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Tema: La representación de la arquitectura

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Tema: La representación de la arquitectura

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Escogí este tema porque me interesa cómo los artistas han plasmado el entorno construido a lo largo del tiempo. La arquitectura no solo es una manifestación artística en sí misma, sino que también ha sido un elemento clave en la pintura, la escultura y otras formas de arte. Desde las pinturas medievales hasta el cubismo, la manera en que se ha representado el espacio ha evolucionado con cambios en la perspectiva, la luz y la composición. Me parece un tema transversal porque conecta el arte con la historia, la técnica y la manera en que entendemos nuestro entorno. Además, permite analizar cómo distintas culturas han concebido y plasmado el espacio en sus obras, reflejando tanto avances técnicos como visiones filosóficas y simbólicas.

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Obra: Las pinturas de la cueva de Chauvet
Artista: Anónimo
Título: Las pinturas de la cueva de Chauvet
Técnica: Pintura rupestre sobre piedra
Dimensiones: Cubre una gran superficie de las paredes de la cueva
Fecha: Aproximadamente 30,000 a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Prehistórico
Género: Arte rupestre
Lugar: Cueva de Chauvet, Francia

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Obra: Zigurats de Ur
Artista: Anónimo
Título: Zigurats de Ur
Técnica: Ladrillo y asfalto
Dimensiones: Aproximadamente 64 metros de altura, 220 metros de base
Fecha: 2100 a.C.
Estilo o corriente artística: Mesopotámico
Género: Arquitectura religiosa
Lugar: Ur, Mesopotamia (actual Irak)

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Obra: El Templo de Abu Simbel
Artista: Ramsés II (bajo su mandato)
Título: El Templo de Abu Simbel
Técnica: Piedra tallada, basalto
Dimensiones: 33 metros de altura
Fecha: 1264 a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Egipcio
Género: Arquitectura religiosa
Lugar: Abu Simbel, Egipto

Análisis visual:

El Templo de Abu Simbel es una de las obras más impresionantes de la arquitectura egipcia. Está localizada sobre la orilla occidental del Nilo, cerca de la frontera con Sudán. La estructura está tallada directamente en la roca y muestra enormes figuras de Ramsés II en la fachada, que miden aproximadamente 20 metros de altura cada una. Estas figuras representan al faraón como un dios, una representación arquitectónica que simboliza su poder y su conexión con lo divino.

El templo está diseñado de tal forma que, durante el equinoccio de invierno, los rayos del sol iluminan la figura de Ramsés II y las de sus dioses, lo que demuestra un alto nivel de precisión en la ingeniería y un vínculo entre la arquitectura y la religión. La estructura interna está decorada con relieves que narran las victorias de Ramsés II, lo que refuerza la idea de inmortalidad del faraón.

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Obra: Fresco de la "Casa de los Frescos" (Palacio de Cnosos)
Artista: Anónimo
Título: Fresco de la "Casa de los Frescos"
Técnica: Fresco sobre yeso
Dimensiones: Varía según la sección del mural
Fecha: 1450 a.C. – 1400 a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Minoico
Género: Pintura mural
Lugar: Palacio de Cnosos, Creta, Grecia

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Obra: Mosaico de "La Batalla de Alejandro" (Mosaico de Pella)
Artista: Anónimo
Título: Mosaico de "La Batalla de Alejandro"
Técnica: Mosaico de piedra
Dimensiones: 5.5 x 3 metros aproximadamente
Fecha: 1ª mitad del siglo IV a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Griego Clásico
Género: Mosaico arquitectónico
Lugar: Palacio de Pella, Macedonia (actual Grecia)

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Obra: El Altar de Pérgamo
Artista: Anónimo
Título: El Altar de Pérgamo
Técnica: Escultura en mármol
Dimensiones: 35 metros de largo y 30 metros de ancho aproximadamente
Fecha: 180-160 a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Helenístico
Género: Arquitectura escultórica
Lugar: Museo de Pérgamo, Berlín (originalmente en Pérgamo, Turquía)

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Fresco de la "Casa del Fauno"

Obra: Fresco de la "Casa del Fauno"
Artista: Anónimo
Título: Fresco de la "Casa del Fauno"
Técnica: Fresco
Dimensiones: Varía según la sección del mural
Fecha: 120-100 a.C.
Estilo o corriente artística: Arte Romano Republicano
Género: Pintura mural arquitectónica
Lugar: Pompeya, Italia

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Obra: Mosaico de la "Villa de los Mosaicos" de Nennig
Artista: Anónimo
Título: Mosaico de la "Villa de los Mosaicos" de Nennig
Técnica: Mosaico de piedra
Dimensiones: Aproximadamente 5 x 5 metros
Fecha: Siglo II d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Romano Imperial
Género: Mosaico arquitectónico
Lugar: Nennig, Alemania (originalmente en una villa romana)

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Para este análisis comparativo, compararé el "Mosaico de La Batalla de Alejandro" (Grecia Clásica) y el "Mosaico de la Villa de los Mosaicos de Nennig" (Imperio Romano)

Estilo y Técnica:

El mosaico de La Batalla de Alejandro es un ejemplo griego temprano, que combina la narrativa histórica con un fondo arquitectónico. Utiliza pequeñas piedras para crear una representación detallada de la batalla.

El mosaico de Nennig es romano, más enfocado en la decoración de espacios domésticos. Utiliza perspectiva para resaltar los elementos arquitectónicos, y presenta columnas y molduras en un entorno residencial.

Representación de la Arquitectura:

En el mosaico de La Batalla de Alejandro, la arquitectura forma un contexto que enmarca la batalla, pero no es el centro de la escena.

El mosaico de Nennig pone la arquitectura como parte integral de la decoración del espacio, destacando columnas y frisos de manera prominente, reflejando el lujo romano en las villas.

Perspectiva y Espacio:

El mosaico de Alejandro tiene un enfoque más narrativo, con la arquitectura como un fondo para las figuras, sin demasiado énfasis en la perspectiva.

El mosaico de Nennig presenta un diseño arquitectónico más preciso, utilizando perspectiva para dar profundidad y realismo al espacio.

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Obra: Mosaico de la "Basílica de Santa María la Mayor" de Roma
Artista: Anónimo
Título: Mosaico de la "Basílica de Santa María la Mayor"
Técnica: Mosaico
Dimensiones: Varía según la sección del mosaico
Fecha: 432 d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Paleocristiano
Género: Mosaico arquitectónico
Lugar: Basílica de Santa María la Mayor, Roma, Italia

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Obra: Mosaico de la "Catedral de San Vital" de Rávena
Artista: Anónimo
Título: Mosaico de la "Catedral de San Vital"
Técnica: Mosaico
Dimensiones: Varía según la sección del mosaico
Fecha: 547 d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Bizantino
Género: Mosaico arquitectónico
Lugar: Catedral de San Vital, Rávena, Italia

Análisis visual

El Mosaico de la Catedral de San Vital, ubicado en Rávena, Italia, fue construido durante el reinado del emperador bizantino Justiniano. Fue mandado a hacer para decorar la iglesia, simbolizando la conexión entre el emperador y la iglesia cristiana.

El mosaico tiene como tema principal la exaltación del emperador Justiniano y su papel en la iglesia cristiana. La narrativa visual es simbólica, donde el emperador se presenta como un líder divinamente elegido, rodeado de figuras religiosas y civiles. La obra resalta la relación entre el poder imperial y el religioso en el imperio bizantino.

El mosaico está realizado con pequeñas teselas de vidrio y piedra, creando un efecto brillante que refleja la luz. Esta no es naturalista, sino que tiene un propósito simbólico para resaltar figuras clave, como Justiniano y los santos. Las figuras son estilizadas y no presentan perspectiva, lo que crea una sensación de planicidad. El espacio descrito es plano, con una jerarquía clara: Justiniano ocupa el centro, flanqueado por su corte y el clero, reforzando su poder. El color, principalmente dorado, simboliza lo divino y lo eterno, mientras que el fondo oscuro resalta las figuras. La composición es simétrica, destacando la unidad y el orden que caracteriza el arte bizantino, enfatizando la armonía entre lo secular y lo religioso.

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Obra: El "Evangelario de Lindisfarne"
Artista: Anónimo
Título: El "Evangelario de Lindisfarne"
Técnica: Manuscrito iluminado
Dimensiones: 34 x 25 cm (aproximadamente)
Fecha: 715-720 d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Insular (Alta Edad Media)
Género: Manuscrito iluminado
Lugar: Biblioteca Británica, Londres, Reino Unido

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La Fachada de la Abadía de Saint-Pierre (Moissac, Francia)

Obra: Iglesia de Saint-Pierre (Moissac, Francia)
Artista: Anónimo
Título: La Portada de la Iglesia de Saint-Pierre
Técnica: Escultura en piedra
Dimensiones: Varía según la sección de la portada
Fecha: Circa 1115 d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Románico
Género: Escultura arquitectónica
Lugar: Moissac, Francia

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Obra: Catedral de Chartres
Artista: Anónimo
Título: La Ventana de la Catedral de Chartres
Técnica: Vidrio emplomado
Dimensiones: Aproximadamente 12 metros de altura
Fecha: Circa 1220 d.C.
Estilo o corriente artística: Arte Gótico
Género: Vidrieras arquitectónicas
Lugar: Catedral de Chartres, Francia

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La portada de Saint-Pierre fue mandada a hacer para adornar la iglesia y servir de enseñanza religiosa a los fieles. Este mosaico presenta figuras rígidas y lineales, con una narrativa visual estática que refleja una espiritualidad distante y jerárquica. En cambio, la ventana de la Catedral de Chartres, es una obra que representa escenas bíblicas mediante vidrios emplomados. Su función era tanto litúrgica como decorativa, permitiendo la entrada de luz que iluminaba las figuras de los santos y las escenas religiosas, creando una atmósfera celestial. Ambos reflejan las creencias religiosas de sus épocas, pero el gótico busca una relación más cercana entre el espectador y lo sagrado, mientras que el románico mantiene una distancia reverencial.

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Entrega 10 de abril - no hay entrega periodo renacentista.

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Artista: Sandro Botticelli

Título: La Adoración de los Magos

Técnica: Templado sobre lienzo

Dimensiones: 111 cm x 134 cm

Fecha: 1482-1483 d.C.

Estilo o corriente artística: Renacimiento italiano

Género: Religioso

Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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Artista: Albrecht Dürer

Título: El Retrato de Maximiliano I

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 70 cm x 48 cm

Fecha: 1519 d.C.

Estilo o corriente artística: Renacimiento del Norte

Género: Retrato

Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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Artista: Giuseppe Arcimboldo

Título: El Verano

Técnica: Óleo sobre madera

Dimensiones: 75 cm x 60 cm

Fecha: 1573 d.C.

Estilo o corriente artística: Renacimiento Manierista

Género: Retrato, Alegoría

Lugar: Galería de los Uffizi, Florencia, Italia

Análisis visual

El Verano de Giuseppe Arcimboldo, es parte de la serie Los Cuatro Elementos, comisionada por la corte imperial de Viena, donde Arcimboldo trabajaba como pintor de la corte de Maximiliano II. Utiliza elementos naturales para representar una figura humana. En este caso, la cabeza del personaje está formada por frutas y vegetales típicos del verano, como uvas, melones, cerezas, y granos. La pintura fue probablemente encargada como una alegoría de la abundancia y el esplendor de la estación. La imagen muestra la cabeza humana compuesta de manera simétrica y equilibrada, lo que resalta la conexión entre el ser humano y la naturaleza en su máximo esplendor. En cuanto a las características formales, la obra está pintada en óleo sobre madera, con una suave iluminación que resalta las texturas de los frutos. El fondo oscuro ayuda a que la figura principal, formada por los elementos naturales, destaque. El color predominante son los tonos cálidos, como verdes, amarillos y rojos, que evocan la vitalidad del verano. La obra no describe un espacio tridimensional definido, y la composición tiene un fuerte enfoque en la figura central, que se convierte en una representación alegórica de la abundancia estacional.

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Entrega 1 de mayo - no hay entrega del periodo barroco, neoclásico y romántico.

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Artista: Gustave Courbet
Título: Entierro en Ornans
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 315 × 668 cm
Fecha: 1849–1850 d.C.
Estilo: Realismo
Género: Pintura histórica/social
Lugar: Museo de Orsay, París

Analisis visual:

La obra Entierro en Ornans representa el entierro de un ciudadano común en el pueblo natal del artista. Pintada entre 1849 y 1850, rompe con las normas académicas al otorgar escala monumental a una escena cotidiana, sin idealización ni héroes.

En el lienzo, una multitud asiste al entierro, ordenada en una línea horizontal que acentúa la solemnidad. Las figuras son reales, reconocibles, vestidas de luto. Courbet usó a vecinos y familiares como modelos, anclando la obra en lo local y personal. La composición es estable, casi teatral, y enfatiza la gravedad del momento.

Predominan tonos terrosos, grises y negros. No hay dramatismo en la luz; es uniforme, casi opaca, subrayando la crudeza del momento. El espacio es un campo abierto, sin elementos que desvíen la atención del rito y sus participantes. El color se mantiene sobrio, con pequeños contrastes que guían la vista: el sacerdote con su estola blanca, la fosa oscura al centro.

Courbet emplea una pincelada firme pero no pulida, lo que refuerza el carácter realista. El mensaje es claro: la vida común también merece ser representada con dignidad. No hay simbolismos trascendentes; el peso está en la mirada directa a la muerte como parte inevitable de lo humano.

Con esta pintura, Courbet no solo retrata un hecho, sino una postura crítica: la reivindicación de la vida cotidiana y la ruptura con las jerarquías del arte tradicional.

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Artista: Claude Monet
Título: Impresión, sol naciente
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 48 × 63 cm
Fecha: 1872 d.C.
Estilo: Impresionismo
Género: Paisaje
Lugar: Museo Marmottan Monet, París

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Artista: Pablo Picasso
Título: Les Demoiselles d’Avignon
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 243.9 × 233.7 cm
Fecha: 1907 d.C.
Estilo: Cubismo (Proto-Cubismo)
Género: Retrato/grupo humano
Lugar: Museum of Modern Art, Nueva York