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Imagem representativa de uma prensa tipográfica

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Uma das grandes invenções do século XV que influenciou diretamente o Renascimento foi a criação dos tipos móveis e a prensa de Gutenberg. Anterior a isso, no período medieval, todos os registros já encontrados eram manuscritos. A chegada da imprensa incentivou traduções da Bíblia, como também a produção em massa das mesmas, influenciando assim a Reforma Protestante.

Com isso, é introduzido nessa época o Período Humanista, no qual existe uma oposição direta entre o Teocentrismo (doutrina ou crença que considera Deus como o centro de tudo) e o Antropocentrismo (forma de pensamento comum a certos sistemas filosóficos e crenças religiosas que atribui ao ser humano uma posição de centralidade em relação a todo o universo). Isso teve uma influência direta na arquitetura, pois as estruturas deixaram de ter uma escala monumental e passaram a ter uma escala humana.

Com a prensa de Gutenberg também proporcionou, por conta da sua alto volume de produção, o fim do anonimato. Isso permite que os trabalhos sejam facilmente identificados e reconhecidos, proporcionando assim grandes nomes da arte como o famoso Leonardo da Vinci.

Com o Período Humanista, houve o foco na observação da natureza, acentuando a ciência, intelecto e racionalismo, e permitindo que a arte mostre o real ao invés do místico.

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Escola de Atenas, afresco localizado no Vaticano, pintado por Rafael

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A Itália foi a primeira nação a apresentar ideais renascentistas. Com o surgimento da classe burguesa e a expansão das cidades, ideias que orbitam ao redor do ser humano, como o Humanismo, e a natureza vieram à tona após um longo período onde era apenas permitido explicações com fundamentos religiosos.

Antropocentrismo: O centro de comando dos feudos era fortemente influenciado e dependente do clero e sua doutrina, já nas cidades o homem como indivíduo assume o controle político, social e econômico.

Houve assim a diminuição do impacto do cristianismo sobre as decisões governamentais durante o Renascimento. Esta liberdade proporcionou movimentos voltados para o racionalismo, como a Reforma Protestante, onde Lutero questiona ações da Igreja pois acreditava irem contra a interpretação da Bíblia. Uma das principais contribuições desta filosofia foram os estudos anatômicos, que proporcionou avanços médicos e artísticos.

Individualismo: Defende a ideia de liberdade individual e os direitos dos indivíduos. Tal conceito é uma das bases do capitalismo por introduzir a propriedade privada, direito individual e concorrência pelos mesmos objetivos.

Racionalismo: Todo indivíduo é capaz de pensar e tomar suas próprias conclusões, valorizando o raciocínio e a lógica como guias para o bom funcionamento da sociedade. O poder crítico é a chave para entender o mundo ao seu redor.

Cientificismo: Possibilitado pela perda de influência da Igreja, os estudos voltam-se à natureza, onde o conhecimento deve ser testado empiricamente para ser considerado plausível. A imprensa possibilitou a produção em massa de livros, o que difundiu informações para as massas, não apenas restritas a um grupo seleto.

Universalismo: O conhecimento era a maior riqueza no renascimento, portanto aquele que mais o dominava obteria maior destaque. Os polímatas dedicavam suas vidas a aprenderem diversos tipos de ciência e arte.

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Com o renascimento das cidades e ascensão do racionalismo, surgiu o conceito de "cidade ideal", simétrica que se expande radialmente a partir de uma praça central onde estavam localizados edifícios sedes do poder público. A geometria e proporção eram fortemente seguidos no planejamento, muitas vezes ignorando as características do terreno, por este motivo poucas cidades ideais renascentistas foram construídas, dentre elas Pienza na Itália.

Em harmonia com a arquitetura do período, o espaço urbano era simétrico e geometrizado.

Com a exploração da perspectiva nas artes, a cidade se tornaria adepta aos pontos de fuga ao priorizar o alinhamento na disposição dos prédios, dando uma vista ordenada.

A popularidade do Tratado de Vitrúvio na época inspirou variados projetos radiocêntricos circundados por fortificações abaluartadas.

Dentre os arquitetos que se destacaram é importante destacar Filarete, que escreveu um tratado e fez o projeto da cidade de Sforzinda, com formato de estrela e que infelizmente nunca foi construída.

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Vista frontal da Basílica de São Pedro, no Vaticano

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O retorno à estética greco-romana também se aplica à arquitetura do Renascimento, onde reinava a simetria e proporções matematicamente harmônicas. Ao contrário dos períodos anteriores, onde a importância da religião levava os edifícios a terem alturas colossais para assim "alcançar os céus", o humanismo renascentista adaptou-os para a escala humana, prezando a funcionalidade e estética no ambiente urbano.

Dentre as características estruturais, temos:

Pilares de sustentação

Vidros claros:

Cúpulas

Colunas gregas

Fachadas com frontões

Planta de cruz latina

Arcos de volta perfeita

Linhas horizontais

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Também conhecida como cúpula do Duomo de Florença, é um ícone da arquitetura renascentista. Projetada por Filippo Brunelleschi, marca o início da arquitetura renascentista italiana/florentina e representa a evolução nas tecnologias estruturais do período.

Feita com, principalmente, mármore e tijolo, é uma cúpula octogonal não regular, onde a parede interna é feita com tijolos dispostos de uma maneira particular, alinhados em espinha de peixe sobre os anéis de suporte transversal com perfil cônico. As telhas que a revestem foram personalizadas para esta construção, visando o encaixe e aparência lisa.

Suas proporções são colossais, com a altura máxima de 116,5 metros, no seu topo há uma lanterna de 22 metros de altura por 6m de diâmetro. Seu peso é teorizado entre 30.000 - 37.000 toneladas.

É composta por 3 partes:

Tambor

Cúpula

Lanterna

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A Basílica de São Pedro, no Vaticano, é um dos maiores templos do cristianismo, ocupando uma área de 23000 m²(ou 2,3 hectares) e com capacidade de receber mais de 60 mil devotos. Sua construção teve inicio em 1506, por ordem do Papa Júlio II, para substituir a antiga Basílica de Constantino dedicada ao apóstolo, erguida no local de seu sepultamento. O projeto inicial ficou a cargo de Donato Bramante, que previa uma planta em cruz grega com uma cúpula central. Após sua morte, em 1514, o projeto passou por vários arquitetos e modificações até chegar a Michelangelo Buonarroti, que retomou a ideia da cruz grega e deu forma definitiva à cúpula, embora tenha falecido em 1564 antes de concluir a fachada.

No início do século XVII, Carlo Maderno ampliou a nave, transformando a planta em cruz latina, e projetou a imponente fachada concluída entre 1607 e 1612. Pouco depois, em 1624, Gian Lorenzo Bernini idealizou a famosa praça com sua colunata elíptica, além de assumir a decoração interna após a morte de Maderno em 1629.

A longa construção, que durou quase 120 anos, resultou em uma síntese de estilos: o Renascimento está presente no projeto de Bramante e na cúpula de Michelangelo, enquanto o Maneirismo e o Barroco se destacam nas intervenções posteriores de Maderno e Bernini, dando ênfase espacial, monumentalidade e integração entre arquitetura e escultura.

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Erguida entre 1473 e 1481 no Vaticano por ordem do Papa Sisto IV e projetada por Giovanni de Dolci, a Capela Sistina representa a autoridade papal e serve como um espaço cerimonial e sede do conclave desde 1492. Inspirada nas proporções do Templo de Salomão, apresenta uma planta retangular com teto abobadado, seis janelas de arco em cada lateral e um grande afresco no altar. É feita principalmente de tijolos, mas possui  pisos e paredes internas de mármore e detalhes como as cornijas e os caixilhos das janelas são de pedras travertino .

O interior é seu maior destaque, decorado por obras de mestres do Renascimento como Michelangelo, Rafael, Botticelli e Bernini. As paredes inferiores exibem a  técnica de machetato cosmatesco que simulam tapeçarias; no nível médio, estão os afrescos da vida de Cristo e Moisés, iniciando-se a narrativa a partir da parede do altar; e, no nível superior é marcado pelos lunettes que retratam os primeiros papas, dispostos acima das cornijas e entre as pilastras que sustentam a cobertura.

A abóbada, dividida em áreas triangulares e retangulares, apresenta profetas, sibilas e episódios do Gênesis, compondo um dos conjuntos mais emblemáticos da arte ocidental.

Na parede do altar, destaca-se o Juízo Final, última obra de Michelangelo na Capela. Diferentemente da lógica típica do Renascimento, este afresco caracteriza-se pela unidade pictórica e pela ênfase dramática, atributos que já anunciam tendências barrocas.

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No início do século XVII, a Europa se encontrava em uma virada de comportamento e de acontecimentos religiosos e sociais. Tendo início na Itália, o Barroco foi uma resposta ao estilo Maneirista, caracterizado pela sofisticação, o artificialismo e a originalidade que rompiam com as normas clássicas do Renascimento. A Igreja Católica, para combater a Reforma Protestante e reafirmar sua influência, impulsionou um movimento que pudesse expressar suas doutrinas de forma mais impactante, que por sua vez, geraram características marcantes na arquitetura que nascia em decorrência de todos estes acontecimentos.

Na visão europeia, o Barroco pode ser dividido em duas vertentes: o Barroco Pleno e o Rococó. A característica principal que distingue as duas fases é em questão do exagero do ornamento arquitetônico. Enquanto o o Barroco Pleno possuía exagero em cores fortes como o vermelho e o dourado, o Rococó mantinha o foco nos detalhes sutis e cores de tons pastéis.

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Essas são as três que podem resumir bem o que era viver naquele período. Enquanto no período histórico passado a perfeição e a retomada da cultura clássica eram os elementos mais importantes, o Barroco era percebido com uma perturbação.

O motivo para isso vem do exagero nos ornamentos das edificações barrocas. Enquanto no Renascimento há uma pureza de linhas, exaustação da simetria, cúpulas perfeitas e colunas gregas, o Barroco se preocupava com o excesso decorativo, movimento, a modulação pictórica, a presença de colunas torças. Era um período de tensão, trazendo também a substituição dos elementos circulares com elementos ovais, que ao ser analisada, é como se fosse uma circunferência sendo pressionada, representando diretamente todas as mudanças e acontecimentos históricos da época.

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Seguindo os conceitos de perturbação e particularidade, a pintura barroca se desenvolveu.

Sua anatomia realista era expressiva; a composição era assimétrica e muitas vezes diagonal; a iluminação possui um forte contraste entre o claro e o escuro, dando a ilusão de brilho na pintura; as cenas, principalmente religiosas, eram dramáticas e intensas, capturando o momento de maior tensão dramática.

Dentre os temas retratados encontram-se: cenas bíblicas, cenas cotidianas, natureza-morta, retratos.

Barroco Italiano: Com o movimento de Contra-Reforma, a Igreja Católica comissionava artistas para retratar passagens da Bíblia, utilizando do drama característico do estilo para emocionar os fiéis.

Ex: Caravaggio, família Caracci, Artemisia Gentileschi.

Barroco Holandês: Por ser um país protestantes, artes religiosas eram proibidas nos templos, por isso houve a democratização da arte, expandindo a temática para além do cristianismo. Com o fim do mecenato, os artistas se adaptaram ao mercado da classe burguesa e média que compravam arte para uso decorativo. O gênero de natureza-morta surgiu ali, extremamente valorizada onde retratavam objetos domésticos e alimentos.

Ex: Rembrandt van Rijn, Johannes Vermeer.

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Os elementos decorativos do barroco são chamativos e complexos, complementando tanto a arquitetura quanto a mobília.

Dentre os materiais, destaca-se a madeira entalhada, revestidos de ouro ou prata.

Exemplos de ornamentos:

Cártulas, que são painéis ovais bordejados de volutas que servem como molduras, muitas vezes para espelhos;

Colunas torcidas;

Integração de esculturas à pintura.

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Surgiu entre os séculos XVI e XVIII na Itália. Rompendo com os princípios renascentistas, as construções possuiam elementos curvos e assimétricos. Gian Lorenzo Bernini foi um grande nome do movimento, tendo projetado a Praça e Basílica de São Pedro no Vaticano.

Dentre as características, destacam-se:

Ornamentação: As construções eram ricamente ornamentadas tanto dentro quanto fora, usando de esculturas e relevos curvos para provocar sensação de dinamismo;

Linhas curvas: Contrária ao período anterior, onde linhas retas e simétricas eram o padrão, o barroco aderiu formas orgânicas;

Colunas salomônicas: Colunas retorcidas características do período;

Iluminação: As luzes e sombras tinham um papel de destaque, onde complementava o dinamismo das construções, destacando detalhes e sinalizando os pontos focais;

Uso de ouro: Ouro era usado como revestimento nas decorações

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Fachada da Igreja Sant'Agnese in Agone, em Roma - Itália

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Esta igreja está edificada no local onde, segundo a tradição cristã romana, a jovem mártir Santa Inês (“Agnes of Rome”) foi executada no início do século IV. A igreja medieval (ou uma capela antiga) já existia no local, mas foi decidida uma grande reconstrução barroca por ocasião do papado de Inocêncio X (família Pamphilj) em meados do século XVII. O objetivo era não apenas ter uma igreja para a paróquia, mas também um monumento de prestígio junto ao Palazzo Pamphilj, residência da família papal.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

A planta é essencialmente de cruz grega (os quatro braços iguais) sobre uma base quase circular/centralizada, criando um espaço marcado por simetria e pelo eixo central da cúpula.

O espaço central (o encontro dos braços) forma um octógono ou é estruturado como um “quadrado dentro de um círculo”, ressaltando o espaço vertical da cúpula.

A fachada (voltada para a Piazza Navona) é concava — ou seja, curvada para dentro — uma forma inovadora no barroco romano, atribuída principalmente a Francesco Borromini (em colaboração ou modificação sobre os projetos dos Rainaldi)

Dois campanários (torres sineiras) flanqueiam a fachada, conferindo enquadramento vertical à cúpula atrás.

A cúpula é apoiada por um tambor alto, geralmente com pilastras coríntias e janelas que permitem luz natural — a luz entra e acentua o efeito de elevação e contemplação.

Materiais, elementos decorativos e interiores

O revestimento externo é em travertino claro, típico de muitos edifícios romanos barrocos.

No interior: uso abundante de mármore de cores variadas, estuques decorativos, esculturas, altares laterais com relevo em mármore, pinturas em fresco e riqueza barroca.

A cúpula foi pintada por Ciro Ferri (iniciou) e completada por Sebastiano Corbellini, representando a “Apoteose de Santa Inês”. Os pendentivos (asas da cúpula) têm representações das virtudes ou outros temas simbólicos, por Giovanni Battista Gaulli (“Baciccio”) entre 1662‑1672.

Em baixo da igreja está a cripta que inclui restos do antigo estádio e memoriais ligados a Santa Inês.

Significado arquitetônico e simbólico

A fachada concava é considerada uma das realizações mais interessantes do barroco romano, porque cria uma “abraço” visual para a praça, chamando o visitante do exterior para o interior, e integrando a igreja ao espaço urbano.

O jogo de luz, verticalidade da cúpula, a centralização da planta, tudo isso reforça a ideia barroca de “assombrar” o visitante, de elevar o olhar a Deus.

A ligação com a família Pamphilj e o Papado (Inocêncio X) confere à igreja uma dimensão não somente religiosa, mas política/social — demonstrar prestígio, presença urbana e poder papal.

O fato de estar no local do martírio da santa e sobre as ruínas do estádio romano reforça a continuidade entre o antigo (Roma pagã) e o novo (Cristianismo triunfante), tema caro à Roma barroca.

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Andrea di Pietro della Gondola, mais conhecido como Palladio, foi um arquiteto italiano renomado e viveu de 1508 à 1580. Procurou juntar o humanismo de sua época com o antiguidade clássica e assim foi o responsável por criar a arquitetura paladiana ou palladianismo.

Desenvolveu um sistema de proporções único e fez uso veemente da simetria em suas obras arquitetônicas. Além disso um dos principais destaques de sua estética pessoal é o pórtico em forma de templo tanto em residências quanto em igrejas.

Projetou obras famosas como Il Redentore em Veneza; Palazzo Iseppo Porto, Villa Rotonda e Teatro Olímpico em Vincenza.

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Interior da cúpula da Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane, em Roma - Itália

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Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane

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Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane

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A igreja, também chamada San Carlino (apelido carinhoso por seu pequeno porte) está localizada em Roma, no local da interseção das “Quattro Fontane” (Quatro Fontes). O edifício foi encomendado pela Ordem dos Trinitários (ramo espanhol) para abrigar igreja e mosteiro, com o objetivo, entre outros, de dedicar‑se ao resgate de cristãos escravizados. O arquiteto foi Francesco Borromini, e este é considerado seu primeiro grande projeto independente em Roma. A construção começou aproximadamente em 1638 para a igreja, sendo consagrada em 1646. A fachada ficou mais tardia. O financiamento era modesto, o terreno era muito apertado/irregular — Borromini encarou ambos os desafios como elementos de projeto, mais do que impedimentos.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

A planta se inspira num cruzamento entre cruz grega ou simétrica e formas elípticas/ovais, adaptadas ao espaço limitado.

Borromini rompe com a rigidez clássica: paredes curvas, concavidades e convexidades alternadas, planta que parece “ribbon” ou fita que contorna o espaço, sendo essas características primordiais da segunda fase do barroco europeu.

A fachada funciona como volume sinuoso: o corpo central em leve convexo, os laterais côncavos, talvez em três “faixas” verticais, e no nível superior nova alternância de concavidades.

No interior, a cúpula oval/elongada, suportada por elementos de transição, é uma das inovações — a luz vem de uma lanterna e de janelas laterais que revelam uma geometria complexa de caixotões (cofres) moldados em cruz, hexágono, octógono.

Materiais, elementos decorativos e interiores

Dada a escassez de recursos, Borromini fez uso restrito de ornamentação ostentatória: muita das superfícies são brancas ou de tons claros, com ênfase na forma arquitetônica mais do que no excesso decorativo. Isso demonstra uma introdução do que seria a terceira fase do barroco europeu, também conhecida como Rococó.

As colunas / pilastras são usadas de modo escultórico, dispostas em séries e moldando o ritmo das curvas das paredes.

A cúpula interna com seus cofres em série que diminuem em escala conforme se aproxima do lanternim dá um efeito de elevação, leveza e “movimento” visual.

A fachada apresenta esculturas e detalhes: por exemplo, sobre a porta há a figura de São Carlos Borromeo entre querubins; nas laterais esculturas dos santos fundadores dos Trinitários.

Significado arquitetônico e simbólico

O projeto de Borromini é frequentemente citado como uma das obras‑primas do barroco tardio, precisamente por ultrapassar o modelo clássico de composição estática e dar ênfase ao dinamismo, à fluidez e à síntese de forma e espaço.

A localização numa parcela apertada e irregular mostra a habilidade do arquiteto em “virar o problema em virtude”: a fachada se encaixa num cruzamento de ruas estreitas e ainda assim se faz monumental.

A geometria da planta e da cúpula pode ser interpretada como símbolo da Trindade e da união entre o humano e o divino: a ordem dos Trinitários, a dedicação a São Carlos Borromeo, a contínua elevação do olhar para cima…

O uso da curva, da luz, da forma arquitetônica como “escultura habitável” reforça a ideia barroca de envolver o fiador no espaço, fazê‑lo participar, mover‑se, olhar‑se envolvido – ao invés de mero espectador passivo.

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Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane

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O maneirismo é uma transição entre renascimento e barroco que ocorreu entre 1515 e 1600, marcada por exagero, estilização, complexidade e originalidade das formas. Foi um protesto contra o racionalismo estéril e propriedade conservadora do classicismo.

Na arquitetura o maneirismo deixa de centralizar e foca no plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, de forma a rejeitar a harmonia e equilíbrio do renascimento clássico. Os elementos arquitetônicos passam a ser usados com objetivo além do funcional, mas pelo apelo visual e dentro disso os edifícios assumem mudanças na distribuição de luz e na decoração. Além disso, admite ilusões de perspectiva, alteração nos ritmos estruturais e sensível flexibilização nas proporções da volumetria.

Desse modo, o Maneirismo configura-se como um estilo que remete à oposição e à mudança em relação ao modelo renascentista vigente, funcionando não como uma estética plenamente consolidada, mas como um prelúdio para o estabelecimento do Barroco.

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O barroco predominou no Brasil por boa parte do período colonial, introduzido pelos jesuítas no século XVII como parte da conversão dos nativos ao cristianismo e auxiliar no processo da colonização portuguesa.

Sua temática era religiosa, construída a mando da Igreja, assim deixando um legado de arte sacra.

Com as riquezas naturais do território, a arquitetura prosperou com materiais, principalmente após a descoberta do ouro, e sua variedade.

Em comparação com a Europa, o Brasil entrou na fase barroca com atraso, assim misturando as características europeias com as adaptações locais.

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Primeira Fase - Retábulo Nacional Português

1710-1760;

Colunas salomônicas com ornamentos fitomórficos e zoomórficos;

Coroamento com arcos;

Policromia azul e vermelho;

Revestimento em talha dourada.

Segunda Fase - Retábulo Joanino

1730-1760

Excesso de ornamentos;

Esculturas de anjos;

Revestimento de policromia e dourado;

Formas brasileiras (fauna e flora);

Anjos de pele morena.

Terceira Fase - Retábulo Rococó

1760 em diante;

Muitas esculturas;

Inspirado no rococó francês;

Elementos de conchas, laços, guirlandas e flores;

Revestimentos brancos e dourados;

Paleta com tons pastéis;

Menos ouro.

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Dentre os materiais e técnicas mais utilizadas durante o barroco brasileiro, estão:

Pau-a-pique, treliças de madeira preenchidas com barro;

Taipa de pilão, onde compacta-se terra úmida em formas de madeira com ajuda de um pilão;

Adobe, material feito com a mistura de terra crua, água e fibras orgânicas;

Pedra e cal;

Alvenaria;

Quartzito;

Tijolos de olaria;

Argamassa.

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Com a expansão urbana, urgiu a necessidade da especialização do trabalho, assim surgindo nomenclaturas que muitas persistem até os dias atuais

Brasileiro: Extrator de pau-brasil;

Oleiro: Trabalhador de olarias;

Telheiros: Fazem telhas;

Ladrilheiros: Fazem ladrilhos;

Pedreiros: Realizavam obras com tijolos e pedra;

Canteiro: Talham pedras de cantaria;

Rebocadores: Aplica o reboco;

Latoeiro: Trabalha com peças de metais leves;

Carpinteiro: Trabalha com madeira bruta para produzir elementos estruturais;

Entalhadores: Entalhavam detalhes;

Escultores: Fazem esculturas;

Mestre de obras: Gerencia e coordena aqueles que trabalham em uma obra;

Arquiteto/Mestre de Riscos: Aquele que idealiza o projeto, faz desenhos e toma responsabilidade do estado da construção.

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Embora não tão exuberante quanto as igrejas, a arquitetura civil é reunida em centros históricos tombados com características únicas, padronizados e com soluções urbanísticas originais.

Dentre os equipamentos urbanos, destacam-se chafarizes ( onde coletava-se água para consumo), calçadas, pavimentação, teatros, Casa de Câmara e Cadeia (Legislativo e Judiciário), Casa do Alcaide (Executivo) e a Casa dos Contos (Arrecadação de Impostos)

A residência tinha heterogeneidade, destacando a diferença entre as classes sociais. Similar à arquitetura portuguesa, as fachadas abrem diretamente para a rua, são geminadas, podendo ser térrea ou com múltiplos andares com cômodos enfileirados.

Pisos internos: Feitos de terra batida e tábuas corridas;

Calçamentos externos: Podem ser lajeados, capistrano, pé de moleque com costelas ou paralelepípedo;

Telhados: Curvos com beirais terminados em pontas;

Arcos: Abatidos nas vergas;

Janelas: Ornadas com caixilhos e gelosias;

Decoração: Pintura ou azulejaria.

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A própria posição do rococó na historiografia da arte e arquitetura não é um consenso: pode ser entendido como uma variação do barroco ou como um movimento e estilo em si mesmo, surgido em resposta ao anterior. Como o barroco, o rococó tampouco é universal. Os motivos gerais podem até ser categorizados, mas a região onde está inserido, o contexto social particular a essa região e o ano da construção modificam substancialmente a aplicação dos motivos.

Ora, se o foco principal não é mais o drama e exagero ligados à salvação, os ornamentos ganham outro tratamento. Tanto o barroco como o rococó se valem de dinamismo nas formas, movimento e opulência, mas o último suaviza as cores e as figuras retratadas. Os gestos ficam mais suaves, e a ostentação em mobiliários e objetos decorativos ganham destaque. Como no barroco, existe a opulência extrema, mas desprovida do peso divino. É como se a beleza fosse reivindicada como mundana. Não parece de todo surpreendente que o neoclassicismo e Iluminismo o sucederam.

Com a devida ponderação em mente, pode-se elencar as características principais do rococó, e traçar o contexto que permitiu sua manifestação. O seu surgimento ocorreu em meados do século XVIII na França. O nome é uma derivação da palavra rocaille, um tipo de ornamentação com conchas e rochas, traduzido livremente como rocalha, uma conta de vidro utilizada em colares e rosários. De certa maneira, seria o ornamento em prol da beleza pura e simples.

É claro que os signos (e nomes) trazem consigo significados e conceitos, e o rococó não é apenas uma questão de ornamentação. Se um dos objetivos do barroco era reforçar o poderio da igreja católica, o rococó marcava a ascensão da aristocracia ao poder, distanciando-se do contexto religioso. Em termos formais, essa mudança indica a transição de temas sacros para aqueles mais “frívolos”: cenas de gênero, festas galantes, pinturas mais suaves e sensuais.

Ora, se o foco principal não é mais o drama e exagero ligados à salvação, os ornamentos ganham outro tratamento. Tanto o barroco como o rococó se valem de dinamismo nas formas, movimento e opulência, mas o último suaviza as cores e as figuras retratadas. Os gestos ficam mais suaves, e a ostentação em mobiliários e objetos decorativos ganham destaque. Como no barroco, existe a opulência extrema, mas desprovida do peso divino. É como se a beleza fosse reivindicada como mundana. Não parece de todo surpreendente que o neoclassicismo e Iluminismo o sucederam.

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A fachada Sul de Sanssouci, em Potsdam - Alemanha

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O nome “Sans Souci” provém do francês “sans souci” = “sem preocupação”, sugerindo o desejo de um retiro tranquilo e sem os rígidos protocolos da corte. O palácio foi mandado construir pelo rei Friedrich II (Friedrich, o Grande) da Prússia para servir como sua residência de verão e local de lazer, afastado da formalidade de Berlim e justificando o seu nome. A edificação foi construída entre aproximadamente 1745 e 1747, no topo de uma vinha em terraços — ou seja, o local original era um vinhedo que foi integrado ao projeto. O palácio e o parque fazem parte do conjunto dos Palaces and Parks of Potsdam and Berlin, reconhecido pela UNESCO como Património Mundial pela integração de arquitetura, paisagismo e urbanismo na era do absolutismo prussiano.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

Possui um andar principal (térreo elevado) com alas laterais, assentado sobre o vinhedo em terraços.

A planta reflete a ideia de “villa de lazer” mais do que de palácio de representações estatais pesadas.

A fachada voltada para o vinhedo e o parque tem forte presença visual: pilastras, colunas de ordem coríntia, janelas altas, esculturas de bacantes e elementos decorativos que reforçam a ideia de prazer e natureza.

O palácio está integrado à paisagem do vinhedo em terraços e ao jardim formal francês/italiano, de modo que a arquitetura e o entorno se complementam.

Materiais, elementos decorativos e interiores

O estilo arquitetônico predominante é o rococó (ou uma variante chamada “Frederician Rococo”), caracterizado por leveza, ornamento elegante, referências à natureza e à alegria de viver — em contraste ao barroco mais pesado.

No interior encontram‑se salas bem decoradas, mármores, entalhes, estuques e janelas amplas que permitem muita luz — os ambientes refletem o gosto pessoal de Friedrich II para uma residência de lazer.

No exterior, por exemplo na fachada traseira sobre o vinhedo, esculturas de bacantes e bacantes (relacionadas ao deus Baco/vinho) reforçam o tema do prazer e da vinificação, em alusão ao vinhedo sob o palácio.

Significado arquitetônico e simbólico

A obra simboliza a conjunção de poder real (um rei absoluto) com o ideal iluminista de retiro, reflexão, naturalidade — sem abdicar da magnificência arquitetônica. O nome e o local reforçam essa intenção (Esse possível observar esse fenômeno no Palácio de Versalhes, na França, região que justifica de uma nomenclaturas para o Rococó como Luís XIV, ou Rei Sol)

A integração entre arquitetura e paisagem mostra uma ambição de “obra de arte total”, não apenas um edifício isolado.

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Localizada na cidade de Recife - Pernambuco, é um dos principais pontos turísticos da cidade.

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Basílica e Convento de Nossa Senhora do Carmo

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Basílica e Convento de Nossa Senhora do Carmo

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A Ordem dos Carmelitas chegou ao Brasil em 1580, trazida por missionários vindos de Portugal. Após a expulsão dos holandeses de Pernambuco, em 1654, os carmelitas instalaram-se no Recife, estabelecendo ali uma de suas principais sedes no Brasil. Em 1665, se deram início às obras do complexo religioso que viria a abrigar a igreja e o convento da Ordem. Anos mais tarde, em 1687, o Palácio da Boa Vista — construção anterior atribuída a Maurício de Nassau — foi doado à Ordem Carmelitana e incorporado à estrutura do convento. As obras da igreja se estenderam por décadas, sendo finalmente concluídas em 1767. Com o passar do tempo, o templo consolidou-se como um importante centro de fé e devoção no Recife. Reconhecendo seu valor histórico, artístico e religioso, o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN) tombou o conjunto da Basílica e Convento de Nossa Senhora do Carmo em 1938.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

O conjunto compreende a igreja (basílica) e o convento adjacente dos Carmelitas, instalados no centro histórico do Recife.

A fachada da igreja tem dois pavimentos, com três vãos principais no térreo e volume central com frontão, e torre sineira ao lado (aproximadamente 50 metros de altura) — um elemento marcante.

No interior, a nave central é ampla, ladeada por capelas laterais, com capela‑mor em destaque; tipologia típica de igrejas barrocas coloniais, adaptadas ao Brasil.

O convento, anexado à igreja, ocupa parte de terreno do antigo Palácio da Boa Vista e tinha funções monásticas, comunitárias, de clausura.

Materiais, elementos decorativos e interiores

O estilo arquitetônico é barroco colonial brasileiro, com forte presença de elementos ornamentais, frontão com volutas, nichos com estátuas (na fachada) e torre sineira com bulbo barroco.

No interior, destaques: altares em talha dourada, azulejos portugueses ou ladrilhos antigos, capelas laterais com entalhe, pintura no teto da nave com cenas religiosas ou santos ligados à Ordem do Carmo.

A torre de aproximadamente 50 metros confere verticalidade ao conjunto e é considerada um dos mais belos campanários barrocos do Brasil.

Em intervenções recentes, foram removidas camadas de repintura para revelar elementos originais de mármore, talha e policromia.

Significado arquitetônico e simbólico

Arquitetonicamente, a Basílica do Carmo representa uma das mais importantes realizações do barroco religioso no Nordeste brasileiro, refletindo a devoção mariana (Nossa Senhora do Carmo), o poder da Igreja Católica na colônia e o processo de construção cultural e artística local.

Simbolicamente, a igreja é centro de devoção a Nossa Senhora do Carmo, padroeira do Recife, o que aumenta sua importância social, cultural e religiosa.

O fato de o convento estar vinculado à Ordem dos Carmelitas — tradicional ordem monástica com raízes antigas — reforça o simbolismo de continuísmo religioso, contemplação e presença institucional.

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Basílica e Convento de Nossa Senhora do Carmo

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Celebração realizada dentro da Igreja e Mosteiro de São Bento, em Salvador - Bahia

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A Ordem dos Ordem de São Bento (beneditinos) instalou‑se em Salvador no final do século XVI, sendo o mosteiro uma das primeiras fundações monásticas de relevância no Brasil. O edifício atual do mosteiro começou a ser construído no século XVII, substituindo instalações iniciais mais modestas. Durante a história, o conjunto esteve inserido num contexto local de expansão urbana fora dos muros originais da cidade colonial, em colina privilegiada com vista para a Baía de Todos os Santos.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

O conjunto compreende a igreja abacial, o mosteiro (ou claustro e dependências monásticas) adjacente, desenvolvendo‑se fora dos muros antigos da cidade e em terreno elevado.

A igreja apresenta planta com nave principal e capelas laterais, e o mosteiro ocupa alas de dependências monásticas, embora a edificação tenha sido realizada ao longo de vários séculos e por etapas.

A tipologia reflete a tradição beneditina e barroca colonial brasileira, com igreja‑monastério integrada, fachada imponente e interior ricamente decorado.

Materiais, elementos decorativos e interiores

No interior da igreja do mosteiro encontram‑se altares, mobiliário e talhas que representam altos valores artísticos: por exemplo, a talha‑dourada, gradis de jacarandá, pinturas sacras e outras obras de arte associadas à vida monástica.

A construção utilizou alvenaria de pedra, cantaria, madeira de qualidade para entalhes, e elementos decorativos barrocos, tudo adaptado ao contexto colonial da Bahia.

Significado arquitetônico e simbólico

O conjunto arquitetura do Mosteiro de São Bento é símbolo da presença monástica e cultural bem cedo no Brasil colonial e serve de vínculo entre a fé, a vida religiosa contemplativa e a paisagem urbana da Salvador histórica.

Simbolicamente, a localização em colina, fora dos muros, acentua a função de retiro e observatório espiritual, enquanto a riqueza decorativa manifesta o poder e a longevidade da ordem beneditina na região.

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Igreja e Mosteiro de São Bento (Salvador)

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Uma das igrejas mais distintas volumetricamente de sua época, Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos se localiza em Ouro Preto - Minas Gerais

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Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos

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Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos

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A Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos em Ouro Preto (antiga Vila Rica), Minas Gerais, constitui‑se como um dos mais expressivos marcos do barroco colonial brasileiro, tanto pela arquitetura singular quanto pela história de uma irmandade negra que a ergueu. A Irmandade de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos foi formalmente constituída em 1715, tendo funcionado inicialmente em capela provisória junto à Matriz de Nossa Senhora do Pilar. Após sucessivas providências, obteve‑se terreno no bairro do Caquende, e por volta de 1765 iniciou‑se a construção da atual igreja, substituindo a edificação primitiva de 1709. As obras se estenderam até 1793 ou cerca disso, integrando modificações posteriores.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

A igreja é notável por sua planta elíptica ou próxima dela, o que a distingue de muitas construções coloniais brasileiras de planta retangular tradicional.

A fachada se destaca por seu volume cilíndrico (ou quase), com três arcos no pavimento térreo, três sacadas no pavimento superior e um frontão trilobado como coroamento.

O uso de cantaria — nas arcadas, nos entablamentos, nos consoles e coruchéis — contrasta com o corpo principal em reboco/branco, gerando um efeito de monumentalidade e clareza de volumetria.

Internamente, a nave é ladeada por seis altares laterais, conta com púlpitos em madeira com base de granito e detalhes ricos — mesmo que a ornamentação seja relativamente mais contida que nas igrejas‑monumentais de elite.

A fachada inclinada no terreno, o volume singular, e a adaptação à topografia de Ouro Preto (em morro, ladeiras) também fazem parte das suas qualidades espaciais.

Materiais, elementos decorativos e interiores

Os materiais empregados são os típicos da arquitetura colonial mineira: alvenaria de pedra, cantaria lavrada (especialmente nas molduras da fachada), madeira entalhada nos altares e púlpitos, acabamento com reboco e pintura.

A decoração segue o padrão barroco mineiro tardio, com ênfase na forma arquitetônica (volumes curvos, fachada em pedra) mais do que em ornamentações exageradas.

Os altares laterais e as imagens de santos negros (como São Benedito e outros) reforçam o vínculo da irmandade e sua identidade cultural e religiosa. A igreja também retém escultura ou entalhes atribuídos a artistas ligados ao momento artístico mineiro tardio.

Significado arquitetônico e simbólico

Arquitetonicamente, a obra é considerada uma das expressões máximas do barroco colonial mineiro — tanto por sua forma ousada (fachada cilíndrica / planta elíptica) quanto por sua posição no contexto urbano de Ouro Preto.

Simbolicamente, ela representa a presença da comunidade negra na construção e manutenção de espaços religiosos no Brasil colonial, articulando fé, identidade e território. O fato de a irmandade negra ter erguido esse templo confere-lhe um papel de protagonismo social — e de resistência simbólica numa sociedade profundamente marcada pela escravidão.

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Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos

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Pintura de Jean-Baptiste Debret (1768-1848) mostra cena doméstica durante o período colonial

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O período colonial brasileiro, que se estende de 1500 a 1822, foi marcado pela dominação portuguesa e pela estruturação de uma sociedade baseada na exploração econômica, especialmente através da agricultura de exportação, como o cultivo da cana-de-açúcar e, mais tarde, da mineração do ouro. A ocupação do território seguiu interesses econômicos, com a fundação de vilas e cidades em regiões estratégicas. A sociedade colonial era fortemente hierarquizada e sustentada pelo trabalho escravo, principalmente de africanos. A Igreja Católica teve papel central na organização social e cultural, sendo responsável pela catequese dos indígenas e pela construção de grande parte dos edifícios religiosos. A arquitetura colonial reflete esse contexto de dominação, fé e trabalho forçado, revelando uma combinação entre influências portuguesas e adaptações às condições locais.

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Casa de Câmara e Cadeia de Santos, localizada no estado de São Paulo

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No período colonial brasileiro, as principais tipologias arquitetônicas refletiam as necessidades sociais, religiosas, administrativas e econômicas da época. A arquitetura religiosa foi a mais expressiva, com igrejas, capelas, mosteiros e conventos construídos por ordens religiosas e irmandades leigas. A arquitetura civil incluía casas térreas e sobrados, além de edifícios públicos como câmaras e cadeias, geralmente organizados em torno das praças centrais. A arquitetura militar, com fortes e fortificações litorâneas, visava proteger o território das invasões estrangeiras. Já na zona rural, destacava-se a arquitetura dos engenhos e fazendas, que abrigavam as casas-grandes, senzalas e estruturas de produção agrícola. Essas tipologias revelam uma sociedade agrária, escravocrata e profundamente influenciada pela presença da Igreja Católica e da Coroa Portuguesa.

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Parte dos croquis de Lucio Costa exemplificando o que chamou de “evolução” dos vãos das edificações.

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As características formais e estilísticas da arquitetura do período colonial brasileiro refletem a influência da tradição portuguesa adaptada às condições locais. As construções apresentavam formas simples, com plantas geralmente retangulares, volumes compactos e fachadas simétricas. Os estilos evoluíram ao longo do tempo, passando pelo maneirismo, barroco e rococó, até o início do neoclassicismo no fim do período.

Nas igrejas, destacam-se:

Frontões curvos

Torres sineiras

Janelas com vergas em arco

Uso de cantaria

Internamente, a decoração era rica, com altares em talha dourada, pinturas sacras e elementos simbólicos católicos. Essa arquitetura combinava sobriedade exterior com riqueza decorativa interior, revelando a religiosidade, a hierarquia social e os recursos disponíveis nas diferentes regiões do Brasil colonial.

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Durante o período colonial brasileiro, os materiais e técnicas construtivas utilizados refletiam os recursos disponíveis localmente e os conhecimentos trazidos pelos colonizadores portugueses.

As paredes eram erguidas com técnicas como:

TAIPA DE PILÃO:

A taipa de pilão é uma técnica construtiva tradicional usada no período colonial, baseada na compactação de terra úmida dentro de formas de madeira. A terra é colocada em camadas finas e compactada com pilões, formando paredes espessas e resistentes. Após alcançar a altura desejada, as formas são retiradas e a parede seca naturalmente. Essa técnica utiliza materiais locais como terra, areia e, às vezes, cal, resultando em construções duráveis e com bom isolamento térmico. Embora vulnerável à umidade, quando bem executada, a taipa de pilão pode durar séculos e hoje vem sendo valorizada por sua sustentabilidade.

PAU A PIQUE:

O pau a pique é uma técnica construtiva tradicional usada no Brasil colonial, especialmente em moradias simples. Consiste em uma estrutura de madeira com varas verticais e horizontais entrelaçadas, formando um trançado que é preenchido manualmente com uma mistura de terra, água e palha. Após a aplicação, a parede seca naturalmente e pode ser rebocada com barro ou cal. É uma técnica acessível, sustentável e com bom isolamento térmico, embora menos durável que a taipa de pilão, principalmente quando exposta à umidade.

ALVENARIA DE PEDRA E CAL:

A alvenaria de pedra e cal é uma técnica tradicional que consiste em unir pedras com argamassa feita de cal, areia e água. As pedras são assentadas com essa mistura, que funciona como um cimento natural, garantindo fixação e preenchimento dos espaços. Depois, as paredes podem ser rebocadas com cal para proteção e acabamento. Essa técnica produz construções duráveis, resistentes ao clima e com boa impermeabilização, muito comum no período colonial.

As coberturas usavam estruturas de madeira e telhas cerâmicas em forma de canal (telha colonial). A madeira também era amplamente empregada em portas, janelas, forros e elementos decorativos, como altares e púlpitos, muitas vezes ricamente entalhados. As construções seguiam métodos artesanais, com grande participação de mão de obra indígena e escravizada, contribuindo para uma arquitetura de aparência simples, porém funcional e duradoura, com adaptações às condições climáticas e ao relevo brasileiro.

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Arquitetura nas ruas de Ouro Preto - Minas Gerais

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Os elementos decorativos e simbólicos da arquitetura colonial brasileira refletem a forte influência da religiosidade e da hierarquia social da época.

Nas igrejas, destacam-se:

Altares em talha dourada

Pinturas sacras

Esculturas que ilustram cenas bíblicas

Fachadas exibiam ornamentos como frontões, volutas, nichos e óculos, enquanto no interior, o uso de cores e símbolos religiosos reforçava a fé católica. Esses elementos combinavam arte e simbolismo para expressar poder, devoção e identidade cultural dentro do contexto colonial.

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Praça Minas Gerais, localizada em Mariana - Minas Gerais

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Organização espacial e integração urbana

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Organização espacial e integração urbana

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A organização espacial e a integração urbana no período colonial brasileiro eram fortemente influenciadas pela administração portuguesa e pela Igreja Católica. As cidades geralmente se estruturavam em torno de uma praça central, onde estavam localizados os principais edifícios públicos e religiosos, como a câmara municipal e a igreja matriz. As ruas seguiam traçados ortogonais ou se adaptavam à topografia local, buscando funcionalidade e defesa. A arquitetura religiosa, com suas igrejas e conventos, exercia papel central na vida urbana, integrando-se ao espaço público e simbolizando a presença do poder colonial e religioso na cidade.

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Profetas do Santuário do Bom Jesus de Matosinhos, feitas por Aleijadinho

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Antônio Francisco Lisboa, conhecido como Aleijadinho, foi um dos mais importantes artistas do período colonial brasileiro e um ícone do barroco mineiro. Filho de Manuel Francisco Lisboa, ele destacou-se como escultor, entalhador e arquiteto, deixando um legado que até hoje influencia a arte e a cultura do Brasil. Suas obras são marcadas por uma técnica apurada, grande expressividade emocional e um detalhamento rico, especialmente visível nas esculturas dos profetas do Santuário do Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas, e nas ornamentações das igrejas de Ouro Preto e outras cidades históricas de Minas Gerais. Aleijadinho conseguiu combinar influências europeias com elementos locais, criando uma arte original que traduz a religiosidade profunda e a complexa sociedade colonial. Além da beleza estética, suas obras também carregam forte simbolismo religioso e social, representando as tensões e aspirações de seu tempo. Por tudo isso, Aleijadinho é reconhecido como um dos maiores nomes da arte colonial brasileira, cuja influência transcende o período histórico em que viveu.

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profetas do Santuário do Bom Jesus de Matosinhos

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Igreja de Nossa Senhora do Carmo (Ouro Preto), projetada por Manuel Francisco Lisboa, arquiteto português e grande nome da arquitetura colonial brasileira

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Manuel Francisco Lisboa foi uma figura fundamental no desenvolvimento da arte sacra durante o período colonial brasileiro, especialmente em Minas Gerais. Como entalhador e escultor, ele participou da introdução e consolidação do estilo barroco na região, trabalhando na ornamentação de igrejas e na produção de imagens religiosas que decoravam altares e capelas. Além de sua própria produção artística, Manuel Francisco Lisboa teve um papel crucial como mestre e mentor de sua família, sobretudo na formação de seu filho, Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, um dos maiores artistas do Brasil colonial. Por meio do ensino e da transmissão de técnicas tradicionais europeias adaptadas ao contexto local, Manuel ajudou a criar uma escola artística que marcaria profundamente a identidade cultural e religiosa do Brasil colonial. Seu legado vai além das obras que produziu, pois contribuiu para o fortalecimento da arte barroca mineira, influenciando gerações seguintes e deixando um impacto duradouro na história da arte brasileira.

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Igreja de Nossa Senhora do Carmo (Ouro Preto)

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Pirenópolis: A cidade da Arquitetura Colonial Brasileira no Centro Oeste

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Pirenópolis: A cidade da Arquitetura Colonial Brasileira no Centro Oeste

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Pirenópolis, em Goiás, é um dos mais importantes centros históricos do Brasil, conhecido por sua arquitetura colonial bem preservada. Fundada no século XVIII durante o ciclo do ouro, a cidade mantém ruas de pedra, casarões com fachadas simples, mas elegantes, e igrejas barrocas que refletem a influência portuguesa. As construções geralmente apresentam paredes de taipa de pilão ou pedra, telhados de duas águas com telhas cerâmicas e detalhes em madeira. Destacam-se as igrejas, como a de Nossa Senhora do Rosário, com seu estilo barroco modesto e interiores decorados com altares em talha dourada. A arquitetura de Pirenópolis combina funcionalidade rural com traços coloniais, criando um ambiente histórico rico e autêntico, que preserva a memória cultural e artística do Brasil colonial.

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Vista panorâmica da Igreja de São Francisco de Assis, em Ouro Preto - Minas Gerais

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Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto)

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Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto)

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Construída entre 1766 e 1794, é uma das obras-primas do barroco mineiro e símbolo do ciclo do ouro em Minas Gerais.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

Planta em formato de cruz latina, típica das igrejas barrocas.

Corpo único com nave ampla e transepto pronunciado.

Capela-mor destacada e elevada, com acesso por escadarias internas.

Fachada com formas curvas e volumetria dinâmica, característica do barroco.

Torres sineiras simétricas ladeando a fachada principal.

Acesso frontal por escadaria externa, integrando igreja e espaço urbano.

Materiais, elementos decorativos e interiores

Utilização predominante de pedra-sabão para revestimentos e esculturas externas e internas.

Paredes em alvenaria de pedra e cal.

Fachada e interiores com detalhes em talha dourada esculpida.

Pinturas murais e painéis executados por Mestre Ataíde, com temática religiosa.

Altares ricamente decorados, com entalhes delicados e douramento.

Elementos decorativos barrocos como volutas, rocalhas e anjos entalhados.

Significado arquitetônico e simbólico

Representa o ápice do barroco mineiro e a síntese da arte colonial brasileira.

Demonstra a riqueza gerada pelo ciclo do ouro em Minas Gerais.

Expressa a religiosidade profunda e o poder da Igreja Católica na colônia.

Símbolo da integração entre arte, fé e identidade cultural brasileira.

Obras de Aleijadinho e Mestre Ataíde simbolizam a criatividade e técnica local, com influência europeia adaptada ao contexto brasileiro.

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Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto)

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Vista da praça e da fachada frontal da Igreja e Convento de São Francisco, localizada em Salvador - Bahia

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Igreja e Convento de São Francisco (Salvador)

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Igreja e Convento de São Francisco (Salvador)

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Construído no século XVIII, é um dos principais conjuntos religiosos da Bahia e do Brasil colonial, ligado à Ordem Franciscana.

Planta, tipologia e organização arquitetônica

Complexo composto por igreja, convento e claustros integrados.

Planta em formato de cruz latina, com nave central, capela-mor e transepto.

Organização que privilegia a funcionalidade litúrgica e a vida comunitária dos franciscanos.

Fachada principal marcada por torres sineiras e revestimento de azulejos portugueses.

Espaços internos amplos para acolher grande número de fiéis e atividades religiosas.

Claustros que servem como áreas de convivência e circulação para os frades.

Materiais, elementos decorativos e interiores

Paredes em alvenaria de pedra e cal, revestidas externamente por azulejos portugueses azuis e brancos.

Uso abundante de talha dourada nos altares, púlpitos e ornamentos internos.

Pinturas barrocas decorativas em tetos e paredes, com temas religiosos.

Azulejos que além da função estética, ajudam na conservação contra umidade.

Presença de elementos decorativos típicos do barroco, como volutas, flores e anjos entalhados.

Integração entre arquitetura e arte sacra para criar ambiente de devoção e imponência.

Significado arquitetônico e simbólico

Símbolo da influência da Ordem Franciscana na colonização e religiosidade da Bahia.

Representa o esplendor do barroco colonial no Nordeste brasileiro.

Demonstra a fusão entre técnicas portuguesas e adaptações ao clima e cultura local.

Importante marco da identidade religiosa, social e cultural de Salvador colonial.

Reflexo do poder da Igreja Católica como instituição central na vida cotidiana e urbana da colônia.

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Igreja e Convento de São Francisco (Salvador)

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Sede do Departamento do Tesouro dos Estados Unidos em Washington, D.C., com uma estátua de Alexander Hamilton em primeiro plano.

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O contexto histórico dos Estados Unidos explica a aplicação do Neoclássico de forma direta em sua arquitetura. Por serem um país recém independente, viu-se necessária a construção de prédios públicos, onde as funções da nova república seriam realizadas.

Com isso, Thomas Jefferson, figura americana importante de diversos talentos teve um grande impacto na formação da identidade americana: foi governador do estado da Virgínia, se tornando eventualmente o terceiro presidente dos Estados Unidos. Ele também era um arquiteto renomado, conhecido por projetar sua casa de campo Monticello e a sede pra primeira universidade dos Estados Unidos. Ambos os projetos são localizados em Charlottesville, no estado da Virgínia, o mesmo estado que posteriormente será designada uma área para abrigar a capital do país, Washington D.C.

Suas maiores inspirações para os seus projetos eram: a Villa Rotunda de Andrea Palladio, tendo assim uma ligação direta ao Renascimento tardio, que por sua vez, havendo uma ligação com a Antiguidade Clássica; e o Panteão de Roma.

A retomada de elementos do Renascimento e da Antiguidade Clássica era uma inspiração direta do fato de que o país estava se tornando independente, tendo assim uma forte visão sobre a instauração de uma democracia justa e igualitária. A Grécia Antiga é um dos grandes marcos desse ideal, se tornando assim uma grande influência na arquitetura norte-americana.

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Museu Imperial, localizado em Petrópolis, Rio de Janeiro.

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O surgimento do estilo Neoclássico no Brasil se deve principalmente à Missão Artística francesa chefiada por Joachim Lebreton em 1816, que introduziu o ensino formal de artes para o país. Além disso, trouxe importantes artistas como Nicolas Antoine Taunay (pintor), Jean-Baptiste Debret (pintor) e Grandjean de Montigny (arquiteto). Essa missão foi responsável por fundar a Escola Real das Ciências. Posteriormente, ela foi inaugurada com o nome de Academia Imperial de Belas Artes em 1826.

Grandjean de Montigny foi o principal nome no estabelecimento da profissão de arquitetura dentro do Brasil, sendo o primeiro professor, quem ditou os padrões iniciais de representação e espalhou a arquitetura neoclássica.

O novo estilo condizia com a situação política brasileira, visto que a Corte Portuguesa, recém-chegada da Europa em 1808, possuía padrões distintos dos brasileiros e introduziu diversas novas tendências. Além disso, a adoção desse estilo funcionava como uma forma de demonstração do poder da realeza. Logo após sua chegada, foram instituídas as primeiras fábricas e iniciada a construção de edifícios como o Banco do Brasil e a Biblioteca Real.

Nos centros maiores do litoral, que tinham contato direto com a Europa, havia um nível mais complexo de arte e arquitetura e modelos mais fiéis aos internacionais, diferente das províncias que assimilaram de forma mais irregular.

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Panteão de Paris, um monumento histórico e mausoléu localizado no Quartier Latin, na capital da França.

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O estilo Neoclássico surgiu na Europa no século XVIII, fortemente inspirado pelo Iluminismo e pelas descobertas arqueológicas da antiguidade, tais como a escavação da

cidade de Pompéia e Herculano.

Em contraste com o período anterior, o Barroco, o Neo Clássico se voltava para a racionalidade, o equilíbrio, a simetria e demais elementos presentes no estilo greco-romano. As intenções não eram mais perturbar o observador com construções que aparentavam estar vivas, a prioridade está em transmitir estabilidade e ordem, com seus elementos geométricos fundados em cálculos matemáticos.

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Perspectiva da fachada do British Museum, em Londres

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos 

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos 

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Por ser inspirado nas antigas construções greco-romanas, também utiliza-se dos mesmos materiais, dentre eles estão:

Mármore e granito: Usado principalmente nas fachadas, nas colunas e frontões no exterior, para bancadas, pisos e paredes no interior;

Ferro fundido: Crescente utilização como material secundário e funcional, tornava as construções mais baratas e leves;

Tijolos: Utilizados para as paredes de alvenaria, podendo ser aparentes ou revestidos com reboco e pintados de branco, bege e tons neutros;

Madeira: Madeira nobre se manteve relevante, usado para móveis e pisos;

Metal: Presente nas portas e janelas;

Vidro: Mantem-se o uso de vidros transparentes.

As técnicas construtivas foram aprimoradas desde a antiguidade, possibilitando uma gama de maneiras de construir os edifícios, dentre eles estão:

Esqueleto em madeira: Erguem uma estrutura de madeira que dá forma ao edifício, delimitando os ambientes e ao redor são erguidas as paredes e telhado;

Alvenaria: O tijolo continua relevante, usado para paredes, podendo ser aparente ou não, recebendo camadas de revestimento com argamassa e tintas claras;

Frontões e Colunas: Esculpidas em mármore, replicavam as entradas de templos greco-romanas, as colunas continuavam os modelos dórico, jônico e coríntio e os frontões poderiam abrigar esculturas de temática histórica.

Telhados: Eram escondidos pela platibanda que circundava o edifício inteiro. A cobertura em si eram feitos com telhas cerâmicas tradicionais.

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A imagem mostra a Rotunda da Universidade da Virgínia (UVA), projetado por Thomas Jefferson, é a peça central da Vila Acadêmica (Academical Village) da universidade.

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos

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Os métodos construtivos do Neoclássico dos Estados Unidos são muitos similares do europeu, uma vez que os estudos vinham de escolas europeias. Entretanto, por conta da busca de custos mais baixos, muitas adaptações foram feitas, criando assim um estilo próprio. Eram então utilizados:

Mármore e granito: Usados para revestimentos e estruturas externas, não sendo tão utilizadas como estrutural, visto que este tipo de material é caro;

Ferro fundido: Crescente utilização como material estrutural e funcional, tornava as construções mais baratas e leves; Não ficava exposto, pois era presado a aparência da Antiguidade Clássica, mas era um ótimo material para sustentação e superação de longos vãos.

Tijolos: Utilizados para as paredes de alvenaria, podendo ser aparentes ou revestidos com reboco e pintados de branco, bege e tons neutros;

Madeira: Usado principalmente em mobiliários e detalhamentos dos mesmos;

Metal: Presente nas portas e janelas;

Vidro: Mantem-se o uso de vidros transparentes.

Com a evolução tecnológica da época, novos métodos construtivos foram adquiridos para que a construção fosse mais rápida e fácil, e possibilitando também o desenvolvimento de novas artes. Entre os métodos construtivos estão:

Esqueleto em madeira: Erguem uma estrutura de madeira que dá forma ao edifício, delimitando os ambientes e ao redor são erguidas as paredes e telhado; A madeira também era utilizada para a construção de andaimes, possibilitando a chegada do construtor à partes antes inacessíveis.

Alvenaria: O tijolo continua relevante, usado para paredes, podendo ser aparente ou não, recebendo camadas de revestimento com argamassa e tintas de tons claros;

Frontões e Colunas: Esculpidas em mármore, replicavam as entradas de templos greco-romanas, as colunas continuavam os modelos dórico, jônico e coríntio e os frontões poderiam abrigar esculturas de temática histórica.

Telhados: eram escondidos pela platibanda que circundava o edifício inteiro. A cobertura em si eram feitos com telhas cerâmicas tradicionais.

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Palácio do Itamaraty no Rio de Janeiro, projetado por José Maria Jacinto Rebelo.

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos

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Firmitas: Materiais e Métodos Construtivos

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A atuação dos arquitetos estrangeiros e de seus discípulos no Brasil contribuiu significativamente para o aprimoramento dos métodos construtivos entre a população local. As obras vinculadas aos profissionais formados pela Academia eram estruturadas com paredes de pedra ou tijolo, cuja execução era geralmente confiada a grupos de oficiais mecânicos estrangeiros, responsáveis por garantir maior rigor técnico à construção.

Os materiais de acabamento, por sua vez, eram quase inteiramente importados da Europa, o que conferia às edificações um padrão mais elaborado. Entre esses materiais destacavam-se vidros, ferragens, mármores, luminárias, calhas, telhas e madeiras destinadas à fabricação de portas, janelas e às estruturas de cobertura.

Nas residências de famílias mais abastadas, o pavimento térreo passou a receber novas funções, distintas do uso tradicional como loja, depósito ou morada de escravizados, contribuindo para a valorização do espaço e para uma maior privacidade dos ambientes internos. Nesse processo de qualificação dos interiores, os antigos pisos de pedra ou de terra batida foram substituídos por soalhos de tábuas largas, apoiados sobre grossas vigas de madeira, o que conferiu mais conforto, durabilidade e requinte aos espaços habitáveis.

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Panteão de Paris, um monumento histórico e mausoléu localizado no Quartier Latin, na capital da França.

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O Iluminismo trouxe ideais racionais, tais como o humanismo e ênfase nas ciências, matemática e formas clássicas da antiguidade europeia.

Simetria: Fachadas com elementos iguais, espelhados a partir de um eixo central;

Alinhamento: Colunas e janelas eram precisamente alinhadas e distribuídas no espaço, entradas e portas centralizadas;

Colunas: Utilizadas tanto como elemento estrutural quanto decorativo, replicavam as colunas das ordens dórica, jônica e coríntio;

Frontões: Triangulares e muitas vezes ornado com esculturas em mármore ou relevos, também acompanhados de frisos e cornijas. Também utilizava-se entablamentos sobre janelas;

Telhados: Podem tanto ter platibandas quanto aparentes para destacar a geometria de suas águas (gable roof), em seu contorno poderiam ser colocadas cornijas para fins estéticos e funcionais, protegendo a parede da chuva. Cúpulas também poderiam ser erguidas em prédios públicos para enfatizar sua importância

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Capitólio dos Estados Unidos, em Washington D.C., nos Estados Unidos.

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O motivo principal das construções desta magnitude era com a intenção de mostrar imponência, aspecto no qual a forma está diretamente influenciada para a transmissão dessa mensagem. A intenção era que se parecesse com a Antiguidade Clássica (motivo de onde vem o nome Neoclássico), era simbólica da democracia. Os elementos utilizados para alcançar essa forma poderosa são:

Simetria: Fachadas com elementos repetitivos e sequenciais, espelhados a partir de um eixo central;

Alinhamento: Colunas e janelas eram precisamente alinhadas e distribuídas no espaço, entradas e portas centralizadas;

Colunas: Utilizadas tanto como elemento estrutural quanto decorativo, replicavam as colunas das ordens dórica, jônica e coríntio, influências diretas da Antiguidade Greco-romana;

Frontões: Triangulares e muitas vezes ornado com esculturas em mármore ou relevos, também acompanhados de frisos e cornijas. Também utilizava-se entablamentos sobre janelas;

Platibandas: Elementos importantes da época visando esconder as águas do telhado, com complementos estéticos de frisos e cornijas. Também seguem o ritmo simétrico da fachada.

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Cúria Metropolitana em primeiro plano, com a Catedral Metropolitana de Porto Alegre ao fundo. Ambas as construções estão localizadas no Centro Histórico de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. 

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Sob influência da Academia, a arquitetura desenvolvida no período seguinte passou a privilegiar a clareza construtiva e a simplicidade das formas. O uso de cornijas e platibandas tornou-se recorrente, enquanto pilastras marcavam as linhas principais da composição. Sobre essas pilastras, dispunham-se, nas platibandas, ornamentos importados do Porto, que enriqueciam a expressão decorativa das fachadas.

Os corpos de entrada, levemente avançados em relação ao volume principal, eram compostos por escadarias, colunatas e frontões, tanto retangulares quanto arredondados, geralmente executados em pedra aparente. No interior, as paredes passaram a receber papéis coloridos de motivos ornamentais, importados da Europa, utilizados para disfarçar acabamentos irregulares e conferir maior sofisticação aos ambientes.

As residências também foram sendo modificadas, incorporando salas específicas para recepções sociais. Tornaram-se comuns pinturas originais em forros, paredes e folhas de portas e janelas, além do uso de tapeçarias e mobiliário mais complexo, tudo organizado segundo uma composição mais formal e hierarquizada dos espaços.

Outro elemento absorvido foi a presença de jardins frontais e laterais, associados ao emprego de colunas de ordem grega. As casas passaram a exibir proporções mais horizontais, enquanto a platibanda se consolidou como recurso para ocultar a cobertura e reforçar o aspecto retilíneo e de regularidade.

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O interior da Igreja de la Madeleine, um famoso templo neoclássico em Paris, França.

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Com o resgate dos ideais clássicos, a tríade vitruviana foi intensamente valorizada. Assim, buscou-se a objetividade tanto na forma quanto na função do edifício.

Plantas regulares, com disposição ortogonal de cômodos ao redor do salão principal. Plantas em formato de cruz também foram mantidas.

Na Europa, houve também o renascimento do patriotismo, da imponência da nação representada nos prédios de poder público. Um exemplo são os Arcos do Triunfo, espalhados pelo continente para honrar vitórias militares, como o de Paris.

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O interior da sala de audiências da Suprema Corte dos Estados Unidos em Washington, D.C.

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Pelos americanos estarem buscando estabilidade política na sua nova era de independência, os edifícios foram construídos com essa função: política. Era necessária espaços para a realização de assembleias, discussões parlamentares, entre outros ritos que se via necessárias para a composição parlamentar.

Essas estruturas foram feitas com a intenção de que muitas pessoas pudessem entrar e participar das audiências, função esta que complementava a estrutura monumental visada para demonstração do poder público.

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Um dos salões internos do Palácio do Catete, atual Museu da República do Rio de Janeiro.

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O objetivo central desse processo era incorporar ao contexto brasileiro um estilo arquitetônico europeu que pudesse representar, de maneira eficaz, as intenções políticas, os valores culturais e o modo de vida da corte portuguesa recém-instalada. No Brasil, o neoclassicismo assumiu sobretudo uma função simbólica e estratégica: tornou-se uma ferramenta de afirmação do poder estatal e da presença da monarquia, diferenciando a nova capital e legitimando seu papel como centro administrativo do Império.

Mais do que um simples repertório formal, o neoclassicismo operou como um discurso visual. Sua estética, entendida como mais pura e sóbria, promovia a “nobreza da simplicidade” — conceito que reforçava a ideia de racionalidade, ordem e civilidade associada ao projeto político da corte. Essa sobriedade, entretanto, não anulava a necessidade de autoridade e grandiosidade, especialmente expressas nas obras públicas, que funcionavam como emblemas do poder e signos de transformação da paisagem urbana.

Ao adotar um vocabulário arquitetônico alinhado aos modelos europeus, o Estado buscava não apenas modernizar visualmente a cidade, mas também fixar uma nova identidade para o Brasil, condizente com suas aspirações de projeção internacional e com o esforço de consolidar uma administração centralizada. Assim, o neoclassicismo cumpriu papéis sociais e políticos fundamentais: organizou simbolicamente a vida urbana, marcou a presença institucional da monarquia e fortaleceu a construção de uma imagem de progresso, estabilidade e sofisticação cultural.

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Localizada em Nápoles, Itália, é uma importante igreja da região. Planejada junto à Praça do Plebiscito, foi erguida à oeste desta ao mando do rei Joachim Murat em homenagem à Napoleão Bonaparte, porém após sua morte e a chegada dos Bourbons ao trono, foi dedicada à São Francisco de Paula pelo então rei Fernando I, finalizando sua construção em 1816.

Firmitas: A fachada é obra do arquiteto Leopoldo Laperuta, utilizando frontão, pórtico, colunas jônicas e pilares. Internamente, possui um formato circular com 2 capelas laterais, rodeado por colunas da ordem coríntia, em seu topo há uma cúpula de 53 metros de altura. Dentre os materiais utilizados estão o mármore e pedra calcária, para as colunas e paredes, granito no piso, pinturas, afrescos e esculturas de mármore e adornado com lápis-lazuli;

Venustas: Visualmente inspirado no Panteão Romano, com um frontão liso, pórtico apoiado por 2 pilares e 6 colunas da ordem jônica. Sua cúpula circular ergue-se com 53 metros de altura, sustentada por um tambor apoiado em colunas coríntias, seu interior é entalhado com quadrados.

Utilitas: Basílica é um titulo concedido pelo papa vigente a uma igreja de grande importância histórica, espiritual e arquitetônica. Representa também o retorno da dinastia Bourbon ao trono de Nápoles. Seu amplo interior possui capacidade de acomodar milhares de fiéis, sendo esse um dos centro religiosos mais importantes de Nápoles.

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"A construção de um Capitólio estatal agitou os ânimos na América. O modelo seguido foi o Capitólio da antiguidade romana, como local privilegiado do poder democrático. A linguagem arquitetônica inspira-se no classicismo de Palladio e na sua teoria das proporções. A cúpula monumental de Thomas Walter é o símbolo da cidade. [...] A cúpula do Capitólio compete com a cúpula barroca de Miguel Ângelo e com a cúpula da catedral de Florença de Brunelleschi."

História da Arquitectura - da antiguidade aos nossos dias

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Perspectiva da Casa Branca desenhada por Jesse Spencer Smith.

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Capitólio de Washington - Firmitas, Venustas e Utilitas

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Capitólio de Washington - Firmitas, Venustas e Utilitas

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Firmitas: Por conta do baixo custo, um dos materiais principais para a construção do Capitólio é o ferro fundido. Com ele era possível superar grandes vãos, presando a beleza estética e ajudando também na economia de materiais, e também não era um material pesado em comparação com a pedra, fazendo com que o transporte seja mais barato também.

Venustas: Se assemelha muito a templos da Antiguidade Clássica, sendo os mesmos locais onde aconteciam as votações do povo sobre a decisão de certos assuntos, deixando ainda mais forte a ideia da democracia. Possui uma simetria e alinhamento perfeitos em todos os parâmetros: espacial, ornamental, estrutural, entre outros. As colunas e frontões que são muito comuns na Antiguidade Clássica e no Renascimento mostram a similaridade dos templos, retomando novamente a imponência da forma sobre a perspectiva histórica.

Utilitas: O Capitólio de Washington é o grande símbolo da política americana. É lá que todas as decisões e discussões são realizadas. Um lugar como esse demonstra imponência e poder, que era necessária para que a população visse e se apoiasse nessa sensação de estabilidade por meio da grandiosidade monumental deste edifício.

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Planta Baixa do primeiro pavimento - Capitólio de Washington

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Planta Baixa do primeiro pavimento - Capitólio de Washington

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Elevação e Corte -  Domo do Capitólio de Washington

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Elevação e Corte -  Domo do Capitólio de Washington

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É importante apontar que a grande estrutura foi construída principalmente com estruturas de ferro, fazendo com que fique mais fácil a superação do grande vão do domo. O revestimento externo, por sua vez, ainda se assemelham a pedra, trazendo uma estética classicista e poderosa. A utilização dos ferros expostos vão crescer com o passar dos anos e eles possuem o próprio movimento: A Arquitetura de Ferro.

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Afresco no interior do domo do Capitólio de Washington

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Afresco no interior do domo do Capitólio de Washington

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Muitas das artes do Capitólio americano foram pintadas pelo artista americano de descendência italiana Constantino Brumidi. Ele foi responsável pela pintura do afresco A Apoteose de Washington, localizada no topo do domo do Capitólio de Washington. Nela é retratada a figura de Washington rodeado por 13 donzelas em um anel interno, com muitos deuses e deusas gregos e romanos abaixo dele em um segundo anel. Demorou 11 meses para ser concluída.

Ele também foi responsável pela produção do Friso da História Americana. Esse, por sua vez, demorou 75 anos para ser concluída. O friso conta a história dos Estados Unidos, indo da chegada de Cristóvão Colombus nas Américas até o voo dos irmãos Wright, e além de Brumidi, outros três artistas fizeram parte dessa composição: Filippo Costaggini, Charles Ayer Whipple, and Allyn Cox.

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Foi construído entre 1851 e 1854 como residência de Francisco José da Rocha Filho, Conde de Itamaraty, e adquirido pelo governo brasileiro posteriormente em 1889. Foi assinada pelo discípulo de Grandjean de Montigny, José Maria Jacinto Rebelo. e se tornou sede do Poder Executivo Nacional, logo após a Proclamação da República, posto ocupado até 1897. Desse momento até 1970 seria ocupado como Escritório do Ministério das Relações Exteriores.

A fachada sóbria apresenta composição neoclássica francesa de fundo italiano. O interior revela características dos grandes solares do século XIX: saguão de acesso e salões nobres decorados se sobressaem no prédio de dois pavimentos. Segue com simetria e rigidez típicas do estilo neoclássico, com platibandas e colunatas com elementos mais retangulares e retilíneos.

Quanto aos materiais, não se tem dados da época, mas estima-se alvenaria, mármore e madeira nobre.

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Ademais, é possível perceber a atenção aos detalhes e cálculos minuciosos rumo a racionalidade. A busca por linhas retilíneas, horizontalidade e centralização trazem a aparência de estabilidade. Nesse contexto, observa-se a forma que a planta se adequa à lei áurea, mesmo nos menores elementos. Tal fator só é possível pelo cuidado do arquiteto José Maria Jacinto Rebelo (1772-1850), ao planejar o projeto.