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Empieza en 1200 a.C.

Fue uno de los más provechosos y bellos

El principal objetivo del arte era embellecer las ciudades de ese entonces

Durante lo que se conoce como la "Edad de Oro", se produjo el mayor momento del arte, en todas sus manifestaciones, y se sentaron las bases de nuestra civilización.

Se mantuvo el desarrollo de edificios monumentales, como el Partenón, el Templo de Artemisa, etc.

La escultura griega luchó por la perfección y el detalle, lamentablemente la mayoría de las maravillas escultóricas de la antigua Grecia fueron destruidas en la Edad Media por el cristianismo que quería acabar con el paganismo.

Las esculturas cuentan con varios colores

Las figuras son serenas, armoniosas, equilibradas, con un realismo idealizado. Uno de sus máximos exponentes fue Fidias, conocido como el escultor de los dioses, y en su obra destacó el uso de una técnica conocida como "tela mojada", ya que los pliegues de la túnica se aplicaban al cuerpo, sobresaliendo la estructura anatómica. Las obras de arte de la época reflejaban la belleza tanto física como espiritual.

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Comienza en el 509 a.C.

Se originó a partir de los asentamientos de las tribus indo-latinas y sabinas y etruscas.

El arte romano fue heredado directamente del arte griego, sin embargo, los romanos no sólo fueron famosos por sus templos y monumentos, sino sobre todo por sus obras de ingeniería, como sus acueductos, puentes, catacumbas, termas, gimnasios, etc.

En las artes plásticas también se muestra la gran influencia del arte griego, con una búsqueda ligeramente alterada del realismo más que del idealismo. Sabemos que sus pinturas provienen de Pompeya, que fue sepultada por la erupción del Vesubio, un desastre natural que permitió que se conservaran los frescos de la casa.

Una de las expresiones más reconocidas del arte romano es el mosaico, y aunque la técnica se originó en Grecia, los romanos lograron desarrollarla sutilmente.

En cuanto a la arquitectura, destaca el uso de arcos y bóvedas, un cambio extremo en la arquitectura griega.

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El arte bizantino comenzó a desarrollarse a partir del siglo IV y se extendió al Imperio Romano de Oriente a partir del siglo VI. Constantinopla fue el centro de arte más importante durante este período y se extendió a los países de Europa del Este a partir del siglo XV.

Al principio se consideró una continuación del Imperio Romano, por lo que la expresión artística estuvo estrechamente asociada con el mundo helenístico, influyendo fuertemente en la cultura occidental medieval.

Por supuesto, el arte en este período estaba sujeto a las exigencias y gustos del emperador, por lo que cuando se asumió el cristianismo, también estuvo bajo el poder religioso.

Es una mezcla de diferentes influencias, entre las que destacan, por supuesto, el cristianismo primitivo, la racionalidad del arte griego y el islam.

El arte bizantino es una continuación del arte paleocristiano de Oriente, desarrollado en el Imperio Romano, su desarrollo interrumpido por diversos acontecimientos políticos, pero que destaca por su monumental arquitectura, esculturas y extraordinarios mosaicos.

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El arte gótico se desarrolló desde mediados del siglo XII hasta el Renacimiento en el siglo XV, especialmente en Italia, y hasta el siglo XVI, en otras partes de Europa.

Fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa Occidental.

La primera evidencia del arte gótico se encontró en el norte de Francia.

Este tipo de arte muestra diferencias en las diferentes áreas de su desarrollo.

En arquitectura, una de las características más destacadas es el uso de arcos apuntados, seguidos de las bóvedas como pilares exteriores.

En una pintura, puede resaltar un cambio a un estilo más oscuro y frío.

La pintura al óleo ganó notoriedad en el siglo XV y se convirtió en el punto de partida del arte renacentista.

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El Renacimiento se originó en Italia en el siglo XV.

El Renacimiento surge como un movimiento artístico que buscaba despojarse de un arte más dedicado al reconocimiento de los dioses y la espiritualidad que al cristianismo.

Durante el Renacimiento, las personas no solo estaban en el centro del mundo comercial, sino que los artistas también eran aceptados y apoyados en el desarrollo de su arte.

Se caracteriza por la presencia de la perspectiva y la pintura al óleo como principales formas de expresión artística.

Aparecieron muchos grandes artistas, como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Cervantes, Rafael, etc.
El descubrimiento de las Américas llevó a la búsqueda de nuevos conocimientos y las personas comenzaron a verse más como individuos, lo que reemplazó a la religión y degradó a las personas.

El arte de este período muestra la aceptación y el uso de modelos más antiguos desde un punto de vista racional y no religioso.

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Como podemos entender, con el renacimiento, la iglesia perdió su control y presencia en la sociedad, por lo que la iglesia católica comenzó a instigar cambios ordenando la construcción de iglesias con una gran cantidad de estatuas. Era una forma de contrarrestar las mentes racionales y reformadoras que dominaban los aspectos sociales y culturales de la época.

Así apareció el arte barroco en la arquitectura, que fue popularizado por la iglesia.

La escultura y la pintura son dramáticas, y los artistas barrocos utilizan la forma, el espacio, la luz natural y el color para crear cualquier relación artísticamente expresiva entre el espectador y la obra para crear una experiencia emocional.

Notable es la capacidad del arte barroco de tener en cuenta en sus propuestas diversos movimientos religiosos, políticos y sociales, lo que aumenta la sucesión de tareas, pero evita la serenidad y el arte expresivo se aleja de exageraciones e influencias.

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Surgió desde mediados del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, coincidiendo muchas veces con la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico.

El barroco y el rococó fueron duramente criticados y sustituidos por un estilo basado en el redescubrimiento del clasicismo.

Los artistas adoptaron los conceptos de belleza, simetría y proporción, lo que permitió utilizar líneas limpias en los planos arquitectónicos. Entre otras cosas, utiliza elementos tan importantes como la sofisticación y la sencillez, las columnas y cúpulas dóricas y jónicas.

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Apareció entre 1709 y 1880.

Después del gélido neoclasicismo, el romanticismo vino como una tormenta.

El romance tiene lugar simultáneamente en Alemania e Inglaterra cuando un grupo diverso de personas decide que están cansados ​​de la razón y la iluminación.

Este arte dice: el mundo es irracional. No tranquilo ni intelectual. En cambio, está lleno de emociones y defectos y gracia.

El sabor del drama está de vuelta, incluso mejor cuando es violento.

Guerras románticas, locura, muerte, pornografía y más. representar La libertad personal es primordial.

La idea pronto se extendería por toda Europa (fue el primer movimiento cultural en hacerlo), y cada país tendría su propia forma de romanticismo, que se manifestaría en diversas disciplinas artísticas.

La subjetividad es una cualidad inherente al movimiento. El ego es importante. En este sentido, se fomenta la individualidad y la originalidad (cada uno debe mostrar sus propias cualidades únicas), y se valoran las tradiciones nacionales en sus respectivas épocas de grandeza anterior.

Las imágenes románticas pueden estar completamente llenas de fantasmas, brujas y monstruos.

Fue en ese momento que surgió un pensamiento interesante: un artista es un genio, un creador, un dios. No tiene sentido imitar a la naturaleza. Si es necesario, debe crearse, para que haya valor en la rebelión en el amor.

Finalmente, renace el sabor de la naturaleza, pero muy personal. Así que el paisaje es un género importante ahora. En lugar de descripciones topográficas, se centran en representar las emociones humanas a través de dos dimensiones principales: lo pintoresco y lo sublime.

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Se originó en Francia en la década de 1850.

La subjetividad empieza a cansar a los artistas que buscan algo más inmediato, más subjetivo, más colectivo.

Fue un movimiento revolucionario, y aunque mostró verdades dolorosas, no lo hizo académicamente.

Los realistas rechazan la hipérbole emocional, es decir, el sentimentalismo. Rechazan a los extraños porque quieren mostrar lo que está cerca.

El movimiento adopta una postura política activa, denunciando la injusticia social y participando en movimientos políticos de clase baja y de izquierda.

El costumbrismo se convirtió en un tema importante del paisaje y la pintura realista, mientras que otros géneros, como el desnudo, destruyeron el idealismo y se convirtieron en lo que muchos consideran arte obsceno.

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Apareció en 1872-1882.

La pintura impresionista buscó capturar la luz y los momentos a gran escala con poca preocupación por la identidad del sujeto. Los objetos no están definidos, pero se dibuja la impresión visual de estos objetos, es decir, las partes individuales forman un todo único.

Lo que hace único a este movimiento es que los colores puros no se mezclan, las pinceladas no se ocultan y, por supuesto, la luz y el color dominan todo lo demás. De esta manera, las imágenes son sueltas e inconsistentes con la luz recibida, y la misma imagen cambia con el cambio de luz, formando así una imagen completamente diferente.

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Apareció en 1905-1908.

El fauvismo consiste en eliminar el color de la pintura, ignorar las sombras y la perspectiva y expresar la emoción.

El artista no quiere deshacerse de todo lo mencionado anteriormente y ceder a la tradición de la pintura.

El color es clave, y nada más sacarlo del tubo deja a un lado la imitación y la aplica con pinceladas rápidas y potentes para dar naturalidad a la composición.

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Surgió en Francia en 1907-1917.

El cubismo fue un reconocimiento de la naturaleza bidimensional del lienzo, en lugar de una restauración de tres dimensiones.

Esto implica mirar el objeto desde todos los ángulos posibles.

Aunque se trata de pintura de vanguardia, los géneros de la pintura cubista son los más clásicos: bodegones, paisajes y retratos.

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Surge en Alemania desde 1905 hasta 1933.

Tiene un tono más pesimista, posiblemente más feo, ya que los expresionistas alemanes no mostraron obsesiones, tabúes ni obscenidades.

El expresionismo es la distorsión de la realidad para expresarla de una manera más subjetiva.

Querían mostrar algo que expresara sentimientos y emociones, naturaleza y personas.

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Apareció en Italia en 1909-1920.

Entre las características que nos permiten clasificar los movimientos, podemos destacar:

Una dedicación a la originalidad.

La estructura del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades, los automóviles y sus actividades y dinámicas. Lo mismo ocurre con las máquinas, el movimiento, la guerra, etc.

Usa formas y colores para crear un ritmo.

colores brillantes. acetato.

Una duplicación de líneas y detalles similar a una escena o secuencia de imágenes en una película.

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Apareció en Europa desde 1916 hasta 1923.

Dada significa caos, suerte.

Arrastra a los traviesos a un escándalo. Dadá contra todo. Contra el arte, contra la literatura, etc. Destrucción creativa, si quieres, pero destrucción. Quizá por eso duró poco.

A pesar de esto, el mensaje se está difundiendo y su influencia se deja sentir poco a poco en varios campos del arte. Caos, aleatoriedad, imperfección... eso es belleza.

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Apareció en París, Francia desde 1924 hasta 1966.

En un principio, el surrealismo fue principalmente un proyecto literario, pero poco a poco fue minando otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine...).

No hay "técnicas surrealistas" porque el inconsciente es una cosa muy personal. Cada autor vive a su manera, pero en general se pueden distinguir dos formas de arte surrealista:

Automáticos, espontáneos, fluidos, tienen su propio mundo gráfico.

Un naturalista que representó los sueños y el mundo inconsciente, a veces utilizando ilustraciones surrealistas.

El arte surrealista, aunque idiosincrásico, a menudo es inconexo, onírico y muy original, ya que muestra los aspectos más personales del artista, ya que el arte surrealista tiene una universalidad con la que todos podemos identificarnos.