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Vasili Kandinsky: Amarillo, rojo y azul, 1925

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El alcance del arte es muy amplio. Es infinito e interminable. Lo podemos encontrar en los primeros momentos de la historia. Asimismo desde el hombre que pintaba en su cueva hasta el día de hoy que pintamos y hacemos arte en nuestros dispositivos electrónicos.

Al ser tan amplio está al alcance de todos, llega a todos los rincones del planeta. Normalmente, los artistas reflejan opiniones, sentimientos o valores a través de sus obras. No obstante, la interpretación de cada una puede llegar a estar librada a la mirada y perspectiva de cada miembro del público.

En esta obra se puede visualizar el alcance del arte. Hay muchas piezas abstractas que a pesar de no parecer arte, lo son. En este caso se puede observar como se transmiten sentimientos, por eso es que el autor refleja los cinco sentidos a través de colores y expone las sensaciones que se ocultan en el interior de las personas.

El alcance en esta obra está marcado por la característica amplia y masiva que se refleja hasta en obras en las que cada uno puede percibir el arte de una forma diferente.
Candela Bocco y Agustina Mozzoni

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Leonardo da Vinci, "La Última Cena".Santiago Rigazio y Tomas Poteto

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La perspectiva en el arte se utiliza para representar objetos o paisajes desde un punto de vista en una superficie plana, la perspectiva tiene en cuenta el volumen del objeto y su ubicación con respecto a la perspectiva de la obra.
Esto se plantea como un punto en la obra, cuando un artista crea una obra se establece un plano de proyección o plano del cuadro, este  es el punto donde el resto de objetos se van a ver reflejados, a medida que los objetos se alejan de este se van haciendo mas chicos.
La perspectiva tiene varios elementos para crear un punto de vista y que la obra pueda tener una coherencia con respecto a el volumen de los objetos y su ubicación, estos objetos son:
La linea de horizonte: es un linea imaginaria que establece una altura desde el punto de vista del autor.
Punto de vista:  esto es la situación donde el que ve la obra a derecha o izquierda tenga sentido.
Punto principal: este este punto es perpendicular al punto de vista y representa la distancia del punto de vista a la linea de horizonte que se llama distancia visual
Punto de fuga: estos puntos son los que conforman la linea del horizonte donde cruzan todas las líneas horizontales que son paralelas al modelo.
El punto de fuga de esta obra está en la cabeza de Jesús. Eso es debido a que el artista pone todo el énfasis en él. Las líneas imaginarias que se forman por las estructuras arquitectónicas, es decir, las puertas y la línea del techo todo lleva a la cabeza de Jesús. Los brazos extendidos de Jesús hacen un equilibrio con las otras diagonales formando una X y creando una composición simétrica y radial. En conclusión, podría decirse que la perspectiva en el arte tiene la función de crear una sensación de profundidad, pero también para representar la importancia simbólica de alguna figura.

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"Composition II in Red, Blue, and Yellow"  de Piet Mondrian (1930)

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El concepto de la objetividad es formar una opinión sobre determinadas cuestiones, en este caso con el arte podríamos hablar de obras, sin guiarte de tu experiencia de conocimiento previo. Al ver de forma objetiva lo que nosotros tratamos de hacer es intervenir lo menos posible en el significado del objeto que para todos sin importar donde estén y sus creencias lo vean lo más cercano a como yo lo interprete

Se dice que el arte es subjetivo en este caso. La objetividad dentro de las obras puede ser algo complicado de conseguir. Dentro del arte es difícil  alcanzar el pensamiento objetivo aún más si se habla de obras simples y abstractas donde la interpretación de esta depende de cada uno de los actores del conocimiento el cual se ponga a analizarla .Es algo casi imposible. Si vemos esta obra podemos decir que no es objetiva ya que esta obra cuenta con muchísimas interpretaciones que le da cada uno el cual si se guía de su experiencia previa y percepción del arte . Además muchas de estas interpretaciones no tienen una conexión fija entre sí , una persona puede ver algo completamente distinto dentro de esos colores y formas. El mismo creador de esta obra , Mondrian habla sobre cómo algo tan simple puede generar un trasfondo tan profundo como la armonía del mundo .

También se puede ver desde el lado de que esta obra es objetiva porque trabaja con cuestiones geométricas ya que son un montón de cuadrados de ciertos colores sin significado alguno. Por ahí lo artístico de esta obra es solo su estética simétrica pero carece de significado profundo.Técnicamente la obra sería objetiva porque no transmite ningún sentimiento o mensaje alguno.

Milagros Bissio y Delfina Klein

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La explicación sirve para profundizar un concepto o una idea, haciendo que esta sea más entendible. En el caso de que una idea sea compleja de entender, una explicación es útil para que sea más comprensible de una forma más simple.
En la obra se puede ver el amor y la intimidad entre un hombre y una mujer. Se los puede ver abrazados en su desnudez, que muestra intimidad y un momento muy privado entre dos personas. La posición en la que se encuentran demuestra fuerte atracción entre ambos. Se ve que la mujer es la que abraza al hombre, y eso implica que está instigando la pasión.
Encuentro la explicación en esta obra en la representación de un sentimiento tan importante como es el amor.
Francesca Bellotto y Felicitas Soto

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"El hombre de Vitruvio" de Leonardo da Vinci

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Una prueba es un hecho o evidencia, una razón o argumento, utilizado para demostrar la verdad o la falsedad de algo, de una acción, una tesis o una teoría.
Observando esta obra podemos ver que Leonardo da Vinci hizo esta obra con la intención de explorar la idea de la proporción, la pieza es en parte una obra de arte y en parte un diagrama matemático que transmite la creencia de Da Vinci para probar que “todo se conecta con todo lo demás”.
Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre.
Leonardo da Vinci quería probar las proporciones perfectas del cuerpo humano. Con este simple dibujo logró probar diferentes proporciones.
Federico Pavese y Luca Velekson

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"La creación de Adán" de Miguel Ángel Buonarroti (Brugna y Mariani)

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Justificación: Entendemos justificación, como la manera que tiene el actor de conocimiento, para encontrarle el porqué de las cosas, poder entender el motivo de que algo sea de esa manera y tener argumentos que lo demuestren.

En el arte se puede encontrar la justificación. Algunos artistas utilizaban el arte como medio de justificación sobre las cosas que pasaban y que se creían. Era utilizado como un método de demostración de lo que creían que era así, para justificar hechos, más en el siglo XVI donde los artistas, que se basaban en conocimientos religiosos, hacían todas sus obras sobre dios y sobre la naturaleza del hombre vinculado a dios, ya que en estas épocas habían varias personas lo utilizaban como método de transmitir conocimientos religiosos, por ello lo hacían a través de obras

La siguiente obra fue pintada por Miguel Ángel, en la capilla Sixtina en 1511. Esta obra fue llamada “La creación de Adán”. Lo que quiso justificar Miguel Angelo es sobre como dios le da vida a Adan, el primer hombre que pisa la tierra,  dándole una chispa de vida. En su otro brazo, dios está abrazando a una mujer, a la que quiere representar a Eva, la primera mujer en la tierra. Con respecto al actor de conocimiento que estamos representando, el artista, podemos ver claramente como Miguel Angelo intenta justificar por medio del arte la forma en la que el hombre fue creado, en este caso fue creado por dios.

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"El sueño de la razón produce monstruos" de Goya (1799).

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Entendemos a la interpretación como la forma de comprender, en este caso, una determinada obra de arte. Qué es lo que cada actor de conocimiento entiende sobre algo. Para esto, se pueden usar distintos instrumentos como la vista, el tacto, la memoria, la imaginación o el lenguaje.

Cada actor de conocimiento puede interpretar un hecho de una forma diferente a la de otro. Esto depende principalmente de su opinión o de sus conocimientos previos. Desde un punto de vista general, esto es lo que hace que el arte tenga riqueza. La libertad de interpretación sobre una obra de arte hace que una sola obra pueda tener distintos significados para las personas.

Como ejemplo, nosotros elegimos esta obra de Goya “El sueño de la razón produce monstruos” que toca un tema importante a la hora de interpretar. Se puede interpretar de varias formas. Adentro de nuestro grupo, uno lo interpreta como que:

1. El sueño de la razón = deseo de los “monstruos” de alcanzar lo inalcanzable, en este caso, la razón como sueño en sí. Esta habilidad es representada por el ser humano durmiendo, así estando en un mundo distinto al del resto (ya sean animales u otros seres humanos queriendo alcanzar lo que no pueden), lo que los “hace monstruos”.

2. El humano durmiendo = razón inactiva → La sociedad se convierte en monstruos ya que no están usando la razón para vivir.

3. El humano soñando = razón pensando en problemas abstractos. No se da cuenta de los problemas reales e ignora completamente a los otros monstruos, logrando parecer hasta cierto punto, egoísta.

Iván Soto, Luciano Renkine y Santiago Adamo.

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"Ceci n’est pas une pipe" de René Magritte

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Creemos que hay distintos tipos de certeza en el arte. Nosotros solemos decir que la certeza es un conocimiento seguro y conciso de un tema en específico. Sin embargo, podríamos decir que la única certeza que hay en el arte es aquella visual o táctil, que la certeza está en la técnica empleada por el artista, y que nosotros como receptores de dicha obra, nunca sabremos completamente qué pasaba por la mente del artista.

Sin embargo, como seres humanos los estímulos del arte no son simplemente interpretados por qué técnicas pudo haber empleado el artista. Sino que también hay un contexto histórico que podría darle a la obra más significado y darnos a nosotros, una certeza de que podría llegar a expresar el artista.

Pero lo más impresionante de todo esto, es que más allá de que podamos “ver” la obra, no todos vamos a ver lo mismo. Eso es bello ya que en el arte, nos abre un sinfín de interpretaciones a un simple lienzo.

Tal vez, la única certeza que tenemos en el arte y la vida es que estamos ante una obra. Pero aun así, hay obras donde no tenemos certeza de lo que estamos viendo, como por ejemplo, la obra del pintor belga René Magritte, Ceci n’est pas une pipe, o en español, Esto no es una pipa.

Cualquiera a simple vista cree, por experiencias anteriores, estar en frente de una pipa. Sin embargo, el autor escribe debajo lo contrario, descolocando el mensaje principal formado por la audiencia y haciéndola cuestionar sobre que realmente está percibiendo. Si no tengo la certeza (obtenida de experiencias previas) de que esto es una pipa, me pregunto, ¿Ante que me encuentro realmente? ¿Cómo sé que lo que veo es lo que realmente es?

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Cultura se refiere al conjunto de modos de vida y de costumbres de un grupo social de personas transmitido de generación en generación a fin de orientar las prácticas. Incluye su lengua, patrón de ideas, modos de vida, costumbres, tradiciones, hábitos, valores, creencias, herramientas,  conocimiento y comportamientos.
La cultura de África incluye una amplia variedad de expresiones artísticas, creencias, rituales y costumbres de diversas culturas. Siempre existieron simultáneamente grandes civilizaciones poderosas e innovadoras junto con pequeñas tribus tradicionales. Dentro de la cultura uno de los factores que más resalta además de su religión, sus danzas, lenguas, tatuajes y vestimentas esta la diferencia y discriminación entre ambos sexos. En esta cultura durante muchos años existió el trato diferente hacia las mujeres, como se le prohibía derechos y se la discrimina ante la sociedad, aun así aunque tenían uno de los más importantes roles en la cultura, las mujeres eran y son el motor del desarrollo.
En la obra podemos ver como el artista realizó un retrato de una mujer africana, teniendo la intención de resaltar sus rasgos distintivos, la apariencia cuál identifica a las mujeres de esta cultura, como representantes de ella, para así mediante la obra poder transmitir las experiencias del rol femenino bajo esta cultura. El retrato muestra una mujer empoderada, ilustrando asi el rol del sexo femenino, que en africa es el motor del desarrollo. La mujer africana es el motor de su familia, su motor económico y en la sociedad en la que viven. Realiza labores domésticos para mantener a sus hijos y su hogar, es la responsable del sustento económico y se hace cargo de la educación académica y moral de sus hijos. El sexo femenino en el pasado se cansó de reclamar su lugar en las sociedades patriarcales, en las cuales las discriminan y marginan, y empezaron a protestar y generar un cambio en la sociedad para que su voz sea escuchada y para que su rol en la sociedad sea valorado.
Para representar y resaltar la apariencia que las identifica, la artista realizó cualidades muy características como sus voluminosos labios y su piel oscura. Por otra parte, la cualidad con respecto a su personalidad que la artista quiso transmitir fue la actitud y confianza de este sexo en ellas mismas y su fuerte personalidad.
El retrato muestra una mujer africana orgullosa del cambio que provocó en la sociedad para que se la valore y haya igualdad. La artista explicó cuál al realizar a la mujer con la posición de mirar hacia atrás, tuvo la intención de representar el rol de la mujer que le precedió, el rol que dejó atrás  en el pasado,  reconociendo el logro de su nueva función.

Valentina Mónaco y Olivia Chine

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El poder es definido como la capacidad que alguien tiene para lograr hacer algo posible. El poder tambien, implica autoridad. es decir, cuanto más poder tiene alguien más autoridad y jerarquía tiene. El poder femenino es un concepto que apareció en el siglo XX que significa el empoderamiento de las mujeres, la confianza e independencia de ellas.

El poder en esta obra está representado de muchas maneras. La primera que notamos, es la raza y el género de la persona. Durante toda la historia, las personas negras junto con las mujeres fueron discriminadas y marginadas de la sociedad. La cara de la mujer demuestra que tiene autoridad y jerarquía a pesar de su raza y género. Históricamente las mujeres siempre tuvieron menos poder y hasta el día de hoy no se logró una igualdad de género. La postura de la mujer también representa el poder. De la manera en que muestra el brazo representa que es una mujer fuerte y con firmeza.

Bautista Di Chiara
Valentin Andina

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"La Liberté guidant le peuple", Eugène Delacroix

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¿Qué son los valores ?

Los valores son las cualidades bases de una persona, ya sean virtudes o actitudes en las cuales se basan todas sus acciones y su personalidad. Estos provienen del contexto en el que me situo, de los ejemplos, de lo que me transmiten, de mis elecciones, de mis orígenes. La gente también tiende a creer que esos valores son "correctos" porque son los valores de su cultura particular.

Los valores en el arte

El arte puede ser considerado para muchas personas una forma expresiva y demostrativa de sentimientos, valores, ideologías, cualquier tipo de pensamiento o mensaje que el artista quiere transmitir. La necesidad de expresarnos siempre fue algo fundamental en la vida, siendo el arte en su conjunto la vía más saludable para conseguir dicho objetivo.

Valores en la obra

La obra que elegimos es muy famosa y reconocida por mucha gente, La libertad guiando al pueblo, o La Liberté guidant le peuple, es una obra de arte hecha por Eugène Delacroix en 1830. Esta es una representación de la revolución francesa de 1789. Como sabemos, existe una grán cantidad de valores, pero en esta obra se limitan a la libertad, colaboración, justicia, pasión, entre otros.

La pasión está involucrada en la actitud de cada persona al realizar algo. En este caso la pasión representa la voluntad de la gente y toda la que se sacrificó para poder alcanzar algo que anhelaban, la independencia y el poder ser escuchados.

La libertad es uno de los valores más importantes, sin él, muchos no podrían ser aplicados. Este te da la posibilidad de hacer lo que desees, teniendo en cuenta los derechos de las demás personas. En esta obra se puede observar como la libertad juega un papel muy importante, por un lado está el contexto de revolución en el cual pelean y luchan por aquella libertad. Pero pensando el artista como actor de conocimiento, tiene otra representación de libertad al haber utilizado a la mujer y por si no fuera poco, sin ropa, ya que en ese momento las mujeres no eran muy reconocidas.

La colaboración es el valor de ayudarse mutuamente para así llegar a un objetivo común. En el caso de esta obra podemos ver como la mujer, el niño, el hombre y todas las personas que se encuentran en el fondo trabajan todos juntos para así poder alcanzar su libertad. Unen sus fuerzas, tanto tangibles como intangibles para llegar a su meta.

La justicia es otro valor que podemos ver en esta obra. Con el término justicia hacemos referencia a la nivelación de las diferencias. Aquí puede verse reflejado en el levantamiento de la bandera, demostrando un objetivo perseguido y encontrado que sería la nivelación de alguna diferencia. En aquel contexto las diferencias en lo que implicaba derechos y obligaciones, era sumamente notorio y la revolución fue una forma que encontraron para acabar con todas estas injusticias.

Mateo Crucci e Iván Solá

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Eugène Delacroix La liberte guidant le peuple

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"La civilización occidental y cristiana", Leon Ferrari (1965)

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La ética es un análisis sistemático y crítico de la moralidad, de los factores morales que guían la conducta humana en una determinada práctica o sociedad. Se puede observar a Jesús crucificado a un avión militar. Utiliza un avión militar de la fuerza aérea de los Estados Unidos, pero es una forma de protesta contra los militares argentinos, ya que la obra es del año 1965, 3 años posterior al golpe de estado que le otorga la presidencia a Lonardi, y posteriormente a Aramburu. La  obra puede describirse como antiética, ya que para los católicos creyentes o practicantes puede representar una ofensa directa a una de las figuras más importantes de la religión, en este caso, Jesús. Podría interpretarse una protesta contra las fuerzas que reprimen a las religiones. También, es posible percibirlo como, en ese momento, la religion iba "atada", es decir que estaban de acuerdo en ciertas cosas, en la época, en contra de Perón. Pero la ultima interpretación puede no ser muy perceptible, ya que ver a Jesús como símbolo de la religion es necesario para entender el concepto, sino parece que esta entregado a los militares.