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Integrada por Eduardo Schiaffino, Eduardo Sívori, Angel Della Valle, Ernesto de la Cárcova, Augusto Ballerini, Reynaldo Giudici, Severo Rodríguez Etchart, Ventura Marco del Pont, Lucio Correa Morales y Rogelio Yrurtia, entre otros, delinearon con sus obras y sus polémicas, un campo específico para las artes plásticas. Diseñaron estrategias de difusión y exhibición para sus producciones, con la intención de dotar de un fundamento estético- ideológico tanto a las obras como al público que para ellas imaginaban.
Hubo en esta generación un manifiesto interés por adquirir un lugar en los grandes debates del momento. Una voluntad de integrarse al mundo intelectual, interactuando con escritores, poetas e historiadores con el objetivo de generar ámbitos comunes de sociabilidad. Este grupo de artistas y su accionar instauró un clima de modernidad artística que preparó el terreno para las generaciones futuras.

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Aparecida en la prensa ilustrada cumplió un nuevo papel, funcionó como:

formadora del gusto invitando a la adhesión o al rechazo en torno a los artistas y sus obras

como un catalizador de cuestiones extra-artísticas en el debate en torno a la política y las adscripciones ideológicas

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El gobierno de la provincia de Bs. As. creó un sistema de becas mediante el cual los artistas locales podían realizar un viaje de perfeccionamiento en Europa subvencionado por el Estado, viaje que constituyó durante los años 80 un paso obligado de todo profesional de las artes.
Los estudios de perfeccionamiento eran realizados en talleres de destacada trayectoria.

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Importador de objetos artísticos. Introducía al país cuadros de artistas consagrados que eran exhibidos al público desde su propia casa. Las colecciones particulares transformaban sus hogares en improvisadas galerías de arte con lo que suplían la ausencia de lugares oficiales de exposición.

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Cafés, clubes y periódicos dieron origen a prácticas colectivas de relación social:

Salas de recreo con vistas ópticas. En el interior de un espacio circular cerrado, pinturas gigantescas eran observadas por el público desde una tarima en el centro del recinto. También había cuadros realizados por jóvenes artistas locales que decoraban los gabinetes de lectura.

Los foyers de los teatros y los almacenes navales. Los artistas exponían sus cuadros en las salas de venta de estos negocios, mezclados con otros objetos de diversa procedencia y utilidad, o en los escaparates sobre la calle que permitían la contemplación de un público numeroso y heterogéneo.

Remates/subastas. En 1858 se realizó la primera subasta de pintura promovida pro el Asilo de Mendigos

"La exhibición de los cuadros en estos grandes establecimientos comerciales respondían también a la necesidad de introducir estas obras en el mercado local" (Munilla Lacasa en Siglo XIX)

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"La exactitud de la fotografía, sumada a la reproductibilidad masiva de la litografía, constituyeron dos factores importantes en la difusión de las imágenes oficiales diseñadas por los gobiernos que sucedieron a Rosas" (Munilla Lacasa en Siglo XIX)

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Monumento ecuestre en bronce del General San Martín realizada en 1862 por el escultor Louis Joseph Daumas

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Culto a las personalidades ilustres, al héroe.
Mientras la Pirámide de Mayo evoca una gesta colectiva, esta estatua recuerda a una personalidad individual.

Los monumentos funcionaron para expresar por medio del lenguaje simbólico la necesidad de unidad nacional, encarnada en aquellos personajes que en el pasado habían luchado por conseguirla. También como parte importante en la trasmisión del programa ideológico y propagandístico.

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Surgimiento de un espacio de producción, circulación y consumo

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Surgimiento de un espacio de producción, circulación y consumo

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Como señala Munilla Lacasa en Siglo XIX, la circulación de las obras en el ambiente plástico local era parcial, debido al limitado público consumidor, reducido y selecto; y a la falta de museos, exposiciones regulares de arte en la ciudad de Buenos Aires. Aunque la década del 20 fue una época de grandes progresos en el proceso de conformación de un espacio artístico local por:
- La presencia itinerante de numerosos pintores extranjeros en la ciudad
- La introducción de nuevas técnicas de impresión
- Las renovadas propuestas pedagógicas aplicadas a la enseñanza artística
- Los proyectos de creación de museos y exposiciones de cuadros

ARTE PROPAGANDISTA
Estas imágenes tenían gran circulación en periódicos locales, además podían ser adquiridas en varios negocios de la ciudad y, por su bajo costo, consumidas de forma masiva.
En tiempos de celebraciones cívicas, los vecinos colocaban en los frentes de sus casas bustos y retratos grabados del Restaurador o faroles de papel de colores con su efigie

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El primero en realizarlas con intención artística en Argentina fue Jean Baptiste Douville.

En el año 1828 se instaló en Buenos Aires el primer establecimiento comercial que implementó en forma sostenida la tecnología litográfica como método de producción de documentos e imágenes. Este hecho introdujo una práctica novedosa en la cultura visual porteña. Durante el lapso de casi diez años en los cuales operó, la firma "Bacle y Cía." denominada desde 1829 "Litografía del Estado"- produjo y puso en circulación una considerable cantidad de objetos gráficos de diverso carácter. En el soporte de libros, folletos o láminas diseminó retratos de hombres públicos, vistas, álbumes ilustrados de trajes y costumbres, imágenes estampadas en hojas sueltas, papeles de música, libros con portadas o ilustraciones litografiadas, documentos oficiales o particulares como patentes, títulos de propiedad, invitaciones, letras de cambio, programas de teatro, planos topográficos, mapas y diagramas. Publicó asimismo los primeros periódicos ilustrados locales y posibilitó el emplazamiento de imágenes y elementos decorativos en todo tipo de trabajos comerciales. Pero además desarrolló gran parte de la propaganda política del régimen rosista produciendo a través de la impresión litográfica divisas federales así como el retrato de Juan Manuel de Rosas multiplicado en fundas de sombreros, guantes o chalecos.

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"Entre lo local, lo nacional y lo global se establecen distintas relaciones: lo local se asocia a lo próximo, cotidiano, familiar, "auténtico" y frente a lo nacional, está marcado por la diversidad. A ésta se opone la unicidad de lo nacional, espacio ampliado, que sin embargo se diversifica frente a lo global, ya que las naciones difieren en su especificidad" (Flores Ballesteros, 2003)

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En referencia a lo Latinoamericano:

es otra forma, ampliada, de nacionalismo: una "nación latinoamericana"

ocupa el mismo lugar en el "proceso civilizatorio", ha sido sometida al mismo tipo de conquista en el mismo período

al principio abarcó sólo los pueblos de lengua española, luego incluyó a Brasil y el Caribe

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“El paradigma Estado-nación, conformado en Europa y adoptado en América Latina requiere un territorio específico y aplica criterios de unificación y de homogeneización que procuran neutralizar las diferencias regionales o locales de diverso tipo -étnicas, sociales, culturales, lingüísticas, históricas, geográficas, etc.-, en aras de un "tipo nacional". (Flores Ballesteros, 2003)

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El estanque Viejo  (1918), Fernando Fader

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En 1907 el grupo formado mayoritariamente por artistas que volvían de su estadía de formación en Europa, como Pío Collivadino, Carlos Ripamonte, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Alberto M. Rossi, Justo Lynch, Fernando Fader y los escultores Arturo Dresco y Rogelio Yrurtia, retomó la cuestión del paisaje y éste siguió ocupando el centro de sus intereses.

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Emeric Essex Vidal, paisaje junto a escenas costumbristas.
Prilidiano Pueyrredón. Roberto Amigo dirá de su obra Bosque de Palermo:

"primera imagen del bosque de Palermo como paisaje autónomo, espacio que luego de su ingreso a la trama urbana será clave en el desarrollo moderno del género. Bosque de Palermo adquiere relevancia por inventar el paisaje en una geografía politizada; es decir anula la carga política, simbólica, por ser donde estuvo la estancia y caserón de Rosas"

José Aguyari

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La pampa comenzó a ser pensada como paisaje, en obras en las que se desplazó definitivamente el interés de las escenas típicas de “trajes y costumbres” a los efectos de luz y color, la inmensidad del espacio y la lisura del horizonte.

"Eduardo Sívori fue quien inauguró ese interés por el paisaje pampeano a partir de las polémicas que se desataron en el Ateneo de Buenos Aires en 1894, estimuladas por el reclamo de poetas nacionalistas como Rafael Obligado, a los que Eduardo Schiaffno había respondido tajantemente afirmando que la belleza de la pampa no existía en términos visuales, que era una belleza puramente literaria, imposible de concebir como motivo de un cuadro. Eduardo Sívori fue el primer pintor que se propuso representar ese paisaje que hasta entonces sólo había sido pensado como un escenario vacío en donde se desplegaba el drama humano: tipos y costumbres, rodeos, carretas, viajes. Pintó pampas vacías, efectos de luz, buscó la sensación sublime de la inmensidad" (Laura Malosetti Costa, El siglo XIX)

En esa línea trabajaron también Ángel Della Valle y Martín Malharro. Su obra se vinculaba con un estilo vitalista y simbolista que atravesó la escena internacional como  un contrapunto en el que, desde diversas localizaciones construían una identidad local en sus respectivas naciones.

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Frutas, s/f. Sor Josefa Díaz y Clucellas

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Género ampliamente cultivado por las mujeres artistas, como  la cordobesa Sor Josefa Díaz y Clucellas, y algunos  artistas italianos, como Epaminondas Chiama, quien se hizo célebre por sus bodegones. Ernesto de la Cárcova realizó, en una paleta muy luminosa y pinceladas abiertas, a comienzos del siglo XX, algunas pinturas espléndidas en este género.

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Inauguraron el hábito de visitar exposiciones de arte regularmente

Estimularon la crítica periodística

Constituyeron un impulso nuevo para el coleccionismo

Se diversificaron los géneros

Surgieron  las piezas “de museo” y géneros considerados “menores” como la naturaleza muerta.

Emergió un interés por el paisaje y sus connotaciones, tanto estéticas como políticas, para la nación. Fue el asunto que ocupó la atención  de muchos artistas de la generación del 80 en la  última década del siglo y el centro del nacionalismo y regionalismo en el arte de las primeras décadas del XX.

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Capataz y peón rebelde (1901), Martín Boneo

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Los temas gauchescos siguieron ocupando la atención de los artistas, aunque vinculada a la publicación y popularidad del poema de José Hernández Martín Fierro en 1872; La vuelta de Martín Fierro, en 1879; y la aparición en folletín de Juan Moreira, de Eduardo Gutiérrez, entre 1878 y 1880. En ambas obras se ponían en escena la crueldad de la leva forzosa de gauchos para las guerras y la desigualdad del peón rural (el gaucho) ante la justicia, y sobre todo se enaltecían un modo de vida y unos códigos de ética que se manifestaban como los valores de la tradición frente a la nueva confusión urbana cosmopolita.
Capataz y peón rebelde, aparece referido al tono polémico y crítico que adquirieron las representaciones gauchescas en esos años.

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Su aceptación en los salones europeos y los premios obtenidos funcionaron como garantía de calidad de obras que, además, representaban un cambio importante en la vida artística de la ciudad: impresionaban por su calidad, por su gran formato y por introducir temas modernos y de gran actualidad, referidos a  los conflictos que el vertiginoso crecimiento comercial e industrial de las grandes ciudades traía  aparejados.

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En la década de 1860 Prilidiano había pintado numerosos desnudos en la intimidad de su taller, para los cuales posaba su criada. Telas por las cuales adquirió la fama de libertino. Hoy conocemos dos: La siesta y El baño, impactantes por  la inmediatez de su realismo cercano al lenguaje fotográfico.

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La pintura naturalista ocupaba un lugar destacado en el Salón de París, como una de las vías de renovación de la estética oficial de la Academia. Sin alejarse demasiado de las convenciones formales impuestas por la tradición (claroscuro, perspectiva, tratamiento de la superficie) los pintores naturalistas siguieron una línea de renovación iconográfica abierta a mediados de siglo por Gustave Courbet y Jean-François Millet, introduciendo temas derivados de la literatura de Émile Zola, o que planteaban una denuncia directa de los conflictos sociales contemporáneos, en un tono en general narrativo y melodramático.
Triunfaban por entonces las escenas de miseria urbana, pero los cuerpos desnudos no eran un asunto habitual.

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Le Lever de la bonne (1887), Eduardo Sívori

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Un desnudo naturalista. No fue el desnudo un género frecuente en la pintura naturalista. El cuadro de Sívori fue enseguida interpretado por la crítica francesa como obra derivada de Zola, un poco “excesivo” en la representación de un cuerpo que fue visto como feo, sucio y desagradable.
En Buenos Aires, donde no había habido hasta entonces más que pocas y discutidas exhibiciones de desnudos artísticos, el cuadro fue objeto no solo de una intensa polémica en la prensa (fue calificado de “indecente” y “pornográfico”) sino también de un importante alineamiento de intelectuales y artistas en su favor.

"Había sido aceptado en el Salón, pero los críticos  franceses habían considerado desagradable la  representación naturalista del cuerpo desnudo de una mujer de clase baja –una criada– en la que se podían ver las marcas del trabajo y la pobreza" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

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La sopa de los pobres en Venecia (1884), Giudici Reinaldo

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La mayoría de los artistas que se educaban por entonces en Europa se formaban en  los centros italianos: Florencia, Roma, Venecia.  Reinaldo Giudici fue uno de ellos. A su regreso a  Buenos Aires, en 1887, presentó un cuadro consagratorio, de gran formato y asunto naturalista: La sopa de los pobres en Venecia, que  había sido premiado allí y en la Exposición de  Berlín en 1884, y fue la primera pieza adquir da por el gobierno nacional.

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Alegoría argentina (1854) Juan Manuel Blanes

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En 1856 Urquiza encargó a Blanes pinturas para su residencia particular, el Palacio San José, con la representación de las victorias militares que consolidaron su poder

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La revista de Rancagua (1872) Juan Manual Blanes

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La revista de Rancagua (1872) Juan Manual Blanes

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Pintura con iconografía sanmartiniana previa a la consolidación heroica de su imagen en la escolaridad.
Blanes se documentaba con fuentes, viajaba a los lugares, buscaba testimonios. Esto era un método muy distante con el público, ya que a veces, como en esta pintura, el episodio no era reconocido. A partir de ello, comenzó a representar los hechos históricos con una fuerte carga emotiva, con la ayuda de la literatura.

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Asesinato de Maza (1859), Pueyrredón Prilidiano
Eran funcionales al Estado de Bs. As. en oposición a Urquiza, definido como el nuevo tirano del régimen federal.

"La presencia de Rosas en los bordes de la escena como testigo de los asesinatos tiene base literaria en Sarmiento y Rivera Indarte; como  iconografía surgió en la prensa ilustrada publicada en Muera Rosas y El Grito Argentino" (Roberto Amigo, La escritura de la historia, 2008, MNBA)

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En 1873 se crea la Escuela Nacional de Dibujo y Pintura

En 1876 crean la Sociedad Estímulo de Bellas Artes un grupo integrado por cuatro jóvenes argentinos –Eduardo y Alejandro Sívori, Eduardo Schiaffno y Carlos Gutiérrez–, junto con tres artistas extranjeros radicados en la ciudad –Giuseppe Aguyari, Julio Dormal y Alfredo Paris–, una sociedad artística que se presentó a sí misma como fundadora del arte en Buenos Aires.

Ellos inauguraron los gestos de la modernidad artística en una ciudad  que empezaba a adquirir un marcado carácter cosmopolita, con nuevas modas y costumbres  burguesas, nuevos ocios y consumos culturales y una fuerte impronta de la inmigración italiana.

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Después de la Batalla de Curupaytí (1893) Cándido López

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Después de la Batalla de Curupaytí (1893) Cándido López

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"Pintó escenas de la Guerra del  Paraguay hasta 1902, todas de igual formato: muy  apaisado, con un punto de vista muy alto y una  técnica y un estilo nuevos, alejados de los cánones vigentes de la pintura de batallas para retrotraerse a la tradición de croquis casi cartográficos que habían caracterizado la pintura militar en el siglo XVIII. En vastos escenarios naturales despliega escenas que dan cuenta de una “verdad” que López quería transmitir a partir de sus cuadros: la posición exacta de las tropas, la situación del campamento, los puentes por donde se pasó un río, etc. Sus imágenes sacrificaban las reglas académicas en función de una mayor claridad en la exposición panorámica de los hechos bélicos. En muchas de esas obras, sin embargo, se impone el paisaje, representado con extraordinarios efectos de luz y color en los cielos inmensos, el follaje, los ríos" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

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Fue la primera guerra sudamericana fotografiada por Bate & Cía. Contribuyeron a difundir entre la  población uruguaya y argentina imágenes del horror de los frentes de combate de una guerra.
La Guerra del Paraguay estimuló una vasta producción de escenas de batalla y pinturas alegóricas en un marcado tono crítico.

Hubo varios artistas argentinos que participaron de la guerra como soldados o topógrafos y dibujantes:

José Ignacio Garmendia,  jefe de un batallón y corresponsal del diario La Tribuna. Pintó una serie de acuarelas del conflicto basadas en sus propios croquis y apuntes, y otras, tomando como fuente las fotografías de la casa Bate.  En sus obras se advierte una actitud crítica hacia  la extrema crueldad de aquella guerra desigual.

Adolph Methfessel, acompañando al ejército como cronista, levantando mapas y realizando croquis. Pintó algunas pequeñas telas referidas a la guerra. Pero fue el paisaje lo que más impactó.

Cándido  López, participó como soldado voluntario. Había sido retratista, utilizando  tanto la técnica pictórica como el daguerrotipo. En 1870 va a documentar la guerra a partir de sus apuntes y bocetos tomados en campaña.

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Periódicos ilustrados, álbumes litográficos y fotográficos, exhibiciones de obras de arte con géneros novedosos, como la pintura de historia y el paisaje, generaron un mundo de imágenes que reemplazó la uniformidad visual del régimen federal con el rostro de Rosas, los gauchos soldados y la cinta punzó en todos los retratos.

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Salvamento en la cordillera (1855) Benjamín Franklin Rawson

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La pintura de historia sirvió para fijar en la memoria los episodios y los héroes patrios cuando aún no estaban afirmados por la escolaridad, por ello este género cobró fuerza en la etapa de organización nacional bajo la hegemonía de Buenos Aires.
Fue propaganda política para Sarmiento representado como un hombre de acción contra el rosismo.
Benjamín Franklin Rawson pintó cuadros históricos como Salvamento en la cordillera (destinado a ensalzar la figura de Sarmiento) que, si bien no se encuadran en el género, refieren a los hechos de la política y la guerra desde el lugar de los personajes anónimos que las sufrieron.

Juan Manual Blanes, es el pintor de historia de la etapa de la organización nacional, ya superada la división territorial, bajo la hegemonía porteña.

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Domingo Fidel Sarmiento (1850), Procesa Sarmiento de Lenoir

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Varias mujeres desarrollaron actividades artísticas en la Argentina del  siglo XIX; muchas trabajaron profesionalmente como retratistas y miniaturistas. Sin embargo, se recuerda el nombre de muy pocas de ellas. Consideradas “aficionadas”, mencionadas como “señoritas” o “discípulas” de tal o cual pintor, y rara vez como artistas, las mujeres contribuyeron no poco, al desarrollo del gusto y la frecuentación del arte plástico tanto en Buenos Aires como en las principales ciudades del interior del país.
Procesa Sarmiento de Lenoir, se formó como pintora con Monvoisin en Chile. Una de  las obras más conocidas de su extensa producción pictórica es el retrato del hijo adoptivo de Sarmiento, Domingo Fidel Sarmiento a los 5 años. Además tuvo una larga carrera como profesora de dibujo y pintura en San Juan y Mendoza.

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Retrato de Manuelita Rosas (1851), Pueyrredón Prilidiano

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Retrato de Manuelita Rosas (1851), Pueyrredón Prilidiano

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Fue el encargo más importante que recibió el artista.
La obra debía cumplir con condiciones muy precisas:

"la dama debía vestir de rojo, en una habitación decorada también en rojo"

Esta famosa tela fue el punto de partida para una carrera excepcional que en un par de décadas llevó a Pueyrredón a  retratar a buena parte de la alta sociedad porteña.

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Miniatura del perfil de Encarnación Ezcurra de  Rosas 

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Firmada por García del Molino y Morel, quienes en ocasiones trabajaron juntos. Se destacan el moño colorado junto al gran peinetón y una leyenda escrita en letras rojas que rodea la cabeza como una  aureola, en la que se lee: “Vivan los federales •  Federación o muerte • Mueran los unitarios”.

"La vestimenta, la apariencia corporal, el uso de divisas y medallones con inscripciones como ésa fueron efectivos instrumentos de la política en esos años y significaron una politización fuerte e  inequívoca de la apariencia y, en general, de toda actividad social. Nada se sustrajo entonces a la exhibición pública y permanente de la alineación partidaria inscrita en los cuerpos, que produjo una división neta y a menudo violenta de la sociedad" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

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Retrato de Juan Manuel de Rosas (1840), Gaetano Descalzi. Con los atributos del retrato oficial: uniforme militar, banda, bastón de mando y medalla

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En esta época el retrato llegó a su máxima presencia tanto a nivel de encargos públicos como privados. Juan Manuel de Rosas hizo un culto de su imagen; fue retratado tanto por los principales artistas extranjeros que se encontraban en la Argentina  por entonces –Arthur Onslow, Cayetano Descalzi, Auguste Q. Monvoisin– como por pintores locales: Carlos  Morel y Fernando García del Molino –quien  además retrató a todas las mujeres de su familia.
Diversas imágenes de Rosas –de cuerpo entero, de pie o a caballo, de busto, de frente y de perfil–  tuvieron una inmensa circulación en grabados y estampas, monedas y medallas, vajilla, fondos de galera, guantes, peinetones.

Hay numerosos retratos de esos años en los que comitentes posan con chalecos punzó, divisas  federales, caballos enjaezados, vestidos y mantillas del color omnipresente de la Federación.

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Miniatura sobre marfil, pintada por Antonia Brunet de Annat

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A fines de la década del 10 surgió un incipiente mercado de retratos grabados, realizados primero por artistas locales y luego por las prensas litográficas de los extranjeros que los realizaban sobre una superficie de marfil. La liviandad de este material lo hizo adecuado para la fabricación de pequeños medallones. Algunas mujeres, como Antonia Brunet de Annat y Andrea Bacle, se destacaron  en este arte que fue el más rápidamente sustituido por las técnicas fotográficas.
Desde la llegada en 1843 del daguerrotipo y, poco después, otros dispositivos  fotográficos reproducibles sobre papel no solo afectaron la relación misma entre verdad y representación en los retratos, sino que también  se amplió mucho la posibilidad de acceso a éstos por parte de sectores medios y populares.  Los pintores retratistas y miniaturistas vieron el comienzo de la crisis de su oficio debido a que la fidelidad de la imágenes obtenidas mecánicamente era incomparable con la realizada por los pintores. Muchos de  ellos se volcaron a la práctica del daguerrotipo, la fotografía, la fotopintura y otras técnicas que abarataban y multiplicaban sus posibilidades: Amadeo Gras, Alphonse Fermepin, Federico  Artigue, Albin Favier, Edmond Lebeaud, Carlos  Descalzo, entre ellos.

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Retrato del General José de San Martín (1818), José Gil de Castro

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Con destino público o privado
Se pintaron, grabaron e hicieron circular retratos de:

l os nuevos  líderes y héroes revolucionarios

los viejos patricios, los nuevos burgueses y las familias adineradas interesados en preservar su propia imagen y la de los seres queridos.

José Gil de Castro en Chile encontró un campo propicio para vivir de su oficio de pintor retratando a la alta sociedad chilena. Tras los triunfos del Ejército de los Andes, pasó a integrarlo como retratista y dibujante de mapas y croquis militares. En pocos años pintó varios retratos de José de San Martín, de Bernardo O’Higgins y de buena parte de los oficiales de aquel ejército. Algunos fueron encomendados con un fin conmemorativo para ser honrados en las fiestas y celebraciones que sucedieron a cada triunfo en batalla.
Otros retratos fueron comisionados por los mismos oficiales para fines privados, dedicados a sus familias con el objeto de preservar su memoria ante la posibilidad de la muerte en campaña.

Los primeros retratos de Manuel Belgrano y  Bernardino Rivadavia fueron hechos en Londres. Cuando no había establecidos en Buenos Aires retratistas extranjeros de prestigio, el Congreso encargó en 1818 una lámina con la figura ecuestre del  Libertador, que realizó el grabador correntino Pablo Núñez de Ibarra, que se repartiría en ocasión del regreso del general en el marco de las  fiestas en su honor. Poco después, la lámina de  Ibarra se envió a París como fuente documental para encomendar una serie de grabados con el retrato del Libertador a Théodore Géricault.

En 1820 había, además de José Guth, varios retratistas extranjeros activos en Buenos Aires: Carlos Pellegrini, Amadeo Gras y Jean-Philippe Goulu.
Obtener en el retrato una “semejanza perfecta” era la única cualidad valorada en las  pinturas y miniaturas por parte de la comitencia porteña.

* Como el retrato está vinculada al deseo de preservar el nombre y la identidad del personaje. En este sentido, rara vez los criados negros o  personajes populares fueron representados de este modo.

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Pintada en Florencia, forma parte de una serie de temas latinoamericanos de carácter alegórico, remitiendo a la dicotomía civilización-barbarie.
La cautiva como mito erótico funcionó como catalizador del odio hacia el indio.

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Litografía que forma parte del álbum “Trajes y Costumbres de Buenos Aires”, colección que se publicó en series de cuadernos entre 1833 y 1835 por la compañía dirigida por el imprentero y naturalista ginebrino César Hippolyte Bacle.

Los álbumes litográficos caracterizados por la necesidad del registro científico de la naturaleza americana, con sus particularidades botánicas y zoológicas, así como los tipos humanos que habitaban en estas tierras y sus costumbres. En ellos subyace el gusto por lo exótico y la inclinación hacia el conocimiento curioso del mundo extraeuropeo.
Contribuyeron a la difusión y circulación de las características regionales americanas por medio de la imagen tanto en Europa como en el propio territorio

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Soldado de la guardia de Rosas (1842) Monvoisin Raymond

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EL GAUCHO FEDERAL

El rojo federal

Clima de exotismo y extrañeza en los ropajes

Tensa calma en la actitud corporal

El soldado de rostro mestizo exhibe un paño colorido como chiripá, lleva la camisa abierta en el pecho y un bonete colorado que adquiere las dimensiones de un turbante

Su actitud sensual e indolente parece lo opuesto a la idea de soldado que propone el título de la pintura.

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El imaginario europeo y la emergencia de una literatura política romántica

La generación del 37:

Sus principales exponentes fueron Domingo Faustino Sarmiento, Juan María Gutiérrez, Esteban Echeverría y Juan Bautista Alberdi.

Durante la época rosista:

El escenario artístico rioplatense siguió desarrollándose con el aporte de artistas extranjeros y locales

La mayoría de los nuevos pintores europeos traían de sus países de origen una preparación académica sólida y, en algunos casos, una trayectoria prestigiosa

Fue tomando forma una estética de la pampa, sus conflictos y sus personajes, en clave orientalista.

El régimen hizo un amplio uso de la iconografía y de elementos simbólicos para construir y sostener su poder

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Sustitución de emblemas y símbolos de la dominación española

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Sustitución de emblemas y símbolos de la dominación española

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Se diseñaron  banderas, escudos, estampas alegóricas, uniformes, monedas y medallas.

M onumentos, para perdurar o efímeros, para las fiestas y celebraciones patrióticas que se realizaron luego de los triunfos militares o celebrando las jornadas de Mayo desde su primer aniversario. Los proyectos de monumentos a los hombres ilustres y a las gestas históricas comenzaron a reemplazar a los bustos de monarcas y a los emblemas reales

Comenzó a decaer la demanda de estampas y cuadros religiosos.

El retrato fue la ocupación principal de los pintores desde los primeros años de la independencia.

NUEVA TRADICIÓN FESTIVA EN BS. AS.

"Las fiestas mayas ofrecieron a la sociedad porteña un marco de identificación y pertenencia al nuevo orden emergente, a la vez que significó un importante recurso de propaganda al servicio del poder político (...) se caracterizaron por por un gran despliegue ornamental y gruesos gastos de organización" (Munilla Lacasa en Siglo XIX)

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La imagen de una barbarie nativa fue dibujándose como contracara necesaria para la construcción de un “nosotros” europeo moderno y civilizado.

"EL RAPTO –el hombre que roba la  mujer a otro hombre– fue desde la antigüedad una imagen del enfrentamiento entre varones de diferentes culturas, e introdujo un componente  erótico y sensual en la idea de superioridad de  unos pueblos y razas sobre otros. Así, el bárbaro fue representado como un guerrero violento y de una cultura menos evolucionada, y la mujer raptada, como imagen simbólica de una cultura que se vio a sí misma como superior" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

Ese lugar mítico ahora será ocupado por las CAUTIVAS llevadas al desierto por los MALONES.

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Pallière, Jean León: Recorrió el país con la expresa intención de crear un repertorio de escenas costumbristas.

"Compone escenas gauchescas, muchas veces en interiores de  ranchos y galpones, bajo enramadas o enmarcadas por árboles frondosos, en las que dispone, como en el escenario de un teatro, todos los detalles y aspectos de actividades como la esquila, el asado, la riña de gallos o la ronda de mate" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

El artista también encontró inspiración en creaciones poéticas y literarias. Es el caso del Idilio criollo, en unos versos del poeta Ricardo Gutiérrez. Es una escenas románticas en las que el gaucho aparece  como un hombre seductor y caballeresco y el  rancho como un nido en donde se despliega un universo femenino, sensual y apacible.

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Sus paisajes de Bs. As. representan un corpus documental donde observar la evolución edilicia y urbana de la ciudad

"estas imágenes brindaron a los porteños un repertorio de miradas y puntos de vista que contribuirían a organizar su propia percepción de la ciudad y de sus diferencias con la campaña (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

Conocía el dibujo arquitectónico

Se dedicó a la pintura destacándose en la representación de Bs. As. y en el retrato

Abrió su propio taller en la ciudad

Empleó la técnica del lápiz, la tinta china, la acuarela, el temple sobre papel y el óleo

Realizó numerosos trabajos para la prensa litográfica de Bacle: retratos de personas ilustres y vistas de Bs. As.

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Estas imágenes permitieron a los europeos ver, pensar y construir su lugar relativo en un mundo ordenado como en un catálogo. Esto es:

"imaginar la superioridad de unas razas sobre otras, la extrañeza de otros pueblos, la crueldad o las bondades de prácticas y rituales ajenos, la belleza o fealdad (según parámetros europeos) de lugares distantes y exóticos" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

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En el siglo XIX tuvieron un fin comercial:

circularon  como estampas coleccionables en álbumes de viajes e ilustraciones de revistas

formaron  parte de las “curiosidades”, junto a las estampas  de “trajes y costumbres”.

"Cada región, cada ciudad, cada pueblo fue individualizado, clasificado y caracterizado mediante la construcción de un conjunto de  rasgos típicos e inconfundibles, que le daban  identidad" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

Se creó toda una iconografía de las ciudades, de trajes y costumbres, de paisajes y escenas rurales que se volvieron imágenes típicas:

Buenos Aires y sus alrededores

la fisonomía de la  ciudad

los vendedores ambulantes

las costumbres de los ciudadanos y de los gauchos e indios en la campaña: sus trajes, accesorios, armas

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Las potencias europeas enviaron expediciones científicas y exploratorias por todo el planeta.

Intereses:

anexar nuevos territorios

afán científico estimulado por los ideales de la Ilustración y por el interés económico y comercial

La corona española también envió expediciones a  sus territorios coloniales con  fines exploratorios, comerciales, topográficos, científicos, turísticos.

* Estas expediciones traían varios dibujantes y pintores que realizaban cartografías visuales para ayuda de la navegación con la que se fueron armando series de “vistas de ciudades”.

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Boats and boating--Equipment and supplies

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Hacia fines de la colonia: escasa producción pictórica local

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Hacia fines de la colonia: escasa producción pictórica local

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Taller de Matheo Pisarro en el marquesado de Tojo, en  la Puna

El tallista y pintor Tomás Cabrera en el  área andina

José de Salas, Martín De Petris y  Ángel María Camponeschi en Buenos Aires

De las misiones jesuíticas se conservan muy pocas pinturas, y series de grabados e ilustraciones realizados en imprenta.

Ilustraciones del jesuita Florián Paucke, quien había desplegado una extraordinaria actividad con los mocovíes en San Javier, provincia de Santa Fe.

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La confluencia en Buenos Aires de artistas de diversas escuelas europeas y locales redundó en un período en donde se trató de impulsar la normativa académica.

"Luego de la Revolución de septiembre de 1852, los liberales de Buenos Aires comenzaron su proyecto modernizador, que incluía el museo público, la academia de arte y el salón de artistas argentinos. Fue un deseo, ya que el sitio de la ciudad por las fuerzas de la Confederación y luego las campañas militares de cepeda y Pavón obligaron a destinar los recursos económicos a la defensa militar. Un sistema de pensiones en el exterior, preferentemente en Florencia, suplantó la enseñanza regular. Además, ocurrió un hecho hasta entonces inexistente: el comienzo de la crítica de arte, aunque atravesada por la polémica facciosa que caracteriza a la opinión pública" (Roberto Amigo, Las armas de la pintura, 2008. MNBA)

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TENSIONES EN EL ARTE:

Lo imperial y lo local

Lo popular y lo académico

Lo público y lo privado

La cultura visual perfora los límites de los géneros

¿Se puede asignar a las imágenes de esta época un género concreto?

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1816: Academia Imperial de Bellas Artes, Brasil

1830: Academia de Pintura y Escultura, Colombia

1849: Academia de Pintura, Santiago, Chile

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Payada en una pulpería (1840) Carlos Morel

¨presenta un conjunto abigarrado de personajes que exhiben la divisa federal en sus altos sombreros negros, bonetes y ponchos colorados, en una escena de pulpería. En el extremo izquierdo, la única mujer del conjunto, una  vendedora de empanadas, fja su mirada en el espectador" (Malosetti Costa, El Siglo XIX)

Comienza a desarrollarse la actuación profesional de importantes artistas locales, que se habían formado en los talleres de pintores extranjeros.
Fernando García del Molino (nacido en Santiago de Chile), fue uno de los más importantes retratistas del rosismo; su discípulo Carlos Morel, autor de un álbum litográfco costumbrista en 1841 y Juan L. Camaña, pintor y calígrafo autodidacta, quien fue profesor de dibujo de Manuelita Rosas y, más tarde, uno de los fundadores de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, en 1877. Tanto Morel como Camaña pintaron sendas escenas de sociabilidad y juegos populares en la época de Rosas en las que una figura femenina mira al espectador como creando un vínculo de complicidad con éste.

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COSTUMBRISMO

La ciudad

La frontera entre campo y ciudad

El campo

Escenas gauchescas: la descripción de trajes, trabajos y costumbres camperas

Rapto (cautivas), malones

Los géneros MODERNOS:

RETRATO

PAISAJE

BATALLAS Y ESCENAS HISTÓRICAS

ALEGORÍAS

NATURALEZA MUERTA O BODEGONES

DESNUDOS

Fueron desplegándose en  la medida en que se fue instalando el interés y construyendo un público, local e internacional, para esas obras.

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ARTISTAS VIAJEROS: ver, conocer, dominar

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ARTISTAS VIAJEROS: ver, conocer, dominar

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Aumento de la llegada de pintores, grabadores y dibujantes extranjeros:

Marinos, expedicionarios y científicos, inmigrantes o aventureros en busca de fortuna.

Italianos, españoles, franceses, ingleses, suizos, bávaros, etc.,

Algunos de paso; otros se radicaron y tuvieron una larga trayectoria como artistas locales.

Estimularon la afición por las artes visuales en las ciudades y construyeron y difundieron –a partir dela reproducción en grabados, álbumes y revistas–  imágenes que identificarían los paisajes, ciudades, trajes y costumbres de la región.

Fue creciendo el número de jóvenes argentinos que visitaron a los centros artísticos europeos, sostenidos por el Estado o por sus propias familias.

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Por fuera del Virreinato del Río de la Plata

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Por fuera del Virreinato del Río de la Plata

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1783 se crea la Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes, México

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Iniciativas para crear una escuela o academia para formar dibujantes y artistas:

La primera  propuesta fue hecha por un dibujante irlandés,  Hipólito Briton, en 1810, pero no prosperó.

En 1815, por iniciativa  de Francisco de Paula Castañeda, se fundó una Academia de Dibujo del Consulado de Buenos Aires, que funcionó en el convento de la Recoleta hasta 1821 cuando, se convirtió en el Aula de Dibujo de la Universidad de Buenos Aires. La dirigió José Guth, seguido del italiano Pablo Caccianiga y, el pintor Martín Boneo.

En 1829 José Mauroner organiza la primer exposición en el Colegio de Ciencias Morales. La crónica que apareció en el diario El Tiempo fue considerada la primera crítica de arte publicada por la prensa argentina.

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Los cuadros y la imaginería religiosa se importaban de Cuzco, Lima o Potosí.

No hubo academia ni escuelas de dibujo y pintura.

En 1799, por iniciativa de Manuel Belgrano, se fundó una Academia  de Dibujo en Buenos Aires, pero debió cerrar al  año siguiente por prohibición del rey de España

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Pirámide de Mayo 1811. Primera manifestación artístico-conmemorativa de la nueva era

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CAMBIOS EN LA PRODUCCIÓN, CIRCULACIÓN Y CONSUMO DE IMÁGENES

* Lo pintoresco – el color local / la mirada romántica
* Miradas locales / miradas imperiales
* Relación entre:
- arte y ciencia,
- la descripción y la construcción de identidades locales,
- lo público y lo privado

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A partir de esta momento y a lo largo del todo el siglo, va a surgir un impulso en la pintura, el gusto del público y  el hábito de coleccionar, exhibir y comentar obras de arte.

Va a comenzar una "inevitable transformación del sistema simbólico imperante hasta ese momento. la formulación de un universo de imágenes nuevo que representara a las nacientes organizaciones políticas así como a las cambiantes estructuras sociales y culturales" Munilla Lacasa

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Consolidación del sistema de las Bellas Artes

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Consolidación del sistema de las Bellas Artes

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La crítica que prepara el campo para la recepción de artistas que volvían de Europa

Creación de espacios de exhibición e instituciones artísticas:

1884 - Museo de Historia Natural en La Plata

1889 - Museo Histórico Nacional

1891 - El Ateneo: nucleó a escritores, artistas plásticos y músicos. Se organizaron debates, conferencias, conciertos y exposiciones anuales de pintura y escultura. En esos salones anuales del Ateneo se presentaron obras de los artistas que estaban viajando y regresando de sus estadías en Europa.

1895 - Instituto Paraguayo (Academia de Arte), Asunción (Paraguay)

1896 - Museo Nacional de Bellas Artes

En 1905 la Sociedad Estímulo de Bellas Artes funda la Academia Nacional de Bellas Artes, y promueve desde la crítica periodística y la organización de exposiciones y debates un movimiento artístico de características modernas hasta entonces inexistente en Buenos Aires. Desde su federalización, en 1880, se aceleraron  el crecimiento y la modernización de la ciudad.  Se construyeron grandes palacios y avenidas.  Cambiaban la economía, la sociedad, las costumbres. Las bellas artes comenzaron a adquirir más importancia en la vida cultural:

1. Se incrementó la importación desde Europa de pinturas y pequeñas esculturas destinadas a decorar las nuevas mansiones de  las clases altas

2. Algunos jóvenes fueron becados para estudiar arte en los centros europeos.

En 1910 se realizó Exposición Internacional del Centenario BS. AS.

1919 - Academia de Bellas Artes, Lima (Perú)

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ARTE ATGENTINO Y LATINOAMERICANO | siglos XVIII - XIX

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ARTE ATGENTINO Y LATINOAMERICANO | siglos XVIII - XIX

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Virreinato del Río de la Plata 1776 - 1810

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Virreinato del Río de la Plata 1776 - 1810

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Integrado por Argentina, Bolivia, Uruguay, Paraguay, partes del sur de Brasil y el norte de Chile.

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PRIMERA MODERNIDAD EN EL SISTEMA DE LAS ARTES EN AMÉRICA

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PRIMERA MODERNIDAD EN EL SISTEMA DE LAS ARTES EN AMÉRICA

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Consolidación de las fronteras nacionales y las naciones

Centenario de la República

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Guerras de fronteras, contra la población indígena y civiles; y los conflictos políticos

Los sucesivos enfrentamientos entre la provincia de Bs. As. y la Confederación había imposibilitado la organización del territorio bajo el mismo régimen de gobierno, unidad que se lograría después de la Batalla de Pavón en 1861

Guerra de la Triple Alianza (Brasil, Uruguay y Argentina contra Paraguay 1864 y 1870)

Campaña del Desierto (Argentina 1878 y 1885)

Inserción en el comercio mundial

Europa demanda crecientemente productos primarios provenientes de América

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"La identidad es una construcción que se relata. Se establecen acontecimientos fundadores, casi siempre referidos a la apropiación de un territorio por un pueblo o a la independencia lograda enfrentando a los extraños. Se van sumando las hazañas en las que los habitantes defienden ese territorio, ordenan sus conflictos y fijan los modos legítimos de vivir en él para diferenciarse de los otros (..)" (García Canclini, Néstor, Consumidores y ciudadanos, 1995)

Guerras de la Independencia

Guerras civiles

Conflictos regionales

EN ARGENTINA

Unitarios Vs. Federales

En 1829 Juan Manuel de Rosas asume la gobernación de Buenos Aires desplegando una enorme influencia sobre todo el país y ejerciendo el poder en forma autoritaria.

A partir de 1851, Justo José de Urquiza decidió enfrentarse al gobierno bonaerense y alistó a sus hombres en el llamado Ejército Grande. Avanzó sobre Buenos Aires y derrotó a Rosas en la Batalla de Caseros, el 3 de febrero de 1852.

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Su puerto adquirió nueva importancia política y comercial.

Artistas –escultores, arquitectos y tallistas– llegaron desde España, Portugal, Italia y desde otros centros de América del Sur, a trabajar en la construcción de retablos y decoración de iglesias.