# data[].attributes.attachment_caption
Pittore dell’Italia centrale, “Città ideale”, 1480-1490?, Olio su tavola, Galleria Nazionale delle Marche (Urbino) 

# data[].attributes.headline
1° articolo - Pace è accogliere più punti di vista.

# data[].attributes.subject
1° articolo - Pace è accogliere più punti di vista.

# data[].attributes.body
Il dipinto rappresenta gli ideali di perfezione e armonia tanto cari al Rinascimento, attraverso la rappresentazione in forma e ordinata e simmetrica di una città che viene raffigurata con i principi scientifici della prospettiva centrale, evidenti soprattutto nel disegno geometrico della pavimentazione della piazza. Ai lati, in primo piano, si trovano due pozzi con gradinate a base ottagonale, posti in maniera perfettamente simmetrica. Domina la scena un grande edificio religioso a pianta circolare, forse un battistero o un mausoleo. La piazza è delimitata dalle facciate dei palazzi signorili rinascimentali, rivestite di marmi che accentuano la visione prospettica. In successione si vedono edifici più bassi di tipo medievale. Sullo sfondo, a destra, in posizione arretrata, è visibile il prospetto di una chiesa e in lontananza, ancora più dietro, un paesaggio collinare. Rari elementi di vegetazione decorano balconi e finestre e su un cornicione del primo palazzo a destra sono appollaiate due tortore, uniche creature del dipinto. L’assenza dell’uomo regna incontrastata e dona all’immagine la sensazione di un eterno silenzio. L’opera è stata attribuita a diversi artisti, tra cui anche l’architetto Luciano Laurana, per l’alta precisione del disegno e la somiglianza degli elementi architettonici con quelli del Palazzo Ducale di Urbino, di cui l’architetto fu in parte progettista. Attualmente gli studiosi assegnano la tavola ad un generico pittore dell’Italia centrale, che la dipinse presumibilmente fra il 1480 e il 1490. Varie ipotesi sono state formulate anche sull’uso di questa tavola: uno studio prospettico? Una spalliera lignea di un arredo? Il modello di una scenografia? “La città ideale” è il titolo dato a tre opere che hanno lo stesso soggetto e che sono state realizzate tutto intorno al XV secolo. Le tre opere sono conservate in tre città diverse (Urbino, Baltimora e Berlino) e si caratterizzano per essere tre rappresentazioni dell’urgenza di trovare un sistema valido per rappresentare lo spazio ovvero la prospettiva. Quest’opera ci ricorda che l’ideale assoluto non esiste, ma si realizza nelle nostre città e sta nel trovare una prospettiva comune
Domande per la riflessione:
Quali aspetti della realtà nella quale vivi stimola la pace? Se potessi costruire la tua città ideale, cosa realizzeresti per far sì che la pace viva con gli abitanti, li nutra e li alimenti?

# data[].attributes.attachment_caption
Vincenzo Foppa, “Miracolo di Narni”, affresco nella cappella Portinari della Basilica di Sant’Eustorgio, Milano,1464-1468 

# data[].attributes.body
La cappella Portinari nella basilica di Sant’Eustorgio a Milano rappresenta uno degli esempi più completi e meglio conservati di Rinascimento lombardo all’epoca di Francesco Sforza. La cappella venne commissionata da Pigello Portinari come sepoltura privata e reliquiario per la testa di san Pietro martire. Nascosta sotto ben sette strati di intonaco dai tempi della pestilenza del 1630 in poi, ridipinta e infelicemente restaurata, dopo fortunose vicende, la decorazione della cappella venne miracolosamente recuperata e oggi ha riassunto il suo volto originario, con la sua luce e i suoi colori. Questi due elementi sono fondamentali proprio perché sono ciò che caratterizza l’arte di Foppa: questo pittore si distacca dalla classica prospettiva geometrica “alla toscana, basata quindi sul disegno. Foppa fu infatti originalissimo nel rendere l’aria e l’atmosfera intorno ai personaggi: in natura infatti non esistono i contorni! È la luce a disegnare le cose! In tutte le opere di Foppa è la luce a rendere umane e reali le scene. Questa particolare sensibilità, proprio grazie a Foppa, viene anche detta “prospettiva lombarda”, perché fece scuola! In generale negli affreschi di Vincenzo Foppa prevale il gusto per il racconto semplice, efficace e comprensibile, ambientato in luoghi realistici con personaggi che ricordano tipi quotidiani. Anche in storia dell’arte si parla di “scuole”. Sì, “scuole” al plurale, perché in questo momento non stiamo parlando della scuola dove si studia storia dell’arte, ma delle scuole dove la storia dell’arte stessa è andata a scuola! Non so se avete mai sentito parlare di scuola veneta, scuola romana, scuola toscana, scuola lombarda, ecc.! La prima è passata alla storia per il colore, la seconda era famosa per la resa dei volumi, la terza per l’arte del disegno, la quarta per il paesaggio e il realismo e così via. Ma lo sapete qual è la cosa più bella? Anche se ogni “scuola” in arte si caratterizza per una specificità, le scuole sono sempre nate quando gli artisti si sono mossi e incontrati. Una nuova scuola nasce là dove gli uomini hanno intrapreso la rivoluzione del bello. La storia dell’arte ha sempre saputo valorizzare i rapporti fra culture diverse, influenze fra stili diversi. Domande per la riflessione:
Quale esperienza, incontro, occasione della tua vita ti ha insegnato la pace? Quali testimoni vorresti ascoltare o quali luoghi vorresti visitare, per educarti e crescere nella pace ?

# data[].attributes.attachment_caption
Cimabue, “Crocifissione del transetto sinistro”, 1277-1283 ?, Basilica superiore di San Francesco, Assisi.

# data[].attributes.headline
3° articolo - Pace è trasformare il negativo in positivo

# data[].attributes.subject
3° articolo - Pace è trasformare il negativo in positivo

# data[].attributes.body
Gli affreschi della basilica superiore di Assisi rispondono a un preciso programma iconografico: si arriva al transetto dopo aver percorso l’intera basilica sulle cui pareti, oltre alle celeberrime “Storie francescane” giottesche, dipinte ad altezza di sguardo, più in alto si trovano gli episodi dell’Antico e Nuovo Testamento. C’è una storia che prepara la venuta di San Francesco, c’è una storia nella quale la storia di San Francesco s’inserisce ed è la storia del rapporto fra Dio e gli uomini e la storia del rapporto fra Gesù e gli uomini. Questa storia avrà una fine ed ha un fine, che sono appunti rappresentati nel transetto sinistro e destro della basilica dove rispettivamente sono raffigurate le storie dell’Apocalisse e le storie dei Santi Pietro e Paolo, ovvero la Storia della Chiesa. Nel transetto sinistro, quello delle Storie dell’Apocalisse, trova posto appunto la Crocifissione di Cimabue. In alto vediamo gli angeli che piangono e si disperano: è il dolore del Padre che partecipa del dolore del Figlio. Ai piedi della croce gli uomini sono già divisi in due schiere: alla destra di Gesù i suoi amici, alla sua sinistra quelli che lo hanno crocifisso. Non sarà infatti Dio a giudicarci alla fine del tempo e a darci le pagelle come a scuola: il momento del giudizio sarà il momento in cui Dio prenderà atto della posizione che la nostra libertà ha assunto ai piedi della croce, ovvero nella prova. Già alla destra di Cristo c’è chi lo ha riconosciuto, già alla sua sinistra chi invece non lo ha fatto.
Nel gruppo di sinistra, cioè alla nostra destra, c’è un personaggio però con l’aureola. È il personaggio che la tradizione cristiana chiama Longino, il soldato romano infilò la lancia nel corpo di Gesù per verificarne la morte. Proprio mentre dal costato di Gesù uscirono sangue e acqua, il Vangelo ci dice che quell’uomo esclamò “Costui era veramente il figlio di Dio”, cioè lo riconosce. Per questo ha l’aureola ed è santo. Perché pur essendo dalla parte di chi ha crocifisso Gesù, lo riconosce. E questa è la santità: riconoscere il Cristo. Da notare il gesto bellissimo della Maddalena che alza le mani al cielo in un grido disperato. Nel transetto sinistro della basilica superiore di Assisi, fra i tanti capolavori ce n’è uno che è particolare: è un dipinto molto danneggiato, in cui per una reazione chimica, c’è stata un’inversione dei chiari e degli scuri. È la crocifissione di Cimabue ed effettivamente è come se fosse in negativo. Come se fosse impressa su un vecchio rullino. Eppure è bellissima così. La pace sa vedere il positivo nel negativo. La pace è ciò che sa far emergere il positivo dal negativo.
Domande per la riflessione:
Ci sono degli episodi negativi che sono stati come tappe fondamentali perché ti hanno insegnato qualcosa? Quando una persona comunica un aspetto negativo della sua esperienza, a tuo parere, quali sono le reazioni da avere, gli atteggiamenti e i comportamenti da assumere per fargli vedere la luce in quel momento di buio?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Welcome to ThingLink!

This quick tutorial will show you how to create wonderfully engaging experiences with ThingLink.

Create

Simply click the Create button and select the type of project you want to create.

Upload

Select a file from your device to be your base image or video.

Edit

Watch this short video to learn about tag types, basic customization options and the simple publishing process - a perfect intro to editing your thinglinks!

Share

When you’re ready to share your thinglink, click the blue Share button in the top right corner of the page.

Track

Statistics help you understand how many people have seen your content, and what part was most engaging.

3

Do you want to create similar content?

# data[].attributes.attachment_caption
Maestro espressionista di Santa Chiara, “Trasporto di Santa Chiara”, transetto destro della basilica di Santa Chiara, Assisi

# data[].attributes.headline
4° articolo - Pace è voler lasciare un anonimo segno bello nel mondo

# data[].attributes.subject
4° articolo - Pace è voler lasciare un anonimo segno bello nel mondo

# data[].attributes.body
La basilica di Santa Chiara ad Assisi iniziò a essere costruita nel 1257 per ospitare il corpo della Santa che vi fu traslato nel 1260. La chiesa venne consacrata nel 1265 e lì si spostarono, per essere più vicine alla loro fondatrice, le clarisse che prima vivevano a San Damiano. Con loro portarono ciò che avevano di più caro: il crocifisso di San Damiano, oggi conservato in una cappella, originariamente la chiesa di San Giorgio. All’interno della basilica sono conservati degli affreschi frammentari a causa di una scialbatura operata nel 1700 e a un successivo terremoto dell’Ottocento. La scialbatura è quell’operazione che prevede la stesura di uno strato di calce sopra un dipinto murale o per non renderlo più visibile. Nonostante lo stato di conservazione a oggi sono state riconosciute nella basilica di Santa Chiara almeno quattro mani: il Maestro di Santa Chiara, il Maestro della Natività di Santa Chiara, il Maestro Espressionista di Santa Chiara, un maestro di scuola più romano o toscana. Il concetto di autografia nell’arte non è sempre esistito. Questo perché, per tanti secoli, in realtà fino al Medioevo, i pittori erano considerati dei semplici artigiani. È per questo che spesso non conosciamo i loro nomi, ma possiamo ancora riconoscerne le loro “mani”. Gli storici dell’arte, pur non avendo documenti scritti, grazie ad attente osservazioni, sono in grado di riconoscere in un progetto generale, come gli affreschi di una chiesa, quando c’è il cambio di mano, quando c’è stato un cambio di artista: perché cambia la pennellata, il tratto, la forma… Di questi artisti appunto spesso non sappiamo il nome e risalirci è praticamente impossibile, proprio a causa della scarsità di fonti e informazioni. Allora gli storici dell’arte sono soliti chiamare quell’artista come “Maestro di… (nome dell’opera)”. Ecco, la pace è così: non ha nome, ma se ne fa memoria per ciò che di bello genera e lascia.
Domande per la riflessione:
Per cosa ti piacerebbe venire ricordato? Quale segno bello vorresti lasciare e per il quale sei disposto a impegnarti? Cosa ti colpisce degli altri, quando li incontri o ne senti la storia di vita ?

# data[].attributes.attachment_caption
Michelangelo Merisi, detto Caravaggio, “Martirio di San Matteo”, olio su tela, 1599-1600, cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi, Roma

# data[].attributes.body
Proprio grazie alle indagini diagnostiche sappiamo che Caravaggio realizzò tre versioni diverse del quadro, sovrapponendole, prima di arrivare a una versione definitiva. La prima era un’opera più classica e con il fondo chiuso da un tempio. Al centro si trovava un soldato che irrompeva nella scena invadendola. Nella seconda versione, i personaggi erano raffigurati in una scena molto gestuale. Nella terza versione, Caravaggio ambienta la scena in uno spazio profondo, con al centro il martirio del santo, riverso a terra, e ai lati una serie di personaggi che fuggono inorriditi. L’idea che un artista sia un genio che all’improvviso realizza subito un’opera d’arte perfetta è quando di più lontano esista dal vero! Il processo di creazione di un’opera d’arte è lunghissimo, è fatta di tanta preparazione, di tanti schizzi e bozzetti, ma soprattutto è anche fatto di tanti ripensamenti! Spesso i pittori cambiavano idea sulla posizione di una mano o sulla piega di un vestito mentre stavano realizzando il quadro e quindi sovrapponevano su una prima stesura, la nuova versione. Oggi questi ripensamenti si possono vedere con le tecniche diagnostiche !
Domande per la riflessione:
A tuo parere quali caratteristiche dovrebbe avere un genio capace di portare la pace? Ti è mai capitato di cambiare idea? E poi come è andata? Cosa pensi delle persone capaci di cambiare idea?

# data[].attributes.attachment_caption
Giotto, “Compianto sul Cristo Morto”, 1303-5, Cappella degli Scrovegni, Padova

# data[].attributes.headline
6° articolo - La pace si costruisce giorno dopo giorno

# data[].attributes.subject
6° articolo - La pace si costruisce giorno dopo giorno

# data[].attributes.body
Il “Compianto sul Cristo morto” è un affresco compreso nelle Storie della Passione di Gesù del registro centrale inferiore, nella parete sinistra, guardando l’altare, nella cappella degli Scrovegni. La scena, la più drammatica dell’intero ciclo è una delle più celebri perché da una parte dimostra la spiccata conoscenza delle regole della pittura di Giotto, dall’altra è come se rappresentasse un manuale di storia dell’arte. Apice della raffigurazione sono le due figure sedute di spalle in primo piano. Il raffigurare due figure di spalle a inizio Trecento da una parte rappresenta una scelta coraggiosa, dall’altra dimostra l’apice di perizia tecnica raggiunto da Giotto. Per l’epoca queste due figure rappresentano assolutamente una novità! La tecnica dell’affresco è una delle tecniche più difficili e complesse che esistano. Prevede la realizzazione del dipinto su dell’intonaco fresco, prima che si asciughi; altrimenti l’intonaco va rotto e steso di nuovo. Per questo i grandi cicli ad affresco sono divisi in “giornate”: una giornata, in storia dell’arte, è quello strato di affresco steso affinché possa essere dipinto prima che l’intonaco stesso si asciughi. In questo caso la storia dell’arte ci educa al fatto che niente di bello e grandioso è stato realizzato in poco tempo o in pochi giorni. Così la pace va costruita “a giornate”: tutti, ogni giorno, ci dovremmo alzare a chiederci “quanta pace riesco a dipingere oggi?
Domande per la riflessione:
Che rapporto hai con ciò che è feriale e ordinario? L’hai mai inteso come l’occasione per fare cose straordinarie (come la pace) nella vita di tutti i giorni? Che valore ha la lentezza nella tua vita? Cosa potremmo fare per far sì che la pace sia un’abitudine?

# data[].attributes.attachment_caption
Basilica della Santissima Trinità di Saccargia (Sardegna)

# data[].attributes.body
L’architettura romanica in Sardegna ebbe un notevole sviluppo e subì numerose influenze. Questo a causa dell’insediamento nella Sardegna giudicale (cioè medievale) di numerosi ordini religiosi provenienti da varie regioni italiane e dalla Francia. Di conseguenza nelle architetture di quell’epoca sono riconoscibili influssi pisani, lombardi, provenzali, oltre a tracce del passaggio di maestranze spagnole e islamiche. Gli influssi soprattutto del romanico pisano si fecero sentire nell’isola (vedi gli effetti bicromi di facciate e architetture) perché maestranze dell’altra costa tirrenica, ovvero toscane, vennero chiamate per la realizzazione dei grandi edifici, soprattutto durante il periodo dei quattro Giudicati, ovvero i quattro regni indipendenti (Cagliari, Arborea, Torres e Gallura) che si formarono tra VIII e IX secolo come conseguenza dell’isolamento in cui fu costretta l’isola in seguito all’espansione araba nel Mediterraneo.
La basilica della Santissima Trinità di Saccargia è una chiesa appunto in stile romanico pisano situata a Codrongianos, in provincia di Sassari. È una delle realizzazioni più importanti di questo stile in Sardegna. Fu completata nel 1116, sulle rovine di un monastero preesistente per volontà del giudice Costantino I di Torres. Alla fine del XII secolo l’abside fu affrescata da un ignoto artista proveniente dall’Italia centrale e a oggi quest’opera può essere considerata l’unico esempio superstite in Sardegna di pittura murale romanica in ottimo stato di conservazione. La chiesa è interamente realizzata con pietre calcaree chiare alternate a pietre vulcaniche scure. Avete mai fatto caso al fatto che spesso le città hanno quasi tutte lo stesso colore? In area toscana le chiese sono tutte bianche e verdi, in altre zone bianche e nere, a Roma è tutto di travertino, a volte è tutto di marmo, in Umbria è tutto bianco e rosa e così via: serpentino verde, pietra rosa del Subasio… eccoli alcuni nomi di pietre che spiegano i colori delle architetture? Ma la domanda è: perché venivano scelte alcune pietre piuttosto che altre? Beh, magari rimarrete delusi, ma la motivazione non nasconde nessuna scelta estetica o originale: le architetture delle città sono sempre state realizzate con le pietre del luogo dove sorgevano! Come a dire che per realizzare qualcosa di bello, compresa la pace, non hai bisogno di niente altro che di ciò che già hai. Qualcosa di bello sarà sempre realizzabile proprio a partire da ciò che si è.
Domande per la riflessione:
Quali sono le tue caratteristiche che pensi possano servire per costruire la pace? La pace è un cantiere, un’architettura ardita: dove scavare per trovare le pietre giuste? Come convincere le persone che c’è bisogno della collaborazione di tutti? Come convincerle del fatto che la pace non è un’utopia, ma è realizzabile nei nostri territori e nei nostri tempi ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Welcome to ThingLink!

This quick tutorial will show you how to create wonderfully engaging experiences with ThingLink.

Create

Simply click the Create button and select the type of project you want to create.

Upload

Select a file from your device to be your base image or video.

Edit

Watch this short video to learn about tag types, basic customization options and the simple publishing process - a perfect intro to editing your thinglinks!

Share

When you’re ready to share your thinglink, click the blue Share button in the top right corner of the page.

Track

Statistics help you understand how many people have seen your content, and what part was most engaging.

7

Do you want to create similar content?

# data[].attributes.attachment_caption
Jacson Pollock                                              Lucio Fontana

# data[].attributes.body
Jacson Pollock (immagine di sinistra) è stato un pittore statunitense vissuto nella prima metà del Novecento. All’inizio degli anni Quaranta iniziò a dipingere stendendo le tele sul pavimento del suo studio e sviluppando la tecnica che in seguito venne definita “dripping”, ovvero “sgocciolatura”). La tecnica inventata da Pollock di versare e far colare il colore è considerata come una delle basi del movimento dell’action painting, che significa “pittura d’azione”. L’action painting trasforma l’atto di realizzare un quadro in una danza, con l’action painting si dipinge in movimento. Pollock fu tra i primi ad abbandonare il cavalletto che obbligava a un rapporto con la tela frontale. La sua tecnica prevedeva il movimento dentro e fuori il quadro, per far gocciolare i pennelli in maniera apparentemente casuale. Pollock fu tra i primi a sperimentare che l’arte si costruisce mentre si fa, che l’arte coinvolge tutto il corpo, spostando la bellezza del fare arte al momento in cui tutto il corpo è coinvolto. Pollock ha reso il gesto di fare arte, arte stessa, plateale e scenografica!
Lucio Fontana (immagine di destra) è stato un pittore e scultore italiano vissuto nella prima metà del Novecento, di origine argentina. Frequentò l’Accademia di Brera di Milano e scrisse il “Manifesto Bianco” con cui teorizzò le idee che lo portarono poi a realizzare i suoi celebri “Tagli”, a partire dai primi anni ‘50. Spesso di fronte le opere di Fontana, come di tanti altri artisti contemporanei, si sente esclamare “Lo sapevo fare anche io!”, ma come dice Bruno Munari in realtà la frase corretta sarebbe “Lo saprei rifare anche io!”, perché se lo avesse saputo fare qualcun altro, lo avrebbe fatto per primo! Dietro il gesto deciso, minimo di Fontana, c’è un percorso intellettuale profondo: la consapevolezza di dover superare diecimila anni di storia dell’arte. Ciò che c’è prima del “taglio” o del “buco” (Fontana forava anche le tele) è la parte più importante dell’opera. L’opera di Fontana è più concettuale e filosofica che artistica e pratica. Dopo che le Avanguardie artistiche avevano fatto saltare tutti i punti fermi della pittura di qualsiasi epoca (prospettiva, anatomia, proporzioni, sfondo, chiaroscuro, forme, ecc…), l’ultimo ostacolo da superare era la tela. Quella non era mai stata messa in discussione. L’idea che ci dovesse essere un supporto era sempre lì. Magari ricoperta di arte astratta, ma nessuno aveva mai osato mettere in crisi il pensiero che servisse un piano su cui agire. Invece Fontana decide di andare oltre, penetrare lo spazio pittorico, fisicamente, quasi ferendolo, per vedere cosa ci fosse dietro. Il suo è senza alcun dubbio uno dei gesti artistici più rivoluzionari! Per Fontana, il taglio o il buco sono la dimostrazione materiale di un concetto spaziale che lui chiamò appunto “Spazialismo”. Chi prima di Fontana era riuscito a ripensare l’arte in maniera così radicale? L’importante non è il taglio in sé, il risultato non è ciò su cui bisogna soffermarsi. Fontana sposta il vero momento artistico dalla realizzazione, alla riflessione che c’è prima e dietro! Pollock per primo li mise per terra, Fontana per primo li tagliò: sono solo due esempi su tutti che raccontano di artisti che hanno saputo essere avanguardistici nel loro rapporto con i quadri, hanno sperimentato e sono passati alla storia per aver fatto qualcosa di nuovo per la prima volta. La pace è così: non ha paura di fare il primo passo! Anzi!
Domande per la riflessione:
Nella tua vita ti sei mai sentito come un pioniere? Cosa ne pensi della frase “Se vuoi qualcosa che non hai mai avuto devi fare cose che non hai mai fatto”? Di fronte l’idea di fare per la prima volta qualcosa, hai un atteggiamento di curiosità oppure di timore (della serie “forse se nessuno lo ha mai fatto prima c’è un motivo…”)? Di cosa hai bisogno per fare “il primo passo”? Pensi che la maggioranza sia sempre indicatore della parte giusta? Cosa distingue un’invenzione da una stranezza ?

# data[].attributes.attachment_caption
Giotto, “Annunciazione”, 1303-1305. Cappella degli Scrovegni, Padova 

# data[].attributes.body
“L’Annunciazione” della Cappella degli Scrovegni è un doppio affresco di Giotto, diviso nel due scomparti dell’Angelo annunciante e della Vergine annunciata. Si trova sull’arco di trionfo presso l’altare, al di sotto della lunetta con “Dio che avvia la riconciliazione inviando l’arcangelo Gabriele”, che è la prima scena del programma teologico che sovrintende a tutto il ciclo decorativo della cappella. La realizzazione terrena di quanto deciso da Dio nella lunetta sopra, è ambientata in due finte architetture speculari. La prospettiva delle architetture tende verso l’esterno e sicuramente venne eseguita in maniera intuitiva usando un medesimo cartone (“patrono”) ribaltato. L’architettura risulta essere elegante, sobria, con un’attenta cura dei dettagli. In storia dell’arte medievale, i "patroni" sono i modelli attraverso cui venivano realizzate le parti di un’opera che non richiedevano dettagli e personificazioni. Uno dei casi più famosi di uso dei patroni è ad Assisi nella Basilica superiore di Assisi, dove Giotto per permettere anche alla sua bottega di dipingere come lui e per accelerare i tempi di affrescatura realizza i patroni degli sfondi, come case e alberi, ma anche dei volti per esempio di San Francesco. I patroni sostanzialmente assicurano l’autorialità di un’opera, seppur a più mani. La pace è “patrona”: è modello per tanti ed opera a più mani.
Domande per la riflessione:
Quanto sei disposto a trovare un compromesso, rispetto le tue idee iniziali e ai tuoi progetti? Quanto sei disposto a lasciarti interpellare e modificare per trovare la pace ?
Quanto sei disposto a condividere le tue idee affinché vengano utilizzate da altri, perdendo quindi protagonismo, ma per un fine ultimo più alto?

# data[].attributes.attachment_caption
Grotta di Altamira                                          Grotta Chauvet

# data[].attributes.body
La grotta di Altamira (immagine di sinistra) è una caverna spagnola famosa per le pitture parietali risalenti a circa 14.000 anni fa, per quanto riguarda quelle raffiguranti mammiferi come bisonti. Si trova nel comune di Santillana del Mar in Cantabria, vicino Santander nel nord della Spagna. È stata inclusa fra i Patrimoni dell’Unesco nel 1985. La grotta presenta un tracciato irregolare ed è lunga circa 270 m. È costituita da un grande ingresso, una galleria e una sala laterale. Le pitture al suo interno sono realizzate con una tinta ocra naturale di colore rosso, profilata di rosso. Per garantirne la conservazione, la struttura della grotta e i dipinti sono stati minuziosamente riprodotti in una grotta del museo di Altamira, utilizzando gli stessi procedimenti pittorici. La grotta Chauvet (immagine di destra) è uno dei più noti e importanti siti preistorici europei, ricco di testimonianze del Paleolitico superiore. È il più antico esempio di arte preistorica del mondo. La grotta Chauvet prende il nome dal suo scopritore che la trovò il 18 Dicembre del 1994, insieme a due suoi amici e si trova a Vallon-Pont-d’Arc, in Francia. Chauvet aveva sistematicamente esplorato la zona alla ricerca di grotte archeologiche, credendo che l’area potesse dare un importante ritrovamento. E infatti, dopo aver scoperto ed esplorato più di 20 grotte con pitture, graffiti e reperti, trovò la magnifica grotta che ora porta il suo nome. La grotta corre per oltre 500 metri ed è stata scavata dal fiume Ardèche. È considerata di grandissimo valore e bellezza soprattutto per la presenza di numerose pitture parietali risalenti all’uomo di Cro-Magnon. All’epoca del nostro antenato, il paesaggio di questa zona era simile alla tundra, desolato e freddo. Le pitture e incisioni presenti rappresentano diversi animali quali bisonti, mammut rossi, gufi, rinoceronti, leoni, orsi, cervi, cavalli, iene, renne, lupi ed enormi felini scuri. Sono raffigurati in branco o soli, nei colori resi disponibili dagli elementi naturali, Le circa 500 opere sono databili fra i 32000 e i 36000 anni fa. Si può ipotizzare che questo luogo fosse un importante centro di culto dell’epoca.
L’origine del concetto di museo è da rintracciarsi nei corredi funerari che già gli uomini primitivi mettevano nelle prime sepolture. Appena l’uomo ha iniziato a pensare all’eternità, ha iniziato a fare arte, a fare musei, a fare memoria. L’arte, anche quella della pace, è lasciare in eredità ciò che serve per sempre. L’uomo da sempre fa arte. Nella preistoria si dipingeva per due motivi: conoscete il famoso dipinto del bisonte cacciato? Ecco, l’uomo preistorico dipingeva scene simili per condividere con altri un sapere (per es. la caccia) e per rendere possibile un futuro auspicabile (per esempio la morte dell’animale e non dell’uomo). Così è la pace: crea un sapere condiviso e rende possibile il futuro.
Domande per la riflessione In un ipotetico museo della pace cosa ti piacerebbe trovare? Se dovessi consegnare agli uomini del futuro un oggetto che sia come un talismano per ricordargli l’importanza della pace, quale oggetto della nostra epoca gli consegneresti?

# data[].attributes.attachment_caption
L’arte di Burri                          Il Martirio e trasporto del corpo decapitato di San Cristoforo

# data[].attributes.body
L’arte di Burri (immagine di sinistra) è un’arte innovativa e ricca di fascino. Con la sua vita l’artista ha attraversato quasi tutto il Novecento. Il 9 ottobre del 1940, essendo medico, venne chiamato nell’esercito. Venne addirittura catturato dagli inglesi nel 1943 e, passato in mano statunitense, fu imprigionato in un campo di concentramento in Texas, dove rimase per 18 mesi. In questo periodo maturò la convinzione di dedicarsi alla pittura. Il suo fare arte è un mondo fatto di materia. Burri utilizza la materia come fosse un colore, dotando così i suoi quadri di qualcosa che va oltre il colore scelto: gli occhi, riconoscendo i materiali utilizzati, possono “toccare” quel che vedono e il colore si arricchisce di quelle caratteristiche proprie del materiale utilizzato.
Così, per esempio, il colore del sacco di juta, materiale molto amato ed utilizzato dall’artista, non è semplicemente marrone, ma è un marrone dotato di consistenza, che si arricchisce della ruvidità e dell’odore tipico della juta, della sua porosità e spesso dei suoi strappi e delle cuciture da cui quel sacco è caratterizzato. In particolar modo, il sacco di Burri, diventa un capolavoro della sua pittura che è detta “informale”, e offre lo spunto per un approccio all’arte libero da condizionamenti. Per Burri infatti le opere non devono essere “purovisibili” cioè non immediatamente riconoscibili o decifrabili da parte dell’osservatore. Il “Martirio e trasporto del corpo decapitato di San Cristoforo” (immagine di destra) è un affresco staccato di Andrea Mantegna, originariamente dipinto per la cappella Ovetari nella chiesa degli Eremitani a Padova, da un giovanissimo Andrea Mantegna, fra il 1454 e il 1457. L’affresco è famoso per essere una delle prime prove in cui Andrea Mantegna si cimentò nella realizzazione di architetture illusionistiche, che diventarono poi uno dei tratti caratteristici di tutta la sua produzione. Inoltre l’affresco è famoso per essere stato staccato nel 1880 poichè particolarmente danneggiato: fu proprio questo episodio paradossalmente a salvarlo. La cappella venne infatti bombardata l’11 Marzo del 1944, ma questo episodio e un altro, quello dell’Assunzione, preliminarmente staccati, vennero ricoverati altrove e si poterono quindi salvare. Più recentemente questi affreschi staccati, con i pochi frammenti superstiti, montati su copie fotostatiche dell’epoca, sono stati riposizionati e restaurati. Se l’opera d’arte è viva, perché è molto di più della materia di cui è costituita, ma è la storia che racconta, la storia di chi l’ha voluta, realizzata e osservata nei secoli, bisogna anche accettare che l’arte possa farsi male. Ma l’arte può curarsi. Burri, un pittore di inizio Novecento, dopo essere stato medico durante la guerra, rientra e decide di essere medico delle anime, ma curarle con gli stessi materiali con cui curava i corpi. Per questo nelle sue opere mette per esempio i sacchi, materiale con cui realizzava fasciature di fortuna in battaglia. E poi esiste l’arte del restauro, l’arte del saper curare l’arte. A volte per anni le opere d’arte sono in deposito o in laboratorio e vengono guarite. Quando tornano come in superficie, alla vista di tutti, spesso non sono come prima, ma hanno la bellezza delle persone guarite. La pace sa rendere belle le cicatrici.
Domande per la riflessione:
Che rapporto hai con le tue cicatrici? E con quelle degli altri? Immagina una città devastata una guerra o immagini degli oggetti di guerra. Usando la fantasia, come potrebbero essere trasformate in altro che invece parli di pace? Soprattutto: secondo te, sinceramente, vale la pena sforzarsi di andare d’accordo con gli altri e promuovere una cultura di pace ?