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En este elemento de la obra que se encuentra en la parte superior, se evidencia una mezcla de técnicas interesantes. Por un lado, el uso de lineas rectas y delgadas que le dan forma al elemento. Por otro lado, el uso del color negro para otorgarle sobra y profundidad a este mismo.

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Museo Frida Kahlo

Título: El despertador

Fecha: 1914

Pintor: Diego Rivera

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta obra me llamó la atención por la gran variedad de elementos técnicos y de composición que utiliza el pintor. Ya que todos las técnicas utilizadas por los elementos difieren completamente de las que se usan en el contorno.

En primer lugar , se evidencia una mezcla entre lineas rectas y curvas. Mientras que en el fondo de la obra, predominan la líneas rectas y gruesas, los elementos mejores definidos se encuentran al frente y su forma es otorgada por lineas curvas y orgánicas. Las rectas se encuentran tanto vertical, horizontal , como diagonalmente. Son precisamente estas las que crean el espacio y el contorno de la pintura, y por otro lado son las curvas quienes definen los elementos que se encuentran allí. Segundo, las formas que predominan son claramente geométricas, sobretodo triángulos, cuadrados, y rectángulos, todos estos definidos precisamente por las líneas curvas. Otro aspecto importante es la luz, en esta obra la luz le otorga vividez a la obra y permite que los algunos elementos resalten más que otros, pero sobretodo que todos estos se sobrepongan al fondo oscuro. Lo anterior tiene completa relación con el uso del color, donde hay un claro uso de los colores terciarios, sobretodo los fríos como el rojo, naranja y amarillo. También se puede observar el uso de diferentes matices del color rojo, siendo los mas oscuros en el fondo y los mas vivos al frente. Todo lo anterior le otorga una mezcla de sensaciones y emociones a la obra, como por ejemplo una cierta melancolía pero a al vez de esperanza. Por último, el uso del espacio es una característica de este cuadro, ya que las formas geométricas otorgan un espacio plano y donde predomina solo una dimensión, teniendo en cuenta el uso de algunas sombras para otorgar una pequeña sensación de profundidad y relieve.

Por otro lado, en cuanto a la composición en la obra de Diego Rivera lo primero que se nota es que no hay un orden o balance específico en esta. Es decir, el desorden creado por lo elementos del frente resaltan en la obra. Debido al gran numero de elementos, formas, y colores que la componen, es difícil determinar un solo punto focal. Sin embargo, en primera instancia podemos decir que el elemento en el que se centra la mirada por primera vez es el reloj, este podría considerarse como el punto focal por su ubicación en el centro de la obra, e incluso por estar  muy cerca del punto de fuga. Un último punto importante en la obra de Rivera es la proporción y escala de esta, ya que no hay una relación de tamaño "standard" en los elementos de la forma, es decir que no muestra una situación de realidad. Por ejemplo, el tamaño del reloj es demasiado grande en comparación con el elemento en la esquina inferior derecha de la obra, que posiblemente puede ser una guitarra.

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Título: Mujer sentada (Mujer con cuerpo de guitarra)

Fecha: 1915

Tema: Retrato

Pintor: Diego Rivera

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo.

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Título: Mi familia (inconcluso)

Fecha: 1949-1950

Pintora: Frida Kahlo

Descripción: Retrato

Dimensiones físicas: a590 x a420 mm (sin marco)

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo sobre masonita

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Título: Autorretrato con traje de terciopelo

Fecha: 1926

Procedencia: Museo Frida Kahlo

Pintora: Frida Kahlo

Descripción: Autorretrato con traje de terciopelo

Dimensiones físicas: l125 x h170 mm (sin marco)

Tipo: Fotografía

Técnica: Fotografía coloreada al óleo por Frida Kahlo

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Museo Frida Kahlo / Obras Llamativas

Título: El marxismo dará salud a los enfermos

Fecha: 1954

Descripción: Autorretrato

Dimensiones físicas: w600 x h760 mm

Tipo: Photograph

Técnica: Oil on masonite

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Narrativa / Descripción Museo

El Museo Frida Kahlo,  o también conocido como la "casa azul" se encuentra en la Ciudad de México, México. Es particularmente conocido y único porque en un principio fue la casa en la que nacio, vivio, y murió Frida Kahlo, la artista latinoamericana más respetado y conocida en el mundo del arte. Por tal razón, el principal propósito de este es exponer obras coloridas y prehispánicas que retratan la historia y cultura mexicana.

En primer lugar, me sorprendió el hecho de que es un museo completamente único y "atípico" de lo que una persona espera o tiene concebido como un "museo de renombre". Es decir, no es ostentoso, ni moderno, ni arquitectónicamente llamativa. Precisamente por el hecho más sorprendente, el cual consisten en que es el resultado de una expansión de una casa típica de clase media en México. Sin embargo, hay varios elementos que vale la pena recalcar, sobretodo por el uso de varios colores llamativas como el azul, verde, amarillo, y naranja que se encuentran tanto en la fachada, en el patio, y adentro de la casa. Lo anterior ocurre precisamente con el objetivo de resaltar aun mas la obra de Kahlo, que precisamente es conocida por sus colores  vivos.

Por otro lado, lo que mas me intrigo y gusto es el hecho que es uno de los pocos museos en lo que la visita no consiste únicamente en observar las obras de arte que allí se encuentran. Sino que por el contrario, retrata igual de importantemente lugar de trabajo y vida del artista. Ya que el museo ofrece una experiencia única al poder observar con excelente preservación los lugares en los que Frida Kahlo convive con su esposo Diego, pinta y trabajaba, como lo es el caso de su estudio y cocina. Lo anterior permite entender mejor las obras de arte que allí se encuentran al poder apreciarlas en el mismo contexto y lugar en el que se desarrollaron. Algo que precisamente no tiene ni siquiera los museos europeos más conocidos.

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Museo Frida Kahlo / Estructuras Llamativas

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Son en especial estas lineal curvas y orgánicas que se encuentran en el fondo de la obra, las que otorgan esa sensación de movimiento constante a la obra.

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El autor hace especial énfasis en este autorretrato en su propia barba, es precisamente este el punto focal de la obra, ya que su color anaranjado asi como su textura realista resaltan sobre los otros elementos.

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Musée d' Orsay / Obra Escogida

Título: Autorretrato

Fecha de creación: 1889

Procedencia: Donación de Paul y Marguerite Gachet, los hijos del Dr. Gachet, 1949

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: Retrato del artista

Dimensiones físicas: w540 x h650 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

Escogí esta obra de Vincent van Gogh por dos razones principales. Primero, por el gran nivel que tiene a nivel técnico y en materia de composición. Segundo, por la importancia que representa el pintor y porque la mayor representación de su talento son precisamente sus autorretratos.

En primer lugar, en cuanto a las elementos visuales lo primero que se evidencia es el uso de lineas curvas y orgánicas, tanto en el fondo de la obra como en el cuerpo y vestimenta de van Gogh. Las lineales curvas del fondo permiten darle un contorno especial a la pintura, mientras que las que se encuentran en la chaqueta permiten crear un balance con el fondo. Pero, podemos afirmar que ambas le otorgan una sensación de constante movimiento a la obra. Por otro lado, la forma más importante es evidentemente es el cuerpo humano de cintura para arriba del pintor, este es creado tanto precisamente por las líneas curvas como por un contraste de color, otorgándole una forma bidimensional. Asimismo, es impresionante el nivel de luz que otorga el color, ya que es precisamente este color frío ( azul, verde celeste) quien predomina. Por tal razón, es una obra con color monocromático, ya que se utilizan diferentes matices del verde-azul, produciendo una sensación relajante. Otro punto importante de recalcar es la textura, ya que el pintor le otorga una sensación placentera y de suavidad. Sin embargo, retrata de forma realista la textura de la barba.

En segundo lugar, la obra contiene también varios aspectos de composición destacables. Si bien el balance es en principio asimétrico, esto no quiere decir que el retrato de una sensación de unidad placentera entre los elementos, ya que si hay un orden entre el personaje y su entorno. Vincent van Gogh hace especial énfasis en este autorretrato en su barba, ya que esta se puede considerar como el punto focal de la obra, porque su color anaranjado asi como su textura resaltan sobre los otros elementos. Asimismo, la proporción y la escala de la pintura son las adecuadas, sobretodo para un autorretrato, ya que es precisamente por esta razón que se describe correctamente la imagen de van Gogh.

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Título: La iglesia en Auvers-sur-Oise, vista desde el Chevet

Fecha de creación: 1890

Procedencia: Adquirido con la participación de Paul Gachet y de una donación canadiense anónima, 1951

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: La iglesia de Auvers-sur-Oise, vista desde la cabecera

Dimensiones físicas: w740 x h940 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

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Título: Baile en Le Moulin de la Galette

Fecha de creación: 1876

Procedencia: legado de Gustave Caillebotte, 1894

Pintor: Auguste Renoir

Título original: Bal du moulin de la Galette

Tipo: Óleo sobre lienzo

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Título: La adoración de los magos

Creador: Edward Burne-Jones

Fecha de creación: 1904

Procedencia: Donación del Sr. Pierre Bergé, 2009

Título original: Adoración de los magos

Dimensiones físicas: w3770 x h2580 mm

Tipo: Tapiz

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Musée d´Orsay /Obras Llamativas

Título: La siesta (después de Millet)

Fecha de creación: 1890

Procedencia: Donación de la Sra. Fernand Halphen, 1952

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: La meridienne también dice La sieste (después de Millet)

Dimensiones físicas: w910 x h730 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

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Narrativa / Descripción Museo

El Musée d´ Orsay es un museo que se encuentra a las orillas del río Seine en París, Francia. Su historia es particular, ya que es el resultado de una reconstrucción de la estación de tren "Orsay", y desde el momento en que se concibió se pretendía que la propia fachada como su interior fuera la primera obra de arte del museo.

Teniendo en esto en cuenta, es evidente que la arquitectura y el diseño cumple efectivamente con el propósito de ser una gran obra de arte. Lo primero que me llamó la atención fue la composición antigua del techo, que retrata la antigüedad del museo y la conservación del tiempo en el que se fundó. Asimismo, me sorprendió como la inclusión de estructuras con diseño y material mas modernos ( como se evidencia en la segunda y tercera imagen ) están bien balanceados con la estructura clásica, no se sobreponen ni se contradicen, sino que por el contrario se complementan.

Es importante recalcar el reloj que se encuentre en la parte superior y central del museo, sobre cualquier otro elemento. En mi opinión, es este el que permite confirmar que el Musée d´ Orsay es una obra de arte en sí. El reloj se encuentra en tanto en la fachada como en el interior desde el tiempo en el que el lugar era una estación de tren, por ende este retrata la esencia y la transformación del museo. En cuanto al diseño de este, es impresionante la cantidad y calidad de detalles que tiene, el buen balance entre la madera y el dorado permite aspecto elegante y de buen conservación, teniendo en cuenta que se instaló en 1900.

Por último, fijándonos en la fachada exterior, lo que más llama la atención son las formas que se encuentran en esta. Donde se encuentran bustos de animales, escudos, armas, pero donde resaltan esculturas humanas. Lo anterior es típico de la arquitectura francesa del siglo XVIII Y XIX.  Y que nos permite concluir con lo que se mencionó en la introducción, efectivamente el Musée d´ Orsay es una obra de arte en si.

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Musée d´Orsay /Estructuras Llamativas del Museo

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DANIEL FELIPE VALBUENA ORJUELA - 201923299

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DANIEL FELIPE VALBUENA ORJUELA - 201923299

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Título: Cartel de la Guerra Civil, 39

Creador: Desconocido. Firmado por

Fecha de creación: 1937-1938

Estilo: arte gráfico

Procedencia: Colección particular

Título original: Cartel Guerra Civil, 39

Dimensiones físicas: w700 x h1000 mm

Tipo: Fotolitografía

Técnica: Fotolitografía

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Título: Soldado carlista tocando el clarín / Póster de la guerra civil, 56

Creador: Desconocido. Firmado por

Fecha de creación: 1936-1937

Estilo: arte gráfico

Dimensiones físicas: w460 x h610 mm

Técnica: Fotolitografía

En primer lugar, se evidencia una clara predominancia de las lineas curvas, sobretodo en el cuerpo del soldado y en el suelo. Asimismo, la forma principal es el cuerpo definido de un soldado español, esta es otorgada por el bien uso de la líneas orgánicas ya mencionadas. En tercer lugar, los colores que predominan son el verde, el rojo, y el negro. Este último es utilizado para sombras y contrastes, otorgando un clara sensación de movimiento en el soldado. Asimismo, claramente estos colores retratan la época en la que se creó la obra, y por ende el difícil contexto histórico que representa la obra (la guerra civil español de los años 30). Incluso podríamos suponer que el color que sutilmente se utiliza en la parte inferior de la obra tiene como objetivo retratar el dolor sufrido por el pueblo español.

En cuanto a los principios de composición, se evidencia un balance asimétrico en la obra. Por otro lado, el punto focal es el gorro de color rojo que lleva el personaje, ya que este color resalta frente a los otros. El autor hace énfasis en este elemento para que el espectador dirija su primera mirada a este objeto, con el objetivo que se identifique con claridad que se esta representando un militar "carlista". Lo anterior ya que este tipo de gorro es un símbolo del bando "carlista". Por último, la escala y proporción demuestran un realismo ya que la relación entre el soldado,  el arma y la trompeta es acorde.

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Título: La mesa del músico

Creador: Juan Gris

Fecha de creación: 1926

Estilo: Cubismo

Procedencia: Comprado, 1999

Título original: La table du musicien

Dimensiones físicas: l1000 x h810 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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Museo Reina Sofia / Obras Llamativas

Título: Mujer con rifle defendiendo Barcelona

Creador: Desconocido

Fecha de creación: 1937

Estilo: Fotografía

Procedencia: Colección particular

Título original: Mujer con fusil en la defensa de Barcelona

Dimensiones físicas: w151 x h198 mm

Tipo: Fotografía

Técnica: Plata con bromuro de gelatina sobre papel

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Narrativa/Descripción Museo

El Museo Reina Sofia que se encuentre en Madrid,España y fue fundado en 1990. Es resultado de una fase transitoria hacia una "democracia" en el país vasco, y pretende  cumplir con tres objetivos específicos. En primer lugar, repensar el papel del museo actual. Segundo, poner en practica mecanismos de union entre lo publico y la institucion. Y por ultimo, catalizar el transito hacia la modernidad.

El ultimo propósito se evidencia claramente tanto en la fachada externa como en el interior del museo. En ambas predomina el sentido minimalista, donde el color predominante es el blanco. Asimismo, este color mezclado con la gran cantidad de cristalería y vidrios le otorgan una sensación de pulcritud, amplitud, y modernidad al museo.

Me sorprendió el gran espacio conformado únicamente con ventanas, nada de paredes de ladrillo o concreto. Esto es un diseño innovador y claramente modernista. Este espacio en si puede considerarse como un obra artística dentro del propio museo y obligatoria de visita. Asimismo, en el interior claramente resaltan las obras sobre cualquier otro elemento, con el objetivo que el visitante no se distraiga con el museo en sí, sino que enfoque su atención únicamente en las obras del artista.Sin embargo, me esperaba que en el interior del museo se encontrarán un mayor numero de esculturas que retrataran el dolor vivido por la sociedad en dicha época. Por tal razón, me molesto que no se aprovechara el diseño minimalista con las esculturas en la forma en que si se hizo con las pinturas y fotografías.

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Museo Reina Sofia / Estructuras Llamativas del Museo

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Museo Reina Sofia / 25 Agosto

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Título: Bodegón Floral
Creador: Hans Bollongier
Fecha de creación: 1639
Estilo: Escuela del norte de Holanda
Dimensiones: w533 x h676 mm
Técnica: Óleo sobre lienzo

En primer lugar se evidencia una mezcla entre líneas rectas y bien definidas ( mesa de soporte) con líneas curvas (flores y pétalos) que otorgan una sensación de movimiento a la obra. Es impresionante como el artistica realiza está balance entre las dos, ya que si no se hace correctamente la obra perdería sentido y se vería en desorden.En segundo lugar, la forma (orgánica y tridimensional) como el uso del espacio otorga un volumen realista al florero, esto tambien lo logra con el uso de sombras y relieve en el florero y en su alrededor. Asimismo, predominan los colores cálidos y cálidos,  si bien es una obra con color complementario, resaltan el blanco y el amarillo rojizo. Estos colores le dan una sensación de antiguedad, casi que una mezcla entre vida pero a la vez de melancolía. Lo primero debido a que el artista claramente retrata flores vivas pero en el contorno la luz es oscuro y con colores de tonalidad opaca.

Por otro lado, si se observa verticalmente el cuadro, se evidencia un balance simétrico. El punto focal de la obra es la flor en el centro del cuadro con pétalos de color blanco y rojo. Bollongier logra lo anterior al darle un brillo de luz mayor a esta flor y al repetirla constantemente en la parte superior del ramo. El punto más importante para recalcar es la textura que le otorga Bollongier a la obra, claramente se nota una textura realista a las flores, es decir que se evidencia algunas flores con apariencia lisa y delicada, mientras otras se notan un poco más rugosas y escamosas.

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Título: La Callejuela

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Around 1658

Dimensiones físicas: w440 x h543 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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Título: La Lechera

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Around 1660

Dimensiones físicas: w410 x h455 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

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Rijksmuseum / Obras Llamativas

Título: The Night Watch

Creador: Rembrandt Harmensz van Rijn

Fecha de creación: 1642

Ubicación de creación: Amsterdam

Dimensiones físicas: w4370 x h3630 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Oleo sobre lienzo

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Narrativa/ Descripción Museo

El "Rijksmuseum" es un museo que se encuentra ubicado en Amsterdam, Holanda. Es conocido por hacer énfasis en el arte holandés de la edad media. Por tal razón,  destacan las obras de Johannes Vermeer y Rembrandt Harmenszoon van Rijn.

Lo que mas me sorprendió del museo es la forma en la que se conserva la estructura antigua. Es decir, la arquitectura en si es una obra de arte. En el exterior resaltan los ladrillos rojizos y el tejado verde. En el interior es impresionante ver como todavía son los grandes vitrales quienes iluminan el museo. Asimismo, las imágenes y los colores que se encuentran en cúpulas se han convertido en obras de arte implícitas.

No me esperaba que la propia historia y estructura del museo le otorgara un contexto tan importante a las obras que se encuentran allí. En resumen, aquel que visite el "Rijksmuseum" debe fijar su atención no solo en las obras en el interior sino también y en igual medida a la arquitectura que lo rodea.

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Rijksmuseum / Estructuras Llamativas del Museo

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Rijksmuseum / 25 de Agosto