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Cuenta historias y tiene fines políticos.

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Movimiento principalmente de los años 90's. Pretende crear una nueva relación entre el autor y el observador de la obra.

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El arte conceptual de los 70's paso a ser el neoconceptualismo en los 80's. Combina lo publicitario con lo gráfico.

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Se utiliza aerosol, esténcil, laca, etc. Destaca el trabajo de Banksy.

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Es considerado el movimiento artístico mas importantes de los 80's. Plantea lo burdo y lo feo de las nuevas estéticas.

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Consiste en figuras de decoración, caricaturas, imagenes de la vida capitalista, collage, etc.

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Movimiento que nació en la década de los setentas. Una técnica <sin técnica>

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Movimiento asociado a los Estados Unidos e Inglaterra que surgió entre los años 1960 y 1970. Se basa en crear imágenes a base de materiales naturales.

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El arte povera es un movimiento que surgió en Italia en la segunda parte del siglo 20. Combina elementos de otros movimientos como el performance art.

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El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados.​

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Se llama cuerpo al conjunto de acciones escénicas, como las secuencias, los movimientos y desplazamientos, en los que la pieza teatral, las actuaciones y la dirección se realizan coordinadamente.

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El movimiento conocido como neorrealismo aparece en Italia en torno a la segunda guerra mundial. Su principal característica es que representa la vida de cada día, a mitad de camino entre relato y documental, muchas veces con personajes de la calle en vez de actores profesionales.

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En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.

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El término minimalismo, en su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial, a despojar de elementos sobrantes.

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El videoarte, arte video o arte audiovisual es una forma de expresión que se basa en el uso de tecnología de video como medio visual y audible.

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El performance art se define como una forma de arte donde la acción de un individuo o de un grupo ocurre en un lugar particular frente a una audiencia y en un intervalo de tiempo determinado.

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Happening es toda experiencia que parte de la ecuación provocación-participación-improvisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria.

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El camp es una corriente artística relacionada con las formas del arte kitsch, considerado como una copia inferior y sin gusto de estilos existentes que tienen algún grado de valor artístico reconocido.

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El assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros.

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El arte interactivo se puede distinguir del arte generativo porque constituye un diálogo entre la obra de arte y el participante; específicamente, el participante tiene agencia, o la habilidad, incluso de manera involuntaria, para actuar sobre la obra de arte y además se le invita a hacerlo en el contexto de la pieza.

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Fluxus es un movimiento internacional que se desarrolla a partir de 1961 dentro del nuevo interés que surge tanto en Estados Unidos como en Europa por el Dadá y la figura de John Cage.

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Es un arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones ópticas o trampantojos.
https://historia-arte.com/movimientos/op-art

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La geometría es capaz de representar las leyes del universo, el camino está en la búsqueda de la geometría en el interior de la naturaleza.

Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones óticas o trampantojos.

El espectador de una obra de Op-art debe participar activamente, ya sea moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos.

Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador (¡a no ser que el espectador se emocione con eso, que de todo hay...!). Busca más bien una actitud activa por parte del observador, o más bien sólo de su ojo.

El Op-art se basaba en la percepción del espectador, que es en realidad el único y verdadero creador de la obra.

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La geometría es capaz de representar las leyes del universo, el camino está en la búsqueda de la geometría en el interior de la naturaleza. Vasarely Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivame...

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Obras realizadas en equipo. Este arte denuncia la realidad de su tiempo y trasmite un mensaje de compromiso político-social y de calidad artística. Utilizaron imágenes conocidas por todos para realizar pinturas, fotos, carteles o collages, en los que reflexionan en torno al lenguaje pictórico y a los géneros.
https://www.arteespana.com/equipocronica.htm

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A mediados del siglo XX, surgen en España diferentes grupos y tendencias con el propósito de renovar el panorama artístico español. Equipo Crónica es uno de ellos.

Nace en Valencia en 1964, a partir de las propuestas teóricas de Tomás Llorens y se desarrolla durante el último período del franquismo y la transición hacia la democracia. En su origen estuvo formado por Juan Antonio Toledo, Manuel Valdés y Rafael Solbes, pero Toledo pronto abandonó el grupo.

Lo que más llama la atención del Equipo Crónica es su forma de trabajo. Sus obras, como su propio nombre indica, son realizadas en equipo. Solbes y Valdés reflexionaban primero sobre lo que se proponían y después pintaban conjuntamente.

Rechazaron los presupuestos del informalismo y del expresionismo abstracto. Equipo Crónica posee un carácter crítico, de reportaje o crónica de la realidad social y política.

Denuncia la realidad de su tiempo y trasmite un mensaje de compromiso político-social y de calidad artística. Utilizaron imágenes conocidas por todos para realizar pinturas, fotos, carteles o collages, en los que reflexionan en torno al lenguaje pictórico y a los géneros.

También toman imágenes de la historia del arte. Muchos de sus temas se inspiran en la pintura española del Siglo de oro, pero están insertados en la sociedad contemporánea. Algunos ejemplos son La rendición de Torrejón o El intruso, que aluden a Velázquez o Picasso.

A partir de 1970, el grupo sufrirá una evolución. Experimentarán con técnicas y recursos propios del Pop Art, como son las tintas planas, la utilización de imágenes tomadas de los medios de comunicación de masas y el dibujo despersonalizado. Todo ello, como crítica al sistema y al individualismo. Sus obras se caracterizan por estar realizadas en serie, lo que permitía ofrecer un repertorio variado sobre un mismo tema.

Obras del Grupo Crónica

¡América, América!, de 1965.

El ratón Mickey, una de las imágenes típicas de la cultura de los Estados Unidos, símbolo del buen humor, emblema de la felicidad, es elegido por el Equipo Crónica como símbolo de la sociedad norteamericana de consumo. Usan un procedimiento empleado por Andy Warhol, la repetición indefinida de una imagen divulgada por los medios de masas.

Utilizan las tintas planas y la repetición en serie del mismo icono, pero introducen una imagen, la bomba atómica lanzada contra Japón, que llena el cuadro de significado crítico.

Con un sentido semejante, Mickey Mouse sería usado por el Equipo Crónica en Avionetas, de 1966, donde se observan las siluetas negras de trece aviones de combate y tres personas caídas a tierra. En los extremos de las alas de cada avión, un círculo blanco aloja el rostro del ratón de Disney.

Metamorfosis del Piloto

Es una de las pinturas del período de 1964-66, el primero en las etapas de trabajo del Equipo Crónica que alude a hechos de la crónica cotidiana.
El título ayuda a comprender el significado de la obra, la metamorfosis del joven que mira el aire, desde su cabina y que va transformándose en un monstruo depredador con cara de lobo. Es una metáfora de la degradación progresiva de la condición humana, con claro sentido antimilitarista.
Deformación profesional II
Equipo Crónica realizó muchos trabajos como contrapunto a los políticos del régimen o al militarismo estadounidense. En ocasiones, aparecían ciertos sarcasmos, como en esta obra en la que un soldado norteamericano se transforma a través de siete viñetas en un guerrillero vietnamita.

Vietnam también fue el tema de algunas obras, como Vietnam, en la que la imagen fragmentada de un soldado estadounidense se opone a la de una familia del país asiático. En otros casos, presentaban directamente a los héroes, como en los cuadros dedicados al Che Guevara. Se trataba de imágenes realizadas con recursos tomados de los medios de masas.

En los años sesenta se produce el desarrollo económico e industrial en España y la mayoría de los españoles pasaron de vivir en el campo a hacerlo en la ciudad. Esta serie recoge los motivos y protagonistas de la pintura española del Siglo de Oro y los recontextualiza en un medio cotidiano que hace referencia a las primeras formas de consumo y modernización en nuestro país.

Serie Paisajes urbanos

Son un conjunto de dibujos, pasteles, gouaches, collages y óleos sobre tela y cartón, cuyo tema era la ciudad y acabaron formando una serie.

La ciudad es vista como un escenario donde se manifiestan determinados comportamientos y actitudes de las personas que las habitan y refleja el carácter alienante que dichas relaciones adquieren en la práctica cotidiana.

Introduce a un paseante que camina por la ciudad y las afueras, frente a los edificios, en descampados, en días lluviosos y nublados. Trasmite la sensación de melancolía.

Los viajes o Crónica de transición son otras series posteriores.

Crónica de transición está dedicada a la transición española.

En Los viajes no hay ninguna referencia a la realidad político-social, se centra en la profesión de pintor y en la pintura. La pintura es la protagonista principal y viajar era esencial en la formación de cualquier pintor, ya que permitía conocer otras obras y estilos y aprender de ellos. El viaje se presenta a través de sus elementos característicos: maletas, trenes, hoteles, mapas.

También aparecen referencias a otros pintores, las salas de los museos, etc. Un ejemplo es Cerca del puente de Narni, que nos evoca al cuadro El puente de Narni, de Corot. Obliga al espectador a reinterpretar la historia del arte y contrastar las diferentes formas de hacer.

La unión de Solbes y Valdés fue tan estrecha, que el fallecimiento de Solbes hizo que el grupo desapareciera definitivamente.

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A mediados del siglo XX, surgen en España diferentes grupos y tendencias con el propósito de renovar el panorama artístico español. Equipo Crónica es uno de ellos. Nace en Valencia en 1964, a partir de las propuestas teóricas de Tomás Llorens y se desarrolla durante el último período del franquismo y la transición hacia la democracia.

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es un estilo moderno que se opone al realismo y a la fotografía, de esta manera, es necesaria la utilización de la imaginación y la comprensión más allá de lo que la lógica nos entrega para admirar una pintura u obra abstracta.
https://www.significados.com/arte-abstracto/#:~:text=El%20arte%20abstracto%20es%20un,una%20pintura%20u%20obra%20abstracta.

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Qué es Arte abstracto. Concepto y Significado de Arte abstracto: En el arte abstracto o abstraccionismo prevalecen las ideas y conceptos en detrimento de una...

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caracterizaban por reflejar todos los aspectos de la vida y cultura popular del momento. Fue un movimiento artístico revolucionario que expresaba la realidad de la época. utiliza los elementos que antes no habían sido considerados dentro del mundo del arte: los objetos industriales, los carteles, los dibujos animados, el cómic, las ilustraciones de las revistas, la comida rápida y el mobiliario de las casas y cocinas.

https://www.ifema.es/noticias/arte/pop-art-que-es-artistas-caracteristicas

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Lasobras del pop art se caracterizaban por reflejar todos los aspectos de la vida y cultura popular del momento. Fue un movimiento artístico revolucionario que expresaba la realidad de la época. Dadas sus peculiaridades, a continuación vamos a ver en qué consiste, cuáles son sus características principales y qué artistas destacaron.

Qué es el pop art

El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la década de los años 80. Durante este tiempo, las obras creadas dentro de este movimiento expresan una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en ese momento. Por aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente.

En aquel momento, los artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se servían de cualquier objeto que fuera representativo del consumismo. Por ejemplo, empleaban carteles, artículos publicitarios, latas de conserva, botellas, etc. En muchas de sus obras, se observa un efecto repetitivo, e incluso saturante. Estos aspectos reflejan el efecto anestésico de la publicidad y el consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para embaucarnos en lo meramente banal.

A priori, puede parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste en un arte que tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad. Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de sus obras, para crear conciencia en las personas.

Características del pop art

Representación de la cultura popular: El Pop Art se centra en la representación de la cultura popular y la vida cotidiana. Los artistas toman elementos de la cultura de masas, como anuncios publicitarios, productos de consumo, cómics, celebridades y objetos comunes, y los incorporan en sus obras de arte. Esta apropiación de la cultura popular es una de las características más distintivas del movimiento.

Uso de imágenes icónicas: Los artistas pop a menudo seleccionan imágenes icónicas o reconocibles de la cultura popular y las transforman en obras de arte. Estas imágenes pueden incluir rostros de celebridades como Marilyn Monroe o Elvis Presley, logotipos de marcas famosas como Coca-Cola o Campbell's, y cómics populares como los de Roy Lichtenstein.

Estilo visual llamativo: El Pop Art se caracteriza por su estilo visual llamativo y colorido. Los artistas a menudo utilizan colores brillantes y contrastantes para llamar la atención del espectador. Además, suelen aplicar técnicas de impresión y serigrafía para lograr efectos visuales impactantes.

Repetición y serialidad: La repetición de imágenes y objetos es una característica común en el Pop Art. Los artistas a menudo crean series de obras que presentan la misma imagen o tema repetido en diferentes variaciones. Esto enfatiza la naturaleza repetitiva de la cultura de masas y la producción en serie.

Ironía y crítica social: Aunque el Pop Art celebra la cultura popular, también puede ser irónico y crítico. Algunos artistas utilizan el humor y la ironía para cuestionar los valores y las normas de la sociedad de consumo. A menudo, esta crítica se presenta de manera sutil o subyacente en las obras.

Despersonalización: El Pop Art tiende a despersonalizar las imágenes y los objetos que representa. Los artistas a menudo eliminan las características individuales de las personas retratadas y los objetos se presentan de manera uniforme y estandarizada. Esto refleja la uniformidad de la cultura de masas.

Intersección con la publicidad: El Pop Art se cruza con la publicidad y a menudo se inspira en ella. Algunos artistas incorporan elementos publicitarios directamente en sus obras, como lemas o logotipos de marcas, mientras que otros utilizan técnicas publicitarias para crear impacto visual.

Celebridad de los artistas: Los artistas pop a menudo se convirtieron en celebridades en sí mismos. Su trabajo a menudo se asociaba con la cultura popular y la fama, y algunos artistas se convirtieron en figuras influyentes en la escena artística y cultural de la época.

Artistas pop art

Dentro de este revolucionario movimiento artístico, encontramos a muchos artistas que dieron lugar a multitud de obras, donde se veían reflejados muchos aspectos de la vida. Entre ellos, hay algunos que destacan especialmente, como los que te mostramos a continuación:

Andy Warhol

Seguro que en alguna ocasión has visto los famosos retratos de Marilyn Monroe con diversas tonalidades. Su autor fue Andy Warhol. Este conocido artista del pop art destacó por realizar obras de diferentes celebridades, como Grace Kelly o Elvis Presley, entre otros. Además, otra de sus inspiraciones fueron losanuncios publicitarios, donde destaca su obra de las latas de sopa Campbell. Su estudio, situado en Nueva York, tuvo multitud de visitas de intelectuales y artistas.

Roy Lichtenstein

Nacido en 1923, Roy Lichtenstein fue uno de los impulsores del movimiento. Este artista pop art cuenta con un estilo muy peculiar caracterizado, principalmente, por las interpretaciones a gran escala de sus cómics y la parodia. Utilizaba una técnica de puntos para crear sus dibujos animados, y empleaba generalmente colores primarios. Durante los últimos años, tuvo mayor presencia a nivel social. De hecho, en España se encuentran dos de sus obras.

Keith Haring

Keith Haring, con algo más de 20 años de edad, se convirtió en uno de los referentes del arte en los años 80. Refleja y plasma sus obras a través de los grafitis, transformándose en uno de los iconos de este estilo de arte. Se considera que fue uno de los artistas que acercó el arte callejero y los museos. Su obra es muy amplia, y se pueden encontrar creaciones suyas en lugares como el metro de Nueva York o, incluso, en el muro de Berlín.

Dentro de la programación de eventos del sector del arte, IFEMA MADRID organiza FERIARTE, la Feria de Antigüedades y Galerías de Arte que reúne las últimas tendencias y novedades de los mejores anticuarios y galerías de España dentro del mismo espacio.

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Pop Art: qué es, artistas y características | IFEMA MADRID

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se caracteriza por la combinación de lo antiguo y lo nuevo, su culto a la cultura popular y la influencia de los medios de comunicación de masas. Los movimientos artísticos posmodernos son diferentes e incluso discordantes.
https://moovemag.com/2012/11/apropiacionismo-el-arte-de-apropiarse-del-arte/#:~:text=El%20arte%20posmoderno%20se%20caracteriza,son%20diferentes%20e%20incluso%20discordantes.

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El arte posmoderno se caracteriza por la combinación de lo antiguo y lo nuevo, su culto a la cultura popular y la influencia de los medios de comunicación de masas. Los movimientos artísticos posmodernos son diferentes e incluso discordantes. El apropiacionismo es un claro ejemplo de este arte y uno de los movimientos más polémicos que trae la posmodernidad.

El apropiacionismo surge a finales de la década de los setenta y finales de los ochenta en Nueva York. Nace como respuesta a otros movimientos como el minimalismo y el conceptualismo, que representaban el arte por el arte.

El contexto de las obras y su justificación quedan en un segundo plano frente al protagonismo de la imagen. Entonces, el apropiacionismo aparece, no para representar la realidad mediante una imagen, sino para re-contextualizar trabajos anteriores.

Busca el significado de la obra, no es el arte por el arte. Los artistas apropiacionistas no ofrecen una imagen, ni siquiera una imagen que represente la realidad, buscan el impacto por lo que expresan con sus obras. Prima el elemento de la narración.

El nombre de este movimiento proviene del concepto de "apropiación" porque sus artistas se apropian de elementos de otras obras para crear una última obra completamente nueva a la que se re-contextualizará dándole un nuevo significado.

El término fue acuñado por el crítico de arte Douglas Crimp, quien organizó la exposición " Pictures ", a la que invitó a artistas que no trabajaban con imágenes originales, sino de las que se apropiaban de otros autores para jugar con ellas y crear una nueva narración.

Entre esos invitados estaban Jack Goldstein, Sherrie Levine, Robert Longo, Troy Brauntuch y Philip Smith, y todos ellos usaban elementos de medios de comunicación de masas, de la publicidad y de los clásicos del arte para crear algo nuevo, dotado de un significado distinto. Crimp era consciente de que esos artistas se salían del marco artístico del momento y que, por tanto, era necesario crear un término que los caracerizada. Había que poner un nombre a este movimiento artístico y ese es apropiacionismo.

Aunque como movimiento artístico surge a finales del siglo veinte, a lo largo de la Historia son muchos los ejemplos de apropiación. Los estudiantes de arte siempre han aprendido copiándose, con la imitación. Toda obra tiene sus influencias, incluso en las ciencias. En la Edad Media la música se solía componer basándose en otras canciones ya existentes.

Hay obras de arte y creaciones de Leonardo Da Vinci creadas a partir de la apropiación de ideas y creaciones de distintas áreas del conocimiento, como el arte y la biología. George Braques también uso objetos no artísticos para crear sus trabajo, como recortes de periódicos. El movimiento dadaísta destacaba por su apropiacionismo de revistas, periódicos e incluso otras obras de arte, como uno de su mayores exponentes, Marcel Dumpchamp, hizo con la Mona Lisa. Los artistas del pop-art también se apropiaban de elementos que encontraban en ls medios de comunicación masivos. La apropiación siempre ha existido siempre.

El hecho de que este movimiento se base en tomar prestados elementos de otras obras de otros autores crea la polémica de plagio que deteriora su reconocimiento artístico. Es un debate que aún está abierto ya que hay mucha controversia con respecto a los derechos de autor y el copyright. En la década de los sesenta Andy Warhol ya se había enfrentado a distintas demandas por su uso de fotografías en sus serigrafías. Mientras sus detractores critican que no se trata de ningún arte, sino de plagio sus defensores lo niegan ya que al haber una re-contextualización el significao cambia y, por tanto, la obra también: es una obra diferente. Se reivindica la imagen y su forma de interpretarla.

Robert Longo fue uno de los invitados a la exposición de Crimp, "Pictures". Su arte está influenciado por los medios de comunicación de masa, de hecho, llegó a dirigir varios vídeos musicales para grupo como R.E.M ("The One I Love") y New Order ("Bizarre Love Triangle") y la cinta de ciencia ficción "Johnny Mnemonic". El reconocimiento le llegó en la década de los ochenta gracias a Men in the cities. Su originalidad estaba en que se apropió de algunos trozos de películas en las que un personaje estaba siendo asesinado. Entonces, se quedaba solo con el personaje en plena ejecución y lo en blanco y negro. De esa manera le da un sentido completamente contrario y parece que está bailando en vez de sufriendo una paliza de muerte.

Yasumasa Morimura es uno de los máximos exponentes del apropiacionismo en la actualidad, además de uno de los artistas más reconocidos procedentes de Japón. Sus apropiaciones se convierten en autorretratos divertidos y teatrales, críticas de la dura imposición cultural y económica de parte de occidente a oriente. De esa forma, la mayoría de sus trabajos están basados en obras occidentales de la cultura de Europa y Norteamérica: clásicos del arte europeo e iconos de la cultura popular estadounidense. Además, ridiculiza los aspectos predeterminados y estereotipados en la sociedad, analizando la identidad sexual, nacional y cultural. Rechaza la globalización insana que se impone a los individuos haciéndoles perder la identidad, de la gran cultura occidental y su modelo económico y social que pasan por encima de las de oriente.

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Apropiacionismo, el arte de apropiarse del arte

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El arte posmoderno se caracteriza por la combinación de lo antiguo y lo nuevo, su culto a la cultura popular y la influencia de los medios de comunicación de masas. Los movimientos artísticos posmodernos son diferentes e incluso discordantes. El apropiacionismo es un claro ejemplo de este arte y uno de los movimientos más polémicos que trae la posmodernidad.

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se caracteriza por recurrir a la apropiación de imágenes triviales realistas, representando objetos de deshecho de la sociedad, así como imágenes obtenidas de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la industria.
https://historia-arte.com/movimientos/nouveau-realisme

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¡Larga vida a lo inmaterial! Yves Klein El Nouveau Réalisme (nuevo realismo) se fundó en octubre de 1960 con una declaración conjunta de los artistas Yv...