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San Francisco de Asís, Anónimo quiteño. Madera talla y policromada. Siglo XVIII. Colección Museo Colonial Santa Clara, Bogotá.

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Elegí esta obra por dos razones. Primero, me llamó mucho la atención la técnica de tallado en madera, pues crea una figura parecida a un juguete, pero con la atención y el detalle de la mano de un artista. Segundo, durante mis vacaciones visité Quito y tuve la oportunidad de ir al museo de San Francisco de Asís que tienen allá. Lo reconocí por la peculiar calavera que sostiene en la mano izquierda, lo cual, investigué luego, simboliza el desprecio del mundo material, el abandono de las riquezas terrenales, un atributo por el cual es conocido este Santo.

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Escogí esta obra porque me llama mucho la atención el hecho de las rosas que tiene tanto en la mano como en la cabeza ya que estas cuentan con cierta apariencia de luminicidad y resplandor. Por otro lado me inquieta el velo rojo qué se ve a su derecha y en contraste a su izquierda hay la suerte de paisaje casi como si fueran dos mundos diferentes y divididos por Santa Rosa.

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Sagrado Corazón de Jesús. Anónimo. Óleo sobre tela.Siglo XIX. Museo Santa Clara

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Escogí esta obra debido a que considero que el Sagrado corazón de Jesús es una de las representaciones religiosas más importantes y conocidas, por su gran devoción. Además de esto, resalto el lugar en la que esta se encuentra, el marco dorado con decoraciones angelicales como las arpas en las esquinas superiores, las "plumas" de las alas de ángeles a su alrededor y en la parte superior. Sin embargo, de este mismo marco, me llamó la atención la representación de la escalera y la espada, que se encuentran junto con las arpas, que considero que representan la ascensión y la lucha de Dios contra los males que nos puedan perjudicar.

Por otro lado, me gustó la intensidad de los colores de la obra en la zona del corazón, que es la parte principal de esta obra.

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Vestido de the Holy Beauty Project, Rossina Bossio. Técnica mixta, 2012. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Elegí esta obra porque forma parte de una colección realizada específicamente para el museo de Santa Clara. Esta obra en particular destaca en el museo por su llamativa presencia y estilo moderno, en contraste con las obras más tradicionales que la rodean. Creo que el concepto de utilizar cabezas de bebé para crear un vestido es muy interesante porque nos hace pensar en el papel de las mujeres y sus cuerpos en nuestros días en comparación con las narrativas tradicionales expuestas. Además, la pintura y el vídeo que formaban parte de la misma colección, junto a la escultura añadieron un nivel adicional de interés para los visitantes.

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Ficha técnica:

Nombre: Crucifijo.
Autor: Anónimo.
Materiales y técnica: Madera tallada y policromada. Mascarilla y ojos de vidrio. Potencias, cartela y conteras en plata.
Año: Ca. 1700
Este crucifijo perteneció a Sor Francisca Josefa del Castillo.
(1671-1742, Tunja)
Monja Clarisa
Pieza donada por:
Sra. María Isabel Otálora de Romher.

Me pareció impactante como este crucifijo era parte fundamental de la vida de la madre Francisca Josefa del Castillo y Guevara, pues este era la imagen de su esposo místico. La historia cuenta que la imagen cobraba vida de forma sobre natural para abrazarla y esto es una afirmación que dispone al público a meditar, pensar e investigar sobre su veracidad. Justo eso sucedió conmigo y es otra razón por la cual escogí esta obra. A demás me sorprendió que, en dicha época, fuera común que las personas mandasen a hacer imágenes y las consideraban un objeto de uso. Pues en la actualidad, este crucifijo sería catalogado como una obra de arte.

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Gina Lloyd -> Belleza sagrada, Rossina Bossio. 

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Gina Lloyd -> Belleza sagrada, Rossina Bossio. 

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Esta obra fue realizado especificamente por este espacio en el Museo Iglesio Santa Clara, y consiste de una pintura en acrilico sobre lienzo.
La escogi por su presencia llamativa y mas moderno en un entorno de obras mas tradicionales en sus estilos. Ademas, la mujer pintada se ve respirando, y hay una sensacion de liberacion por el movimiento de las petalles que le da la impresion de volar o ascencion.  Es una composicion que nunce he visto antes, y lo encontre muy interesante. La artista Rossina Bossio usa las simbolicas rosas rojas para reflexionar la iconografia de sagrada feminina y, si mira de mas cerca, escondidos en las flores son rostros finamente detallados. Estos rostros representan un servicio dedicado terminado de las monjas.
Pienso que esta obra contiene mucha sustancia, con un mensaje apropriado en su entorno de la Iglesia.

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Santa Catalina de Alejandría. Anónimo. Óleo sobre tela. Siglo xvii. Museo Santa Clara.

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Esta obra la elegí porque me atrajo mucho la historia alrededor de esta mártir. Santa Catalina se caracteriza porque fue una mujer que usó el don de la persuasión para convencer a 50 filósofos sobre la existencia de la fe cristiana. Aunque yo no crea en dios ni en la religión pienso que el rol que ella cumple dentro de tradición cristiana es importante porque se venera a una mujer, no por su capacidad de concebir hijos, sino por su inteligencia y habilidades.

Asimismo, elegí esta obra en específico porque la iconografía que aparece en la pintura mezcla los elementos característicos de Santa Catalina (la espada y la rueda) y los elementos de Santa Bárbara (la palma y el rayo) haciendo una combinación de estas dos mártires.

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Título: Inmaculada Concepción y los cuatro padres de la Iglesia Católica Artista: anónimo Medio: óleo sobre tela Fecha: siglo XVII Ubicación: Museo Santa Clara

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Escogí esta pieza porque una de las cosas que más me llamó la atención fue la habilidad de las pinturas y artistas de la época de usar imágenes para transmitir, contar historias y educar, de la misma forma en la que hoy en día podríamos leer o incluso ver un video vara aprender sobre algún tema o, en este caso, dogma. Esta imagen de la Inmaculada Concepción está llena de símbolos e iconografías que podían ser leídas e interpretadas por el pueblo mayoritariamente analfabeta que vivía en Colombia. Hoy en día, sin embargo, no entendemos con facilidad que querían mostrar todas estas imágenes. Por esta razón, investigue un poco sobre algunos de los símbolos de la pieza, lo que me llevó a descubrir detalles que pasaron desapercibidos en la visita y que me transmitieron una gran cantidad de conocimiento. Por ejemplo, cada una de las escenas marinas y símbolos de la virgen con los que está conformado el monograma de María (MAR) en el centro de la composición, o los cuatro padres de la Iglesia en cada uno de las esquinas representando la validación teológica del dogma de la Inmaculada Concepción.

Recurso adicional: https://artsandculture.google.com/u/1/story/inmaculada-concepci%C3%B3n-y-los-cuatro-padres-de-la-iglesia-cat%C3%B3lica/0AWBGhE4BFCknA

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Santa Clara de Asis - Antonio Pimentel - Modelado, Pintado (Tierra pintada, Estuco) - Siglo XVII - Museo Santa Clara

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Me pareció muy curioso que en el museo llamado en honor a la santa que se representa esta estaba en una esquina oscura a la salida y tenía una pintura enorme al lado que la opacaba si no es que la ocultaba para la mayoría de visitantes. Era como si deliberadamente se buscara que esta no fuera la representación que se recordara luego de ver el museo, aún siendo perfectamente válida y suficiente para la época de su creación sin necesidad de ser extremadamente ostentosa y detallada como la imagen principal de la santa en la pared principal del museo.

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Santa Rosa De Viterbo, Baltasar de Figueroa (atribuido). Óleo sobre tela. Siglo XVII

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Elegí esta obra debido a que presenta tres aspectos interesantes desde mi punto de vista. En primer lugar, el uso de tonos azules en su vestimenta y en el fondo. El azul era uno de los colores más costosos disponibles, lo que le otorga una gran importancia y elegancia a la pintura. Además, en el fondo se puede apreciar una ventana que transmite una sensación de tranquilidad.

Otro elemento que me llamó la atención son las rosas que Santa Rosa lleva en la cabeza y en las manos. Estas flores son sutiles y representan la belleza de manera simbólica.

Por último, me parece sumamente interesante el tono de piel tan claro y las facciones que presenta Santa Rosa. Son características que pocas obras en este museo comparten, lo que hace que esta pintura sea única en su apariencia.

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inicialmente, elegí otra obra, pero finalmente me decidí por el Púlpito. No quería ignorar que esto también se podría llamar "obra" por la cantidad de historia y el detallismo que tiene. Me llama la atención que este Púlpito daba cierta omnipotencia al sacerdote, mostrando así el poder y respeto que se le debía tener. En cuanto a las obra como tal, Tiene elementos del siglo XVII como el trabajo de taracea que se aprecia en una de sus caras y lleva esculpidas las figuras de tres evangelistas: San Lucas, San Marcos y San Mateo, moldeados en yeso y decorados con finos trabajos de dorado.

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Misa de San Gregorio, Baltazar Vargas de Figueroa, Óleo sobre tela, Siglo XVIIMuseo Santa Clara, Bogotá, Colombia 

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Escogí esta obra porque representa un gran iconográfica religiosa y es un testimonio de la religiosidad y la cultura de la época colonial de la nueva granada. Me llamo la atención que combina influencias europeas con elementos locales, ya que incorpora elementos indígenas y mestizos en un contexto histórico y religioso especifico. Por lo que, esta obra puede ser vista como una expresión que refleja la diversidad y la riqueza de su herencia cultural. En resumen, la “Misa de San Gregorio” tiene múltiples significados y relevancias en la actualidad, que van más allá de su contexto original.

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Luis Luna, Apocalipsis de San Juan, Técnica mixta sobre hierro, Colección del artista.

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Esta obra me parece muy interesante, pues logra evocar dos momentos históricos en una misma obra sin la necesidad de mostrarlos de forma explícita.

Luis Luna en esta obra parece comenzar con una base de lo que parece una partitura tallada en hierro, algo muy habitual en la época barroca, donde la música tocada en las iglesias e interpretada por coros debía ser transcrita en grandes tablones de madera, papel o metales.

Posteriormente, el mismo artista se hace cargo de intervenir en esta partitura, que de por sí tiene una finalidad artística. Esta intervención muestra un escenario aparentemente apocalíptico, con un hombre en la esquina derecha que observa el mundo en llamas, un hombre ahogándose en una barca y lo que parece ser la llegada de una flota de barcos a lo que probablemente sea América. De igual forma, parece existir la figura de una tortuga en la parte superior de la obra, haciendo referencia a otro tipo de creencias.

El artista evoca diferentes épocas y hay un mensaje claro en relación al apocalipsis y la conquista. De igual forma, el medio utilizado para su obra genera gran interés, pues es no convencional y es capaz de relacionar la obra con la influencia europea de la época sin la necesidad de hacer una representación explícita de la misma.

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Pablo Posada Pernikoff (1964), Montañas, Bloque de placas de vidrio soda cortado, laminado y tallado a mano, 2015, Colección del artista.

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Elegí esta obra principalmente por el gran contraste que resalta el lugar donde se encuentra expuesta, a su alrededor se puede observar todo un ambiente colonial con temáticas algo diferentes y esta obra resaltaba entre todo ello. Me llamó mucho la atención los diseños con los que se encuentra tallada porque puede hacer referencia a las fuerzas de la naturaleza y su flujo natural al interior de las montañas, como el agua y el aire. La transparencia del material me da una sensación de calma y tranquilidad, junto a la luz suave instalada que pareciera hacer referencia a un atardecer entre las montañas.

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Santa Rosa de Viterbo, Baltazar de Figueroa (atribuido), óleo sobre tela, Siglo XVII

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Esta obra de arte me parece interesante por dos motivos. Inicialmente, pese a que no conozco los diferentes elementos simbólicos, me quedó sonando mucho la idea de que las pinturas representan escenas o historias y es posible interpretarlas, esto causa que elementos como el fondo o las flores tengan diferentes connotaciones artísticas y contextuales interesantes. Por otra parte, la iluminación me parece un elemento complejo a nivel artístico, pero que puede llegar a representar elementos santos o divinos de una forma muy clara.

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Anunciación. Anónimo. Oleo sobre tela. Siglo XVII. Museo Santa Clara.

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Escogí esta obra principalmente porque me pareció interesante el detalle que nos mencionaron en la visita al museo. Donde se nos habla que cada obra donde una persona realice un gesto similar a apuntar hacía el cielo es un santo, que está realizando la acción de anunciar. En el caso de la obra que elegí se presenta este detalle anteriormente mencionado, siendo esta la obra de la “Anunciación”. La cual consiste en un evento religioso en el que el arcángel Gabriel anunció a la Virgen María que daría a luz a Jesús, el Hijo de Dios. Este mensaje divino es fundamental en la creencia cristiana y marca el inicio del relato del nacimiento de Jesús en la Biblia.

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Belleza sagrada, Rossina Bossio. Acrilico sobre lienzo, Museo Santa Clara 

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Al principio, esta obra me llamó la atención por el color rojo intenso de las rosas que cubrían a la mujer. Pero luego de observarla un bien por un tiempo, noté que en el interior de las rosas se encontraban unos rostros con un nivel de detalle muy avanzado que parecian ser de monjas. Además, el mensaje de la obra también me gustó mucho, ya que las flores en realidad formaban una corona que portan las monjas al fallecer y se representaba su ascencion. En mi opinión, la pintura encaja perfectamente en el museo, ya que la artista se representa a sí misma simbolizando la ascensión de las monjas como un gesto liberador después de toda una vida de servicio y devoción en los conventos como el de Santa Clara.

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ÉXTASIS DE SANTA TERESA DE JESÚS / Pintura atribuida a Agustín García Zorro de Usecbe / Óleo sobre tela / S. XVII

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Escogí esta imagen por un recuerdo. Mi tía (devota a la Virgen María) y mi primo (sacerdote de Zipaquirá) me hablaron alguna vez de Santa Teresa de Jesús cuando era pequeño. No es mucho lo que recuerdo, pero quedó en mi mente hasta el día de hoy que esa flecha ardiente que apunta un ángel al pecho de Santa Teresa simboliza el amor de Jesús, quien desde los cielos la bendice en compañía del Espíritu Santo en esta pintura. Cómo dijo Jimena en el recorrido: “los feligreses saben leer imágenes” y las pinturas del museo están cargadas de historias escondidas.

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Anónimo. Sor María Gertrudis de Santa Inés, óleo sobre tela, Ca 1730, Museo Santa Clara.

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Este cuadro me llamó la atención por dos motivos. El primero fue el marco: vi que era mucho menos gordo y menos decorado que el de otros cuadros. Quizás eso demuestre algún tipo de jerarquía entre imágenes. El segundo fue la representación de una muerta. La guía nos explicó la importancia social que tenían las monjas de clausura, y aquí se ve que este cadáver tenía un estatus alto. Nunca había visto una pintura de un cadáver coronado con flores, creo que he visto más que todo que los cuadros sobre muertos tratan sobre violencia o, en cambio, retratan a esas personas cuando estaban vivas. Esta es una manera distinta de acercarse a los rituales de la muerte y creo que no habría aprendido sobre el trato de la muerte de las monjas de clausura de no haber sido por la visita guiada.

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Santa Rosa de Viterbo, Baltazar de Figueroa, óleo sobre tela

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La obra de Santa Rosa me llamo la atención gracias al comentario que hizo la guía al respecto quien nos explicó que la pintura ha sido intervenida años después tras su realización para representar un personaje distinto con respecto a la pintura original. Este fenómeno me parece muy interesa ya que manifiesta el carácter utilitario de las imágenes durante el período colonial donde la pintura no poseía un valor artístico para la comunidad sino un sentido devocional y educativo en cuestión de valores.

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Vestidos de The Holy Beauty Project, Rossina Bossio. Técnica Mixta, 2012. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Escogí esta obra porque a simple vista me pareció muy interesante el concepto de crear un vestido utilizando cabezas de bebé. Cuando tuve la oportunidad de leer más sobre este y saber porque tiene eso el vestido, me pareció muy interesante la conexión que realiza con las otras obras coloniales que están en el museo; me gustó mucho esa mirada contemporánea sobre el rol de la mujer y como se contrapone con las otras narrativas que vemos en el museo. Finalmente, me gustó lo performática que es la pieza, dado a que formaba aparecía en un video de la artista performando con la pieza puesta.

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Señor de la humildad. Anónimo. Madera tallada y policromada. Siglo XVII. Museo Santa Clara, Bogotá - Colombia,

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Se me hace increíble pensar cómo se logra por medio del arte representar de forma muy humana el sufrimiento que sintió el hijo de la figura más importante del cristianismo. Es curioso pensar que el tema que históricamente ha causado hasta guerras, la religión, muchas veces se ilustra de forma realmente perceptible, real. Lo que me lleva a hacerme la pregunta, ¿todo se desarrolló por un conjunto de creencias personales, muchas veces inexplicables científicamente?

Claro está que, la perfección no está ni cerca y mucho menos va a ser lograble, pero considero que la capacidad de razonar es aquella característica esencial que nos da la capacidad de decidir y ser diferentes. Lo que me da a entender que, siempre que algo se convierta en fanatismo y lleve a realizar acciones alejadas de la razón lógica no va a tener un contenido realmente veraz.

En conclusión, elegí esta obra que muestra sufrimiento que muchas veces se asocia con algo bíblico o mítico cuando como todo fue causado por personas cegadas por su creencia del momento.

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La misa de San Gregorio. Baltasar de Vargas Figueroa. Óleo sobre lienzo, Siglo XVII. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Esta obra me llamó atención, primero, por la historia que cuenta. En la mitad aparece San Gregorio mediando por el alma de su hermano, quien murió sin poderse confesar, y justo después de pecar. Arriba aparecen almas siendo salvadas del purgatorio, gracias a las plegarias de San Gregorio. Me parece genial la forma en que este cuadro cuenta una historia tan compleja, con tan solo una escena.
La otra razón por la cual esta obra me cautivó es que esta era la obra más grande del museo, por lo cual ocupaba gran parte del muro de la antigua iglesia de Santa Clara.

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San Francisco Solano. Anónimo. Óleo sobre tela. 223 x 236 cm. 1652. Bogotá, Colombia. Museo Santa Clara.

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Elegí esta obra porque fue de las pocas que pude reconocer, o al menos eso creí. Apenas la vi pensé en la iconografía de San Francisco de Asís, principalmente por su hábito, sus pies y su cinto. El estigma en el pecho, las aves y la arquitectura austera en el fondo me recordaron a algunos frescos de Giotto sobre la vida de San Francisco. Por esta razón, cuál no sería mi sorpresa al descubrir que no era una representación de San Francisco de Asís, sino que había sido intervenida para re-dedicarla a San Francisco Solano.

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San Jerónimo. Anónimo. Óleo sobre tela. 107x78 cm. Siglo XVII. Bogotá, Colombia. Museo Santa Clara.

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Este San Jerónimo llamó mi atención no tanto por su sentido iconográfico y religioso, sino por su estilo anatómico y uso de colores. Estamos acostumbrados a que en producciones religiosas veamos santos enaltecidos, vestidos con largas túnicas y portando aureolas. Además, por lo general, únicamente quién es representado semidesnudo es Cristo durante su crucifixión. Sin embargo, en este cuadro observamos a San Jerónimo sin ningún tipo de vestimenta en el torso, mostrando gran parte de su corporalidad. También se le ve viejo y cansado, los tonos de la composición hacen que parezca incluso una obra lúgubre. La pintura me gusta porque me hace pensar que esos santos que observamos como sujetos eternos y divinos, fueron en vida personas comunes, de carne y hueso como cada uno de nosotros.

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N de A: Atribuído a Baltasar de Vargas Figueroa. Óleo sobre lienzo. Siglo XVII. 3.80 x 2.25. Iglesia Museo de Santa Clara de Bogotá.

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Esta obra llamó mi atención por la expresividad que hay en cada uno de los rostros de los presentes en la misa. Me gustó la idea de representar el cielo, el mundo terrenal y ese espacio que hay entre ambos que es el purgatorio ocurriendo todos en un mismo momento. Ya que mientras en el mundo terrenal piden por las almas del purgatorío en el cielo se ve cómo los angeles interceden por ellas y les van permitiendo la entrada al cielo. Además de poder ver a Jesus sin estar colgado en la cruz, a Maria recibiendo las almas y a Dios vigilandolo todo desde la parte más alta me causa bastante curiosidad. Lo que más me gustó en general de todas las obras es que son muy explícitas y no hay que leer nada entre líneas porque todo se entiende con tan solo ver la obra.

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Santa Catalina de Alejandría, Anónimo. Óleo sobre tela, Siglo XVII. Bogotá, Museo Santa Clara.

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La obra de Santa Catalina de Alejandría llamó mi atención ya que en un mismo cuadro se recolectan varios elementos de su historia, como la rueda con puntas que estaba detrás que se cuenta que iba dirigida a ella y se dividió a la mitad antes de que llegara a ella. La palma hace referencia a la palma del domingo de ramos y como nos contaron es el triunfo sobre la fe y la muerte, lo que tiene como principio exponer su historia de una mujer que obró a favor de la iglesia.

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Sagrado Corazón de Jesús. Anónimo, óleo sobre tela.Siglo XIX.

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Me llamo la atención los contrastes entre el arte colonial y el arte moderno. En el arte colonial las imágenes son directas y en una sola imagen explican todo el contenido, dejando poco espacio para la interpretación. Mientras que en el arte moderno la conceptualización prima dado que cada imagen se abre a cierta interpretación. En el cuadro del sagrado corazón de Jesús se muestra la admiración del sacrificio que hizo Jesús de dar su vida por la sociedad humana. Me parece interesante que esto contrasta con mi interpretación de la obra de María Eugenia Trujillo. Donde también se muestra un corazón, más este retrata la soledad del sacrificio como una sensación privada de pesadez y pena que se guarda por dentro. Esto contrasta con la imagen de Jesus ya que en el relato de la biblia él lo hace por amor, más la artista muestra la pena interna y la pesadez que tienen los sacrificios, incluso los mundanos. Finalmente, me impactó que en la colonia se retrataba la ropa como un elemento importante de riqueza mientras que hoy en día es común tener mucha de esta sin que signifique gran logro. Esto se refleja en ambas obras ya que en el cuadro se retrata con cuidado y detalle la ropa de Jesús mientras que la escultura está desnuda y lo que tiene detalle y brillo es el corazón, mostrando la importancia de este.

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San Francisco de Asís. Anónimo. Siglo XVIII. Madera Tallada y tela encolada policromadas. Museo Iglesia Santa Clara, Bogotá, D.C., Colombia.

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Esta escultura fue la obra que más me llamó la atención en el museo, pues, como se observa, San Francisco de Asís está sosteniendo un cráneo humano con su mano. Se nos explicó, que los cráneos, pelucas, dientes, y otras partes humanas eran donadas por las personas a estas figuras con el fin de expresar su devoción y con la intención de traer estas representaciones a la realidad, es decir, buscar que se vieran más humanas. Esto me sorprendió pues se puede ver la gran importancia que tenían estas figuras religiosas y la religión en sí durante esta época. Asimismo, me pareció increíble que esta escultura fuera hecha en madera y que además fuera desajustable (a diferencia de la la escultura de Santa Clara de Asís) pues su aparencia la hacer ver como si fuera hecha en yeso.

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Santa rosa de viterbo, Baltasar de Figueroa. Óleo sobre tela, siglo XVII

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Esta obra me llamó mucho la atención después de la visita guiada donde fuimos introducidos a la vida de las monjas en el convento en el siglo XVII y de su vida cotidiana. Una de las cosas que más me llamó la atención fue la tradición de coronar a las monjas con una corona de flores cada cierto tiempo y finalmente cuando morían eran también coronadas porque era cuando se encontraban con Jesús, como si fuera una renovación de votos. Esta tradición me recuerda mucho a la feminidad y la relación con las flores que tiene, me pareció muy curioso pensar que siempre ha estado presente.

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Santa Catalina de Alejandría. Anónimo. Óleo sobre tela. Siglo XVII. (140cmx88cm). Bogotá, Museo Santa Clara.

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La presente obra me llamó mucho la atención por la historia de la mujer retratada en el cuadro. Como nos explicaba la guía, la composición de las obras de esa época eran como la escritura moderna, muestra, por medio de detalles, lo acontecido a la persona retratada. De esta manera, Santa Catalina de Alejandría fue una mártir que murió decapitada, pero su historia y retratos son un poco ambiguos. Me interesó mucho que habían dos retratos de ella en el museo, mostrándola de distintas maneras, pero siempre evidenciando la manera en la que fue ejecutada. Asimismo, la delicadeza de los detalles en la pintura, desde los pliegues de su vestimenta hasta la luz que ilumina su rostro, me hace apreciar el talento del artista y cómo cada trazo contribuye a la narrativa de la obra.

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Santa Catalina de Alejandría; Anónimo. Óleo sobre tela. (140 x 88 cm). Siglo XVII. Bogotá, Museo Santa Clara. 

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A lo largo de 5 años he venido trabajando en la objeción de conciencia como un derecho fundamental. Siendo esta, la capacidad que tiene un ser humano de negarse a hacer cosas que vayan en contra de su conciencia. La objeción de conciencia se presenta desde en ámbitos médicos, hasta en ámbitos militares.

Elegí esta obra, porque la vida de Santa Catalina de Alejandría es uno de los mayores ejemplos de objeción de conciencia, que encontramos plasmados en este caso, en una obra de arte. Contracorriente, rebelde, filosofa. En esta obra podemos ver representado todo esto. Santa Catalina, debido a su intelecto, amenazo el ego de muchos hombres intelectuales de la época.

En esta imagen vemos a la santa intercesora de los estudiantes de pie, ataviada con velo, manto, túnica y estola. En sus manos sostiene la palma del martirio y la espada que simboliza su decapitación. En el fondo de la imagen, se observan los restos de la rueda con la que fue torturada.

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Santa María de Atocha; Anónimo. Oleo sobre tela (160 x 115 cm). Siglo XVII. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Esta obra fue la primera que al entrar observé en el museo. No se que le vi en su momento para que me llamará tanto la atención, pero había algo en ella que me mantuvo observándola. Posterior a esto, investigue un poco sobre quién era Santa María de Atocha, y resulta que en la época de la conquista y colonia esta santa era la protectora de los reyes y patrona de la monarquía española. Asimismo, es considerada una de las patronas más antiguas de la ciudad de Madrid. Todo esto me llamo mucho la atención, y me pareció muy importante que no es solamente ir a observar un obra sino investigar para saber que es lo que querían representar y tener así una mayor compresión.

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La comunidad. María Eugenia Trujillo. Bronce, bordado en hilos, mostacillas y piedras incrustadas. 2019. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Ecogí esta obra porque me causo una intriga por la obra "Mujeres Ocultas" de María Eugenia Trujillo. Esta escultura me dejó una impresión duradera. Lo que más me llamó la atención fue la forma en que la artista utiliza la alegoría para transmitir su mensaje. A pesar de que la obra representa objetos que se asemejan a custodias religiosas, que siempre han sido objetos que me llaman la atención por su detalle y materialidad, su significado va mucho más allá. La elección de la palabra "custodia" para describir la obra resalta cómo las mujeres han sido históricamente custodiadas, enclaustradas y sometidas.

La representación de ojos, bocas, senos y metáforas del sexo femenino en el centro de la escultura es poderosa y conmovedora. Los detalles con hilos dorados y piedras semipreciosas agregan un toque de belleza y misterio a la obra. En conjunto, "Mujeres Ocultas" de María Eugenia Trujillo me hizo reflexionar sobre la opresión y el papel de la mujer en la historia, y cómo estas representaciones artísticas pueden transmitir significados profundos y simbólicos.

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Estigmatización de San Francisco de Asís. Agustín García Zorro de Useche (atribuido). Óleo sobre tela. Siglo XVII. Museo Santa Clara, Bogotá.

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La obra me llamó la atención porque reconocí el lazo y el atuendo café que caracterizan a San Francisco, pero la escogí porque el título me pareció muy interesante. No había pensado, aunque sea obvio, que la estigmatización como proceso de adquirir los estigmas es una misma palabra tanto para referirse a recibir los agujeros que tiene cristo en las manos, como para adquirir una mala fama o empezar a ser objeto de un prejuicio. Eso me hizo pensar en ese significado compartido, el estigma es una marca visible que goza de realidad material. En el santo el estigma es una marca que indica su participación en la pasión de cristo; lo que solemos llamar estigma hoy es una marca que indica nuestra participación en ciertas dinámicas sociales que, como sabemos, tienen efectos en el cuerpo y terminan siendo, también, materiales.

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Santa Catalina de Alejandría; Anónimo; Oleo sobre tela, Siglo XVII

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En lo personal, esta obra llamó mi atención dado el énfasis que dio la guía de la visita a la misma. Esto pues me parece muy interesante como la representación de los santos en la pintura colonial no solo pretende mostrar al personaje en cuestión, si no que también cuenta sus historia a partir de los diferentes objetos y circunstancias que abrigan, rodean y cobijan al santo en sí. Es también por esto que considero que este tipo de obras funcionan como el mismo museo Santa Clara en cuestión, que más allá de curar pinturas coloniales y religiosas en un espacio sin contexto, como podría hacerlo cualquier otro museo de la ciudad, este lo hace a partir de un espacio que abriga, rodea y cobija las obras y que nos habla de su contexto y de su relación con el convento de clausura que es hogar de este proyecto.

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Buitres, 2020-2023, Óleo sobre lienzo, Museo Santa Clara, Bogotá, Colombia.

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Esta obra me llamó la atención por dos razones. La primera es que se encontraba expuesta en lo que era la sacristía de la antigua iglesia. Un obra de este carácter y con esta temática casi hereje u oscura es llamativa que se haya expuesto en un espacio como la sacristía, donde se guardan los distintos objetos para el culto católico y se viste el saceerdote. Lo segundo que me llamó la atención fue su temática. Esta contrasta con la temática general de las obras del museo, siendo una obra que no habla de temas religiosos. También se evidencia la influencia en esta obra de la obra negra de Goya, más específicamente de la pintura de Saturno devorando a su hijo.

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Belleza Sagrada (Crush), Rossina Bossio, Acrilico sobre lienzo, 2011, Museo Santa Clara.

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Escogí esta obra porque a simple vista me llamó la atención ver esta obra en un museo de una iglesia, además de parecerme muy atractivo para la vista, tanto por los colores como los detalles. Sin embargo, luego de ver más de cerca la obra y escuchar el contexto de todo el museo, me pareció aun más llamativa. Me pareció increíble el nivel de detalle de la obra, pues vi que los pétalos de las rosas tienen rostros en ellas. Pero también me interesó mucho que esta obra esta en un lugar indicado, pues la iglesia a ser enfocada en las monjas tiene todo el sentido en darle tanta importancia a una mujer.

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La piedad (imágenes enfermas), Alguna vez las cruces fueron árboles, Camilo Castaño Uribe, Carboncillo sobre tela, 2022, Museo Santa Clara

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Escogí esta obra pues me llamó mucho la atención los detalles de esta. Cuando la vi de lejos pensé que era un dibujo común y corriente, pero cuando me fui acercando me di cuenta del detalle con que esta se había hecho. Como usaron el carboncillo, algo tan común para hacer el marco, la luz y la sombra de esta obra. Me pareció muy interesante como solo con un carboncillo negro lograra realizar tantas dimensiones en la obra. Lo que usualmente se hace usando colores, se logró hacer con un solo utensilio. Creo que esto me hizo apreciarla mas.

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Sagrado Corazón De Jesus. Anonimo, Óleo Sobre Tela. Siglo XIX. Museo Santa Clara, Bogota, Colombia. 

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En esta visita escogí la obra ‘Sagrado Corazón de Jesús’ por sus aspectos formales. Me parece muy interesante como el corazón este sobrepuesto en Jesús sin ninguna intención de difuminar sus bordes, son muy claros los límites entre el corazón y Jesús, cosa que no era muy común en el arte del Siglo XIX. En cuanto al color me parece curioso como los colores cálidos están mucho más saturados que los colores fríos, como si estos hubieran sido en su efecto fueron superpuestos en otro momento diferente al de su creación y por una persona diferente al autor.

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San Francisco Lozano, Anónimo, Oleo sobre tela, 1652, Museo Santa Clara

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Escogí esta obra porque me ha llamado la atención cómo el hombre que está en el medio del cuadro, se representa a si mismo como el evangelista que está realizando su misión misionera en un lugar empobrecido y agobiado. Este punto me recuerda mucho al purgatorio, en esa lectura el catolicismo buscaba reflejar su imagen religioso en las colonias, probando por medio del arte cómo debe de ser visualizado su doctrina mediante la salvación de la miseria y la etiopia que se ve representado el cielo. También me ha llamado la atención el nombre del hombre del medio, San Francisco Lozano, cuyo nombre probablemente inspiro al actual papa para nombrarse así en honor a el.

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Sagrado corazón de Jesús. Anónimo, Óleo sobre tela. Siglo XIX. Museo Santa Clara

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Para mí, esta representación del Sagrado Corazón es un recordatorio de la importancia del amor y la compasión en nuestras vidas. Nos desafía a reflexionar sobre cómo podemos llevar estos valores a nuestras acciones cotidianas y nuestras relaciones con los demás. También me reconforta saber que, incluso en tiempos de dificultad y sufrimiento, el amor y la misericordia de Jesús están siempre presentes para guiarnos y darnos consuelo. En resumen, esta pintura es un testimonio del poder de la fe y la devoción en la vida de muchas personas, incluyendo la mía propia.

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Santa Catalina de Alejandría. Anónimo. Óleo sobre tela. S. XVII. Museo Santa Clara

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Escogí esta obra, ya que me logro transmitir un mensaje de seguridad y fuerza. En primer lugar los colores que hay en la obra, sobre todo el color rojo hicieron que esta  llamara mi atención en un primer instante. La vestimenta y la posición de santa catalina me inspiraron un sentimiento de seguridad y confianza, lo que me hizo sentir segura y tranquila, cosa que no suelo relacionar son el arte colonial ya que normalmente me parece un arte explicito, oscuro y aterrador. Y finalmente al escuchar su historia, sentí un gran interés por este personaje histórico, lo que me genero querer saber más sobre ella y su historia dentro de la iglesia.

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Belleza sagrada, Rossina Bossio, colección (2011), Acrílico sobre lienzo, Museo Santa Clara.

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Me llamo mucho la atención esta obra a pesar de ser contemporánea porque a simple vista se ve una mujer con un vestido de rosas, pero cuando te acercas y te fijas en los detalles es increíble apreciar que en el centro de las rosas la artista pinto caras muy detalladas. Y también por que en la descripción de la pintura dice que la mujer sale de una corona de flores que usaban las monjas cuando morían y simboliza el asenso por el que pasan para reunirse con su amado Dios. Y siento que es muy significativo como estas mujeres dedicaban toda su vida a Dios y tenían ese pensamiento tan bello de poder en su muerte casarse con el.

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Sin Título. Aldo Chaparro, 2013. Acero inoxidable doblado. 3 x 2 metros. Museo Santa Clara

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Esta obra me llama la atención porque no entiendo qué está haciendo en este espacio del museo. Nuestra guía nos dijo que en el lugar habían tanto obras religiosas y devocionales, así como otras más contemporáneas que dialogaban con los temas que se podían identificar en el museo. Sin embargo, me pareció curioso que hubiese esta "manta espacial" montada en la mitad de todo el lugar y que genuinamente parece no tener nada que ver con lo que se ve en general.

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Señor de la humildad. Anónimo. Madera tallada y policromada. Siglo XVII. museo Santa Clara, Bogotá.

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Escogí esta obra porque me logró transmitir el sufrimiento de la escena. No estoy seguro a que pasaje bíblico está haciendo alusión, pero por las características entiendo que retrata algún momento en el que Jesús está siendo juzgado luego de ser azotado. La figura está muy ensangrentada, casi desnuda, con la cara demacrada y la mirada perdida. Además, posee algo en sus proporciones que inquieta, que no permite concebirla del todo como humana. Apoyado en la charla de la visita, considero que esta figura era capaz de transmitir muy bien este sentimiento de sufrimiento y humillación a los feligreses del siglo XVII. Finalmente, me llamó la atención el título, ¿Por qué humildad y no humillación? Supongo que tendrá que ver con buscarle algo virtuoso a la figura de Jesús.

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San Antonio de Padua. Anónimo. Madera tallada y tela encolada policromadas Siglo XVII. Museo Santa Clara, Bogotá.

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Elegí la obra de San Antonio de Padua porque me intrigó su conexión con las cosas perdidas y su relevancia en la búsqueda de una pareja amorosa. San Antonio es conocido como el santo de los objetos perdidos y es interesante que haya trascendido en el tiempo relacionándolo con la búsqueda de parejas amorosas. Según se dice, esconder una figura de San Antonio de Pauda ayuda a conseguir pareja por ser el santo patrono de las cosas perdidas. Esta asociación entre San Antonio y la búsqueda de pareja se ha arraigado en la cultura popular, convirtiéndolo en un símbolo de esperanza y ayuda en estos asuntos, hasta el punto de encontrar su figura en la calle y que te la vendan para encontrar el amor. Pero eso sí, te ayuda a encontrarla, pero no te garantiza la calidad de la pareja.

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El sueño del bachiller Cotrina, Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos (firmado). Óleo sobre tela, 63 x 42 cm, 1668 (fechado). Museo Santa Clara

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Esta obra me llamó mucho la la atención porque de todas las personas que están pintadas la virgen es la única que parece estar irradiando luz lo cual la hace la protagonista. En la parte de abajo de su vestido se ven unas caras lo cual me pareció un poco surrealista para la época en la que se pintó este cuadro. También me pareció muy interesante que habían colores más claros o pasteles como el rosado y el azul grisáceo del vestido; así mismo el verde de la capa pues es bastante vivo en comparación a la gama de colores oscuros que se ven normalmente en este tipo de pinturas. Por la expresión facial de ella se puede sentir una cierta compasión y sensación de cuidado. Al ver a la virgen con los dos ángeles esta obra me transmite tranquilidad, me recuerda que la fe puede ser una fuente inagotable de inspiración y que el arte puede ser una poderosa forma de expresar nuestros sentimientos más profundos.

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San José con el Niño. Anónimo. Óleo sobre tela. Siglo XVII. Museo Santa Clara. 

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Escogí esta obra que representa a San José con el niño Jesús porque, de todos los San Josés con el Niño que hay en el museo, creo que en este se ve muy claramente la imagen del lirio que sostiene. Durante el recorrido del museo, aprendimos muchas cosas sobre la iconografía religiosa. La que me pareció más interesante fue que, cuando un santo sostiene estas flores, es en referencia a la virginidad. Entonces, me pareció sorprendente que las representaciones de San José lleven este lirio, resaltando su virginidad, mientras que las de la Virgen María, no. Claro está, que en las representaciones de María el lirio podría ser redundante, pues todo el valor de este personaje para el catolicismo está en esa paradoja de la madre virgen. De todas formas, creo que muchas veces se piensa que la virginidad es algo que en el catolicismo y en la sociedad se les exige solamente a las mujeres, y estas imágenes de San José nos muestran que no. San José, un hombre, sostiene un lirio en todas sus representaciones en el Museo Santa Clara, resaltando su virginidad, lo que muestra que este es un valor para todas las personas en el catolicismo, no sólo para las mujeres. Y esto es algo que no siempre es evidente en la concepción popular del catolicismo, pero que la iconografía nos permite descubrir.

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María Eugenia Trujillo (1953)
Alguien dentro del pecho erige soledades, clavos, engaños fosos
Maniquí de tela con bordados de chaquiras
2014
Colección particular
Museo Santa Clara

Desde el momento que entré al museo esta obra llamó mi atención sobre el resto, a pesar de que era un lugar con obras del suelo al techo. Esta pieza hace parte de la obra Mujeres ocultas; trabajo artístico que hace una crítica a la subyugación y maltrato que ha sufrido la mujer a lo largo de la historia. También cuenta con elementos religiosos, lo cuál me causa impresión, pues la obra está dentro de un lugar que tiene una historia ligada directamente a la práctica religiosa, donde se habla ampliamente sobre la castidad, virginidad y labores reducidos de la mujer en sociedad. Hay un contraste claro, y más cuando la obra habla del tabú de la sexualidad femenina. Otro factor interesante que llega a mi mente es el cómo el bordado fue un método opresivo hacia la mujer para mantener su mente ocupada y lejos de los pensamientos fuertes o problemáticos antiguamente. Esa relación entre una obra de bordado y la historia del museo generan una sensación de extrañes. Por último, creo que la razón por la cuál esta obra llamó mi atención de primera mano es que el bordado y los medios textiles son de mis materiales preferidos dentro de mis prácticas artísticas. Conozco el material que Trujillo y cuando trabajo este tipo de materiales me suscitan muchas cosas, por lo que siento mucha empatía con la obra.