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Música en la Edad Media (476 - 1450) | Historia de la Música

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  El canto gregoriano y el origen de la El canto gregoriano y el origen de la notación musicalLa notación musical occidental nació en torno al año 800 dC en el Imperio de Carlomagno. Con este hito se inicia una larga cadena de perfeccionamientos técnicos que conducirán poco a poco al sistema de notación musical que conocemos y utilizamos hoy en día, y que estaría prácticamente completado hacia el siglo XVII.La notación musical -originada en el ámbito eclesiástico- se utilizará en primer lugar para preservar el canto litúrgico de la Iglesia de Roma, un vasto repertorio musical formado a lo largo de varios siglos,

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  El canto gregoriano y el origen de la El canto gregoriano y el origen de la notación musicalLa notación musical occidental nació en torno al año 800 dC en el Imperio de Carlomagno. Con este hito se inicia una larga cadena de perfeccionamientos técnicos que conducirán poco a poco al sistema de notación musical que conocemos y utilizamos hoy en día, y que estaría prácticamente completado hacia el siglo XVII.La notación musical -originada en el ámbito eclesiástico- se utilizará en primer lugar para preservar el canto litúrgico de la Iglesia de Roma, un vasto repertorio musical formado a lo largo de varios siglos,

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La composición monódica medieval

La creación musical medieval se expresó principalmente a través de la monodia (composición a una sola voz). Pese a la existencia desde el siglo XI de técnicas de notación musical bastante precisas con respecto a las alturas (no así con respecto al ritmo), en muy pocas ocasiones estas creaciones fueron escritas en el momento mismo de su concepción, entre otras razones, porque los compositores de la época podían ser desconocedores de la notación musical.

Las fuentes escritas sugieren, más bien, que estas obras fueron creadas según mecanismos de tradición oral (memoria, transmisión) y que solo llegaron a ser puestas en notación cuando hubieron alcanzado una difusión y celebridad que justificara su recopilación en forma de cancionero

Las primeras polifonías

Como en tantos aspectos de la música (repertorio, teoría musical), el siglo IX produjo ya los primeros testimonios del canto polifónico de la música Occidental: La descripción del organum paralelo -descrito en el tratado teórico Musica enchiriadis– y el primer ejemplo de composición polifónica conservado, una antífona en honor de San Bonifacio (MS Harley 3019).

La eclosión de la composición polifónica se producirá, no obstante, coincidiendo con el denominado Renacimiento del siglo XII y el nacimiento y expansión de la Orden cisterciense, periodo de expansión cultural patrocinado por la rivalidad entre los diferentes centros políticos y

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– ‘Suavitas’ y humanismo en el siglo XVLas cronologías históricas sitúan en el siglo XV el fin de la Edad Media y el inicio del Renacimiento. Los hitos que celebran el declive de la mentalidad escolástica tardomedieval y su sustitución por un nuevo paradigma humanista y crítico suelen situarse en la invención de la imprenta de tipos móviles por Johannes Gutenberg (ca.1450), la caída de los restos del antiguo Imperio Bizantino (1453) o el descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1492).Desde el punto de vista de las artes plásticas y literarias, el Renacimiento suele considerarse un fenómeno italiano, gestado en las cortes de los mecenas del Quattrocento y exportado al resto de Europa a lo largo del siglo XVI. En este ámbito, el Renacimiento se entiende como el remplazo -al amparo del redescubrimiento de la cultura clásica grecolatina- del alegorismo teológico y el racionalismo numérico medievales por un nuevo paradigma apoyado en un concepto de belleza y un sentido del equilibrio basados en el hombre y sus sentidos.Música sacra y religión en el siglo XVIEl siglo XVI presencia la culminación del arte polifónico occidental, un arte que contaba ya con 500 años de tradición y que alcanzará aquí su estadio de mayor perfección y madurez: lo que las teorías estéticas denominarían “clasicismo”. La llamada Polifonía clásica tiene en la producción sacra su epicentro y en Roma su capital, y es el resultado de la fusión gradual de la depurada técnica flamenca con una serie de tendencias de signo humanista y democratizador.Se atribuye al compositor flamenco Josquin Desprez -considerado en su tiempo el “princeps musicorum” (“príncipe de los músicos”)- la renovación del estilo durante el tránsito del siglo XV al XVI. Josquin trabajó en las capillas italianas más importantes (incluida la papal) y fue sensible a la influencia de estilos de polifonía popular como los laudi spirituali y la frottola.Según el especialista Knud Jeppesen, Josquin debe ser considerado el primer compositor verdaderamente renacentista pues fue el primero en situar en un primer plano la relación entre texto y música, de tal modo que ambas encajaran perfectamente tanto desde el punto de vista prosódico como del semántico .– La música profana en el Renacimiento (s.XV-XVI)Durante el siglo XVI la polifonía profana conquistó nuevos ámbitos sociológicos que propiciaron la diversificación y consolidación de sus estilos. Sus vertientes más populares ejercieron una influencia decisiva en la configuración del estilo sacro, mientras que las más cultas alcanzaron progresivamente una posición de vanguardia con respecto a éste.La música instrumental muestra aún una notable dependencia de la vocal, en cuanto que se nutre continuamente de su repertorio y de sus procedimientos, pero durante este siglo alcanzará un notable desarrollo gracias a la figura del compositor-instrumentista y a la creciente difusión de la música impresa, apuntando tendencias que alcanzarán su desarrollo pleno en los siglos venideros.

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– ‘Suavitas’ y humanismo en el siglo XVLas cronologías históricas sitúan en el siglo XV el fin de la Edad Media y el inicio del Renacimiento. Los hitos que celebran el declive de la mentalidad escolástica tardomedieval y su sustitución por un nuevo paradigma humanista y crítico suelen situarse en la invención de la imprenta de tipos móviles por Johannes Gutenberg (ca.1450), la caída de los restos del antiguo Imperio Bizantino (1453) o el descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1492).Desde el punto de vista de las artes plásticas y literarias, el Renacimiento suele considerarse un fenómeno italiano, gestado en las cortes de los mecenas del Quattrocento y exportado al resto de Europa a lo largo del siglo XVI. En este ámbito, el Renacimiento se entiende como el remplazo -al amparo del redescubrimiento de la cultura clásica grecolatina- del alegorismo teológico y el racionalismo numérico medievales por un nuevo paradigma apoyado en un concepto de belleza y un sentido del equilibrio basados en el hombre y sus sentidos.Música sacra y religión en el siglo XVIEl siglo XVI presencia la culminación del arte polifónico occidental, un arte que contaba ya con 500 años de tradición y que alcanzará aquí su estadio de mayor perfección y madurez: lo que las teorías estéticas denominarían “clasicismo”. La llamada Polifonía clásica tiene en la producción sacra su epicentro y en Roma su capital, y es el resultado de la fusión gradual de la depurada técnica flamenca con una serie de tendencias de signo humanista y democratizador.Se atribuye al compositor flamenco Josquin Desprez -considerado en su tiempo el “princeps musicorum” (“príncipe de los músicos”)- la renovación del estilo durante el tránsito del siglo XV al XVI. Josquin trabajó en las capillas italianas más importantes (incluida la papal) y fue sensible a la influencia de estilos de polifonía popular como los laudi spirituali y la frottola.Según el especialista Knud Jeppesen, Josquin debe ser considerado el primer compositor verdaderamente renacentista pues fue el primero en situar en un primer plano la relación entre texto y música, de tal modo que ambas encajaran perfectamente tanto desde el punto de vista prosódico como del semántico .– La música profana en el Renacimiento (s.XV-XVI)Durante el siglo XVI la polifonía profana conquistó nuevos ámbitos sociológicos que propiciaron la diversificación y consolidación de sus estilos. Sus vertientes más populares ejercieron una influencia decisiva en la configuración del estilo sacro, mientras que las más cultas alcanzaron progresivamente una posición de vanguardia con respecto a éste.La música instrumental muestra aún una notable dependencia de la vocal, en cuanto que se nutre continuamente de su repertorio y de sus procedimientos, pero durante este siglo alcanzará un notable desarrollo gracias a la figura del compositor-instrumentista y a la creciente difusión de la música impresa, apuntando tendencias que alcanzarán su desarrollo pleno en los siglos venideros.

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Lo mejor del Barroco - Musica Barroco - Las Obras Mas Importantes y Famo

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El bajo continuo y el estilo moderno (s.XVII)En el nacimiento del Barroco musical confluyen dos factores: uno de tipo tecnológico (la generalización del bajo continuo) y otro de tipo social (el nacimiento del ópera como espectáculo).El bajo continuo es un sistema de cifrado armónico que permitirá simplificar la escritura instrumental y liberar a la voz principal de las servidumbres del contrapunto, reducido ahora a un simple acompañamiento.Por su parte, la consolidación de la ópera como principal espectáculo musical del Barroco no solo supondrá el relevo de la música sacra como “motor” de la música europea, sino que refleja además la emergencia de un incipiente mercado de ocio urbano que estará regido por las modas y el gusto popular y del que resultará un mayor dinamismo en la evolución de los estilos musicales.UNIDAD 9 – Ópera y política internacional en el siglo XVIIA lo largo del siglo XVII, la ópera veneciana iniciará un proceso de expansión por toda Europa. La amplia base social que adquirió la ópera en Italia la convirtió durante los siglos XVII y XVIII en el granero musical de Europa, en la fábrica de cantantes, instrumentistas, compositores y modas de la que se nutrieron los demás países, tanto en la ópera como en la música instrumental.Este siglo verá también el nacimiento de formas autóctonas de teatro musical -en Francia, Inglaterra o España-, adaptadas a los gustos de cada país. Fuera de Italia, tanto la ópera italiana como los nuevos géneros autóctonos cumplirán un destacado rol como medios de exteriorización del poder de las monarquías y de sus políticas, especialmente las diplomáticas.UNIDAD 10 – La música instrumental barroca (s.XVII)La invención del bajo continuo y el desarrollo de la ópera ejercerán una enorme influencia en el desarrollo de las formas instrumentales a lo largo de la era barroca. El bajo continuo permitirá a los instrumentos melódicos -como el violín- desarrollar un repertorio solista específico, basado en la monodia acompañada y liberado de las ataduras del paradigma polifónico, basado en la glosa de obras polifónicas.La sonata cumplirá un papel troncal en un ámbito liderado por los violinistas italianos, que extenderán el nuevo género por Europa con ayuda -desde finales del siglo XVII- de un cada vez más pujante mercado editorial.La dependencia de la música instrumental con respecto a la ópera no se limitará a los aspectos técnicos, pues toda una estética “de los afectos” la ligará a la corriente retórica encarnada por el teatro musical. Así, la música deberá ser capaz de recrear cada una de las pasiones (afecciones) del alma: el amor, la ira, la piedad, etc. – La era de los castrati y del concierto solistaEl tránsito al siglo XVIII coincide con el desarrollo de un nuevo estilo de ópera -la ópera napolitana- orientada al espectáculo y basada en el imperio de las voces de las prime donne y los castrati. El empuje de este nuevo género lo convertirá pronto, bajo la denominación de ópera seria, en la marca operística que dominará Europa prácticamente hasta la Revolución Francesa.Estos cambios estilísticos pueden observarse también en los géneros orquestales y solistas, que trasladarán al medio instrumental un empuje y un sentido del espectáculo similares a los de la ópera seria.La tendencia al virtuosismo y el espectáculo en la ópera es el reflejo de un delicado encaje entre los modelos culturales de la burguesía y la nobleza, el primero basado en el éxito comercial y el segundo basado en el patrocinio privado y la exaltación de los valores aristocráticos. La creciente pujanza de la burguesía, y la aceptación por parte de las monarquías de las ideas ilustradas promoverán un intenso debate ideológico en torno a la ópera. La evolución del estilo antiguo durante el Barroco (s.XVII-XVIII)La antigua ciencia de los polifonistas renacentistas no desapareció durante la era Barroca, sino que fue replegándose de forma progresiva en el ámbito eclesiástico. A pesar de ello, la música sacra no permaneció aislada de las modas musicales de su tiempo, y si por un lado mantuvo como seña de identidad la escritura en voces independientes (contrapunto) y la utilización de los procedimientos imitativos (canónicos), por otro fue incorporando procedimientos como el bajo continuo o el estilo concertante y asimilando el lenguaje armónico y melódico de su tiempo.En esta unidad repasaremos dos de los reductos más importantes del estilo antiguo, la música sacra y la música para tecla, dedicando un puesto especial a la fuga -el género que representará en el Barroco la quintaesencia del estilo antiguo- y al último gran representante del estilo antiguo, Johann Sebastian Bach.

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El bajo continuo y el estilo moderno (s.XVII)En el nacimiento del Barroco musical confluyen dos factores: uno de tipo tecnológico (la generalización del bajo continuo) y otro de tipo social (el nacimiento del ópera como espectáculo).El bajo continuo es un sistema de cifrado armónico que permitirá simplificar la escritura instrumental y liberar a la voz principal de las servidumbres del contrapunto, reducido ahora a un simple acompañamiento.Por su parte, la consolidación de la ópera como principal espectáculo musical del Barroco no solo supondrá el relevo de la música sacra como “motor” de la música europea, sino que refleja además la emergencia de un incipiente mercado de ocio urbano que estará regido por las modas y el gusto popular y del que resultará un mayor dinamismo en la evolución de los estilos musicales.UNIDAD 9 – Ópera y política internacional en el siglo XVIIA lo largo del siglo XVII, la ópera veneciana iniciará un proceso de expansión por toda Europa. La amplia base social que adquirió la ópera en Italia la convirtió durante los siglos XVII y XVIII en el granero musical de Europa, en la fábrica de cantantes, instrumentistas, compositores y modas de la que se nutrieron los demás países, tanto en la ópera como en la música instrumental.Este siglo verá también el nacimiento de formas autóctonas de teatro musical -en Francia, Inglaterra o España-, adaptadas a los gustos de cada país. Fuera de Italia, tanto la ópera italiana como los nuevos géneros autóctonos cumplirán un destacado rol como medios de exteriorización del poder de las monarquías y de sus políticas, especialmente las diplomáticas.UNIDAD 10 – La música instrumental barroca (s.XVII)La invención del bajo continuo y el desarrollo de la ópera ejercerán una enorme influencia en el desarrollo de las formas instrumentales a lo largo de la era barroca. El bajo continuo permitirá a los instrumentos melódicos -como el violín- desarrollar un repertorio solista específico, basado en la monodia acompañada y liberado de las ataduras del paradigma polifónico, basado en la glosa de obras polifónicas.La sonata cumplirá un papel troncal en un ámbito liderado por los violinistas italianos, que extenderán el nuevo género por Europa con ayuda -desde finales del siglo XVII- de un cada vez más pujante mercado editorial.La dependencia de la música instrumental con respecto a la ópera no se limitará a los aspectos técnicos, pues toda una estética “de los afectos” la ligará a la corriente retórica encarnada por el teatro musical. Así, la música deberá ser capaz de recrear cada una de las pasiones (afecciones) del alma: el amor, la ira, la piedad, etc. – La era de los castrati y del concierto solistaEl tránsito al siglo XVIII coincide con el desarrollo de un nuevo estilo de ópera -la ópera napolitana- orientada al espectáculo y basada en el imperio de las voces de las prime donne y los castrati. El empuje de este nuevo género lo convertirá pronto, bajo la denominación de ópera seria, en la marca operística que dominará Europa prácticamente hasta la Revolución Francesa.Estos cambios estilísticos pueden observarse también en los géneros orquestales y solistas, que trasladarán al medio instrumental un empuje y un sentido del espectáculo similares a los de la ópera seria.La tendencia al virtuosismo y el espectáculo en la ópera es el reflejo de un delicado encaje entre los modelos culturales de la burguesía y la nobleza, el primero basado en el éxito comercial y el segundo basado en el patrocinio privado y la exaltación de los valores aristocráticos. La creciente pujanza de la burguesía, y la aceptación por parte de las monarquías de las ideas ilustradas promoverán un intenso debate ideológico en torno a la ópera. La evolución del estilo antiguo durante el Barroco (s.XVII-XVIII)La antigua ciencia de los polifonistas renacentistas no desapareció durante la era Barroca, sino que fue replegándose de forma progresiva en el ámbito eclesiástico. A pesar de ello, la música sacra no permaneció aislada de las modas musicales de su tiempo, y si por un lado mantuvo como seña de identidad la escritura en voces independientes (contrapunto) y la utilización de los procedimientos imitativos (canónicos), por otro fue incorporando procedimientos como el bajo continuo o el estilo concertante y asimilando el lenguaje armónico y melódico de su tiempo.En esta unidad repasaremos dos de los reductos más importantes del estilo antiguo, la música sacra y la música para tecla, dedicando un puesto especial a la fuga -el género que representará en el Barroco la quintaesencia del estilo antiguo- y al último gran representante del estilo antiguo, Johann Sebastian Bach.

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 El Clasicismo y la emergencia de la burguesíaEl siglo XVIII fue un siglo de soterradas transformaciones sociales. Bajo el controlado inmovilismo impuesto por los regímenes absolutistas europeos -basados en un desigual reparto de obligaciones y privilegios entre la nobleza, el clero y el tercer estado– la sociedad experimentó el irresistible ascenso de unas clases medias urbanas portadoras de nuevos valores e ideas basados en la razón, el mérito y la justicia.La burguesía no fue solo el principal motor del movimiento ilustrado, los avances científicos o la secularización de la sociedad durante el siglo de las luces, sino que desarrolló nuevos códigos culturales que ejercieron una decisiva influencia en la evolución de los estilos musicales y que la historiografía musical ha englobado dentro del concepto Clasicismo. En esta unidad repasaremos la consolidación del estilo Clásico en relación con tres ámbitos socio-musicales: La música de cámara, las sociedades filarmónicas, y la ópera popular.                                        – Formas y géneros musicales del ClasicismoEl desarrollo del mercado editorial musical vinculado a la música de cámara, unido éxito del concierto público como medio de difusión de la música orquestal tuvieron como resultado la formación de una serie de estilos que los contemporáneos denominaron “galante” o “sentimental” (Empfindsamer stil) pero que sería rebautizado en el siglo XIX como “Clasicismo”.Este estilo reflejaba el gusto y la pujanza de las clases medias urbanas -burguesía- frente a los de las clases dominantes, encarnados por la ópera seria (aristocracia) y la música sacra (Iglesia), respectivamente. y era portador de nuevos valores: 1) Internacionalismo -el estilo clásico se convertirá en una especie de lingua franca musical de ámbito europeo-, 2) sentimiento -el estilo clásico canaliza una nueva forma de expresión más intimista y libre, apoyada básicamente en el gusto y el sentimiento- y 3)la inteligibilidad -el estilo clásico reaccionará a las complejidades de la fuga, el contrapunto y el bajo continuo en favor de un discurso transparente e inteligible, pero a la vez portador de sentimiento y drama-.                                   – La ópera clásica, reforma y géneros popularesPese a la creciente pujanza de la música sinfónica y de cámara a lo largo del siglo XVIII, la ópera continuó siendo el acontecimiento musical más complejo, con mayor proyección pública y mayor prestigio social; aquél que contaba con la maquinaria internacional más engrasada (compositores, cantantes, instrumentistas, etc.), que dictó las modas de forma más visible y que fue capaz de desatar los debates más apasionados.El desarrollo de las clases medias urbanas permitieron la segmentación del mercado operístico en al menos tres ámbitos socialmente diferenciados: La ópera seria, dirigida a las clases dominantes (aristocracia, alta burguesía) y destinada a teatros con patrocinio estatal; la ópera bufa, dirigida a las clases urbanas cultivadas de toda Europa y destinada a teatros privados, aunque en ocasiones pudiera beneficiarse de patrocinio estatal; la ópera popular en lengua vernácula, como la ópera cómica en Francia, el Singspiel en los países germánicos o la tonadilla en España, etc.                       

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 El Clasicismo y la emergencia de la burguesíaEl siglo XVIII fue un siglo de soterradas transformaciones sociales. Bajo el controlado inmovilismo impuesto por los regímenes absolutistas europeos -basados en un desigual reparto de obligaciones y privilegios entre la nobleza, el clero y el tercer estado– la sociedad experimentó el irresistible ascenso de unas clases medias urbanas portadoras de nuevos valores e ideas basados en la razón, el mérito y la justicia.La burguesía no fue solo el principal motor del movimiento ilustrado, los avances científicos o la secularización de la sociedad durante el siglo de las luces, sino que desarrolló nuevos códigos culturales que ejercieron una decisiva influencia en la evolución de los estilos musicales y que la historiografía musical ha englobado dentro del concepto Clasicismo. En esta unidad repasaremos la consolidación del estilo Clásico en relación con tres ámbitos socio-musicales: La música de cámara, las sociedades filarmónicas, y la ópera popular.                                        – Formas y géneros musicales del ClasicismoEl desarrollo del mercado editorial musical vinculado a la música de cámara, unido éxito del concierto público como medio de difusión de la música orquestal tuvieron como resultado la formación de una serie de estilos que los contemporáneos denominaron “galante” o “sentimental” (Empfindsamer stil) pero que sería rebautizado en el siglo XIX como “Clasicismo”.Este estilo reflejaba el gusto y la pujanza de las clases medias urbanas -burguesía- frente a los de las clases dominantes, encarnados por la ópera seria (aristocracia) y la música sacra (Iglesia), respectivamente. y era portador de nuevos valores: 1) Internacionalismo -el estilo clásico se convertirá en una especie de lingua franca musical de ámbito europeo-, 2) sentimiento -el estilo clásico canaliza una nueva forma de expresión más intimista y libre, apoyada básicamente en el gusto y el sentimiento- y 3)la inteligibilidad -el estilo clásico reaccionará a las complejidades de la fuga, el contrapunto y el bajo continuo en favor de un discurso transparente e inteligible, pero a la vez portador de sentimiento y drama-.                                   – La ópera clásica, reforma y géneros popularesPese a la creciente pujanza de la música sinfónica y de cámara a lo largo del siglo XVIII, la ópera continuó siendo el acontecimiento musical más complejo, con mayor proyección pública y mayor prestigio social; aquél que contaba con la maquinaria internacional más engrasada (compositores, cantantes, instrumentistas, etc.), que dictó las modas de forma más visible y que fue capaz de desatar los debates más apasionados.El desarrollo de las clases medias urbanas permitieron la segmentación del mercado operístico en al menos tres ámbitos socialmente diferenciados: La ópera seria, dirigida a las clases dominantes (aristocracia, alta burguesía) y destinada a teatros con patrocinio estatal; la ópera bufa, dirigida a las clases urbanas cultivadas de toda Europa y destinada a teatros privados, aunque en ocasiones pudiera beneficiarse de patrocinio estatal; la ópera popular en lengua vernácula, como la ópera cómica en Francia, el Singspiel en los países germánicos o la tonadilla en España, etc.                       

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"Romanticismo" Se usa para referirse a la música de arte compuesta durante el siglo XIX. La variedad de los contextos en los que aparece, usado indiferentemente como categoría estética, historiográfica e incluso sociológica, hace difícil su definición. Por eso, el primer objetivo de este tema será justamente diferenciar esos usos, fundamentalmente en dos perspectivas: el de la estética, entendiendo el romanticismo como un movimiento de especulación filosófica y el de la relación entre cultura y composición musical, destacando algunos de los temas románticos que tuvieron mayor fortuna a lo largo del siglo XIX.A partir de la Escuela de Jena, considerado el núcleo generador del romanticismo, las ideas románticas se extendieron por toda Europa, integrándose en las realidades culturales concretas de cada país, así como en los debates artísticos. La difusión de las ideas románticas tuvo como consecuencia un cambio fundamental de paradigma que transformó el estatus de la música, así como el de los músicos, con relación a épocas anteriores. Música de cámara en el romanticismoGrün - Música de cámara en el romanticismo Principalmente la música instrumental pasó a ser pensada como arte autónomo capaz de expresar lo inefable y el compositor comenzó a ser visto como el genio intermediario entre la audiencia y el mundo espiritual al que daba acceso cada obra musical. La emancipación de la música con respecto al paradigma verbal de la retórica, fue posible gracias a la adopción de un nuevo paradigma, que podemos calificar de organicista, cuya característica estética principal es la valoración de los principios de unidad y coherencia en la obra musical.Además, el romanticismo, a partir de la Escuela de Jena, privilegió ciertos temas de estudio que se transformaron en tópicos culturales adoptados por los artistas del siglo XIX, escritores, pintores y músicos. Entre todos ellos, destacan, por su popularidad, la historia, el folclorismo, el exotismo y el pintoresquismo, temas en algunos casos relacionados entre sí que proporcionaron el asunto central para sus obras a numerosos compositores. Aunque podemos encontrar las raíces de todos ellos en el siglo XVIII, fue con el romanticismo que adquirieron una poderosa carga simbólica como visiones idealizadas de los ‘otros’. CompositoresAlgunos de los compositores del romanticismo más importantes fueron:ChopinLisztSchubertSchumannMendelssohnBerliozWagnerPaganiniVerdiBrukner ObrasAlgunas de las obras más famosas del romanticismo son:Nocturnos de ChopinEstudios de ChopinSinfonías de BrucknerNovena sinfonía de SchubertSinfonía fantástica de BerliozLa campanella de LisztConcierto en La menor de SchumannEl anillo del Nibelungo de Wagner

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"Romanticismo" Se usa para referirse a la música de arte compuesta durante el siglo XIX. La variedad de los contextos en los que aparece, usado indiferentemente como categoría estética, historiográfica e incluso sociológica, hace difícil su definición. Por eso, el primer objetivo de este tema será justamente diferenciar esos usos, fundamentalmente en dos perspectivas: el de la estética, entendiendo el romanticismo como un movimiento de especulación filosófica y el de la relación entre cultura y composición musical, destacando algunos de los temas románticos que tuvieron mayor fortuna a lo largo del siglo XIX.A partir de la Escuela de Jena, considerado el núcleo generador del romanticismo, las ideas románticas se extendieron por toda Europa, integrándose en las realidades culturales concretas de cada país, así como en los debates artísticos. La difusión de las ideas románticas tuvo como consecuencia un cambio fundamental de paradigma que transformó el estatus de la música, así como el de los músicos, con relación a épocas anteriores. Música de cámara en el romanticismoGrün - Música de cámara en el romanticismo Principalmente la música instrumental pasó a ser pensada como arte autónomo capaz de expresar lo inefable y el compositor comenzó a ser visto como el genio intermediario entre la audiencia y el mundo espiritual al que daba acceso cada obra musical. La emancipación de la música con respecto al paradigma verbal de la retórica, fue posible gracias a la adopción de un nuevo paradigma, que podemos calificar de organicista, cuya característica estética principal es la valoración de los principios de unidad y coherencia en la obra musical.Además, el romanticismo, a partir de la Escuela de Jena, privilegió ciertos temas de estudio que se transformaron en tópicos culturales adoptados por los artistas del siglo XIX, escritores, pintores y músicos. Entre todos ellos, destacan, por su popularidad, la historia, el folclorismo, el exotismo y el pintoresquismo, temas en algunos casos relacionados entre sí que proporcionaron el asunto central para sus obras a numerosos compositores. Aunque podemos encontrar las raíces de todos ellos en el siglo XVIII, fue con el romanticismo que adquirieron una poderosa carga simbólica como visiones idealizadas de los ‘otros’. CompositoresAlgunos de los compositores del romanticismo más importantes fueron:ChopinLisztSchubertSchumannMendelssohnBerliozWagnerPaganiniVerdiBrukner ObrasAlgunas de las obras más famosas del romanticismo son:Nocturnos de ChopinEstudios de ChopinSinfonías de BrucknerNovena sinfonía de SchubertSinfonía fantástica de BerliozLa campanella de LisztConcierto en La menor de SchumannEl anillo del Nibelungo de Wagner

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Trailer extenso donde puede verse una parte de "Contemporánea", largometraje documental realizado para el Real Audiotorio Nacional de España junto a Guillermo Chapa y Luis Arenas.

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La música culta surge en Europa como expresión artística y cultural. Sus inicios escritos se remontan a la época medieval, pero toma reminiscencias de la música de otras culturas como Egipto, Mesopotamia, y sobre todo la antigua Grecia ―ya que los romanos dieron poca importancia a la música― desde la que fue evolucionando a través de numerosas y heterogéneas épocas, hasta la época contemporánea.Se diferencia de la música popular por su sensibilidad y su valor estético, además del goce espiritual y emocional que causa al espectador al escucharla.La música culta o música académica es una denominación general para aquellas tradiciones musicales que implican consideraciones estructurales y teóricas avanzadas, así como una tradición musical escrita. Se distingue así pues de otras grandes tradiciones musicales como son la música popular y la música tradicional. Es frecuente la utilización de música culta como sinónimo de música clásica, aunque algunos autores las diferencian al incluir en música culta expresiones como la música académica contemporánea, la música clásica china y japonesa, y algunas formas de jazz y de música experimental, que no suelen encuadrarse dentro de lo que se entiende como música clásica.Además de las ya mencionadas, existen otras varias denominaciones para la música culta: música seria, música erudita, música docta, música artística y música formal.Esta clasificación de la música nos permite conocer que para su composición se requiere tener conocimientos académicos serios y profundos, es decir, no cualquier persona puede crear este tipo de música porque se requiere haber estudiado en un Conservatorio de Música o en una Facultad de Música de alguna Universidad la carrera de composición.Para su interpretación se requiere del dominio de algún instrumento musical o de la voz, ya que los cantantes de esta música son como deportistas  de alto rendimiento como, lo mencionó el Maestro Francisco Araiza en la clase magistral que recientemente impartió en el  Festival  Ars Vocalis de Zamora.A este tipo de música pertenecen algunos géneros como la música de cámara (tríos, cuartetos, quintetos etc.),  sinfónica, música escénica (ópera, opereta, zarzuela, ballet, musical),  coral, música sacra polifónica (cantatas, misas, motetes, réquiem), la música de piano o de algún otro instrumento (sonatas, suites, fugas).La música de jazz es un género  que también tiene tintes de  música culta, esto, si consideramos que para su creación los ejecutantes deben tener un gran dominio de su instrumento, además de la armonía y de la composición, porque, como sabemos, la improvisación es un ingrediente muy importante en este tipo  de música y no todos los músicos pueden acceder a tocarla.Por lo regular el público que asiste a los conciertos son personas instruidas, pero, es muy común que también asistan personas aficionadas que no conocen de los “rituales del concierto” y por lo tanto suelen protagonizar grandes conflictos. Es decir, el público conocedor quiere disfrutar plenamente del concierto, quiere  escuchar y entender las ideas que plasmó el compositor en la música y no sólo oír la música como lo hace el público aficionado.Algunos aspectos que se deben tomar en cuenta cuando se asiste a un concierto   por primera vez  o se considera  un público aficionado son los siguientes: a) Las obras musicales largas como las sinfonías, las sonatas o los conciertos se dividen en partes o movimientos, por lo tanto no se debe aplaudir entre cada movimiento, b) Se debe evitar llevar relojes con alarmas, c) Se debe apagar el celular al entrar a la sala de conciertos, d) Desactivar sonidos de las cámaras fotográficas y evitar tomar fotos en pleno concierto, e) No abrir dulces  con envolturas que hacen mucho ruido, f) No se debe intentar cantar junto con el tenor o la soprano que están actuando, g) No hacer ruido con el programa de mano. h) Se debe asistir vestido formalmente.“La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido”.  Leonard Bernstein (1918-1990) Compositor estadounidense.Los 10 compositores más representantes:· 10- Béla Bartók (1881-1945)“Enseñó otro camino, una amalgama de tonalidad, escalas poco ortodoxas y maravillas atonales”.· 9- Richard Wagner (1813-1883)“El ciclo del Anillo se ha convertido en una carta de entrada para cualquier compañía de ópera que desee ser respetada. Los últimos 20 minutos de Die Walküre pudiesen ser la música más tristemente hermosa jamás compuesta”.· 8- Giussepe Verdi (1813-1901)“El hecho de que una nueva producción de una ópera de Verdi pueda provocar tan sentidas pasiones entre audiencias alrededor del mundo es un testimonio de su perenne riqueza”.· 7- Johannes Brahms (1833-1897)“Por momentos se debatió entre su intento por ampliar la herencia Clásica con acercamientos progresivos hacia nuevos terrenos. Y en lo que mejor hacía (sinfonías y conciertos, trabajos para cámara y solos para piano) tienen la emocionante grandeza y 6- Igor Stravinski (1882-1971)“El día que Stravinski murió fue como si el propio suelo de la música se desplomase”.· 5- Claude Debussy (1862-1918)“Con un pionero lenguaje armónico, la sensual belleza de su sonido y su extravagante instinto freudiano, fue el puente a través del cual la música continuó su camino hacia el siglo XX”.· 4- Franz Peter Schubert (1797-1828)“Tienes que amar a un tipo que murió a los 31 años enfermo, en la miseria y marginado por todos excepto por un reducido grupo de amigos que le admiraban. Por sus cientos de solitarias composiciones, Schubert es una figura central en la vida de los conciertos”.· 3- Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)“Poseedor de una facilidad técnica implacable, Mozart, uno de los dos más populares compositores, acuñó un exquisito trabajo orquestal y, por si eso no bastase, tuvo una segunda innovadora carrera en la composición de óperas”.· 2- Ludwig van Beethoven (1770-1827)“A pesar de no tener la técnica de Mozart [...] sus trabajos eran tan audaces e indestructibles que pueden sobrevivir una mala interpretación”.· 1- Johann Sebastian Bach (1685-1750)El lugar de honor va para Bach por su “incomparable combinación de manejar magistralmente la ingeniería musical y una profunda expresividad”.

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La música culta surge en Europa como expresión artística y cultural. Sus inicios escritos se remontan a la época medieval, pero toma reminiscencias de la música de otras culturas como Egipto, Mesopotamia, y sobre todo la antigua Grecia ―ya que los romanos dieron poca importancia a la música― desde la que fue evolucionando a través de numerosas y heterogéneas épocas, hasta la época contemporánea.Se diferencia de la música popular por su sensibilidad y su valor estético, además del goce espiritual y emocional que causa al espectador al escucharla.La música culta o música académica es una denominación general para aquellas tradiciones musicales que implican consideraciones estructurales y teóricas avanzadas, así como una tradición musical escrita. Se distingue así pues de otras grandes tradiciones musicales como son la música popular y la música tradicional. Es frecuente la utilización de música culta como sinónimo de música clásica, aunque algunos autores las diferencian al incluir en música culta expresiones como la música académica contemporánea, la música clásica china y japonesa, y algunas formas de jazz y de música experimental, que no suelen encuadrarse dentro de lo que se entiende como música clásica.Además de las ya mencionadas, existen otras varias denominaciones para la música culta: música seria, música erudita, música docta, música artística y música formal.Esta clasificación de la música nos permite conocer que para su composición se requiere tener conocimientos académicos serios y profundos, es decir, no cualquier persona puede crear este tipo de música porque se requiere haber estudiado en un Conservatorio de Música o en una Facultad de Música de alguna Universidad la carrera de composición.Para su interpretación se requiere del dominio de algún instrumento musical o de la voz, ya que los cantantes de esta música son como deportistas  de alto rendimiento como, lo mencionó el Maestro Francisco Araiza en la clase magistral que recientemente impartió en el  Festival  Ars Vocalis de Zamora.A este tipo de música pertenecen algunos géneros como la música de cámara (tríos, cuartetos, quintetos etc.),  sinfónica, música escénica (ópera, opereta, zarzuela, ballet, musical),  coral, música sacra polifónica (cantatas, misas, motetes, réquiem), la música de piano o de algún otro instrumento (sonatas, suites, fugas).La música de jazz es un género  que también tiene tintes de  música culta, esto, si consideramos que para su creación los ejecutantes deben tener un gran dominio de su instrumento, además de la armonía y de la composición, porque, como sabemos, la improvisación es un ingrediente muy importante en este tipo  de música y no todos los músicos pueden acceder a tocarla.Por lo regular el público que asiste a los conciertos son personas instruidas, pero, es muy común que también asistan personas aficionadas que no conocen de los “rituales del concierto” y por lo tanto suelen protagonizar grandes conflictos. Es decir, el público conocedor quiere disfrutar plenamente del concierto, quiere  escuchar y entender las ideas que plasmó el compositor en la música y no sólo oír la música como lo hace el público aficionado.Algunos aspectos que se deben tomar en cuenta cuando se asiste a un concierto   por primera vez  o se considera  un público aficionado son los siguientes: a) Las obras musicales largas como las sinfonías, las sonatas o los conciertos se dividen en partes o movimientos, por lo tanto no se debe aplaudir entre cada movimiento, b) Se debe evitar llevar relojes con alarmas, c) Se debe apagar el celular al entrar a la sala de conciertos, d) Desactivar sonidos de las cámaras fotográficas y evitar tomar fotos en pleno concierto, e) No abrir dulces  con envolturas que hacen mucho ruido, f) No se debe intentar cantar junto con el tenor o la soprano que están actuando, g) No hacer ruido con el programa de mano. h) Se debe asistir vestido formalmente.“La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido”.  Leonard Bernstein (1918-1990) Compositor estadounidense.Los 10 compositores más representantes:· 10- Béla Bartók (1881-1945)“Enseñó otro camino, una amalgama de tonalidad, escalas poco ortodoxas y maravillas atonales”.· 9- Richard Wagner (1813-1883)“El ciclo del Anillo se ha convertido en una carta de entrada para cualquier compañía de ópera que desee ser respetada. Los últimos 20 minutos de Die Walküre pudiesen ser la música más tristemente hermosa jamás compuesta”.· 8- Giussepe Verdi (1813-1901)“El hecho de que una nueva producción de una ópera de Verdi pueda provocar tan sentidas pasiones entre audiencias alrededor del mundo es un testimonio de su perenne riqueza”.· 7- Johannes Brahms (1833-1897)“Por momentos se debatió entre su intento por ampliar la herencia Clásica con acercamientos progresivos hacia nuevos terrenos. Y en lo que mejor hacía (sinfonías y conciertos, trabajos para cámara y solos para piano) tienen la emocionante grandeza y 6- Igor Stravinski (1882-1971)“El día que Stravinski murió fue como si el propio suelo de la música se desplomase”.· 5- Claude Debussy (1862-1918)“Con un pionero lenguaje armónico, la sensual belleza de su sonido y su extravagante instinto freudiano, fue el puente a través del cual la música continuó su camino hacia el siglo XX”.· 4- Franz Peter Schubert (1797-1828)“Tienes que amar a un tipo que murió a los 31 años enfermo, en la miseria y marginado por todos excepto por un reducido grupo de amigos que le admiraban. Por sus cientos de solitarias composiciones, Schubert es una figura central en la vida de los conciertos”.· 3- Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)“Poseedor de una facilidad técnica implacable, Mozart, uno de los dos más populares compositores, acuñó un exquisito trabajo orquestal y, por si eso no bastase, tuvo una segunda innovadora carrera en la composición de óperas”.· 2- Ludwig van Beethoven (1770-1827)“A pesar de no tener la técnica de Mozart [...] sus trabajos eran tan audaces e indestructibles que pueden sobrevivir una mala interpretación”.· 1- Johann Sebastian Bach (1685-1750)El lugar de honor va para Bach por su “incomparable combinación de manejar magistralmente la ingeniería musical y una profunda expresividad”.

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Chris Brown - Question - dance choreography in pop-jazz by Polina Ivanyuk - Dance2sense

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La música ligera, movimientos y estilos: Jazz, Rock, Pop.

Música Popular Urbana, también llamada Ligera

Se llama “popular” por el carácter general que se le supone, dirigido a toda la población, frente a la música clásica que se piensa que es elitista, sólo para conocedores y especialistas. Se le añade el calificativo de “urbana” para diferenciarla de las expresiones musicales de transmisión oral, que tiene un carácter más rural.

Se usa “ligera” porque se supone que es poco importante, de entretenimiento, como oposición al carácter de “seriedad” de la “música clásica”. Ambas palabras se basan en razones falsas, malas interpretaciones, intereses comerciales, e incluso demagógicos.

Mucha música que hoy se considera “clásica” fue popular y ligera en sus tiempos. Mucha de la música actual que se vende como popular es realmente muy compleja, sólo para conocedores y aficionados.

Como actualmente no existen otros términos mejores, y éstos están muy extendidos, no hay más remedio que tolerarlos y usarlos. Otro problema es la polisemia del término “popular”. Se emplea aquí con un significado distinto del de la “popularidad” (del pueblo), pasando a significar que es algo construido para el uso y consumo generalizado. Para diferenciar estos dos ámbitos, a la cultura popular de tradición oral se le prefiere denominar “folclórica”, guardando el término “popular” para las expresiones culturales urbanas de la modernidad.

La esencia de la música popular es que debe ser accesible directamente a una gran masa de población. Esto supone:

Sencillez técnica, especialmente en la música popular de la segunda mitad del siglo XX, debido al poco o ningún conocimiento de teoría o técnica musical de la población, e incluso de los mismos intérpretes.

Claridad musical, sin muchos problemas en la audición, para que pueda ser rápida y fácilmente “digerida”.

Sencilla y atractiva, sometida a modas, y con un fuerte elemento “folclórico”.

Temas atrayentes para el pueblo: ya sean distraídos e intrascendentes sólo para entretener y evadirse; o también comprometidos, que reflejen la vida real y sus problemas, como denuncia de las injusticias sociales.

Jazz

El jazz nació a comienzos del siglo XX entre la población negra del sur de Estados Unidos y fue el producto de la mezcla de dos culturas musicales diferentes, la europea y la africana.

Aspectos históricos, sociales y culturales

La música europea llegó a América con los colonos blancos de Europa, mientras que la música africana entró en el continente gracias a los esclavos negros, obligados a abandonar las costas occidentales de África para asentarse en las Antillas y el sur de los Estados Unidos.

En 1865, al terminar la guerra de Secesión entre los Estados del norte y los del sur de los Estados Unidos, cuatro millones de esclavos negros fueron declarados legalmente libres, aunque en la práctica se impuso la discriminación racial, especialmente dura en los Estados del sur. Estas difíciles circunstancias sociales están en el origen del jazz y han marcado su desarrollo a lo largo del siglo XX. La ciudad de Nueva Orleans, capital del Estado de Louisiana, se considera la cuna del jazz. La aparición del jazz supone la entrada en la historia de la música occidental de una nación cuya preponderancia había quedado demostrada en la Primera Guerra Mundial: los Estados Unidos de América.

Características del jazz

El jazz ha marcado más que ninguna otra tendencia el desarrollo de la música del siglo XX. Sus características más peculiares son:

El jazz se basa en la improvisación y no en la interpretación fiel de una obra escrita, como sucede en la tradición clásica europea. El músico de jazz crea en el momento en que actúa, la improvisación es la base de su arte, de modo que dos interpretaciones distintas de un mismo tema son dos obras diferentes.

Entre sus características técnicas destaca el ritmo. El jazz es una música sincopada que produce una estimulante sensación rítmica, llamada swing.

Corrientes musicales

1870-1920. Los años de formación: blues, ragtime y bandas callejeras. A finales del siglo XIX nació la música folclórica, que está en el origen del jazz. Algunos ejemplos más representativos de esta música son el blues y los espirituales, así como el ragtime, un estilo de música para piano de ritmo sincopado y escrito en partitura. El ragtime era habitual en los locales de Storyville, un barrio de diversión de Nueva Orleans. El jazz temprano surgió de las bandas callejeras de músicos negros de Nueva Orleans, que mezclaron blues y ragtime. En este primer estilo, un grupo de seis a ocho músicos con instrumentos de viento y percusión tocaban en desfiles, picnics y marchas de funerales, improvisando todos a la vez.

1900-1930. Dixieland. Cuando en 1907 las autoridades cerraron el barrio de Storyville, los músicos de Nueva Orleans, en busca de trabajo y mejores condiciones sociales, emigraron al norte, estableciéndose principalmente en las ricas ciudades industriales de Chicago y Nueva York, con lo que se inició la primera expansión del jazz. Louis Armstrong fue la principal figura de esta época del jazz, conocida como dixieland o estilo Chicago. Durante esta época, el jazz dejó de ser una música basada en la improvisación colectiva de variaciones y adornos de una melodía para pasar a la improvisación individual de líneas melódicas originales de gran fuerza expresiva, basadas únicamente en la armonía de una canción.

1930-1940. Jazz clásico. La era del swing. Durante los años 30, el jazz alcanzó un elevado nivel profesional con solistas de renombre internacional, que improvisaban siguiendo el esquema armónico de canciones populares de la época, llamadas standards en el lenguaje del jazz. Este período es también conocido como la época del swing y de las big bands, orquestas profesionales que aceptaron muchos conceptos musicales blancos, tales como leer música arreglada de antemano, oponer conjuntos escritos muy elaborados a solos individuales improvisados, y buscar un sonido homogéneo bajo la batuta de un director estrella. En esta época destacaron Duke Ellington y Benny Goodman, y entre los intérpretes, las cantantes Billie Holiday y Ella Fitzgerald.

El jazz tras la Segunda Guerra Mundial

Algunas formas del jazz, como el swing y las big bands, lo habían apartado de sus orígenes. Después de 1945 se crean nuevos estilos que pretenden volver a la espontaneidad inicial y al contenido de protesta racial.

Aspectos históricos, sociales y culturales

Los soldados negros, que habían luchado en el frente con el mismo uniforme que los blancos durante la Segunda Guerra Mundial, se encontraron a su regreso con un panorama de discriminación racial muy parecido al del período anterior a la guerra. En las big bands, integradas por músicos blancos y negros, se daban a veces casos de segregación; generalmente, los músicos negros no podían comer en los mismos restaurantes ni dormir en los mismos hoteles que sus compañeros blancos, y muchas veces contaban con sueldos inferiores. Este desequilibrio dio a la población negra una nueva conciencia de su situación.

Un caso particular de esa nueva conciencia se dio entre los músicos de jazz, que ya en las décadas anteriores habían visto cómo la fama y los beneficios generados por su música acababan favoreciendo a las grandes figuras blancas.

Aspectos musicales

Los aspectos sociales reseñados anteriormente, junto a la necesidad musical de un cambio de rumbo sentida por algunos músicos, dio origen a un nuevo estilo que se denominó be-bop. El be-bop estaba ligado a movimientos artísticos e intelectuales y tenía una gran carga de protesta racial y social. Musicalmente, supuso una ruptura profunda con el sonido del jazz anterior.

La irrupción del pop rock en los años 60, con el consiguiente cambio en los gustos juveniles y la propia evolución interna del jazz, hizo que este perdiese su carácter de música popular, para pasar a convertirse en música para una minoría cultivada. Durante esta época se llegó a considerar el jazz como la «música clásica negra».

Corrientes musicales

1940-1950. Be-bop. Jazz para pequeños grupos de músicos, procedentes de las big bands.

El be-bop, propio de los años 40, fue inventado por un grupo de jazzistas de gran talento inspirados en un músico legendario, el saxofonista Charlie Parker. Otras grandes figuras que cultivaron este estilo fueron, entre otros, el trompetista Dizzy Gillespie y el pianista Thelonious Monk.

1950-1960. Cool jazz. Elaboración más refinada del be-bop, en la que se adoptan algunas de las nuevas tendencias compositivas del siglo XX.

Los años 50 estuvieron dominados por el cool, un estilo elegante y lírico derivado del be-bop. A principios de los años 60, el jazz llegó a zonas experimentales muy cercanas a las de la vanguardia de la música de concierto europea. Los músicos que despuntaron durante estos años fueron el trompetista Miles Davis y el saxofonista John Coltrane.

1960-1970. Free jazz. Especie de jazz polifónico en la que se realizan numerosas imitaciones breves entre los diferentes instrumentos.

A partir de los años 70, el jazz dejó de contar con una dirección dominante. Entre las principales tendencias que se cuentan desde entonces destacan:

La mezcla o fusión con músicas populares, como el rock y el hip-hop.

El jazz neoclásico de los años 80, que vuelve la mirada hacia las raíces pasadas, el dixieland y el bop.

El regreso del swing y las big bands bajo el nombre de retroswing, en los años 90.

1970 hasta la actualidad. Electric jazz. Uso de la electrónica en el jazz.

Rock

En la década de 1950, la música popular urbana protagonizó un proceso de crecimiento que se inició con el rock and roll, surgido en Estados Unidos.

Aspectos sociales y culturales

El éxito de la música rock está relacionado con los siguientes factores sociales y culturales:

La expansión de la economía de consumo en los países occidentales.

El desarrollo de los medios de comunicación de masas.

El aumento de la capacidad adquisitiva de los adolescentes y su conversión en un grupo social concaracterísticas propias, que adoptó el rock como cauce de expresión de sus actitudes y valores.

Las ventas de discos en los Estados Unidos subieron de 277 millones de dólares en 1955, cuando apareció el rock, a 600 millones en 1959 y a 2.000 millones en 1973.

El rock and roll, en su evolución, dio lugar a diversos estilos musicales hasta el presente. A principios de la década de 1970 apareció una distinción importante entre rock y pop. El rock aspiraba a la «autenticidad», comprometiéndose con el profundo cambio de mentalidad y valores de las décadas de 1950 y 1960, mientras que el pop se orientaba hacia el consumo.

Características del pop rock

Sin embargo, todos los estilos y corrientes englobados en la expresión pop rock presentan características comunes como estas:

La instrumentación, el pop rock se basa en el sonido que proporcionan, como base, dos guitarras eléctricas (rítmica y solista), un bajo eléctrico y una batería. A esta formación básica se añaden otros instrumentos, según los criterios de cada intérprete o grupo.

La electrificación, tanto de los instrumentos como de la voz, a través del micrófono. Además, el pop rock está estrechamente unido a los avances tecnológicos de cada momento: sintetizadores, pedaleras para la guitarra eléctrica, cajas de ritmos, etc.

Corrientes musicales

El rock nació a mediados de los años 50 en Estados Unidos como resultado de la mezcla de country, la música de los campesinos blancos, y el rhythm and blues, una forma de blues negro de las grandes ciudades del norte. Este rock inicial se conoce como rockabilly y tuvo en Elvis Presley a su primera gran estrella. Con él, el rock se introdujo en Europa.

A comienzos de los años 60, cuando parecía que el rock iniciaba su declive, llegó desde Inglaterra una revitalización de su espíritu de protesta, ritmo e imagen que prendió en la juventud de la mano de The Beatles, The Rolling Stones y, en Estados Unidos, de Bob Dylan y otros grupos. Durante la década de los años 70 el pop rock se diversificó en una multitud de estilos. De su mezcla con el jazz surgió el jazz-rock o fussion: intérpretes como Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton mezclaron el rock con el blues. De la combinación de rock y música latina nació la salsa, actualmente tan en boga. Bob Dylan es el mejor representante del folk-rock. El soul, que podría definirse como un intento de la música negra por recuperar el liderazgo en la música popular, tiene su principal representante en Otis Redding.

Una tendencia importante fue el rock sinfónico, al estilo de Pink Floyd, que pretendió superar la formación típica del rock para añadir instrumentos clásicos e incluso orquestas sinfónicas.

También pertenecen a esta etapa cantautores, como Carole King, figuras inclasificables, como Jim Morrison, Frank Zappa y David Bowie, representantes del hard rock, como Deep Purple y Led Zeppelin, y tendencias como el sonido discoteca, reggae, punk.

A comienzos de los años 80 el pop pareció perder vitalidad. Es característica de esta época la incorporación de la tecnología electrónica e informática en las creaciones de estilos como la new wave y el tecno, representados respectivamente por The Police y Depeche Mode.

En cuanto a las estrellas mimadas de la industria discográfica, que introdujeron el vídeo-clip como fórmula habitual de presentación de las canciones, es ineludible la mención de Michael Jackson, Madonna y Prince.

También en estos años alcanza difusión el rap, manifestación de la música negra, en la que se prescinde de la melodía cantada a favor del ritmo puro, con letras de un fuerte contenido de protesta racial.

En los años 90 continúan su trabajo algunos estilos nacidos en la década anterior: la new age, que mezcla el pop con los instrumentos y el clima de la música clásica; la música étnica o world music, que intenta la fusión musical de distintas culturas; el tecno de grupos como Prodigy; y, más propiamente encuadradas en la gran corriente pop rock, nuevas etiquetas como rock alternativo y grunge (Nirvana) parecen dominar la escena de la música popular a comienzos de esta década.

Pop

Aspectos socio-culturales y carcterísticas del Pop

La música pop es un género musical que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal "verso - estribillo - verso", ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas. Empezó en el siglo XX en Inglaterra, en la década de los 60.

La palabra pop es la abreviación, en inglés de la palabra popular. La música pop moderna tienes unos componentes comunes de ritmos fuertes y vivaces y melodías simples, a menudo pegadizas. La mayor parte de los temas pop suelen ser canciones. Los grupos de música pop suelen estar constituidos por uno o varios cantantes y músicos que tocan la guitarras eléctricas, sintetizadores, baterías, etc.

Normalmente precisan de fuergonetas o camiones para cargar el equipo musical y personal para instalarlo y repararlo si es preciso. Los famosos grupos y estrellas del pop, como Michael Jackson, los Beatles, los Rolling Stones, Prince y Madonna, han congregado a multitudes en sus conciertos. Millones de personas de todo el mundo se reunieron delante de sus televisores para presenciar el Live Aid, concierto celebrado en Londres en el año 1987 para ayudar a paliarel hambre en África. En el pop español podemos destacar a grupos y a cantantes de los años sesenta y setenta como los Bravos y Juan Manuel Serrat, y a finales del siglo XX, El último de la fila, Nacha Pop, Mecano y Miguel Bosé.

Históricamente, la expresión "música pop" no era entendida como un género musical con características musicales concretas. Lo catalogado como música "Pop", apócope de “música popular”, era entendida como lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta definición entraban géneros como, el funky, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese gran grupo de música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido ganándose su acepción como género musical independiente, librándose, además, del sentido peyorativo y negativo al que se le vinculaba.

A pesar de ser un género absolutamente híbrido (noise-pop, Britpop, electro-pop, tweed pop), las clasificaciones más conocidas y aceptadas son: indie pop y pop comercial; pop electrónico y pop tradicional. La proliferación del pop y sus múltiples subgéneros hace imposible que estas clasificaciones representen divisiones puras.

Subgéneros y corrientes musicales

Mainstream (Pop comercial)

Este es el tipo de pop comercial, este tipo es el que más compite y obtiene mejores ganancias, dentro de el encontramos artistas y grupos como Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Backstreet Boys, Robbie Williams, Celine Dion, Justin Timberlake, Christina Aguilera, Elton John, Spice Girls, Kylie Minogue, Prince, Bee Gees...etc.

Pop independiente inglés

A principios de 1980 hubo una revolución llamada Pop Independiente Anglosajón, en Estados Unidos y Reino Unido donde surgieron bandas independientes como: U2, The Smiths, The Police, Toto. En los años 90s y los 2000 aparecieron bandas como: My Bloody Valentine, Placebo, Oasis, Coldplay.

Pop independiente español

A ésta pertenecen todas las agrupaciones cuyas compañías discográficas no cuentan con grandes presupuestos y que por tanto no compiten con el "mainstream". Su carácter underground les confiere cierto carácter de culto, que se incrementa en ocasiones con una lírica creativa algo difícil de asimilar en una primera escucha. La creación musical está fortalecida frente a la promoción o la rentabilidad del producto. Frecuentemente engloba a formaciones musicales incluso sin distribución y/o edición de la obra pero con gran ámbito de notoriedad en sus localidades de origen. Las primeras formaciones en darse a conocer por este tipo de sonidos fueron bandas tales como: Los Piratas, Los Planetas, Maga e incluso Niños Mutantes, la primera de ellas hoy inexistente.

Pop latino

En este tipo de pop encontramos artistas cuyas raices son latinas en incluso se pueden destacar algunos artistas con raices italianas y portuguesas. Algunos artistas de este subgenero se han ganado su lugar en el Mainstream, encontramos artistas como: Juanes, Shakira, Paulina Rubio, Julieta Venegas, Ricky Martin, Thalía, Laura Pausini, entre otros.

Pop tradicional

Es aquel que se ha generado con la estructura musical tradicional: voz, bajo, batería y guitarra, entre otros instrumentos que den una gran sencillez y que al público le agrade para lograr un gran éxito.

Estas son algunas de las corrientes del Pop:

Dance-pop

El dance-pop es un estilo de música de baile electrónica y un subgénero de la música pop, que se desarrolló de la música disco, alrededor de 1981, que combina ritmos de baile con una estructura de canción pop ó R&B. Como hay tal énfasis sobre canciones totalmente formadas en dance-pop, a menudo es visto como una clasificación en sí mismo, aparte de pura música de baile. El dance-pop es también una estrecha relación con el pop adolescente y movimientos de eurobaile a mediados de los años 80 y a finales de los años 1990, el aumento de bandas de chicos y grupos de chicas, y la reintroducción del vocoder y similar tales innovaciones.

Al igual que la discoteca, el dance-pop a menudo es visto por historiadores musicales como el medio de un productor, como muchos músicos y equipos de compositores provinieron del género. Los músicos como André Cymone y Jimmy Jam y Terry Lewis (todo de quien melodiosamente había sido conectado con el Príncipe) y Patrick Leonard (quien había sido un miembro de la banda Trillion), así como DJs como Jellybean Benitez y Shep Pettibone, se hicieron estrellas en su propio derecho, debido a las producciones a artistas como Madonna, Jody Watley y Janet Jackson. Otro equipo de producción de dance-pop es Stock, Aitken & Waterman, que esculpió a la producción pulida para los gustos de Kylie Minogue, Rick Astley y Bananarama. De verdad, Nilo Rodgers y Bernard Edwards, (ambos de quien habían sido estrellas en la era de la discoteca como parte del grupo Chic), fueron capaces de prosperar como los productores de material para artistas más recientes en el dance-pop.

También el Dance Pop es el Europeo ó Europopdance, donde los cantantes de los 90s tomaron gran fuerza, como Culture Beat, La Bouche, Real Mccoy, Pandora Fun Factory y otros actualmente, una buena cantante de este segundo milenio es Kate Ryan.

También este género es conocido como Eurodance, porque sus relatos y melodías son parecidas al Pop, hay grandes cantantes como DJ Bobo (René Baumann), está bien llamarlo Europopdance, casi todo el pop que contenga música electrónica y digitalizada se le puede llamar Popdance.

Electropop

El electropop (a veces llamado Tecno-pop) es un estilo particular de synth pop que floreció a principio de los años 1980, aunque las primeras grabaciones se realizaron a finales de los años 1970.

Muchos conjuntos musicales han continuado usando este tipo de sonido en los años 1990 y en los años 2000. El electropop se caracteriza frecuentemente por un sonido electrónico y repetitivo.

Las canciones electropop son en esencia canciones pop, con melodías y ritmos simples y pegadizos, pero se diferencian de las canciones de música dance que el género electropop ayudó a inspirar ( techno, dub, house, electroclash, etc. ) enfatizando la composición musical por encima de lo bailable. El electropop está relacionado con el movimiento Neo Romántico a principios de los años 1980, y los movimientos synthpop y electroclash a partir de los años 1990.

Actualmente ha ido haciéndose más popular, plasmado en artistas independientes y transnacionales como: Fangoria, La Prohibida o Ultraviolet en España; Miranda!, Lourdes y Que out en Argentina; Mía femme, Yudo, Exdual vision y Anasol que son promesas en Colombia; Sentidos Opuestos Kabah Ov7, Moenia, Belanova, Fr3shpop!, Deduplex, Fey y María Daniela y su Sonido Lasser en México; Lulú Jam!, Pali, Mirwayz, Garbo, Felipe Suau, Julián Gracía-Reyes, Moustache!, Redulce y Mawashi en Chile; Dani Umpi en Uruguay, Pestaña y Sonoradio en Perú; t.A.T.u. en Rusia; y también Mika el cantante de origen libanés de Inglaterra. Cantantes como Christina Aguilera, Lady GaGa y Hilary Duff han incursionado en este género.

En Chile el centro de la escena electropop fue el Clubizarre 2004-2005, producido por Electroglam donde se dieron a conocer bandas como Pornogolossina, Quierostar, Kinder Porno, Ramonalove e Indescencia Transgénica, así como también músicos argentinos como Gaby Bex, Que Out, Die Strach y Modex. El movimiento en Argentina y Chile se destacó por su constante e intenso intercambio, así en la capital trasandina se celebran hasta hoy las reconocidas fiestas Divas y Divos. En Chile durante 2007-2008 surgió una escena derivada a la producida por Electroglam, esta se llamó Nu.Pop y tenía entre sus exponentes a Gastón Céspedes, Dimmy, Malbadisco.

Pop frente a rock

Hay tantas características comunes entre el rock y el pop que, en muchas ocasiones, una misma composición puede ser catalogada indistintamente como uno u otro con argumentos igualmente sólidos. Existe la opinión consensuada de que la principal diferencia está en la intensidad del espectáculo en directo y en la fuerza y virtuosismo instrumental.

El rock siempre mantiene la estructura tradicional ya que es de gran utilidad y da un gran sonido "guitarra - bajo - batería", con riffs saturados y solos de guitarras penetrantes, con un gran núcleo rítmico de bajo y batería, y con voces más desgarradas. La temática de las letras suele ser más amplia y arriesgada. El pop, al contrario, no tiene estructura instrumental definida, predomina la melodía de voz sobre el resto de instrumentos, y mantiene un clímax musical más asimilable y limpio