles Perrault (1628-1703) et du siècle de Louis XIV, surnommé le " Grand Siècle " pour la richesse de ses arts et de ses figures historiques. Le ministre appelle ainsi, :

Les noms de " La Ségur ", en référence à Sophie Rostopchine, comtesse de Ségur (1799-1874, romancière fameuse pour ses livres pour enfants), et de " La Clèves " (le personnage principal du roman de Madame de Lafayette, citée plus haut) sont également évoqués plus tôt dans le film par Godefroy, l'ami du Prince, qui l'avertit que ces dames ont cherché à le rencontrer.

Cette atemporalité ou abolition du temps, qui pour Demy évoque le fantastique, se retrouve également dans la musique, par laquelle Michel Legrand mêle Renaissance, jazz et dessins animés à la Disney, et dans les costumes, qui mêlent modes de Louis XV (pour la Princesse et la Reine bleue), d'Henri II (le Prince), du Moyen Âge (les valets) et toiles de Le Nain (les paysans).

Au-delà de la seule relecture d'un conte de fées, Peau d'âne constitue un chaînon à part entière dans la filmographie de Jacques Demy et se voit relié à toutes les autres œuvres du cinéaste par des procédés extradiégétiques ou techniques. Le premier élément qui cimente le film à ce que Gérard Lefort a surnommé le " Demy-monde " tient dans les retrouvailles avec des acteurs bien connus de Demy : Catherine Deneuve apparaît dans son univers pour la troisième fois en une seule décennie, au point d'être considérée comme une muse et une amie proche du réalisateur, et Jacques Perrin a déjà joué sous sa direction dans les Demoiselles de Rochefort.

Des éléments de l'arc narratif rappellent, de plus, des passages d'autres films de Demy, comme l'épisode de la bague cachée sciemment par la Princesse dans le " cake d'amour ", qui fait référence à la tradition des fèves dans la Galette des Rois, également au centre d'une scène entre les personnages de Geneviève (Catherine Deneuve) et de sa mère, Émery ( Anne Vernon), dans les Parapluies de Cherbourg. L'usage des chansons cimente aussi les films entre eux, à l'instar d' Amour, Amour, que les deux jeunes protagonistes partagent sans s'être déjà rencontrés et qui nous apprend qu'ils sont destinés l'un à l'autre, tout comme c'est le cas de Delphine et Maxence (Deneuve et Perrin) dans les Demoiselles.

La technique de transition qu'utilise parfois Demy pour passer d'une scène à une autre, la " fermeture à l'iris ", a déjà été utilisée dans ses précédents films : elle marque la fin des Demoiselles lorsque le convoi traverse le pont transbordeur puis s'éloigne de la ville, et " ouvre " à l'inverse les films Lola et Les Parapluies. Dans Peau d'âne, elle est employée à trois reprises, pour délimiter trois espaces qui tentent de s'appeler l'un vers l'autre :

lorsque la jeune fille en fuite regarde dans le miroir ce qu'il advient du Roi bleu, qui ordonne à ses conseillers de la retrouver. L'iris se concentre sur le visage troublé de Jean Marais puis l'écran fond en bleu sans enchaînement ;

lorsque Peau d'âne, abandonnée à elle-même après avoir fait l'objet de moqueries, évoque le Prince qui doit la trouver. L'iris, après voir isolé son visage, disparaît alors dans un écran vert : la Princesse va compléter sa métamorphose et prendre l'initiative ;

Si le parti pris visuel du film est l'une des composantes qui lui a permis d'acquérir un statut culte, il ne fut pas toujours aussi éclatant et joyeux. Une première version du scénario consistait en effet pour Demy à peupler le royaume de Peau d'âne de pendus, de squelettes et de pestiférés, pour élargir la féérie. Il les mettra finalement en scène dans son adaptation de conte suivante, Le Joueur de flûte.

L'esthétique du film tient de la transgression. Par ses couleurs vives (habituelles à l'œuvre de Demy) et ses costumes démesurés, elle se nourrit des références psychédéliques du monde hippie, et notamment des mouvements pop art et peace and love exotiques pour l'Europe et que Jacques Demy avait découverts aux États-Unis où il venait de passer deux ans. Il garde aussi le souvenir des Renaissance fairs ( fêtes médiévales) chères aux Américains, qui reconstituent les temps d'autrefois en respectant le folklore, les costumes, et où l'on croise des jeunes filles aux longs cheveux de princesse. Il emprunte des éléments aux films de Walt Disney Productions (en particulier à Blanche-Neige et les Sept Nains) et à Andy Warhol ainsi qu'à Gustave Doré et Leonor Fini. L'affiche dessinée par Jim Léon en est l'exemple.

Les couleurs, qui imprègnent bien plus d'éléments que les films traditionnels, des chevaux jusqu'à la peau des gardes, sont à rattacher au style vif et aux couleurs tranchées d' Andy Warhol. La symbolique en est également riche : le bleu du château d'où provient Peau d'âne rappelle, en plus du conte de Barbe bleue et du danger qu'il représente pour la gent féminine, le " sang bleu ", c'est-à-dire le sang de la nobilité qui régnait dans les temps féodaux, ainsi que la consanguinité, qui peut exister dans les familles nobles et que ne renie pas le Roi bleu lorsqu'il propose à sa fille de l'épouser. C'est un royaume clos sur lui-même et endogame, à l'image de son château tourné vers la cour intérieure. Le rouge du royaume où Peau d'âne se réfugie évoque au contraire une dimension révolutionnaire : c'est là que la jeune Princesse peut échapper à la volonté de son géniteur et de son roi, et là que le Prince daigne quitter sa réserve pour s'enquérir d'elle bien qu'elle ne soit plus princesse, mais souillon, et s'indigne de sa condition dans une réplique aux tendances socialisantes. Le blanc de l'innocence et de l'harmonie, qui sacre la résolution de tous les conflits, nimbe tous les personnages à la fin : la Princesse et le Prince, unis dans le mariage, le Roi rouge et la Reine rouge, qui se réjouissent de voir leur fils guéri, et le Roi bleu et la Fée des lilas, nouvellement fiancés et au sujet desquels on devine que la tension amoureuse a été résolue. Le violet, associé à la fée des Lilas, obtenu en mélangeant le bleu et le rouge, agit comme tampon entre les deux royaumes. En effet, la fée est celle qui permet au crime incestueux de ne pas avoir lieu. Dans un premier temps en venant en aide à la princesse car elle lui permet de s'enfuir. Puis en calmant les ardeurs du roi en l'épousant. Le blanc, qui est le résultat de l'addition de toutes les couleurs du prisme, est ainsi également la couleur de transition et d'unification qui fait le lien entre les personnages, à l'image du carrosse argenté tiré par des chevaux blancs et rempli de plumes, qui mène la Princesse du royaume bleu au royaume rouge,,. Dans les films de Demy plus particulièrement, le blanc est aussi la couleur de l'amour sublimé, de l'idéal poursuivi et du rêve.

La distinction entre les deux royaumes se poursuit dans les décors. Le château du Roi bleu apparaît comme une forteresse féodale imposante, tournée exclusivement vers la cour intérieure où la Princesse fait de la musique, tandis que celui du Prince paraît plus ouvert - le mariage prenant place à l'extérieur - et plus symétrique. Le domaine du Roi bleu est envahi par le végétal et l'animal, qu'il s'agisse des murs couverts de lierre, des statues vivantes ou du trône que constitue un gros chat blanc ; cette même atmosphère désordonnée baigne la clairière de la Fée des lilas, envahie de fragments de pierre qui cohabitent avec une végétation omniprésente. Au contraire, le château rouge est plutôt celui de l'ordre, de la soumission à l'homme et à son industrie, et du minéral : la pierre du château est nue et s'offre peu aux décorations, à l'exception de tableaux psychédéliques, similaires à ceux du château bleu, qui associent ainsi les deux royaume et peuvent annoncer plastiquement leur union finale,.

Demy est profondément influencé par l'univers du cinéma de Cocteau, notamment par son adaptation du conte La Belle et la Bête, sorti en 1946,. Tous deux se connaissaient depuis 1957. Le tournage deSOS Noronha, où Demy était assistant, a permis au jeune cinéaste de parler à Jean Marais de son désir de rencontrer le poète et, sur ses conseils, il parvient à approcher l'artiste qui a l'habitude de " recevoir " et se montre " très gentil ". Par la suite, le rapprochement entre les deux artistes et l'influence de Cocteau sur Demy seront souvent reconnus par les critiques,. Durant la préparation du film, Demy visionne de nombreuses fois la Belle et la Bête avec le directeur artistique Agostino Pace.

Le choix de Jean Marais pour le rôle du Roi bleu, lui qui incarnait la Bête chez Cocteau, est d'ailleurs lié à cette référence. Les deux rôles tenus par l'acteur présentent des similitudes vestimentaires, avec des manteaux aux manches bouffantes,, et incarnent l'objet du désir transgressif de l'héroïne : chez Cocteau, Belle ne voit la bête se transformer en homme qu'à regret, et chez Demy la Princesse présente une moue de désappointement en apprenant que son père a des projets de remariage avec la Fée. Sur le plan esthétique, la végétation qui envahit l'intérieur du château du Roi bleu n'est pas anodine ; de même, les statues animées dont le regard suit les protagonistes ainsi que les gardes immobiles et comme fondus dans les murs, tels des cariatides, rappellent dans la Belle et la Bête les objets vivants à apparence humanoïde. La chambre de la Princesse ressemble également à celle de Belle dans le château de la Bête, et l'idée des bougies qui s'allument toutes seules est empruntée à Cocteau, tout comme les portes qui s'ouvrent toutes seules. Le miroir magique dont se sert Peau d'âne pour espionner la réaction de son père rappelle aussi celui de la Belle, et la réplique de la marraine : " Les Fées ont toujours raison " fait écho à celle de Cocteau : " Les Faits ont toujours raison ". La course de peau d'âne reste aussi un hommage au cinéaste: une fois habillée de la peau de bête la princesse, désormais nommée peau d'âne, s'enfuit de chez son père en courant, dans une scène filmée au ralenti qui rappelle la scène de l'arrivée de la jeune Belle au château de la Bête. Ailleurs, le plan qui montre au spectateur le Prince s'approchant de face de la masure de Peau d'âne et se heurtant à une paroi invisible est très similaire au plan extrait du film (1950) dans lequel le poète, également joué par Jean Marais, se trouve incapable de traverser un miroir magique ; ce même film partage avec Peau d'âne le motif du reflet de soi dans une mare, saisi par Jean Marais chez Cocteau et par Catherine Deneuve chez Demy. Toujours dans la forêt, la rose que le Prince rencontre sur son chemin peut certes évoquer la Rose du Petit Prince, qui engage un dialogue philosophique avec le petit garçon tout comme procède celle de Demy avec le jeune homme, mais surtout rappeler la main du film Le Sang d'un poète (1930), qui elle aussi est dotée d'une bouche par laquelle elle peut s'exprimer. Enfin, l'hélicoptère nuptial de la Fée des lilas paraît faire écho dans le domaine anachronique aux motos funèbres qui ferment le film Orphée.

Fille du Roi bleu et désormais orpheline de mère, la Princesse est la seule à correspondre aux critères que respecte son père pour trouver une nouvelle épouse. Elle est ainsi la cible de son projet d'inceste, et Jacques Demy la présente comme un . La présence récurrente de colombes à son entour, dans la cour du château ou dans sa chambre, exalte son innocence et sa pureté face à l'immoralité du projet de son père. Mais, par une mise en abyme des principes des contes de fée, Peau d'âne décide de ne pas attendre le secours d'un prince charmant et choisit de prendre sa destinée en main : Ce n'est d'ailleurs que lors de son départ du château qu'elle obtient enfin un véritable nom, " Peau d'âne ", elle qui auparavant n'était désignée que par son titre et son lien avec son père. Elle fait preuve d'une force d'esprit inhabituelle aux princesses des contes de fées, notamment lorsqu'elle oppose à sa marraine sa volonté réelle d'épouser son père ou lorsqu'elle poursuit le Prince de ses avances, en l'éblouissant d'un éclat lumineux par son miroir ou avec la ruse de l'anneau dans le cake ,. Et au contraire d'une princesse qui serait éveillée par la venue de son prince charmant, c'est bien la Princesse qui tend la main au Prince et le libère de son enveloppe charnelle avant de l'emporter en songe.

Marraine de la Princesse, c'est elle qui lui souffle des subterfuges pour échapper à l'inceste. Au contraire du stéréotype de la fée marraine, qui est souvent la plus haute instance morale dans un conte, la Fée des lilas a beau distiller des bons conseils, elle n'est pas exempte d'arrière-pensées et n'agit que pour parvenir à ses propres fins : on apprend à la fin du film qu'elle va épouser elle-même le roi, et que ses stratagèmes visaient donc à éloigner une rivale de l'homme désiré et à assouvir une revanche personnelle,, d'autant plus cruelle qu'elle l'a fait traîner en longueur sur plusieurs épreuves, le sacrifice de l'âne banquier en étant le point culminant. Elle constitue de fait le personnage le plus subversif du film, surtout par rapport à son équivalent dans le conte : ici, c'est elle qui introduit les anachronismes. En plus de ceux présents dans sa vie quotidienne comme le téléphone ou l'usage du concept de " piles ", c'est elle qui donne le recueil de " poèmes des temps futurs " au Roi bleu ; elle se rend au mariage en hélicoptère ; et elle porte une coiffure à la Jean Harlow du style des années 1930, bien éloignée des perruques Louis XV des fées plus classiques, et elle trahit le modèle de moralité qu'elle est supposée incarner. Elle semble en fait mêler les caractéristiques de plusieurs femmes merveilleuses : à la fois fée marraine et prophétesse, puisque le Roi bleu loue sa " connaissance du futur ", la Fée est un personnage en dehors du temps, peut-être perdue entre passé et futur, en tout cas dépendante de la foi que les hommes ont en elle,. Sa couleur lilas, c'est-à-dire violette, représente également les " forces occultes " et les . Sa vivacité et surtout sa coquetterie semblent en partie héritées de l'adaptation du conte en vaudeville dans les années 1860-1870 : dans les deux œuvres, la Fée se plaint d'être surprise par sa filleule alors qu'elle n'a pas encore achevé sa toilette, puis lui conseille d'éviter les larmes pour préserver sa beauté. Jacques Demy avait d'abord envisagé de proposer le rôle à Anouk Aimée, qu'il avait déjà dirigée dans quelques années plus tôt, mais le rôle échoit finalement à Delphine Seyrig, dont Demy reconnaît " tout le talent " en jouant " une fée très humaine, assez égoïste et enquiquineuse ", . L'actrice est d'ailleurs une figure importante de l'émancipation féminine en France et paraît de la sorte faire écho au personnage de la Fée, très indépendante et en avance sur son temps.

À peine son veuvage entamé, le Roi bleu doit trouver une nouvelle épouse pour assurer un héritier au royaume. Ignorant l'intérêt que lui porte la Fée des lilas, il se rend compte que la seule femme du royaume qui réponde aux critères de sa défunte épouse n'est autre que sa propre fille. Généreux et résolu, il ne lui refuse aucun cadeau, même lorsqu'elle lui demande la peau de l'âne qui rend son pays si prospère. Lui-même paraît profiter du complexe d'Électre de sa fille : jusqu'à ce que la Princesse reçoive les conseils de sa marraine, elle ne semble pas opposée à l'idée d'un mariage, et lors de leurs retrouvailles à la fin du film, la nouvelle que son père prévoit d'épouser la Fée paraît provoquer chez la jeune fille une moue de déception,. À la différence du roi du conte, dont il est cyniquement dit qu'il pleure sa femme " comme un homme pressé qui veut sortir d'affaire ", son homologue chez Demy est un amoureux passionné qui bannit tout d'abord sa fille de sa vue afin que rien ne lui rappelle le souvenir de la défunte reine. Il est en réalité le seul à incarner, parmi les personnages, un désir physique de possession (au contraire du couple naïf que la Princesse va former avec le Prince), ce que manifestera un dernier regard lubrique lors des retrouvailles avec sa fille.

Prince d'un royaume voisin à celui du château bleu, le Prince cherche l'amour véritable. Cette quête apparaît pourtant à plusieurs égards comme un caprice d'enfant : il feint une maladie que les médecins ne parviennent pas à soigner afin de pouvoir rester au lit en permanence et rêver à la Princesse qu'il a furtivement aperçue dans les bois. Il n'hésite pas à user de la bonne volonté de ses parents, prêts à tout pour rétablir sa santé inquiétante, en exigeant que Peau d'âne lui cuisine un cake et que soit organisée une séance d'essayage de la bague pour toutes les jeunes filles du royaume, y compris les domestiques au travail, alors même qu'il sait déjà que le bijou ne peut appartenir qu'à Peau d'âne. Là est d'ailleurs le paradoxe : c'est en imposant par caprice la cérémonie de l'essayage, qui semble profondément ennuyer ses parents, que le Prince pourra faire reconnaître officiellement la Princesse et ainsi ne pas être taxé de caprice. La rêverie qu'il partage avec la Princesse est d'ailleurs de l'ordre du rêve enfantin : alors même qu'ils sont émancipés de toute surveillance des adultes et de toute responsabilité liée à leur rang dans leur royaume respectif, les deux jeunes gens choisissent de poursuivre leurs jeux d'enfants, en roulant dans l'herbe ou en se gavant de pâtisseries. Jacques Demy a d'ailleurs fait supprimer certaines répliques au sous-entendu érotique, initialement prévues dans les paroles de la chanson Rêves secrets d'un prince et d'une princesse, qui donnaient aux rêves des deux jeunes gens une dimension plus adulte : .

Selon sa fille Rosalie Varda, Demy tient .

" Je voulais avoir d'un côté le sujet enfantin, merveilleux, qui plairait aux gosses et la vision adulte d'un récit complètement pervers devant lequel le public se mettra ou non des œillères selon son degré de puritanisme. Le scénario est truffé de pièges. C'est l'histoire d'une libération. Au début du voyage, il y a les fantasmes, puis le passage dans l'autre monde provoque une série de déblocages avec la scène du rêve, puis celle de l'essayage de l'anneau... "

Mais le réalisateur se réclame avant tout d'un " conte de fées réaliste ", qui comporterait des personnages aux réactions crédibles pour que le merveilleux intervenant dans ce contexte soit plus étonnant.

La critique américaine Anne E. Duggan, qui a écrit un ouvrage sur la dimension du genre dans l'œuvre de Demy, voit également dans Peau d'âne une volonté de défier aussi bien les canons esthétiques que les normes hétérosexuelles, illustrée notoirement par le thème de l'inceste.

Le thème de l' inceste, qui fait l'originalité du conte de Perrault, est préservé dans la relecture plus moderne de Demy, qui reconnaît son aspect " obscène, presque pornographique ", ce pourquoi . Mais au contraire du conte, si ici le Roi prend, seul, la décision d'épouser sa fille, celle-ci n'y répugne pas et oppose aux arguments de sa marraine son propre amour pour son père, poussant ainsi certains critiques à évoquer le complexe d'Électre au sujet de l'attirance d'une fille pour son père. Demy lui-même, sans pousser l'exégèse, peut faire allusion à la thèse du psychanalyste Carl Jung lorsqu'il place des idées identiques dans la bouche d'un personnage. Anne E. Duggan voit dans ce personnage une distanciation des princesses des contes de fées classiques, qui n'existent que par rapport à leur prince et font preuve de passivité ; contrairement à ces dernières, la Peau d'âne de Demy n'hésite pas à faire valoir ses sentiments pour son père et semble manipuler magiquement le Prince pour l'apercevoir d'un angle avantageux, lors de la scène de la masure. Le Prince est d'abord bloqué par un mur invisible puis n'a d'autre choix que de grimper vers une lucarne, ce qui permet à la Princesse de contrôler la façon dont elle lui apparaît et de l'observer à son aise avec son miroir. Elle se montre ainsi active dans la poursuite du Prince, l'éblouissant d'un éclat lumineux et glissant délibérément sa bague dans le cake (ruse néanmoins déjà présente dans le conte). Elle est en position de force par rapport aux héroïnes classiques et apparaît comme une figure de la transgression des règles du genre. L'inceste même n'apparaît pas condamnable : les deux personnages concernés sont favorables au mariage et, si la Fée des lilas décourage sa filleule, c'est au nom de " questions de culture et de législature ", non pas au nom de la décence. L'amour n'est pas vraiment distinct de la dépravation, estime la critique Amy Herzog, en particulier au sujet de la scène durant laquelle la Princesse chante Amour, Amour tandis que son père la contemple d'une fenêtre du château : la reprise risible du refrain par le perroquet et les paroles qui scellent l'amour comme une expression de la folie (" L'amour fait souvent grand tapage / Au plus bel âge / Il crie, il déchire, et il ment / Pauvre serment ") concourent à cette analyse.

Le Prince, quant à lui, est à la recherche du grand amour et se voit guider par une rose sensuelle aux lèvres charnues et érotisées ( personnifiée à l'image des femmes-fleurs de Grandville) qui lui indique le chemin pour trouver la Princesse. Pourtant, les interactions entre la Princesse et le Prince eux-mêmes sont peu romantiques et semblent davantage relever d'un amour fraternel, en partie incestueux ; et à la fin de l'histoire, au contraire de Perrault qui laisse les deux personnages se réjouir seuls du mariage de la Princesse, Jacques Demy fait du Roi bleu et de la Fée des lilas des amants. Les paroles ambigües de la Fée, au moment où elle conseille à sa filleule de fuir le Roi, prennent alors tout leur sens : sa motivation à aider sa filleule tenait aussi et surtout d'un empressement à éloigner une rivale prétendant aux affections du Roi, et la Fée apparaît alors pourvue d'immoralité, déjouant le stéréotype établi dans les contes. La moue qu'adopte la Princesse à la nouvelle de ces fiançailles paraît alors exprimer sa déception face à la perte du véritable homme aimé, déception identique à d'autres dans les films de Demy (tels Lola ou les Parapluies de Cherbourg) : selon Anne E. Duggan, avec ce mariage contracté par pures considérations sociales envers un homme ayant une bonne situation, la fin de l'histoire ne satisfait pas nécessairement les désirs non conventionnels de l'héroïne. La sempiternelle ritournelle propre aux contes de fées, qui assure bonheur et stabilité au couple de héros, est ainsi remise en question. Les passions intimes sont refoulées : " tout n'est que rapports de force ", estime Jean Douchet dans les Cahiers du cinéma, entre la brutalité du désir du Roi bleu, les manigances de la Fée marraine, la société moqueuse de la ferme, les caprices du Prince qui obtient ce qu'il veut, et la Peau d'âne-souillon qui commande à la Peau d'âne-princesse lors de la scène du cake. Le laid est transfiguré et le beau promulgué au nom de " l'amour de l'amour ".

Le miroir, instrument du reflet et du doute, est un motif qui revient à plusieurs reprises tout au long du film comme pour interroger l'exactitude des personnages. La sincérité des sentiments est en effet un thème central de l'œuvre : Peau d'âne se demande si son attachement pour son père est suffisant pour l'épouser, le Prince se désespère de ne pas trouver le véritable amour, la Fée masque derrière son souci de protection de sa filleule une passion jalouse pour le Roi bleu, et ces recherches de la vérité se heurtent au parti pris de Demy, qui joue avec la fausseté assumée des décors et des anachronismes. Le perroquet lui-même, qui reprend les refrains de la chanson Amour, Amour, risquerait de déformer la réalité par effet de psittacisme, et la constante confrontation entre le merveilleux et l'anachronique ne contribue pas à la compréhension. Le miroir, célébration de frivolité et de superficialité par laquelle on vérifie son apparence, apparaît notamment lorsque la Princesse rend visite à sa marraine, qui la réprimande pour l'interrompre dans sa toilette avant même qu'elle ne soit présentable. La subséquente crise de larmes de la Princesse élicite chez la Fée un comportement qui illustre encore davantage sa coquetterie : après lui avoir déconseillé de pleurer, les larmes étant selon elle néfastes pour la beauté du visage, elle finit sa toilette par quelques essais de robes dont elle fait varier la couleur. Mais Demy semble valoriser cet aspect du personnage, qui accorde ainsi davantage d'importance aux apparences qu'à la question morale de l'inceste. Le miroir se fait encore voir lorsque la Princesse obtient les trois robes qu'elle a demandées comme défis auprès de son futur époux : elle se regarde elle-même et se fait regarder par les tailleurs. Il en est de même lorsqu'elle revêt la peau de l'âne : c'est un miroir qui lui sert à déplorer sa transformation. Un miroir apparaît encore pour lui permettre de se coiffer les cheveux ; puis plus tard, à l'instar de Narcisse, la jeune fille aperçoit dans la forêt son reflet dans une mare. Cette dernière scène a d'ailleurs été tournée avec une glace : pour rendre hommage à une gravure particulière de Gustave Doré, une pièce d'eau a été créée de toutes pièces à l'aide d'un miroir recouvert d'eau teintée.

Mais, s'il sert de moyen de glorification, le miroir est aussi le support de la désillusion, illustrant la différence entre la jeunesse virginale de la Princesse et l'âge plus avancé de sa marraine à la manière du miroir de Blanche-Neige, qui annonce à la reine maléfique qu'elle a été surpassée en beauté. Il tend ainsi à renvoyer davantage le reflet de la jeune fille que celui de la Fée des lilas : lors de la première apparition de celle-ci, c'est Peau d'âne qui remplit le cadre du miroir, et il en va de même lorsque la Fée mentionne le déclin de ses charmes, qu'elle compare à des batteries usées. La ressemblance entre la Fée et la belle-mère maléfique de l'adaptation par Disney est accentuée par d'autres similitudes comme la composition chromatique de l'image et la collerette de la robe. Un col identique apparaît par ailleurs à la fin du film sur la tenue de mariée de la Princesse, cette fois-ci, comme pour signifier qu'avec son choix de mariage conventionnel, ayant refusé de céder à la tentation de l'inceste, l'héroïne s'expose au risque de se voir par la suite défiée en beauté par de plus jeunes rivales. D'autre part, le miroir magique dans lequel apparaît brièvement le Roi bleu lorsque sa fille l'épie constitue la seule apparition du personnage entre le moment où elle le quitte et celui où il la rejoint pour les noces finales. Une telle disparition et cette mise hors-fiction pourraient être à imputer aux exigences de la Princesse, qui a initialement réclamé la peau de l'âne, soit l'équivalent métaphorique de la puissance du roi, et l'a ainsi sacrifié comme en réponse à la folie de l'inceste.

Le miroir est enfin un moyen de communication équivoque, qui met en relations des univers pour qui sait comment y regarder. C'est dans celui de la Princesse que la Fée apparaît pour la première fois à l'intérieur du château, ayant quitté son repaire forestier. C'est d'un autre miroir dont l'héroïne se sert, depuis sa cabane, pour observer la réaction de son père une fois qu'elle a fui le château. La rencontre avec le Prince a aussi lieu par miroirs interposés, chacun n'apercevant l'autre que par son reflet, lui dans le grand miroir grâce auquel elle fait sa toilette, et elle dans le petit qu'elle utilise plus discrètement. Mais le jeune homme paraît aveuglé par cette image de la Princesse dans sa robe du soleil, si bien qu'il ne lui reste qu'à détourner les yeux et s'enfuir. Il ne paraît pas encore prêt à la rencontrer. La fin du film semble néanmoins proposer une résolution positive sur le plan des sentiments : lorsque l'héroïne retire sa peau puis marche avec le Prince vers le trône, face à la caméra, la scène suivante les observe de dos s'éloignant vers leurs témoins, comme s'ils avaient enfin franchi le miroir et achevé leur métamorphose.

Deux types d'apparences priment dans le film : le noble et le vulgaire, ou le beau et le laid. Dès le début du conte, le vulgaire se mêle au noble : c'est grâce à l'âne qui pond de l'or que le Roi bleu est prospère en son royaume, un miracle qui a des relents de scatophilie. Et si la richesse du royaume bleu et du royaume rouge est bien transmise par l'opulence des décors et des costumes, Peau d'âne la souillon fréquente un monde de laideur, obéissant à une femme qui crache des crapauds et chargée des auges des cochons. Ce sont d'ailleurs des blanchisseuses qui sont les premières à se moquer de l'apparence de la jeune fille. Et pourtant, le monde ne semble exister que pour le beau : les déjections de l'âne sont valorisées pour ce qu'elles représentent aux yeux du roi, la robe " couleur de temps " demandée sans davantage de précision est confectionnée de sorte à représenter le " beau temps ", et la première action de Peau d'âne en entrant dans son nouveau logis est de faire le ménage.

Cette dualité est à son paroxysme pendant la scène dite " du cake d'amour ", lorsque la caméra présente aux fourneaux une héroïne dédoublée, à la fois princesse en tenue de soleil et souillon parée d'une Peau d'âne, mélangeant l'or de sa robe à la crasse de la dépouille animale. C'est en fait le lieu même de la masure qui incarne la liminarité, où se côtoient indifféremment le propre et le sale, à travers les objets que l'héroïne a fait apparaître avec sa baguette magique. Cette domestication du taudis reflète, selon la chercheuse Kristen Ross, un comportement social propre à l'époque des Trente Glorieuses en France et que Walt Disney avait par ailleurs incorporé dans sa version de Blanche-Neige, dont Jacques Demy dit qu'elle lui venait à l'esprit à chaque fois qu'il pensait à la conception de cette scène. L' héroïne de Disney est ainsi une domestique en haillons qui cherche à marier la bonne gestion de son foyer et le maintien de son noyau familial, constitué par les sept nains. Demy paraît dans cette perspective proposer une relecture comique voire parodique de cette scène, magnifiant le fossé entre la Princesse vêtue d'une robe splendide mais peu pratique et son double drapé d'une peau de bête.

La scène du cake, qui fait coexister la princesse et la souillon dans un lieu dépourvu du bleu ou du rouge, marque également le milieu du voyage de la jeune fille, momentanément bloquée entre les deux châteaux qui lui sont tous deux inaccessibles, et donc entre deux identités inachevées. Il n'y a aucun point de rencontre entre ces trois lieux, et si la masure semble située au milieu du voyage de l'héroïne, elle n'en apparaît pas moins détachée du reste, comme détachée dans le temps : les mouvements se font au ralenti, les habitants de la ferme sont suspendus comme dans une dilatation de l'instant, et le Prince parvenu jusque-là est empêché d'approcher par une muraille invisible. Elle apparaît " hors-jeu " et permet de regarder ou bien en arrière ou bien en avant (le Roi puis le Prince apparaissent ainsi tour à tour dans les miroirs). Tout déplacement, exprimé par l'intermédiaire des changements de décors, tient davantage de la mutation d'une enveloppe et du récit que du passage d'un plan à un autre, puisque ses thématiques changent avec lui. Serge Daney prend l'exemple de la transition du propre au sale : l'héroïne ne quitte son identité de Princesse que lorsqu'elle revêt la peau de l'âne, brisant de la sorte la chaîne " or-âne-château " ; cela n'avait précédemment pas pu être obtenu par la Fée lorsqu'elle avait tenté d'empêcher l'union du Roi et de la Princesse par l'épreuve des robes somptueuses, qui appartiennent à la série du propre. La masure, elle, accueille chaque élément du film à la fois dans la série du propre et dans celle du sale : y coexistent en même temps les meubles luxueux que la Princesse a fait apparaître et les éléments misérables d'une cabane au beau milieu d'une forêt.

La rêverie des deux amoureux, au son de la chanson " Rêves secrets d'un prince et d'une princesse, dissimule un manifeste hippie et un appel à enfreindre les interdits dans ses paroles équivoques : " Nous ferons ce qui est interdit / Nous ferons tous des galipettes / Nous irons ensemble à la buvette / Nous fumerons la pipe en cachette / Nous nous gaverons de pâtisseries ". Nombreux sont les critiques, et même Rosalie Varda, la fille de Demy, qui voient derrière cette " pipe " des ,, alors en vogue dans les milieux que fréquentaient Demy et Agnès Varda pendant leur séjour américain. L'expérience hippie du réalisateur imprègne en effet le film, cette rêverie tout particulièrement : les champs sont parsemés de curieuses fleurs colorées, la boisson coule à flots sur la table de banquet, les deux jeunes gens font vœu de rébellion () puis se laissent glisser au fil de l'eau en fumant le narguilé... Même la barbe du Roi rouge, homme peu disert mais à l'apparence bonhomme, évoque le substances prohibées " Flower Power (" pouvoir des fleurs ") du mouvement hippie. Le gâteau, est l'un des nombreux exemples d'ambiguïté : d'aucuns choisissent d'y voir un cake que réclame le Prince, utilisant le terme anglais désignant un space cake, pâtisserie contenant du cannabis que la famille Demy-Varda avait eu l'occasion d'expérimenter en Californie.

Peau d'âne apparaît ainsi comme un " rêve sous hallucinogènes ", profondément ancré dans la contre-culture des années 1960 déjà représentée dans Model Shop, le précédent film de Demy.

Notes et références

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Jean-Pierre Berthomé, Jacques Demy et les Racines du rêve, Nantes, L'Atalante, , 3e éd., 508 p. (ISBN 978-2-84172-678-3 ) .

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(en) Anne E. Duggan, Queer Enchantments : Gender, Sexuality, and Class in the Fairy-Tale Cinema of Jacques Demy, Wayne State University Press, , 208 p. (lire en ligne) .

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Rosalie Varda-Demy et Emmanuel Pierrat, Il était une fois " Peau d'âne ", Éditions de La Martinière, , 243 p. (ISBN 978-2-7324-6486-2 ) .

Camille Taboulay, Le Cinéma enchanté de Jacques Demy, Cahiers du cinéma, , 190 p. (ISBN 2-86642-167-1 ) .

Claude Bouniq-Mercier, Guide des Films P-Z (sous la direction de Jean Tulard), vol. 3, Paris, Robert Laffont, coll. " Bouquins ", , 3704 p. (ISBN 9782221104538 ), p. 2470 .

Chritian Soleil, Jean Marais : La voix brisée, Saint-Etienne, Actes Graphiques, , 255 p. (ISBN 2-910868-42-7 ), p. 208, 250 .

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Peau d'âne est un film musical français écrit et réalisé par Jacques Demy, sorti en 1970. Inspiré de de Charles Perrault, paru en 1694, le film reprend l'intrigue traditionnelle du conte : une princesse forcée d'épouser son père fuit son royaume en se dissimulant sous une Peau d'âne.