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O cinema documental também foi um importante espaço de reflexão a respeito da ditadura, sobretudo a partir dos anos 1980, conseguindo grande sucesso de público, com filmes como Jango (Silvio Tendler, 1984) e Cabra Marcado para Morrer (Eduardo Coutinho, 1984). O primeiro retomava a trajetória política e pessoal do presidente reformista derrubado em 1964, enquanto o segundo mergulhava nos vários caminhos trilhados pelas classes populares depois do golpe e da repressão que se abateu sobre militantes operários e camponeses.

Depois da crise dos anos 1980 e do começo dos anos 1990, os temas ligados à ditadura militar voltaram a inspirar dezenas de filmes brasileiros, não apenas no plano do documentário, mas também da ficção.

O cinema documental também foi um importante espaço de reflexão a respeito da ditadura, sobretudo a partir dos anos 1980, conseguindo grande sucesso de público, com filmes como Jango (Silvio Tendler, 1984) e Cabra Marcado para Morrer (Eduardo Coutinho, 1984). O primeiro retomava a trajetória política e pessoal do presidente reformista derrubado em 1964, enquanto o segundo mergulhava nos vários caminhos trilhados pelas classes populares depois do golpe e da repressão que se abateu sobre militantes operários e camponeses.

Depois da crise dos anos 1980 e do começo dos anos 1990, os temas ligados à ditadura militar voltaram a inspirar dezenas de filmes brasileiros, não apenas no plano do documentário, mas também da ficção.

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No final da década, Cacá Diegues realizou Bye-Bye Brasil (1979), que procurava conciliar crítica social e política com uma linguagem mais leve e bem humorada. O filme, sucesso de público e de crítica, contava a história de uma caravana de artistas pobres, a “Caravana Rolidei”, que percorria o interior do Brasil. A partir desse tema, Diegues apresentava um balanço crítico da modernização conservadora brasileira dos anos 1970, plena de disparidades regionais e sociais, e os efeitos da indústria cultural no Brasil profundo.

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No final da década, Cacá Diegues realizou Bye-Bye Brasil (1979), que procurava conciliar crítica social e política com uma linguagem mais leve e bem humorada. O filme, sucesso de público e de crítica, contava a história de uma caravana de artistas pobres, a “Caravana Rolidei”, que percorria o interior do Brasil. A partir desse tema, Diegues apresentava um balanço crítico da modernização conservadora brasileira dos anos 1970, plena de disparidades regionais e sociais, e os efeitos da indústria cultural no Brasil profundo.

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Uma das grandes revelações dos anos 1970 como diretor de cinema foi Hector Babenco. Argentino radicado no Brasil, fez dois filmes impressionantes sobre a realidade social brasileira: Lúcio Flávio, o passageiro da agonia (1978) e Pixote, a lei do mais fraco (1980). Mergulhando na vida de marginais, adultos e mirins, Babenco construiu uma denúncia hiper-realista sobre o sistema carcerário e sobre a lógica de exclusão e violência entre crianças e adolescentes abandonados, produzida pela desigualdade socioeconômica, aliada à falta de cidadania.

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Nesse sentido, os filmes de Carlos Diegues, Xica da Silva (1975), e Bruno Barreto, Dona Flor e seus dois maridos (1976), foram os principais referenciais da época. Este último, aliás, se tornou na época o filme brasileiro mais visto de todos os tempos. Mesclando humor, erotismo e figurinos luxuosos, essas produções se tornaram grandes sucessos de bilheteria, até pelo fato de sugerirem uma abordagem mais leve da história, dos problemas e dos costumes brasileiros. Nesse sentido, sinalizavam outro caminho para o cinema, diferente do Cinema Novo, e retomando, num nível de produção mais sofisticado, a tradição do humor e da “chanchada”.

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Por outro lado, o ano de 1972 assistiu a duas importantes produções do cinema nacional. Os filmes Independência ou Morte, de Carlos Coimbra, e Os Inconfidentes, de Joaquim Pedro de Andrade, mostravam leituras diferentes de eventos e personagens históricos oficiais.

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Nesses filmes, a linguagem do humor e do grotesco era utilizada como base de novas alegorias sobre o Brasil, considerado um país absurdo, sem perspectivas políticas e culturais. Neles, não havia personagens heroicos ou dignos. Todos pareciam impostores e alucinados. As classes populares eram mostradas como grotescas e de mau-gosto, vitimadas pela desumanização da sociedade e sugadas pelo sistema capitalista. O herói não era mais o operário consciente, o camponês lutador ou o militante abnegado de classe média, mas o “marginal”, o pária social, o artista maldito, o transgressor de todas as regras.

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Livremente inspirado em fatos reais. Um assaltante misterioso (Paulo Villaça) usa técnicas extravagantes para roubar casas luxuosas de São Paulo.

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Os marcos dessa tendência foram os filmes O Bandido da Luz Vermelha, de Rogério Sganzerla, Matou a Família e foi ao Cinema, de Júlio Bressane e A Margem, de Ozualdo Candeias.

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Esta tinha como finalidade a divulgação do cinema brasileiro no exterior.

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o cinema nos anos 70: Censura e Patrocínio

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o cinema nos anos 70: Censura e Patrocínio

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O Cinema Novo tinha conseguido um reconhecimento inédito para o cinema brasileiro, consagrado em festivais considerados artísticos, como Veneza e Cannes. Embora agradasse plateias estudantis e intelectualizadas, ainda carecia de uma penetração maior entre o público mais amplo de classe média no Brasil. O Estado dominado pelos militares, por sua vez, sabia que não podia sufocar completamente o cinema brasileiro, já cercado pela grande indústria de Hollywood, que dominava o mercado. Era preciso apoiar a indústria do cinema, sempre evitando que ela radicalizasse suas críticas ao regime. Para isso mesmo é que havia a censura.

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O último plano do filme é justamente o intelectual Paulo agonizando com uma metralhadora na mão, atirando a esmo. Imagem alegórica e premonitória dos anos de chumbo que estavam para chegar.

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O último plano do filme é justamente o intelectual Paulo agonizando com uma metralhadora na mão, atirando a esmo. Imagem alegórica e premonitória dos anos de chumbo que estavam para chegar.

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As poderosas imagens alegóricas, os textos desencontrados, as idas e vindas no tempo cronológico, sem preocupação em contar uma trama realista e linear, compunham uma espécie de ópera barroca sobre o Brasil e seu abismo histórico.

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As poderosas imagens alegóricas, os textos desencontrados, as idas e vindas no tempo cronológico, sem preocupação em contar uma trama realista e linear, compunham uma espécie de ópera barroca sobre o Brasil e seu abismo histórico.

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Um poeta e político de esquerda, em crise por perceber tardiamente que sempre havia servido a políticos traidores e oportunistas.

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Como o Cinema Novo e a sua plateia era composta por jovens intelectualizados, a atitude autocrítica da esquerda se radicalizou mais cedo. Isso ocorreu por meio de uma revisão da cultura política nacional-popular e de seu mito da “aliança de classes” para consolidar o nacionalismo econômico e as reformas políticas e sociais.

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Como o Cinema Novo e a sua plateia era composta por jovens intelectualizados, a atitude autocrítica da esquerda se radicalizou mais cedo. Isso ocorreu por meio de uma revisão da cultura política nacional-popular e de seu mito da “aliança de classes” para consolidar o nacionalismo econômico e as reformas políticas e sociais.

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O filme O Desafio (Paulo Cesar Sarraceni, 1965) foi a primeira resposta cinematográfica ao golpe de Estado. Ele narra as crises afetivas e políticas de dois personagens emblemáticos da juventude de esquerda brasileira, Marcelo e Ada. Ele, um intelectual de esquerda sem rumo, apaixonado por uma dona de casa burguesa, igualmente entediada com a vida familiar e com o país no qual vivia.

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Depois de 1964, os camponeses explorados deram lugar aos intelectuais de esquerda frustrados por não conseguirem fazer a Revolução Brasileira.

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Depois de 1964, os camponeses explorados deram lugar aos intelectuais de esquerda frustrados por não conseguirem fazer a Revolução Brasileira.

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 Em 1962, em plena efervescência do governo João Goulart e sua proposta de reformas de base, surgiu o nome de batismo do movimento: Cinema Novo.

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 Em 1962, em plena efervescência do governo João Goulart e sua proposta de reformas de base, surgiu o nome de batismo do movimento: Cinema Novo.

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Parábola sobre o processo de conscientização de um camponês que passa pelo messianismo, pelo cangaço e termina sozinho, desamparado, mas livre, correndo em direção a seu destino.

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Filme sobre um grupo de soldados que deve proteger um armazém ameaçado por flagelados da seca nordestina.

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Filme sobre o drama dos retirantes, baseado no livro de Graciliano Ramos.

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Filme sobre os pescadores do nordeste.

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O movimento do cinema novo foi nspirado no neorrealismo italiano e na Nouvelle Vague francesa, que defendia um cinema de autor, despojado, fora dos grandes estúdios, e com imagens e personagens o mais naturais possível, o movimento rapidamente ganhou fama internacional.

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O filme chegou a ser proibido pela censura, sendo liberado apenas depois da posse de Juscelino Kubitschek.

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Em 1955, o diretor Nelson Pereira dos Santos exibiu o filme responsável pela inauguração do Cinema Novo. Rio 40 graus oferecia uma narrativa simples, preocupada em mostrar personagens e cenários que pudessem fazer um panorama da cidade que, na época, era a capital do país.

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Surgiu na década de 1950 o 1º Congresso Paulista de Cinema Brasileiro, seus interesses centrais eram realizar um cinema de apelo popular, capaz de discutir os problemas e questões ligados à realidade nacional, e o uso de uma linguagem inspirada em traços da nossa própria cultura.

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A ideia do projeto partiu do ator Celso Frateschi, buscando devolver à sociedade um pouco da imensa riqueza cultural banida do período ditatorial. O elenco conta com alguns artista  que vivenciaram a censura e a perseguição política.

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Diretor da peça, também enfatizou a questão da ocupação  do espaço público. " Temos que voltar para as ruas e resgatar questões históricas que  muita gente não sabe. Durante muito tempo, existiu a privação da cultura. Agora, não só podemos como devemos manter esse acesso livre o tempo todo."

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Assim além das violações aos direitos humanos cometidos no período da repressão, o espetáculo trata do genocídio da juventude negra nas periferias das metrópoles. " O desafio é  conseguir falar para todos os públicos, estabelecer um paralelo sobre a censura e a tortura com os dias atuais, como os assassinatos de jovens nas periferias, e os autos de resistência." Diz o dramaturgo Dorberto Carvalho,  responsável pela adaptação  do texto histórico.

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Espetáculo teatral recupera obras censuradas pela ditadura.
É um dos destaques da programação do festival de Direitoa Humanos e busca devolver à  sociedade um pouco da riqueza cultural banida da época da ditadura. A peça transita por espaços, tempos, depoimentos e narrativas musicais que compõem um pequeno inventário desaparecidos e que, lamentavelmente, culmina em uma realidade que se repete  e se reinventa nos massacres, chacinas e assassinados de jovens que vivem nas regiões periféricos  das cidades.

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1960,1970 e 1980 foram muitos produtivos especialmente na criação de textos teatrais e cinematográficos, textos que propunham não apenas novas estéticas (" teatro do oprimido", " estética de fome", entre outras.), mas também novas abordagens, com protagonistas que emergiam das classes  operárias,  camponesas, estudantil e dos movimentos políticos de esquerda.

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Centenas, entre filmes, livros, músicas, peças  e outtas obras o jornalista e escritor Zuenir Ventura apurou que, duranteos dez anos de vigência da AI-5 (1968-1978), cerca de 500 filmes, 450 peças, 200 livros e mais 500 letras de músicas sofreram veto.
Os critérios eram obscuros: cenas inadequadas, palavrões e a sugestão de propagandas política eram as justificativas mais comuns.

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Em 1968, a peça " Roda Viva", de Chico Buarque, foi brutalmente censurada. O comandode caça aos comunistas invadiu o teatro onde a peça era encenada, em São Paulo, espancaram atores, destruíram o cenário e obrigaram os arores Marília Pêra e Rodrigo Santiago a passarem por uma espécie de corredor polonês na rua, nus.

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" Se correr o bicho pega,  se ficar o bicho come". De Vianinha e Gullar.

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Outros espetáculos continuaram a desafiar o governo militar, como Liberdade, de Millôr Fernandes  e Flávio Rangel .

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No shopping Center Copacabana, em Dezembro de 1964, artistas como Nara Leão contracenaram "Opinião ".
Com direção de Boal, show manifesto de resistência com referências disfarçadas em música de protesto, de forma a driblar a censura.

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Outra forma de resistência, surgiram grupos como o "Opinião", criado pelo centro popular de Cultura, da UNE.

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Com a instalação da ditadura, o grupo vai cada vez mais se vendo com a tarefa de questionamento ao que estava posto inovando na técnica, na linguagem. Inclusive com Zé Celso sendo preso e exilado do país. Após a ditadura, o grupo volta a se articular e existe até hoje, claro com mudanças no elenco.

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Zé Celso, diretor, ator,dramaturgo e encenador brasileiro.

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Zé Celso, diretor, ator,dramaturgo e encenador brasileiro.

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Conta com diversos atores importantes e que seguem referência no teatro como Zé Celso.

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O grupo de Teatro Oficina nasceu no Centro Acadêmico 11 de Agosto do Largo São Francisco em 1958. Com a ideia de inovação, com a de romper com a lógica posta.

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Com o AI-5, a produção de peças foi ameaçada.

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Em 1960, grupos como.o Arena, de Augusto Boal, em São Paulo, encenavam peças ligadas a realidade brasileira.

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Foi um dramaturgo,romancista e poeta alemão, criador do teatro épico anti-aristotélico.

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"Os que lutam"
Há aqueles que lutam um dia, e por isso são muito bons.
Há aqueles que lutam muitos dias, e por isso são muito bons.
Há aqueles que lutam a anos,  e são melhores ainda.
Porém há aqueles que lutam toda a vida, esses são os imprescindíveis.

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O teatro como forma de resistência à ditadura.

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O teatro como forma de resistência à ditadura.

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Em tempos de " escola sem partido", a posição destemida dessas artistas pela liberdade de expressão dá o sentido da importância desse direito de questionamento político que temos apenas graças à sua ferrenha luta, luta a qual devemos continuar.

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Durante a ditadura militar, o teatro brasileiro teve grande participação na resistência cultural.  Em encenação de peças estrangeiras de questionamentos é que despertavam o senso crítico, de autores como Sartre e Brecht, além  de peças autorais, atrizes se uniram com muita coragem contra a pesada censura.