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esta arte y realidad la entiendo, sobre la comunicacion, la union representación fiel de la realidad, el enfoque en la vida cotidiana, la descripción precisa de detalles y el interés en temas sociales, obreros y escenas urbanas.                                                                     2: con respecto a la pintura de picasso me relaciona al trato del ser humano con el mundo animal, en especial con anmales deomsticos ya que los podemos tratar comunicarnos con ellos a traves de gestos, por medio de objetos eso es un medio de comunicacion para con ellos.

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Está obra me causa una serie de sentimientos, Frida me deja una gran enseñanza ya que desde su dolor y sufrimiento nace la forma de transformarlo en arte, refleja el difícil proceso por el que pasaba, pero también expresa la serenidad, la tranquilidad de exponer su arte en mis palabras sería "rota pero talentosa" 

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" Venus" mirando y detallado puedo percibir la belleza de los rostros de los personajes de la pintura y su entorno, la protección porque la chica de la derecha trata de cubrir a Venus en su desnudez, observó el viento que sale de las bocas de los angeles sacando a Venus de las aguas del oceano como salvadores...por lo cual esta pintura para mi es la salvación de la belleza.

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Con base a la obra stuve una experiencia realmente impactante al contemplar el Guernica de Picasso. Sentí que cada figura y cada trazo me contaban una historia de sufrimiento y resistencia, como si el cuadro guardara ecos de dolor. Me llenó de alegría darme cuenta de cómo el arte puede comunicar tanto sin necesidad de palabras, transmitiendo emociones profundas que llegan directo al corazón. Sin embargo, también experimenté miedo al ver los rostros desfigurados, los cuerpos fragmentados y la oscuridad de la guerra que la obra refleja un miedo a que esos horrores puedan repetirse en nuestro presente.El enojo me invadió al entender que la violencia y la injusticia destruyen vidas inocentes, dejando cicatrices que el tiempo no puede borrar.Finalmente, tuve una revelación: comprendí que el arte no es solo belleza, sino también memoria y denuncia. El Guernica me enseñó que recordar es esencial para no repetir la historia, y que cada pincelada puede ser un grito de humanidad frente al dolor.

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Se ha logrado comprobar que los remolinos plasmados por el pintor tiene muchas semejanzas con movimientos de neutrones y protones dentro de los átomos , así mismo en la astronomía se ha logrado comprobar que algunas de las constelaciones no conocidas en su tiempo están plasmada en su cuadro . Desde mi punto de vista a mi la pintura me produce armonía ya que a través de la noche puedo sentir la tranquilidad al mirar las estrellas , lo inmenso y hermoso que  representa el azul intenso . También mucho asombro y admiración al contemplar la belleza y complejidad del universo , contemplar la noche estrellada me produce paz y tranquilidad en un entorno natural 

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Creada por: indígenas (tumac) AÑO 2000 pieza arqueológica tallada en madera Autor de fotografía: Cristin carolina Obando Rosales Esta figura, proveniente de la rica tradición artesanal de San Andrés de Tumaco, es un eco tangible de la cultura Tumaco-La Tolita, que floreció entre el 600 a.C. y el 400 d.C. En su forma, el arte y la realidad se entrelazan de manera inseparable. La realidad de esta antigua sociedad se manifiesta en la representación de un ser humano, posiblemente un ancestro, un chamán o una figura de autoridad, reconocible por su elaborada vestimenta y tocado. Como señala el arqueólogo Diógenes Patiño (1988) en sus estudios sobre el arte prehispánico del Pacífico colombiano, estas figuras no eran meros adornos, sino objetos cargados de significado social y ritual. La madera o piedra oscura, tallada con incisiones geométricas que detallan el rostro y el cuerpo, refleja una profunda conexión con los materiales de su entorno y una cosmovisión donde lo humano y lo espiritual estaban íntimamente ligados. La pieza captura una "realidad vivida", una que estaba poblada por espíritus, rituales y una compleja jerarquía social. El arte de la pieza se revela en la estilización y la expresividad contenida en la figura. Los rasgos faciales, aunque no naturalistas, comunican una solemnidad y una fuerza interior que trascienden el tiempo. La postura, con las manos a los lados del rostro, puede interpretarse de múltiples maneras: un gesto de contemplación, un trance chamánico o una comunicación con el mundo de los espíritus. El historiador del arte Santiago Londoño (2008), en su análisis del arte precolombino, destaca cómo estas esculturas logran, con una economía de medios, una monumentalidad y un poder simbólico extraordinarios. La realidad material de la pieza es la de un objeto ritual; su realidad artística es la de un puente simbólico que nos conecta con la cosmogonía de un pueblo ancestral. Así, la figura no solo representa una realidad, sino que era parte activa de ella, un vehículo para la memoria colectiva y la práctica espiritual. Poema: Poema al Guardián de la costa nariñense  vigía de la costa Nariñense, nacido del manglar, del tiempo y la fe, tus ojos cerrados guardan lo que fue, un eco de un rito que el alma presiente. Tus manos enmarcan un rostro de ancestro, un chamán que viaja, un líder, un ser; en tu piel de ébano tallaron el poder de la tierra húmeda y el sol de este nuestro. Eres más que madera, más que piedra oscura, eres la memoria que se niega a morir, el canto silente que vuelve a la tiren las manos nuevas que tocan tu figura. Guardián de Tumaco, fragmento de historia, en tu quietud habla toda una cultura.   Bibliografías                                                                       •  Patiño, Diógenes (1988). Orfebrería y Chamanismo en el Complejo Cultural Tumaco-La Tolita. En Boletín del Museo del Oro, Número 22. Banco de la República. •  Londoño, Santiago (2008). Historia del arte colombiano. Editorial Planeta.                                          •  Ugalde, María Fernanda (2009). Iconografía de la cultura Tolita: imágenes para ver y entender a los antiguos pobladores de la costa pacífica ecuatorial. Ediciones del Banco Central del Ecuador..                     •  Banco de la República (2005). Tumaco: La gente y el oro en la Costa Pacífica. Colección de Arte del Banco de la República. https://imaginacionmuseografica.blogspot.com/2019/03/tumaco-la-tolita-regresa-casa.html

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Trabajo Esclavo" -en la imagen- es otra de las obras de arte callejero que ha subastado Bnsky

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Lo que me transmite esta obra es un mensaje de horror, sufrimiento, protesta, angustia, dolor y desesperación contra la brutalidad de la guerra. A pesar del caos se observa como la flor que brota de la espada da a entender que hay una esperanza en medio  del caos y la destrucción.

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con respecto a esta pintura de picasso me relaciona al trato del ser humano con el mundo animal, en especial con animales domesticos  ya que los podemos tratar, comunicarnos con ellos,a traves de gestos, por medio de objetos eso es un medio de comunicacion de nosotros hacia ellos.

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esta imagen me parece muy interesante por que a primera vista, parece que hay un castillo reflejado en el agua, pero sin embargo, al mirar con más atención, vemos que no hay agua: el reflejo está siendo pintado directamente en el suelo por un hombre que tiene mucho poder de la imaginacion.

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Observando la imagen miedo y tristeza al mirar los rostros de lamentó e imaginó que los personajes están sufriendo por una tragedia que se observa en el contexto, lo que más me llamó la atención es el sufrimiento de la mujer con un niño en sus brazos.

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Está obra me refleja lo fuerte que puede llegar a ser un ser humano, en este caso Frida plasmo el dolor y sufrimiento físico que vivía transformado su proceso en arte.

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Mi percepción ante está obra es que los personajes reflejan sufrimiento, dolor, pánico en medio de una situación de caos, produciendo en mi un sentimiento de miedo y curiosidad. 

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el autor de esta obra refleja la realidad vivida en una guerra la angustia  la tristeza la desesperación , cuando el expresa esta pintura en figuras geométricas  interpreta que en su momento los lideres que manejaban este enfrentamiento eran rígidos en sus ideas y sin importar el sufrimiento de la gente no daban su brazo a torcer

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LA ALEGRÍA BAJO LA LLUVIA, al observar está obra de arte me inspira felicidad y ternura 💕 porque el niño tiene una gran sonrisa a pesar de la lluvia, protege a su mascota con la sombrilla...lo que me transmite es bondad.

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Vestidos simultáneos, Sonia Delaunay, 1981Nacida en Ucrania y criada en Rusia, Sonia Delaunay fue una artista que trabajó en el diseño de muebles, objetos decorativos, portadas, ropa y vestuario. En pintura, tanto ella como su marido, Robert Delaunay, investigaron el cubismo, colorista y expresivo. Ella fue de las primeras artistas en relacionar el mundo de la moda con la pintura. Un ejemplo es su obra Vestidos simultáneos, done tres mujeres sin rostros, pero de diferente color de piel, ceden el protagonismo a los vestidos.                                                                         Esta obra me transmite alegría, dinamismo y modernidad. A través de los colores, las figuras geométricas y la composición, comunica un sentido de movimiento y de vida cotidiana transformada en arte. También transmite la idea de diversidad y originalidad, pues cada vestido refleja una identidad distinta, mostrando cómo la diferencia puede convivir en armonía y convertirse en una expresión de belleza

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con respecto a la imagen me genera curiosidad de descifrar las actitudes de las imágenes que está en la obra de Picasso, así como también me genera   miedo ya que observo imágenes de animales que no son como en la realidad se observa partes de personas que no están en su forma normal y esto me genera algo de muchos pensamientos para poder entender esta obra  

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Desde mi perspectiva en la obra del grito es posible establecer la relación entre el sujeto, obra artística y realidad en tanto se puede interpretar que el sujeto quiso plasmar a través de la obra  artística su miedo del entorno real. Los colores utilizados en la obra reflejan un contraste entre luz y oscuridad, en el cuadro pueden observarse dos personas a lo lejos, quizá el autor está plasmando el miedo que siente al observar que las personas se acercan a un abismo. Es muy interesante porque pareciese que se mezcla realidad y también el pensamiento subconsciente del sujeto reflejando todo un entorno de miedo y ansiedad.

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Guernica, pintura de Pablo Picasso (1937).Según lo expuesto en clase y con un enfoque personal, la emoción que representa es la tristeza. Los tonos blancos, negros y grises y un poco rojizos simbolizan la guerra, y la distorsión de las formas resalta el sufrimiento humano en la guerra. Es una obra que, a través de sus formas, muestra el dolor y sufrimiento que generan las guerras; se evidencia esto en la pintura reflejado en el toro, el caballo, la madre con el hijo muerto, la ventana con llamas y la paloma. En conjunto, transmiten las secuelas de la guerra.

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Según lo expuesto en clase y con un enfoque personal, la emoción que representa es la tristeza. Los tonos blancos, negros y grises y un poco rojizos simbolizan la guerra, y la distorsión de las formas resalta el sufrimiento humano en la guerra. Es una obra que, a través de sus formas, muestra el dolor y sufrimiento que generan las guerras; se evidencia esto en la pintura reflejado en el toro, el caballo, la madre con el hijo muerto, la ventana con llamas y la paloma. En conjunto, transmiten las secuelas de la guerra.

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Para mi esta imagen representa tranqulidad, armonia, la paz que muchas veces necesitamos en nuestras vidas. Tambien refleja la belleza del firmamento y las constelaciones y que nuestra vida es un libro que posee bonitas paginas de conocimientos y saberes.

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1. La rebelión de las ratas, de Gustave Doré, muestra cómo una sociedad organizada no garantiza el verdadero cambio, ya que las palabras y discusiones se estancan si nadie las lleva a la acción. Esto genera una pérdida de tiempo y, con ello, la caída de la propia sociedad.                                                                                 2. El trabajo esclavo, de Banksy, es un llamado de atención a esos países que, aunque se consideren del primer mundo o promuevan un discurso de libertad, solo piensan en generar ganancia, sin mirar a su pueblo, débil y sin rumbo, como un niño. Su única salida parece ser creer que esa mínima ganancia económica y ese discurso son suficientes, sin ver quién está realmente detrás y se beneficia de todo ello.

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" Picasso, P. (1937). Guernica [Pintura]. Museo Reina Sofía, Madrid, España."                                                                                                                  La obra me transmite, la angustia de las personas, el miedo a observar la realidad que los rodea. El autor desde mi interpretación, puedo ver y sentir, que creo la obra con el fin de criticar la situación de ese momento, no oculto su inconformismo, sino que lo plasmó de una manera clara.

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Esta imagen me representa el dolor y el sufrimiento en una guerra, tanto de los seres humanos como de los animales ahí expuestos, evidenciando la luz con la lámpara como símbolo de paz y libetad.

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Guernica, de  Picasso, desde mi punto de vista es una es una obra que refleja el horror y el sufrimiento causados por la guerra con élla  creo que quiso mostrar la tristeza y la violencia que sufren los inocentes.El cuadro usa colores opacos como  blanco, negro y gris, lo que hace que uno  sienta más tristeza desolacion y miedo a la vez. Las figuras están distorsionadas, como fragmentadas, lo que transmite caos y temor. Se pueden ver animales y personas: observo que el toro representa la fuerza y la brutalidad, el caballo sufrimiento, y la madre con su hijo muestra el dolor de los inocentes que sufren las consecuencias de la guerra. También  vemos una luz, que parece simbolizar algo de esperanza o la verdad en medio del desastre.Con esta obra picasso nos  demuestra las duras secuelas de las guerras que nososros como seres humanos podemos llegar a ocacionar.

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pintura realizada por LEONARDO DA VINCI realizada en 1495 refleja la historia que vivió Jesús se encuentran personajes en la historia me genera asombro como el pintor logro realizar los rostros tan expresivos   se logra visualizar pequeños detalles que hacen que la obra sea más bella se observa que todos están en un dialogo alrededor de Jesús mostrando una expresión de negación ante un acontecimiento   

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El contexto social y político de Guernica ha sido el escenario para el desarrollo artístico del gran autor Pablo Picasso. Aquel bombardeo que mutilo la libertad y la vida de tantas personas inocentes. En si es una expresión de una realidad común en la historia de la humanidad, por ello revela la tristeza, dolor, rabia y miedo. Un tono oscuro para una mirada de asombro en cada uno de sus trazos. Los animales heridos son una clara muestra de las víctimas y de su sufrimiento. La población indefensa y vulnerable se puede encontrar en el arte descrito. Aún así se ven rasgos de esperanza o de ilusión de que llegará algún ambiente mejor, ello lo denota la luz y algunos gestos en medio del terror de las imágenes. La violencia encierra el marco de la obra por doquier, anula gran parte de la posibilidad de pensar en una obra que recrea vida o esperanza. Sus trazos ligeros y geométricos plasma una determinada voz de reclamo, de impaciencia por ser determinantes quienes ostentan el poder, para decidir sobre la vida de los hombres y mujeres. En conclusión, esta voz de protesta sigue tan vigente en nuestro panorama de desinformación, odio y cruda realidad que divide a la población.

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Esta obra de Picasso para mi es muy impactante ,por que nos muestra mucho sufrimiento y dolor también la perdida de personas inocentes también puedo observar unas figuras distorsionadas , rostros gritando de dolor animales heridos y una bombilla en la parte superior la cual la interpreto como una mirada que refleja la verdad para que el mundo no la ignore.

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Buenas noches ,para mí esta obra de arte sobre la niña Omaira de 1985  me deja una gran reflexión sobré la ética y responsabilidad de las autoridades competentes para evitar esta tragedia, también la importancia de la ayuda humanitaria, la vulnerabilidad humana frente a los desastres ,la resiliencia ,que a pesar de   la situación siempre tuvo fé  en que podía salir de la situación que se encontraba y también el valor del que estuvo para tomar la fotografía que quedó como recuerdo e historia de nuestra Colombia ,  las vidas perdidas de lo cual se aprende de los eventos pasados para prevenir futuros desastres.

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Esta obra de arte me transmite angustia, tristeza, puedo imaginar como la guerra acaba con la vida no solo de las personas si no también de los animales, transmite mucho sufrimiento y dolor.

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Al observar esta obra de arte El Guernica de Picasso se vienen a mi mente una serie de pensamientos reflejados  a través de distintos sentimientos : la primera impresión que me da es el reflejo de una situación violenta desencadenada por una guerra que causa dolor y sufrimiento, al ver una madre con su hijo muerto entre sus brazos siento desesperación al pensar en  el dolor tan grande que puede causar la muerte de un ser querido como lo es un hijo; un sentimiento de miedo reflejado por la señora que con brazos alzados, al parecer grita pidiendo auxilio, desesperada ante lo que está viviendo; asombro al ver como Picasso plasmo con rostros desfigurados personas, animales y objetos; demostrando así su grandes y excelentes habilidades en el trazo de cada línea realizada. Terror de solo imaginarme estar dentro de esa escena sintiendo y viviendo lo que aquellas personas y animales reflejan a través de sus posturas, acciones y gestos; alegría de comprender y entender un poco más el mundo del arte desde una perspectiva diferente a partir de las intervenciones de mis compañeros y del docente a carga. Obras como estas nos enseñan a comprender que a través del arte puedes dar a conocer sentimientos y situaciones que de pronto con las palabras no se puede expresar. 

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Esta obra de arte me genera curiosidad e imaginación, me representa un mundo lleno de conocimientos a través de la lectura, querer descubrir una nueva perspectiva que me permita ver el mundo desde un punto de vista diferente.

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Lagrimas de Sangre de Oswaldo Wayasamin (1973). abordando tres dimensiones: realidad, sujeto y obra artística y la relación con el espectador. 1)	Realidad: el autor de la pintura refleja las luchas sociales que se generan en América latina, muestra la pintura el dolor y la violencia que se da por el paso del abuso del poder. 2)	Sujeto: Guayasamín como autor de la pintura refleja una crítica al estado del gobierno opresor y refleja el sufrimiento de los oprimidos; Puede ser la representación de dolor y la resistencia; busca empatía y conciencia en el observador. 3)	Obra artística: obra que muestra expresiones de la humanidad, un lenguaje que muestra la fragilidad de las personas, la dignidad de la humanidad y la represión del gobierno.  4)	Espectador: Según lo tratado en clases y desde un enfoque personal, podría decir que la pintura genera un sin número de emociones, como reflexión, sufrimiento y empatía, al tiempo que invita a cuestionar las opresiones de un Estado y a revisar el comportamiento de la sociedad respecto a los derechos humanos y la política. En ese sentido, las manos en la boca podrían reflejar que los oprimidos no pueden gritar y que solo les queda llorar con sangre, todo el sufrimiento que atraviesan debido a la crueldad de un gobierno de los partidos políticos y la sociedad. 

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La escultura  que observamos combina los rostros de una niña y una anciana, simbolizando el ciclo de la vida.                                                                                    Nos invita a reflexionar sobre el paso del tiempo y la conexión que hay entre la juventud y la vejez.Esta obra nos recuerda que cada etapa de la vida es valiosa y nos invita  a apreciar el presente, vivir con plenitud y respetar la sabiduría de nuestros ancestros.

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en  la obra esta Dios como energía divina con todos sus ángeles y arcángeles el autor tiene un mensaje oculto los humanos tenemos una conexión con lo divino solamente existe Dios y el hombre  entre ellos no hay un intermediario  y pone a Dios como en un cerebro donde se encuentra el chakra  corona    y se lo asocia  con la conexión espiritual  a una conciencia superior y a la unidad que el hombre es parte de Dios y Dios es parte del hombre; el artista plasma a Dios apuntando al hombre ; es  un mudrá un gesto con la mano que  se llama Chandracala  que simboliza el elixir de la inmortalidad. .Esta obra de Miguel Angel  se encuentra en la capilla Sixtina  dentro de los museos de vaticano y es bastante irónico que  se encuentre allí

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Una pintura renacentista muy famosa de Leonardo Da Vinci la cual fue mandada a realizar por Florentino que quería un retrato de su esposa Lisa Gherardini el cual trabajó por más de 10 años utilizando revolucionaria técnica del sfumato que cera transiciones suaves entre luces y sombras generando profundidad.                Para mí la imagen da muestra del trabajo impecable de Leonardo dando a conocer la sensibilidad en la sonrisa y misterio en su mirada de Lisa y la admiración por las mujeres reflejados en la pintura.

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Al ver la pintura siento que son dos hermanas unidas por el corazón, pero separadas por un cordón cortado que me genera curiosidad y cierta inquietud. Me sorprende la sangre y las tijeras, aunque ellas permanecen tranquilas, tomadas de la mano, como si aceptaran su dolor, Para mí, esta imagen era un contraste entre la fragilidad de los lazos humanos y la fuerza silenciosa de seguir unidos incluso en medio de las heridas. Luego, al conocer la obra, entiendo que no son hermanas sino dos versiones de Frida Kahlo: una herida y vulnerable, y otra fuerte, ligada a sus raíces. Eso hace que mi primera impresión se complemente con el verdadero sentido del cuadro, donde el contraste entre el sufrimiento y la calma refleja lo complejo de sus emociones.

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Las dos Fridas es un cuadro al óleo de Frida Kahlo pintado en 1939. Esta obra constituye un autorretrato doble de la artista en la cual se duplica su imagen a manera de espejo, y tomada de la mano; pero con diferente vestimenta. Ambas figuras se encuentran sentadas sobre un banco forrado de verde y en el fondo se observa un cielo grisáceo. Es de acuerdo a Seeman (2004) su cuadro más famoso.​​

En el año 1939, Frida había estado viviendo durante más de seis meses entre Nueva York y París debido a sus exposiciones individuales y tras haber alcanzado el reconocimiento de los artistas más destacados de la época en Europa. A su regreso a México, la tristeza invadió a la artista debido a la ruptura de su matrimonio con el también pintor Diego Rivera, formalizando el divorcio el 6 de noviembre de 1939, aunque volverían a casarse un año después, lo que sumado al aumento de sus dolores físicos, fueron el motivo para realizar esta obra que es una de las suyas más reconocidas.

En esta obra se representa a Frida en su colorida vestimenta mexicana de tehuana que era la mujer a la que Diego amaba y/o había amado. En la otra se ve a Frida con un antiguo vestido victoriano de encaje blanco, la versión europea de Frida, que agradaba menos a su marido. Algunos historiadores del arte sugieren que ambas figuras simbolizan esa herencia dual de Frida. Su padre, Guillermo Kahlo, era alemán, mientras su madre, Matilde Calderón, era mestiza (hija de indio y una descendiente de españoles).

Una arteria o vaso sanguíneo conecta a las dos Fridas, desde sus manos pasando por sus corazones a la vista, copiados de libros de anatomía. Se puede apreciar que la arteria de la Frida de la derecha acaba en un pequeño retrato de Diego Rivera mientras que la arteria de la Frida de la izquierda está cortada intencionalmente con unas tijeras quirúrgicas por la misma Frida, salpicando el blanco vestido.

De acuerdo con el amigo de Frida, Fernando Gamboa, la pintura le fue inspirada por dos pinturas que vio a principios de año en el Louvre, las 2 hermanas de Theodore Chassérieau y el anónimo Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas.

En enero de 1940 la pintura fue exhibida junto con La mesa herida en la Exposición Surrealista Internacional celebrada en la ciudad de México.​ Permaneció en posesión de Kahlo hasta 1947, cuando fue adquirida por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). El INBA la transfirió al Museo de Arte Moderno en 1966, donde se encuentra actualmente.​

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Las dos Fridas - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Las dos Fridas es un cuadro al óleo de Frida Kahlo pintado en 1939. Esta obra constituye un autorretrato doble de la artista en la cual se duplica su imagen a manera de espejo, y tomada de la mano; pero con diferente vestimenta.

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Titulo de la obra: Los arrieros, 1973                                                                 Autor:  Luis Alberto Acuña (nacido en Suaita, departamento de Santander en 1904 y falleció en Tunja en 1993)                                                                         Técnica: oleo / madera                                                                              Reseña.                                                                                                                         En su obra manifiesta acerca de las raíces prehispánicas, ancestrales y populares de América Latina, vinculando su obra con las condiciones de la vida americana y olvidarse de la simple imitación de la realidad y de las modas europeas. Definiendo una cultura nacional autentica, reivindica los valores autóctonos y las costumbres rurales, al tiempo que acentúa y exagera los rasgos étnicos de los campesinos colombianos. (Fernández. C.A. Grupo de Teoría e Historia del Arte en Colombia, Universidad de Antioquia)                                                                                                                                ...... Mi reflexión de la obra los “arrieros” la realizo a través de esta fotografía donde doy a conocer una costumbre de nuestro campo que aún transportan sus productos usando animales como caballos, mulas, y siguen comprometidos, amando el campo, perseveran en su identidad, transmiten sus conocimientos de generación a generación 

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En mi opinión la "Guernica" de Pablo Picasso, refleja horror, sufrimiento, caos y desolación, es un escenario donde puedo evidenciar que algunos elementos de la obra están siendo pisoteados y de alguna manera reflejan en sus rostros la crueldad con la que se les a infligido, y de otra manera también observo en la obra los causantes de la barbarie que allí se refleja.

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Los Amantes es una pintura surrealista de René Magritte realizada en París, en el año 1928.                    Para mí la pintura hace referencia a que el amor es ciego y  no tiene límites, no es por lo físico sino por la química que se siente hacia la otra persona, a los amores imposibles que se tienen que esconder porque no los dejan estar juntos.

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Esta obra fue creada por la artista mexicana Frida Kahlo en 1949, lo que puedo observar en esta obra es el mal semblante que tiene Frida que se ve reflejado en sus lágrimas, y el mal aspecto de su rostro que refleja dolor, rabia, tensión y zozobra. Por otra parte, en su frente esta pintado Diego, que por una parte se puede deducir que es una persona importante para Frida por el lugar donde está ubicado, pero también se configura como el causante del mal que agobia a Frida.

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BAILANDO EN COLOMBIA a través de sus obras Fernando Botero siempre plasmaba gente o figuras con gran volumen, regordetas. Realidad: Botero a través de esta pintura, captura la esencia del baile colombiano, utilizando colores vibrantes y una perspectiva exagerada para dar vida a sus personajes. Botero siendo el autor de esta obra se convierte en el sujeto: es un reflejo de su estilo artístico único y de su amor por la cultura colombiana. La obra artística; representa vida, alegría por parte de la pareja que realiza el baile, seriedad transmiten las personas que tocan los instrumentos los cuales también lo plasmo con gran volumen, se puede notar que las guitarras no tienen cuerdas, que la pareja que baila parecen personas enanas y que los músicos son de gran altura; la obra transmite que se encuentran en una celebración, de festejo, gozo y demuestra que bailar hace que tu cuerpo y tu mente se sientan mejor, demostrando que las dos personas se entienden al bailar, que puede haber una relación una relación sentimental entre ellos o que simplemente son pareja de baile.

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Botticelli.S (1482-1485) El nacimiento de venus pintura. Galería de los Uffizi en Florida.                       La obra de “El nacimiento de venus “ representa la relación de arte y realidad  porque se basa en la mitología y simbolismo, esta figura es una interpretación idealizada, que para mi esta imagen representa la belleza de la mujer, buscando el arte a través de perfección y la armonía, donde la belleza física podía ser una vía hacia lo divino y lo espiritual. Está obra me  refleja un efecto de la cultura y la historia de la época en que se creó, mostrándonos así un reflejo de realidad cultural y social, en donde también se demuestra como la naturaleza es representada desde una mirada artística  más que realista.                                

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El barniz de Pasto, obra y creacion que en su mayoria Pastusos, donde su ejecucion puede convertirse en complejo pero delicado y como representacion artistica de todos los Nariñenses para el mundo, arte desde tiempos ansestrales que con la tradicion no a muerto, hoy desde el centro comercial y artesanal Bombona podemos mencionar que Pasto sigue vivo 

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Barniz de Pasto, imagen tomada de taller Granja

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Barniz de Pasto, imagen tomada de taller Granja

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Cuando veo "El Guernica" de Picasso, no solo veo un cuadro, siento un grito desgarrador., me hace pensar en cómo el arte puede hablar sin palabras de las peores heridas de la humanidad. Veo a una madre con su hijo muerto, el caballo que relincha de dolor, las figuras rotas y angustiadas… todo en blanco y negro. Esto no es solo una pintura, es una denuncia eterna contra la guerra y el sufrimiento que causa, especialmente en los inocentes. Pues, en nuestra labor como futuros educadores también es crear conciencia: debemos enseñar a nuestros niños a valorar la paz y a nunca normalizar la violencia. Picasso no pintó una batalla, pintó el miedo, la pérdida y la injusticia, y eso es algo que, tristemente, sigue vibrando en el mundo hoy.  Atte. Fany Benavides Martinez.

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Análisis de "El Guernica" desde mi opinión

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Análisis de "El Guernica" desde mi opinión

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LA NAVIDAD NEGRA. en esta obra de arte me hace recordar los momentos tan injustos y angustiantes que pasaron nuestros antepasados, me refleja tristeza y vemos la realidad de como a nuestro pueblo le arrebataron la  felicidad y la tranquilidad por no querer "obedecer"

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Leonardo Da Vinci, refleja una compresión la anatomía humana, la luz y la psicología femenina, en esta obra Leonardo Da Vinci difumina la atmosfera sutil y enigmática, contribuyendo a la sensación de vida y el misterio del retrato, además de la mona lisa podemos observar la mirada de la mona lisa aunque aparentemente directa, ha sido objeto de estudio surgiendo un efecto psicológico, también plasmo la belleza y la complejidad del cuerpo humano en la mona lisa.                                                                                                     la mona lisa es una obra maestra que refleja maestría técnica de Leonardo Da Vinci y su profunda compresión de la anatomía de la luz, y la psicología humana con un enfoque en la belleza y femeninos                                                                     

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LA MONALISA (1503-1506) LEONARDO DA VINCI

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LA MONALISA (1503-1506) LEONARDO DA VINCI

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Al observar esta obra, me pregunto: ¿el arte debe imitar la realidad o puede crear una propia? Kandinsky no pinta montañas ni rostros, pero sus formas geométricas y sus colores vibrantes me generan emociones tan reales como las que siento cuando veo un atardecer. El amarillo brilla como el sol de mediodía, el rojo arde con la intensidad de una pasión y el azul profundiza como el cielo antes de una lluvia. Esto me hace pensar que la realidad no es solo lo que vemos, sino también lo que sentimos, y el arte tiene el poder de capturar esa verdad interior. Veo aquí una lección profunda: quizá nuestra labor como docente no sea solo enseñar a los niños a describir el mundo, sino a sentirlo y reinterpretarlo con su propia voz. Kandinsky no copió la realidad, nos regaló una nueva forma de experimentarla.

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Amarillo, rojo y azul de Wassily Kandinsky. Año: 1925

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Amarillo, rojo y azul de Wassily Kandinsky. Año: 1925

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Amarillo, rojo y azul de Wassily Kandinsky

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Las dos Fridas - Frida Kahlo. Al observar la obra, veo a dos mujeres que en realidad son la misma persona, pero con vestidos diferentes. me llama mucho la atención que están unidas por un hilo o vena que conecta sus corazones, y que una de ellas sostiene unas tijeras que parece que puede cortar ese lazo. Siento que la artista quiso mostrar que aunque somos una sola persona, dentro de nosotros a veces hay dos lados distintos, uno fuerte y otro mas frágil. También pienso que la sangre y la corazones descubiertos representan el dolor, pero al mismo tiempo a unión que no se puede romper fácilmente.

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Su génesis se encuentra en la O de Pinzón…

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En Los comedores de patatas, Van Gogh representa la dureza y sencillez de la vida campesina, marcada por el trabajo constante y el agotamiento. Esta escena, aunque europea y del siglo XIX, encuentra un eco cercano en las realidades de Nariño, donde la economía agrícola tradicional aún reúne a las familias al caer la tarde, después de las 3 p. m., alrededor de una cena humilde. Allí, al igual que en la obra, los rostros cansados y las manos gastadas son huellas de un esfuerzo diario que, aunque no trae riqueza material, sí conserva la dignidad del vivir sencillo. En ambos contextos, el arte no embellece ni idealiza, sino que revela lo humano en su forma más auténtica: la lucha, la unión familiar y la memoria que se teje en lo cotidiano. Así, la pintura de Van Gogh dialoga con nuestra propia historia, recordándonos que la verdadera belleza no reside en lo perfecto, sino en lo verdadero, en lo que se comparte y se transmite como experiencia colectiva. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------LOS COMEDORES DE LA TARDE (POEMA REFLEXIÓN ARTISTICA)                                  Hay un silencio que se posa en los campos cuando el sol se derrumba tras las montañas. Entonces, la tierra suspira y los cuerpos regresan a la casa, con la piel llena de barro y el alma rendida de quien trabaja; es el campesino muy valioso, quien labora pa´ las masas.                                                                       En la mesa se enciende una luz pequeña el pan, el fogón y las papas. Nada falta y nada sobra. En los rostros, ya gastados, hambrientos de quien se sacia, hundidos en la penumbra, guardan un secreto que no es tristeza la belleza, obra de arte; riquezas, lo que falta; dignidad, lo que les sobra a quien siembra en tierra escasa.                                                                                  Van Gogh los pintó lejos, en un rincón de Europa, en una casa; pero esa escena vive aquí, en los ojos de mis abuelos mirando la ventana, en las manos agrietadas de los campesinos de Nariño, que la pobreza resalta, la riqueza no se finge; todo se dice en un gesto, en un bocado que acompaña, en la risa breve que rompe el cansancio, cuando el sol se derrumba tras las montañas.                                                                                                                          Y pienso entonces que la belleza no está en lo que brilla, sino en lo que resiste. No está en los cuadros dorados de un museo, sino en esta mesa humilde, donde cada tarde la vida se sienta, con el trabajo que persiste, en la noche y la penumbra, el descanso que derrite y las riquezas de las naciones en el trabajo del humilde.  CJ CRUZ 2025

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Los Comedores de Patatas (Van Gogh 1885)

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Los Comedores de Patatas (Van Gogh 1885)

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Esta obra transmite un fuerte mensaje de dolor, caos y brutalidad, siendo una respuesta directa al bombardeo de la ciudad de Guernica, durante la Guerra Civil Española, por parte de fuerzas nazis y fascistas. Honestamente me da tristeza, asombro y frustración ya que la historia detrás es muy lamentable, personalmente transmite horror ante la guerra impotencia y dolor humano denuncia social y política una especie de grito visual ante la injusticia

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Buenas tardes según en la imagen observo la tristeza, la desesperación, la angustia, el dolor y sufrimiento de las personas pero a pesar de eso no pierden la esperanza al ver crecer una planta en medio del caos

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Los relojes derretidos me transmiten la sensación de que el tiempo no siempre corre igual para todos. Para mí, esta obra es un recordatorio de que la realidad no es solo lo que vemos afuera, sino también lo que llevamos dentro. Cada uno tiene su propio reloj interior, con un ritmo distinto, marcado por las experiencias, las emociones y los recuerdos que nos hacen ser quienes somos.

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Obra de Arte que escogí “La persistencia de la memoria de Salvador Dali”

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Obra de Arte que escogí “La persistencia de la memoria de Salvador Dali”

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En esta imagen observo la belleza de la naturaleza, la tranquilidad del campo, un ambiente sano lleno de colores y mucha paz 

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Para mi esta representacion grafica es la indicacion que todo lo que compramos, comemos, trabajamos, disfrutamos, vemos, olemos,sentimos se reduce a una sola palabra TIEMPO. El TIEMPO se nos diluye como agua entre las manos, lo tenemos y se nos va poquito a poquito y lo unico que nos quedara son esos recuerdos, imagenes que en algun momento tambien se iran. 

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Esta imagen para mi representa el arte y la realidad porque me traslada, me lleva a pensar en ese preciso momento donde se crea una nueva vida, así como las personas estamos 9 meses en el vientre de nuestra madre esta semilla tendrá que esperar alrededor de 10 días para ser parte de este mundo. Las manos con barro representa esa acción que debemos realizar para ver materializado un sueño, un proyecto, las manos están involucradas en la creación, porque la biblia nos enseña que Dios formo Adán del polvo de la tierra. Las manos hacen referencia a Dios, la semilla que esta en las manos representa a Adán cuando esta siendo formado y las otras semillas que están fuera de la mano pueden representar las otras personas que luego Dios fue introduciendo en la tierra. El Padlet no me deja subir 2 imagenes por tal motivo le dejo el Link de la obra que tome como inspiracion: La creacion de Adan https://images.app.goo.gl/WDGPofiQtMULH2VX8

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Inspirada en la obra: La Creacion de Adan. Miguel Angel Buonarroti. 1511.

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Inspirada en la obra: La Creacion de Adan. Miguel Angel Buonarroti. 1511.

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Esta obra de Pablo Picasso desde mi percepción es que la obra refleja la desesperación, la guerra y sus consecuencias, el uso de los colores a blanco y negro son símbolos de tristeza, desolación, las figuras son un reflejo del dolor, la madre llorando con su hijo en brazos cuya forma y posición indican que está muerto es una escena desgarradora. Se observan también figuras de animales como el toro y el caballo que indican fuerza y también son usados mucho en la guerra, en síntesis la obra refleja una relación entre sujeto arte y realidad, el sujeto evocando las consecuencias de una guerra y violencia que quizá responde a un contexto histórico.

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En esta pintura siento reflejada una alegría, se ve como atraen buenas energías, la afinidad entre ambos es una conexión inexplicable. Muestra la belleza  de este grupo étnico afrocolombiano ,donde se refleja su cultura, se nota que están cantando ,bailando  y esos trajes coloridos hacen que la gente se goce mucho mas estas fiestas de esta bella comunidad que nos trasmite alegría.

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Me asombra porque se ve que el autor  quiso trasmitir  muchos sentimientos  como desesperación ,tristeza ,confusión,, se siente el temor y suspenso ,muestra la guerra pero no como vinolencia .Los animales representan fuerza, y siento que las persona que tiene el niño esta sumergida en el dolor por alguna razón desconocida, siento que esta obra representa mucho poder y es cautivadora incluso en nuestros días 

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(La Muchacha, 2021, 3:56m).                                                                     Como arte escogí la canción de la artista colombiana La Muchacha, su nombre real es Isabel Ramírez Ocampo en el año 2021, con esta canción nos hace referencia a la realidad de lo que hemos vivido en Colombia del cansancio de un pueblo por tanta maldad, desigualdad, muertes y violencia, justo en este año pasamos por un paro donde jóvenes salieron a las calles por la lucha de sus derechos, pero tristemente muchos murieron. Me parece importante que nuestros estudiantes sepan de que no es bueno quedarse callado que hay que recordar de donde se viene y enfrentarse al gobierno, desde la paz, el dialogo y sobre todo con tolerancia con quienes piensan diferente.  Adjunto un link de drive donde podemos observar un video sobre la reflexión que realice. 

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Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Guernica.                 Cuando observe esta imagen, sentí confusión, no encontraba sentido a sus figuras. pero después de una breve explicación y al leer un poco  de esta obra, sentí una mezcla de emociones muy fuertes. me dio tristeza  ver tanto dolor en los rostros y cuerpos de las personas. también sentí miedo, como si algo estuviera pasando y nadie pudiera escapar. me hizo pensar en las personas que viven en guerra o violencia, y como eso afecta a familias, animales y todo lo que nos rodea.

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Reflejo fiel de una época y de unas luctuosas y dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, de 1937. El motivo que impulsó a Pablo Picasso a realizar la escena representada en esta gran pintura fue la noticia de los bombardeos efectuados por la aviación alemana sobre la villa vasca que da nombre a la obra, conocidos por el artista a través de las dramáticas fotografías publicadas, entre otros diarios, por el periódico francés L'Humanité. A pesar de ello, tanto los bocetos como el cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario, constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.
Guernica ha suscitado numerosas y polémicas interpretaciones, circunstancia a la que contribuye indudablemente la voluntaria eliminación del lienzo de cualquier tonalidad ajena a la grisalla. Al analizar su iconografía, uno de los estudiosos de la obra, Anthony Blunt, divide a los actores de esta composición piramidal en dos grupos, el primero de los cuales está integrado por tres animales: el toro, el caballo herido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en llamas.
En este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años antes, en 1935, Picasso había grabado al aguafuerte la Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica.
Los acontecimientos de la vida privada de Picasso, junto a los sucesos políticos que atribularon al continente europeo en el período de entreguerras, se fusionan en los motivos creados por el pintor en estos momentos, para dar lugar tanto al propio Guernica como a sus bocetos y post scriptum, considerados como unas de las obras de arte más representativas del siglo XX.

Paloma Esteban Leal

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Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Guernica

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Picasso, Pablo (Pablo Ruiz Picasso): Guernica

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Explorando El Hombre que Camina I de Alberto Giacometti                                                                            Cuando veo la escultura el hombre camina, siento que representa lo que vivimos muchas personas.: seguir adelante, aunque a veces nos sintamos frágiles o cansados. el cuerpo de hombre delgado, como si estuviera hecho de hilos y ramas, pero sigue caminando con decisión. para mi, esta obra muestra que, que aunque tengamos dificultades, seguimos buscando aprender, crecer y avanzar.                                me recuerda a la gente de mi comunidad, que cada día caminan con fuerza hacia el conocimiento, el trabajo, o el cuidado de la tierra.

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Explorando El Hombre que Camina I de Alberto Giacometti

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Descubre la profundidad existencial de “El Hombre que Camina I” de Alberto Giacometti, una escultura intemporal que encarna la condición humana.

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"los comedores de patatas" de Vincent van Gogh - 1885-  Esta obra no idealizo los lujos ni la belleza, muestra lo cotidiano de un campesino, puede verse en sus rostros el cansancio por su trabajo y sus manos lastimadas, la comida que comparten al final del día que ellos mismos cosecharon sus patatas, es fácil ver la humildad que transmiten, la unión y el calor humano. Haciendo que la obra sea un espejo de la realidad social de la época. Al mismo tiempo, el estilo de Van Gogh, transforma lo cotidiano en algo artístico, logrando que veamos la realidad a través de su mirada única. Esta obra me hace pensar en como el arte puede documentar la vida real, pero también interpretarla , transmitir emociones y generar una conexión con quienes la vemos.

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Obra de: Edvard Munch. Año:1893. Título de la obra: El grito (skrik).Elegí esta obra porque me trasmite, lo que es la angustia, depresión, ansiedad, sufrimiento, y según lo que leí el autor de esta obra (Edvard Munch) le representa el terror y la lucha con sus propios demonios internos, y la elegí porque para mí es la realidad de hoy en día de muchos adolescentes y de la sociedad en sí, es algo que está pasando en la vida real por eso elegí esta obra. Yo hice un collas de las emociones que me trasmitía la obra. Profe que pena pero no me deja subir otra foto entonces a qui esta el enlace. https://www.lagacetasalta.com.ar/nota/137222/desenchufados/grito-pierde-sus-colores-culpa-humedad.html

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Aesthetic Autumn Outfit Inspiration Photo Collage

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La obra "Mujer con sombrilla" es un cuadro de Claude Monet, pintado en 1875. Para mí, esta obra representa un ejemplo destacado del impresionismo, movimiento artístico que se caracteriza por capturar la luz y el color en la naturaleza. En este cuadro, Monet representa a una mujer caminando por un jardín, sosteniendo una sombrilla para protegerse del sol. La obra se centra en la captura de la luz solar y su efecto en los colores y las sombras. La pincelada suelta y expresiva de Monet crea un sentido de movimiento y energía en la escena. La obra también puede ser vista como una representación de la vida cotidiana y la belleza de lo mundano. La mujer con sombrilla es un tema aparentemente simple, pero Monet logra transformarlo en una obra de arte que celebra la luz, el color y la vida. En general, "Mujer con sombrilla" es una obra que muestra la habilidad de Monet para capturar la esencia de la vida cotidiana y transformarla en arte, utilizando la luz y el color como elementos fundamentales de su lenguaje pictórico.

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DARY ABIGAIL BARRIOS MORALES. Mujer con sombrilla-Cuadro de Claude Monet

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DARY ABIGAIL BARRIOS MORALES. Mujer con sombrilla-Cuadro de Claude Monet

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POEMA BASADO EN LO QUE PUDE REFLEXIONAR DE LA OBRA editado

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como podemos observar esta no es una obra hecha por artistas famosos, esta obra fue elaborada por un paisano de la vereda nariño del municipio de Ospina su nombre es MICHAEL JHONATAN PISCAL VILLACORTE, este mural fue inaugurado en junio de 2023 , llama la atención de cualquier visitante a nuestra tierrita ya que refleja la historia, su cultura y sus raíces. Nuestro municipio un lugar calido y lleno de biodiversidad: queria mostrarles la finalización total del mural, pero no me deja cargar las imagenes; en el fondo miramos reflejada una mujer ella era MARIA MUES CALCAN la cacica y fundadora de nuestro municipio que antes era un resguardo indígena. (https://youtu.be/VsUw7VsFI9I?list=RDVsUw7VsFI9I) dentro de este enlace encontramos la vercion actualizada del hino del mi municipio compuesto, orquestado y masterizado por Julio Villafuerte -JVTECH MUSIC con letra de la Dra  Aura Marina Diaz Benavides, Jaime Erazo Benavides, y Hector Ruiz Prado.  Interpretado por la banda de la escuela musical "Aires de Paz" bajo la direccion de Luis Carlos Rosero y David Moreno con voces de "Sanju Musical".  y como dicen los autores del himo "INMENSO ORGULLO YO TENGO DE HABER NACIDO EN OSPINA, SENTIR TAN DENTRO DEL ALMA A ESTE MI PUEBLO QUERIDO."

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este es un mural en sus inicios elaborado en el colegio Francisco de Paula Santander de Ospina Nariño 

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este es un mural en sus inicios elaborado en el colegio Francisco de Paula Santander de Ospina Nariño 

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La noche estrellada es un óleo sobre lienzo del pintor postimpresionista neerlandés Vincent van Gogh. Pintado en junio de 1889, representa la vista desde la ventana orientada al este de su habitación de asilo en Saint-Rémy-de-Provece, justo antes del amanecer, con la adición de un pueblo imaginario.​​​ El autor de esta obra de Vicent Van Gogh quiso expresar las emociones y la soledad del sufrimiento que vivía, pero también su esperanza y admiración por la belleza del universo. La obra refleja su mundo interior y como veía en el cielo un símbolo de infinitud y espiritualidad.

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Para mí esta obra refleja la gran gama de colores como los cálidos y fríos entre otros que existen, la belleza que se puede plasmar en un paisaje a partir de ellos, en mi imaginación diría que es un atardecer pero no como el color naranja de siempre sino una ola como el mar, también observo un universo infinito con galaxias y estrellas llenas de colores brillantes y profundas, también pienso en el campo y su belleza natural conformada por montañas el volcán en un verano increíble. 

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La obra me muestra que las grandes potencias como Inglaterra aprovechan la vulnerabilidad, la debilidad y la inocencia de su pueblo para aumentar sus  arcas sin importar coste de vidas,de salud, ni ninguna otra cosa que no sea su propia economía. 

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La obra me muestra que las grandes potencias como Inglaterra aprovechan la vulnerabilidad, la debilidad y la inocencia de su pueblo para aumentar sus  arcas sin importar coste de vidas,de salud, ni ninguna otra cosa que no sea su propia economía. 

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Al observar la imagen tengo muchos sentimientos encontrados, entre ellos el de estar decepcionado  y culpable, puesto que los humanos somos directamente los responsables de la contaminación en nuestro planeta por el consumismo y el derroche de los recursos naturales, de igual forma siento una profunda tristeza puesto que, por estas practicas hemos acabado con millones de ecosistemas y hemos extinguido muchas especies de flora y fauna por pura vanidad y dinero.

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(TIM NOBLE Y SUE WEBSTER) PUESTA DE SOL SOBRE MANHATTAN, 2003 

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(TIM NOBLE Y SUE WEBSTER) PUESTA DE SOL SOBRE MANHATTAN, 2003 

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Para mi esta fotografía representa el arte y la realidad ya que la ciudad de Pasto representa el arte por medio de la riqueza cultural, sus tradiciones, sus paisajes ,constumbres de sus habitantes y la relación con la naturaleza. Mientras que la realidad nos da a conocer sobre el cambio que ha tenido la ciudad  debido a su historia, la lucha de las comunidades y las diferentes culturas que han surgido como son los indígenas y los mestizos. Es por esto que es conocida como la ¨ciudad sorpresa¨ ya que tiene una riqueza cultural artística y natural debido a los paisajes, sus templos, y la fuerza de la gente y el compromiso para resistir y mantener vivas las tradiciones como son la elaboración de carrozas, el trabajo manual de artesanos como lo es el barniz de Pasto y la técnica del enchapado en tamo.                                                                              

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Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde llegó en 1934.                 Reflexión: Esta obra muestra relojes blandos que parecen derretirse en un paisaje desolador. Aunque a primera vista parece un sueño, para mi esta obra muestra la realidad del tiempo en nuestra vida diaria ya que el tiempo no siempre es igual, a veces pasa lento y a veces muy rápido que ni siquiera nos damos cuenta, quedándonos solo con las memorias de las experiencias vividas. Esta obra me hace pensar que debemos aprovechas todas las oportunidades que tengamos, que, si se nos cierra una puerta, muchas más se abren, en lugar de perder el tiempo, debemos enfocarnos en nuestros sueños, compartir con nuestras familias ya que el tiempo es un abrir y cerrar de ojos.     

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La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí.

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La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí.

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Buenas noches a todos, la obra que escogí fue "El triunfo de la muerte" su autor Brueghel, donde nos muestra que la guerra destruya a todos sin distinción, el conflicto de Gaza recuerda que la violencia nunca trae un verdadero triunfo, esta obra se convierte en un espejo atemporal del sufrimiento humano seguimos presenciando. Esto nos lleva  a pensar en las perdidas de la vida de gente inocente y el duelo interminable de no volver a verlos.

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ACTIVIDAD Teorías del desciframiento cultural.

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Inspirada en El matrimonio Arnolfini, que transmite la intimidad de una pareja, realicé este dibujo a lápiz para mostrar un momento especial entre madre e hija. Con un beso quise representar el amor, el cariño y la ternura que nos unen, además de compartir la confianza, la comprensión y la unión que fortalecen nuestra relación. Esta obra la he titulado "EL BESO". ATT: María Alejandra Muñoz Ortiz

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Inspirada en El matrimonio Arnolfini, que transmite la intimidad de una pareja, realicé este dibujo a lápiz para mostrar un momento especial entre madre e hija. Con un beso quise representar el amor, el cariño y la ternura que nos unen, además de compartir la confianza, la comprensión y la unión que fortalecen nuestra relación. Esta obra la he titulado "EL BESO". ATT: María Alejandra Muñoz Ortiz

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De Paul Gustave Doré, un artista francés quien ilustro a los Saltimbanquis en 1874, una familia que le acaba de ocurrir una desgracia. No se sabe exactamente lo que ha pasado, pero la familia está destrozada.                                                                      La madre llora, el padre la mira, intentando en vano buscar un consuelo. Al fondo los compañeros del circo miran la escena con pesar. Cerca de ellos hay dos perros que simbolizan fidelidad y un búho como símbolo de sabiduría. Se asume que el aparato del fondo es un artilugio de equilibrismo y que el niño acaba de caer al realizar un número peligroso.                                               Reflexión: "Los Saltimbanquis" nos permite ver más allá del maquillaje y los trajes de circo, para conectar con los seres humanos que hay detrás: con sus sueños, sus miedos, sus amores y sus esperanzas. Es un hermoso recordatorio de la dificultad de la experiencia humana, incluso en los escenarios más coloridos y vibrantes.                                                        Referencia:                                                                                            Iborio, E. (2020). ¡Los Saltimbanquis tragedia en el circo, HA!                        https://historia-arte.com/obras/los-saltimbanquis                                                     

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Edvard Munch: El grito. 1893. Óleo y pastel sobre cartón, una obra que destila la angustia humana de manera tan intensa que, más de un siglo después, se mantiene vigente como símbolo universal de la ansiedad.Obra seleccionada: "El Grito" del autor Edvard Munch Motivación de la selección: El motivo de la elección de la obra mencionada es el de reflejar de forma contundente y muy general una emoción que en algún momento hemos podido padecer: la angustia existencial. Y es que "El Grito" no solamente representa una de las pinturas más conocidas, sino que también una representación gráfica del miedo, de la angustia y de la preocupación que nos puede embargar sin que haya razones lógicas. Me pareció, por otra parte, una obra propicia para reflexionar sobre el tipo de estado emocional que puede llegar a mostrarse en el ser humano en tiempos inciertos. Reflexión: La obra "El Grito" invita a la observación de una figura humana situado en medio de un paisaje extraño y distorsionado y que expresa su tragedia con la boca abierta en un grito silencioso que debe resonar en todo el entorno. Este hecho me provoca a la reflexión de cómo, en muchas ocasiones, nuestras emociones más intensas son absolutamente insatisfactorias en cuanto a su descripción y la salida de una vivencia concreta. Mostrar esto es, observar a una sociedad que puede llegar hasta a olvidarse de parar para escuchar el grito interno de las personas. La obra me recuerda que es importante saber escuchar las emociones y no que éstas terminen reprimidas. Que el miedo, la angustia o la tristeza deben ser experiencias que no deben ser un indicio de debilidad y que son parte de la condición de ser humano. Es también un ejercicio que apela a ser más empático con las personas, puesto que en ocasiones no sabemos el tipo de "grito" que está llevando por dentro otra persona.                                           Las dos imágenes, nos cuentan del viaje emocional de lo humano: del caos interno a la valentía de ir hacia delante. Nos interpelan al decirnos que el dolor no finaliza la historia, y que a veces puede llegar a significar el inicio de la misma a algo distinto. Y que el paso hacia la luz, a pesar de ser incierto, es un acto de fe en nosotros mismos.                                                           https://www.culturagenial.com/es/cuadro-el-grito-de-edvard-munch/

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La canción Estuche de Aterciopelados invita a reflexionar sobre la importancia de mirar más allá de las apariencias externas y valorar lo que realmente hay en el interior de cada persona.; encuentro un mensaje muy profundo en sus versos, porque nos recuerda que el cuerpo es solo un “estuche” y que lo verdaderamente valioso está en la esencia, en la personalidad, en los sentimientos y en la manera de relacionarnos con el mundo.En el arte, aprendemos que lo bello no siempre es lo perfecto ni lo superficial, sino aquello que transmite un sentido auténtico y genera emociones. Esta canción rompe con los estereotipos de belleza y nos motiva a pensar críticamente sobre una sociedad que muchas veces le da más peso a la apariencia que al ser.Por eso, puedo decir que Estuche es también una obra artística en sí misma: cuestiona, transforma y comunica una verdad que puede inspirarnos no solo como estudiantes, sino como seres humanos a valorar más lo que somos por dentro que lo que mostramos por fuera.

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Aterciopelados (1998) El estuche [cancion] Carbe Atomico. RCA

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Aterciopelados (1998) El estuche [cancion] Carbe Atomico. RCA

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La obra que escogí fue la noche estrellada de van Gogh, fue creada en 1889 y se encuentra en el museo de arte moderno de nueva york. Desde mi perspectiva la reflexión que me deja esta obra es el cómo debemos observar y analizar la belleza de nuestro planeta y como en medio de la oscuridad hay una luz, y un ejemplo es: en el caso de los problemas por más grandes que sean siempre vamos a encontrar una solución o por lo menos guardar la esperanza de que todo se va a solucionar y que son lecciones para nuestra vida. En este caso realice un dibujo la obra que tome como referencia fue tomada de:                                                                                   https://historia-arte.com/obras/noche-estrellada-van-gogh 

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La obra “Las Meninas” (1656) de Diego Velázquez es una de las pinturas más importantes del arte barroco y de la historia del arte occidental. Se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid .Se trata de un retrato complejo y enigmático que muestra a la infanta Margarita de Austria, rodeada de sus damas de compañía (las meninas), un perro, un bufón y otros personajes de la corte. En el fondo aparece un espejo donde se reflejan los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, lo que sugiere que están fuera del cuadro, en el lugar del espectador. Además, el propio Velázquez se autorretrata pintando dentro de la escena. La obra no es solo un retrato de la familia real, sino también una profunda reflexión sobre la representación, la realidad y la ilusión. Velázquez juega con las perspectivas, el punto de vista y la presencia del espectador, cuestionando qué es real y qué es representación.

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Reflexión. En eta obra de arte pintada por Margaritte, podemos observar como figura central a dos personas de géneros opuestos, mujer y hombre que se encuentran cubiertos por un lienzo cada uno contextualizado en la realidad de un simple beso, yo miro y reflexiono sobre dos puntos de vista que percibo según mi propia opinión. El primero es quizá sea ilustración de un amor prohibido, el cual esta limitado y por ende no puede ser concebido, teniendo en cuenta que ese contacto físico del beso está limitado por el lienzo blanco que impiden a la pareja amarse libremente; ya sea porque los dos están comprometidos en matrimonio con alguien más o simplemente se trata de una barrera de tipo económico, social o político, en un ambiente que se torna oscuro y trágico para estas personas. El segundo punto de vista quizá pueda ser la ilustración de una pareja de matrimonio o de una relación amorosa, don la relación carece de encuentro pleno, anqué hay contacto físico la intimidad esta mediada por una barrera, esto pude simbolizar a grandes rasgos un quebrantamiento en la comunicación en cuanto a las relaciones humanas donde aun por más cerca que estén, existe una distancia enorme emocional y psicológica. Esta barrera pude crearse por el desamor de uno o de los dos participantes en la relación, también por la falta de tiempo compartido en pareja como por ejemplo el exceso de trabajo que nos aleja de compartir tiempo de calidad con nuestra pareja.

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      Guayasamín, O. (1966). La Edad de la Ira [Pintura]. Fundación Guayasamín, Quito, Ecuador.                                                                           Título de la obra: "LA EDAD DE LA IRA”- OSWALDO GUAYASAMIN.                                                                “La edad de la ira” es la segunda gran serie o etapa de pintura de Oswaldo Guayasamín, con un total de 130 cuadros, denuncia las injusticias y violencia a nivel mundial. La serie inició en la década de los 60’ y no fue concluida, pues a decir de Oswaldo Guayasamín la violencia no termina.                                             Guayasamín aseguraba que el siglo XX fue “el más violento que le ha tocado vivir a él y a la humanidad; comenzando con la primera guerra mundial, la guerra civil española, la segunda guerra mundial, los campos de concentración, Hiroshima y Nagasaki, tenemos guerras de baja intensidad en América Latina, década de los 70, dictaduras en Argentina, Uruguay, Paraguay, Venezuela, Colombia, en Ecuador una dictadura blanda, Perú, Bolivia, etc.”… ("La edad de la ira", s.f.)                                                                              La Edad de la Ira seguirá viva, no solo como arte, sino como conciencia; y con respecto a esto, quiero compartir mi representación artística inspirada en el pintor Oswaldo Guayasamín y su serie La Edad de la Ira, la cual se relaciona con el arte y la realidad, ya que refleja las injusticias, la violencia y el sufrimiento que aún persisten en nuestra sociedad. A través de la fuerza expresiva de las figuras y la intensidad de los colores, busco evidenciar que el arte no es solo una manifestación estética, sino también un medio de denuncia y reflexión. De esta manera, mi obra pretende invitar a pensar en la importancia de la memoria, la empatía y la transformación social.                                                                                               REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS:                   	                               Fundación Guayasamín. (s.f.). La edad de la ira. Oswaldo Guayasamín. Recuperado de https://www.guayasamin.org

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Razón de Vivir - Víctor Heredia. Esta canción trae para mi, muchos sentimientos. Es la descripción perfecta de un episodio, en el cual no tenía razon mi existencia, hasta el momento en que llegó mi Hijo y todos esos pensamientos se alejaron de mi ser, siendo el la razon de mi amor más puro, es mi motivación y ahora a su lado todo tiene sentido. He decidido realizar un poema, en el cual simboliza lo que a mi me transmite esta canción: 

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Canción: Razón de vivir, de Victor Heredía, año (2006)

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Canción: Razón de vivir, de Victor Heredía, año (2006)

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Està obra realizada por Edvard Munch (1896), refleja la separación  como un dolor profundo e inevitable de sentir, también hace referencia a la persona que se queda con el dolor más profundo. Describo la interpretación de esta obra en el siguiente poema: -----------------          ENTONCES TE VAS                      Entonces, así se termina, esta historia que a nuestra hija la llamaríamos Evangeline y a nuestro hijo Joaquín. Y te vas con ese color deslumbrante capaz de iluminar este semblante oscuro. Te vas y me dejas con el corazón desangrándose, siendo imposible para mis arterías transportarme oxígeno, y recordarme que sigo con vida, pero sin poder vivirla. Frente a este mar, me dejas con toda esta carga oscura que un día un se llamó amor y hoy se apodera de mi razón. Te vas y no quieres saber de esta persona que llamaste el amor de tu vida, que en realidad fue la causa perdida.Te vas, pero te aseguro que te convertirás en mi espera más larga, más anhelada.                                                        Autora: María Fernanda Cancimanse

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Nota. Elaboración propia (Erazo, 2025).                                                          La obra artística que escogí fue la canción "La rebelión" de Joe Arroyo (1986). Esta pieza musical, disponible también en un video publicado en YouTube (Discos Fuentes, 2021), refleja la historia de una pareja de esclavos que lucha contra la opresión y transmite un mensaje profundo sobre resistencia, dignidad y libertad. Para mí no es solo una canción; es una voz que recuerda la importancia de no permanecer en silencio frente a la injusticia, porque la música no solo entretiene, también denuncia, une y da esperanza. “La rebelión” es un canto a la libertad que, a través de sus notas y su fuerza, sigue recordándonos la necesidad de alzar la voz contra cualquier forma de injusticia (Arroyo, 1986). En cuanto a mi dibujo, lo he titulado Memoria viva (Figura 1). Está inspirado en una imagen visualizada en Pinterest (Kwabena, s.f.), aunque fue reinterpretado y hecho en mi propio estilo. Lo titulé así porque busca rescatar la fuerza de una historia que aún hoy nos habla y nos recuerda la importancia de la libertad. Representé un atardecer de tonos cálidos (naranjas, rojos y amarillos) que simbolizan tanto la fuerza como la esperanza de un nuevo amanecer. En medio del escenario incluí notas musicales que se elevan en el aire, como si fueran la voz del pueblo expresándose a través de la música, enmarcadas en el paisaje para mostrar que el ritmo alegre y único de la canción surge de nuestras raíces. También dibujé a una pareja de esclavos que expresa su unión con un beso y el gesto de liberarse de las cadenas, símbolo del amor y de la resistencia ante la opresión. Además, entre los colores cálidos incorporé de manera sutil los colores de la bandera de Colombia, para resaltar que esta historia hace parte de nuestra identidad y memoria como pueblo. Así, mi dibujo no busca solo ilustrar una escena, sino transmitir un mensaje: que el arte puede convertirse en un lenguaje universal de resistencia y esperanza, capaz de mantener viva la memoria e invitarnos a luchar por la libertad y la dignidad de todos los pueblos. De esta manera, no solo la canción en su versión original, sino también su difusión a través de plataformas como YouTube (Discos Fuentes, 2021), siguen manteniendo vivo un mensaje que conecta el arte con la realidad social.                                                                                                                                      PRESENTADO POR: KAREN VANESSA ERAZO NARVAEZ.

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Al mirar Guernica me invade un miedo abrumador que me aprieta el pecho, como si la pintura hablara con gritos mudos. Veo rostros desfigurados de dolor y siento que esas personas podrían ser cualquiera de nosotros, atrapados en un momento de horror sin salida. Lo que más me impacta es la madre con su hijo en brazos porque no hay dolor más grande que perder a alguien que se ama. Imagino su grito y me duele. También veo al caballo herido y al toro y siento que hasta los animales están atrapados en ese horror en esa oscuridad

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La obra que elegí es última cena Leonardo Da Vinci (1495-1498).                              Para mi esta obra representa la relación entre arte y realidad ya que simboliza el momento en el que Jesús  comparte una última cena con sus 12  apóstoles , donde anuncia que uno de ellos los traicionara provocándoles una reacción emocional, por ende Da Vinci quiso enfocar en sus obra el realismo, y la profundidad de  las emociones y reacciones representadas por los apóstoles.Por otro lado esta obra representa la traición puesto que es una realidad en nuestra vida por la que todos pasamos sin importar si es rico o pobre o si viene por parte de nuestra familia o de alguien en el que confiamos  , ya que por sentimientos de envidia, de celos , de rencor nos pueden llegar a causar daños significativos en nuestra vida o nuestro alrededor  , por consiguiente debemos tener cuidado a quienes damos nuestra confianza ya que vivimos en un mundo de maldad y cualquiera podría darnos una traición inesperada.

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YENCI ESTEFANI BENAVIDES                                                    

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YENCI ESTEFANI BENAVIDES                                                    

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La Noche Estrellada es una famosa pintura al óleo sobre lienzo de Vincent van Gogh, creada en 1889.   Poema.   La noche no descansa, Se enciende como un mar de fuego azul. Las estrellas no cuelgan: Dan vueltas, se buscan, se rozan, Como pensamientos que no dejan dormir. Un ciprés se alza, oscuro, Como una llama que quisiera tocar el cielo, Y el pueblo tan quieto, tan mínimo, Parece no escuchar el rugido del universo.                  

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"Ladrón de bicicletas" Año 1948.  Esta película muestra lo dura que puede ser la vida cuando no hay oportunidades. Un padre que solo quería trabajar para sacar a su familia adelante y perder la bicicleta para él fue haberlo perdido todo. Lo más relevante fue ver como el hijo está en todo momento, aunque parece que ven la vida injusta, al final, lo importante es ese lazo entre ellos, porque demuestra que en medio de tanta dificultad, lo único que sostiene es el amor y la familia.                                                                                                                                                            MI ACTIVIDAD ES UN POEMA REFLEJADO EN ESTA PELÍCULA                                                             

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Es una pintura mural realizada entre los años 1495 y 1498 por el multifacético Leonardo da Vinci (1452-1519). para mi en cuanto al tema católico del cual soy muy creyente esta imagen representa la ultima cena de nuestro Señor, donde el fue entregado y vendido por unas cuantas monedas, de igual manera aquella noche el sabia que uno de sus discípulos lo iba a traicionar, tambien hablan que quien esta a mano derecha del Señor es Maria Magdalena.  

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Edwin Andres Bolaños

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Girasoles Vincent van Gogh 1888. Esta pintura refleja su fascinación por la naturaleza y la vida cotidiana.Los girasoles, con su vibrante color amarillo y sus formas dinámicas, transmiten  una sensación de alegría y vitalidad. La elección de Van Gogh de representar estas flores en diversas etapas de su ciclo de vida simboliza el cambio de la existencia, recordándonos que la belleza puede encontrarse tanto en la belleza como también en la muerte la pintura transmite un sentimiento de calidez, siendo los girasoles unas flores que siempre buscan la luz del sol nos puede evocar un mensaje de resistencia, siempre buscanndo una luz aun en el momento más oscuro de nuestras vidas.

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La noche estrellada me transmite una sensación de fantasía, como si el cielo estuviera vivo y lleno de magia. Me hace pensar en lo maravilloso que es el mundo cuando lo vemos con otros ojos, en esos detalles que muchos pasan por alto pero que están ahí, esperando ser descubiertos. Es una forma única y diferente de mirar la realidad, una visión que a veces es juzgada por no ser “normal”, pero eso no le quita valor, al contrario, le da una belleza especial que merece ser apreciada.

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La noche estrellada me transmite una sensación de fantasía, como si el cielo estuviera vivo y lleno de magia. Me hace pensar en lo maravilloso que es el mundo cuando lo vemos con otros ojos, en esos detalles que muchos pasan por alto pero que están ahí, esperando ser descubiertos. Es una forma única y diferente de mirar la realidad, una visión que a veces es juzgada por no ser “normal”, pero eso no le quita valor, al contrario, le da una belleza especial que merece ser apreciada.

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Steinberg, L. (1981). Velázquez'" Las Meninas". October, 45-54.

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Steinberg, L. (1981). Velázquez'" Las Meninas". October, 45-54.

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La autora plasma su sentir en ese momento por el cual estaba pasando la ruptura de su matrimonio y se logra apreciar ese reencuentro de su versión casada vestida pulcramente de colores claros y pálidos y ceñida con el corazón abierto y cortando una de las venas que gotea sangre; con su versión despreocupada y más alegre por los colores que viste y con su corazón fuerte y completo.Creo que cuando enfrentamos una ruptura amorosa enfrentamos esa sensación de tener una herida que sangra y que a veces por decisión propia hacemos por nuestro bienestar mental y emocional y es el momento de reencontrarnos con ese yo que abandonamos por tratar de agradar y ser mejores para las personas que queremos y al encontrarnos con ese otro yo encontramos fuerza y recordamos que antes pudimos vivir sin esa persona y que ahora igual lo lograremos.

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la foto sentí que no solo mostraba objetos o costumbres, sino que revelaba la forma de ser de nuestro municipio.  las creencias, las culturas nuestras reservas naturales Me inspiró a pensar en cómo cada detalle —el fogón, la fe, las tradiciones y la relación con la tierra— refleja nuestra identidad y nos recuerda la importancia de valorar lo que nos hace únicas personas William Rene Benavides, 2025.                                                                        La idiosincrasia de nuestro pueblo. La fotografía refleja de manera clara la idiosincrasia del municipio de Túquerres, un territorio donde la tradición y la espiritualidad se encuentran con la vida cotidiana. En primer lugar, aparece el fogón, símbolo del hogar y del calor familiar, un espacio que no solo sirve para preparar los alimentos, sino también para reunir a la familia y transmitir la palabra de los mayores a través de historias, consejos y saberes ancestrales. Se distinguen también las comunidades indígenas, guardianes de la memoria cultural, que mantienen vivas sus costumbres, sus vestimentas y sus prácticas tradicionales. Su presencia recuerda que la diversidad cultural es la base de la identidad local y que el respeto por lo propio es la clave para fortalecer los lazos comunitarios. Otro elemento fundamental en la imagen es la representación del Señor de los Milagros de Túquerres, patrono de la fe popular, que une a la población en peregrinaciones, fiestas religiosas y momentos de oración. Esta figura espiritual muestra la fuerte influencia de la religiosidad en la vida del pueblo y cómo la devoción se convierte en un lazo de unión social. Finalmente, destaca el Sol de los Pastos, emblema que simboliza el origen, la fuerza de la naturaleza y la conexión con la Pachamama. Este sol representa la herencia de los pueblos pastos, su visión del mundo y su estrecha relación con el territorio. En conjunto, la fotografía no solo retrata elementos materiales, sino que refleja la esencia de Túquerres: un pueblo que se reconoce en sus raíces indígenas, en su fe, en sus tradiciones y en la fuerza de la naturaleza que lo rodea.

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Este mural representa la música como lenguaje universal, capaz de unir a pueblos, culturas y épocas. Chagall hace la mezcla sobre ,o humano con lo divino, mostrando la música como un puente entre la tierra y lo celestial. Desde mi punto de vista, ésta obra tiene un significado muy importante y totalmente completo sobre lo que la música significa para mí. Es una fuerza que nos envuelve y nos conecta. Para mí el rojo representa la pasión de poder interpretar, las figuras flotando representan la libertad que siento cuando canto y me dejo llevar por las melodías que interpreto. Es el arte de poder llegar donde tu quieras a través de la música, de visualizar algo y lograrlo, y la felicidad que eso te transmite. En el primer comentario dejo un video sobre mi experiencia viviendo lo que la obra de arte representa.

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EL TRIUNFO DE LA MUSICA (1996) POR MARC CHAGALL

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EL TRIUNFO DE LA MUSICA (1996) POR MARC CHAGALL